Zunächst geht es um zwei Gitarristen und ihre Instrumentalalben. Vor dem Release wird immer wieder die Frage gestellt, ob hier ‚nur die Spieltechniken‘ im Vordergrund stehen, mit denen die Gitarristen zeigen, was sie können.

Klar zeigen Andi the Wicked und Adrian Weiss auch, was sie spieltechnisch drauf haben. Aber nicht als Selbstzweck, sondern als Zugabe oder wenn man so will: als Verzierung. Beiden haben Alben mit einem spannenden Aufbau, tollen Melodien und Riffs sowie etlichen Überraschungen herausgebracht. Alben nicht nur für Fans von Instrumentalmusik sondern auch für Fans von metal-basierter, abwechslungsreicher und kraftvoll-verspielter Gitarrenmusik.

Straight and wicked instrumental metal: „Sexually Transmitted Mojo” von Andi the Wicked

Andi The Wicked – das ist Andreas Dötsch, der, wenn er sich nicht gerade mit seiner eigenen Musik beschäftigt, bei STEELPREACHER für coole Soli zuständig ist. Mit seinem im März 2022 erschienen Album „Sexually Transmitted Mojo“ zeigt er, dass eine virtuos gespielte Gitarre genauso gut Geschichten erzählen kann, wie der Gesang.

Wie oben schon geschrieben, ist es ein Album, bei dem der Heavy Metal die Grundstruktur bildet und sich wie ein roter Faden durch alle Stücke zieht. Aber auch Blues, Hard Rock und klassisch gespielte Musik sind mit dabei. Es gibt also ganz unterschiedliche Geschichten zu hören und vieles zu entdecken.

Ein abwechslungsreiches Album mit einem richtig fetten Sound

Was unter dem Titel „Sexually Transmitted Mojo“ zu verstehen ist, darf sich jeder selbst ausmalen. Ob der Hinweis, dass der Besuch beim Urologen etwas damit zu tun hat, dann eher an „sexually transmitted“ denken lässt oder an „Mojos“ im eigenen Leben, ist dem Hörer überlassen. (Mehr dazu im Interview)

Klar ist jedenfalls: die Verbindung aus harten Riffs und melodischen Parts machen nicht nur im Titelsong den besonderen Reiz des Albums aus. Es gibt ausgearbeitete Strukturen mit feinen Melodien, rockige und metallische Riffs, Tempiwechsel und gut arrangiertes Power-Drumming. Gut getan hat dem Ganzen auch, dass Andi diesmal mit Jan Hinz einen ‚echten‘ Drummer dabeihatte. Herausgekommen ist ein abwechslungsreiches Album mit einem richtig fetten Sound. 

„Be dangerous but disciplined” – Dangerous Discipline von Adrian Weiss

„Dangerous Discipline“ ist das vierte Solo-Album von Adrian Weiss. Als Gitarrist von  THOUGHT SPERE, FORCES AT WORK über GLORYFUL und die ADRIAN WEISS BAND bis hin zu seinem aktuellen Death-Metal-Projekt SubOrbital ist Adrian Weiss insgesamt musikalisch breit aufgestellt.

„Dangerous Discipline“ ist – wie bereits erwähnt – ein Instrumentalalbum. Die Grundstruktur bilden die Melodien, auf die Adrian Weiss immer wieder zurückkommt. Auf einer rockenden Basis macht er nicht nur Ausflüge in Jazz und Fusion, sondern integriert auch Metal – Riffs und Leads.

Mit Sahnehäubchen

Das Album hat noch einige Überraschungen zu bieten. Denn Adrian Weiss hat die Bandbreite stilistischer Elemente noch auf andere Weise erweitert. Er konnte zehn Gitarristenkollegen und -kolleginnen gewinnen, die abwechslungsreiche Soli beigetragen haben. (u.A. Dee Dammers, Martin Miller und Yasi Hofer). Außerdem sind Marcel Willnat (Bass) und Ex-FORCES AT WORK – Drummer Sabir Salkic mit dabei, die die Stücke mit ihren Anteilen facettenreich ergänzen.

Mit „Dangerous Discipline“ hat Adrian Weiss seinen Sound noch einmal weiterentwickelt. Wie sich die Melodien aus den Riffs heraus entwickeln, ist noch klarer und eigenständiger geworden.

Es gibt natürlich auch temporeiche Shredpassagen, die aber eher Ausschmückung als Selbstzweck sind. Oder wie Adrian es im Interview ausdrückte: sie sind die Sahne auf dem Kuchen.

