Mit der Nyckelharpa als zentralem Instrument verbindet JOHN STENERSEN alte nordische Traditionen mit einer ausgesprochen dunklen, atmosphärischen Klangsprache. Bekannt durch seine Arbeit mit WARDRUNA und GÅTE, verfolgt er nun seit vielen Jahren ein eigenes Solo-Projekt, in dem traditionelle Melodien auf Drone-Flächen, historische Instrumente und moderne Klangwelten treffen. Beim Midgardsblót–Festival präsentierte er sein Projekt erstmals live – allein auf der Bühne, aber begleitet von einer Welt aus Klängen und Bildern.

Wie klingt norwegische Tradition, wenn man sie durch eine dunkle, moderne Klangästhetik betrachtet? Im Gespräch erzählt John Stenersen von seiner Faszination für die Nyckelharpa, den Anfängen des Solo-Projekts, der besonderen Atmosphäre des Midgardsblót-Festivals und davon, warum jetzt der richtige Moment ist, seine Musik mit einem größeren Publikum zu teilen.

Das Interview

Kommst du aus einer musikalischen Familie, in der traditionelle Musik eine Rolle spielt? Oder anders gefragt: Wie bist du zum ersten Mal mit traditioneller Musik in Berührung gekommen?
John: Nein, ich komme nicht aus einer musikalischen Familie. Niemand außer mir spielt ein Instrument – ich bin die Einzige.

Gab es einen bestimmten Moment, in dem du dachtest: Diese Musik möchte ich selbst spielen?
Mein Interesse an Musik begann schon früh. Im Fernsehen habe ich Konzerte und Auftritte von Geigern und Rockbands gesehen. Mich haben die Bühne und die Musik schon immer fasziniert und angezogen. Ich glaube, mein erster Kontakt mit Folkmusik war durch Annbjørg Lien und ihr Album „Prisme“.

Die Nyckelharpa scheint inzwischen dein Instrument zu sein – schließlich steht sie im Mittelpunkt deines Soloprojekts. Wie bist du dazu gekommen, dieses Instrument zu spielen? Hattest du Unterricht oder einen Lehrer? Ich habe gelesen, dass du dir das Spielen selbst beigebracht hast.
Ich wollte eigentlich schon immer Geige spielen, aber ich habe nie einen Lehrer gefunden. Und es war ziemlich schwierig, mir das Instrument anhand von Büchern selbst beizubringen, weil man bei einem leeren Griffbrett schließlich nicht weiß, wohin mit den Fingern. Heute ist das dank YouTube und Markierungen auf dem Griffbrett viel einfacher, aber damals gab es so etwas für mich nicht.
2008 war ich auf einem Festival und traf dort einen Schweden, der mir von der Nyckelharpa erzählte. Ich wusste zunächst überhaupt nicht, was das für ein Instrument war. Also zeigte er mir ein Foto. Und in dem Moment, als ich es sah, wusste ich: Das kann ich mir selbst beibringen.
Ich suchte anschließend auf YouTube danach und fand ein Video von einer Frau, die Nyckelharpa spielte. Ich war sofort begeistert von ihrem Klang, weil er wie eine tiefe, dunkle Hardangerfiedel klingt.

Du hast dich also auf Anhieb in den Klang verliebt. Wie ging es danach weiter?
Zwei Wochen später fuhr ich nach Uppsala, um mir eine zu kaufen. Dort bekam ich etwa 15 Minuten Unterricht. Er zeigte mir, wie man das Instrument und den Bogen hält, erklärte mir die Stimmung und zeigte mir eine Tonleiter. Danach klopfte er mir auf die Schulter und sagte: „Viel Glück!“
Ich fuhr zurück nach Norwegen und begann zu üben. Es dauerte ein paar Jahre, bis ich das Gefühl hatte, wirklich sagen zu können, dass ich Nyckelharpa spielen kann. Aber irgendwann hatte ich es geschafft – mit sehr viel Übung.

Du arbeitest offenbar schon seit 15 Jahren an deinem Soloprojekt. Wie entstand die Idee zu einem Soloalbum? Hat das auch mit dem Instrument selbst zu tun, das traditionell eher solistisch oder zur Begleitung von Gesang gespielt wird?
Als ich 2007 meine erste Band BERGTATT gründete, haben wir immer Instrumentalstücke gespielt. Ich habe außerdem schon immer komponiert. Deshalb hatten wir bereits auf unserer ersten Sommertour 2009 einige Instrumentalstücke im Programm, bei denen die Nyckelharpa das Hauptinstrument war.
Damals entstand zum ersten Mal der Gedanke, etwas als Soloprojekt zu machen. Bei jedem Stück, das ich lernte oder selbst komponierte, hatte ich dieses Projekt im Hinterkopf. Seitdem habe ich immer wieder daran gearbeitet. Wenn ich darüber nachdenke, sind es inzwischen tatsächlich 17 Jahre.

„Tronsgårdhallingen“ – Wurzeln in der traditionellen Musik

Inzwischen hast du das Projekt abgeschlossen, und der erste veröffentlichte Song war „Tronsgårdhallingen“. Warum hast du gerade dieses Stück ausgewählt, um dein Projekt vorzustellen? Verbindest du etwas Besonderes damit?
Ich kenne das Stück schon seit vielen Jahren, und es bringt die Menschen eigentlich immer in Bewegung. Sie stampfen mit den Füßen, tanzen oder bewegen sich einfach irgendwie zur Musik. Ich hatte es allerdings noch nie in einem dunklen Arrangement gehört – und genau das wollte ich ausprobieren. Das ist etwas, das ich mit all meinen Songs mache.
Ich wollte mein Projekt mit diesem Stück beginnen, weil es eine bekannte traditionelle Melodie aus Norwegen ist. Mir war wichtig, zunächst meine Wurzeln zu zeigen und die Tradition zu würdigen, indem ich meine eigene Version dieses Stücks präsentiere, bevor ich meine eigenen Kompositionen veröffentliche.

Das Midgardsblót-Festival ist ein ziemlich besonderes Festival – zumindest aus meiner Sicht. Ist es für dich ebenfalls etwas Besonderes? Du hast dort ja auch schon mit WARDRUNA und KALANDRA gespielt.
Midgardsblót ist mein liebstes norwegisches Festival. Es herrscht dort einfach eine unglaublich gute Atmosphäre. Ich habe schon viele Male dort gespielt. Im ersten Jahr war ich mit BERGTATT dort, später noch einmal, und außerdem habe ich dort mit WARDRUNA und KALANDRA gespielt.
Dort habe ich auch Einar [Selvik, Gründer von Wardruna] zum ersten Mal getroffen. Ich hatte WARDRUNA dort sogar schon gesehen, bevor ich selbst Teil der Band wurde.

Was bedeutet es dir, dein Soloprojekt ausgerechnet dort zu präsentieren?
Ich habe mich dafür entschieden, mein Soloprojekt beim Midgardsblót zu veröffentlichen, weil es für mich der perfekte Ort dafür war. Ich wusste, dass dort viele Menschen sein würden, die sich für diese Art von Musik interessieren. Und ich bin unglaublich glücklich über die Reaktion.
Die Menschen standen teilweise über eine Stunde lang Schlange, um hineinzukommen. Sie tanzten, stampften mit den Füßen und klatschten zu den Songs mit. Das war ein unglaubliches Gefühl! Es lief genauso gut, wie ich gehofft hatte, und ich habe danach sehr viele positive Rückmeldungen bekommen.

Klangwelt und Bilder und ein begeistertes Publikum

Wie war es für dich, ganz allein auf der Bühne zu stehen?
Bei „Tronsgårdhallingen“ spielst du zusätzliche Instrumente. Wie hast du das bei der Show umgesetzt? Hast du mit Backing-Tracks gearbeitet? In den kurzen Videoclips ist das nicht zu hören. Und was war in diesem Moment die größte Herausforderung für dich?
Allein auf der Bühne zu stehen, ist etwas völlig anderes, als mit einer Band aufzutreten, weil man niemanden hat, an dem man sich orientieren oder auf den man sich verlassen kann.
Bei dieser Show habe ich mit Backing-Tracks gearbeitet. Das einzige Instrument, das live gespielt wurde, war meine Nyckelharpa. Die Backing-Tracks hatte ich mit Drehleier, Moraharpa, Tagelharpa, Harmonium, Synthesizer, Rahmentrommeln sowie Percussion aus Stöcken, Steinen, Knochen und Hörnern erstellt.
Außerdem habe ich ein Video produziert, das mit den Backing-Tracks synchronisiert war und auf einer Leinwand hinter mir lief. Da ich allein auf der Bühne stand, war es mir wichtig, auch visuell etwas zu bieten und die Show für das Publikum abwechslungsreicher zu gestalten.
Das Video besteht hauptsächlich aus Drohnenaufnahmen von Landschaften und Natur, die ein Freund für mich gemacht hat. Und es hat tatsächlich sehr gut funktioniert! Ich habe gesehen, dass viele Menschen immer wieder auf die Leinwand geschaut haben – das hat mich sehr gefreut.

Du trittst normalerweise mit Bands auf und hast deshalb einen direkten Vergleich. Was ist für dich der größte Unterschied? Gab es etwas, das dich überrascht hat?
Der größte Unterschied ist, dass man niemanden hat, an dem man sich festhalten kann. Wenn irgendetwas passiert, ist niemand neben einem. Man ist vollkommen auf sich allein gestellt und trägt die Verantwortung für alles.

Wie hast du die Reaktion des Publikums erlebt? Was hat dich besonders gefreut oder beeindruckt?
Ich habe mich unglaublich gefreut, als ich gesehen habe, wie sich die Menschen zur Musik bewegen. Und als sie angefangen haben zu klatschen, hatte ich das Gefühl, dass ich sie wirklich erreicht habe.

Wie du bereits erwähnt hast, lief im Hintergrund ein Video. Oder gibt es für jeden Song ein eigenes Video? Welche Funktion hat es? Was wird darin gezeigt oder erzählt, und welchen Aspekt der Musik beziehungsweise der Songs möchtest du damit hervorheben?
Ja, für jeden Song gibt es ein eigenes Video, das mit meinem Backing-Track synchronisiert ist. Es handelt sich hauptsächlich um Drohnenaufnahmen aus der Natur, aber es gibt auch Ausschnitte aus kommenden Musikvideos.
Manche Videos zeigen ausschließlich Natur, andere erzählen eine Geschichte. Mehr dazu werde ich später verraten, wenn weitere Singles veröffentlicht werden.

Ein paar Geheimnisse

Gibt es etwas, das du bei zukünftigen Shows grundsätzlich anders machen möchtest?
Ich habe diesbezüglich ein paar Geheimnisse, die ich später enthüllen werde.

Geheimnisse – jetzt bin ich natürlich neugierig. Du hast sehr lange an diesem Projekt gearbeitet. Wie hat es sich im Laufe der Jahre entwickelt? Und wie nah ist das, was du jetzt präsentierst, an deiner ursprünglichen Idee?
Ich arbeite schon sehr lange daran, und tatsächlich entspricht es zu 100 Prozent der ursprünglichen Idee. Das Projekt war bereits vor vielen Jahren fertig. Es lag einfach in einer Schublade und wartete auf den richtigen Zeitpunkt für die Veröffentlichung.

Was war letztlich der entscheidende Faktor dafür, dass du das Projekt gerade jetzt einem Publikum präsentieren wolltest? Hat dabei auch dein Erfolg mit WARDRUNA und GÅTE eine Rolle gespielt? Jetzt war einfach der perfekte Zeitpunkt. Viele Menschen kennen mich inzwischen durch diese Bands. Dadurch ist es heute viel leichter, Aufmerksamkeit für meine eigene Musik zu bekommen als noch vor 15 Jahren.

Leider kenne ich bisher nur einen der Songs. Wovon handeln die anderen Stücke, die du bereits gespielt hast und die auf dem Album erscheinen werden?
Alle Songs sind instrumental. Zunächst werde ich einige traditionelle Stücke veröffentlichen, um meine Wurzeln und meine Herkunft zu zeigen. Danach werde ich beginnen, meine eigene Musik herauszubringen.
Ich komponiere bereits seit meinem 14. Lebensjahr auf unterschiedliche Weise Musik für verschiedene Instrumente. Deshalb habe ich eine ganze Menge Material, aus dem ich auswählen kann.

