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Zwei Jahre ist es inzwischen her, dass ich hier das Album „Echoes of North“ von Christine Kammerer vorgestellt und auch von einer ganz besonderen Art der Whiskyverkostung berichtet habe. Jetzt gibt es Neuigkeiten von Christine Kammerer: sie hat eine Kickstarter-Kampagne für ein neues Album gestartet, das den Titel „The Woman They Called Witch“ tragen wird.

Was war bisher?

„Whisky and Witches“ verbindet die Geschichte des Whiskys mit Liedern über die Region, aus der er stammt, Liedern, die den Whisky selbst beschreiben und Geschichten über die Rolle der Frauen bei der Whiskyherstellung. Hier wird aufgezeigt, weshalb Frauen als Hexen bezeichnet und verfolgt wurden: als eine Methode, um Frauen von der Herstellung der gewinnbringenden Herstellung von Aquavitae – Alkohol und eben auch Whisky auszuschließen.

Christine Kammerer ist eine dänische Sängerin, Multiinstrumentalistin, Songwriterin und Komponistin. Sie lebt in Schottland und erforscht dort schottisch-skandinavische Verbindungen auf der Basis der Musikgeschichte. Dabei geht es auch immer um die Geschichte von Frauen. Wie u.a. bei „Whisky and Witches“ deutlich wird.

Kickstarter-Kampagne für ein neues Album

Das Album „The Woman They Called Witch” für das Christine Kammerer jetzt eine Kickstart-Kampagne gestartet hat, wird eine Reise in zwei Teilen sein und in der Zeit von 2026 bis 2028 in zwei Alben produziert werden.

Schrecken und Folgen der Hexenverbrennung

„The Woman They Called Witch“ erinnert an die Schrecken und Folgen der Hexenverbrennung. Diese haben ein Trauma hinterlassen, das bis heute wirkt.

Christine Kammerer stellt mit den Alben die bis heute wirkenden Spuren der Hexenverbrennungen in einen Kontext mit den Erfahrungen, die Frauen heute noch machen, sowie ihrem persönlichen Lebensweg.

Sie sagt dazu:

Indem ich meine eigenen Lebenserfahrungen in das Schreiben von Musik einfließen lasse, die in der Geschichte verankert ist, möchte ich eine eindringliche Dimension schaffen, die unsere Wunden der Vorfahren unverblümt offenlegt.

Historischer Hintergrund und eine persönliche Reise

Die Alben sind auch das Ergebnis akademischer und musikalischer Forschung, die sich um die weibliche Erfahrung und die Verbindung zur Kraft des Göttlich-Weiblichen drehen.
Bereits in ihrer Masterarbeit an der Universität Kopenhagen hat Christine Kammerer Darstellungen und Interpretationen des weiblichen Körpers in verschiedenen Musikgenres untersucht.
Mit ihren Bands GJALDULEI und JOTUNGER hat sie sich mit dem Göttlich-Weiblichen, Göttinnen und weiblichen Figuren der nordischen und keltischen Mythologie auseinandergesetzt.

Diese Elemente greift sie auf und stellt Fragen dazu, wie weit das Frausein in der heutigen Zeit von dem geprägt ist, was in den Flammen der Hexenverbrennung verlorengegangen ist.
Sie verweist auf die Zeit, in der weise Frauen, Seherinnen und Göttinnen hohes Ansehen in der Gesellschaft genossen.
Durch die Musik erforscht sie, warum und wie es zu einem solch dramatischen Wandel der Einstellung gegenüber Frauen kam.
Dieser Wandel hat auch dazu geführt, dass viele Mädchen und Frauen sich in einem ständigen Alarmzustand befinden, der verhindert, dass die (Wachstums-)Kräfte frei durch Körper, Seele und auch Stimme fließen können.

Melodien und Texte von Hinrichtungshügeln und Steinkreisen

Der 1. Teil (also das Album, das zuerst veröffentlich werden soll) bringt diese Geschichte, Trauer und Wut ans Licht und will die Stärke offenbaren, die sich aus der Rückeroberung von Macht und Entscheidungsfreiheit entwickelt. Eben ein Ort des Fühlens, der Heilung und des gemeinsamen Aufbruchs.

Der 2. Teil befasst sich mit Heilung und der Wiederherstellung der Verbindung zum göttlich Weiblichen – sowohl auf persönlicher Ebene als auch innerhalb der Gemeinschaft. Zugleich folgt er dem Lebensweg der Frauen, der in den Göttinnen verschiedener Kulturen und Traditionen sichtbar wird.

Die Melodien und Texte hat Christine Kammerer in den letzten 10 Jahren an Orten wie Hinrichtungshügeln, Grabhügeln, Steinkreisen, Denkmälern und Denkmälern in Dänemark, Norwegen, Schottland und Deutschland gesammelt. Hinzu kommen Gedichte, Materialien aus ihren eigenen Tagebüchern und aus ihrer Therapiezeit.

Diese werden außerdem die Grundlage für Workshops in den Jahren 2027 – 29 sein, die in Zusammenarbeit mit verschiedenen Institutionen stattfinden werden.

Auseinandersetzung mit einer dunklen Epoche

Dies ist alles zusammengenommen ein umfassender Ansatz, sich mit der Frage, wie mit den Folgen der Hexenverbrennungen, dem damit verbundenen Verlust an Wissen und Erfahrung, den Nachwirkungen auf die Erfahrungen, die Frauen heute machen, umgegangen werden kann, so dass so etwas wie Heilung (im Sinne von Ganzheit und Verbindung) möglich werden kann.

Die Alben sollen die Möglichkeit bieten, sich durch die musikalische Darstellung dieser Zeit persönlich mit der dunkelsten Epoche der Frauengeschichte auseinanderzusetzen, einen Raum der Heilung schaffen und als musikalisches Denkmal für unsere Vorfahrinnen dienen.

Musikalisch wird das Album rockiger werden, als man es von Christine Kammerer bisher gewohnt ist, und von symphonischen und Gothic-Elementen geprägt sein. Und auch von ihrer ausdrucksvollen und variablen Stimme, die kraftvoll wie verletzlich klingen und so die vielen Facetten des Themas und der Musik ausdrücken kann.

Hier der Link, um das Projekt zu unterstützen. Dort gibt es auch weitere Informationen zu den Alben.

https://www.kickstarter.com/projects/ckammerer/the-woman-they-called-witch-a-symphonic-folk-rock-album?lang=fr

Und hier ein kurzer Einblick:

https://drive.google.com/file/d/1pdMUhmXhSKAAm5OeFB2OHFj76VvY1eIG/view

It is now two years since I introduced “Echoes of North” by Christine Kammerer here and also reported on a very special kind of whisky tasting. Now there is news from Christine Kammerer: she has launched a Kickstarter campaign for a new album, entitled “The Woman They Called Witch”.

What came before?

“Whisky and Witches” combines the history of whisky with songs about the region where it originated, songs that describe whisky itself, and stories about the role women played in whisky production. It explores why women were labelled and persecuted as witches: as a means of excluding women from the profitable production of aquavitae – alcohol, including whisky.

Christine Kammerer is a Danish singer, multi-instrumentalist, songwriter and composer. She lives in Scotland, where she explores Scottish-Scandinavian connections through music history. Her work is also consistently concerned with the history of women, as is particularly evident in “Whisky and Witches”.

Kickstarter campaign for a new album

The album “The Woman They Called Witch”, for which Christine Kammerer has now launched a Kickstarter campaign, will be a journey in two parts, produced as two albums between 2026 and 2028.

The horrors and legacy of the witch hunts

“The Woman They Called Witch” remembers the horrors and consequences of the witch hunts and burnings. They left behind a trauma whose effects can still be felt today.

Through these albums, Christine Kammerer places the continuing legacy of the witch hunts in the context of the experiences women still face today, as well as her own personal journey.

She explains:

By inserting my own lived experience into the writing of music anchored in history, I wish to create an immersive dimension that will unapologetically unveil our ancestral wounds.

Historical background and a personal journey

The albums are also the result of academic and musical research centred on the female experience and the connection to the power of the divine feminine.

Already in her Master’s thesis at the University of Copenhagen, Christine Kammerer examined interpretations of the female body across different musical genres.
With her bands GJALDULEI and JOTUNGER, she has explored the divine feminine, goddesses and female figures in Norse and Celtic mythology.
She draws on these elements to ask how much being a woman today is shaped by what was lost in the flames of the witch hunts.

She refers to a time when wise women, seers and goddesses were held in high esteem within society.
Through music, she explores why and how such a dramatic shift in attitudes towards women came about.
This shift has also contributed to many girls and women living in a constant state of alertness, preventing the forces of growth from flowing freely through body, soul and voice.

Melodies and lyrics from execution sites and stone circles

Part One – the album that will be released first – brings this history, grief and anger to light and seeks to reveal the strength that emerges from reclaiming power and agency. It is intended as a place for feeling, healing and setting out together on a new path.

Part Two focuses on healing and restoring the connection with the divine feminine – both on a personal level and within the community. At the same time, it follows the life journey of women as reflected in goddesses from different cultures and traditions.

Over the past ten years, Christine Kammerer has collected melodies and lyrics at places such as execution sites, burial mounds, stone circles and memorials in Denmark, Norway, Scotland and Germany. These are complemented by poetry and material from her own diaries and from periods of therapy.

This material will also form the basis for workshops taking place between 2027 and 2029, in collaboration with various institutions.

Confronting a dark chapter

Taken together, this represents a comprehensive approach to addressing the question of how we can come to terms with the consequences of the witch hunts, the associated loss of knowledge and experience, and the continuing impact on women’s experiences today – in a way that might make healing possible, in the sense of wholeness and reconnection.

The albums are intended to offer an opportunity to engage personally, through music, with the darkest chapter in women’s history, to create a space for healing, and to serve as a musical memorial to our female ancestors.

Musically, the album will be more in a rock direction than what listeners have previously come to expect from Christine Kammerer, with symphonic and Gothic elements shaping its sound. And, of course, there will be her expressive and versatile voice, capable of sounding both powerful and vulnerable, conveying the many facets of both the subject matter and the music.