Die Menschheit und vom Aussterben bedrohte Tiere: „Eraser“ von LONG DISTANCE CALLING

Auch LONG DISTANCE CALLING kommen ohne Gesang aus und schaffen es, sich einem wichtigen Thema unserer Zeit eindringlich und dennoch ohne moralischen Zeigefinger zu nähern. Mit „Eraser“ haben sie sich damit auseinandergesetzt, wie der Mensch das Verhältnis zu anderen Lebewesen beeinflusst und bestimmt.

Auf ihrem vorangegangenen Studioalbum „How Do We Want To Live“ haben sie sich mit dem technischen Fortschritt, dem Verhältnis von Mensch und Maschine, der Auswirkung auf die persönliche Freiheit sowie mit humanistischen Grundwerten beschäftigt. Daher war es durchaus konsequent, den Blickwinkel auf weitere Aspekte des (Zusammen-) Lebens zu erweitern.

„Eraser“ ist das achte Album von LONG DISTANCE CALLING. Ideengebend für das Album war eine Dokumentation über einen Grönlandwal, der wahrscheinlich schon 500 Jahre alt ist. So entwickelten LONG DISTANCE CALLING basierend auf einer Liste von vom Aussterben bedrohter Tiere ein Konzept, in dem jedes der ausgewählten Tiere ein eigenes Lied erhalten hat.
Das titelgebende Stück „Eraser“ handelt vom Menschen, der seine Umwelt und langfristig auch sich selbst zerstört.

Soundtrack zum Kopfkino

Insgesamt ist das Album härter und progressiver als die Vorgänger. Und gleichzeitig musikalisch ideenreich, vielseitig und handwerklich wie immer großartig. Eines der Merkmale der Musik von LONG DISTANCE CALLING ist das Prinzip der Wiederholung, das den Stücken eine Struktur gibt, in der Detailarbeit möglich ist und zur Geltung kommt. Detailarbeit lag hier z.B. darin, ihre kompositorischen und instrumentellen Möglichkeiten zu nutzen, um den Tieren in einer Weise ‚eine Stimme zu geben‘, die Bilder zu diesen Tieren entstehen lassen, die zumindest mit meinen Bildern von ihnen übereinstimmen.

Teilweise hätte ich mir mehr Dissonanz oder Reibung gewünscht, um die Dringlichkeit eines Umdenkens zu unterstreichen. Andererseits gefällt mir, dass die Lieder auch von der Hoffnung darauf, dass die Menschheit zu Veränderung in der Lage ist, durchzogen sind.

Kurz und gut: es ist ein hörenswertes und interessantes Album.

BLACK SPACE RIDERS: „We Have Been Here before”

Dieses Album war für mich die Neuentdeckung des Jahres. Ja, ich habe die BLACK SPACE RIDERS tatsächlich nicht gekannt, obwohl sie in diesem Jahr ihr mit „We Have Been Here Before“ bereits ihr siebtes Album herausbringen. (Dank an Jan Hoffman von LONG DISTACE CALLING, der mich auf sie aufmerksam gemacht hat.)

Das Album der Band aus Münster beinhaltet 15 Songs, in denen sie auf einer spacigen Basis eine enorme Bandbreite an Klängen, Melodien und Rhythmen entfalten. Genregrenzen gibt es für sie nicht. Und so ist Hard Rock und Psychedelisches dabei, ist die Musik mal mächtig, mal zart.

„We Have Been Here before“ ist eine Reise durch Raum und Zeit. Insgesamt 15 Songs in 84 Minuten, bei denen sie mit einer enormen Bandbreite an Klängen und Rhythmen einen großartigen Rahmen für die Melodien und Texte geschaffen haben

Thematisch beschäftigt sich das Album mit den vielen Schleifen, die das Leben zieht. Mit Zyklen, die sich nicht nur auf persönlicher, sondern auch gesellschaftlicher Ebene vollziehen – und auch übergreifend, kosmisch.

„AAAAAAAAAAARRRRRRGGGH“ – das Leben eben

Als ich das Album zum ersten Mal gehört habe, hatte ich mir den Song „AAAAAAAAAAARRRRRRGGGH“ ausgewählt. Und damit war ich schon mittendrin im Album. Nach und nach öffnen sich psychedelische Räume mit verträumten, melancholischen Klängen, feinen Melodien, wummerndem Bass und flirrenden Gitarren und interessanten Texten.
Ja, richtig: hier wird gesungen. Dafür stehen den BLACK SPACE RIDERS zwei Sänger zur Verfügung, die weitere Gestaltungsmöglichkeiten genutzt haben.

