Mit der Nyckelharpa als zentralem Instrument verbindet JOHN STENERSEN alte nordische Traditionen mit einer ausgesprochen dunklen, atmosphärischen Klangsprache. Bekannt durch seine Arbeit mit WARDRUNA und GÅTE, verfolgt er nun seit vielen Jahren ein eigenes Solo-Projekt, in dem traditionelle Melodien auf Drone-Flächen, historische Instrumente und moderne Klangwelten treffen. Beim Midgardsblót–Festival präsentierte er sein Projekt erstmals live – allein auf der Bühne, aber begleitet von einer Welt aus Klängen und Bildern.

Wie klingt norwegische Tradition, wenn man sie durch eine dunkle, moderne Klangästhetik betrachtet? Im Gespräch erzählt John Stenersen von seiner Faszination für die Nyckelharpa, den Anfängen des Solo-Projekts, der besonderen Atmosphäre des Midgardsblót-Festivals und davon, warum jetzt der richtige Moment ist, seine Musik mit einem größeren Publikum zu teilen.

Das Interview

Kommst du aus einer musikalischen Familie, in der traditionelle Musik eine Rolle spielt? Oder anders gefragt: Wie bist du zum ersten Mal mit traditioneller Musik in Berührung gekommen?
John: Nein, ich komme nicht aus einer musikalischen Familie. Niemand außer mir spielt ein Instrument – ich bin die Einzige.

Gab es einen bestimmten Moment, in dem du dachtest: Diese Musik möchte ich selbst spielen?
Mein Interesse an Musik begann schon früh. Im Fernsehen habe ich Konzerte und Auftritte von Geigern und Rockbands gesehen. Mich haben die Bühne und die Musik schon immer fasziniert und angezogen. Ich glaube, mein erster Kontakt mit Folkmusik war durch Annbjørg Lien und ihr Album „Prisme“.

Die Nyckelharpa scheint inzwischen dein Instrument zu sein – schließlich steht sie im Mittelpunkt deines Soloprojekts. Wie bist du dazu gekommen, dieses Instrument zu spielen? Hattest du Unterricht oder einen Lehrer? Ich habe gelesen, dass du dir das Spielen selbst beigebracht hast.
Ich wollte eigentlich schon immer Geige spielen, aber ich habe nie einen Lehrer gefunden. Und es war ziemlich schwierig, mir das Instrument anhand von Büchern selbst beizubringen, weil man bei einem leeren Griffbrett schließlich nicht weiß, wohin mit den Fingern. Heute ist das dank YouTube und Markierungen auf dem Griffbrett viel einfacher, aber damals gab es so etwas für mich nicht.
2008 war ich auf einem Festival und traf dort einen Schweden, der mir von der Nyckelharpa erzählte. Ich wusste zunächst überhaupt nicht, was das für ein Instrument war. Also zeigte er mir ein Foto. Und in dem Moment, als ich es sah, wusste ich: Das kann ich mir selbst beibringen.
Ich suchte anschließend auf YouTube danach und fand ein Video von einer Frau, die Nyckelharpa spielte. Ich war sofort begeistert von ihrem Klang, weil er wie eine tiefe, dunkle Hardangerfiedel klingt.

Du hast dich also auf Anhieb in den Klang verliebt. Wie ging es danach weiter?
Zwei Wochen später fuhr ich nach Uppsala, um mir eine zu kaufen. Dort bekam ich etwa 15 Minuten Unterricht. Er zeigte mir, wie man das Instrument und den Bogen hält, erklärte mir die Stimmung und zeigte mir eine Tonleiter. Danach klopfte er mir auf die Schulter und sagte: „Viel Glück!“
Ich fuhr zurück nach Norwegen und begann zu üben. Es dauerte ein paar Jahre, bis ich das Gefühl hatte, wirklich sagen zu können, dass ich Nyckelharpa spielen kann. Aber irgendwann hatte ich es geschafft – mit sehr viel Übung.

Du arbeitest offenbar schon seit 15 Jahren an deinem Soloprojekt. Wie entstand die Idee zu einem Soloalbum? Hat das auch mit dem Instrument selbst zu tun, das traditionell eher solistisch oder zur Begleitung von Gesang gespielt wird?
Als ich 2007 meine erste Band BERGTATT gründete, haben wir immer Instrumentalstücke gespielt. Ich habe außerdem schon immer komponiert. Deshalb hatten wir bereits auf unserer ersten Sommertour 2009 einige Instrumentalstücke im Programm, bei denen die Nyckelharpa das Hauptinstrument war.
Damals entstand zum ersten Mal der Gedanke, etwas als Soloprojekt zu machen. Bei jedem Stück, das ich lernte oder selbst komponierte, hatte ich dieses Projekt im Hinterkopf. Seitdem habe ich immer wieder daran gearbeitet. Wenn ich darüber nachdenke, sind es inzwischen tatsächlich 17 Jahre.

„Tronsgårdhallingen“ – Wurzeln in der traditionellen Musik

Inzwischen hast du das Projekt abgeschlossen, und der erste veröffentlichte Song war „Tronsgårdhallingen“. Warum hast du gerade dieses Stück ausgewählt, um dein Projekt vorzustellen? Verbindest du etwas Besonderes damit?
Ich kenne das Stück schon seit vielen Jahren, und es bringt die Menschen eigentlich immer in Bewegung. Sie stampfen mit den Füßen, tanzen oder bewegen sich einfach irgendwie zur Musik. Ich hatte es allerdings noch nie in einem dunklen Arrangement gehört – und genau das wollte ich ausprobieren. Das ist etwas, das ich mit all meinen Songs mache.
Ich wollte mein Projekt mit diesem Stück beginnen, weil es eine bekannte traditionelle Melodie aus Norwegen ist. Mir war wichtig, zunächst meine Wurzeln zu zeigen und die Tradition zu würdigen, indem ich meine eigene Version dieses Stücks präsentiere, bevor ich meine eigenen Kompositionen veröffentliche.

Das Midgardsblót-Festival ist ein ziemlich besonderes Festival – zumindest aus meiner Sicht. Ist es für dich ebenfalls etwas Besonderes? Du hast dort ja auch schon mit WARDRUNA und KALANDRA gespielt.
Midgardsblót ist mein liebstes norwegisches Festival. Es herrscht dort einfach eine unglaublich gute Atmosphäre. Ich habe schon viele Male dort gespielt. Im ersten Jahr war ich mit BERGTATT dort, später noch einmal, und außerdem habe ich dort mit WARDRUNA und KALANDRA gespielt.
Dort habe ich auch Einar [Selvik, Gründer von Wardruna] zum ersten Mal getroffen. Ich hatte WARDRUNA dort sogar schon gesehen, bevor ich selbst Teil der Band wurde.

Was bedeutet es dir, dein Soloprojekt ausgerechnet dort zu präsentieren?
Ich habe mich dafür entschieden, mein Soloprojekt beim Midgardsblót zu veröffentlichen, weil es für mich der perfekte Ort dafür war. Ich wusste, dass dort viele Menschen sein würden, die sich für diese Art von Musik interessieren. Und ich bin unglaublich glücklich über die Reaktion.
Die Menschen standen teilweise über eine Stunde lang Schlange, um hineinzukommen. Sie tanzten, stampften mit den Füßen und klatschten zu den Songs mit. Das war ein unglaubliches Gefühl! Es lief genauso gut, wie ich gehofft hatte, und ich habe danach sehr viele positive Rückmeldungen bekommen.

Klangwelt und Bilder und ein begeistertes Publikum

Wie war es für dich, ganz allein auf der Bühne zu stehen?
Bei „Tronsgårdhallingen“ spielst du zusätzliche Instrumente. Wie hast du das bei der Show umgesetzt? Hast du mit Backing-Tracks gearbeitet? In den kurzen Videoclips ist das nicht zu hören. Und was war in diesem Moment die größte Herausforderung für dich?
Allein auf der Bühne zu stehen, ist etwas völlig anderes, als mit einer Band aufzutreten, weil man niemanden hat, an dem man sich orientieren oder auf den man sich verlassen kann.
Bei dieser Show habe ich mit Backing-Tracks gearbeitet. Das einzige Instrument, das live gespielt wurde, war meine Nyckelharpa. Die Backing-Tracks hatte ich mit Drehleier, Moraharpa, Tagelharpa, Harmonium, Synthesizer, Rahmentrommeln sowie Percussion aus Stöcken, Steinen, Knochen und Hörnern erstellt.
Außerdem habe ich ein Video produziert, das mit den Backing-Tracks synchronisiert war und auf einer Leinwand hinter mir lief. Da ich allein auf der Bühne stand, war es mir wichtig, auch visuell etwas zu bieten und die Show für das Publikum abwechslungsreicher zu gestalten.
Das Video besteht hauptsächlich aus Drohnenaufnahmen von Landschaften und Natur, die ein Freund für mich gemacht hat. Und es hat tatsächlich sehr gut funktioniert! Ich habe gesehen, dass viele Menschen immer wieder auf die Leinwand geschaut haben – das hat mich sehr gefreut.

Du trittst normalerweise mit Bands auf und hast deshalb einen direkten Vergleich. Was ist für dich der größte Unterschied? Gab es etwas, das dich überrascht hat?
Der größte Unterschied ist, dass man niemanden hat, an dem man sich festhalten kann. Wenn irgendetwas passiert, ist niemand neben einem. Man ist vollkommen auf sich allein gestellt und trägt die Verantwortung für alles.

Wie hast du die Reaktion des Publikums erlebt? Was hat dich besonders gefreut oder beeindruckt?
Ich habe mich unglaublich gefreut, als ich gesehen habe, wie sich die Menschen zur Musik bewegen. Und als sie angefangen haben zu klatschen, hatte ich das Gefühl, dass ich sie wirklich erreicht habe.

Wie du bereits erwähnt hast, lief im Hintergrund ein Video. Oder gibt es für jeden Song ein eigenes Video? Welche Funktion hat es? Was wird darin gezeigt oder erzählt, und welchen Aspekt der Musik beziehungsweise der Songs möchtest du damit hervorheben?
Ja, für jeden Song gibt es ein eigenes Video, das mit meinem Backing-Track synchronisiert ist. Es handelt sich hauptsächlich um Drohnenaufnahmen aus der Natur, aber es gibt auch Ausschnitte aus kommenden Musikvideos.
Manche Videos zeigen ausschließlich Natur, andere erzählen eine Geschichte. Mehr dazu werde ich später verraten, wenn weitere Singles veröffentlicht werden.

Ein paar Geheimnisse

Gibt es etwas, das du bei zukünftigen Shows grundsätzlich anders machen möchtest?
Ich habe diesbezüglich ein paar Geheimnisse, die ich später enthüllen werde.