Diese traditionellen Stücke wurden über lange Zeit hinweg weitergegeben, schlicht indem sie immer wieder gespielt wurden – und jeder Musiker hat sie dabei ein wenig verändert. Was hast du an ihnen verändert? Was ist dein eigener Beitrag, deine persönliche Interpretation? Vielleicht kannst du auch ein wenig beschreiben, was den Charakter der Stücke ausmacht, welche Instrumente du eingesetzt hast und wie du ihren besonderen Klang erzeugst.
Die meisten dieser Stücke bestehen aus zwei oder drei Themen. Ich habe einige eigene Themen hinzugefügt und rund um die Melodien ein dunkles Arrangement entwickelt.Das Arrangement basiert hauptsächlich auf alten nordischen Instrumenten, ergänzt durch einen tiefen, dunklen Synthesizer. Über die Stücke hinweg gibt es vor allem einen dunklen Drone aus Drehleier, Harmonium und Synthesizer. Der Puls kommt von einer Rahmentrommel, während der Backbeat aus einer Mischung von Moraharpa, Tagelharpa und Nyckelharpa besteht. Als Percussion kommen ein Holz-Shaker, Stöcke, Steine, Knochen und Hörner zum Einsatz.
All diese Instrumente und Klänge schaffen eine dunkle Atmosphäre rund um die Nyckelharpa.

Eine dunkle Atmosphäre – so möchte ich diese Musik hören

„Tronsgårdhallingen“ wurde und wird traditionell auf der Geige gespielt. In der Bearbeitung für Nyckelharpa verändert sich jedoch der Klang und damit auch der Gesamteindruck. Die Musik wirkt dunkler und düsterer. Eine solche dunkle Atmosphäre zu erzeugen, gehört ja auch zu deinen erklärten Zielen.Warum findest du, dass diese Klangästhetik besonders gut zu dem Stück passt? Was macht die dunklere Atmosphäre für dich so stimmig?
Ich höre selbst schon immer gern dunkle Musik, deshalb fühlte es sich für mich ganz natürlich an, solche Musik zu machen. Außerdem habe ich diese Stücke noch nie auf diese Weise gehört. Genau so möchte ich diese Musik selbst hören. Deshalb wollte ich die Version dieser Stücke erschaffen, die mir persönlich am besten gefällt.

Wie gelingt es dir, die Tradition zu bewahren und gleichzeitig authentisch zu bleiben – also in dem Sinne, dass daraus deine Musik wird?
Oder anders gefragt: Sind Lieder, die über viele Generationen weitergegeben wurden, gerade deshalb zeitlos, weil ihre grundlegende Struktur erhalten bleibt, während jede Generation sie auf ihre eigene Weise interpretiert und damit den jeweiligen Zeitgeist widerspiegelt?
Ich denke, jeder, der diese Lieder spielt und mit ihnen arbeitet, ist ein Bewahrer der Tradition. Jeder trägt dazu bei, diese Lieder und die Tradition lebendig zu halten.
Ich hoffe, diese Musik über die Grenzen Norwegens hinaus bekannt zu machen und den Menschen in Europa die Möglichkeit zu geben, diese Lieder und diese Tradition zu entdecken.

Ausblick auf die Tour 2027

Du wirst mit dem Projekt auch auf Tour gehen. In welchen Ländern und Städten wirst du auftreten?
Ich plane, 2027 auf Tour zu gehen. Welche Länder und Städte es genau sein werden, werde ich später bekannt geben.

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With the nyckelharpa at the heart of his music, JOHN STENERSEN combines ancient Nordic traditions with a distinctly dark and atmospheric sound. Known for his work with WARDRUNA and GÅTE, he has been developing his own solo project for many years, bringing traditional melodies together with drone textures, historical instruments and modern soundscapes. At the Midgardsblót-Festival, he presented the project live for the first time — alone on stage, but surrounded by a world of sounds and images.

What does Norwegian tradition sound like when viewed through a dark, modern sonic aesthetic? In this interview, he talks about his fascination with the nyckelharpa, the origins of his solo project, the unique atmosphere of Midgardsblót, and why now feels like the right moment to share his musical vision with a wider audience.

The Interview

Do you come from a (musical) family in which traditional music plays a role, or how did you first come into contact with traditional music?
No, I don’t come from a musical family. No one but me in my family plays an instrument, I’m the only one.

So was there a particular moment when you thought: I would like to play this music, too?
The interest for music started from a young age when I saw concerts and performances on TV of fiddlers and rock bands. I’ve always been drawn to the stage and music, I’ve always found that very intriguing. I think my first contact with folk music was through Annbjørg Lien and her album “Prisme”. 

The nyckelharpa seems to be your instrument, as you have put it at the forefront of your solo project.
How did you come to play the instrument?  Did you have lessons or a teacher? I read somewhere that you taught yourself to play the instrument.
I always wanted to play the fiddle, but I never found a teacher and it was too hard teaching myself that instrument from books, not knowing where to put your finger on a blank fretboard. It’s easier now with YouTube and stickers for your fretboard telling you where to put your finger, but back then I had nothing like that. I was at a festival in 2008 and there I met this Swedish man who talked about the nyckelharpa and I did not quite understand what it was, so he showed me a photo of it and the moment I saw that photo I knew that I can teach myself that instrument. So I searched it up on YouTube and I found one video of a woman playing the nyckelharpa and I loved the sound, because it sounds like a deep and dark Hardanger Fiddle.

So you fell in love with the sound. What happened next?
Two weeks later I drove to Uppsala to buy one. I got 15 minutes of instruction where he showed me how to hold the instrument and the bow, told me how it was tuned and showed me a scale. Then I got a pat on the shoulder and a “Good luck!”. I drove back to Norway and started practicing. It took a few years before I felt like I could say that I could play the nyckelharpa, but I got there in the end with a lot of practice. 

You have apparently been working on your solo project for 15 years. How did the idea of developing a solo album come about? Does it have something to do with the instrument, given that it is traditionally played more as a solo instrument or accompanied by singing?
When I started my first band BERGTATT back in 2007 we always did instrumental songs, and I have always been composing so even on our first summer tour in 2009 we included some instrumental songs with the nyckelharpa as the main instrument. So that was when the thought of doing something solo started. So for every song I learned or every song I composed I always had the solo project in the back of my mind and I’ve been working on it on and off since then actually so it’s actually 17 years now that I think about it. 

‘Tronsgårdhallingen’ – Roots in traditional music

You’ve now completed the project and the first song you released was “Tronsgårdhallingen”. Why did you choose this particular song to introduce your project? Do you have a special connection to it?
It’s a song I’ve heard for many years and it always makes people move. Either stomping their feet, dancing or in some way moving to the song, but I’ve never heard it in a dark arrangement, so I wanted to make that. That’s what I do with all my songs. I chose to start with this because it’s a well known traditional tune from Norway and I wanted to start my project with first showing my roots and honor the tradition by making my own version of this before releasing my own compositions.

The Midgardsblót-Festival is quite a special festival (at least from my perspective). Is it special for you as well? You have played there with WARDRUNA and KALANDRA, too, haven’t you?
Midgardsblót is my favourite Norwegian festival, it has such a good vibe. I have played there many times. I played there the first year with BERGTATT and again another year, and I’ve also played there with WARDRUNA and KALANDRA. This is also where I met Einar [Selvik, founder of Wardruna] for the first time, and I’ve also seen WARDRUNA play there before I joined the band. 

A world of sound and images, and an enthusiastic audience

What does it mean to you to present your solo project there in particular?
I chose to release my solo project at Midgardsblót because it was the perfect spot for me to do it. I knew there were going to be a lot of people who were interested in this kind of music there, and I’m so happy about the response. There were people standing in line for over an hour waiting to get in. People were dancing, stomping their feet and clapping along to the songs so that was an amazing feeling! It went as well as I had hoped for! I got so many positive comments afterwards!

What was it like to stand on stage alone? You play additional instruments on “Tronsgårdhallingen”. How did you handle that during the show? Did you use backing tracks? What was the biggest challenge for you in that moment?
Standing alone on stage is something completely different than being on stage with a band, because you have no one to lean on. When I played this show I used backing tracks, so the only thing that was live was my nyckelharpa. I had created backing tracks with hurdy-gurdy, moraharpa, tagelharpa, harmonium, synth, frame drums and percussion from sticks, stones, bones and horns. I also created a video that’s synched to the backing tracks playing on a screen behind me. Because I’m only one person on stage it was important for me to have video to make it more interesting for the audience. It’s mainly drone shots of nature that a friend of mine made for me, and it really worked! I saw a lot of people watching the video so that was great! 

You normally play in bands, so you have a direct comparison. From your experience, what is the biggest difference? Was there anything you hadn’t expected?
The biggest difference is that you have no one to lean on. No one is there with you if anything happens. You’re completely alone and you’re responsible for everything. 

How did you perceive the audience’s reaction? What pleased or impressed you the most?
I was so happy when I saw people move to the music, and when people started clapping I felt I had reached them. 

As you said, there was a video in the background. What role does it play? What is being shown, and which aspect of the music is it intended to emphasise?
Yes, there’s a video for every song synched to my backing track. It’s mainly drone shots of nature, but there are also some snippets of upcoming music videos. Some of them are only nature, and some of them tell a story. I will reveal more of that later as more singles are being released. 

A few secrets

Is there anything you would fundamentally do differently in future shows?
I have a few secrets around this I’ll reveal later.

Secrets – I’m curious to see what they are. You have worked on the project for quite a long time. How has it developed over the years? How close is what you have presented now to the original idea? Yes, I’ve been working on it for a very long time and it’s 100% as the original idea. This project has been ready for many years, just laying in a drawer waiting for the right time to be released. 

What was the decisive factor in making you take the project to an audience now, at this particular point in time? Did your success with WARDRUNA and GÅTE play a role in this?
Now was the perfect time as a lot of people now know me from these bands, so it’s much easier to get some attention around my music now compared to 15 years ago. 

Unfortunately, I only know one of the songs so far. What are the other songs you performed and that will be on the album about?
All songs are instrumental. I’ll first release some traditional songs to show my roots and where I come from, and then I’ll start releasing my own music. As I’ve been composing music in some way on different instruments since I was 14 years old, I have a lot of music to choose from. 

These traditional songs were passed down over a long period of time simply by being played, and each musician changed them a little. What have you changed? What is your contribution, your interpretation? Perhaps you could describe a little here what defines the songs, which instruments you have used, and how you create their distinctive sound.
Most of these songs have 2-3 themes. I have made a few themes myself to add to the songs and I have made a dark arrangement around the melodies. This arrangement consists mainly of old nordic instruments, but I’ve also added a deep dark synth. It’s mainly a dark drone throughout the songs consisting of Hurdy-gurdy, harmonium and synth. The pulse is a frame drum and the backbeat is a mix of moraharpa, tagelharpa and nyckelharpa. The percussion is a wooden shaker, sticks, stones, bones and horns. All of these instruments and sounds create a dark atmosphere around the nyckelharpa. 

A sombre atmosphere – that’s how I’d like to listen to this music

“Tronsgårdhallingen” was and is traditionally played on the fiddle in folk music. When adapted for the nyckelharpa, the sound and the overall impression change. The music sounds darker and more sombre. One of your aims is also to convey a dark atmosphere. Why do you feel this suits the song better? Why does a darker atmosphere feel more appropriate to you?
I listen to dark music, I always have, so it felt very natural to me to create dark music. I also have never heard these songs this way before. This is the way I want to hear these songs myself, so I wanted to create the version of these songs that I like best. 

How do you manage to preserve the tradition while also remaining authentic? Authentic in the sense that it is your music. Or, put another way: are songs that have been passed down through many generations timeless precisely because their basic structure remains intact, while each generation “colours” them in a way that reflects its own spirit of the age?
I think everyone who plays and uses these songs are tradition keepers. They all help keep these songs and the tradition alive. I hope to bring this music out of Norway and let the people of Europe discover these songs and this tradition. 

A look ahead to the 2027 tour

You will be going on tour. Which countries/cities will you be performing in?
I plan to go on tour in 2027 and I’ll reveal the countries and cities later. 

John Stenersen startet sein Soloprojekt mit „Tronsgårdhallingen“

Der norwegische Musiker John Stenersen, den viele von euch wahrscheinlich als Moraharpa-Spieler bei WARDRUNA kennen, hat am 5.August 2026 mit „Tronsgårdhallingen“ sein Soloprojekt vorgestellt.
Er hat etwa 15 Jahre damit verbracht, dieses Projekt und einen neuen, unverwechselbaren Klang zu entwickeln.

Die Idee hinter dem Projekt ist es, traditionelle nordische Volksmusik mit modernen Arrangements zu verbinden, um sie auf die moderne Tanzfläche zu bringen und damit auch ein alternatives Crossover-Publikum anzusprechen.