Mir haben insbesondere die Texte von „Trapped in an endless loop“, „Beautiful“, „A whisper“ und „Worlds collide dans ma tête” gefallen. Einerseits wird hier die Schwere des Lebens in sich scheinbar endlos wiederholenden Schleifen deutlich, dann eine ‚offensiv-punkig-oppositionelle‘ Haltung, aber auch so etwas wie Hoffnung darauf, eine andere Sichtweise oder sogar einen Ausweg zu finden.

Damit ist dieses Album doch genau richtig für den Ausklang des Jahres, in dem oft noch einmal Rückschau gehalten wird. Ich hoffe, es gab für euch nicht so viele sich endlos wiederholende Schleifen, sondern neue Erfahrungen, interessante Momente und Ideen für die kommende Zeit. In diesem Sinne: Kopfhörer auf und reinhören!

Mehr Infos und noch mehr Musik gibt es hier:
Andi the Wicked
Adrian Weiss
LONG DISTANCE CALLING
BLACK SPACE RIDERS

Am 21. Oktober 2022 haben BLACK SPACE RIDERS ihr Album „We Have Been Here Before” veröffentlicht.

Es ist ihr siebtes Album. Zuletzt hatten sie 2018 „Amoretum Vol. 1 & Vol. 2“ herausgegeben. Die folgenden vier Jahre haben BLACK SPACE RIDERS genutzt, um dem Grundgedanken, dass es sowohl auf persönlicher als auch gesellschaftlicher und noch darüber hinaus auf kosmischer Ebene alles in Zyklen verläuft, in musikalischen Strukturen umzusetzen.

„We Have Been Here before“ ist eine Reise durch Raum und Zeit geworden. Insgesamt 15 Songs in 84 Minuten, bei denen sie mit einer enormen Bandbreite an Klängen und Rhythmen einen großartigen Rahmen für die Melodien und Texte geschaffen haben. (Die Review zum Album findet ihr HIER)

„AAAAAAAAAAARRRRRRGGGH“

„AAAAAAAAAAARRRRRRGGGH“ war der erste Song, den ich nach Erhalt des Albums gehört habe. Und schon war ich mittendrin im Album. Abwechslungsreiche Arrangements, Melodien und Texte – da vergehen die 84 Minuten wie im Flug. Auch beim erneuten Hören gibt es immer wieder etwas Neues zu entdecken.
Dann wollte ich mehr über das Album und seine Entstehung wissen. Also habe ich JE (für Vocals, Gitarre und Keyboard zuständig) ein paar Fragen zum Album gestellt, die er sowohl umfassend als auch differenziert beantwortet hat:

Im Oktober habt ihr euer inzwischen siebtes Album herausgebracht. Es ist ein Ritt
durch Rock -, Psychedelic-, Metal – Welten. Mal rockig, mal ruhig, mal komplex arrangiert, dann wieder straight und mächtig. Der Einsatz von Abwechslung, neuen Elementen, Variationen, Ausprobieren ist ja in gewisser Weise euer Markenzeichen. Und nun ein Album mit dem – fast schon gegensätzlichen – Titel: „We have been here before“.
‚Wir waren schon hier‘, ‚das hatten wir doch schon einmal‘ – welche Ereignisse haben dies so deutlich für euch gemacht, dass ihr dazu ein Album entwickelt habt?

Das ist jetzt nicht durch irgendwelche aktuellen Geschehnisse ausgelöst, sondern eher eine sich im Laufe der Zeit verfestigende persönliche Erkenntnis, dass alles Mögliche auf diversen Ebenen immer wieder in Phasen zurückkommt, so dass du den Eindruck gewinnst, genau DAS hatten wir doch schon mal. Dabei scheint es oft nur auf den ersten Blick so. Das betrifft den Lauf des Lebens von der Geburt bis zum Tod bis hin zur Wiederholung diese Lebenszyklus. Zumindest, wenn man dran glauben möchte. Doch das bleibt jedem selbst überlassen.

Zyklen und Phasen, Wiederholung und Abwechslung als Gegenpol

Heißt das, dass es nicht nur um den Lebenszyklus in der Welt geht, die wir als ‚real‘ betrachten?