Here is the link to support the project. You will also find further information about the albums there.

https://www.kickstarter.com/projects/ckammerer/the-woman-they-called-witch-a-symphonic-folk-rock-album?lang=fr

And here is a short preview:https://drive.google.com/file/d/1pdMUhmXhSKAAm5OeFB2OHFj76VvY1eIG/view

Im Jahr 1999 gegründet, entwickelten GÅTE einen eigenständigen Sound, in dem sich nordische Folktradition mit Rockmusik sowie elektronischer Musik und Metal-Elementen verbinden. Traditionelle musikalische Formen werden dabei nicht lediglich zitiert, sondern in einen modernen und oft energiegeladenen Kontext gebracht und auf eine einzigartige Weise zu etwas Neuem transformiert.
Auch inhaltlich greifen GÅTE auf Überlieferungen, Erzählungen und Motive aus der norwegischen Kultur- und Folkloregeschichte zurück. In ihren Texten geht es um Schicksal und Verlust, Sehnsucht und Beziehungen. Neben Legenden und volkskundlichen Stoffen finden sich moderne Lyrik und eigene Texte.
Dabei sind sie – was auf „Sigil“ erneut deutlich wird – immer ausdrucksstark, geheimnisvoll und auch melancholisch.

Bereits das Debütalbum „Jygri“ erreichte 2002 Platz eins der norwegischen Albumcharts. GÅTE erhielten dafür den Spellemannprisen, einen der wichtigsten norwegischen Musikpreise, in der Kategorie „Best Newcomer“.

2024 vertrat die Band Norwegen beim Eurovision Song Contest. Im selben Jahr unterschrieben GÅTE beim Metal-Label Season of Mist. Diese unterschiedlichen Stationen verweisen auch auf die stilistische Spannweite ihrer Musik.

„Sigil“ – Symbol für Wünsche, Kräfte und Absichten

GÅTE eröffnen das Album „Sigil“ mit dem Lied „Bergteken“ und atmosphärischen Geigen-Klängen, an die sich sanfter Gesang anschließt, bis Trommeln und kraftvolle Gitarren einsetzen. Der Song kommt gerade durch die Trommelrhythmen immer mehr in Bewegung und die Klänge werden zunehmend dichter, bis Geige, Gitarren den Song intensiv ausklingen lassen. Ein großartiger Einstieg in das Album. Schon hier zeigt sich, wie es GÅTE immer wieder gelingt, Folk-Klänge neu zu verbinden  und zu interpretieren.

„Oskorsreia“,womit im Volksglauben eine reitende Schar von Geistern bezeichnet wird, beschwört hier die „Wilde Jagd“ als Spiegel für modernen Konsum und Überfluss. Harte Alternative-Metal-Riffs fügen sich mit schwarz-metallischen Tönen zu einem druckvollen Stück zusammen.

Ein „Sannsiger“ ist eine Person, die Zeichen und Visionen deuten kann und daraus Schlüsse für die Zukunft zieht. GÅTE beziehen sich damit auf eine Figur, die es in dieser Form in verschiedenen folkloristischen Erzählungen gibt. Hier wird sie aber weiter verstanden als jemand, der es wagt, unbequeme Wahrheiten auszusprechen.
Zu Gast ist Maria Franz von HEILUNG. Sie fügt dem Klang weitere Facetten hinzu und unterstreicht den Eindruck der Anteile, die an Klänge aus Ritualen erinnern.

„Nokon“ ist eines der Lieder, die stark von der Percussion getragen werden. Wiederkehrende rhythmische Muster, elektronische Elemente, Sprechgesang und Rufe erzeugen eine archaisch anmutende Atmosphäre. Gerade das Zusammenspiel von Wiederholung und klanglicher Verdichtung macht diesen Song zu einem interessanten und spannenden Stück

„Bòd frå djupet“ wird – wie auch „Songen“ vor allen Dingen durch die Melodie geprägt. Dem Gesang wird viel Raum gegeben, den die sanft und energisch zugleich klingende Stimme von Gunnhild Sundli ausfüllt. Sie fordert dazu auf, die eigenen Sehnsüchte und Träume zu achten und Etwas aus dem zu machen, was einem geschieht und begegnet.

Mit „Strandvaskar“ wird wieder eine Legende bzw. Erzählung aufgegriffen. Strandvaskar ist das Wort für die Leiche eines Ertrunkenen, die vom Meer an den Strand gespült wird.
Das Lied ist wie ein Dialog zwischen dem Strandvaskar und der Person, die ihn gefunden hat.
Die Dynamik zwischen dem Hingezogensein und dem Impuls, sich abzuwenden, wird durch das Spiel der Hardangerfidel unterstrichen.
Hier werden auf einem elektronischen Fundament traditionelle Elemente in einen ‚modernen‘ Rahmen gefasst.

„Songen“ ist wiederum von einer feinen Melodie geprägt, die rhythmisch durch das Zupfen der Fidel unterstrichen wird. Federleicht, melancholisch und zurückhaltend, was die Instrumentierung angeht, wird über Töne, die sanft wie Haut sind, und Lieder, die beschützen sollen, gesungen.

Auch „Aude“ beginnt sanft, nimmt dann, angetrieben von rhythmischen Elementen, immer mehr an Energie und Dichte zu, ohne dabei wirklich laut zu werden.

„Mi Jord“ ist wie eine Zusammenführung aller bisher genutzten Elemente zu einem eindringlichen Lied. In einem Raum mit elektronisch geprägten, atmosphärischen Klängen, entwickeln sich einprägsame Melodien, die noch lange nachhallen.

Der abschließende Song des Albums, „Jostedalsrypa“, zieht sich nach all dieser Bewegung in einen bemerkenswert ruhigen und intimen Raum zurück und lässt das Album sanft ausklingen.

Tradition ist etwas Lebendiges

Auf „Sigil“ gibt es rhythmus- und melodiefokussierten Stücke, leichte und schwere Passagen innerhalb der einzelnen Lieder, die sich gegenseitig in ihrer Wirkung unterstützen.
Die eher folk-orientierten Abschnitte umrahmen die progressiven Elemente und ungewöhnliche Taktarten sind eingebettet in eingängige Melodien und atmosphärische Klänge. Die elektronischen Elemente und die aus eher progressivem Metal bilden zusammen mit traditionellen Strukturen eine Einheit. Die besondere Spannung entsteht dadurch, dass es sich immer so anfühlt, als wenn diese Anteile sich ständig zwischen Annäherung und Distanzierung bewegen.
Und immer wieder ist es der Gesangsstil, der den Folk-Charakter unterstreicht. Wobei Gunnhild Sundli nicht einfach traditionelle Gesangsstile nutzt, sondern sie gestaltet und dadurch die Lieder prägt.
Das ist es auch, was die Musik von GÅTE so eigenständig macht: sie nutzen die traditionellen Elemente nicht als ‚Effekte‘, oder als Tradition, die ‚bewahrt‘, konserviert werden muss, sondern als lebendige Formen, die sie jeweils neu ausfüllen oder verändern.

Unsere Musik kommt aus einem Ort, an dem Tradition nicht etwas Festes, sondern etwas Lebendiges ist. Wir schöpfen aus alten Quellen, weil sie uns noch ansprechen und weil sie uns heute erlauben, etwas Ehrliches und Menschliches auszudrücken.

Das neue Album heißt „Kreuzwege“ und ist bereits das 10. Studioalbum. Auch dieses Album wurde durch ein Crowdfunding finanziert. Hier hat sich wieder gezeigt, dass eine enge Verbindung zwischen Thomas Godoj und seinen Fans besteht. Für diese gab es dann auch eine Besonderheit: sie konnten das Album zusammen mit dem Konzertticket bereits vor dem Release erhalten.

Kreuzwege: Entscheidungspunkte im Leben

Zu dem Titel „Kreuzwege“ sagte Thomas Godoj:

„Kreuzwege“ – Ein Wort, das für so vieles steht. Entscheidungen. Umwege. Schmerz. Wachstum. Und die Kraft, trotzdem weiterzugehen. Ich glaube, jeder von uns kennt solche Kreuzwege im Leben – manche laut, manche leise. Manche reißen uns den Boden unter den Füßen weg, andere führen uns dahin, wo wir eigentlich hingehören.

Entscheidungen, Schmerz, Wachstum, mentale Gesundheit, die Rolle von persönlichen Stärken und gesellschaftlichem Druck sind daher die Themen der Texte.

Druckvoller Dark-Rock

Auch musikalisch hat Thomas Godoj eine neue Richtung eingeschlagen und gleichzeitig weiterentwickelt, was auf dem bisherigen Weg bestimmend war.

Rockige Strukturen gibt es nach wie vor. Doch insgesamt ist der Sound härter, metallischer, dunkler und aneckend. Es gibt warme und atmosphärische Momente, aber genauso hat er Einflüsse aus Industrial und Gothic Metal aufgegriffen, um die Themen musikalisch umzusetzen.

„Kreuzwege“ – Die Vergangenheit nicht über die Gegenwart bestimmen lassen

Das Album beginnt mit dem Titelsong „Kreuzwege“. In einer dunklen Atmosphäre geht es um Wunden, Narben und Dunkelheit und dennoch geht der Blick nach vorne.

Das Thema wird in „Damals und heute“ weitergeführt. Kraftvoller und gleichzeitig verletzlicher Gesang prägt den Song.

„Wut“ ist durchzogen von metallischer Dynamik und „Kämpferherz“ hat feine rockige Hook-Lines

„Schattenheld“ ist ein Song gegen Gleichgültigkeit und eine Ermutigung dort hinzusehen, wo es wehtut. Mit einfühlsamer Stimme singt er davon, dass jemand da ist, wenn die eigene Welt zerbricht.
Der Bonustrack „Schattenheld“, bei dem Rapper C.Kretz seine Akzente setzt, erhält dadurch nicht nur weitere Facetten, sondern auch eine andere Dynamik.

Dunkle, tiefe Klänge und eine tiefe Stimme leiten „Endorphine“ ein, bis sie von einem eingängigen Refrain abgelöst werden.