Für die erste Veröffentlichung wählte er eine der bekanntesten Melodien zu dem traditionellen Halling. Der Halling ist ein Tanz mit verschiedenen festgelegten Schrittfolgen, in die die Tänzer teilweise athletische Einlagen einfügen.
Die Ursprünge des Stücks „Tronsgårdhallingen“ geht auf Thorvald Tronsgård zurück, einem bekannten und angesehenen Fiedelspieler aus Folldal. Folldal liegt in der Nähe des Rondane-Massivs in der Hochebene Südnorwegens. Tronsgårds Musik prägte seine Heimatregion fast ein Jahrhundert lang, und „Tronsgårdhallingen“ gilt als die berühmteste Melodie, die er hinterlassen hat.

Den traditionellen Kern bewahrt und neu interpretiert

John Stenersen hat die Melodie beibehalten und sie mit einer anderen Instrumentierung neu interpretiert. Während das Stück ursprünglich mit einer Fiedel gespielt wurde, spielt John Stenersen die Melodie auf der Nyckelharpa, wodurch sich der Klang deutlich verändert.
Denn bei der Fiedel verändert sich die Tonhöhe, indem die Finger des Spielers die Saiten direkt auf dem Griffbrett verkürzen. Bei der Nyckelharpa hingegen wird die Tonhöhe durch Tasten verändert.
Die Töne wirken prägnanter, da ihre Tonhöhen durch die Tasten eindeutig festgelegt werden. Einen wesentlichen Teil ihres charakteristischen Klangs erhält die Nyckelharpa zudem durch die Resonanzsaiten. Diese werden nicht direkt mit dem Bogen gestrichen, sondern durch die Schwingungen der gespielten Töne zum Mitschwingen angeregt, wodurch ein kontinuierlicher ‚Drone-Effekt‘ entsteht.

Schon dies trägt dazu bei, dass „Tronsgårdhallingen“ voll und dunkel klingt. Die Nyckelharpa wird zudem von Tagelharpa und Harmonium begleitet, was für noch mehr Volumen sorgt. Rahmentrommel und diverse weitere Perkussionsinstrumente sowie das Tempo sorgen sowohl für die rhythmischen Akzente, die das Stück tanzbar machen.

Von der Tradition zum Nordic-Folk

„Tronsgårdhallingen“ ist in dieser Form sowohl eine Interpretation als auch ein Stück Nordic Folk.

Die Wiederholungen der einzelnen Melodiezeilen, die Untermalung durch Synthesizer, der Bordun-Ton der Nyckelharpa und die tiefen Schläge der Rahmentrommel geben dem Stück einen dunklen und hypnotischen Charakter.
Steine, Stöcke und Knochen als Perkussionsinstrumente fügen etwas Archaisches hinzu.
Gleichzeitig klingt das Stück modern und ist durch das dynamische Tempo sicher ebenso tanzbar wie das Original.

Zu dem Stück gibt es auch ein Video, das nicht nur die Gegend zeigt, aus der das Original stammt und die ‚nordische‘ Atmosphäre des Stückes unterstreicht.

Mir gefällt der Ansatz, wie John Stenersen dieses traditionelle Tanzstück interpretiert hat, sehr gut und ich bin gespannt auf weitere Stücke.

„Tronsgårdhallingen“ ist ja nur der Auftakt. Auf dem Midgardsblot-Festival wird John Stenersen das Stück zum ersten Mal live spielen. Er wird dann weitere Songs veröffentlichen und im Frühjahr und Sommer 2027 auf Europa-Tournee gehen.

“Tronsgårdhallingen” by John Stenersen

John Stenersen launches his solo project with “Tronsgårdhallingen”

The Norwegian musician John Stenersen, whom many of you will probably know as a moraharpa player with WARDRUNA, unveiled his solo project on 5 August 2026 with “Tronsgårdhallingen”.
He has spent around 15 years developing this project and creating a new and distinctive sound.

The idea behind the project is to combine traditional Nordic folk music with modern arrangements, bringing it to the contemporary dance floor while also appealing to an alternative crossover audience.
For his first release, he chose one of the best-known melodies associated with the traditional Halling dance. The Halling is a dance featuring various established sequences of steps, with dancers sometimes incorporating highly athletic movements into their performances.

The origins of “Tronsgårdhallingen” can be traced back to Thorvald Tronsgård, a well-known and highly respected fiddler from Folldal. Folldal lies near the Rondane mountain range in the highlands of southern Norway. Tronsgård’s music shaped his home region for almost a century, and “Tronsgårdhallingen” is regarded as the most famous melody he left behind.

Preserving the traditional core while reinterpreting it

John Stenersen has retained the melody and reinterpreted it with a different instrumentation. While the piece was originally performed on a fiddle, Stenersen plays the melody on the nyckelharpa, giving it a distinctly different sound.
On a fiddle, the pitch is altered by the player’s fingers shortening the strings directly against the fingerboard. On the nyckelharpa, by contrast, the pitch is changed using keys.
The notes sound more defined, as their pitches are precisely determined by the keys. The nyckelharpa also owes much of its characteristic sound to its sympathetic strings. These are not played directly with the bow; instead, they are set into vibration by the notes being played, creating a continuous “drone effect”.

This alone contributes to the full, dark sound of “Tronsgårdhallingen”. The nyckelharpa is also accompanied by tagelharpa and harmonium, adding even greater depth and volume. A frame drum and various other percussion instruments, together with the tempo, provide the rhythmic accents that make the piece suitable for dancing.

From tradition to Nordic folk

In this form, “Tronsgårdhallingen” is both an interpretation of the traditional piece and a ‘Nordic folk’- track in its own right. The repetition of individual melodic phrases, the atmospheric layers of synthesiser, the drone of the nyckelharpa and the deep beats of the frame drum give the piece a dark and hypnotic character.
Stones, sticks and bones used as percussion instruments add an archaic quality.
At the same time, the track sounds modern and, thanks to its dynamic tempo, is surely just as danceable as the original.

There is also a video accompanying the track. It not only showcases the landscape from which the original piece originates but also reinforces the track’s distinctly ‘Nordic’ atmosphere.

I really like the way John Stenersen has approached and interpreted this traditional dance tune, and I am looking forward to hearing more from the project.

“Tronsgårdhallingen” is only the beginning. At the Midgardsblot Festival, John Stenersen will perform the piece live for the first time. He will then release further songs and embark on a European tour in spring and summer 2027.

(english version below)

John Stenersen, den viele von euch wahrscheinlich als Moraharpa-Spieler bei WARDRUNA kennen, stellt am 5.August 2026 mit „Tronsgårdhallingen“ sein Soloprojekt vor. Die offizielle Live-Premiere und Release-Show folgt am 13. August beim Midgardsblot Festival im norwegischen Borre.

Die meisten kennen John Stenersen durch seine Arbeit mit WARDRUNA. Seine musikalische Arbeit reicht jedoch weit darüber hinaus. Er stand auch mit GÅTE auf der Bühne, als die Band Norwegen beim Eurovision Song Contest vertrat, und war die treibende Kraft hinter BERGTATT, einem Projekt, das Folk mit rockigen Einflüssen verbindet. Im Laufe der Jahre arbeitete Stenersen mit Künstlern unterschiedlichster musikalischer Ausrichtungen zusammen – unter anderem mit KALANDRA – und komponierte zudem Musik für Filme und Videospiele.

Zuletzt habe ich das Debütalbum „I“ von THE THIRD CIRCLE vorgestellt, das ebenfalls die Verbindung von nordischer Folk-Tradition und modernen Klangwelten sucht. Ähnlich wie dort bilden Instrumente wie Nyckelharpa, Moraharpa, Tagelharpa und Drehleier die Grundlage eines Sounds, der gleichermaßen organisch, atmosphärisch und episch wirkt.

Tradition modern interpretiert

Jetzt gibt es also mit „Tronsgårdhallingen“ das erste Stück seines Solprojektes.

John sagt dazu:

Das ist eines meiner absoluten Lieblingsstücke! Es handelt sich um einen alten Halling, der in den nebelverhangenen Bergen des Rondane-Massivs im Herzen Norwegens entstanden ist. Ich habe keinerlei Hinweise darauf gefunden, dass diese Melodie jemals zuvor auf der Nyckelharpa aufgenommen wurde. Deshalb bin ich überzeugt, dass diese Veröffentlichung eine Weltpremiere ist.

Das Stück ist eine der bekanntesten Melodien zu dem traditionellen Halling. Der Halling ist ein Tanz mit verschiedenen festgelegten Schrittfolgen, in die die Tänzer teilweise athletische Einlagen einfügen.
Die Ursprünge des Stücks „Tronsgårdhallingen“ geht auf Thorvald Tronsgård zurück, einem bekannten und angesehenen Fidelspieler aus Folldal. Folldal liegt in der Nähe des o.g. Rondane-Massivs. Tronsgårds Musik prägte seine Heimatregion fast ein Jahrhundert lang, und „Tronsgårdhallingen“ gilt als die berühmteste Melodie, die er hinterlassen hat.

Wie viele Melodien der nordischen Volksmusik wurde auch dieses Stück über Jahrhunderte durch das wiederholte Spielen von Generation zu Generation weitergegeben und bewahrt. Der Musiker, der die Melodie spielte, prägte sie durch seine eigene Interpretation und Kreativität.
Diese Tradition greift John Stenersen mit seiner Interpretation auf. Sein Anliegen ist es, den ursprünglichen Charakter der Melodie zu erhalten und ihr dennoch seine Klangfarbe zu geben.
Neben Rahmentrommeln kommen dabei auch Stöcke, Steine und sogar Knochen zum Einsatz. Man kann sich vorstellen, dass so ein Klangbild entsteht, das archaisch, organisch und zugleich episch wirkt. Damit knüpft er an ursprüngliche Formen von Rhythmus, Melodie und Geschichtenerzählen an. Man kann sich gut vorstellen, dass sie dabei zu organischen Klängen verschmelzen.

Die Idee hinter dem Projekt

Das Ziel ist es, diese alten nordischen Folk-Songs auf die moderne Tanzfläche zu bringen, ein alternatives Crossover-Publikum anzusprechen und den ganzen Raum in Bewegung zu versetzen

„Tronsgårdhallingen“ soll der Auftakt zu einem Projekt sein, dass traditionelle nordische Volksmusik mit modernen Arrangements verbindet und sie einem neuen Publikum zugänglich machen möchte.
Nach der Show auf dem Midgardsblot-Festival wird John Stenersen weitere Songs veröffentlichen und im Frühjahr und Sommer 2027 auf Europa-Tournee gehen.

John Stenersen Launches Solo Project with Debut Single „Tronsgårdhallingen“

Many of you will probably know John Stenersen as the Moraharpa player of WARDRUNA.
On August 5, 2026, he will unveil his solo project with the release of „Tronsgårdhallingen“. The official premiere and release show will take place on August 13, 2026, at the Midgardsblot Festival in Borre, Norway.

While many fans know John Stenersen through WARDRUNA, his musical journey extends far beyond the band. He also performed with GÅTE during the group’s appearance as Norway’s representative at the Eurovision Song Contest and was the driving force behind BERGTATT, a project that fused traditional folk with a rock-based sound. Throughout his career, John Stenersen has collaborated with artists from a wide range of musical backgrounds, including KALANDRA, while also composing music for films and video games.

Most recently, I featured the album „I“ by THE THIRD CIRCLE, whose unique approach combines folk traditions with modern elements. Their use of ancient Nordic instruments—such as the nyckelharpa, moraharpa, tagelharpa, and hurdy-gurdy—creates a sound that is at once organic, experimental, and epic.

Contemporary Music Reinterpreting Traditional Elements

Now, with „Tronsgårdhallingen,“ John presents the first release from his solo project.

John says:

This is one of my absolute favourite tunes! It’s an old halling that originated in the mist-covered mountains of the Rondane massif in the heart of Norway. I haven’t found any evidence that this melody has ever been recorded on the nyckelharpa before. That’s why I’m convinced this release is a world premiere.

The tune is one of the best-known melodies associated with the traditional halling, a Norwegian folk dance featuring a series of established steps, often enhanced with impressive athletic movements performed by the dancers.
The origins of „Tronsgårdhallingen“ can be traced back to Thorvald Tronsgård, a well-known and highly respected fiddler from Folldal, a village located near the Rondane massif. For nearly a century, Tronsgård’s music shaped the musical traditions of his home region, and „Tronsgårdhallingen“ is regarded as the most famous melody he left behind.