Es betrifft kosmische Entstehungszyklen und ebenso ganz alltägliche Situationen in unser aller Leben. Aber natürlich kann man angesichts der Ereignisse der letzten Jahre auch geopolitisch und gesamtgesellschaftlich den Eindruck bekommen, dass Dinge sich wiederholen: Autokraten, Unterdrückung, Seuchen, Krieg, Hungersnot, jetzt kommt sogar vielleicht Trump zurück …. Passt alles rein in dieses konzeptionelle Gedankenspiel. Es ist aber nicht so, dass wir gesagt haben: Wir machen jetzt ein Album darüber, sondern andersherum. Wir haben Songs für einen Albumzyklus geschrieben und uns dann gefragt: Bevor wir jetzt die Texte schreiben … welcher konzeptionelle Überbau passt denn zu dieser Musik?

Wiederholungen bringen dich dazu, weniger nachzudenken, sondern mehr zu fühlen

Ihr nutzt in der Musik vielfältige Formen der Wiederholung. Was ja gut zum Titel passt. Wiederholungen bieten die Möglichkeit, etwas näher kennenzulernen oder auch aufmerksam auf Einzelheiten zu werden. Dadurch ist es eventuell auch leichter, sich einzulassen und die entstehenden Emotionen wahrzunehmen.
Mit welcher Intention habt ihr die Wiederholungen oder ‘Schleifen‘ eingesetzt? Welche Bedeutung oder Funktion hat die Wiederholung im Konzept des Albums?

Wiederholung hat in unserer Musik grundsätzlich eine wichtige Funktion. Genau wie der Gegenpol: die Abwechslung. Das haben wir aber nicht aufgrund des Textkonzeptes gemacht, sondern das ist generell Teil unserer Band-DNA. Wir spielen mit diesen Elementen. Wiederholung bringt dich dazu, weniger nachzudenken, dich fallen zu lassen, mitzugehen, du nickst, wippst, tanzt. Es kann geradezu meditativ spirituell wirken. Die Abwechslung als Gegenpol hält dich wach, macht das Leben spannend und bunt. Beides sind ganz bewusst gleichwertige, wichtige Bestandteile unserer Musik und auch unseres Lebens.

Musik und Text beschäftigen sich damit, dass es sowohl auf persönlicher als auch auf gesellschaftlicher Ebene Zyklen/Phasen gibt, dass Ereignisse sich in gewisser Weise wiederholen. Ihr lasst euch einerseits auf diese Zyklen ein, richtet aber gleichzeitig aus der Distanz einen Blick darauf. Aus dieser Perspektive sind Veränderungen dieser Zyklen oder spiralartig verlaufenden Entwicklungsprozesse deutlicher zu sehen.
Ist es euch ein Anliegen, mit dem Album auch anderen diesen Blick zu ermöglichen, damit sie sich nicht gefangen fühlen in scheinbar gleichbleibenden Strukturen und Verläufen?

„Diesen Blick zu ermöglichen“ ist sehr schön ausgedrückt von dir. Wir machen sowohl textlich als auch musikalisch immer nur Angebote, keine Appelle. Du kannst dich darauf einlassen oder auch nicht. Es wäre schön, wenn wir alle unseren Blick und auch unsere emotionale Wahrnehmung öfter mal erweitern und unsere eigene Position verlassen. Ich glaube, dass es befreiend wirkt, den Blick von weiter weg zu wagen. Gerade zurzeit, wo so vieles sich anscheinend wiederholendend, einengend und beängstigend anfühlt. Und diese Wahrnehmung ist ja absolut berechtigt und naheliegend.

Wenn es sich gut anfühlt und anhört, kann etwas daraus werden

Ihr macht seit vielen Jahren Musik, in denen sich euer Stil einerseits immer wieder verändert hat (z.B. mal mehr mal weniger Elektronik).
Wie würdest du die Entwicklung eurer Musik/eure Entwicklung beschreiben?

Auf dem Debütalbum gab es noch viele im Vorfeld geschrieben Songs, die wir dann gemeinsam final ausgearbeitet haben. Seit dem zweiten Album hat sich der Songwritingprozess zunehmend dahin entwickelt, dass die Songs wirklich gemeinsam entstehen.

Es steht z.B. auf einmal ein Gitarrenriff im Raum, wenn in einer Probenpause einige von der Toilette zurückkommen. C.RIP steigt dann mit den Drums ein, MEI spielt `nen groovy Bass dazu, SLI ein paar atmosphärische Arpeggios und SEB beginnt irgendwann, lautmalerisch zu singen. Später singe ich dann eine zweite gegenläufige Stimme dazu und wir wechseln uns ab …. So in etwa.

