20 Jahre Bandgeschichte und ein frisches Album namens The Phantom Void verlangen nach einem Rahmen, der mehr ist als Club und mehr als Halle. Also: Lichtburg. Roter Teppich vor der Tür, ein Hauch Premierenfeeling. Passt.

Der Saal ist bis auf ein paar versprengte Plätze voll. Über 1200 Leute, und trotzdem diese eigentümliche Ruhe, die nur bei Konzerten entsteht, bei denen alle wirklich zuhören wollen. Kein Dauergequatsche, kein Biergegröle, eher kollektives Abtauchen.

Das Set kommt in zwei Akten. Erst das komplette neue Album am Stück. Kein Stückwerk, keine Singles, sondern einmal durch den Klangfilm. Danach ein Ritt durch die Diskografie, sauber verteilt, fast jedes Album bekommt seinen Moment. Und genau hier passiert das, was Long Distance Calling live so stark macht: Die Leute verschwinden in diesen Soundflächen. Licht und Musik greifen ineinander, alles wirkt durchkomponiert, ohne steril zu werden.

Zwischen den Songs: Stille. Wirklich Stille. Stecknadel-tauglich. Und dann – zack – Applaus, der umso lauter zurückkommt. Das ist kein höfliches Klatschen, das ist ehrlicher Respekt.

Große Ansagen gibt es wie immer nicht. Muss auch nicht. Gitarrist Florian Füntmann übernimmt das Nötigste und sagt Danke. 20 Jahre Band – und das funktioniert nur, weil die Leute immer wieder auftauchen. Klassischer Satz, klar. Aber hier wirkt er nicht wie Pflichtprogramm, sondern wie echte Einsicht. Dieses „Ohne euch gäb’s das alles nicht“ kauft man ihnen ab. Herzzeichen inklusive.

Sound? Glasklar. Fast schon unverschämt sauber. Wie eine sehr, sehr gute Anlage – nur mit Druck im Bauch. Keine Matschwand, keine Experimente, die schiefgehen. Das sitzt.

Nach gut zweieinhalb Stunden ist Schluss. Kein künstliches In-die-Länge-Ziehen, kein nerviges Zugaben-Theater. Draußen in der Lobby geht’s weiter: Merch, die neue Platte schon vor Release greifbar, und, fast schon oldschool, die Band sitzt da und schreibt Autogramme. Keine Barriere, kein „bitte Abstand halten“. Einfach nahbar.

Unterm Strich: starker Abend in einer Location, die genau für solche Shows gebaut scheint. Wer auf diese Band steht und hier fehlt, verpasst nicht nur ein Konzert, sondern ein ziemlich rundes Gesamterlebnis.

Set 1, „The Phantom Void“:

Mare
The Spiral
A Secret Place
Nocturnal
The Phantom Void
Shattered
Sinister Companion
The Very Last Day

Set 2:

Into the Black Wide Open
Immunity
Old Love
Ductus
Black Paper Planes
Skydivers
Out There
Eraser
—
Metulsky Curse Revisited

Fotos

Das zweite ROXTON-Album trägt den Namen „My name is Rock“. Zu Recht!

Was lange währt wird endlich gut

Wie lange haben wir auf den Moment gewartet, um Euch das langersehnte zweite Album der Burghausener Rockband ROXTON ankündigen zu dürfen? Oh, gefühlt eine halbe Ewigkeit. Heute ist es jedoch soweit! Das Album trägt den prägenden Namen „My name is Rock“ und hat sich gegen verschiedenste Widerstände und Niederschläge behauptet. Ja, fast wäre es gar nicht erschienen. Doch, die Band um Leader und Namensgeber Max ROXTON, glaubte immer fest an dieses Album und trotzte allen Widrigkeiten. Diese Hingabe, Leidenschaft und Ausdauer lassen sich in allen 12 (bzw. 13 in der digitalen Deluxe-Version) Songs spüren. Und eines steht fest: „My name is Rock“ trägt den Titel absolut zu Recht!

Ein Album wie das Leben

42 Minuten lang klingen ROXTON wie das Leben. Mal laut, mal leise. Mal hart, mal zart. Rau und einfühlsam. Ihr merkt es schon. Diese Band möchte sich definitiv in keine Schublade stecken lassen und kombiniert, was gefällt. Hauptsache, es ist echt! Ohne Autotune und ähnlicher Spielereien. ROXTON sind einfach true. Wirken fast schon ein wenig oldschoolig, obwohl sie „erst“ in den 90er Jahren geboren wurden. Sie gehören damit zur letzten Generation jener, die noch zur Musik-Kassette, Schallplatte und CD Verbindungen herstellen kann. Quasi aus einer Zeit stammen, als das Leben noch offline stattfand. Das weiß das Quintett auch – und schöpft aus dieser Zeit sehr viele Inspirationen. Zum Beispiel handelt der Song „21st Century Radio“ über die Zeit, als Musik-Sender wie Viva und MTV noch das Maß aller Dinge waren. Verpackt in einem Foo Fighters ähnlichem Ohrwurm-Sound.

All In Vain

Die Marschroute gibt allerdings der Opener-Track „All In Vain“ vor, den wir seinerzeit hier auch vorstellen durften und der die erste Single-Auskopplung des jetzt vorliegenden Albums war. Nach kurzer stilistischer Spoken-Word-Irrführung werden hier direkt gekonnt verschiedene Genres miteinander verheiratet. Gewissermaßen könnte man hier schon von einem ROXTON-Signature Track sprechen. Mit ruhigem Anfang, sauberer Melodieführung, tollen Harmonien, (Sprech-) Gesang bis hin zu knallhartem Crossover Metal Gitarrenriffing. Dazu kommt eine erstklassige, saubere und druckvolle Produktion aus eigenem Hause. Die Burghausener klingen schon in den ersten 4:40 Minuten so abgeklärt, versiert und professionell, dass man darüber nur staunen kann.