Like much traditional folk music, halling tunes were originally passed down orally through repeated performance, preserving them from one generation to the next. Each musician who played the melody contributed their own interpretation and creativity, allowing the music to evolve while maintaining its core identity.
John Stenersen embraces this tradition with his own interpretation. His goal is to preserve the original character of the melody while giving it his own distinctive sonic identity.
To achieve this, he combines traditional instruments—including the nyckelharpa, tagelharpa, hurdy-gurdy and harmonium—with synthesizers, jaw harp and an extensive range of percussion. Alongside frame drums, he also incorporates sticks, stones and even bones, reconnecting with some of humanity’s oldest forms of rhythm and storytelling. The result is a sound that feels earthy, immersive and cinematic in equal measure.

The Philosophy Behind the Project

John Stenersen describes the philosophy behind the project as follows:

The goal is to bring these ancient Nordic folk songs onto the modern dance floor, reach an alternative crossover audience, and get the whole room moving.

„Tronsgårdhallingen“ marks the beginning of a project that aims to combine traditional Nordic folk music with contemporary arrangements, introducing these timeless melodies to a new audience.

Following the release show at the Midgardsblot Festival, he plans to release additional songs before embarking on a European tour in the spring and summer of 2027.

THE THIRD CIRCLE: „I“

THE THIRD CIRCLE haben am 15.November 2024 via ByNorse Music die Debüt-EP „I“ veröffentlicht

Das Trio THE THIRD CIRCLE besteht aus John Stenersen (WARDRUNA, GÅTE, BERGTATT), Anders Odden (CADAVER, CELTIC FROST) und Birger Mistereggen, also Musikern mit Erfahrungen in ganz unterschiedlichen musikalischen Richtungen.

Eine andere Beziehung zur Musik und eine Reise jenseits des Alltäglichen

Als Anders Odden 2020 lebensbedrohlich erkrankte, entwickelte er eine neue Beziehung zur Musik. Daraus ergab sich für ihn, dass er Musik machen wollte, die persönlich, meditativ und sogar therapeutisch sein sollte.

Er experimentierte mit analogen Synthesizern und sammelte Naturklänge, indem er Aufnahmen insbesondere im Wald machte.

Dann traf er John Stenersen, der in seinen Bands traditionelle Saiteninstrumente wie z.B. die Nyckelharpa spielt. Nun ging es um die Frage, wie analoge Synthesizer, Bass und Drehleier oder Nyckelharpa zusammenklingen.

Zuletzt kam Birger Mistereggen dazu, der auf nordische Folklore spezialisiert ist. Er fügte mit verschiedenen Perkussionsinstrumenten, insbesondere der Seiltrommel, Stimme und Maultrommel weitere Klänge und Rhythmen hinzu.

THE THIRD CIRCLE wollen ihre Musik als Anlass zum Innehalten, Nachdenken und Eintauchen in eine Reise jenseits des Alltäglichen verstanden wissen.

Und ich finde, dass es ihnen mit den drei Stücken auf der EP „I“ auch gelungen ist.

„I“ : Pulsierende Klanglandschaften

Die drei Stücke führen uns durch Landschaften aus alten und modernen Klängen, die ineinanderfließen, pulsieren, sich verdichten und dann hinwegschweben, um sich aufzulösen.

Aber sie kommen zurück und entwickeln sich zu neuen Formen. Es ist wie der Kreislauf des Wassers im Meer, das nach kraftvoller Bewegung verdunstet, um als Regen zurückzukommen und erneut Teil des Meeres zu werden.

Die Basis der Musikstücke bilden Bordun-Töne, die gleichzeitig beruhigen und Spannung aufbauen. Auf diese Grundresonanzen legen sich die Töne des analogen Synthesizers, die Rhythmen der verschiedenen Perkussionsinstrumente und dann die Klänge und Melodie der Nyckelharpa. Die Maultrommel verstärkt den Grundton oder blitzt an vielen Stellen aus dem breiten Gesamtklang hervor.

„The 1st“, The 2nd“ und „The 3rd“

„The 1st“ wird von einem Grundton durchzogen, über dem die Melodie der Nyckelharpa schwebt. Die Perkussionsinstrumente und der Bass bilden dagegen den festen Boden.
Die Instrumente sind im Dialog und manchmal klingt es, als wenn sie miteinander tanzen. Die Wiederholung, die in Schleifen und Kreisen die verschiedenen Elemente aufgreift und sie dadurch verändert, wird als wesentliches Element schon hier sehr deutlich.
Auf diese Weise baut sich der Track auf, bis es bei 5:30 zu einer dichten und intensiven Passage kommt.Dann wird die Melodie des Beginns wieder aufgegriffen. Es ist, als wenn sich der Klang noch einmal weit öffnet, bis er sich langsam im Rauschen des Regens auflöst.

Mit dem Geräusch des Regens, das von einem Bordun-Ton begleitet wird, beginnt das zweite Stück „The 2nd“. Auch diesmal baut sich der Klang langsam auf:
Die Melodie zieht sich wie ein roter Faden durch diese Passage und nach und nach kommen die anderen Instrumente hinzu.
Der Klang wird immer dichter und vibriert geradezu. Die verzerrten Klänge erweitern das Spektrum. Und diese Kombination aus alten, irgendwie vertrauten Melodien und verzerrten Klängen ist in dieser Form wirklich neu und ungewöhnlich.  

„The 3rd“ ist ein Stück, dass in seiner Ruhe zunächst meditativ ist. Für mich ist es das interessanteste Stück der EP, da mir die Dynamik der rhythmischen Elemente sehr gut gefällt und ich die Gleichzeitigkeit von Dissonanzen und warmen Klängen sehr spannend finde.

Eindringliche, spannende, erdige Klangspektren

„I“ ist eine in vielfältiger Hinsicht spannende EP. THE THIRD CIRCLE sind dem Anspruch, eindringliche und meditative Klanglandschaften entstehen zu lassen, gerecht geworden.

Mir gefällt insbesondere, in welcher Weise sie das Prinzip der Wiederholung und Variation nutzen. Die Klänge sind vibrierende Spiralen, die aufsteigen und sich kontinuierlich ausdehnen. Sei es, indem das Klangspektrum erweitert wird oder immer mehr rhythmische Elemente hinzukommen.
Und so nimmt auch die Spannung zu, die durch das Miteinander der erdigen Klänge der alten Instrumente und der elektronischen Synthesizer-Klängen entsteht. Großartig finde ich dabei, dass sowohl die Synthesizer erdverbunden als auch die alten Instrumente sphärisch und dissonant klingen.

Außerdem werde ich ab jetzt die Maultrommel als Instrument noch einmal anders hören. Denn hier ist sie virtuos gespielt, als Bordun-Ton oder als Akzent, der Leichtigkeit hineinbringt.

Modern, psychedelisch und dabei tief verwurzelt im Konkreten

Darüber hinaus hatte ich fast durchgehend den Eindruck, dass ich Musikern zuhöre, die ausprobieren und dabei der Musik bzw. den Klängen den Raum geben, sich wie von selbst zu entwickeln.
Es ist wie ein Austausch, ein Gespräch – nur eben ganz ohne Worte. Dadurch, dass es keine Texte gibt und auch die Titel keine Richtung für Gedanken vorgeben, hat man die Möglichkeit, die Klänge ganz frei auf sich wirken zu lassen.
Die Klänge der Instrumente und der Natur, die in die Stücke eingewoben sind, sind wie Erinnerungen an ferne Ereignisse und frühe Sehnsüchte, die man nicht wirklich greifen kann.

Und ja, die Stücke sind durchaus psychedelisch, denn sie machen es möglich, dass die Grenzen zwischen dem eigenen Selbst und der Außenwelt verschwimmen. Dennoch ist die Verbundenheit mit der Natur, die Verwurzelung im Konkreten spürbar.

Das Video, das es zu dieser EP gibt, macht dies in anderer Form sichtbar.

Der EP „I“ werden weitere folgen. Ich bin gespannt, wie es weitergeht. Und ob wir THE THIRD CIRCLE bald auch live erleben können. Ich stelle mir dabei als idealen Ort eine Waldlichtung vor ….

So, und jetzt nehmt euch Zeit und taucht in das Video und vor allen Dingen die Musik ein!

THE THIRD CIRCLE released their debut EP „I“ on November 15, 2024 via ByNorse Music

The trio THE THIRD CIRCLE consists of Anders Odden (CADAVER, CELTIC FROST), John Stenersen (WARDRUNA, GÅTE, BERGTATT), and Birger Mistereggen, musicians with experience in very different musical directions.

A different relationship to music and a journey beyond the everyday

When Anders Odden became life-threatening ill in 2020, he developed a new relationship with music. This made him to want to make music personal, meditative and even therapeutic. He experimented with analogue synthesizers and collected natural sounds by making recordings, especially in the forest.

Then he met John Stenersen, who plays traditional string instruments such as the nyckelharpa in his bands. Now the question was how analogue synthesizers, bass and hurdy-gurdy or nyckelharpa sound together.

The last to join was Birger Mistereggen, who specializes in Nordic folklore. He added further sounds and rhythms with various percussion instruments, especially the rope drum, voice and jaw harp.

THE THIRD CIRCLE want their music to be understood as an opportunity to pause, reflect and immerse yourself in a journey beyond the everyday.And I think they have succeeded in doing this with the three pieces on the EP „I“.

„I“: Pulsating soundscapes

The three pieces lead us through landscapes of old and modern sounds that flow into one another, pulsate, condense and then float away to dissolve.
But they come back and develop into new forms. It is like the cycle of water in the sea, which evaporates after powerful movement, only to come back as rain and become part of the sea again.

The basis of the pieces of music is drone tones that simultaneously calm and build tension. The tones of the analogue synthesizer, the rhythms of the various percussion instruments and then the sounds and melody of the nyckelharpa are laid on these basic resonances.
The jawharp amplifies the basic tone or flashes out in many places from the broad overall sound.

“The 1st”, “The 2nd” and “The 3rd”

“The 1st” is permeated by a basic tone over which the melody of the nyckelharpa floats. The percussion instruments and the bass, on the other hand, form the solid ground.
The instruments are in dialogue and sometimes it sounds as if they are dancing with each other.

The repetition, which takes up the various elements in loops and circles and thereby changes them, is already very clear here as an essential element.The track builds up in this way until a dense and intense passage occurs at 5:30.
Then the melody from the beginning is taken up again. It is as if the sound opens up wide again until it slowly dissolves in the sound of the rain.

The second piece, “The 2nd”, begins with the sound of the rain, accompanied by a drone tone. This time too, the sound builds up slowly: the melody runs like a thread through this passage and the other instruments are gradually added.
The sound becomes denser and denser and almost vibrates. The distorted sounds expand the spectrum. And this combination of old, somehow familiar melodies and distorted sounds is really new and unusual in this form.

„The 3rd“ is a piece that is initially meditative in its calm. For me it is the most interesting piece on the EP because I really like the dynamics of the rhythmic elements and I find the simultaneity of dissonances and warm sounds very exciting.

Haunting, exciting, earthy sound spectra

„I“ is an exciting EP in many ways. THE THIRD CIRCLE have lived up to their claim of creating haunting and meditative soundscapes.I particularly like how they use the principle of repetition and variation. The sounds are vibrating spirals that rise and expand continuously. Be it by expanding the sound spectrum or by adding more and more rhythmic elements.
And so the tension increases, which is created by the interaction of the earthy sounds of the old instruments and the electronic synthesizer sounds. I think it’s great that both the synthesizers sound earthy and the old instruments sound spherical and dissonant.

From now on, I will also hear the jaw harp as an instrument in a different way. Because here it is performed with virtuosity, as a drone tone or as an accent that brings lightness.

Modern, psychedelic and yet deeply rooted in the concrete

Moreover, I almost always had the impression that I was listening to musicians who were trying things out and giving the music or the sounds the space to develop on their own. It’s like an exchange, a conversation – just without words.
Because there are no lyrics and the titles don’t give you any direction for thoughts, you have the opportunity to let the sounds affect you completely freely.

The sounds of the instruments and nature that are woven into the pieces are like memories of distant events and early longings that you can’t really grasp.

And yes, the pieces are definitely psychedelic, because they make it possible for the boundaries between yourself and the outside world to blur. Nevertheless, the connection with nature, the roots in the concrete, are noticeable.

The video that comes with this EP makes this visible in a different form.

There will be more EPs following the “I” EP. I am excited to see what happens next. And whether we will soon be able to see THE THIRD CIRCLE live. I imagine the ideal place to do this would be a clearing in the forest…

So, now take your time and immerse yourself in the video and, above all, the music!