D.h., dass ihr die Dinge auf euch zukommen lasst und viel ausprobiert? War dann das Überschreiten von Grenregrenzen bzw. die Verbindung verschiedener Elemente eine logische Konsequenz?

Wir haben ab irgendeinem Punkt angefangen, alles, was uns musikalisch einfällt, erstmal auszuprobieren und zuzulassen. Wir achten nicht mehr darauf, ob irgendeine Gitarrenlinie oder ein Rhythmus stilistisch zum Riff passt, sondern machen das erstmal. Da kann dann eine Funkgitarre zum Metalriff kommen, während der Drummer einen Breakbeat spielt. Wenn es sich gut anfühlt und anhört, kann was daraus werden.

Und auf diese Art und Weise arbeiten wir eigentlich seit unserem vierten Album [„Refugeeum“  (2015)] Je nachdem, was gerade der Ausgangspunkt der Songentstehung war, kann daraus was eher Elektronisches, was schnelles Rockiges, was Doomiges oder auch ganz Anderes aus dem Song werden. Das steht vorher nicht fest. Insgesamt würde ich sagen, dass unser Konzept nach einer anfänglichen rifforientierten Band-Selbsterfindungsphase immer offener wurde und wird.

Die Vielfältigkeit eurer Musik zeigt sich ja bereits in der Bezeichnung „New Wave Of Heavy Psychedelic Space Rock”.
Habt ihr nie den Gedanken gehabt, dass Hörer durch diese Vielfalt ‚irritiert‘ sein könnten? Ich denke besonders an ‚Neuhörer‘, denn die anderen wissen ja inzwischen, worauf sie sich bei euch einlassen.

Ja, das ist bei einigen Menschen tatsächlich so und das kann ich auch verstehen. Auf der anderen Seite gibt es ja viele Fans, die genau das an uns so lieben. Das ist auch nicht geplant oder kalkuliert im Sinne von „Hey, wir müssen jetzt mal wieder was ganz anderes machen, um Vielfalt zu zeigen“, sondern letztendlich machen wir einfach die Musik, die sich aus unserem Zusammenspiel auf natürliche Weise ergibt und die ist halt vielfältig.

Das Publikum nimmt sich das, was am besten gefällt

Wer ist euer Publikum?

Unser Publikum ist im Vergleich zu anderen Bands gemischter finde ich. Damen und Herren, jung und alt, wirklich von 16 bis 70 siehst du Leute auf unseren Konzerten. Und die Leute nehmen sich das raus, was ihnen am besten gefällt. Es gibt Leute, die das Komplexe genießen, andere moshen, manche genießen einfach Sound und Atmosphäre, sehr viele tanzen, denn es ist ja viel Groove in unserer Musik.

Für viele Leute ist es offensichtlich wichtig, eine Band genremäßig zuordnen zu können. Dieses Anliegen bedient ihr ja gerade nicht. Es sei denn, man lässt „New Wave Of Heavy Psychedelic Space Rock” als Genre durchgehen.
Ist eure Vielfalt das Konzept oder hat sich die Vielfalt so entwickelt, weil ihr selbst so vielfältig und unterschiedlich seid? Welche Gemeinsamkeiten gibt es? Und welche Akzente setzen die Einzelnen?

Es ist kein Konzept, sondern natürliches Resultat unseres Zusammenspiels. Wir haben erstmal die Gemeinsamkeit, dass wir unglaublich gerne, freundschaftlich und produktiv in dieser Zusammensetzung Musik machen. Das ist ein echter Glücksfall. Alle in der Band sind bezüglich der Einflüsse und Vorlieben breit gefächert und dabei haben wir gleichzeitig viele gemeinsame musikalische Vorlieben. Es ist jetzt nicht so, dass einer für den Metalanteil verantwortlich ist, wer anders für die Atmosphäre usw.. Logischerweise kommen die Melodien eher vom Gesang und den Gitarren und das Groove-Fundament eher von Drums  und Bass. Aber wir befruchten uns da gegenseitig und motivieren uns untereinander im Sinne von „Probier doch mal das und das…“.

Songwriting bei euch also ein ‚Gemeinschaftswerk‘? Steht zunächst ein Konzept, zu dem ihr Musik und Texte entwickelt? Oder sind zunächst Ideen zu Musik und Text da, die ihr in/mit einem Konzept in eine Form bringt?