My Name Is Rock

Und wir staunen weiter. Mit dem Titelsong „My name is Rock“. Das ist so eine richtige gute Laune-vorwärts-Melodic-Punkrock-Nummer mit grundlegenden Rock-Vibes. Rückblickend betrachtet ist das tatsächlich ein Song mit Hit-Potential. Die Strophe „I’m back from the dead, come and bang your head now!“ brennt sich sofort ins Hirn. Währenddessen geht die Melodie ins Blut . Richtig cool!

Bottoms up

„Bottoms Up“ gehört auch zu den Single-Auskopplungen, ist musikalisch aber funkiger und poppiger als die Songs zuvor. Hier gibt es schön verspielte Gitarren-Soli und pumpende Bass-Läufe, die dem Track das gewisse Etwas verleihen.

Heavy wie Rock

Das folgende „Heavy“ ist dann wieder straighter und rockiger. Das Schlagzeug treibt den Song schön nach vorne, während die Gitarren (teilweise) ordentlich kreischen. Hier wird offensichtlich, dass die Musiker eindeutig ihr Handwerk beherrschen. Frontmann Max drückt dem Song zudem stimmlich seinen ureigenen Stempel auf. Einige Background-Shoutings gibt es dazu auch.

Sooner or later

Es folgt mit „Sooner or later“ eine Pop-Rock-Nummer mit Roxette-Touch. Roxton. Roxette, passt doch irgendwie. Die Assoziation zu den Schweden, kommt natürlich daher, weil  „Sooner or Later“ ein Duett ist. Hier gibt es das erste Mal die Stimme von Backgroundsängerin Lizzy zu genießen. Der dadurch ausgelöste Impuls liegt definitiv bei den Megasellern. Na klar, die waren vielleicht nie so heavy wie ROXTON, sind aber dennoch kein ganz so schlechter Verweis. Die Nummer ist definitiv sehr locker aufgezogen und macht Bock auf mehr Duett. Der Song könnte auch einer Rock-Oper entliehen sein. Er wird live bestimmt für gute Stimmung sorgen.

21st Century Radio und Moments

Dem Stück „21st Century Radio“ folgt mit „Moments“ eine weitere Single-Auskopplung. Einer sehr schönen und entspannten Nummer mit tollen Rock-Bass-Passagen. Der Song lädt einfach zum Träumen ein und entführt den Hörer mit seiner gefühlvollen Inszenierung in andere Sphären. „Moments“ entschleunigt besonders gut im Auto und ist ein sehr guter Ansatz, den Moment zu leben.

Get It Up

„Get It Up“ gehört zu den Liedern, die nicht vorveröffentlicht wurden, und beginnt erstmal als Live-Version mit Applaus, bis der Bass losknarzt. Ah, wie geil sind Bass-Läufe! Hier steht der Rock an sich wieder im Vordergrund. Klasse gespielt, gemischt und produziert. Wie übrigens alle Tracks auf dem ganzen Album. Alles klingt sauber und ist stets bestens ausbalanciert. Das Schlagzeug sticht schön heraus und Gitarre und Bass agieren auf derselben Ebene. Top!

Crisis Or Game und Crazy Life

„Crisis or Game“ kennen wir ja auch schon und ist vielleicht der kompromissloseste und härteste Track des ganzen Albums. Ganz im Stile von Crossover-Bands wie Rage Against The Machine und Co. fackeln ROXTON nicht lange und kommen mit sozialkritischen Fragen schnell auf den Punkt. Es wird gerappt und geschrien, aber auch gerockt. Genau so muss sich modern inszenierte Musik anhören. Pur, wütend, aber auch versöhnlich. Wie wäre es mit: Nu-Modern-Metal-Crossover-Rock? Das anschließende „Crazy Life“ geht dann wieder in die funkige, rockige Richtung und lässt sich ganz entspannt konsumieren.

The Groove – the Sound und Revival

In den letzten beiden Songs „The Groove/The Sound“ und „Revival“ werfen ROXTON nochmals alle ihre musikalischen Vorlieben in die Waagschale. Im Vordergrund steht hier eindeutig verspielte, gitarrenlastige Musik, die alle Liebhaber von gut gemachtem Rock in Extase versetzen dürfte. Der finale Song „Revival“ markiert hier sogar noch den technischen Höhepunkt und lässt sich locker der Kategorie Stadion-Rock zuordnen. Dieses Lied ist eindeutig für die ganz große Bühne geschrieben und wird, dank seiner genialen Guns N’ Roses-Momente, sicherlich live ein Highlight in der Setlist werden.

Das MH-DE-Fazit

Mit dem Album „My name is Rock“ haben ROXTON ein wirklich beachtliches Werk herausgehauen, das an Vielseitigkeit kaum zu überbieten ist. Einwandfrei produziert und abgemischt. Uns gefällt dabei besonders gut, dass alle Instrumente auf dem gleichen Intensitätslevel sind. Das gibt dem/der Hörer:in direkt das echte Gefühl einer richtigen Band. Das Bandgefüge ist hier besonders wichtig zu erwähnen. Gitarrist und Sänger Max könnte sich ja mit seinem Talent ganz einfach in den Vordergrund spielen. Das ist hier aber nirgends der Fall, auch wenn er in allen Fällen für die Songs verantwortlich ist. „My name is Rock“ klingt definitiv nach Gruppenarbeit. Das ist vielleicht die hoffnungsvollste Erkenntnis der Scheibe. Die übrigens nur digital oder als streng limitierte Vinylversion zu Haben ist. Die nötigen Links für einen Kauf findet ihr weiter unten.