Geheimnisse – jetzt bin ich natürlich neugierig. Du hast sehr lange an diesem Projekt gearbeitet. Wie hat es sich im Laufe der Jahre entwickelt? Und wie nah ist das, was du jetzt präsentierst, an deiner ursprünglichen Idee?
Ich arbeite schon sehr lange daran, und tatsächlich entspricht es zu 100 Prozent der ursprünglichen Idee. Das Projekt war bereits vor vielen Jahren fertig. Es lag einfach in einer Schublade und wartete auf den richtigen Zeitpunkt für die Veröffentlichung.

Was war letztlich der entscheidende Faktor dafür, dass du das Projekt gerade jetzt einem Publikum präsentieren wolltest? Hat dabei auch dein Erfolg mit WARDRUNA und GÅTE eine Rolle gespielt? Jetzt war einfach der perfekte Zeitpunkt. Viele Menschen kennen mich inzwischen durch diese Bands. Dadurch ist es heute viel leichter, Aufmerksamkeit für meine eigene Musik zu bekommen als noch vor 15 Jahren.

Leider kenne ich bisher nur einen der Songs. Wovon handeln die anderen Stücke, die du bereits gespielt hast und die auf dem Album erscheinen werden?
Alle Songs sind instrumental. Zunächst werde ich einige traditionelle Stücke veröffentlichen, um meine Wurzeln und meine Herkunft zu zeigen. Danach werde ich beginnen, meine eigene Musik herauszubringen.
Ich komponiere bereits seit meinem 14. Lebensjahr auf unterschiedliche Weise Musik für verschiedene Instrumente. Deshalb habe ich eine ganze Menge Material, aus dem ich auswählen kann.

Diese traditionellen Stücke wurden über lange Zeit hinweg weitergegeben, schlicht indem sie immer wieder gespielt wurden – und jeder Musiker hat sie dabei ein wenig verändert. Was hast du an ihnen verändert? Was ist dein eigener Beitrag, deine persönliche Interpretation? Vielleicht kannst du auch ein wenig beschreiben, was den Charakter der Stücke ausmacht, welche Instrumente du eingesetzt hast und wie du ihren besonderen Klang erzeugst.
Die meisten dieser Stücke bestehen aus zwei oder drei Themen. Ich habe einige eigene Themen hinzugefügt und rund um die Melodien ein dunkles Arrangement entwickelt.Das Arrangement basiert hauptsächlich auf alten nordischen Instrumenten, ergänzt durch einen tiefen, dunklen Synthesizer. Über die Stücke hinweg gibt es vor allem einen dunklen Drone aus Drehleier, Harmonium und Synthesizer. Der Puls kommt von einer Rahmentrommel, während der Backbeat aus einer Mischung von Moraharpa, Tagelharpa und Nyckelharpa besteht. Als Percussion kommen ein Holz-Shaker, Stöcke, Steine, Knochen und Hörner zum Einsatz.
All diese Instrumente und Klänge schaffen eine dunkle Atmosphäre rund um die Nyckelharpa.

Eine dunkle Atmosphäre – so möchte ich diese Musik hören

„Tronsgårdhallingen“ wurde und wird traditionell auf der Geige gespielt. In der Bearbeitung für Nyckelharpa verändert sich jedoch der Klang und damit auch der Gesamteindruck. Die Musik wirkt dunkler und düsterer. Eine solche dunkle Atmosphäre zu erzeugen, gehört ja auch zu deinen erklärten Zielen.Warum findest du, dass diese Klangästhetik besonders gut zu dem Stück passt? Was macht die dunklere Atmosphäre für dich so stimmig?
Ich höre selbst schon immer gern dunkle Musik, deshalb fühlte es sich für mich ganz natürlich an, solche Musik zu machen. Außerdem habe ich diese Stücke noch nie auf diese Weise gehört. Genau so möchte ich diese Musik selbst hören. Deshalb wollte ich die Version dieser Stücke erschaffen, die mir persönlich am besten gefällt.

Wie gelingt es dir, die Tradition zu bewahren und gleichzeitig authentisch zu bleiben – also in dem Sinne, dass daraus deine Musik wird?
Oder anders gefragt: Sind Lieder, die über viele Generationen weitergegeben wurden, gerade deshalb zeitlos, weil ihre grundlegende Struktur erhalten bleibt, während jede Generation sie auf ihre eigene Weise interpretiert und damit den jeweiligen Zeitgeist widerspiegelt?
Ich denke, jeder, der diese Lieder spielt und mit ihnen arbeitet, ist ein Bewahrer der Tradition. Jeder trägt dazu bei, diese Lieder und die Tradition lebendig zu halten.
Ich hoffe, diese Musik über die Grenzen Norwegens hinaus bekannt zu machen und den Menschen in Europa die Möglichkeit zu geben, diese Lieder und diese Tradition zu entdecken.

Ausblick auf die Tour 2027

Du wirst mit dem Projekt auch auf Tour gehen. In welchen Ländern und Städten wirst du auftreten?
Ich plane, 2027 auf Tour zu gehen. Welche Länder und Städte es genau sein werden, werde ich später bekannt geben.

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With the nyckelharpa at the heart of his music, JOHN STENERSEN combines ancient Nordic traditions with a distinctly dark and atmospheric sound. Known for his work with WARDRUNA and GÅTE, he has been developing his own solo project for many years, bringing traditional melodies together with drone textures, historical instruments and modern soundscapes. At the Midgardsblót-Festival, he presented the project live for the first time — alone on stage, but surrounded by a world of sounds and images.

What does Norwegian tradition sound like when viewed through a dark, modern sonic aesthetic? In this interview, he talks about his fascination with the nyckelharpa, the origins of his solo project, the unique atmosphere of Midgardsblót, and why now feels like the right moment to share his musical vision with a wider audience.

The Interview

Do you come from a (musical) family in which traditional music plays a role, or how did you first come into contact with traditional music?
No, I don’t come from a musical family. No one but me in my family plays an instrument, I’m the only one.

So was there a particular moment when you thought: I would like to play this music, too?
The interest for music started from a young age when I saw concerts and performances on TV of fiddlers and rock bands. I’ve always been drawn to the stage and music, I’ve always found that very intriguing. I think my first contact with folk music was through Annbjørg Lien and her album “Prisme”. 

The nyckelharpa seems to be your instrument, as you have put it at the forefront of your solo project.
How did you come to play the instrument?  Did you have lessons or a teacher? I read somewhere that you taught yourself to play the instrument.
I always wanted to play the fiddle, but I never found a teacher and it was too hard teaching myself that instrument from books, not knowing where to put your finger on a blank fretboard. It’s easier now with YouTube and stickers for your fretboard telling you where to put your finger, but back then I had nothing like that. I was at a festival in 2008 and there I met this Swedish man who talked about the nyckelharpa and I did not quite understand what it was, so he showed me a photo of it and the moment I saw that photo I knew that I can teach myself that instrument. So I searched it up on YouTube and I found one video of a woman playing the nyckelharpa and I loved the sound, because it sounds like a deep and dark Hardanger Fiddle.

So you fell in love with the sound. What happened next?
Two weeks later I drove to Uppsala to buy one. I got 15 minutes of instruction where he showed me how to hold the instrument and the bow, told me how it was tuned and showed me a scale. Then I got a pat on the shoulder and a “Good luck!”. I drove back to Norway and started practicing. It took a few years before I felt like I could say that I could play the nyckelharpa, but I got there in the end with a lot of practice. 

You have apparently been working on your solo project for 15 years. How did the idea of developing a solo album come about? Does it have something to do with the instrument, given that it is traditionally played more as a solo instrument or accompanied by singing?
When I started my first band BERGTATT back in 2007 we always did instrumental songs, and I have always been composing so even on our first summer tour in 2009 we included some instrumental songs with the nyckelharpa as the main instrument. So that was when the thought of doing something solo started. So for every song I learned or every song I composed I always had the solo project in the back of my mind and I’ve been working on it on and off since then actually so it’s actually 17 years now that I think about it. 

‘Tronsgårdhallingen’ – Roots in traditional music

You’ve now completed the project and the first song you released was “Tronsgårdhallingen”. Why did you choose this particular song to introduce your project? Do you have a special connection to it?
It’s a song I’ve heard for many years and it always makes people move. Either stomping their feet, dancing or in some way moving to the song, but I’ve never heard it in a dark arrangement, so I wanted to make that. That’s what I do with all my songs. I chose to start with this because it’s a well known traditional tune from Norway and I wanted to start my project with first showing my roots and honor the tradition by making my own version of this before releasing my own compositions.

The Midgardsblót-Festival is quite a special festival (at least from my perspective). Is it special for you as well? You have played there with WARDRUNA and KALANDRA, too, haven’t you?
Midgardsblót is my favourite Norwegian festival, it has such a good vibe. I have played there many times. I played there the first year with BERGTATT and again another year, and I’ve also played there with WARDRUNA and KALANDRA. This is also where I met Einar [Selvik, founder of Wardruna] for the first time, and I’ve also seen WARDRUNA play there before I joined the band. 

A world of sound and images, and an enthusiastic audience

What does it mean to you to present your solo project there in particular?
I chose to release my solo project at Midgardsblót because it was the perfect spot for me to do it. I knew there were going to be a lot of people who were interested in this kind of music there, and I’m so happy about the response. There were people standing in line for over an hour waiting to get in. People were dancing, stomping their feet and clapping along to the songs so that was an amazing feeling! It went as well as I had hoped for! I got so many positive comments afterwards!

What was it like to stand on stage alone? You play additional instruments on “Tronsgårdhallingen”. How did you handle that during the show? Did you use backing tracks? What was the biggest challenge for you in that moment?
Standing alone on stage is something completely different than being on stage with a band, because you have no one to lean on. When I played this show I used backing tracks, so the only thing that was live was my nyckelharpa. I had created backing tracks with hurdy-gurdy, moraharpa, tagelharpa, harmonium, synth, frame drums and percussion from sticks, stones, bones and horns. I also created a video that’s synched to the backing tracks playing on a screen behind me. Because I’m only one person on stage it was important for me to have video to make it more interesting for the audience. It’s mainly drone shots of nature that a friend of mine made for me, and it really worked! I saw a lot of people watching the video so that was great! 

You normally play in bands, so you have a direct comparison. From your experience, what is the biggest difference? Was there anything you hadn’t expected?
The biggest difference is that you have no one to lean on. No one is there with you if anything happens. You’re completely alone and you’re responsible for everything. 

How did you perceive the audience’s reaction? What pleased or impressed you the most?
I was so happy when I saw people move to the music, and when people started clapping I felt I had reached them. 