Vor ein paar Tagen hat By Norse Music die Partnerschaft mit der norwegischen Gruppe THE THIRD CIRCLE bekanntgegeben. In ein paar Tagen soll das Album „I“ erscheinen.

THE THIRD CIRCLE besteht aus John Stenersen (WARDRUNA, GÅTE, BERGTATT), Anders Odden (CADAVER, CELTIC FROST) und Birger Mistereggen, also erfahrenen Musikern aus unterschiedlichen musikalischen Richtungen. Mit THE THIRD CIRCLE wollen sie Folk-Tradition mit modernen Elementen verbinden. Den Rahmen soll ein Minimalismus bilden, in dem eindringliche und meditative Klanglandschaften entstehen. Damit fügen sie sich in das Konzept zeitgenössischer nordischer Musik ein und erweitern das Spektrum der Folkmusik.

THE THIRD CIRCLE – wie klingen Drehleier, analoger Sythesizer und Kontrabass zusammen?

Beim Inferno-Festival in Oslo kamen John Stenersen und Anders Odden über unkonventionelle Instrumentierung ins Gespräch. Schon bald kam eine Idee auf: Wie würde es klingen, wenn man eine Drehleier, einen analogen Synthesizer und einen Kontrabass kombinieren würde?
Diese Frage schien sie so zu faszinieren, dass sie schon bald begannen, mit verschiedensten Instrumenten zu experimentieren. Sie nutzten Nyckelharpa, Moraharpa, und Drehleier und ließen Klanglandschaften mit Tiefe und Verzerrung entstehen.
Bald kam Perkussionist Birger Mistereggen dazu.
Allen gemeinsam ist die Liebe zu traditionellen, alten Klängen und Rhythmen.
Mit THE THIRD CIRCLE wollen sie traditionelle Elemente mit einem minimalistischen, meditativen und dunklen Sound verbinden.

Musik um der Reise und nicht um des Zieles willen

Eine besondere Rolle dürften dabei Erfahrungen gespielt haben, die Anders Odden machte: Als Pionier der norwegischen Black-Death-Metal-Szene tourte Anders über 25 Jahre lang um die Welt. Doch nach einer lebensbedrohlichen Krankheit im Jahr 2020 änderte sich seine Einstellung zum Leben und zur Musik dramatisch. Er wollte Musik machen, die persönlicher, meditativer, therapeutischer ist.
Ein Weg dazu ist das Minimalistische, traditionelle Elemente, Klänge der Natur. So sind ihre Instrumente aus Holz gefertigt und der Sound von THE THIRD CIRCLE im wörtlichen und übertragenen Sinne im Holz verwurzelt und von der norwegischen Landschaft inspiriert.

Und sie wollen ihre Musik als Aufruf und Anlass zum Innehalten, Nachdenken und Eintauchen in eine Reise jenseits des Alltäglichen verstanden wissen. Und das ist in der aktuellen Zeit, in der wir mit der Auseinandersetzung und Verarbeitung der vielen Informationen, die täglich auf uns einströmen, kaum nachkommen, sicher hilfreich.

Besetzung und Instrumente

Anders Odden: Elektrische Saiteninstrumente, Stimme, Samples und Produktion
Birger Mistereggen: Perkussion (Seiltrommel, Rahmentrommeln, Cajón, Holztrommeln, Shake Plates, Pandeiro, Tambourin, Laptop-Conga, Melodieglockenspiele und Becken), Weidenflöte, Maultrommeln und Stimme.
John Stenersen: Nyckelharpa, Mora-Harpa und Drehleier

Mehr zum Album in den nächsten Tagen hier auf metal-heads.de

(English version below)

Gestern konntet ihr das Interview mit Lindy-Fay Hella lesen, in dem wir über ihren musikalischen Hintergrund und auch über „Islet“ gesprochen haben.
Und hier wie angekündigt die Review zum Album.

„Islet“

Lindy-Fay Hella & Dei Farne veröffentlichten am 22.März 2024 das Album „Islet“. Es ist nach „Hildring“ (2001) das zweite Album des norwegischen Duos. Bereits 2019 ist Lindy-Fay Hella, die viele von euch als Mitglied von WARDRUNA kennen, mit ihrem ersten Solo-Album „Seafarer“ ihren eigenen Ideen gefolgt.  
Die Musik für „Islet“ entstand zum überwiegenden Teil während der Corona-Zeit. Lindy-Fay Hella und Roy Ole Førland haben in der Musik die Gedanken und Emotionen eingefangen, die in der Isolation entstanden sind.

Die Texte sind erst später hinzugekommen. Lindy-Fay wählte Portugal, ein Land, das sie noch nicht kannte, um sich inspirieren zu lassen. Sie ließ die Dinge auf sich zukommen und entdeckte dann eine kleine Insel (was dem Album den Namen gab) von der der sie fasziniert war. Diese kleine Insel im Ozean war ein magischer Ort für  sie und ein Symbol dafür, dass es auch in einem Meer der Einsamkeit, feste und magische Orte gibt.

Melancholie und magische Momente

Das war mein erster Eindruck vom Album: es ist melancholisch, manchmal kühl und abweisend und dann wieder so nah, dass es bedrängend wirkt. Gleichzeitig ist es voller magischer Momente und Klängen wie nicht von dieser Welt.
Die Isolation hat vielleicht auch die Beachtung der Sinneseindrücke, die bei einem Spaziergang am Meer besonders spürbar werden, verstärkt. Die Musik nimmt das Gefühl von Sonne, Wind und Salzwasser auf der Haut, des Geruchs des Meeres, das Rauschen der Wellen mit auf. Und wer einmal bei Vollmond am Meer stand, wenn sich das Wasser mit der Ebbe zurückzieht oder der Flut zurückkehrt, hat dies vielleicht auch als magische Momente wahrgenommen.
Aber nicht nur das Erleben der Sinne spielt eine Rolle, sondern auch Träume – und ganz im Sinne folkloristischer Tradition – mythische Wesen und mysteriöse Orte.

Sphärische Klänge, erdende Melodien und ausdrucksstarker Gesang

Die Wirkung der Musik hat viel damit zu tun, dass hier verschiedene musikalische Ideen und Ansätze zusammenkommen. Und hier sind elektronische und folkloristische Elemente eine Verbindung eingegangen, die ungewöhnlich ist.
Synthesizer und die variationsreiche und ausdrucksstarke Stimme von Lindy-Fay Hella bilden die Basis und das Gerüst der Lieder. Dies wird mit Melodien, die von traditionellen Instrumenten gespielt werden, ausgefüllt.
Das Zusammenspiel und der gleichzeitige Kontrast der Präzision und sphärischen Klänge der Synthesizer mit der Bodenständigkeit und Wärme von Nyckelharpa, Hurdy-Gurdy und Harmonium macht die Spannung und den Reiz dieser Verbindung aus. Dadurch war es möglich, sowohl die Einsamkeit als auch das Verbundensein mit der Umgebung auszudrücken.
Lindy-Fay Hella nutzt alle Möglichkeiten der Stimme. Flüstern, sanfte Melodien, ätherischen Gesang, der über allem schwebt. Aber sie klingt auch bissig, kraftvoll und unheimlich. Losgelöst und dabei verletzlich, wobei sie zeitweise eine bedrängende Nähe herstellt.
Mit dem Text ist sie sehr sparsam umgegangen. Man kann sich auf die Musik einlassen und die Worte und Textzeilen als Impulse für eigene Gedanken nutzen,

Islet – Inselchen

Das Intro „Sintra“ nimmt uns mit an den Strand. Das Wasser wird gurgelnd an die kleine Insel herangespült. Stimmen klingen drängend und lockend aus der Ferne. Eine melancholische, traurige Melodie erzählt von Einsamkeit. All das klingt unwirklich, nicht von dieser Welt.

In „Dark Water“ spannen Synthesizer und Hammondorgel einen Bogen über das weite Meer und den endlosen Himmel. Die Trommeln sind wie das Licht am Horizont, am Ende der Welt, das gleichzeitig auch der Anfang ist.

Feen, Trolle, mythische Wesen – wir können sie nicht sehen, aber spüren ihre Gegenwart oder hören ihr Flüstern. Um sie geht es in „Whisper“. Ob es diese Wesen gibt oder nicht, ob man an sie glaubt oder auch nicht: jede Kultur hat Geschichten über sie. Und mit ihnen sind Ideen, Vorstellungen, Fragen und Antworten verbunden, die diese Kultur prägen.

In unserer gierigen Zeit, in der die kalten Hände des Kapitalismus alles an sich reißen, was in Sicht ist, ist die Existenz dieser Kreaturen bedroht”,

sagt Lindy-Fay

Daher ist ihr Flüstern hier wohl so eindringlich und erinnert an das Flüstern in der Luft, in den Bergen, im Wald auf das wir vielleicht wieder mehr hören sollten.

Im Traum reisen

„Low Water“ erzählt von den Gezeiten, ihrer Energie und Wirkung. Wenn man am Ufer des Meeres steht, sieht man, wie das Wasser Dinge heranbringt und bei seinem Rückgang andere zum Vorschein kommen.
In einer mondhellen Nacht wirkt dies unwirklich und kraftvoll zugleich. Die Geschichten, uralten Sagen von Menschen und Städten, die vom Meer verschlungen werden.
Und so tanzt Lindy-Fay Hellas Stimme mit der Melodie der Drehleier (gespielt von John Stenersen) im Mondlicht.

„Slowly The Light Dies Out“ ist ein melancholisches Lied, das mit einer sanften, fast zerbrechlichen Stimme gesungen wird. Sphärische Klänge begleiten dies wie Sternschnuppen, die am Himmel auftauchen.

In „Like The Star“ machen die intensive Stimme und die energetische Perkussion Mut, zu träumen und nach dem Unbekannten zu greifen. Sterne verglühen, so wie Träume vergehen. Aber es gibt neue Universen zu entdecken und weitere Träume umzusetzen.

Vielschichtige Klänge, nachdrückliches Drumming mit vielen Wechseln im Tempo, ein etwas unheimlicher, teilweise verzerrter Gesang, Atemgeräusche. So klingen Anspannung und Wut, die entstehen, wenn nichts von dem, was man macht, in den Augen der anderen richtig ist. „Don’t Do Right“ – hör‘ auf dich selbst und mach‘ etwas nicht nur, weil es richtig für die anderen ist.

„Furnas“ ist im Vergleich zum vorangegangenen Lied eher ruhig und meditativ. Sanft weist der Gesang darauf hin, dass innere und äußere Welt verbunden werden können, wenn man auf sein Herz achtet. Und doch klingt Lindy-Fay so verloren, das man rufen möchte: du bist nicht allein, ich bin hier!

So melancholisch, teilweise traurig, voller Einsamkeit wie das Album bisher klang, bleibt es auch bis zur letzten Note. Doch „The Fluttering Sail“ hat neben Momenten, in denen der Schmerz noch einmal hervorbricht, auch Versöhnliches und Zuversicht. Denn es gibt immer etwas, das uns davor bewahrt, unterzugehen. Mit ruhiger werdendem Herzschlag enden Song und Album.

Die Zeit wegschieben, um dem Tag zu entkommen

Lindy-Fay Hella & Dei Farne haben nicht nur ihr Erleben der Isolation während der Pandemie mit uns geteilt, sondern auch gezeigt, wie wichtig es ist, auf sich zu hören, wahrzunehmen, sich mitzuteilen und im Austausch zu bleiben.
Daraus ist etwas Neues entstanden. Denn diese Art der Verbindung von elektronischer und traditioneller Musik, von experimentellen Formen mit Folk-Elemente zu atmosphärischen Klängen hatte ich bis dahin noch nicht gehört.

Besonders berührt und beeindruckt hat mich der Gesang. Mal zart, sirenenhaft dann wieder energisch, bestimmend. Hier werde ich direkt angesprochen und in die Gedanken und Emotionen eingebunden. Die Direktheit kommt auch dadurch zustande, dass die Klangschichten komplex sind und die Stimme und die traditionellen Musikinstrumente ungeschönt in ihrem Klang belassen wurden. Der Kontrast zwischen der Bodenständigkeit und Wärme der traditionellen Instrumente und der Präzision der Synthesizer macht viel von der Spannung der Lieder aus.

Dieses Album hat dem Gefühl der Einsamkeit, die vielen Menschen zurzeit zu schaffen macht, eine konkrete Form gegeben. Dabei sind Lieder entstanden, die einen weiteren klanglichen Raum eröffnet haben, den man erkunden sollte!