Moderne Vielfalt als Trademark

ROXTON überraschen einfach mit ihrer musikalischen Vielfältigkeit. Gezockt wird, was gefällt. Ohne Wenn und Aber! Ihr musikalisch versierter Horizont scheint dabei unendlich zu sein und wirkt so, als wären hier wirklich alte Hasen am Start. Gerne werden Ausflüge in diverse Spielrichtungen unternommen, nur um am Ende wieder bei sich selbst anzukommen. Moderne Vielfalt als Trademark, denn unter dem Strich trägt jedes Lied für sich am Ende das ROXTON– Siegel. Das muss man erstmal hinbekommen. Deshalb lässt sich über „My name is Rock“ eigentlich auch nur Gutes sagen. Die lange Zeit des Wartens und die der Arbeit haben sich definitiv gelohnt. Herausgekommen sind 12 (bzw. 13) Songs, die heuer schon zeitlos wirken. Diese Stücke wird man sich in einer Dekade anhören können und sie werden genauso frisch wie heute sein. Garantiert! Der Mix aus Funk, Rock, Nu Metal und Alternative funktioniert ausgezeichnet. In diesem Album werdet ihr alles finden, was ihr sucht! Metal-Heads.de vergibt anspornende 9,5/10 Punkte für gewissenhafte, ehrliche Rockmusik, die keine Grenzen kennt und über den Tellerrand blickt! Großartig – danke dafür!

Die Tracklist

01: All in vain

02: My name is Rock

03: Bottoms up

04: Heavy

05: Sooner or later

06: 21st century radio

07: Moments

08: Get it up

09: Crisis or game

10: Crazy life

11: The groove – the sound

12: Revival

Nützliche ROXTON-Links:

1: Homepage

2: SoundCloud

3: Instagram

4: Spotify

5: Facebook

6: TikTok

7: YouTube

8: X (ex-Twitter)

Die Superlife Promo-Links

1: Homepage

2: Facebook

3: Instagram

Die Metal-Heads.de-Links

1. Homepage

2. Facebook

3. Instagram

4. YouTube

5. Newsletter

Neue Runde

Vier Jahre ist es schon her, dass Hellbreaker aus den Startlöchern kam. Mann, wie die Zeit vergeht. Schön regelmäßig bringen die Jungs um Mastermind Chris Birx neue Mukke raus. Die Abstände der Veröffentlichungen könnten aber ein bisschen kürzer sein – machen die Alben doch jedes Mal richtig Feuer unterm Arsch. Vielleicht liegt es auch am nicht immer ganz so stabilen Line-up, dass Streets of Fire noch ein wenig Zeit gebraucht hat. Leider hat Leadgitarrist Patrick Wassenberg vor kurzem die gelbe Flagge geschwenkt und seinen Rücktritt aus dem Racing-Team bekannt gegeben. Schade, denn musikalisch hat das für mich super gepasst.

„Somewhere Far Beyond“ startet mit einem kleinen elektronischen Intro, bevor der Motor anspringt. Schönes zweistimmiges Gitarrenspiel. Habe ich aus Versehen die Seventh Son von Maiden eingelegt? Klingt richtig geil. Aber nee – kurz darauf beginnt die wilde Fahrt: Maiden trifft auf Schweinerock. Da wird doch im ersten Song direkt mal die Nitroeinspritzung klar gemacht.

Bäm, Bäm, Bäm – geht das ab hier. Kavalierstart!

Chris Birx’ Stimme klingt schön reudig rau, ohne jedoch die Melodien zu vernachlässigen. Die Produktion von Meister Dan Swanö ist perfekt für diese Art von Musik: klar und kraftvoll – sogar der Bass ist gut zu hören und scheppert sich durch die Songs. So muss das.

Auch der zweite Song „Back for the War“ kann die Geschwindigkeit halten. Ich hoffe, ihr seid alle gut angeschnallt. Auch hier sind, wie in so vielen Motorjesus-Songs, wieder bestens komponierte Mitsing-Refrains am Start, die sich in deinen Gehörgang fräsen.

Streets of Fire, der Titelsong zum Album, ist bereits vorab ausgekoppelt worden. Ein wenig langsamer als die beiden Songs vorher, klingt er eher nach älteren Platten vom Jupp. Könnt ihr euch hier mal reinziehen:

Gimme Fuel, gimme Fire

„They Don’t Die“ tritt das Gaspedal durch das rostige Bodenblech. Birx’ Stimme klingt noch einen Hauch aggressiver.
Motorjesus meets Punk. Geiler Soloteil. Live könnte das einen guten Pit geben. Das macht mir richtig Spaß.

Mein erster Höhepunkt ist „Return to the Badlands“. Wo haben die den geilen Chorus hergezaubert? Diese Gesangslinie hat mich von Anfang an gecatcht. Die noch folgenden Songs sind alle ähnlich gestrickt – typisch Motorjesus. Mit einem 80er-Jahre-Stil-Outro werden wir mit viel Atmosphäre alle von der Rennbahn geworfen. Zum Glück kann man auch zu Hause weiterfahren.

Was macht Streets of Fire aus?