„Letzte Liebe“ ist ein druckvoller, temporeicher Song, mit einem Backing-Chor, der sich aus Crowdfundingsupportern zusammensetzt.

„Beweis von Licht“ ist mein persönliches Highlight des Albums:  tief gestimmten Gitarren, dunkle doomige Klänge, progressive Elemente und ein tolles Solo.

7 + 3 (Bonus-) Songs

Neben einer englischen Version von „Kreuzwege“ und „Schattenheld“ in der Zusammenarbeit mit C.Kretz gibt es noch den wunderschönen Song „Neuland“ in einer Akustikversion, die neben einem eingängigen Refrain auch wieder ein feines Solo enthält.

„Kreuzwege“ ist ein abwechslungsreiches Album, bei dem weder die Themen noch die Musik geglättet sind. Es ist geprägt von Thomas Godojs markanter Stimme, die sowohl rau und ungezähmt als auch verletzlich klingt, und feinen Gitarrensoli auf dunklen Synth-Strukturen mit druckvollen Gitarren und eingängigen Hook-Lines.

Neben den Texten, bei denen sich ein Hinhören wirklich lohnt, bieten die Gitarrensoli von René Lipps besondere Momente.

Mit diesem Album kann Thomas Godoj sicher nicht nur seine bisherigen Fans weiter mitnehmen, sondern auch viele neue gewinnen, die sich durch harte Klänge in alternativen und atmosphärischen Strukturen ansprechen lassen.

Das Covermotiv mit dem „X“ in Doppelbedeutung wurde von Björn Gooßes von Killustrations umgesetzt.

Mit der Nyckelharpa als zentralem Instrument verbindet JOHN STENERSEN alte nordische Traditionen mit einer ausgesprochen dunklen, atmosphärischen Klangsprache. Bekannt durch seine Arbeit mit WARDRUNA und GÅTE, verfolgt er nun seit vielen Jahren ein eigenes Solo-Projekt, in dem traditionelle Melodien auf Drone-Flächen, historische Instrumente und moderne Klangwelten treffen. Beim Midgardsblót–Festival präsentierte er sein Projekt erstmals live – allein auf der Bühne, aber begleitet von einer Welt aus Klängen und Bildern.

Wie klingt norwegische Tradition, wenn man sie durch eine dunkle, moderne Klangästhetik betrachtet? Im Gespräch erzählt John Stenersen von seiner Faszination für die Nyckelharpa, den Anfängen des Solo-Projekts, der besonderen Atmosphäre des Midgardsblót-Festivals und davon, warum jetzt der richtige Moment ist, seine Musik mit einem größeren Publikum zu teilen.

Das Interview

Kommst du aus einer musikalischen Familie, in der traditionelle Musik eine Rolle spielt? Oder anders gefragt: Wie bist du zum ersten Mal mit traditioneller Musik in Berührung gekommen?
John: Nein, ich komme nicht aus einer musikalischen Familie. Niemand außer mir spielt ein Instrument – ich bin die Einzige.

Gab es einen bestimmten Moment, in dem du dachtest: Diese Musik möchte ich selbst spielen?
Mein Interesse an Musik begann schon früh. Im Fernsehen habe ich Konzerte und Auftritte von Geigern und Rockbands gesehen. Mich haben die Bühne und die Musik schon immer fasziniert und angezogen. Ich glaube, mein erster Kontakt mit Folkmusik war durch Annbjørg Lien und ihr Album „Prisme“.

Die Nyckelharpa scheint inzwischen dein Instrument zu sein – schließlich steht sie im Mittelpunkt deines Soloprojekts. Wie bist du dazu gekommen, dieses Instrument zu spielen? Hattest du Unterricht oder einen Lehrer? Ich habe gelesen, dass du dir das Spielen selbst beigebracht hast.
Ich wollte eigentlich schon immer Geige spielen, aber ich habe nie einen Lehrer gefunden. Und es war ziemlich schwierig, mir das Instrument anhand von Büchern selbst beizubringen, weil man bei einem leeren Griffbrett schließlich nicht weiß, wohin mit den Fingern. Heute ist das dank YouTube und Markierungen auf dem Griffbrett viel einfacher, aber damals gab es so etwas für mich nicht.
2008 war ich auf einem Festival und traf dort einen Schweden, der mir von der Nyckelharpa erzählte. Ich wusste zunächst überhaupt nicht, was das für ein Instrument war. Also zeigte er mir ein Foto. Und in dem Moment, als ich es sah, wusste ich: Das kann ich mir selbst beibringen.
Ich suchte anschließend auf YouTube danach und fand ein Video von einer Frau, die Nyckelharpa spielte. Ich war sofort begeistert von ihrem Klang, weil er wie eine tiefe, dunkle Hardangerfiedel klingt.

Du hast dich also auf Anhieb in den Klang verliebt. Wie ging es danach weiter?
Zwei Wochen später fuhr ich nach Uppsala, um mir eine zu kaufen. Dort bekam ich etwa 15 Minuten Unterricht. Er zeigte mir, wie man das Instrument und den Bogen hält, erklärte mir die Stimmung und zeigte mir eine Tonleiter. Danach klopfte er mir auf die Schulter und sagte: „Viel Glück!“
Ich fuhr zurück nach Norwegen und begann zu üben. Es dauerte ein paar Jahre, bis ich das Gefühl hatte, wirklich sagen zu können, dass ich Nyckelharpa spielen kann. Aber irgendwann hatte ich es geschafft – mit sehr viel Übung.

Du arbeitest offenbar schon seit 15 Jahren an deinem Soloprojekt. Wie entstand die Idee zu einem Soloalbum? Hat das auch mit dem Instrument selbst zu tun, das traditionell eher solistisch oder zur Begleitung von Gesang gespielt wird?
Als ich 2007 meine erste Band BERGTATT gründete, haben wir immer Instrumentalstücke gespielt. Ich habe außerdem schon immer komponiert. Deshalb hatten wir bereits auf unserer ersten Sommertour 2009 einige Instrumentalstücke im Programm, bei denen die Nyckelharpa das Hauptinstrument war.
Damals entstand zum ersten Mal der Gedanke, etwas als Soloprojekt zu machen. Bei jedem Stück, das ich lernte oder selbst komponierte, hatte ich dieses Projekt im Hinterkopf. Seitdem habe ich immer wieder daran gearbeitet. Wenn ich darüber nachdenke, sind es inzwischen tatsächlich 17 Jahre.

„Tronsgårdhallingen“ – Wurzeln in der traditionellen Musik

Inzwischen hast du das Projekt abgeschlossen, und der erste veröffentlichte Song war „Tronsgårdhallingen“. Warum hast du gerade dieses Stück ausgewählt, um dein Projekt vorzustellen? Verbindest du etwas Besonderes damit?
Ich kenne das Stück schon seit vielen Jahren, und es bringt die Menschen eigentlich immer in Bewegung. Sie stampfen mit den Füßen, tanzen oder bewegen sich einfach irgendwie zur Musik. Ich hatte es allerdings noch nie in einem dunklen Arrangement gehört – und genau das wollte ich ausprobieren. Das ist etwas, das ich mit all meinen Songs mache.
Ich wollte mein Projekt mit diesem Stück beginnen, weil es eine bekannte traditionelle Melodie aus Norwegen ist. Mir war wichtig, zunächst meine Wurzeln zu zeigen und die Tradition zu würdigen, indem ich meine eigene Version dieses Stücks präsentiere, bevor ich meine eigenen Kompositionen veröffentliche.

Das Midgardsblót-Festival ist ein ziemlich besonderes Festival – zumindest aus meiner Sicht. Ist es für dich ebenfalls etwas Besonderes? Du hast dort ja auch schon mit WARDRUNA und KALANDRA gespielt.
Midgardsblót ist mein liebstes norwegisches Festival. Es herrscht dort einfach eine unglaublich gute Atmosphäre. Ich habe schon viele Male dort gespielt. Im ersten Jahr war ich mit BERGTATT dort, später noch einmal, und außerdem habe ich dort mit WARDRUNA und KALANDRA gespielt.
Dort habe ich auch Einar [Selvik, Gründer von Wardruna] zum ersten Mal getroffen. Ich hatte WARDRUNA dort sogar schon gesehen, bevor ich selbst Teil der Band wurde.

Was bedeutet es dir, dein Soloprojekt ausgerechnet dort zu präsentieren?
Ich habe mich dafür entschieden, mein Soloprojekt beim Midgardsblót zu veröffentlichen, weil es für mich der perfekte Ort dafür war. Ich wusste, dass dort viele Menschen sein würden, die sich für diese Art von Musik interessieren. Und ich bin unglaublich glücklich über die Reaktion.
Die Menschen standen teilweise über eine Stunde lang Schlange, um hineinzukommen. Sie tanzten, stampften mit den Füßen und klatschten zu den Songs mit. Das war ein unglaubliches Gefühl! Es lief genauso gut, wie ich gehofft hatte, und ich habe danach sehr viele positive Rückmeldungen bekommen.

Klangwelt und Bilder und ein begeistertes Publikum

Wie war es für dich, ganz allein auf der Bühne zu stehen?
Bei „Tronsgårdhallingen“ spielst du zusätzliche Instrumente. Wie hast du das bei der Show umgesetzt? Hast du mit Backing-Tracks gearbeitet? In den kurzen Videoclips ist das nicht zu hören. Und was war in diesem Moment die größte Herausforderung für dich?
Allein auf der Bühne zu stehen, ist etwas völlig anderes, als mit einer Band aufzutreten, weil man niemanden hat, an dem man sich orientieren oder auf den man sich verlassen kann.
Bei dieser Show habe ich mit Backing-Tracks gearbeitet. Das einzige Instrument, das live gespielt wurde, war meine Nyckelharpa. Die Backing-Tracks hatte ich mit Drehleier, Moraharpa, Tagelharpa, Harmonium, Synthesizer, Rahmentrommeln sowie Percussion aus Stöcken, Steinen, Knochen und Hörnern erstellt.
Außerdem habe ich ein Video produziert, das mit den Backing-Tracks synchronisiert war und auf einer Leinwand hinter mir lief. Da ich allein auf der Bühne stand, war es mir wichtig, auch visuell etwas zu bieten und die Show für das Publikum abwechslungsreicher zu gestalten.
Das Video besteht hauptsächlich aus Drohnenaufnahmen von Landschaften und Natur, die ein Freund für mich gemacht hat. Und es hat tatsächlich sehr gut funktioniert! Ich habe gesehen, dass viele Menschen immer wieder auf die Leinwand geschaut haben – das hat mich sehr gefreut.