Yesterday you could read the interview with Lindy-Fay Hella, in which we discussed her musical background and also about the new album.

Lindy-Fay Hella & Dei Farne released the album „Islet“ on March 22, 2024. It is the second album by the Norwegian duo, following „Hildring“ (2001). Already in 2019, Lindy-Fay Hella, known to many of you as a member of WARDRUNA, followed her own ideas with her first solo album „Seafarer“.

The music for „Islet“ was largely created during the COVID-19 period. Lindy-Fay Hella and Roy Ole Førland captured the thoughts and emotions that arose during isolation in their music. The lyrics came later. Lindy-Fay chose Portugal, a country she had not known before, to seek inspiration. She let things come to her and discovered a small island (which gave the album its name) that fascinated her. This small island in the ocean was a magical place for her and a symbol that even in a sea of loneliness, there are firm and magical places.

Melancholy and Magical Moments

That was my first impression of the album: it is melancholic, sometimes cold and unwelcoming, and then so close that it feels oppressive. At the same time, it is full of magical moments and sounds as if from another world.
Isolation may have also heightened the awareness of sensory impressions, which become particularly noticeable during a walk by the sea. The music captures the feeling of sun, wind, and saltwater on the skin, the smell of the sea, and the sound of the waves. And anyone who has stood by the sea during a full moon, when the water recedes with the ebb or returns with the flow, might have also perceived this as magical moments.
But not only the experience of the senses plays a role but also dreams – and in the spirit of folkloric tradition – mythical beings and mysterious places.

Spherical Sounds, Grounded Melodies, and Expressive Vocals

The effect of the music has much to do with the combination of different musical ideas and approaches. Here, electronic and folkloric elements have formed an unusual connection. Synthesizers and the varied and expressive voice of Lindy-Fay Hella form the basis and framework of the songs. This is filled with melodies played by traditional instruments.
The interplay and simultaneous contrast of the precision and spherical sounds of the synthesizers with the earthiness and warmth of the nyckelharpa, hurdy-gurdy, and harmonium create the tension and appeal of this combination. This allowed both loneliness and connectedness with the surroundings to be expressed.

Lindy-Fay Hella uses all the possibilities of the voice. Whispering, gentle melodies, ethereal singing that hovers above it all. But she also sounds biting, powerful, and eerie. Detached yet vulnerable, sometimes creating an oppressive closeness.
She is very sparing with the text. You can immerse yourself in the music and use the words and lines of text as impulses for your own thoughts.

Islet – Little Island

The intro „Sintra“ takes us to the beach. Water is gurgling against the small island. Voices sound urging and enticing from a distance. A melancholic, sad melody tells of loneliness. All of this sounds unreal, not of this world.

In „Dark Water“, synthesizers and Hammond organ span across the vast sea and endless sky. The drums are like the light on the horizon, at the end of the world, which is also the beginning.

Fairies, trolls, mythical beings – we cannot see them, but feel their presence or hear their whispers. This is what „Whisper“ is about. Whether these beings exist or not, whether one believes in them or not: every culture has stories about them. And with them come ideas, imaginations, questions, and answers that shape that culture.

„In our greedy times, where the cold hands of capitalism seize everything in sight, the existence of these creatures is threatened“

says Lindy-Fay

Hence, their whispering here is so insistent, reminding us of the whispers in the air, in the mountains, in the forest that we should perhaps listen to more.

Travel in you dreams

„Low Water“ tells of the tides, their energy and effect. When you stand on the shore of the sea, you see how the water brings things in and reveals others as it recedes. In a moonlit night, this appears both unreal and powerful. The stories, ancient legends of people and cities swallowed by the sea. And so, Lindy-Fay Hella’s voice dances with the melody of the hurdy-gurdy (played by John Stenersen) in the moonlight.

„Slowly The Light Dies Out“ is a melancholic song sung with a gentle, almost fragile voice. Spherical sounds accompany this like shooting stars appearing in the sky.

In „Like The Star“, the intense voice and energetic percussion encourage dreaming and reaching for the unknown. Stars burn out, just as dreams fade. But there are new universes to discover and more dreams to realize.

Multifaceted sounds, insistent drumming with many tempo changes, a somewhat eerie, partly distorted voice, breathing sounds. This is how tension and anger sound when nothing one does is right in the eyes of others. „Don’t Do Right“ – listen to yourself and do something not just because it is right for others.

„Furnas“ is relatively calm and meditative compared to the previous song. The gentle singing suggests that inner and outer worlds can be connected when one pays attention to their heart. Yet Lindy-Fay sounds so lost that one wants to call out: you are not alone, I am here!

As melancholic, partly sad, and full of loneliness as the album has sounded so far, it remains until the last note. But „The Fluttering Sail“ has, alongside moments where the pain breaks through once more, also reconciliation and hope. For there is always something that prevents us from going under. The song and album end with a calm heartbeat.

 I pushed the time away to escape from this day

Lindy-Fay Hella & Dei Farne have not only shared their experience of isolation during the pandemic with us but also shown how important it is to listen to oneself, to perceive, to communicate, and to stay in exchange.
Something new has emerged from this. For this kind of combination of electronic and traditional music, of experimental forms with folk elements to create atmospheric sounds, I had not heard before.

What particularly touched and impressed me was the singing. Sometimes delicate, siren-like, then again energetic, commanding. Here I am directly addressed and involved in the thoughts and emotions. The directness also comes from the fact that the sound layers are complex and the voice and traditional musical instruments are left unadorned in their sound. The contrast between the earthiness and warmth of the traditional instruments and the precision of the synthesizers creates much of the tension in the songs.

This album has given a concrete form to the feeling of loneliness that many people are currently struggling with. Songs have been created that have opened up another sound space, which should be explored!

(die deutsche Übersetzung findet ihr unter dem Original)

Hey Lindy-Fay, It is very nice that you are taking the time to answer a few questions for me. In March this year, you released your third album, “Islet.” As I prepared for the interview, I immediately had many questions. I am always interested in how someone came to music, and which influences (people, other musicians, experiences) contributed to that journey. And specifically in your case, what role singing/your voice plays.

Thank you very much Birgit for your interest in my musical projects and the latest album, Islet, created with Dei Farne.

The press release for “Islet” mentions, among others: for fans of Depeche Mode, Chelsea Wolfe, Kælan Mikla, Einstürzende Neubauten, Eivør, Ivar Bjørnson & Einar Selvik. This is a broad spectrum, ranging from electronic music to gothic, synthpunk, and folk in a broader sense. How would you describe your music (especially concerning the new album)?
Where does it stand in this spectrum?

I would like to use the words from some of our listeners who says Islet is a melancholic album. It certainly is, but not without a glimpse of light here and there.
Roy Ole Førland and I wanted to keep the kind of coldness and the feeling of being alone on this album. We created the music together by sending ideas to each other, mainly during the Corona times. „Islet“ is synth and vocal-based, since these are our main instruments and what we solidly used when creating. Drums (additional to the programmed ones), Nyckelharpa and Hurdy Gurdy have been added later, to get some kind of warmth and humanity to some of the songs. It is difficult for me to say where it stands on the spectrum, but maybe like dark, melodic synth and vocal-based music?

Walking in Circles to Boney M.

You started making music at an early age. I read that you grew up in a household with a lot of music and initially played a Hammond organ. What are the first ‚musical‘ moments that you would say shaped you or that you particularly remember?

I still remember when I was walking in circles around the heater that stood in the middle of the living room in my Father’s house, listening to music. It was in the late 70s and it was kind of a dance I guess, while keeping warm at the same time. The house was not isolated back then, you know. Boney M was one of my favourites and I still remember the pure joy when a song that I liked came out of the speakers. What got me into synths though, was Depeche Mode. I was sitting in a car, on a very boring road and suddenly „A question of time“ was on the cassette player. I was totally mesmerised to a degree that I can remember what part of the road we were at when the song came on. It was at a place called Isdalstø.

So Depeche Mode impressed you and sparked your enthusiasm for electronic music.
How do you feel when you listen to these songs today (if you still do)?

I am still listening to them, but mainly the earliest albums, with my favourite “ Black Celebration“ included. I am feeling that I am listening to something Avant Garde and something very unique.

Then the music of Depeche Mode and the impression that this is something unique was the reason why you wanted to play synthesiser? What fascinated you about the synthesizer that it still plays an important role today?

Yes, that is true. I also listened a lot to Vangelis and Jean Michelle Jarre though. It still plays an important role for me. I think it has to do with the many possibilities synths have, but also the fact that you can get a very precise, industrial sound and deep bases that are unique for this instrument.

„You have to sing!“

Your cousin Ingolf Hella Torgersen is said to be responsible for getting you to start singing.How or with what did he convince you?

It was actually Ingolf who has done some of the Drums on prior albums and my cousin, Roy Thomassen, who is to blame for my singing. He is like my older brother and I spent a lot of time with him when growing up. I was very shy when I was little and only played the piano, and never sang. He simply said: „You have to sing Lindy-Fay, one day you will travel the world and sing, I just know it!“ So, he played music to me with some of the great singers from the 50s-60s, Brenda Lee and Connie Francis among others and continued to do so, until I finally sang. The feeling of „speaking out“ was tremendous and I am happy that my cousin Roy did not give up on me.

The voice then increasingly became a means of expression/an instrument for you. What does the voice enable you to express that cannot be achieved with the synthesizer?

With the voice, you can deliberately use the resonance of your own body, to manipulate the sound. However, synths have been an inspiration for me vocally as well. On certain synths, there are filters you can use, to change the sound itself, how sharp or dulled you want it, the attack, sustain and release. All this you can do with the voice as well, except from the extreme low and high sounds.

During your studies, you sang in a punk band. You also had classical singing lessons and learned different singing techniques. Which experiences that you made during this time still play a role for you today?

Oh yes, it still does. My teacher, Benedicte Sjøvold,  who I still visit from time to time, is excellent. She is one of the teachers at the Grieg Academy in Bergen. Although I was learning classical singing at that time I started with her, she was and is very alternative and accepted my different look at things. I do take with me the exercises of the voice, that are more classical, but for most part sing in another way.

ULLAN GENSER

You then sang in the duo ULLAN GENSER with Arne Sandvoll. Here, electronic music was already an important element. Why didn’t you continue with the project? I couldn’t find an album, but two cool videos.

Ullan Gensa is still existing, it is just that Arne and I are very much the same when it comes to making music. We both make a lot of things but are not tidy individuals. So, all the songs where I also play synth and harmonium are lying unfinished here and there on different computers. We plan to gather it up, mixed and mastered at one point though, especially after I was stopped by a guy outside a record shop a while ago, asking me „Are you not the one from ULLAN GENSA? Please, you guys have to release that stuff!“ He had been to one if our few concerts in Bergen at the beginning of 2000. ULLAN GENSA is also the reason why Arne and I are in WARDRUNA. Einar was in the audience back then too.

Since the early 2000s, you have been part of WARDRUNA. Here, you not only sing but also contribute to the melodies you sing. Why was it later important for you to release your own album? Were these ideas you had had for a long time that were just ‚ripe‘ to be realized at that time?

It is only because I finally felt the urge to release something since I needed to climb out of my comfort zone. I have always participated in different musical projects, so in a way, it was just the first time presenting something under my own name, the „Seafarer“ album. It was supposed to be an acapella, but I changed my mind. Some of the songs you can hear on Soundcloud in its raw state though, before going into studio with Herbrand Larsen.

„Seafarer“ and „Hildring

In “Seafarer,” released in 2019, I like the interplay and also the contrast between the electronic elements and your ‚organic‘ voice. And the longing and a kind of curiosity expressed in the songs. What longings found their expression here? Or did other aspects play a role for you? Where did the inspiration for the music and lyrics come from?

I have to be honest and say that the final push that made me make and release this album, was the suicide of my dear friend, Thomas Dakota. I was absolutely devastated, and the song „Seafarer“ is written to him. The whole album is in memory of him. Still, there are moments when I take a break in whatever I am doing at the moment, sending thoughts of “ wherever you are in the Universe dear Thomas Dakota, I wish you all the best. You are beautiful and will forever be loved!“

This is a sad and at the same time touching story. I will now listen to the album differently. Then, in 2021, “Hildring” followed. In my review, I wrote that the album seems to be a constant search for the unknown and is full of curiosity about what nature, the past, dreams, and the universe have to offer.
Did I understand that correctly? Do these aspects play a role? Are you a curious person?