As you said, there was a video in the background. What role does it play? What is being shown, and which aspect of the music is it intended to emphasise?
Yes, there’s a video for every song synched to my backing track. It’s mainly drone shots of nature, but there are also some snippets of upcoming music videos. Some of them are only nature, and some of them tell a story. I will reveal more of that later as more singles are being released. 

A few secrets

Is there anything you would fundamentally do differently in future shows?
I have a few secrets around this I’ll reveal later.

Secrets – I’m curious to see what they are. You have worked on the project for quite a long time. How has it developed over the years? How close is what you have presented now to the original idea? Yes, I’ve been working on it for a very long time and it’s 100% as the original idea. This project has been ready for many years, just laying in a drawer waiting for the right time to be released. 

What was the decisive factor in making you take the project to an audience now, at this particular point in time? Did your success with WARDRUNA and GÅTE play a role in this?
Now was the perfect time as a lot of people now know me from these bands, so it’s much easier to get some attention around my music now compared to 15 years ago. 

Unfortunately, I only know one of the songs so far. What are the other songs you performed and that will be on the album about?
All songs are instrumental. I’ll first release some traditional songs to show my roots and where I come from, and then I’ll start releasing my own music. As I’ve been composing music in some way on different instruments since I was 14 years old, I have a lot of music to choose from. 

These traditional songs were passed down over a long period of time simply by being played, and each musician changed them a little. What have you changed? What is your contribution, your interpretation? Perhaps you could describe a little here what defines the songs, which instruments you have used, and how you create their distinctive sound.
Most of these songs have 2-3 themes. I have made a few themes myself to add to the songs and I have made a dark arrangement around the melodies. This arrangement consists mainly of old nordic instruments, but I’ve also added a deep dark synth. It’s mainly a dark drone throughout the songs consisting of Hurdy-gurdy, harmonium and synth. The pulse is a frame drum and the backbeat is a mix of moraharpa, tagelharpa and nyckelharpa. The percussion is a wooden shaker, sticks, stones, bones and horns. All of these instruments and sounds create a dark atmosphere around the nyckelharpa. 

A sombre atmosphere – that’s how I’d like to listen to this music

“Tronsgårdhallingen” was and is traditionally played on the fiddle in folk music. When adapted for the nyckelharpa, the sound and the overall impression change. The music sounds darker and more sombre. One of your aims is also to convey a dark atmosphere. Why do you feel this suits the song better? Why does a darker atmosphere feel more appropriate to you?
I listen to dark music, I always have, so it felt very natural to me to create dark music. I also have never heard these songs this way before. This is the way I want to hear these songs myself, so I wanted to create the version of these songs that I like best. 

How do you manage to preserve the tradition while also remaining authentic? Authentic in the sense that it is your music. Or, put another way: are songs that have been passed down through many generations timeless precisely because their basic structure remains intact, while each generation “colours” them in a way that reflects its own spirit of the age?
I think everyone who plays and uses these songs are tradition keepers. They all help keep these songs and the tradition alive. I hope to bring this music out of Norway and let the people of Europe discover these songs and this tradition. 

A look ahead to the 2027 tour

You will be going on tour. Which countries/cities will you be performing in?
I plan to go on tour in 2027 and I’ll reveal the countries and cities later. 

(english version below)

John Stenersen, den viele von euch wahrscheinlich als Moraharpa-Spieler bei WARDRUNA kennen, stellt am 5.August 2026 mit „Tronsgårdhallingen“ sein Soloprojekt vor. Die offizielle Live-Premiere und Release-Show folgt am 13. August beim Midgardsblot Festival im norwegischen Borre.

Die meisten kennen John Stenersen durch seine Arbeit mit WARDRUNA. Seine musikalische Arbeit reicht jedoch weit darüber hinaus. Er stand auch mit GÅTE auf der Bühne, als die Band Norwegen beim Eurovision Song Contest vertrat, und war die treibende Kraft hinter BERGTATT, einem Projekt, das Folk mit rockigen Einflüssen verbindet. Im Laufe der Jahre arbeitete Stenersen mit Künstlern unterschiedlichster musikalischer Ausrichtungen zusammen – unter anderem mit KALANDRA – und komponierte zudem Musik für Filme und Videospiele.

Zuletzt habe ich das Debütalbum „I“ von THE THIRD CIRCLE vorgestellt, das ebenfalls die Verbindung von nordischer Folk-Tradition und modernen Klangwelten sucht. Ähnlich wie dort bilden Instrumente wie Nyckelharpa, Moraharpa, Tagelharpa und Drehleier die Grundlage eines Sounds, der gleichermaßen organisch, atmosphärisch und episch wirkt.

Tradition modern interpretiert

Jetzt gibt es also mit „Tronsgårdhallingen“ das erste Stück seines Solprojektes.

John sagt dazu:

Das ist eines meiner absoluten Lieblingsstücke! Es handelt sich um einen alten Halling, der in den nebelverhangenen Bergen des Rondane-Massivs im Herzen Norwegens entstanden ist. Ich habe keinerlei Hinweise darauf gefunden, dass diese Melodie jemals zuvor auf der Nyckelharpa aufgenommen wurde. Deshalb bin ich überzeugt, dass diese Veröffentlichung eine Weltpremiere ist.

Das Stück ist eine der bekanntesten Melodien zu dem traditionellen Halling. Der Halling ist ein Tanz mit verschiedenen festgelegten Schrittfolgen, in die die Tänzer teilweise athletische Einlagen einfügen.
Die Ursprünge des Stücks „Tronsgårdhallingen“ geht auf Thorvald Tronsgård zurück, einem bekannten und angesehenen Fidelspieler aus Folldal. Folldal liegt in der Nähe des o.g. Rondane-Massivs. Tronsgårds Musik prägte seine Heimatregion fast ein Jahrhundert lang, und „Tronsgårdhallingen“ gilt als die berühmteste Melodie, die er hinterlassen hat.

Wie viele Melodien der nordischen Volksmusik wurde auch dieses Stück über Jahrhunderte durch das wiederholte Spielen von Generation zu Generation weitergegeben und bewahrt. Der Musiker, der die Melodie spielte, prägte sie durch seine eigene Interpretation und Kreativität.
Diese Tradition greift John Stenersen mit seiner Interpretation auf. Sein Anliegen ist es, den ursprünglichen Charakter der Melodie zu erhalten und ihr dennoch seine Klangfarbe zu geben.
Neben Rahmentrommeln kommen dabei auch Stöcke, Steine und sogar Knochen zum Einsatz. Man kann sich vorstellen, dass so ein Klangbild entsteht, das archaisch, organisch und zugleich episch wirkt. Damit knüpft er an ursprüngliche Formen von Rhythmus, Melodie und Geschichtenerzählen an. Man kann sich gut vorstellen, dass sie dabei zu organischen Klängen verschmelzen.

Die Idee hinter dem Projekt

Das Ziel ist es, diese alten nordischen Folk-Songs auf die moderne Tanzfläche zu bringen, ein alternatives Crossover-Publikum anzusprechen und den ganzen Raum in Bewegung zu versetzen

„Tronsgårdhallingen“ soll der Auftakt zu einem Projekt sein, dass traditionelle nordische Volksmusik mit modernen Arrangements verbindet und sie einem neuen Publikum zugänglich machen möchte.
Nach der Show auf dem Midgardsblot-Festival wird John Stenersen weitere Songs veröffentlichen und im Frühjahr und Sommer 2027 auf Europa-Tournee gehen.

John Stenersen Launches Solo Project with Debut Single „Tronsgårdhallingen“

Many of you will probably know John Stenersen as the Moraharpa player of WARDRUNA.
On August 5, 2026, he will unveil his solo project with the release of „Tronsgårdhallingen“. The official premiere and release show will take place on August 13, 2026, at the Midgardsblot Festival in Borre, Norway.

While many fans know John Stenersen through WARDRUNA, his musical journey extends far beyond the band. He also performed with GÅTE during the group’s appearance as Norway’s representative at the Eurovision Song Contest and was the driving force behind BERGTATT, a project that fused traditional folk with a rock-based sound. Throughout his career, John Stenersen has collaborated with artists from a wide range of musical backgrounds, including KALANDRA, while also composing music for films and video games.

Most recently, I featured the album „I“ by THE THIRD CIRCLE, whose unique approach combines folk traditions with modern elements. Their use of ancient Nordic instruments—such as the nyckelharpa, moraharpa, tagelharpa, and hurdy-gurdy—creates a sound that is at once organic, experimental, and epic.

Contemporary Music Reinterpreting Traditional Elements

Now, with „Tronsgårdhallingen,“ John presents the first release from his solo project.

John says:

This is one of my absolute favourite tunes! It’s an old halling that originated in the mist-covered mountains of the Rondane massif in the heart of Norway. I haven’t found any evidence that this melody has ever been recorded on the nyckelharpa before. That’s why I’m convinced this release is a world premiere.

The tune is one of the best-known melodies associated with the traditional halling, a Norwegian folk dance featuring a series of established steps, often enhanced with impressive athletic movements performed by the dancers.
The origins of „Tronsgårdhallingen“ can be traced back to Thorvald Tronsgård, a well-known and highly respected fiddler from Folldal, a village located near the Rondane massif. For nearly a century, Tronsgård’s music shaped the musical traditions of his home region, and „Tronsgårdhallingen“ is regarded as the most famous melody he left behind.

Like much traditional folk music, halling tunes were originally passed down orally through repeated performance, preserving them from one generation to the next. Each musician who played the melody contributed their own interpretation and creativity, allowing the music to evolve while maintaining its core identity.
John Stenersen embraces this tradition with his own interpretation. His goal is to preserve the original character of the melody while giving it his own distinctive sonic identity.
To achieve this, he combines traditional instruments—including the nyckelharpa, tagelharpa, hurdy-gurdy and harmonium—with synthesizers, jaw harp and an extensive range of percussion. Alongside frame drums, he also incorporates sticks, stones and even bones, reconnecting with some of humanity’s oldest forms of rhythm and storytelling. The result is a sound that feels earthy, immersive and cinematic in equal measure.

The Philosophy Behind the Project

John Stenersen describes the philosophy behind the project as follows:

The goal is to bring these ancient Nordic folk songs onto the modern dance floor, reach an alternative crossover audience, and get the whole room moving.

„Tronsgårdhallingen“ marks the beginning of a project that aims to combine traditional Nordic folk music with contemporary arrangements, introducing these timeless melodies to a new audience.

Following the release show at the Midgardsblot Festival, he plans to release additional songs before embarking on a European tour in the spring and summer of 2027.