Du trittst normalerweise mit Bands auf und hast deshalb einen direkten Vergleich. Was ist für dich der größte Unterschied? Gab es etwas, das dich überrascht hat?
Der größte Unterschied ist, dass man niemanden hat, an dem man sich festhalten kann. Wenn irgendetwas passiert, ist niemand neben einem. Man ist vollkommen auf sich allein gestellt und trägt die Verantwortung für alles.

Wie hast du die Reaktion des Publikums erlebt? Was hat dich besonders gefreut oder beeindruckt?
Ich habe mich unglaublich gefreut, als ich gesehen habe, wie sich die Menschen zur Musik bewegen. Und als sie angefangen haben zu klatschen, hatte ich das Gefühl, dass ich sie wirklich erreicht habe.

Wie du bereits erwähnt hast, lief im Hintergrund ein Video. Oder gibt es für jeden Song ein eigenes Video? Welche Funktion hat es? Was wird darin gezeigt oder erzählt, und welchen Aspekt der Musik beziehungsweise der Songs möchtest du damit hervorheben?
Ja, für jeden Song gibt es ein eigenes Video, das mit meinem Backing-Track synchronisiert ist. Es handelt sich hauptsächlich um Drohnenaufnahmen aus der Natur, aber es gibt auch Ausschnitte aus kommenden Musikvideos.
Manche Videos zeigen ausschließlich Natur, andere erzählen eine Geschichte. Mehr dazu werde ich später verraten, wenn weitere Singles veröffentlicht werden.

Ein paar Geheimnisse

Gibt es etwas, das du bei zukünftigen Shows grundsätzlich anders machen möchtest?
Ich habe diesbezüglich ein paar Geheimnisse, die ich später enthüllen werde.

Geheimnisse – jetzt bin ich natürlich neugierig. Du hast sehr lange an diesem Projekt gearbeitet. Wie hat es sich im Laufe der Jahre entwickelt? Und wie nah ist das, was du jetzt präsentierst, an deiner ursprünglichen Idee?
Ich arbeite schon sehr lange daran, und tatsächlich entspricht es zu 100 Prozent der ursprünglichen Idee. Das Projekt war bereits vor vielen Jahren fertig. Es lag einfach in einer Schublade und wartete auf den richtigen Zeitpunkt für die Veröffentlichung.

Was war letztlich der entscheidende Faktor dafür, dass du das Projekt gerade jetzt einem Publikum präsentieren wolltest? Hat dabei auch dein Erfolg mit WARDRUNA und GÅTE eine Rolle gespielt? Jetzt war einfach der perfekte Zeitpunkt. Viele Menschen kennen mich inzwischen durch diese Bands. Dadurch ist es heute viel leichter, Aufmerksamkeit für meine eigene Musik zu bekommen als noch vor 15 Jahren.

Leider kenne ich bisher nur einen der Songs. Wovon handeln die anderen Stücke, die du bereits gespielt hast und die auf dem Album erscheinen werden?
Alle Songs sind instrumental. Zunächst werde ich einige traditionelle Stücke veröffentlichen, um meine Wurzeln und meine Herkunft zu zeigen. Danach werde ich beginnen, meine eigene Musik herauszubringen.
Ich komponiere bereits seit meinem 14. Lebensjahr auf unterschiedliche Weise Musik für verschiedene Instrumente. Deshalb habe ich eine ganze Menge Material, aus dem ich auswählen kann.

Diese traditionellen Stücke wurden über lange Zeit hinweg weitergegeben, schlicht indem sie immer wieder gespielt wurden – und jeder Musiker hat sie dabei ein wenig verändert. Was hast du an ihnen verändert? Was ist dein eigener Beitrag, deine persönliche Interpretation? Vielleicht kannst du auch ein wenig beschreiben, was den Charakter der Stücke ausmacht, welche Instrumente du eingesetzt hast und wie du ihren besonderen Klang erzeugst.
Die meisten dieser Stücke bestehen aus zwei oder drei Themen. Ich habe einige eigene Themen hinzugefügt und rund um die Melodien ein dunkles Arrangement entwickelt.Das Arrangement basiert hauptsächlich auf alten nordischen Instrumenten, ergänzt durch einen tiefen, dunklen Synthesizer. Über die Stücke hinweg gibt es vor allem einen dunklen Drone aus Drehleier, Harmonium und Synthesizer. Der Puls kommt von einer Rahmentrommel, während der Backbeat aus einer Mischung von Moraharpa, Tagelharpa und Nyckelharpa besteht. Als Percussion kommen ein Holz-Shaker, Stöcke, Steine, Knochen und Hörner zum Einsatz.
All diese Instrumente und Klänge schaffen eine dunkle Atmosphäre rund um die Nyckelharpa.

Eine dunkle Atmosphäre – so möchte ich diese Musik hören

„Tronsgårdhallingen“ wurde und wird traditionell auf der Geige gespielt. In der Bearbeitung für Nyckelharpa verändert sich jedoch der Klang und damit auch der Gesamteindruck. Die Musik wirkt dunkler und düsterer. Eine solche dunkle Atmosphäre zu erzeugen, gehört ja auch zu deinen erklärten Zielen.Warum findest du, dass diese Klangästhetik besonders gut zu dem Stück passt? Was macht die dunklere Atmosphäre für dich so stimmig?
Ich höre selbst schon immer gern dunkle Musik, deshalb fühlte es sich für mich ganz natürlich an, solche Musik zu machen. Außerdem habe ich diese Stücke noch nie auf diese Weise gehört. Genau so möchte ich diese Musik selbst hören. Deshalb wollte ich die Version dieser Stücke erschaffen, die mir persönlich am besten gefällt.

Wie gelingt es dir, die Tradition zu bewahren und gleichzeitig authentisch zu bleiben – also in dem Sinne, dass daraus deine Musik wird?
Oder anders gefragt: Sind Lieder, die über viele Generationen weitergegeben wurden, gerade deshalb zeitlos, weil ihre grundlegende Struktur erhalten bleibt, während jede Generation sie auf ihre eigene Weise interpretiert und damit den jeweiligen Zeitgeist widerspiegelt?
Ich denke, jeder, der diese Lieder spielt und mit ihnen arbeitet, ist ein Bewahrer der Tradition. Jeder trägt dazu bei, diese Lieder und die Tradition lebendig zu halten.
Ich hoffe, diese Musik über die Grenzen Norwegens hinaus bekannt zu machen und den Menschen in Europa die Möglichkeit zu geben, diese Lieder und diese Tradition zu entdecken.

Ausblick auf die Tour 2027

Du wirst mit dem Projekt auch auf Tour gehen. In welchen Ländern und Städten wirst du auftreten?
Ich plane, 2027 auf Tour zu gehen. Welche Länder und Städte es genau sein werden, werde ich später bekannt geben.

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With the nyckelharpa at the heart of his music, JOHN STENERSEN combines ancient Nordic traditions with a distinctly dark and atmospheric sound. Known for his work with WARDRUNA and GÅTE, he has been developing his own solo project for many years, bringing traditional melodies together with drone textures, historical instruments and modern soundscapes. At the Midgardsblót-Festival, he presented the project live for the first time — alone on stage, but surrounded by a world of sounds and images.

What does Norwegian tradition sound like when viewed through a dark, modern sonic aesthetic? In this interview, he talks about his fascination with the nyckelharpa, the origins of his solo project, the unique atmosphere of Midgardsblót, and why now feels like the right moment to share his musical vision with a wider audience.

The Interview

Do you come from a (musical) family in which traditional music plays a role, or how did you first come into contact with traditional music?
No, I don’t come from a musical family. No one but me in my family plays an instrument, I’m the only one.

So was there a particular moment when you thought: I would like to play this music, too?
The interest for music started from a young age when I saw concerts and performances on TV of fiddlers and rock bands. I’ve always been drawn to the stage and music, I’ve always found that very intriguing. I think my first contact with folk music was through Annbjørg Lien and her album “Prisme”. 

The nyckelharpa seems to be your instrument, as you have put it at the forefront of your solo project.
How did you come to play the instrument?  Did you have lessons or a teacher? I read somewhere that you taught yourself to play the instrument.
I always wanted to play the fiddle, but I never found a teacher and it was too hard teaching myself that instrument from books, not knowing where to put your finger on a blank fretboard. It’s easier now with YouTube and stickers for your fretboard telling you where to put your finger, but back then I had nothing like that. I was at a festival in 2008 and there I met this Swedish man who talked about the nyckelharpa and I did not quite understand what it was, so he showed me a photo of it and the moment I saw that photo I knew that I can teach myself that instrument. So I searched it up on YouTube and I found one video of a woman playing the nyckelharpa and I loved the sound, because it sounds like a deep and dark Hardanger Fiddle.

So you fell in love with the sound. What happened next?
Two weeks later I drove to Uppsala to buy one. I got 15 minutes of instruction where he showed me how to hold the instrument and the bow, told me how it was tuned and showed me a scale. Then I got a pat on the shoulder and a “Good luck!”. I drove back to Norway and started practicing. It took a few years before I felt like I could say that I could play the nyckelharpa, but I got there in the end with a lot of practice. 

You have apparently been working on your solo project for 15 years. How did the idea of developing a solo album come about? Does it have something to do with the instrument, given that it is traditionally played more as a solo instrument or accompanied by singing?
When I started my first band BERGTATT back in 2007 we always did instrumental songs, and I have always been composing so even on our first summer tour in 2009 we included some instrumental songs with the nyckelharpa as the main instrument. So that was when the thought of doing something solo started. So for every song I learned or every song I composed I always had the solo project in the back of my mind and I’ve been working on it on and off since then actually so it’s actually 17 years now that I think about it. 