Ja, wie ich gerade schon beschrieben habe, ist es ein gemeinschaftlicher Entstehungsprozess. Wir nehmen grundsätzlich alles auf, was wir so im Proberaum fabrizieren. Am Anfang sind das Jams mit lautmalerischen Arbeitstexten. Wir hören dann die Aufnahmen durch und merken, wenn was Potenzial hat. Daran arbeiten wir dann kontinuierlich weiter. Es entsteht immer zuerst die Musik. Später, rechtzeitig vor der Studioaufnahmen einigen wir uns auf die Grundidee, den konzeptionellen Überbau, also das Thema, von dem das Album handeln soll. Darauf aufbauend erarbeiten wir Texte, Songtitel, Artwork usw..

Ich habe irgendwo gelesen, dass ihr die Songs live einspielt. War das auch diesmal so?

Ja. Wir haben zwar pandemiebedingt zum ersten Mal eine Art Vorproduktion im Proberaum gemacht. D.h. in den anfänglichen Lockdownphasen haben wir konsequent nur in Zweier-Konstellationen gearbeitet. Aber die Basis-Aufnahmen selbst sind immer live. Drums, Bass, Gitarren …. 5 Musiker in einem Raum. Gesang und weitere Overdubs, Percussion, Soli, Sounds etc. kommen dann später dazu.

Die Musik und Konzept bestimmen die Texte

Mir haben die Texte gut gefallen (insbesondere von „Trapped in an endless loop“, “Beautiful”, “A whisper” und “Worlds collide dans ma tête”). In den Texten wird einerseits die Schwere des Lebens in sich scheinbar endlos wiederholenden Schleifen deutlich, dann eine ‚offensiv-punkig-oppositionelle‘ Haltung aber auch so etwas wie Hoffnung darauf, eine andere Sichtweise oder sogar einen Ausweg zu finden.
Welche Rolle spielen die Texte? Sind sie eher wie ein ‚roter Faden‘ oder die Konkretisierung des konzeptionellen Rahmens? War auch hier bei allem zuerst die Musik da oder doch auch schon die Ideen für die Texte?

Vielen Dank. Immer zuerst die Musik, dann das grundsätzliche Thema, wenn du willst, das „Konzept“, und danach die Texte. Die Musik zusammen mit dem Konzept bestimmen die Texte. Und wenn ein Stück sich für einen eher „schwermütigen“ Text im Rahmen des Konzeptes anbietet, bekommt es den auch und ein direkter harter Rocker bekommt dann auch direkte, lautere Lyrics, vielleicht auch mit einem Schuss Humor. Oder wir machen es genau andersrum.

Für das letzte Stück „Worlds collide dans ma tête“ habt ihr eine Fabel von Jean de la Fontaine als Ausgangspunkt verwendet. In „Un homme vid une couleuvre“ drückt de la Fontaine seine Enttäuschung über die menschliche Art aus.
Ging es euch auch um diesen Aspekt oder wie ihr es beschrieben habt: das Zusammentreffen von Vergangenheit und Zukunft?

Am Anfang haben wir nur lautmalerisch mit mal anderen Sprachen herumexperimentiert und fanden dann, dass das Französische super zu dem Anfangspart passt. Die Fontaine-Fabel haben wir dann auf der Suche nach einem geeigneten Text ausgegraben. Dass die Fabel auch inhaltlich großen Sinn im Zusammenhang mit dem Albumkonzept ergibt, hat uns am Ende sehr gefreut.

Auf diesem Album spielt ihr mit verschiedenen Rollen in den Gesangsparts. Ihr habt ja das Glück, dass ihr zwei Sänger habt, die sich gesanglich ‚die Bälle zuwerfen‘ und auch sonst variabel in ihren Möglichkeiten sind.
Wie ‚verteilt‘ ihr die Gesangsparts zwischen dir und SEB? Oder ergibt sich die Aufteilung einfach im Entstehungsprozess der Songs?

Genau, das ergibt sich oft, wenn auch nicht immer, im Entstehungsprozess. SEB und ich probieren beim Jammen gesanglich verschiedene Dinge aus. Das ist sehr intuitiv und kreativ. Nachher beim Anhören der Proberaumaufnahmen bewerten wir dann, welche Ideen davon gut sind und welche weniger. Wenn der grundsätzliche Ansatz steht, also wer was singt, arrangieren wir das dann noch gemeinsam. Z. B. Ob wir bestimmte Parts zusammen oder sogar zweistimmig singen oder uns dabei abwechseln.