• Immer geile Refrains
• Meistens Vollgas
• Coole, oft zweistimmige Gitarrensoli
• Geil zu hörender Bass, der zusammen mit dem Schlagzeug die Sache so richtig nach vorn katapultiert

Das läuft rund. Wer bei Streets of Fire stillsitzen bleiben kann, dem ist nicht mehr zu helfen. Der Motor läuft auf Hochtouren und ist gerade erst mal warmgelaufen.
Die Produktion von Dan Swanö ist 1A – klar und druckvoll. Viel mehr kann ich eigentlich gar nicht schwärmen. Hier kann man nichts falsch machen.

Ich freue mich schon, die Songs bald live zu hören.

Könnt ihr eigentlich auch das Benzin und das geschmolzene Reifengummi riechen?

Cu auf der Rennstrecke.

Schon lange war ich nicht mehr so begeistert von einem Livealbum. Warum das so ist könnt ihr hier nachlesen.

Die britische Progressive-Metal-Band Haken existiert seit 2007 und hat sich seitdem zu einem Aushängeschild des Genres entwickelt. Mit ihrem siebten Studioalbum Fauna (2023) und nun dem zweiten offiziellen Livealbum Liveforms unterstreichen sie erneut ihren Status als eine der innovativsten und musikalisch beeindruckendsten Bands der Szene.

Mit ihrem neuen Livealbum Liveforms zeigen Haken einmal mehr, warum sie längst zur Speerspitze des modernen Progressive Metal gehören. Aufgenommen am 21. September 2024 im Londoner O2 Forum, dokumentiert der knapp dreistündige Mitschnitt ein denkwürdiges Konzert, das Fans und Neulinge gleichermaßen begeistern dürfte.

Die Setlist umfasst Songs aus allen sieben Studioalben sowie der Restoration-EP, wobei der Fokus klar auf dem aktuellen Werk Fauna (2023) liegt. Dieses wird im ersten Teil des Konzerts in voller Länge gespielt. Set Zwei präsentiert Highlights aus der bisherigen Bandgeschichte – ein dramaturgisch kluger Aufbau, der die musikalische Entwicklung Hakens eindrucksvoll nachvollziehbar macht.

Nah am Original

Das Besondere an Liveforms: Die Band verzichtet auf gängige Livealbum-Klischees wie Medleys oder stark abgewandelte Arrangements. Stattdessen orientieren sich die Performances eng an den Studiofassungen – zur Freude vieler Fans, die sich über präzise gespielte Signature-Parts und ein hohes Maß an Wiedererkennungswert freuen dürfen.

Ross Jennings liefert eine herausragende Gesangsleistung ab, während das restliche Line-up – unter anderem mit dem zurückgekehrten Keyboarder Peter Jones – auf technisch höchstem Niveau agiert. Gitarristen Richard Henshall und Charlie Griffiths brillieren mit komplexen, aber stets musikalisch sinnvollen Soli, während Drummer Ray Hearne und Bassist Conner Green das rhythmische Fundament mit Kraft und Finesse gestalten.

Klanglich lässt die Aufnahme keine Wünsche offen: Die Mischung von Jens Bogren (u. a. Opeth, Devin Townsend) sorgt für Transparenz, Druck und Live-Feeling – ohne dass der Publikumsjubel je zu dominant wirkt. Echt ein fetter Sound, der sowohl mit einem Kopfhörer, als auch laut auf der Anlage richtig Spaß macht.

Zu den absoluten Highlights zählen im ersten Set vor allem „Sempiternal Beings“ und „Elephants Never Forget“, während das epische „Crystallised“ das Set fulminant abschließt. Im zweiten Teil reiht sich ein Höhepunkt an den nächsten: „Puzzle Box“ beeindruckt mit rasanten Snare-Rolls, „Cockroach King“ (einziger Song vom gefeierten Album The Mountain) glänzt mit Spielfreude, und „1985“ liefert die wohl härtesten Momente des Abends. Der emotionale Höhepunkt ist das Finale mit „Visions“, einem mitreißenden 18-Minüter, der alles bietet, was man sich von einem Prog-Metal-Epos nur wünschen kann.

Liveforms erfüllt gleich mehrere Funktionen: Es ist ein hochwertiges Live-Dokument für Fans, ein idealer Einstieg für neue Hörer und ein Meilenstein in Hakens Diskografie. Wer progressive Musik mit Anspruch, Emotion und Spielfreude liebt, kommt an diesem Album nicht vorbei.

Die Veröffentlichung erscheint als 3-CD-Set (mit leicht angepasster Reihenfolge gegenüber dem Liveauftritt), auf Blu-Ray (inklusive eines 28-minütigen Interviews) sowie als Doppel-LP für den Fauna-Teil.

Um euch einen kleinen Einblick zu gewähren, haben wir hier ein Video aus dem Album.

Nach fünf Jahren melden sich die kanadischen Melodic-Rock-Veteranen Harem Scarem mit ihrem mittlerweile 16. Studioalbum „Chasing Euphoria“ zurück. Nach wie vor bilden Sänger/Keyboarder Harry Hess und Gitarrist Pete Lesperance das Herzstück der Band, die Ende der 80er gegründet wurde. Während Ex-Drummer Darren Smith heute als Backgroundsänger aktiv ist, sorgt Creighton Doane inzwischen für das rhythmische Fundament.

Kritischere Stimmen würden so ein Album vielleicht als handwerklich solide bezeichnen. Das sehe ich nicht ganz so. Natürlich erfinden Harem Scarem das Rad nicht neu, aber mit „Chasing Euphoria“ legt man ein sehr gutes Melodic Hardrock Album vor. Die Stimme von Harry Hess ist mittlerweile manchmal etwas rauher und gibt den Songs etwas mehr Würze. Das Gitarrenspiel von Pete Lesperance ist wie immer erste Klasse. Kaum jemand verbindet melodische Soli so gut mit technisch anspruchsvollen, schnellen Passagen wie er. Für mich einer der unterbewertetsten Gitarristen unserer Zeit. Überhaupt ist Harem Scarem in Deutschland nie richtig bekannt geworden. Absolut nicht nachvollziehbar.