‘Tronsgårdhallingen’ – Roots in traditional music

You’ve now completed the project and the first song you released was “Tronsgårdhallingen”. Why did you choose this particular song to introduce your project? Do you have a special connection to it?
It’s a song I’ve heard for many years and it always makes people move. Either stomping their feet, dancing or in some way moving to the song, but I’ve never heard it in a dark arrangement, so I wanted to make that. That’s what I do with all my songs. I chose to start with this because it’s a well known traditional tune from Norway and I wanted to start my project with first showing my roots and honor the tradition by making my own version of this before releasing my own compositions.

The Midgardsblót-Festival is quite a special festival (at least from my perspective). Is it special for you as well? You have played there with WARDRUNA and KALANDRA, too, haven’t you?
Midgardsblót is my favourite Norwegian festival, it has such a good vibe. I have played there many times. I played there the first year with BERGTATT and again another year, and I’ve also played there with WARDRUNA and KALANDRA. This is also where I met Einar [Selvik, founder of Wardruna] for the first time, and I’ve also seen WARDRUNA play there before I joined the band. 

A world of sound and images, and an enthusiastic audience

What does it mean to you to present your solo project there in particular?
I chose to release my solo project at Midgardsblót because it was the perfect spot for me to do it. I knew there were going to be a lot of people who were interested in this kind of music there, and I’m so happy about the response. There were people standing in line for over an hour waiting to get in. People were dancing, stomping their feet and clapping along to the songs so that was an amazing feeling! It went as well as I had hoped for! I got so many positive comments afterwards!

What was it like to stand on stage alone? You play additional instruments on “Tronsgårdhallingen”. How did you handle that during the show? Did you use backing tracks? What was the biggest challenge for you in that moment?
Standing alone on stage is something completely different than being on stage with a band, because you have no one to lean on. When I played this show I used backing tracks, so the only thing that was live was my nyckelharpa. I had created backing tracks with hurdy-gurdy, moraharpa, tagelharpa, harmonium, synth, frame drums and percussion from sticks, stones, bones and horns. I also created a video that’s synched to the backing tracks playing on a screen behind me. Because I’m only one person on stage it was important for me to have video to make it more interesting for the audience. It’s mainly drone shots of nature that a friend of mine made for me, and it really worked! I saw a lot of people watching the video so that was great! 

You normally play in bands, so you have a direct comparison. From your experience, what is the biggest difference? Was there anything you hadn’t expected?
The biggest difference is that you have no one to lean on. No one is there with you if anything happens. You’re completely alone and you’re responsible for everything. 

How did you perceive the audience’s reaction? What pleased or impressed you the most?
I was so happy when I saw people move to the music, and when people started clapping I felt I had reached them. 

As you said, there was a video in the background. What role does it play? What is being shown, and which aspect of the music is it intended to emphasise?
Yes, there’s a video for every song synched to my backing track. It’s mainly drone shots of nature, but there are also some snippets of upcoming music videos. Some of them are only nature, and some of them tell a story. I will reveal more of that later as more singles are being released. 

A few secrets

Is there anything you would fundamentally do differently in future shows?
I have a few secrets around this I’ll reveal later.

Secrets – I’m curious to see what they are. You have worked on the project for quite a long time. How has it developed over the years? How close is what you have presented now to the original idea? Yes, I’ve been working on it for a very long time and it’s 100% as the original idea. This project has been ready for many years, just laying in a drawer waiting for the right time to be released. 

What was the decisive factor in making you take the project to an audience now, at this particular point in time? Did your success with WARDRUNA and GÅTE play a role in this?
Now was the perfect time as a lot of people now know me from these bands, so it’s much easier to get some attention around my music now compared to 15 years ago. 

Unfortunately, I only know one of the songs so far. What are the other songs you performed and that will be on the album about?
All songs are instrumental. I’ll first release some traditional songs to show my roots and where I come from, and then I’ll start releasing my own music. As I’ve been composing music in some way on different instruments since I was 14 years old, I have a lot of music to choose from. 

These traditional songs were passed down over a long period of time simply by being played, and each musician changed them a little. What have you changed? What is your contribution, your interpretation? Perhaps you could describe a little here what defines the songs, which instruments you have used, and how you create their distinctive sound.
Most of these songs have 2-3 themes. I have made a few themes myself to add to the songs and I have made a dark arrangement around the melodies. This arrangement consists mainly of old nordic instruments, but I’ve also added a deep dark synth. It’s mainly a dark drone throughout the songs consisting of Hurdy-gurdy, harmonium and synth. The pulse is a frame drum and the backbeat is a mix of moraharpa, tagelharpa and nyckelharpa. The percussion is a wooden shaker, sticks, stones, bones and horns. All of these instruments and sounds create a dark atmosphere around the nyckelharpa. 

A sombre atmosphere – that’s how I’d like to listen to this music

“Tronsgårdhallingen” was and is traditionally played on the fiddle in folk music. When adapted for the nyckelharpa, the sound and the overall impression change. The music sounds darker and more sombre. One of your aims is also to convey a dark atmosphere. Why do you feel this suits the song better? Why does a darker atmosphere feel more appropriate to you?
I listen to dark music, I always have, so it felt very natural to me to create dark music. I also have never heard these songs this way before. This is the way I want to hear these songs myself, so I wanted to create the version of these songs that I like best. 

How do you manage to preserve the tradition while also remaining authentic? Authentic in the sense that it is your music. Or, put another way: are songs that have been passed down through many generations timeless precisely because their basic structure remains intact, while each generation “colours” them in a way that reflects its own spirit of the age?
I think everyone who plays and uses these songs are tradition keepers. They all help keep these songs and the tradition alive. I hope to bring this music out of Norway and let the people of Europe discover these songs and this tradition. 

A look ahead to the 2027 tour

You will be going on tour. Which countries/cities will you be performing in?
I plan to go on tour in 2027 and I’ll reveal the countries and cities later. 

John Stenersen startet sein Soloprojekt mit „Tronsgårdhallingen“

Der norwegische Musiker John Stenersen, den viele von euch wahrscheinlich als Moraharpa-Spieler bei WARDRUNA kennen, hat am 5.August 2026 mit „Tronsgårdhallingen“ sein Soloprojekt vorgestellt.
Er hat etwa 15 Jahre damit verbracht, dieses Projekt und einen neuen, unverwechselbaren Klang zu entwickeln.

Die Idee hinter dem Projekt ist es, traditionelle nordische Volksmusik mit modernen Arrangements zu verbinden, um sie auf die moderne Tanzfläche zu bringen und damit auch ein alternatives Crossover-Publikum anzusprechen.

Für die erste Veröffentlichung wählte er eine der bekanntesten Melodien zu dem traditionellen Halling. Der Halling ist ein Tanz mit verschiedenen festgelegten Schrittfolgen, in die die Tänzer teilweise athletische Einlagen einfügen.
Die Ursprünge des Stücks „Tronsgårdhallingen“ geht auf Thorvald Tronsgård zurück, einem bekannten und angesehenen Fiedelspieler aus Folldal. Folldal liegt in der Nähe des Rondane-Massivs in der Hochebene Südnorwegens. Tronsgårds Musik prägte seine Heimatregion fast ein Jahrhundert lang, und „Tronsgårdhallingen“ gilt als die berühmteste Melodie, die er hinterlassen hat.

Den traditionellen Kern bewahrt und neu interpretiert

John Stenersen hat die Melodie beibehalten und sie mit einer anderen Instrumentierung neu interpretiert. Während das Stück ursprünglich mit einer Fiedel gespielt wurde, spielt John Stenersen die Melodie auf der Nyckelharpa, wodurch sich der Klang deutlich verändert.
Denn bei der Fiedel verändert sich die Tonhöhe, indem die Finger des Spielers die Saiten direkt auf dem Griffbrett verkürzen. Bei der Nyckelharpa hingegen wird die Tonhöhe durch Tasten verändert.
Die Töne wirken prägnanter, da ihre Tonhöhen durch die Tasten eindeutig festgelegt werden. Einen wesentlichen Teil ihres charakteristischen Klangs erhält die Nyckelharpa zudem durch die Resonanzsaiten. Diese werden nicht direkt mit dem Bogen gestrichen, sondern durch die Schwingungen der gespielten Töne zum Mitschwingen angeregt, wodurch ein kontinuierlicher ‚Drone-Effekt‘ entsteht.

Schon dies trägt dazu bei, dass „Tronsgårdhallingen“ voll und dunkel klingt. Die Nyckelharpa wird zudem von Tagelharpa und Harmonium begleitet, was für noch mehr Volumen sorgt. Rahmentrommel und diverse weitere Perkussionsinstrumente sowie das Tempo sorgen sowohl für die rhythmischen Akzente, die das Stück tanzbar machen.

Von der Tradition zum Nordic-Folk

„Tronsgårdhallingen“ ist in dieser Form sowohl eine Interpretation als auch ein Stück Nordic Folk.

Die Wiederholungen der einzelnen Melodiezeilen, die Untermalung durch Synthesizer, der Bordun-Ton der Nyckelharpa und die tiefen Schläge der Rahmentrommel geben dem Stück einen dunklen und hypnotischen Charakter.
Steine, Stöcke und Knochen als Perkussionsinstrumente fügen etwas Archaisches hinzu.
Gleichzeitig klingt das Stück modern und ist durch das dynamische Tempo sicher ebenso tanzbar wie das Original.

Zu dem Stück gibt es auch ein Video, das nicht nur die Gegend zeigt, aus der das Original stammt und die ‚nordische‘ Atmosphäre des Stückes unterstreicht.

Mir gefällt der Ansatz, wie John Stenersen dieses traditionelle Tanzstück interpretiert hat, sehr gut und ich bin gespannt auf weitere Stücke.

„Tronsgårdhallingen“ ist ja nur der Auftakt. Auf dem Midgardsblot-Festival wird John Stenersen das Stück zum ersten Mal live spielen. Er wird dann weitere Songs veröffentlichen und im Frühjahr und Sommer 2027 auf Europa-Tournee gehen.