Eine Reise, bei der man die Zeit vergessen kann

Das Album ist mit einer Spielzeit von über 80 Minuten und insgesamt 15 Songs ziemlich lang. Also es ist nicht ZU lang. Beim ersten Durchgang ist mir überhaupt nicht aufgefallen, dass so viel Zeit vergangen ist.
Weshalb ist es so lang geworden? Weil ihr nur so die Themen und Ideen unterbringen konntet, die im Entwicklungsprozess entstanden sind?

Unsere Alben sind ja gerne sehr lang, weil wir so viele Ideen haben. Aber erstmal ist es doch ein gutes Zeichen, dass dir das beim Hören gar nicht aufgefallen ist. So soll das ja auch sein: eine Reise, bei der du mal die Zeit vergisst. Wir hatten für dieses Album insgesamt knapp 30 Songideen zur Auswahl, die teilweise die 10-Minuten-Grenze überschritten haben. Die Aufgabe war also, das einzukürzen und diejenigen Songs auszuwählen, die einerseits die besten sind und andererseits zusammen im Gesamtalbumfluss am besten funktionieren. Unser Leitgedanke dabei war: ungefähr die maximal mögliche Länge eines Vinyl-Doppelalbums. So kam es zur Auswahl und zur Länge.

Bei so vielen Songs in der ‚Vorauswahl‘ und letztlich 15 auf dem Album:  Hast du ein Lieblingsstück? Wenn ja, warum ist das so?

JE: Schwierig, weil ja an jedem Stück persönliches Herzblut hängt. Ich würde 4 Songs auswählen, die für mich gut das Zusammen- und Wechselspiel aus Atmosphäre, Sound, Druck und dann wieder Entspanntheit wiedergeben. Das wären „Almost (the) lost“, „Fear No More“, „In dust“ und „Queen of the light“.

Und zum Schluss: gibt es noch etwas, das du unseren Lesern mit auf den Weg geben willst?

Die es noch nicht getan haben: Hört euch mal das Album an und lasst euch darauf ein. Es gibt viel zu entdecken und ja, man sollte dafür eine gewisse Bereitschaft und Zeit mitbringen. Das Album kann man ja auf allen Plattformen streamen und kostenlos auschecken. Wem´s dann gefällt: Die wahre Freude liegt im Vinyl- oder CD-Hören, am besten über gute Kopfhörer.

Danke für das Interview!

Hier könnt ihr das Album erwerben.

Auf dem neuen Album haben sie mit 15 Songs in 84 Minuten einen Rahmen gewählt, in dem sie eine enorme Bandbreite an Klängen, Melodien und Rhythmen präsentieren. So ist das Album trotz der Länge in keinem Moment langatmig oder gar langweilig.

Alles folgt dem Grundgedanken: „We have been here before“. Diese Idee gehen sie melodisch, groovend und rockend an. Eingängige Melodien und interessante rhythmische Strukturen werden zu atmosphärischen und immer wieder progressiv-komplexen Stücken verbunden.

„We have been here before” – das Erleben, dass man sich auf verschiedenen Ebenen des Lebens immer wieder in sich wiederholenden Zyklen und manchmal eben auch Schleifen wiederfindet, haben sie nicht nur musikalisch umgesetzt, sondern auch in den Texten.

Auf in den BLACK SPACE

Dort gibt es Einiges zu entdecken. Ruhige oder melancholisch verträumte Stücke wie „The Flow“ oder das spacige „A whisper“, temporeiche Tracks wie „Shine“ und rockige, tanzbare Nummern wie „We have been here before“ und „Queen Of The Light“. Oder so ein punkig-rockiger Song wie „AAAAAAAAAAARRRRRRGGGH“. Orientalische Anleihen bei  “In Dust“ so die flirrenden Gitarren bei „Leaving the hill“ verleihen diesen Songs eine ganz besondere Note.

In einigen Tracks wie z.B. „Trapped in an endless loop“, spielt der Bass eine führende Rolle. Die feinen Bassläufe und drängenden Riffs nehmen einen mit tief in den Song hinein. Die Bandbreite der Vocals reicht von eingängiger Melodie über dunklere Stimmungen bis hin zu Growls. Es ist schon gut, wenn man auf zwei variable Stimmen zurückgreifen kann.