Trademarks

Schon der Opener „Chasing Euphoria“ trägt alle Markenzeichen der Band in sich: eingängige Melodien, starke Vocals und ein gelungener Mix aus Gitarre und Keyboard. Noch besser gelingt das bei „Better The Devil You Know“, ein Song voller Energie und Spielfreude, gekrönt von einem grandiosen Gitarrensolo. Harry Hess zeigt hier stimmlich eine Glanzleistung, während Lesperance seine Klasse als Gitarrist einmal mehr unter Beweis stellt.
Eine echte Überraschung ist „Gotta Keep Your Head Up“, bei dem Darren Smith anstelle von Hess den Gesang übernimmt.

Highlights

Weitere Highlights sind das emotionale „In A Bad Way“ sowie das episch-melancholische Finale „Wasted Years“. Auch Songs wie „World On Fire“ oder „Reliving History“ bringen die klassischen Stärken der Band gekonnt auf den Punkt: kraftvoller, melodischer Hard Rock mit Tiefgang.

Chasing Euphoria ist keine neue Offenbarung, aber ein rundum gelungenes Album des klassischen Melodic Rock, einfach gut gemachte Musik mit Herz und technischer Finesse. Mal etwas härter, mal zart. Wer bereits Fan von Harem Scarem ist, wird Chasing Euphoria feiern. Allen anderen Melodic-Rockfans lege ich das Album ans Herz. Hier kann man nichts falsch machen.

Zur Einstimmung auf das Album hier noch das Video mit Titelsong für euch.

Ein besonderes Highlight war dabei das Heimspiel am 21. September 2024 im legendären O2 Forum in London – ein Abend, der nun auf „Liveforms: An Evening With Haken“ dokumentiert wurde, erhältlich ab dem 9. Mai 2025.

Die Band sagt über den Release:
„Die Evening With Haken-Tour durch Nordamerika und Europa war definitiv eine unserer liebsten Tourneen bisher. Drei Stunden Musik aus unserer gesamten Diskografie auf die Bühne zu bringen – inklusive des kompletten Fauna-Albums – war ein Riesenspaß! Dieses Konzertformat haben wir bei einigen unserer Lieblingskünstler gesehen und wollten es unbedingt selbst ausprobieren. Es war ein Punkt auf unserer Band-Bucket-List, den wir nach 15 Jahren endlich abhaken konnten. Als es darum ging, welche Show wir für eine Veröffentlichung dokumentieren sollten, war schnell klar: Unser Heimspiel in London im legendären O2 Kentish Town Forum musste es sein. Und das Publikum hat uns nicht enttäuscht – die Energie war elektrisierend. Wir haben an diesem Abend definitiv eine unserer stärksten Performances eingefangen, die unsere Fans nun immer wieder erleben können.“

Gefilmt wurde das Konzert von Paul Green Productions (u.a. Devin Townsend, Steve Hackett) und der Mix stammt von Jens Bogren (u.a. Between The Buried and Me, Ihsahn). Die 3CD+Blu-ray-Edition enthält das komplette Konzert in Stereo und 5.1 Surround Sound sowie exklusive Backstage-Interviews mit jedem Bandmitglied. Die Gatefold 2LP-Version präsentiert das gesamte Fauna-Album, wie es an jenem Abend live gespielt wurde. Beide Formate zeigen das ikonische Artwork von Dan Goldsworthy, der auch das Cover von Fauna gestaltet hat.

The full setlist is as follows:

Set 1:
The Last Lullaby
Taurus
Nightingale
The Alphabet Of Me
Sempiternal Beings
Beneath The White Rainbow
Island In The Clouds
Lovebite
Elephants Never Forget
Eyes of Ebony
Crystallised

Set 2:
Puzzle Box
Earthrise
Cockroach King
Nil By Mouth
1985
The Strain
Strainwreck
Canary Yellow
Drowning In the Flood
Visions

HAKEN are:

Ross Jennings

Richard Henshall

Charlie Griffiths

Pete Jones

Conner Green

Ray Hearne

HAKEN online:
www.hakenmusic.com
www.twitter.com/Haken_Official
http://www.facebook.com/HakenOfficial

https://www.instagram.com/haken_official

Vor fast dreißig Jahren, 1996, hat Joe Satriani eine Konzertreihe ins Leben gerufen, wie es sie vorher nicht gegeben hat. Satriani hat zwei andere Gitarrenvirtuosen auf eine Tour eingeladen. 1996 waren das Steve Vai und Eric Johnson. Seitdem sind viele der weltbesten Gitarristen ein Teil dieser Tour gewesen. Yngwie Malmsteen, John Petrucci, Paul Gilbert und Uli John Roth um nur einige zu nennen.

20 Jahre ist es her, seitdem es eine G3 Veröffentlichung gegeben hat. Am 23.01.25 ist es soweit. Es wird einen Mitschnitt der G3 Reunion Tour aus 2024 geben. Satriani lässt die Zusammensetzung der ersten G3 wieder aufleben. Vai, Johnson, Satriani. Wir haben schon mal in die CD reingehört.