“Tronsgårdhallingen” by John Stenersen

John Stenersen launches his solo project with “Tronsgårdhallingen”

The Norwegian musician John Stenersen, whom many of you will probably know as a moraharpa player with WARDRUNA, unveiled his solo project on 5 August 2026 with “Tronsgårdhallingen”.
He has spent around 15 years developing this project and creating a new and distinctive sound.

The idea behind the project is to combine traditional Nordic folk music with modern arrangements, bringing it to the contemporary dance floor while also appealing to an alternative crossover audience.
For his first release, he chose one of the best-known melodies associated with the traditional Halling dance. The Halling is a dance featuring various established sequences of steps, with dancers sometimes incorporating highly athletic movements into their performances.

The origins of “Tronsgårdhallingen” can be traced back to Thorvald Tronsgård, a well-known and highly respected fiddler from Folldal. Folldal lies near the Rondane mountain range in the highlands of southern Norway. Tronsgård’s music shaped his home region for almost a century, and “Tronsgårdhallingen” is regarded as the most famous melody he left behind.

Preserving the traditional core while reinterpreting it

John Stenersen has retained the melody and reinterpreted it with a different instrumentation. While the piece was originally performed on a fiddle, Stenersen plays the melody on the nyckelharpa, giving it a distinctly different sound.
On a fiddle, the pitch is altered by the player’s fingers shortening the strings directly against the fingerboard. On the nyckelharpa, by contrast, the pitch is changed using keys.
The notes sound more defined, as their pitches are precisely determined by the keys. The nyckelharpa also owes much of its characteristic sound to its sympathetic strings. These are not played directly with the bow; instead, they are set into vibration by the notes being played, creating a continuous “drone effect”.

This alone contributes to the full, dark sound of “Tronsgårdhallingen”. The nyckelharpa is also accompanied by tagelharpa and harmonium, adding even greater depth and volume. A frame drum and various other percussion instruments, together with the tempo, provide the rhythmic accents that make the piece suitable for dancing.

From tradition to Nordic folk

In this form, “Tronsgårdhallingen” is both an interpretation of the traditional piece and a ‘Nordic folk’- track in its own right. The repetition of individual melodic phrases, the atmospheric layers of synthesiser, the drone of the nyckelharpa and the deep beats of the frame drum give the piece a dark and hypnotic character.
Stones, sticks and bones used as percussion instruments add an archaic quality.
At the same time, the track sounds modern and, thanks to its dynamic tempo, is surely just as danceable as the original.

There is also a video accompanying the track. It not only showcases the landscape from which the original piece originates but also reinforces the track’s distinctly ‘Nordic’ atmosphere.

I really like the way John Stenersen has approached and interpreted this traditional dance tune, and I am looking forward to hearing more from the project.

“Tronsgårdhallingen” is only the beginning. At the Midgardsblot Festival, John Stenersen will perform the piece live for the first time. He will then release further songs and embark on a European tour in spring and summer 2027.

(english version below)

John Stenersen, den viele von euch wahrscheinlich als Moraharpa-Spieler bei WARDRUNA kennen, stellt am 5.August 2026 mit „Tronsgårdhallingen“ sein Soloprojekt vor. Die offizielle Live-Premiere und Release-Show folgt am 13. August beim Midgardsblot Festival im norwegischen Borre.

Die meisten kennen John Stenersen durch seine Arbeit mit WARDRUNA. Seine musikalische Arbeit reicht jedoch weit darüber hinaus. Er stand auch mit GÅTE auf der Bühne, als die Band Norwegen beim Eurovision Song Contest vertrat, und war die treibende Kraft hinter BERGTATT, einem Projekt, das Folk mit rockigen Einflüssen verbindet. Im Laufe der Jahre arbeitete Stenersen mit Künstlern unterschiedlichster musikalischer Ausrichtungen zusammen – unter anderem mit KALANDRA – und komponierte zudem Musik für Filme und Videospiele.

Zuletzt habe ich das Debütalbum „I“ von THE THIRD CIRCLE vorgestellt, das ebenfalls die Verbindung von nordischer Folk-Tradition und modernen Klangwelten sucht. Ähnlich wie dort bilden Instrumente wie Nyckelharpa, Moraharpa, Tagelharpa und Drehleier die Grundlage eines Sounds, der gleichermaßen organisch, atmosphärisch und episch wirkt.

Tradition modern interpretiert

Jetzt gibt es also mit „Tronsgårdhallingen“ das erste Stück seines Solprojektes.

John sagt dazu:

Das ist eines meiner absoluten Lieblingsstücke! Es handelt sich um einen alten Halling, der in den nebelverhangenen Bergen des Rondane-Massivs im Herzen Norwegens entstanden ist. Ich habe keinerlei Hinweise darauf gefunden, dass diese Melodie jemals zuvor auf der Nyckelharpa aufgenommen wurde. Deshalb bin ich überzeugt, dass diese Veröffentlichung eine Weltpremiere ist.

Das Stück ist eine der bekanntesten Melodien zu dem traditionellen Halling. Der Halling ist ein Tanz mit verschiedenen festgelegten Schrittfolgen, in die die Tänzer teilweise athletische Einlagen einfügen.
Die Ursprünge des Stücks „Tronsgårdhallingen“ geht auf Thorvald Tronsgård zurück, einem bekannten und angesehenen Fidelspieler aus Folldal. Folldal liegt in der Nähe des o.g. Rondane-Massivs. Tronsgårds Musik prägte seine Heimatregion fast ein Jahrhundert lang, und „Tronsgårdhallingen“ gilt als die berühmteste Melodie, die er hinterlassen hat.

Wie viele Melodien der nordischen Volksmusik wurde auch dieses Stück über Jahrhunderte durch das wiederholte Spielen von Generation zu Generation weitergegeben und bewahrt. Der Musiker, der die Melodie spielte, prägte sie durch seine eigene Interpretation und Kreativität.
Diese Tradition greift John Stenersen mit seiner Interpretation auf. Sein Anliegen ist es, den ursprünglichen Charakter der Melodie zu erhalten und ihr dennoch seine Klangfarbe zu geben.
Neben Rahmentrommeln kommen dabei auch Stöcke, Steine und sogar Knochen zum Einsatz. Man kann sich vorstellen, dass so ein Klangbild entsteht, das archaisch, organisch und zugleich episch wirkt. Damit knüpft er an ursprüngliche Formen von Rhythmus, Melodie und Geschichtenerzählen an. Man kann sich gut vorstellen, dass sie dabei zu organischen Klängen verschmelzen.

Die Idee hinter dem Projekt

Das Ziel ist es, diese alten nordischen Folk-Songs auf die moderne Tanzfläche zu bringen, ein alternatives Crossover-Publikum anzusprechen und den ganzen Raum in Bewegung zu versetzen

„Tronsgårdhallingen“ soll der Auftakt zu einem Projekt sein, dass traditionelle nordische Volksmusik mit modernen Arrangements verbindet und sie einem neuen Publikum zugänglich machen möchte.
Nach der Show auf dem Midgardsblot-Festival wird John Stenersen weitere Songs veröffentlichen und im Frühjahr und Sommer 2027 auf Europa-Tournee gehen.

John Stenersen Launches Solo Project with Debut Single „Tronsgårdhallingen“

Many of you will probably know John Stenersen as the Moraharpa player of WARDRUNA.
On August 5, 2026, he will unveil his solo project with the release of „Tronsgårdhallingen“. The official premiere and release show will take place on August 13, 2026, at the Midgardsblot Festival in Borre, Norway.

While many fans know John Stenersen through WARDRUNA, his musical journey extends far beyond the band. He also performed with GÅTE during the group’s appearance as Norway’s representative at the Eurovision Song Contest and was the driving force behind BERGTATT, a project that fused traditional folk with a rock-based sound. Throughout his career, John Stenersen has collaborated with artists from a wide range of musical backgrounds, including KALANDRA, while also composing music for films and video games.

Most recently, I featured the album „I“ by THE THIRD CIRCLE, whose unique approach combines folk traditions with modern elements. Their use of ancient Nordic instruments—such as the nyckelharpa, moraharpa, tagelharpa, and hurdy-gurdy—creates a sound that is at once organic, experimental, and epic.

Contemporary Music Reinterpreting Traditional Elements

Now, with „Tronsgårdhallingen,“ John presents the first release from his solo project.

John says:

This is one of my absolute favourite tunes! It’s an old halling that originated in the mist-covered mountains of the Rondane massif in the heart of Norway. I haven’t found any evidence that this melody has ever been recorded on the nyckelharpa before. That’s why I’m convinced this release is a world premiere.

The tune is one of the best-known melodies associated with the traditional halling, a Norwegian folk dance featuring a series of established steps, often enhanced with impressive athletic movements performed by the dancers.
The origins of „Tronsgårdhallingen“ can be traced back to Thorvald Tronsgård, a well-known and highly respected fiddler from Folldal, a village located near the Rondane massif. For nearly a century, Tronsgård’s music shaped the musical traditions of his home region, and „Tronsgårdhallingen“ is regarded as the most famous melody he left behind.

Like much traditional folk music, halling tunes were originally passed down orally through repeated performance, preserving them from one generation to the next. Each musician who played the melody contributed their own interpretation and creativity, allowing the music to evolve while maintaining its core identity.
John Stenersen embraces this tradition with his own interpretation. His goal is to preserve the original character of the melody while giving it his own distinctive sonic identity.
To achieve this, he combines traditional instruments—including the nyckelharpa, tagelharpa, hurdy-gurdy and harmonium—with synthesizers, jaw harp and an extensive range of percussion. Alongside frame drums, he also incorporates sticks, stones and even bones, reconnecting with some of humanity’s oldest forms of rhythm and storytelling. The result is a sound that feels earthy, immersive and cinematic in equal measure.

The Philosophy Behind the Project

John Stenersen describes the philosophy behind the project as follows:

The goal is to bring these ancient Nordic folk songs onto the modern dance floor, reach an alternative crossover audience, and get the whole room moving.