In 2024 gab es nicht nur tolle, großartige, interessante abwechslungsreiche Alben (über die Qual der Wahl und die Alben die ich letztlich ausgewählt habe), sondern auch sonst noch Neues und Neuigkeiten, viele erlebnisreiche Ereignisse und interessante Gespräche.

Die Konzerte

KALANDRA und LiLi Refrain in Köln: ein Konzert, das noch lange nachgeklungen hat

KALANDRA haben im September das Album „A Frame of Mind“ herausgebracht (review) und sind im Herbst auf eine Tour mit 30 Shows gegangen. Der Tourauftakt war in Köln. Dort haben sie mit 15 Songs ein langes Set gespielt, das nie an Spannung nachließ. KALANDRAs Musik ist Rock auf orchestraler Basis, der von nordischem Folk durchzogen ist. Die Texte handeln von aktuellen, aber auch grundsätzlichen Themen. So geht es z.B. um Überlegungen zum Zustand der Welt („The State of the World“) oder wie wichtig es ist, jemanden zu haben, mit dem man reden und etwas teilen kann („Ensom“).Mich hat sehr gefreut, dass sie auch „Bardaginn“ meinen Lieblingssong vom neuen Album gespielt haben. Es ist ein Nordic-Folk-Song, der unglaublich dicht, kraftvoll und dynamisch ist. Voll mit tollen Leads, großartigem Drumming und schweren Riffs.

Den Anfang machte an diesem Abend LiLi Refrain, eine Künstlerin, deren psychedelisch-rockige Folk-Metal-Musik ich sehr schätze. Sie verwendet auch bei ihren Bühnen-Shows ausschließlich Real-Time-Loops, ohne vorher aufgenommene Passagen. So entstehen die Songs in den Shows immer wieder neu. Mit Klängen, die ineinander übergehen und nach und nach poetische, unheimliche und komplexe Strukturen entstehen lassen. Und diese Strukturen durchdringt LiLis sirenenhafter, lyrischer Gesang.

MÚR: kraftvoll bis verspielt – und immer voller Enthusiasmus

Im November waren MÚR in Köln (als Support für WHEEL). MÚR sind eine isländische Band, die die isländische Wacken Metal Battle (2022) gewonnen haben und gerade erste ihr Debüt-Album „Múr“ herausgebracht hatten. (review)
Die Bühne war in rotes Licht getaucht, wabernde Klänge eröffneten den Song „Heimsslit“ und füllten schnell den ganzen Raum. Es entstand ein Eindruck von Leere, die gleichzeitig eine Sogwirkung hat. Dumpfe Bassklänge, doomiges Riffing und infernalische Vocals schaffen eine dystopische Atmosphäre.  Die donnernden Drums bauen zusammen mit harten Riffs eine Soundwand auf, die immer konkreter und massiver wird. Bis wieder wundschöne sphärische Klänge überwiegen, die dann aber in ein trostloses und dennoch gewaltiges Finale münden. Ich fand es mutig, dass sie ihr Set mit einem 10-minütigen Song begonnen haben. Doch der begeisterte Applaus zeigte, dass sie das Publikum von Anfang an mitnehmen konnten. Auch der Rest des Sets war eine großartige Wanderung zwischen roher Energie und verspielten Klängen, hämmernden djentigen Strukturen und abgefahrenen Rhythmen.

Interviews

Das waren einige spannende, lange, anregende und informative Gespräche mit engagierten,interessanten und angenehmen Gesprächspartnern.

Kimmo Kuusniemi: über Nachhaltigkeit, Überraschungen und persönlichem Ausdruck statt Perfektion

Das Jahr begann mit dem Interview mit Kimmo Kuusniemi, den einige von euch wahrscheinlich durch seine Band SACROFAGUS kennen. Anlass für das Interview war sein Projekt ANCIENT STREAMING ASSEMBLY, einem Cross-Arts Projekt, das er zusammen mit Tuomas Rounakari (KORPIKLAANI, Shamanviolin) auf den Weg gebracht hat. Es ist ein intermediales Projekt, das sich im weiten Sinne mit Umweltschutz beschäftigt. Wir haben uns lange unterhalten: über das Verhältnis des Menschen zur Umwelt und dem sich daraus ergebenden Umgang mit ihr, den Möglichkeiten von Film und Musik als Medium von Dokumentation, Information, Anregung und Herausforderung zum Nachdenken. Es ging auch um Dystopien, digitale Möglichkeiten und um die Möglichkeiten des Einzelnen, Einfluss zu nehmen, sowie die Untätigkeit von Verantwortlichen, die Veränderungen in der Umwelt anzuhalten.  
Und auch um Musiker wie Tuomas Rounakari, Steve di Georgio und Esa Kotilainen, die in der einen oder anderen Weise an ASA beteiligt sind.

Kimmo hat davon erzählt, dass er bereits in den 1980er Jahren Filme zum Umweltthema gemacht hat. Z.B. 1991 mit „Dream On“ ein Musikvideo als Warnung vor einer Umweltkrise, die heute Realität geworden ist. Aber die Menschheit hat nicht schnell gehandelt, sondern ist eher untätig geblieben. Er ist der Ansicht, dass wir am Rande des ökologischen Zusammenbruchs stehen, dass ständiges Wachstum nicht möglich ist und wir (zumindest in unseren Umgebungen) genug haben.

Wir sollten lernen, mit dem zufrieden zu sein, was wir haben. … Ich glaube, dass wir unsere auf Wachstum basierende Wirtschaft in eine nachhaltige umwandeln können, wenn wir alle wollen, dass sich etwas ändert.

Auch über Abwechslung, Überraschung und Perfektionismus gerade in der Musik haben wir gesprochen. Kimmo meint, dass Überraschungen wichtig sind, weil sich sonst nichts verändern kann.

Überraschungen und Abwechslungen sind wichtig, weil sich sonst nichts verändern kann. Für mich ist es langweilig, immer wieder die gleiche Musik zu machen, die gleichen Dinge zu tun. Wenn ich ein Solo spiele, ist es jedes Mal anders. Weil ich in diesem Moment nicht plane, was ich spiele, sondern einfach spiele. Zuletzt ist vieles in der Musik so technisch geworden und damit in gewisser Weise limitiert. Wenn die Fertigkeiten, das Perfekte im Vordergrund stehen und nicht der eigene Ausdruck.

Der Gedanke, dass Perfektion auch begrenzen kann, hat mir im Verlauf des Jahres auf unterschiedliche Situationen einen anderen Blick vermittelt.

ROCKET MEN: Musik, die nach Weltraum klingt

Das neue Album von ROCKET MEN „The Orbiter Sessions“, habe ich zum Anlass genommen, mich mit Philipp Püschel (Trompete) und Felix Dehmel (Schlagzeug) über das Album und den Entstehungsprozess, Storytelling, Weltraum, Veränderungen beim Publikum und über kommende Events zu unterhalten. (interview)
Nachdem geklärt war, dass sie sich nicht über Tinder, sondern durch die Musikschule kennengelernt hatten und wie sie zu ihrem Bandnamen gekommen sind, haben sie davon erzählt, dass zunächst die Musik da war und dann das Thema ‚Weltraum‘.

Aber es war nicht so, dass wir von Anfang an gesagt haben: wir wollen was mit Weltall machen. Sondern es war eher so: wir haben Musik geschrieben, die klang cool und irgendwie nach Weltraum.

Felix Dehmel

Die Musik, die wir schreiben und spielen, hat immer etwas von Weite und Ferne so dass es nach Weltraum klingt. Ich kann gar nicht beschreiben, welche Faktoren es sind, die das ausmachen, aber da wir viel Synthesizer und Keyboard in der Band haben, hat man viele Delays, viel Spielzeug, viel Space.

Philipp Püschel

Damit wird schon gut beschrieben, wie die Musik klingt. Aber auch die Geschichte, das Storytelling ist ihnen wichtig. Da sie ohne Lyrics auskommen, drücken sie dies durch den Titel und die Musik aus und lassen auf diese Weise intensive Bilder entstehen.
Für mich ist ‚der ROCKET MEN – Sound‘ die Ausgewogenheit zwischen Trompete, Saxophon, Schlagzeug und den Keyboards und Synthesizern sowie der Groove, die ‚Tanzbarkeit‘.
Oder wie Felix so passend sagt: „Aber ich glaube, bei uns spielt das authentische Element eine große Rolle und das Beat-Element. Man kann die Musik fühlen, als Groove, als Beat und man kann sich dazu bewegen.“
Also hört mal rein in das Album! Das Interview könnt ihr hier lesen.

Lindy-Fay Hella: Stimme, Sythesizer und dies Suche nach Unbekanntem

Ein Interview, auf das ich mich gefreut hatte, ist das mi tLindy-Fay Hella. Vielleicht kennt ihr sie als Sängerin bei WARDRUNA. Diesmal ging es aber um ihre andere Formation: Lindy-Fay Hella & Dei Farne und das Album „Islet“.(review)
Sie hat mir erzählt, welche Rolle DEPECHE MODE und insbesondere das Album „Black Celebration“ für sie gespielt hat und was sie an Synthesizern so fasziniert hat, dass sie sie selbst spielen wollte.
Wir haben uns auch darüber unterhalten, was Synthesizer und die Stimme als Ausdrucksmittel miteinander zu tun haben.

Lindy-Fay dazu: „Mit der Stimme kann man bewusst die Resonanz des eigenen Körpers nutzen, um den Klang zu manipulieren. Synthesizer waren jedoch auch eine Inspiration für mich beim Gesang. Bei bestimmten Synthesizern gibt es Filter, mit denen man den Klang selbst verändern kann, wie scharf oder gedämpft man ihn haben möchte, den Anschlag, das Sustain und das Release. All dies kann man auch mit der Stimme tun, außer mit den extrem tiefen und hohen Klängen.“

Denn der Kontrast zwischen den elektronischen Elementen und der ‚organischen Stimme‘ spielt auch auf „Islet“ eine wichtige Rolle. Damit kann die ständige Suche nach dem Unbekannten und die Neugier auf das, was die Natur, die Vergangenheit, Träume und das Universum zu bieten haben, auf eine spezielle Weise ausgedrückt werden.
Denn der Kontrast zwischen den elektronischen Elementen und der ‚organischen Stimme‘ spielt auch auf „Islet“ eine wichtige Rolle. Damit kann die ständige Suche nach dem Unbekannten und die Neugier auf das, was die Natur, die Vergangenheit, Träume und das Universum zu bieten haben, auf eine spezielle Weise ausgedrückt werden.