Steve Vai

Steve Vai darf als erster ran und es geht mit Gravitas/Avalancha los. Der Sound kommt klar aus den Boxen und alle Instrumente sind differenziert zu hören. Da kann man die Lautstärke ruhig mal anheben. Von Anfang an geht Vai in die Vollen. Seine Signature Moves sind alle da. Wie auch Johnson und Satriani, kann man Steve Vai an seinem Spiel sofort heraushören. Unverwechselbar. Vai spielt überwiegend Lieder von seinem letzten Album „Inviolate“. Bei „Teeth of the Hydra“ kommt natürlich seine „Hydra“ Gitarre zum Einsatz. Drei Hälse, jeweils mit anderem Sound. Schade, dass es bis jetzt kein Live Video gibt. Das Studio Video gibt es aber. Schaut mal rein.

Mit „For The Love Of God“ beschließt Vai seinen Auftritt. Der Song darf natürlich nicht fehlen. Ein Klassiker und wahrscheinlich auch sein bekanntester Song.

Eric Johnson

Eric Johnson ist ein bisschen die Ausnahme hier. Er ist nicht der typische Shredder. Zum einem spielt er eine Stratocaster mit Single Coils, die schon mal untypisch für diese Art von Instrumentalgitarristen ist, zum anderen singt Johnson zwischendurch auch mal. Dass er auch schnell spielen kann, stellt er natürlich auch unter Beweis. Johnson ist die Art von Gitarrist, die für die Nichtmusiker unter den Zuschauern noch am meisten zu bieten hat. Ein Höhepunkt für mich stellt „Desert Rose“ dar. Hier beweist Johnson, dass er auch gesanglich auf der Höhe ist. Das wohl bekannteste Stück des Gitarristen ist wohl „Cliffs of Dover“. Leider ist es nicht auf dem Album vertreten, obwohl es an dem Abend gespielt wurde. Sehr schade. Ist wahrscheinlich dem Umstand geschuldet, dass es bereits auf vielen Live-Aufnahmen vorhanden ist.

Joe Satriani

Zuletzt kommt natürlich der Boss an die Reihe. Satriani spielt überwiegend die Klassiker. Auch er mit seinem unnachahmlichen Stil, den man aus tausenden heraushört. Klasse Rock/Metal-Songs, die auch ohne Gesang so gut wie immer auch einen Refrain haben, den man mitsummen kann. Der Mann weiss, wie man gute Songs schreibt. „Big Bad Moon“ hat den coolsten Gesang ever. „But I like it“.
„Always With Me, Always With You“ ist eine super Ballade, bevor Joe seinen Set mit dem gute Laune „Summer Song“ beendet.

Jam

Nach den Bandintroductions geht’s sofort in die Jamsession. Ein absolutes Highlight jeder G3 Tour. Alle drei Gitarristen spielen zusammen Klassiker der Rockgeschichte. An diesem Abend sind „Crossroads“, „Spanish Castle Magic“ und „Born to be Wild“ dran. Hier kann sich jeder beliebig austoben und solieren. Klasse Zusammenspiel.

Nach ungefähr zweieinviertel Stunden bester Gitarrenunterhaltung ist die 2CD am Ende. Was für ein gutes Konzert. Es gab viele neue Songs zu hören, die noch nicht live veröffentlicht worden sind. Der Sound ist erstklassig und man hat das Gefühl dabei zu sein. Wer schon mal auf so einem Konzert war, wird mir zustimmen können. Schade, dass noch kein Video dazu veröffentlicht wurde. Neben den unterschiedlichen Spielstilen der drei Protagonisten, ist auch der Auftritt auf der Bühne bei allen unterschiedlich. Vai sehr extrovertiert, Johnson ruhig und Satriani mit seiner Sonnenbrille sehr cool. Muss man gesehen haben.

Spielerisch haben Vai, Johnson und Satriani wie immer alle Register gezogen, um die Fangemeinde und Gitarrenjünger glücklich zu machen. Auch nach so langer Zeit ist ein G3 Auftritt immer noch ein Höhepunkt im Konzertkalender, der so manchen Zuschauer voller Staunen mit offenem Mund zurücklässt. Ja, so gut ist das.

Hier könnt ihr vorab schon mal in 2 Songs reinhören bzw. reinschauen.

Setlist G3
Gravitas
Avalancha
Little Pretty Intro
Little Pretty
Tender Surrender
Zeus In Chains
Teeth Of The Hydra
For The Love Of God
Land Of 1000 Dances
Righteous
Trail Of Tears
On Ramp Improv
Freeway Jam
Desert Rose
Venus Reprise
Raspberry Jam Delta-V
Surfing With The Alien
Satch Boogie
Sahara
Nineteen Eighty
Big Bad Moon
Always With Me, Always With You
Summer Song
Introductions
Crossroads
Spanish Castle Magic
Born To Be Wild

20 Jahre ist es her seit der letzten G3 Veröffentlichung. Mit Vai, Satriani und Johnson fing alles an. Jetzt erneut unterwegs in dieser legendären Konstellation.

JOE SATRIANI, ERIC JOHNSON UND STEVE VAI
kündigen Veröffentlichung des G3 Reunion Live-Albums an.

Aufgenommen im Orpheum Theatre in Los Angeles und erhältlich ab dem 31. Januar 2025 als Deluxe Edition LP/Buch/2CD-Set, 4LP Gatefold und 2CD Digipak bei earMUSIC.