„Tronsgårdhallingen“ marks the beginning of a project that aims to combine traditional Nordic folk music with contemporary arrangements, introducing these timeless melodies to a new audience.

Following the release show at the Midgardsblot Festival, he plans to release additional songs before embarking on a European tour in the spring and summer of 2027.

Mit „Mission Dino Power“ wollen HEAVYSAURUS Superkräfte entfesseln. Das Album soll am 5. Februar 2027 via Sony Music erscheinen.

Bereits am 31.July 2026 kann man einen ersten Eindruck erhalten, wie und wodurch HEAVYSAURUS diese Superkräfte entfesseln wollen. Denn dann erscheint die erste Single „Luftgitarre“.

HEAVYSAURUS ist eine Dino Metal-Band, bestehend aus vier Dinos und einem Drachen, die Musik für die ganze Familie machen will.
Die Idee, Rock & Metal mit tollen Dino-Geschichten für Kinder zu machen, hat sich zu einem erfolgreichen Spaß entwickelt. HEAVYSAURUS zeigen, dass Rock, Metal und Headbangen kein Alter kennen.

„Haribo-Effekt“: HEAVYSAURUS machen Kinder froh und Erwachsene ebenso

Immer mit dabei – ob nun beim Album als auch bei den Konzerten: Humor, Haltung und die Mission, Kinder für Musik zu begeistern – nicht als Produkt, sondern als Erfahrung. Und außerdem geht es darum – ob nun beim Album als auch bei den Konzerten: mit Humor und Haltung Kinder für Musik zu begeistern – nicht als Produkt, sondern als Erfahrung.
Und das ist es wohl auch, weshalb nicht nur die Kinder sondern auch die begleitenden Erwachsenen Spaß an den Songs haben.

So ist auch das letzte Album „Metal“ kein Kinderalbum im klassischen Sinne, sondern ein musikalisches Abenteuer mit packenden Songs voller hymnischer Refrains, treibender Riffs, wilder Soli und viel Mitmachspaß. Und die Erwachsenen können sich an Bands wie SABATON, METALLICA, IRON MAIDEN oder VOLBEAT erinnert fühlen.

HEAVYSAURUS am 1.August 2026 beim Wacken auf der HARDER-Stage

Am 5. Februar 2027 melden sich HEAVYSAURUS mit zehn brandheißen Songs zurück. Bei ihrem neuesten und sechsten  Album, das dann auf Color Vinyl und CD via Sony Music erscheint, begeben sich die Dinos auf ihre bisher größte Mission, die „Mission Dino Power“.

In der Welt von „Mission Dino Power“ entfesselt jedes Bandmitglied seine ganz individuelle Superpower: Milli Pilli die Kraft ihrer Tasten, Riffi Raffi die Kunst der Gitarrenriffs, Komppi Momppi liefert den Beat, der alles antreibt, Muffi Puffi stiftet mit seinem Groove zum Headbangen an und Mr. Heavysaurus hält mit seiner legendären Pommesgabel die fünf Freunde zusammen. 

Diese Superkräfte werden HEAVYSAURUS am 1. August 2026 beim legendären Wacken Open Air entfesseln. Dann spielen HEAVYSAURUS erstmals auf der riesengroßen HARDER-Stage und rocken dort, wo auch schon Metal-Legenden wie Iron Maiden und Judas Priest standen. Dort wird auch der Song „Luftgitarre“ seine Live-Premiere feiern.

GÅTE haben mit „Oskorsreia“ einen weiteren Song von ihrem kommenden Album „Sigil“ veröffentlicht, das am 25.September 2026 via Season of Mist veröffentlicht werden soll.
GÅTE ist eine norwegische Band, die traditionelle Melodien und Volkslieder in progressiven Rock umsetzt. Ihre Musik vereinigt nordische Folk-Tradition und zeitgenössische Rockstrukturen.

Im April 2026 unterschrieben sie bei Season of Mist. Gleichzeitig veröffentlichten sie mit „Sannsiger“ eine erste Auskopplung aus dem kommenden Album. „Sannsiger“ bedeutet ‚Wahrsager‘ bzw. ist jemand, der die Wahrheit ausspricht aber auch Zeichen, Visionen und göttliche Botschaften deutet, um die Zukunft vorauszusehen.
Im Song von GÅTE, in dem auch Maria Frantz (HEILUNG) zu hören ist, geht es aber auch um all jene, die unbequeme Wahrheiten aussprechen oder bestraft wurden, weil sie Dinge aufgegriffen und infrage gestellt haben, die andere lieber im Vorborgenen gehalten hätten.

Der neue Song „Oskorsreia“ (womit im Volksglauben eine reitende Schar von Geistern bezeichnet wird) beschwört hier aber die „Wilde Jagd“ als Spiegel für modernen Konsum und Überfluss.

Tradition ist etwas Lebendiges

Wie einer Reihe anderer norwegischer Musiker (wie z.B. Lindy Fay Hella, WARDRUNA, Kjell Braaten, VREID) sind sie verwurzelt in der musikalischen Tradition Norwegens. GÅTE haben dabei ihren musikalischen Schwerpunkt im Folk. Auf diese Weise gelang es ihnen, für die traditionellen Volksliedern neue Zuhörer zu gewinnen.  Sie verwenden Geschichten, die über Jahrhunderte mündlich überliefert wurden. Sie greifen nicht nur auf traditionelle Gesangsformen und Instrumente zurück (wie z.B. die Hardanger-Fiedel, Drehleier und Nyckelharpa), sondern auch auf Cello und Klavier. Diese verbinden sie mit elektronischen Elementen und klassischen Rockmusikinstrumenten

Wie die Band selbst sagt:

Unsere Musik kommt aus einem Ort, an dem Tradition nicht etwas Festes, sondern etwas Lebendiges ist. Wir schöpfen aus alten Quellen, weil sie uns noch ansprechen und weil sie uns heute erlauben, etwas Ehrliches und Menschliches auszudrücken.

Nach zwei Studioalben, drei EPs und einem Live-Album legte GÅTE eine zwölfjährige Pause ein, bevor sie mit dem 2017er Album „Svevn“ zurückkehrten. Nach ihrem folk-orientierten Album „Nord“ (2021) vertrat die Band Norwegen beim Eurovision Song Contest 2024 mit einer zeitgenössischen Neuinterpretation von „Ulveham“, einer traditionellen norwegischen Ballade. 2025 tourten sie mit LEPROUS durch Europa.

„Sigil“ – Was bleibt, wenn die Illusion sich auflöst?

Die Musik auf „Sigil“ ist weiterhin geprägt von der einzigartigen Stimme von Gunnhild Sundli, sowie dem Zusammenspiel von Hardanger-Fiedel, Nyckelharpa, Drehleier und elektrischen Instrumenten.
Inhaltlich greifen GÅTE uralte Legenden des Nordes auf: von Erzählungen über die Wilde Jagd (in „Oskarsrei“), der Geschichte eines Kindes, das den Schwarzen Tod überlebte und dann auf sich allein gestellt war bis hin zu Bestattungsritualen. Grundsätzlich geht es um die Frage: Was bleibt, wenn die Illusion sich auflöst.

Tracklist:

1. Bergteken (04:44)
2. Oskorsreia (03:08)
3. Sannsiger (03:43)
4. Nokon (03:10)
5. Bòd frå djupet (03:45)
6. Strandvaskar (03:27)
7. Songen (03:38)
8. Aude (03:54)
9. Mi Jord (03:44)
10. Jostedalsrypa (03:39)

Besetzung:

Gunnhild Sundli — Gesang
Magnus Børmark — Gitarren, Nyckelharpa, Sounds, FX, Programmierung, Percussion, Backgroundgesang
Jon Even Schärer — Schlagzeug, Percussion, Programmierung, Mundharfe, Backgroundgesang
Arent Todal — Hardangerfiedel, Nyckelharpa, Geige, Sounds, Backgroundgesang
Mats Paulsen — Bass, Backgroundgesang

TUOMAS ROUNAKARI ist nicht nur Komponist und Musikethnologe, sondern auch ein großartiger Violonist, was er nicht nur bereits auf seinem Album „Shamanviolin“ (2009) gezeigt hat, sondern auch in seiner Zeit bei KORPIKLAANI.
Seine Solo-Auftritte gleichen eindringlichen Ritualen, in denen Geige, Gesang und er Klang von Knöchelglöckchen miteinander verschmelzen.

Seine Doktorarbeit, die er 2024 abschloss, befasst sich mit veränderten Bewusstseinszuständen durch Musik. Dies ist ein Phänomen, das weltweit mit heiligen Gesangstraditionen verbunden ist. Diese Auseinandersetzung damit prägt auch seinen Auftrittsstil, der oft in Trance und Zeremonie übergeht.
TUOMAS ROUNAKARI geht es in seiner Musik und den Auftritten immer auch um den Dialog zwischen Mensch und Natur, dem Sichtbaren und Unsichtbaren, der Vergangenheit und der Zukunft.

Lieder aus dem Sibirien des frühen 20. Jahrhunderts

Sein Debüt-Soloalbum „Shamanviolin“ entstand auf der Basis von Aufnahmen von Liedern aus Sibirien aus dem frühen 20. Jahrhundert, die der finnische Linguist Artturi Kannsto gesammelt hatte.
Als Linguist hat er sich mit der Sprache der Mansi und Khanty beschäftigt und sich daher eher auf Texte der Lieder konzentriert. Die Musik der Lieder war für ihn nicht relevant. Dennoch hat er Aufnahmen davon gemacht. Aber wohl eher als Kuriosität und nicht so sehr, weil er dachte, dass sie einmal bedeutsam sein könnten. Die Aufnahmen wurden mit einem Phonographen gemacht, der die Töne in Wachszylinder gravierte. Diese Wachszylinder-Aufnahmen bildeten die Grundlage für das Album „Shamanviolin“.

Nicht über sie ohne sie!