Daher brauchte sie für die Songs auf „Islet“ auch nicht viele Worte. Worte, Geschichten und Märchen spielen eine wichtige Rolle für sie und daher verwendet sie viel Zeit darauf, die für sie ‚richtigen Worte‘ zu finden. „Ich mag es, einfache und wenige Worte zu finden, da ich das Gefühl habe, dass dann verschiedene Geschichten aus diesen Worten entstehen können, je nachdem, was der Zuhörer daraus macht. Diese Worte müssen jedoch genau richtig sein. Ich mache normalerweise lange Spaziergänge, beobachte Dinge, lasse mich aber auch von Begegnungen mit Menschen inspirieren und so weiter. Und natürlich das Unbekannte, das Geheimnis des Universums. Die Eindrücke von einer Reise zum Beispiel. Es kann Monate dauern, bis die Geschichten in meinem Kopf Gestalt annehmen“ sagt Lindy-Fay. Und ich finde, dass man dies in den Liedern hört. Das ganze Interview gibt es hier.

Christine Kammerer: Nordische Mythologie und schottischer Whisky

Das Interview, das mir unglaublich viel Spaß gemacht hat, habe ich mit Christine Kammerer geführt. Wir haben nicht nur über ihr Album „Echoes of North“ gesprochen, sondern auch über die Veranstaltung „Whisky and Witches“. Denn Christine ist nicht nur Musikerin, sondern auch Whisky-Liebhaberin und Kennerin. (vollständige Interviews hier und dort)
Zusammen mit Jane Ross hat sie „Whisky and Witches“ ins Leben gerufen. Dabei handelt es sich um eine Whiskyverkostung, die Whisky mit seiner Geschichte und seinen Geschichten sowie der Rolle der Frauen bei der Whiskyherstellung, Liedern über die Region, aus der er stammt, und Liedern, die den Whisky selbst beschreiben, zusammenbringt.

Und was haben Hexen mit Whisky zu tun? Im 13. Und 14. Jahrhundert war die Herstellung von Whisky und Aquavitae Frauensache. Es gibt einen Zusammenhang zwischen den Hexenprozessen und dem Besitz und der Herstellung von Alkohol. Frauen, die Alkohol herstellten, wurden in dieser Zeit der Hexerei bezichtigt. Und „Hexe“ wurde zu einem Schimpfwort für Frauen, die eine tiefe Verbundenheit zur Natur hatten, die sich mit Naturheilmitteln und Heilkräutern auskannten und beispielsweise wussten, wie man daraus verschiedene Arten von Aquavitae, Lebenswasser, destilliert. Und hier spannt Christine – wie sie es musikalisch auch auf ihrem Album „Echoes of North“ macht – den Bogen zur nordischen Mythologie: „In der nordischen Mythologie gibt es die Völva. Sie war eine wichtige Figur in der gesamten Gesellschaft. Und sie wurde für ihre Ratschläge hochgeschätzt. Sie konnte vorhersagen, wie die Ernte ausfallen würde, wie die Winter verlaufen würden, was wir tun mussten, um die Gesellschaft für den Winter zu sichern, und warum Dinge schief liefen.“
Aus dieser Achtung wurde später die Dämonisierung dieser Fähigkeiten. Wenn ihr mehr darüber wissen wollt oder auch, welches der Lieblingswhisky von Christine Kammerer ist, lest das Interview.

Das waren die Konzerte und Interviews, die mir viele neue Impulse gegeben haben. Ich wünsche euch viel Spaß, wenn ihr das eine oder andere Interview lest und ansonsten viele neue Impulse im Jahr 2025!

Am 11. September 2024 spielten KALANDRA im gut gefüllten Luxor (Köln). Es war der Start für ihre Herbst-Tour, die sie mit mehr als 30 Shows durch 15 Länder Europas bringen wird. Da zwei Tage später Start für das neue Album „A Frame of Mind“ war, war dieser Abend schon so etwas wie eine Release-Show.
Als Support ist die italienische Experimentalkünstlerin Lili Refrain dabei.

So wurde ein Bogen über zwei verschiedene musikalische Ansätze gespannt, denen die Schaffung von Klanglandschaften und das Geschichtenerzählen gemeinsam ist.
Und beiden ist es von Anfang an gelungen, das Publikum zu erstaunen und zu begeistern, mit in diese Geschichten und Landschaften zu nehmen.

Um es direkt zu sagen: es war ein toller Abend mit Klängen, Rhythmen, Themen und Ideen, die noch weit über den Abend hinaus wirken.

LILI REFRAIN

Lili Refrain verwendet auch bei ihren Live-Auftritten ausschließlich Real-Time-Loops. Es gbit keine vorher aufgenommenen Passagen.
Sie begann „Ichor“ mit zartem Geklingel des Schellenkranzes. Dann eine Glocke. Beide Schleifen laufen eine Weile, bis energisch und intensiv zunächst die Schläge auf der Stand-Tom hinzu kommen und dann Gitarrenriffs. So fügt sie Schicht auf Schicht und durchdringt das Ganze mit ihrem sirenenhaften, lyrischen Gesang.
Im Publikum stellt sich schon bald eine gespannte Aufmerksamkeit ein, da man nicht genau weiß, was als nächstes folgt.

Poetisch, unheimlich, komplex und schön

Uns so entstehen Stücke mit Klängen, die sich überschneiden, ineinander übergehen. Psychedelisches verbindet sich mit Rock, Folk, Metal und opernhaftem Gesang zu einem atmosphärischen, rituellen Ganzen.

Lili Refrain freut sich, wieder einmal in Köln zu spielen und dabei einige bekannte Gesichter zu sehen. Und auch darüber, dass sie ihr Ritual mit dem Publikum teilen kann.
Mit „Earthling“ endet ihr Set psychedelisch und nachdenklich ruhig.

Es war großartig mitzuerleben, wie Lili Refrain poetische, unheimliche und komplexe Strukturen voller Kraft geschaffen hat. Das Publikum hat dies mit viel Applaus bedacht.

Die intensive Stimmung wurde dann leider durch die eingespielte Musik recht abrupt beendet.

KALANDRA

KALANDRA spielten mit 15 Songs ein langes Set. Wie ich eingangs schon erwähnt habe, kam zwei Tage nach der Show das neue Album „A Frame of Mind“ heraus. Und KALANDRA spielten nicht nur Songs vom neuen Album, die bereits vorab erschienen sind, sondern weitere Lieder vom neuen Album.

Der erste Song nach dem Intro ist „I am“, der auch der Opener des Albums ist. Der Song hat viel von dem, was ich den Kern von KALANDRAs Musik nennen würde: Rock, durchzogen von nordischem Folk und orchestralen Strukturen. Der Song kam beim Publikum gut an und wurde mit viel Applaus bedacht.
Nach „The Waiting Game“ folgt ein weiter neuer Song: „The State of the World“ ist – wie Sängerin Katrine Stenbekk sagt: „A song about peace“. Ihre Überlegungen zum Zustand der Welt übermitteln sie mit einer wunderschönen Melodie, die von einigen im Publikum fast andächtig mitgesungen wird.
Hier ist mir wieder aufgefallen, wie Katrine mit ihren Händen und Fingern Melodie und Rhythmus aufnimmt und ihnen dadurch weitere Gestalt gibt. In diesen Momenten scheint sie ganz intensiv mit dem Song verbunden zu sein. Und im nächsten Moment ist sie wieder nah und aufmerksam beim Publikum.
Bei „Slow Motion“ geben KALANDRA dem Song viel Raum, sich zu entfalten und „Naive“ ist großartig mit seinem ruhigen Beginn und dem rockigen zweiten Teil.

Der Nachhall der Realität – es wagen, Frieden zu finden

Mit „Segla“ folgt wieder eines der neuen Lieder. Die Melancholie und Dramatik des Liedes geht direkt auf das Publikum über, das ruhig und aufmerksam zuhört und am Ende begeistert applaudiert.
Wie „Segla“ wird auch der folgende  Song „Virkelighetens Etterklang“ auf Neu-Norwegisch gesungen und mit Folkelementen durchzogen. Die akustische Gitarre (gespielt von Florian Winter) und der zarte Gesang fließen zu einem melancholischen Lied zusammen.
Und dann zeigt sich, dass das Widderhorn nicht nur zur Dekoration am Mikrofonständer hing. Während Katrine Stenbekk die Bühne verlässt, um ihrer Stimme nach der Hälfte des Sets ein wenig Ruhe zu gönnen, spielt Jogeir Daae Mæland das „Bukkehorn“.
„Ensom“ (einsam) oder wie wichtig ist, jemanden zu haben, mit dem man reden, etwas teilen kann hat, hat einen mächtigen Sound insbesondere beim Schlagzeug.
Der Song ist eines der Beispiele dafür, sie KALANDRA die instrumentalen Abschnitte und die Übergänge zum Gesang gestalten. Außerdem zeigt sich hier wieder, dass das Schlagzeug (Oskar Johnsen Rydh) den Songs nicht nur Struktur gibt, sondern sie auch dynamisch und klanglich mitgestaltet.

„It’s a little bit creepy“

Mit einem augenzwinkernden „It’s a little bit creepy“ kündigt Katrine „Are you ready“ an. Aus der enthusiastisch zustimmenden Reaktion des Publikums entnehme ich, dass etliche den Song und das Video zum Song bereits kennen. Denn auf das Video trifft die Beschreibung „a little bit creepy“ durchaus zu. Der Song selbst ist rockig, atmosphärisch angelegt und hat am Ende wieder einen großartigen Schlagzeugpart.
Ganz dem ruhigen und dabei sehr intensiven „It Gets Easier“ folgt das Cover des WARDRUNA-Songs „Helvegen“, durch das KALANDRA weitere Bekanntheit erreicht haben. Ich höre das Cover, mit dem sie diesem an sich schon wunderbaren Song eigene Facetten hinzugefügt haben, immer wieder gerne – vor allem live. Und nach der Reaktion der anderen Zuhörer zu urteilen, geht es diesen ähnlich.
„Brave New World“ hat wieder diesen wunderschön melancholischen Einstieg, baut sich aber durch das intensiver werdende Drumming immer weiter auf – bis er plötzlich zuende ist. Das abrupte Ende hat mich auch diesmal wieder überrascht.
Und dann folgte der letzte Song des Abends. „Bardaginn“ ist mein Lieblingssong vom neuen Album. Und daher habe ich mich sehr gefreut, dass KALANDRA ihn mit in ihr Set genommen haben. Ich finde, dass er durch die alt-nordischen Lyrics einen besonderen Klang hat.

Mit diesem kraftvollen Lied beenden sie den Abend und ein Set, einen umfassenden Einblick in die Musik, Bilder und Gedanken von KALANDRA gegeben hat.

Lili Refrain und KALANDRA haben uns einen großartigen Abend beschert

Dieser Abend war ein intensives Erlebnis, das noch lange nachhallen wird.