Vorab erscheint der G3 All-Star Jam „Crossroads“ als erste Single und Video

Die Original-Besetzung des G3-Tourkonzepts kehrt mit „Reunion Live“ zurück, das am 31. Januar 2025 weltweit bei earMUSIC erscheint. Das Album fängt die Gitarrenmagie von Joe Satriani, Eric Johnson undSteve Vai auf ihrer ausverkauften US-Tour 2024 ein. Dieses elektrisierende Wiedersehen zeigt die drei Ikonen, die sich erstmals 1996 zusammenschlossen, und zeigt wegweisende Performances, die G3 definiert. Fans werden vollständige Sets von jedem Künstler genießen, darunter Hits wie Satrianis „Sahara“, Johnsons „Desert Rose“ und Vais „For the Love of God“, ergänzt durch ein mitreißendes Zugaben-Jam mit Cover-Versionen von Hendrix, Clapton und Steppenwolf.

Crossroads Video

Reunion Live

„Reunion Live“ ist weitaus mehr als „nur“ ein Live-Album. Es enthält vollständige Sets von jedem Künstler sowie eine gemeinsame Supergroup-LP – und es ist die erste G3-Veröffentlichung seit 20 Jahren. Die Deluxe-Edition bietet für jeden Künstler ein andersfarbiges Vinyl, eine einzigartige Splatter-LP für das Zugaben-Jam und ein 64-seitiges Fotobuch, unterteilt in Künstler- und Jam-Kapitel. Das gesamte Programm ist zusätzlich auf 2CD beigelegt. Das Album ist ebenfalls als 2CD-Digipak mit 16-seitigem Booklet Fotobuch, als 4LP-Gatefold sowie als digitaler Download erhältlich.

„Eine G3-Tour ist immer ein elektrisierendes Erlebnis, und diese besondere G3-Tour mit Eric und Joe war ein Karriere-Highlight für mich.“ – Steve Vai

„Mit Joe und Steve zu spielen war eine Bestätigung, dass wir nicht nur die musikalischen Grenzen erweitern wollen; wir wollen auch unsere emotionalen Erfahrungen teilen…“ – Eric Johnson

„Das Wiedersehen mit Eric und Steve in diesem Jahr, zur Erinnerung an die allererste G3-Tour von ’96, war einfach glorreich.“ – Joe Satriani

Tracklisting (alle Formate):

1. Gravitas (Vai)
2. Avalancha (Vai)
3. Little Pretty Intro (Vai)
4. Little Pretty (Vai)
5. Tender Surrender (Vai)
6. Zeus in Chains (Vai)
7. Teeth of the Hydra (Vai)
8. For the Love of God (Vai)
9. Land of 1000 Dances (Johnson)
10. Righteous (Johnson)
11. Trail of Tears (Johnson)
12. On-Ramp Improv (Johnson)
13. Freeway Jam (Johnson)
14. Desert Rose (Johnson)
15. Venus Reprise (Johnson)
16. Raspberry Jam Delta-V (Satriani)
17. Surfing with the Alien (Satriani)
18. Satch Boogie (Satriani)
19. Sahara (Satriani)

Der Prog-Veteran Devin Townsend beehrt uns mit einem neuen Album mit dem schönen Titel „Powernerd“. Passt schon ganz gut auf Devin, finde ich.

POWERNERD – Substantiv

1. – Eine Person jeglichen Geschlechts, die durch Hartnäckigkeit und Ausdauer etwas, was die Gesellschaft als „Schwäche“ ansehen mag, in eine Supermacht verwandelt hat.
2. – Ein verdammt cooler Typ.
3. – Du.

Devin Townsend hat kürzlich sein neues Studioalbums „PowerNerd“ für den 25. Oktober 2024 ankündigt. Die Karriere von Devin Townsend besteht aus vielen verschiedenen Epochen. Er war der Kopf von Strapping Young Lad, der Dreh- und Angelpunkt des Devin Townsend Project und der Co-Architekt des Country-Duos Casualties of Cool, während er gleichzeitig sein produktives und gelobtes Soloprojekt weiterführte. Mit ‚PowerNerd‘ beginnt eine neue Ära für den Alleskönner.

Heute präsentiert er seine neue Single „Gratitude“ zusammen mit einem Video, in dem Devin durch die wunderschönen kanadischen Wälder streift. Schaut es euch jetzt hier an:

Formate

PowerNerd“ wird in verschiedenen Formaten erhältlich sein, darunter ein limitiertes 2CD+Blu-ray Artbook (mit dem Album, Bonustracks und Devins erstem Dolby Atmos Mix), ein limitiertes 2CD Digipak in einer O-Card, Standard CD, Gatefold 2LP und ein digitales Album.

Das Artwork des Albums wurde von Travis Smith, einem langjährigen Mitarbeiter, entworfen.

„PowerNerd“ ist nicht nur ein Ausdruck von Stärke in schwierigen Zeiten, sondern öffnet auch die Tür zu Devins unmittelbarer Zukunft. Bald soll PowerNerd durch den Nachfolger „The Moth“ – selbst beschrieben als “orchestral, over-the-top, dark and uncomfortable” – und die ‘“alien weirdness” des finalen „Axolotl“ kontrastiert werden. Beide Werke sind bereits im Kasten, und zusammen wird die Trilogie die verblüffende Bandbreite dieses Mannes zum Ausdruck bringen.