So groovend, rockend oder psychedelisch verträumt die Songs auch sind: es klingen immer auch Traurigkeit, Wut, Enttäuschung und Frustration hindurch.

Die Kunst der Wiederholung

Ein weiteres Element, das BLACK SPACE RIDERS beherrschen, ist die Kunst der Wiederholung. Sich wiederholende Riffs, die sich z.B. bei „Crawling (Down with everything)“ einbrennen und das später folgende spacige Solo noch abgehobener erscheinen lässt. Oder der Einstieg von „A whisper“ der in der Fortsetzung die Vocals leicht und schwebend macht.

Die Wiederholungen machen ein genaueres Hinhören möglich. Sowohl auf den Text als auch auf die Songstruktur. Und auf die vielen ‚Kleinigkeiten‘, die oft erst beim zweiten oder dritten Hören auffallen.

“When a man meets a serpent future hits the past”

Thematisch beschäftigt sich das Album mit den vielen Schleifen, die das Leben zieht. Mit Zyklen, die sich nicht nur auf persönlicher sondern auch gesellschaftlicher Ebene vollziehen – und auch übergreifend, kosmisch.

Den Gedanken: „Das ist mir schon oft passiert“ oder auch „Nicht schon wieder“ wird jeder in der einen oder anderen Form gehabt haben. Um dann bei genauer Betrachtung festzustellen, dass im Gleichscheinenden doch einge Elemente anders sind. Dass sich die Dinge und wir selbst uns dennoch bewegen: in Schleifen zwar, die aber nach und nach ihre Form verändern.

Dies spiegelt sich in der Musik wider: aus sich wiederholenden Riffs entstehen Melodien, die die Stimmung verändern, bekannte Strukturen werden durch interessante Rhythmen oder Harmonien auf eine andere Ebene gebracht.

Für den Ausstieg haben sie sich noch etwas ganz Besonderes aufgehoben. „Worlds collide dans ma tête“ beginnt mit Zeilen aus der Fabel „L´homme et la couleuvre“ von Jean de la Fontaine. BLACK SPACE RIDERS entwickeln daraus einen Song, der ruhig mit dem eingesprochenen Text beginnt, und dann regelrecht losbricht. Mächtig drängend und dann wieder mit sanften Klängen und Melodien. So bleibt die Spannung bis zum letzten Ton erhalten.

Die mäandernden Schleifen des Lebens

Für dieses Album sollte man sich Zeit nehmen. Sicher kann man die Songs auch gut einzeln hören, aber in der Gesamtheit ergibt sich ein anderes Bild. Mit „We have been here before“ ermöglichen BLACK SPACE RIDERS einen Ausflug in psychedelische Räume mit verträumten, melancholischen Klängen, feinen Melodien, wummerndem Bass und flirrenden Gitarren. Bei den oft komplexen Songstrukturen steht immer wieder die Melodie im Vordergrund.

Mehrfaches Hören wird den Genuss an der Musik, den vielen Einzelheiten und auch den Texten deutlich erhöhen!

„We have been here before“ gibt es als Double-CD und auch als Double Vinyl. Weitere Infos hier

Keine pure Resteverwertung

Der Frontmann der Heavy-Psychedelic-Stoner-Rock-Formation – JE – lässt über die Idee zur EP folgendes verlauten:

„Wir hatten bewusst vier Songs, Originalaufnahmen aus den REFUGEEUM-Sessions, aufbewahrt, um sie nachher abseits des Albums getrennt zu veröffentlichen. Denn, wie das Cover schon erahnen lässt, ist das Material anders als die Songs auf REFUGEEUM, anders als das, was wir bisher veröffentlicht haben und dennoch unverwechselbar aus dem Hause BLACK SPACE RIDERS.  Es sind exaltierte, teils überdrehte, bunte und dabei doch zugängliche Lieder.“

Neben der neuen EP ist nun auch das seit längerer Zeit vergriffene zweite Album der Band „Light Is The New Black“ aus dem Jahr 2012 wieder über Cargo erhältlich, ebenso wie die Alben „D:REI“ und „Refugeeum“.

Diskografie

2010: Black Space Riders (Sound Guerilla / DA Music)
2012: Light Is The New Black (Brainstorm Music Marketing / Rough Trade) nunmehr Cargo
2014: D:REI (Black Space Records / Cargo)
2015: Refugeeum (Black Space Records / Cargo )

Weitere Informationen zu den Black Space Riders erhaltet ihr auf deren Homepage oder auf Facebook.