Zunächst die Performance von Lili Refrain, die mit minimalistischen Sequenzen und der Modulation ihrer Stimme mantraartige, zirkuläre Strukturen entwickelt, die einen unweigerlich in die Musik hineinziehen.

Und dann KALANDRA , die ein Set gespielt haben, das von Anfang bis zum Ende spannend und stimmig aufgebaut ist. So viele tolle Songs an einem Abend, die sie unglaublich dynamisch und intensiv rübergebracht haben.

Also lasst euch das nicht entgehen!

Folgende Möglichkeiten habt ihr noch

24.09.24 │ Wiesbaden (Kesselhaus)
25.09.23 │ München (Backstage)
12.10.24 │ Berlin (Hole)
13.10.24 │ Hamburg (Bahnhof St. Pauli)

(weitere Termine findet ihr HIER)

(Englisch version below)

Von KALANDRA werden einige von euch bereits gehört haben. Entweder, weil sie die Band als Support für WARDRUNA oder LEPROUS gesehen haben, weil sie den Soundtrack zum Videospiel „Kingdom Two Crowns: Norse Land“ kennen oder das Cover vom WARDRUNA-Song „Helvegen“.
Außerdem haben KALANDRA auf vielen Festivals gespielt. In diesem Jahr zuletzt auf dem MIDGARDSBLOT in Borre, Norwegen.

KALANDRA gibt es bereits seit 2012. Doch erst 2020 erschien das Album „The Line“ und 2022 dann „Kingdom Two Crowns“. Am 13.September 2024 werden sie via ByNorse Music das Album „A Frame of Mind“ veröffentlichen.

Die Musik von KALANDRA ist alternativ und progressiv, rockig, mit Wurzeln im nordischen Folk und der Tradition des Geschichtenerzählens. Mit oft sanfter und gleichzeitig eindringlicher Musik erzeugen sie Stimmungen, in denen jeder seine eigenen Geschichten entwerfen oder erinnern kann.Diese Stimmungen haben oft etwas Träumerisches, Mystisch-Spirituelles voller Neugier. Gleichzeitig sind sie kraftvoll, intensiv und lassen dennoch Gelassenheit spürbar werden.Dazu trägt insbesondere die facettenreiche, präsente Stimme von Katrine Stenbekk bei. Grundsätzlich leicht und verletzlich kommen immer wieder Tiefe und Klarheit zum Vorschein.Der Gesang verbindet sich mit den Gitarren (Jogeir Daae Mæland, Florian Döderlein Winter) und dem Drumming (Oskar Johnsen Rydh) zu Klanglandschaften, die sie immer wieder orchestral-weit öffnen und mit rockigen Strukturen durchziehen.

Sie spielen hier mit Genregrenzen, ohne eklektisch zu werden und sorgen für viele Überraschungen. Man weiß nicht, was im nächsten Song oder mit der nächsten Strophe folgt.
Mir gefällt diese Gratwanderung zwischen Leichtigkeit und Komplexität, weil dadurch eine Spannung entsteht, die sich nicht nur über jeden einzelnen Song, sondern letztlich über das gesamte Album erstreckt.
Verstärkt wird diese Spannung durch die Texte, die persönlich wirken aber Fragen enthalten, denen jeder Mensch irgendwann begegnet. KALANDRA stellen diese Fragen und bieten die Antworten an, die sie bisher gefunden haben.

„For all the things that I am“

Das Album beginnt mit „I am“, einem Song, in dem die Musik einen Bogen von Folk bis hin zu orchestral klingenden Passagen spannt und damit einen Ausblick darauf gibt, was auf diesem Album alles passieren wird. Die Gitarren beginnen und begleiten dann den hellen Gesang. Rockige Elemente folgen und eingängige Melodien und komplexe Passagen gehen fließend ineinander über. Bei „I am“ geht es um Kummer und Schmerz, die einen überall hin verfolgen, und um Fehler, die sich wiederholen. Und die Musik drückt die unterschiedlichen Emotionen aus, die diese Situationen begleiten können.

„Untie The Knot“ hat ebenfalls eine fesselnde Melodie und ist zurückhaltend arrangiert. Der Gesang entwickelt sich von zart zu entschlossen, wodurch der Text seine Wirkung entfalten kann.

I always thought that I had to endure
Carry the weight of it all
Parts of myself had to be ignored
Or I’d be unlovable

„Are You Ready?“ gefällt mir wegen der rockigen und intensiven Atmosphäre. Und weil das Schlagzeug sowohl strukturierende als auch gestalterische Funktion hat. Es ist ein interessanter Song, da er ein wenig chaotisch endet. Oder ich schätze es so ein, weil ich das Video dazu im Kopf habe, das skurril wirkt.

„Hope is a fire that burns in us all – Or am I reminiscing about lost innocence?“

„The State of The World“ ist musikalisch ein wunderschöne arrangiertes Lied, mit einer feinen Melodie.
Da der Zustand unserer Welt aus meiner Sicht alles andere als schön ist, empfinde ich die hoffnungsvolle Grundstimmung und sein Plädoyer für Frieden zusammen mit der lieblichen Melodie, insbesondere in den Momenten, in denen der Gesang von den Streichern begleitet wird, etwas zu pathetisch in ihrer Unschuld.  
Aber die Frage, die sie am Schluss stellen, relativiert dies: Gab es je eine Zeit, in der alles einen Sinn ergab? Oder schwelge ich in Erinnerungen an verlorene Unschuld?

„Bardaginn“ – dieser Nordic-Folk-Song mit altnordischen Lyrics ist mein Lieblingssong dieses Albums. Er ist unglaublich dicht, kraftvoll und dynamisch, mit tollen Leads. Auch hier gefällt mir das Schlagzeug wieder sehr gut.
Die – im Vergleich zu den anderen Songs dieses Albums –  schweren Riffs werden durch den Einsatz von Streichern und Bläsern verstärkt. Das Arrangement unterstreicht den Text über innere Stärke und die Kraft Hindernisse zu überwinden – ob es nun innere oder äußere Hindernisse sind.

Die in „A Life Worth Living“ gestellte Frage, was das Leben lebenswert macht, wird durch eine eingängige Melodie und ein breit, orchestral angelegtes Arrangement begleitet. Hier gefällt mir die rhythmische Gestaltung und der Einsatz der Streicher sehr gut.

Im nächsten Song „I’ll Get There One Day“ bilden Klavier, Drums und Streicher eine schwerelose Grundlage für einen Song, in dem es um die Form von Unruhe geht, die zu persönlichem Wachstum führen kann. Für die Streicher haben sie eine Ton-Skala genutzt, die hier sehnsuchtsvoll klingt und in eine Klaviermelodie übergeht, die leicht und bestimmt zu dem Schluss überleitet, dass das Ziel irgendwann erreicht wird.

Sommerliches Ambiente. Und mit dem Sturm leben – so, wie er ist

„Hytta“ ist ein Sommer-Ambient-Stück. Ich habe mich direkt an eine sonnendurchflutete Terrasse vor einer Hütte versetzt gefühlt. Jemand spielt auf dem Klavier, während die anderen draußen sind, sich unterhalten, spielen, ins Wasser springen, leise eine Melodie vor sich hinsingen. Das Sommerhaus als Ort der Erholung und ein Stück skandinavischen Lebensgefühls.

„Segla“ bildet dazu einen Kontrast. Nachdenklich, dramatisch im Mittelteil. Melancholisch in der Überlegung, dass manche Situationen Grenze und Chance zugleich sind.

„I Remember A Time“ beschließt dieses Album mit einer akustischen Ballade über das Bedürfnis nach Gemeinschaft, Liebe, Vergebung. Aber auch darüber, dass Hoffnung auch Angst machen kann. Der Gesang ist mehrstimmig angelegt und wird lediglich von den Gitarren begleitet. Sowohl musikalisch als auch inhaltlich ein passender Abschluss.

Ambient, moderne Folklore, Geschichten und Soundtrack

KALANDRA haben auch mit „A Frame of Mind“ Musik geschrieben, die progressiven Rock, Elemente von alternativem Pop und nordischem Folk verbindet. Oder besser gesagt: ineinander verwebt. Die Stimme von Katrine Stenbekk ist einerseits wie ein weiteres Instrument, ein weiterer Faden im Klanggewebe, andererseits tritt sie immer wieder deutlich hervor, wenn sie zunächst zart und verletzlich und im nächsten Moment kraftvoll und bestimmt klingt. Der Sound des Albums spannt den Bogen von ruhig und eingängig bis hin zu druckvoll und orchestral.
Zusammen mit den Texten ist die Musik schon so etwas wie ein Soundtrack zu wichtigen Lebensthemen.
Es ist eine Einladung, sich die Sicht von KALANDRA auf die Welt anzuschauen. Ein Angebot, es mit den eigenen Erfahrungen zu vergleichen.

„A Frame of Mind“ ist ein Album, das sich musikalisch mit einer Leichtigkeit durch verschiedene Genres bewegt, Komplexität und Zugänglichkeit ebenso miteinander verbindet wie Melancholie und Energie.

KALANDRA gehen auf Tournee durch mehrere europäische Länder. Der Start ist am 11. September 2024 in Köln (Luxor). Ich bin sehr gespannt darauf, wie sie die Songs für die Bühne arrangiert haben.

Mit dabei ist übrigens Lili Refrain, die mit avantgardistischem, psychedelischem Dark-Folk ein interessanter Support sein wird.

Als Vorgeschmack auf das Album „A Frame of Mind“ hier mein Lieblingssong „Bardaginn“.

KALANDRA sind:
Katrine Stenbekk (Vocals)
Jogeir Daae Mæland (Gitarre)
Florian Döderlein Winter (Gitarre)
Oskar Johnsen Rydh (Schlagzeug)

Tourtermine in Deutschland

11.09.24 │ Köln (Luxor)
24.09.24 │ Wiesbaden (Kesselhaus)
25.09.23 │ München (Backstage)
12.10.24 │ Berlin (Hole)
13.10.24 │ Hamburg (Bahnhof St. Pauli)

Alle Termine gibt es hier

Some of you may have already heard of KALANDRA. Perhaps because you’ve seen the band supporting WARDRUNA or LEPROUS, or because you’re familiar with their soundtrack for the video game „Kingdom Two Crowns: Norse Land“, or their cover of the WARDRUNA song „Helvegen“. Additionally, KALANDRA have performed at many festivals, most recently at MIDGARDSBLOT in Borre, Norway this year.

KALANDRA has been around since 2012, but it wasn’t until 2020 that they released their album „The Line“, followed by „Kingdom Two Crowns“ in 2022. On 13th September 2024, they will release their album „A Frame of Mind“ via ByNorse Music.