You understood it perfectly and yes, I am a very curious person. The world has so much to it. More than it is possible to understand and that’s what makes it irresistible to me. I always want to see what is behind the hill or at the end of the Ocean. And a dream of mine would be to enter a Spaceship, travel through the Galaxies, and just look at stuff.

This year, “Islet” was released. I find it to be a very melancholic album. Melancholy has also played a role in the previous albums. But in “Islet,” it seems to be combined with loneliness, longing, and loss. “Slowly the Light Dies Out” sounds to me not only of loneliness but also of isolation. What does this song mean to you?

Haha, yes! You also find it melancholic, that’s just perfect! We have heard that from several of our listeners. The lyrics for „Slowly the light dies out“ is written by my cousin on „Islet“ for this song.  

Fairy Tales

Have the lyrics been there first and then the music? Or is it that you have the music and then ’search‘ for lyrics?

Yes, I always have the melody before the words come. When making the melody for “Slowly the Light Dies Out” I was thinking of the story “ Little Match Girl “ by H.C Andersen. It is one of my favourite fairy tales and the only one that makes me cry every time I read it. Roy’s words fitted perfectly to.this state of mind and when telling him what the song was actually about, he said; “ But, that was my Mother’s favourite story as well.“ My beloved aunt, Kari, died some years ago, so it warmed my heart to hear that we shared the same favourite fairytale.

Overall, you have been ’sparing‘ with words on the album. Where do the other lyrics come from? What inspired you? What role do words play in your music/in connection with the music? To me, they have given shape to the emotions you express with the music on “Islet.”

A lot of time is usually used to get the right words for the album. I like to find simple and few words, since I feel that then it can grow different kinds of stories out from those words, depending on the listeners. Those words have to be just right though. I usually do long walks, just observing things, but also take inspiration from meeting with people and so on. And of course, the unknown, the mystery of the Universe. The impressions from a journey for example. It can take months before stories take shape in my mind.

In all your albums, your voice is the mediator, the connecting element between ideas, between rhythm and melody, between music and words. And at the same time, a distinctive, defining element. What particularly impresses me is not only the range and variability in which you use your voice but also the intensity and breadth. Sometimes your voice is very intimate, and then again it fills the space and sounds as if you are trying to bring something distant into focus. Does classical singing and the different singing techniques and forms help you with this?

Classical technique and training has helped to preserve and stretch the voice I think, but it is actually the freedom of totally breaking free from the Classical that has personally given me the most. I discovered by listening to Tribal music around the world, that the sound is more „direct“ almost like an extension of your speaking voice. Sometimes almost shouting, but not quite. In classical singing, this is not accepted, but to me the „tribal“ sound felt much more natural in my body. I appreciate all kinds and styles of voice production though.

Are traditions important to you?

It is important to keep traditions and treasure them, but also to be open to new impulses

Breathing, sound of voice and singing

There are melodies on “Islet” that sound folkloric not only through the instruments used. E.g., Nyckelharpa played by John Stenersen). For me, part of the tension in the songs lies in the combination of folk elements and electronic components. How much has folklore – be it stories or music –  influenced or even shaped you?

I have a huge love for Folklore.  This morning, for example, I was reading one of the lesser-known Norwegian Fairy Tales, collected by Asbjørnsen and Moe, a couple of 100 years ago. I’m also a huge fan of the Brothers Grimm and when I stay for a longer time in other places in the world, I ask people I meet if there are any traditional stories, about Ghosts and so on connected to the area. And food. To taste traditional food when travelling is something I always do. My grandfather was a great storyteller and whenever I joined him through the forest and out in the fishing boats, he told stories along the way about Trolls, Huldra, Draugen, Nøkken, the Fox, Ravens Tor and Odin, all kinds of things he could come up with. It has been and still is, a huge inspiration.

What I particularly noticed about “Islet” is how organic the breathing and voice sound. It is as if one is standing right next to you while you are singing. The singing and the lyrics sound dense and compact, bringing them very close to the listener. Was it important to you that the voice sounds so direct, ‚unfiltered‘?

Yes, that was important to both Roy Ole and I and that’s why we chose to work with producer Iver Sandøy again. He is a huge advocate for the raw aspect in both music and voice and we are certain that he will never polish the sound to get it „pretty and easier for the ear.“ Rugged, windswept and chilly, like the west coast of Norway on an Autumn day, is what we went for.

It is called Lindy-Fay Hella & Dei Farne. In the photos for “Islet,” you are only seen with Roy Ole Førland. Are the other musicians only “guests”?

We are a duo basically. Roy Ole Førland and I. However, we do have with us guests and this time it was Iver Sandøy as producer added synths, Sondre Veland for drums and percussion, John Stenersen played Nyckelharpa, Hurdy Gurdy and Jørgen Træen who added synths and was sidekick producer on a couple of the songs, and Roy Thomassen who wrote the lyrics on „Slowly the Light dies out“ and has co-written lyrics on “The Fluttering Sail”.

Where does the name “Dei Farne” come from?

„Dei Farne“ means in our dialect “ those who have gone/ travelled”. It is kind of an “Umbrella name”, to make sure whoever is our guest on an album or live, gets included under „Dei Farne.“
It is Roy Ole and I that are working together for most of the time though and for that reason and since guests are different, it is natural only to have the photos of us.

Shows in Denmark and at Midgardsblot

And finally: what’s next? Will you play concerts, or go on tour?

We will have a few selected shows this year, soon in Denmark, then Midgardsblot here in Norway. There will be some other locations most likely, before Yule, which will be revealed soon.

Thank you very much for the interview and have a great time at Midgardsblot!

You can read the review of “Islet” here tomorrow.

Inteview mit Lindy-Fay Hella (Lindy-Fay Hella & Dei Farne, WARDRUNA)

Hey Lindy-Fay, ich freue mich, dass du dir die Zeit nimmst, mir ein paar Fragen zu beantworten.Im März dieses Jahres hast du dein drittes Album „Islet“ veröffentlicht. Während ich mich auf das Interview vorbereitete, kamen mir sofort viele Fragen in den Sinn.Ich bin immer daran interessiert, wie jemand zur Musik gekommen ist und welche Einflüsse zu diesem Weg beigetragen haben.

Vielen Dank, Birgit, für dein Interesse an meinen musikalischen Projekten und dem neuesten Album, „Islet“ das gemeinsam mit Dei Farne entstanden ist.

Die Pressemitteilung zu „Islet“ erwähnt unter anderem: für Fans von Depeche Mode, Chelsea Wolfe, Kælan Mikla, Einstürzende Neubauten, Eivør, Ivar Bjørnson & Einar Selvik. Das ist ein breites Spektrum, das von elektronischer Musik über Gothic, Synthpunk und Folk im weiteren Sinne reicht. Wie würdest du deine Musik beschreiben? Wo steht sie in diesem Spektrum?

Ich würde gerne die Worte einiger unserer Zuhörer verwenden, die sagen, dass „Islet“ ein melancholisches Album ist. Das ist es sicherlich, aber nicht ohne einen Hauch von Licht hier und da.
Roy Ole Førland und ich wollten auf diesem Album eine Art Kälte und das Gefühl des Alleinseins bewahren. Wir haben die Musik hauptsächlich während der Corona-Zeit zusammen kreiert, indem wir uns Ideen hin- und herschickten. „Islet“ basiert auf Synthesizern und Gesang, da dies unsere Hauptinstrumente sind und wir sie intensiv genutzt haben. Später wurden Schlagzeug – zusätzlich zu den bereits programmierten –  Nyckelharpa und Drehleier hinzugefügt, um einigen Songs eine Art Wärme und Menschlichkeit zu verleihen. Es fällt mir schwer zu sagen, wo siw Musik in diesem Spektrum steht, aber vielleicht ist es dunkle, melodische Synth- und gesangsbasierte Musik?

Du hast schon in jungen Jahren begonnen, Musik zu machen. Ich habe gelesen, dass du in einem Haushalt mit viel Musik aufgewachsen bist und zunächst eine Hammond-Orgel gespielt hast. Was sind die ersten „musikalischen“ Momente, die dich geprägt haben oder an die du dich besonders erinnerst?

Zu Boney M. im Kreis gelaufen

Ich erinnere mich noch daran, wie ich im Wohnzimmer meines Vaters um den Heizkörper herumlief, Musik hörte und dabei tanzte, während ich mich gleichzeitig warm hielt. Es war Ende der 70er Jahre und das Haus war nicht gut isoliert. Boney M war einer meiner Favoriten und ich erinnere mich noch an die pure Freude, wenn ein Lied, das ich mochte, aus den Lautsprechern kam.
Was mich jedoch zu Synthesizern gebracht hat, war Depeche Mode. Ich saß in einem Auto, auf einer sehr langweiligen Straße, und plötzlich lief „A Question of Time“. Ich war so fasziniert, dass ich mich noch daran erinnern kann, an welchem Teil der Straße wir waren, als das Lied begann. Es war an einem Ort namens Isdalstø.

Also haben dich Depeche Mode beeindruckt und deine Begeisterung für elektronische Musik geweckt. Wie fühlst du dich, wenn du diese Lieder heute hörst (wenn du es noch tust)?

Ich höre sie immer noch, aber hauptsächlich die frühesten Alben, inklusive meines Favoriten „Black Celebration“. Ich habe das Gefühl, dass ich etwas Avantgardistisches und sehr Einzigartiges höre.

Dann war die Musik von Depeche Mode und der Eindruck, dass es etwas Einzigartiges ist, der Grund, warum du Synthesizer spielen wolltest? Was faszinierte dich am Synthesizer, dass er auch heute noch eine wichtige Rolle spielt?

Ja, das stimmt. Ich habe jedoch auch viel Vangelis und Jean Michel Jarre gehört. Synthesizer spielen immer noch eine wichtige Rolle für mich. Ich denke, es hat mit den vielen Möglichkeiten zu tun, die Synthesizer bieten, aber auch mit der Tatsache, dass man einen sehr präzisen, industriellen Klang und tiefe Bässe erzeugen kann, die für dieses Instrument einzigartig sind.

„Du musst singen!“

Dein Cousin Ingolf Hella Torgersen soll dafür verantwortlich sein, dass du angefangen hast zu singen. Wie oder womit hat er dich überzeugt?

Tatsächlich sind Ingolf, der übrigens bei früheren Alben einige der Schlagzeuge gespielt hat, und mein Cousin Roy Thomassen dafür verantwortlich, dass ich singe. Er ist wie ein älterer Bruder für mich und ich verbrachte viel Zeit mit ihm, als ich aufwuchs. Ich war sehr schüchtern, als ich klein war, und spielte nur Klavier und sang nie. Er sagte einfach: „Du musst singen, Lindy-Fay! Eines Tages wirst du um die Welt reisen und singen, das weiß ich einfach!“ Also spielte er mir Musik von einigen der großartigen Sängerinnen der 50er-60er Jahre vor, Brenda Lee und Connie Francis unter anderem, und tat dies weiter, bis ich endlich sang. Das Gefühl, „die Stimme zu erheben“, war enorm, und ich bin froh, dass mein Cousin Roy nicht aufgegeben hat.

Die Stimme wurde dann zunehmend ein Ausdrucksmittel, ein Instrument für dich. Was ermöglicht dir die Stimme, das mit dem Synthesizer nicht erreicht werden kann?

Mit der Stimme kann man bewusst die Resonanz des eigenen Körpers nutzen, um den Klang zu manipulieren. Synthesizer waren jedoch auch eine Inspiration für mich beim Gesang. Bei bestimmten Synthesizern gibt es Filter, mit denen man den Klang selbst verändern kann, wie scharf oder gedämpft man ihn haben möchte, den Anschlag, das Sustain und das Release. All dies kann man auch mit der Stimme tun, außer mit den extrem tiefen und hohen Klängen.

Während deines Studiums hast du in einer Punkband gesungen. Du hattest auch klassischen Gesangsunterricht und hast verschiedene Gesangstechniken gelernt. Welche Erfahrungen, die du während dieser Zeit gemacht hast, spielen heute noch eine Rolle für dich?

Oh ja, das tut es immer noch. Meine Lehrerin, Benedicte Sjøvold, die ich immer noch von Zeit zu Zeit besuche, ist ausgezeichnet. Sie ist eine der Lehrerinnen an der Grieg-Akademie in Bergen. Obwohl ich damals bei ihr klassischen Gesang lernte, war und ist sie sehr alternativ und akzeptierte meinen anderen Blick auf die Dinge. Ich nehme die Übungen für die Stimme mit, die mehr klassisch orientiert sind, aber größtenteils singe ich auf eine andere Weise.