Die Aufführung dieser Lieder gestaltete TUOMAS ROUNAKARI gemeinsam mit den indigenen Gemeinschaften, aus denen sie stammen. Die führte zu langfristigen Kooperationen mit Künstlern der Khanty, Mansi und Sámi.
Auch das Album „Bear Awakener” ist von diesen Liedern inspiriert und geprägt. Sie stellen eine Verbindung zu den Vorfahren her, die nach Tuomas‘ Auffassung in der Lage waren, mit der Natur auf eine nachhaltige und gleichzeitig autarke Weise zusammenzuleben.

Den Bären erwecken – Lieder als lebendige Lehren

Den Bären zu erwecken bedeutet, neue Energie zu wecken und dabei mit dem Vergangenen verbunden zu sein. Es geht darum, sich einem Dialog mit mystischen Wesenheiten zu öffnen und wieder harmonische Beziehungen zwischen Menschen und anderen Wesen, sichtbaren und unsichtbaren Welten sowie zwischen Mensch und Umgebung herzustellen.
So ist „Bear Awakener” eine klangliche Beschwörung, bei der jeder Titel uralte Erinnerungen weckt und die Kräfte der Natur, der Mythen und des Geistes hervorruft.
Im Mittelpunkt des Albums stehen zeremonielle Lieder rund um den Bären und die Bärenjagd, die fest mit den Khanty und Mansi und ebenso der Karelier und Finnen verbunden sind.

Diese Lieder tragen die Resonanz der Vorfahren in sich, die in einer tiefen, wechselseitigen Beziehung zum Land lebten und in den Ideen von Nachhaltigkeit, Selbstversorgung und heiligem Gleichgewicht verwurzelt waren.

Für Tuomas Ruonakrai sind sie daher lebendige Lehren, nicht nur Lieder. Sie sind ein Dialog mit dem Unsichtbaren und Mystischen. Es geht nicht nur um das Erwecken des Bären, sondern um das Wiedererwachen des Geistes und eine Wiederverbindung mit etwas, das älter ist als die Erinnerung, aber seiner Ansicht nach in unserer Zeit dringend gebraucht wird.

Tuomas sagt über die Veröffentlichung des Videos:

 I am so pleased to inform about this premier of a new music video! It will be released on July 13th, which was traditionally considered the day of the Bear, the natural point of a Midsummer. Solstices were celebrated separately. Here in the Nordic countries solstice is early, summer has only began, birds still nesting, many flowers not yet in bloom. But instead, July 13th is the midpoint of summer on the land based calendar. For us, that calendar used to follow the bear in pre-christian times.

„First Morning“ – das erste Wecken des Bären

Die Gänse rufen im Flug und kündigen den Frühling an. Die Melodie ist ein Herantasten, ein Beginn. Sie wiederholt sich, wird aber immer wieder anders gespielt. Einerseits bleibt so die Spannung erhalten, andererseits wird der Grundstruktur immer wieder eine neue Facette hinzugefügt. Als wenn man eine Geschichte weiter ausschmückt oder eine Erzählung präzisiert.

Das ursprüngliche Lied wurde erstmals im Oktober 1905 in dem kleinen Dorf Sosva in Westsibirien aufgenommen. Der Sänger war Konstantin Atjin, ein Sänger und Geschichtenerzähler der nördlichen Mansi. Die Melodie diente als Auftakt zum ersten Tag einer Bärenfest-Zeremonie. Die Fassung für Violine wurde im April 2022 auf dem Album „Bear Awaknener“ veröffentlicht und für dieses Video bei einem Live-Auftritt in Finnland im Rahmen der „Heinäveden Muinaisviikot 2025“ (ein Kultur- und Geschichtsfestival in der finnischen Gemeinde Heinävesi/Nordkarelien) auf einem alten Ritualplatz aufgenommen.

Das CHARITY UNLEASHED ist ein Benefiz-Festival. Der Gewinn des Festivals wird auch in diesem Jahr wieder einem gemeinnützigen Träger gespendet. Es ist der Deutsche Kinderhospizdienst in Bochum, dessen Mitarbeiter sich für die Kinder und Jugendlichen und ihre Familien einsetzen, die lebensverkürzend erkrankt sind.
Davon sind bundesweit ca 50.000 Familien betroffen.

Der Deutsche Kinderhospizdienst bietet hier seine Unterstützung an. Er ist ein ambulanter Dienst, der den Familien vor Ort hilft, die mit einem todkranken Kind leben. Dabei geht es nicht nur um Unterstützung bei der Organisation des Pflegedienstes, sondern auch darum, die Familien in ihrem Alltag zu entlasten. So kümmern sich u.a. vom Deutschen Kinderhospizdienst ausgebildete Ehrenamtliche um die Kinder und ihre Geschwister, damit Eltern auch einmal Zeit für sich und zum ‚Auftanken‘ haben.

In diesem Jahr sind DISBELIEF, FROSTSHOCK, GRAVE INTENTIONS, KNIFE, MESSERSCHMITT, THE VERY END und TYRANTHROPE mit dabei

Sieben Bands bieten ein breites Spektrum:  Death Metal, Thrash Metal, melodisch, dunkel, aggressiv, schnell – also für jeden Geschmack etwas dabei.

DISBELIEF – Death Metal als heilende und Kraft gebende Musik, die den Hörer in ihren Bann zieht.

DISBELIEF sind eine Death Metal Band aus Hessen, die bereits 1990 gegründet wurden und mit „Killing Karma“ 2024 ihr 12. Album veröffentlichten. „Killing Karma“ verstehen sie als eine Kampfansage gegen Verzweiflung, Trauer und Hilflosigkeit. Und als eine unglaubliche, musikalische Reise durch die Seele des Menschen, der droht unter der Last des Lebens zu zerbrechen.

FROSTSHOCK – den Hörern soll es eiskalt über den Rücken laufen

FROSTSHOCK kommen aus Haltern am See und spielen eine aufeinander abgestimmte Mischung aus brutalem und melodischem Black Thrash Metal. Garniert mit Lyrics über die Abgründe der Menschheit und der Endlichkeit des Daseins wollen sie sowohl Denkanstöße geben als auch mit brachialen Drums, mächtigen Vocals und melodischen Riffs eine düstere Atmosphäre schaffen, in der es den Hörern eiskalt über den Rücken laufen soll. Im November 2025 veröffentlichten sie das Album „Hibernation’s End“.

GRAVE INTENTIONS – zwischen AT THE GATES, THE BLACK DAHLIA MURDER und „einem Schuss Horrorvision“

GRAVE INTENTIONS stehen für wuchtigen, melodischen Death Metal. Die Band aus Waltrop und Datteln ist seit 2020 aktiv und nach mehreren Wechseln seit 2022 in der aktuellen Besetzung unterwegs. Mit roher Energie, düsterer Atmosphäre und präziser verbinden sie mit brachialen Riffs und reflektierten Texten über Schuld, Zerstörung und menschliche Abgründe – mal finster und ernst, mal augenzwinkernd grotesk. Das female-fronted Fünfergespann hat im August 2025 Das Album „Call Of The Void“ veröffentlicht.

KNIFE – Speed Metal mit messerscharfer Präzision

KNIFE sind eine Band aus Marburg, die sich dem Blackened-Speed-Metal verschrieben hat.
Seit 2019 spielen sie mit messerscharfer Präzision ungebremsten, aggressiven Speed Metal. Ihre Texte setzen sich mit Themen wie Zerstörung, Gewalt und dem dunklen Unterbewusstsein auseinander. Debütalbum „Knife“ erschien 2021 und 2023 folgte „Heaven Into Dust“ mit abwechslungsreichem, fettem Sound und einem 80er-Vibe durch mehr Heavy Metal- und Punk-Elementen.

MESSERSCHMITT – Geschwindigkeit und Aggressivität

MESSERSCHMITT ist nicht nur der Name für Kabinenroller und Flugzeuge, sondern auch einer Remscheider Speed Metal Band. Bereits 2010 gegründet, um eigenen Ideen von Speed Metal zu verwirklichen. MESSERSCHMITT verbinden die Härte deutscher Speed- und Thrash-Pioniere mit melodischen Elementen.
Ein weiteres Element, das sicher auch zum Sound von MESSERSCHMITT beiträgt: sie erarbeiten und proben ihre Songideen akribisch, bis sie zufrieden sind. 2020 erschien „Consumed by Fire“:  ein Speed Metal Album mit Achtziger-Jahre-Prägung.

THE VERY END – heben den Ruhrgebiet-Sound auf ein neues Level

THE VERY END stammen aus dem Herzen des Ruhgebietes. Gegründet hat sich die Band bereits 2004 und seitdem ihren unverwechselbaren Sound irgendwo zwischen modernem Thrash Metal und melodischen Death Metal, massiv, knüppelnd und dennoch eingängig entwickelt. Eine Einordnung in Kategorien fällt schwer, da sie sich von Beginn an über diese hinweggesetzt haben. Sie sahen und sehen es „als ihre Pflicht an, den Ruhrgebiet-Sound nicht nur am Leben zu erhalten, sondern ihn auf ein neues Level zu heben“. 2021 erschien ihr Album „Zeitgeist“.

TYRANTHROPE – „Spread the word & let the Metal flow!“

TYRANTHROPE kommen aus Krefeld. Die fünfköpfige Band besteht aus Musikern, die seit mehr als 20 Jahren im Underground verwurzelt sind.  Ihr Ziel war es von Anfang an, ihre Lieblingsgenres miteinander zu vereinen. Und so liefern TYRANTHROPE einen energiegeladenen Mix ab, der irgendwo zwischen Thrash-Core und Metal-Punk angesiedelt ist. Anleihen aus Hardcore und Thrashmetal werden durch eine Portion Punk abgerundet.

Auch mit der 2025 auf Vinyl erschienen EP „Moloch“ stellen sie musikalische Energie, klare Messages und packende Hooklines in den Vordergrund.

Weitere Infos zum Veranstalter und zum Spendenempfänger findet ihr hier:

www.drucklufthaus.de

www.deutsche-kinderhospiz-dienste.de

und HIER

Infos zum Festival:

Einlass: 14:30 Uhr, Beginn: 15:00 Uhr

Location:
Druckluft
Am Förderturm 27
46049 Oberhausen