KALANDRA’s music is alternative and progressive, rocky, with roots in Nordic folk and the tradition of storytelling. With often gentle yet haunting music, they create moods where listener can craft or recall their own stories. These moods often have a dreamlike, mystical, spiritual quality full of curiosity. At the same time, they are powerful, intense, yet still manage to convey a sense of calm.

A significant contribution to this comes from Katrine Stenbekk’s multifaceted, powerful voice. While it usually feels light and vulnerable, depth and clarity consistently shine through. The vocals intertwine with the guitars (Jogeir Daae Mæland, Florian Döderlein Winter) and drumming (Oskar Johnsen Rydh) to create soundscapes that are often opened up to an orchestral breadth and infused with rocky structures. They play with genre boundaries without becoming eclectic, constantly offering surprises. You never quite know what will happen in the next song or verse.

I particularly enjoy this balancing act between lightness and complexity because it creates a tension that runs not only through each individual song but across the entire album.

This tension is heightened by the lyrics, which feel personal yet contain questions everyone will encounter at some point. KALANDRA ask these questions and offer the answers they have found so far.

“For all the things that I am”

The album begins with „I am“, a song in which the music spans from folk to orchestral-sounding passages, giving a glimpse of what is yet to come on the album. The guitars start off and then accompany the bright vocals. Rocky elements follow, and catchy melodies and complex passages flow seamlessly into one another. „I am“ is about grief and pain that follow you everywhere and mistakes that repeat themselves. The music expresses the range of emotions that can accompany these situations.

„Untie The Knot“ also has a captivating melody, and is arranged with restraint. The vocals grow from delicate to determined, allowing the lyrics to unfold their impact.

I always thought that I had to endure
Carry the weight of it all
Parts of myself had to be ignored
Or I’d be unlovable

I like „Are You Ready?“ for its rocky, intense atmosphere. Also, because the drumming serves both a structuring and creative function. It’s an interesting song, as it ends somewhat chaotically. Or at least, that’s how I perceive it, because I have the video in my mind, which feels quirky.

“Hope is a fire that burns in us all – Or am I reminiscing about lost innocence?”

„The State of The World“ is musically a beautifully arranged song with a delicate melody. Since the state of our world is anything but beautiful in my view, I find the hopeful undertone and its plea for peace, together with the sweet melody, especially in the moments when the vocals are accompanied by strings, a bit too sentimental in their innocence. But the question they ask at the end puts this into perspective: Was there ever a time when everything made sense? Or am I just reminiscing about lost innocence?

„Bardaginn“ – this Nordic folk song with Old Norse lyrics is my favourite track on this album. It’s incredibly dense, powerful, and dynamic, with fantastic leads. Once again, I particularly like the drumming here. The heavy riffs – compared to the other songs on this album – are reinforced by the use of strings and brass. The arrangement highlights the lyrics about inner strength and the power to overcome obstacles – whether they are internal or external.

The question posed in „A Life Worth Living“ about what makes life worth living is accompanied by a catchy melody and a broad, orchestral arrangement. I really like the rhythmic structure and the use of strings here.

In the next song, „I’ll Get There One Day“, piano, drums, and strings create a weightless foundation for a song about the kind of restlessness that can lead to personal growth. For the strings, they used a tonal scale that sounds full of yearning and transitions into a piano melody, which lightly and confidently leads to the conclusion that the goal will eventually be reached.

Summery atmosphere. And living with the storm – just as it is.

„Hytta“ is a summer ambient piece. I was immediately transported to a sun-drenched terrace in front of a cabin. Someone is playing the piano while the others are outside, chatting, playing, jumping into the water, humming a quiet melody. The summer house as a place of relaxation and a touch of Scandinavian lifestyle.

„Segla“ forms a contrast to this. Thoughtful, dramatic in the middle section. Melancholic in the reflection that some situations are both limits and opportunities at the same time.

„I Remember A Time“ closes the album with an acoustic ballad about the need for community, love, forgiveness. But also about how hope can be frightening. The vocals are harmonised and accompanied only by guitars. Both musically and thematically, a fitting conclusion.

Ambient, modern folklore, storytelling, soundtrack

With „A Frame of Mind“, KALANDRA have once again created music that blends progressive rock, elements of alternative pop, and Nordic folk. Or rather: interweaves them. Katrine Stenbekk’s voice is, on the one hand, like another instrument, another thread in the sonic fabric, while on the other, it stands out clearly, sounding delicate and vulnerable one moment, powerful and determined the next. The sound of the album ranges from calm and accessible to powerful and orchestral. Together with the lyrics, the music becomes something of a soundtrack to important life themes. It’s an invitation to look at the world through KALANDRA’s eyes. An offer to compare it with your own experiences.

„A Frame of Mind“ is an album that moves through various genres with ease, combining complexity and accessibility, as well as melancholy and energy.

KALANDRA are touring across several European countries. The tour kicks off on 11th September 2024 in Cologne (Luxor). I’m very curious to see how they’ve arranged the songs for the stage.

Lili Refrain, by the way, will be joining them, as an interesting support act with avant-garde, psychedelic dark-folk.

Tourdates can be found here

As a foretaste of the album „A Frame of Mind“, here’s my favourite song „Bardaginn“.

KALANDRA are:

Katrine Stenbekk (Vocals)
Jogeir Daae Mæland (Guitar)
Florian Döderlein Winter (Guitar)
Oskar Johnsen Rydh (Drums)

(english version below)

In der Ankündigung zu meiner Playlist habe ich bereits kurz erläutert, worum es mir mit der Playlist „(Ur) Nordic Sounds – in all kinds of Metalmusic and Folk“ / (Ur) Nordische Klänge – in Metal und Folk“ geht: um „nordische Klänge“ in verschiedenen Metal-Genres und Folk – Music.

Unabhängig davon, welche Musik ihr bevorzugt hört: ihr werdet bestimmt immer wieder ‚eure‘ Bands hier finden aber hoffentlich auch musikalische Entdeckungen machen.

Zur Playlist wird es jeweils ein paar Informationen geben: über die Bands, den Musikstil, die Texte und was es sonst Interessantes oder Unterhaltsames zu erzählen gibt.
Vielleicht gibt es auch Interviews, Neuerscheinungen oder andere Geschichten, die zu den Songs der Playlist passen.

Und los gehts

Heute geht es also los. Mit dabei sind diesmal die Metalbands ENSLAVED und ROTTING CHRIST, Musiker und Bands, die sich intensiv mit nordischer und indoeuropäischer Musik und der Philosophie dahinter beschäftigt haben wie Kjell Braaten, NEBALA, SKÁLD, SOWULO und FOLKET BORTAFOR NORDAVINDEN. Mit SÓLSTAFIR ist eine Band dabei, deren melancholisch-atmosphärische Musik voller nordischer Klänge ist. Und KALANDRA, die den Soundtrack zum Video-Game „Kingdom Two Crowns – Norse Lands geschrieben haben.

Nachdem die Auswahl geklärt ist, kommt die Frage der Anordnung: losen, nach Themen sortiert, alphabetisch? Diesmal alphabetisch. Daher geht es los mit Kjell Braaten.

Vergangenheit und Gegenwart

Kjell Braaten habe ich euch in den letzten Jahren schon mehrfach vorgestellt. Ich bin immer wieder begeistert von der Vielfalt, die aber nicht eklektisch ist, sondern Kontinuität und Experimente zugleich beinhaltet und verschiedenste musikalische Ideen und Möglichkeiten miteinander verbindet.

Kjell macht Musik, die von alter nordischer Kultur ebenso beeinflusst ist, wie von der Musik anderer Kulturen. Dafür nutzt er historische Instrumente aus der ganzen Welt, aber auch vielfältige ‚moderne‘ technische Möglichkeiten. Damit spannt er immer wieder einen Bogen von der Vergangenheit zur Gegenwart und über kulturelle Unterschiede hinweg. Denn er versteht Musik als eine Sprache, die das ausdrücken kann, was gesprochene Worte nicht können.

Der Song „Frithr“ ist ein Song vom Album „Blóta“. Der Gesang und der Rhythmus der Trommeln erzeugen einen warmen und dynamischen Klang. Dadurch bekommt das Lied einen rituellen Charakter, der durch die Verwendung der altnordischen Wörter noch verstärkt wird. ‚Frithr‘ bedeutet ‚Frieden‘. In dem Lied geht es darum, dass es möglich ist, wenn man selbst Frieden mit sich geschlossen hat, diesen Frieden weiterzugeben. Dass man den Frieden nicht ‚herstellen‘, aber Bedingungen schaffen kann, die Frieden ermöglichen. Ihn – wie es im Lied heißt – wie einen Samen im Herzen anderer Menschen wachsen lassen kann.

„Behind The Mirror“ von ENSLAVED ist eine großartige Mischung aus Black Metal und progressiven Anteilen , die auch diese gewisse nordische Sehnsucht beinhaltet.
Hier gelandet ist der Song aber wegen des Intros: man hört das Wikingerschiff über das Meer fahren. Und dann ertönt ‚Heimdalls Gjallahorn‘. Über das Gjallahorn wird gesagt, dass Heimdall es während Ragnarök ein letztes Mal blasen wird, um den Beginn des Kampfes zwischen den Göttern und den Riesen anzukündigen.
Bei „Behind The Mirror“ wird das Horn von Eilif Gundersen gespielt, der sonst Mitglied bei WARDRUNA ist.

Rhythmus und Sound

FOLKET BORTAFOR NORDAVINDEN kann man als Vorreiter des nordischen Folk bezeichnen. Bereits 2007 von Benny Braaten und Gustav Holberg gegründet, haben sie in den folgenden Jahren in unterschiedlichen Besetzungen gepielt und gestalten außerdem das Eröffnungs- und Abschlussritual des Midgardsblót – Metal Festival.

Die Basis der Musik bilden die Trommeln und die Stimmen. Insbesondere die unglaublich tiefe Stimme von Benny Braaten, die ich immer wieder gerne höre, da sie so viel Resonanz erzeugt. Ihre Lieder sind beschwörend, die aber auch heiter, zum Tanzen und mitsingen.

„Ur Is Ka Ha So“ gefällt mir wegen des Rhythmus und der gleichzeitig aktivierenden und meditativen Wirkung. Es ist eines der ‚Runenlieder‘: Ur, Is, Ka, Ha und  So sind die Anfangsbuchstaben der Runen Uruz, Isa, Kenaz (Kaunaz) und Sowilo. Die Verwendung lediglich der ersten Silbe ergibt andere Möglichkeiten der rhythmischen Gestaltung. Außerdem kann die Stimme mehr Intensität hineinbringen, was diesen Song so eindringlich macht.
Mehr zu dem Song und dem Album, von dem es stammt, gibt es im Interview.