Das hat Devin zu „Powernerd“ zu sagen

Devin comments: “Gratitude is a simple song in the vein of ‚Life‘ or ‚Stagnant‘ (from Ocean Machine and Terria, respectively) that acts as a simple way to continue the theme of PowerNerd. During the making of this album, there were a lot of hurdles that we went through as a family, and the tendency to look at ones lot in life from the vantage point of being a ‚victim‘ seems to be an easy hole to fall into. I wrote this song during a very difficult time, yet the idea of gratitude is not meant to be ironic in any way. I’m grateful for the lessons, I’m grateful for the swings and roundabouts of life, I’m here for it. Retaining equilibrium during challenging times is a job in and of itself, and in a sea of nihilistic thoughts, having ones creative output as a tangible expression of gratitude is in many ways the whole point for me at this stage. In any event: I feel like I’m dumb as a rock, and life is so incredible and absurd, that I just feel the urge to say ‚Thank you‘ for all of it. If the quality of people who surround me and this work is of any indication, we’re pointed in the right direction. Thanks =)”

“It was a conscious thing,” Devin says of his brand-new album, the music on which he wrote in just 11 days. “I thought, ‘I’ve spent so much time overthinking every aspect of my work – what would happen if I didn’t?’ Maybe I would have the opportunity to be a bit more direct with what it is that I’m trying to do. I really wanted to see if I could cut through some of the meandering.”

However, that aggression is far from the only thing to come from PowerNerd’s 11 episodic tracks. ‘Dreams of Light’, by comparison, is an evocative and dynamic four-minute ballad. ‘Younger Lover’ calms down from an explosive opening to lush verses of synths and singing, whereas ‘Falling Apart’ adds texture after texture on top of a dulcet, acoustic introduction. Where PowerNerd’s music was written in less than a fortnight, its lyrics were refined over a far longer period of time into a narrative about strength and healing. On ‘Falling Apart’, Devin commands himself to “keep the tension under control”. “You’ve got to believe that things will only get better,” subsequent song “Gratitude” powerfully declares. These uplifting messages even play into the record’s title.

Devin offers as a definition: “I would say that a powernerd would be somebody that has a tendency that society has deemed weak or not valuable, whether that’s empathy or being an insular person or an introvert, and turns that into a type of personal power. It’s like, ‘OK, yeah, I’m sensitive to this, that and the other thing, but man, I am going to pull through! I am going to do things with that sensitivity that are rooted in strength.’”

Tracklist
 1. PowerNerd
 2. Falling Apart
 3. Knuckledragger
 4. Gratitude
 5. Dreams of Light
 6. Ubelia
 7. Jainism
 8. Younger Lover
 9. Glacier
10. Goodbye
11. Ruby Quaker

Aufnahmen

Die Aufnahmen zu „Ten“ sind sowohl live im Studio als auch im Tourbus entstanden. Die Hauptlast des Songwritings lag bei Paul Gilbert und geht mehr in die Vielseitigkeit seiner Soloalben. Mr. BIG haben sich und den Fans nichts mehr zu beweisen, wie am Anfang ihrer Karriere. „Ten“ ist eine Platte geworden, bei der man sich genüsslich zurücklehnen kann. Weniger im Hard Rock Bereich angesiedelt. Songs wie „Daddy, Brother, Lover, Little Boy“ sucht man hier vergeblich. Stattdessen gibt es erdig produzierte bluesorientierte Rockmusik.

Der Opener „Good luck trying“ bietet hektische, im Vordergund stehende Drums. Nick D’Virgilios Herkunft aus der Progecke kann man nicht leugnen. Trotz aller Hektik bleibt der Chorus doch recht schnell im Ohr hängen. Dass Mr. BIG großartige catchige Refrains schreiben können, haben sie auch auf „Ten“ wieder bewiesen.

Mit „Who we are“ und „The Frame“ bekommen wir zwei Balladen. „I am you“ ist ein Uptempo-Rocksong. „Right outta here“ enthält ein schönes orientalisch anmutendes Slideguitar-Riff von Gilbert. Der Song erinnert mich ein bisschen an „Voodoo Kiss“ vom Album „Lean into it“. Das Gitarrensolo ist wie immer grandios. Hier kann man nochmal die schnellen Finger von Paul Gilbert bestaunen. Überhaupt ist das Handwerk aller beteiligten Künstler wie immer nicht von dieser Welt und über jeden Zweifel erhaben. Mr. BIG bleiben Mr. BIG, auch wenn die Songs nicht mehr so brennen, wie zu ihren besten Zeiten. Alles klingt ruhiger und gesetzter. Einfach erwachsener.

In der Guten-Laune-Nummer „As Good As It Gets“ packt Gilbert dann einen Brian May ähnlichen Gitarrensound aus. Cool. Habe ich von ihm so auch noch nicht gehört. Eine weitere coole Nummer ist das Rock’n’Roll artige „What Were You Thinking“. Status Quo Fans dürften auch ihre Freude daran finden.

Fazit

Mr. BIG „Ten“ ist ein klasse Album geworden. Man darf hier nur kein Feuerwerk im Hard Rock Bereich erwarten. Mr. BIG sind ruhiger und erwachsener geworden. Sie haben keinen Druck mehr, den Leuten gefallen zu müssen und ziehen ihr Ding einfach durch. Erdiger, bluesiger und direkter. Das qualitative Songwriting und die Virtuosität haben Mr. BIG auf jeden Fall nicht verloren. Mir macht „Ten“ Spaß.

Noch vor kurzem habe ich auf Facebook gelesen, dass Eric Martin noch Spaß daran hätte, noch mehr Alben mit Mr. BIG aufzunehmen. Auch wenn mit Touren Schluss sein sollte, war „Ten“ möglicherweise nicht das letzte Album von Mr. BIG.

Tracklist „Ten“
01. Good Luck Trying
02. I Am You
03. Right Outta Here
04. Sunday Morning Kinda Girl
05. Who We Are
06. As Good As It Gets
07. What Were You Thinking
08. Courageous
09. Up On You
10. The Frame
11. 8 Days On The Road (Bonus)