ULLAN GENSER

Du hast dann im Duo ULLAN GENSER mit Arne Sandvoll gesungen. Hier war elektronische Musik schon ein wichtiges Element. Warum hast du das Projekt nicht weitergeführt? Ich konnte kein Album finden, aber zwei coole Videos.

ULLAN GENSA existiert immer noch. Arne und ich uns sehr ähnlich, wenn es darum geht, Musik zu machen. Wir machen beide viele Dinge, sind aber keine ordentlichen Menschen. Also liegen all die Songs, bei denen ich auch Synthesizer und Harmonium spiele, unfertig hier und da auf verschiedenen Computern. Wir planen, sie irgendwann zusammenzutragen, abzumischen und zu mastern, besonders nachdem mich vor einiger Zeit ein Typ vor einem Plattenladen angesprochen hat und sagte: „Bist du nicht die von ULLAN GENSA? Bitte, ihr müsst das Zeug veröffentlichen!“ Er war bei einem unserer wenigen Konzerte in Bergen Anfang der 2000er Jahre.
ULLAN GENSA ist auch der Grund, warum Arne und ich bei WARDRUNA sind. Einar war damals auch im Publikum.

Seit den frühen 2000ern bist du Teil von WARDRUNA. Hier singst du nicht nur, sondern trägst auch zu den Melodien bei, die du singst. Warum war es dir später wichtig, dein eigenes Album zu veröffentlichen? Waren das Ideen, die du schon lange hattest und die einfach „reif“ waren, um verwirklicht zu werden?

Weil ich schließlich den Drang verspürte, etwas zu veröffentlichen, da ich aus meiner Komfortzone herauskommen musste. Ich habe immer an verschiedenen musikalischen Projekten teilgenommen.  Das Album „Seafarer“  war das erste Mal, dass ich etwas unter meinem eigenen Namen präsentierte. Es sollte eigentlich ein A-cappella-Album werden, aber ich änderte meine Meinung. Einige der Songs kann man in ihrem Rohzustand auf Soundcloud hören, bevor sie im Studio mit Herbrand Larsen aufgenommen wurden.

„Seafarer“ und „Hildring“

In „Seafarer“, das 2019 veröffentlicht wurde, gefällt mir das Zusammenspiel und auch der Kontrast zwischen den elektronischen Elementen und deiner „organischen“ Stimme. Und die Sehnsucht und eine Art von Neugier, die in den Liedern zum Ausdruck kommen. Welche Sehnsüchte fanden hier ihren Ausdruck? Oder spielten andere Aspekte eine Rolle für dich? Woher kam die Inspiration für die Musik und die Texte?

Ich muss ehrlich sein und sagen, dass der letzte Anstoß, der mich dazu brachte, dieses Album zu machen und zu veröffentlichen, der Suizid meines lieben Freundes Thomas Dakota war. Ich war absolut am Boden zerstört, und der Song „Seafarer“ ist ihm gewidmet. Das ganze Album ist ihm gewidmet. Es gibt immer noch Momente, in denen ich bei dem, ws ich gerade mache, eine Pause einlege und den Gedanken losschicke: „Wo immer du im Universum bist, lieber Thomas Dakota, ich wünsche dir alles Gute. Du bist wunderbar und wirst für immer geliebt!“

Das ist eine traurige und zugleich berührende Geschichte. Ich werde das Album jetzt anders hören. Dann folgte 2021 „Hildring“. In meiner Rezension habe ich geschrieben, dass das Album wie eine ständige Suche nach dem Unbekannten erscheint und voller Neugier ist, was die Natur, die Vergangenheit, Träume und das Universum zu bieten haben. Habe ich das richtig verstanden? Spielen diese Aspekte eine Rolle? Bist du ein neugieriger Mensch?

Du hast es perfekt verstanden und ja, ich bin ein sehr neugieriger Mensch. Die Welt hat so viel zu bieten. Mehr, als man verstehen kann, und das macht sie für mich unwiderstehlich. Ich möchte immer sehen, was sich hinter dem Hügel oder am Ende des Ozeans befindet. Und ein Traum von mir wäre es, in ein Raumschiff zu steigen, durch die Galaxien zu reisen und einfach Dinge anzusehen.

In diesem Jahr wurde „Islet“ veröffentlicht. Ich finde, das es ein sehr melancholisches Album ist. Melancholie spielte auch in den vorherigen Alben eine Rolle. Aber in „Islet“ scheint sie mit Einsamkeit, Sehnsucht und Verlust kombiniert zu sein. „Slowly the Light Dies Out“ klingt für mich nicht nur nach Einsamkeit, sondern auch nach Isolation. Was bedeutet dir dieser Song?

Haha, ja! Auch du findest es melancholisch, das ist einfach perfekt! Das haben wir von mehreren unserer Zuhörer gehört. Der Text für „Slowly the Light Dies Out“ wurden von meinem Cousin für dieses Lied auf „Islet“ geschrieben.

MÄRCHEN

Waren die Texte für „Islet“  zuerst da und dann die Musik? Oder ist es so, dass du die Musik hast und dann nach Texten „suchst“?

Ja, ich habe immer die Melodie, bevor die Worte kommen. Als ich die Melodie für „Slowly the Light Dies Out“ machte, dachte ich an die Geschichte „Das kleine Mädchen mit den Schwefelhölzern“ von H.C. Andersen. Es ist eines meiner Lieblingsmärchen und das einzige, das mich jedes Mal zum Weinen bringt, wenn ich es lese. Roys Worte passten perfekt zu diesem Gemütszustand und als ich ihm erzählte, worum es in dem Lied eigentlich ging, sagte er: „Aber das war auch die Lieblingsgeschichte meiner Mutter.“ Meine geliebte Tante Kari ist vor einigen Jahren gestorben, also erwärmte es mein Herz zu hören, dass wir dieselbe Lieblingsgeschichte teilten.

Insgesamt warst du auf dem Album „sparsam“ mit den Worten . Woher kommen die anderen Texte? Was hat dich inspiriert? Welche Rolle spielen Worte im Zusammenhang mit der Musik? Für mich haben sie den Emotionen, die du mit der Musik auf „Islet“ ausdrückst, eine Form gegeben.

Ich verwende viel Zeit darauf, die richtigen Worte für das Album zu finden. Ich mag es, einfache und wenige Worte zu finden, da ich das Gefühl habe, dass dann verschiedene Geschichten aus diesen Worten entstehen können, je nachdem, was der Zuhörer daraus macht. Diese Worte müssen jedoch genau richtig sein. Ich mache normalerweise lange Spaziergänge, beobachte Dinge, lasse mich aber auch von Begegnungen mit Menschen inspirieren und so weiter. Und natürlich das Unbekannte, das Geheimnis des Universums. Die Eindrücke von einer Reise zum Beispiel. Es kann Monate dauern, bis die Geschichten in meinem Kopf Gestalt annehmen.

In all deinen Alben ist deine Stimme das verbindende Element zwischen verschiedenen Ideen, zwischen Rhythmus und Melodie, zwischen Musik und Worten. Und gleichzeitig ein unverwechselbares, prägendes Element. Was mich besonders beeindruckt, ist nicht nur die Bandbreite und Variabilität, mit der du deine Stimme einsetzt, sondern auch die Intensität und Weite. Manchmal ist deine Stimme sehr intim, und dann wieder füllt sie den Raum und klingt, als ob du versuchst, etwas Entferntes in den Fokus zu rücken. Hilft dir dabei der klassische Gesang und die verschiedenen Gesangstechniken und -formen?

Klassische Technik und Training haben geholfen, die Stimme aufzubauen und zu erweitern, denke ich. Aber es ist eigentlich die Freiheit, sich völlig vom Klassischen zu lösen, die mir persönlich am meisten gegeben hat. Ich entdeckte, indem ich traditionelle Musik aus der ganzen Welt hörte, dass der Klang „direkter“ ist, fast wie eine Erweiterung der Sprechstimme. Manchmal ist es fast ein Schreien, aber nicht ganz. Im klassischen Gesang wird das nicht akzeptiert, aber für mich fühlte sich der „Triabalklang“ viel natürlicher in meinem Körper an. Ich schätze jedoch alle Arten und Stile der Stimmerzeugung.

Sind Traditionen wichtig für dich?

Es ist wichtig, Traditionen zu bewahren und zu schätzen, aber auch offen für neue Impulse zu sein.

Atmung, Stimmklang und Gesang

Es gibt Melodien auf „Islet“, die nicht nur durch die verwendeten Instrumente (z.B. die Nyckelharpa gespielt von John Stenersen) folkloristisch klingen. Für mich liegt ein Teil der Spannung der Songs in der Kombination von Folkelementen und elektronischen Komponenten. Wie sehr hat dich Folklore – sei es ihre Geschichten oder Musik – beeinflusst oder sogar geprägt?

Ich liebe Folklore. Heute Morgen zum Beispiel habe ich eines der weniger bekannten norwegischen Märchen gelesen, die Asbjørnsen und Moe vor ein paar hundert Jahren gesammelt haben. Ich bin auch ein großer Fan der Brüder Grimm. Und wenn ich längere Zeit an anderen Orten der Welt bleibe, frage ich die Leute, die ich treffe, ob es traditionelle Geschichten über Geister und so weiter aus dieser Gegend gibt. Und so ist es auch mit dem Essen. Wenn ich unterwegs bin, probiere ich immer das einheimische Essen.
Mein Großvater war ein großartiger Geschichtenerzähler und wann immer ich ihn durch den Wald oder beim Fischen begleitete, erzählte er unterwegs Geschichten über Trolle, Huldra, Draugen, Nøkken, den Fuchs, die Raben, Tor und Odin, alle möglichen Dinge, die ihm einfielen. Es war und ist eine große Inspiration.

Mir ist bei „Islet“ besonders aufgefallen, wie organisch die Atmung und die Stimme klingen. Es ist, als ob man direkt neben dir steht, während du singst. Der Gesang und die Texte klingen dicht und kompakt und kommen dem Zuhörer sehr nahe. War es dir wichtig, dass die Stimme so direkt, „ungefiltert“ klingt?

Ja, das war sowohl Roy Ole als auch mir wichtig, und deshalb haben wir uns wieder für den Produzenten Iver Sandøy entschieden. Er ist ein großer Verfechter des rohen Aspekts sowohl in der Musik als auch im Gesang und wir sind uns sicher, dass er den Klang niemals polieren wird, um ihn „schön und leichter fürs Ohr“ zu machen. Rau, windgepeitscht und kühl, wie die Westküste Norwegens an einem Herbsttag. Das war unser Ziel.

Es heißt ‚Lindy-Fay Hella & Dei Farne‘. Auf den Fotos zu „Islet“ sieht man nur dich mit Roy Ole Førland. Sind die anderen Musiker nur „Gäste“?

Wir sind im Grunde ein Duo. Roy Ole Førland und ich. Wir haben jedoch Gäste dabei, und dieses Mal waren es Iver Sandøy als Produzent, der auch Synthesizer spielte, Sondre Veland mit Schlagzeug und Percussion, John Stenersen spielte Nyckelharpa und Drehleier und Jørgen Træen Synthesizer. Er war auch bei ein paar Songs Co-Produzent. Und dannnoch Roy Thomassen, der die Texte zu „Slowly the Light Dies Out“ geschrieben hat und bei „The Fluttering Sail“ am Text mitgearbeitet hat.

Woher kommt der Name „Dei Farne“?

„Dei Farne“ bedeutet in unserem Dialekt „diejenigen, die gegangen oder gefahren sind“. Es ist eine Art „Überbegriff“, um sicherzustellen, dass jeder, der auf einem Album oder live unser Gast ist, unter „Dei Farne“ einbezogen wird. Es sind jedoch Roy Ole und ich, die die meiste Zeit zusammenarbeiten. Deshalb und weil es verschiedene Gäste sind, ist es natürlich, dass nur wir auf den Fotos sind.

Shows in Dänemark und beim Midgardsblot-Festival

Und noch eine Frage zum Schluss: Was steht als nächstes an? Werdet ihr Konzerte spielen oder auf Tour gehen?

Wir werden dieses Jahr ein paar ausgewählte Shows haben. Demnächst in Dänemark, dann auf dem Midgardsblot-Festival hier in Norwegen. Es wird höchstwahrscheinlich vor Weihnachten noch einige andere Auftritte geben, die bald bekannt gegeben werden.

Vielen Dank für das Interview und eine großartige Zeit auf dem Midgardsblot!

Morgen könnt ihr hier noch die Rezension zu „Islet“ lesen.