Kennt ihr das Video-Spiel „Kingdom Two Crowns“? Das Spiel ist in einer pixeligen 2D-Grafik gehalten, die eine schlichte Kulisse schafft. Es bietet eine einzigartige Mischung aus Strategie-, Simulation- und Ressourcenmanagement-Elementen. Und dazu haben KALANDRA einen großartigen Soundtrack geschrieben.
Zu KALANDRAS Bekanntheit hat u.a. ihr Cover von „Helvegen“ von WARDRUNA beigetragen, das bis heute 5 Millionen Mal aufgerufen wurde.

„Slow Motion“ ist allerdings von ihrem Album „The Line“, das 2020 erschien. Ich mag diese verträumte Melancholie und breiten Harmonien.

Dunkelheit und Nebel

In „Dronning Ellisiv“ von MYRKUR geht es um Ellisiv, die Tochter des Großfürsten von Nowgorod, die später König Harald von Norwegen heiratete. MYRKUR interpretieren hier ein Lied von Harald Foss, einem bekannten norwegischen Folkmusiker, neu.
Das Lied nimmt die Volksmusikklänge auf und versieht sie mit einer ätherischen Stimmung.

Es ist ein Lied, das an der Schwelle zum kommerziellen Klang steht, aus dem es die Stimme von Amalie Bruun, die mir seit dem Album „Mareridt“ gut gefällt, immer wieder heraus holt.

Auch über NEBALA habe ich schon mehrfach berichtet. „Safijan“ ist sowohl auf der EP „Lustuz“ zu finden, die der Ausgangspunkt für das Album „Lustuz – Laþu – Wōþuz Alu“ war als auch auf dem Album „Live at Midgardsblót“. Dort habe NEBALA eine fantastische Show gezeigt.

„Safijan“ hat einen anhaltend tiefen Grundton. Dichter, lockender Gesang und die sich entfaltenden Klänge einer Leier entwickeln eine Wirkung, der man sich nicht entziehen kann. Dann setzen stampfende Rhythmen und rauer, aggressiver Sprechgesang von männlicher und weiblicher Stimme ein. Eine Auseinandersetzung: ungeschönt. Hier werden Verse aus der Hávamál verwendet: Sie handeln vom Umwerben, von der Dunkelheit und Hinterhältigkeit von Männern und Frauen, die dabei oft eine Rolle spielen. Und davon, dass eine andere Beziehung möglich wird, wenn man sich dem anderen so zeigt, wie man ist.
So endet das Lied dann auch mit zärtlichen Klängen, die den Wunsch nach Vertrauen in sich tragen. Denn es braucht Vertrauen in den anderen, um Masken abnehmen zu können.
NEBALA arbeiten an neuen Liedern aber auch an einem neuen Konzept für die Präsentation ihrer Musik. Mehr dazu demnächst hier.

Kosmisches und Verborgenes

देवदेवं (Devadevam) von ROTTING CHRIST vom Album „Rituals“ ist von einer Ode an Shiva, dem Gott der Götter, inspiriert. Die Sprache, in der sie singen, ist Sanskrit. Im Lied folgt auf ein Mantra jeweils eine Ode, in der Shiva besungen wird. ROTTING CHRIST bedienen sich immer wieder Materialien, die schon ‚eigen‘ sind. Auf „Rituals“ haben sie diese eindrücklich und eingängig zugleich verarbeitet.

„Devadevam“ habe ich auch wegen des Gastmusikers Kathir ausgewählt. Er ist Sänger und Bassist bei RUDRA, einer Band aus Singapur, die black-metal-beeinflussten Vedic – Metal spielen und auf Sanskrit singen.

SKÁLD kommen aus Frankreich. Dennoch singen sie in verschiedenen nordischen Sprachen und verwenden traditionelle Instrumente, um Themen aus der nordischen Mythologie zu vertonen. Die Mischung aus groovenden Trommeln, Drehleiern, diversen Saiteninstrumenten und Didgeridoo ergibt sowohl kraftvolle als auch anmutige Stücke. Aufmerksam bin ich auf sie durch ihr Cover von THE CUREs „A Forest“ geworden.

Ausgesucht habe ich den Song „Elverhøy“ vom Album „Huldufólk“. Auf „Huldufólk“ erzählen sie Geschichten über die verborgenen Völker der isländischen und färöischen Mythologie erzählen: über Elfen, Feen, Trolle und Zwerge. „Elverhøy“ erzählt von einem Mädchen, dass von Elfen zum Tanz aufgefordert wird, um dann auch zu lernen, die Runen zu lesen. Es ist ein eingängiges und durchaus poppiges Lied, das Spaß macht.

Reisen und Zeiten

SOWULO ist ein Projekt des niederländischen Multiinstrumentalisten, Komponisten und Produzenten Faber Horbach. Faber setzt hier seine Leidenschaft für nordische Geschichte, das heidnische Erbe und Schamanismus in eher melancholischen Liedern um.

Mit ihren Liedern begeben sie sich SOWULO auch auf eine spirituelle Reise. Sie kombinieren die Klänge ihrer (früh-)mittelalterlichen Instrumente mit modernen Instrumenten und cineastischen Klängen.

„Fæcele“ ist geprägt vom Gesang, dem Schlagzeug und der Melodie der Nyckelharpa. Der Mittelteil klingt verträumt, bis die Melodie des Anfangs wieder aufgenommen wird. Das Lied wird in Alt – Angelsächsisch gesungen. Für eine Band, die sich an ‚nordischen‘ Themen ausrichtet, ist das zunächst einmal ungewöhnlich. Aber da Angelsächsisch die Sprache der germanischen Stämme ist, die nach den Römern die Vorherherrschaft in England übernahmen, passt das wieder.

SÓLSTAFIR haben die Grenzen zwischen Metal, Rock, Black Metal, Blues Rock zu einem Sound, der von der gewaltigen Natur ihrer Heimat Island geprägt ist, verschoben. Es gelingt ihnen immer wieder, mit Songs wie „Ljós í Stormi“ oder „Lágnætti“ eine Klangwelt voll Urgewalt und Schönheit zu erschaffen.

Das Album „Ótta“ (2014) finde ich aufgrund des zugrundeliegenden Konzeptes interessant. Die Songs orientieren sich an der alten isländischen Zeitrechnung, bei der die 24 Stunden in acht Abschnitte zu 3 Stunden eingeteilt sind.

Den Song „Ótta“ (was die Zeit der Morgendämmerung meint) habe ich ausgewählt, weil er viele Element und Möglichkeiten enthält, die SÓLSTFIR so besonders machen: die Gitarren ziehen den Hörer sofort in den Song. Unterstützt von sanften Geigen und dem kontrastierenden Banjo baut sich der Bogen auf, der die Zeit um Mitternacht bis zum Morgen umspannt.

Ausblick

So, das war die Playlist dieses Monats July. Viel Spaß mit der Musik! (Und HIER geht es zur Playlist oder einmal nach oben scrollen und auf ‚Playlist‘ gehen)

Im August werden u.a. SKÁLMÖLD, Eivør, INSOMNIUM, KATLA und Emilie Lorentzen dabei sein.

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In the announcement of my playlist, I have already briefly explained what my playlist „(Ur) Nordic Sounds – in all kinds of Metal music and Folk“ is about: „Nordic sounds“ in various metal genres and folk music.

Regardless of the music you prefer to listen to, you will definitely find ‚your‘ bands here, but hopefully also make some musical discoveries.

For each song in the playlist, there will be some information about the bands, the musical style, the lyrics, and any other interesting or entertaining facts. There may also be interviews, new releases, or other stories that fit the songs in the playlist.

And here we go.

So today, we’re starting. This time, the metal bands ENSLAVED and ROTTING CHRIST are included, as well as musicians and bands that have extensively explored Nordic and Indo-European music and the philosophy behind it, such as Kjell Braaten, NEBALA, SKÁLD, SOWULO, and FOLKET BORTAFOR NORDAVINDEN. Also featured is SÓLSTAFIR, a band whose melancholic and atmospheric music is full of Nordic sounds. And KALANDRA, who composed the soundtrack for the video game „Kingdom Two Crowns – Norse Lands“.

Once the selection is clear, the question of arrangement arises: random order, sorted by theme, or alphabetical? This time, it’s alphabetical. So, let’s start with Kjell Braaten.

Past and Present

I have introduced Kjell Braaten to you several times in recent years. I am always amazed by the diversity that he incorporates, which is not eclectic but includes both continuity and experimentation, combining various musical ideas and possibilities.

Kjell creates music that is influenced by ancient Nordic culture as well as the music of other cultures. He uses historical instruments from around the world, as well as various „modern“ technical possibilities. In doing so, he repeatedly bridges the gap between the past and the present and across cultural differences. He sees music as a language that can express what spoken words cannot.

The song „Frithr“ is a track from the album „Blóta“. The vocals and the rhythm of the drums create a warm and dynamic sound. This gives the song a ritualistic character, which is further enhanced by the use of Old Norse words. ‘Frithr’ means ‘peace’. The song is about the possibility of passing on peace once you have made peace with yourself. It’s about not being able to ‘create’ peace but being able to create conditions that allow peace. It’s about being able to let peace grow in the hearts of others, like a seed, as the song says.

„Behind The Mirror“ by ENSLAVED is a great blend of black metal and progressive elements, which also contains that certain Nordic longing. It’s included here because of the intro: you can hear the Viking ship sailing across the sea. And then ‚Heimdall’s Gjallahorn‘ sounds. It is said that Heimdall will blow the Gjallahorn one last time during Ragnarök to announce the beginning of the battle between the gods and the giants. In „Behind The Mirror“, the horn is played by Eilif Gundersen, who is also a member of WARDRUNA.

Rhythm and Sound

FOLKET BORTAFOR NORDAVINDEN can be described as pioneers of Nordic folk. Founded in 2007 by Benny Braaten and Gustav Holberg, they have played in various lineups over the years and also perform the opening and closing rituals of the Midgardsblót Metal Festival.

The foundation of their music consists of drums and vocals. In particular, Benny Braaten’s incredibly deep voice, which I always enjoy listening to because of its resonance. Their songs are evocative but also cheerful, suitable for dancing and singing along. I like „Ur Is Ka Ha So“ because of its rhythm, and it’s simultaneously activating and meditative effect. It is one of the „Rune songs“: Ur, Is, Ka, Ha, and So are the initials of the runes Uruz, Isa, Kenaz (Kaunaz), and Sowilo. Using only the first syllable allows for different rhythmic arrangements. In addition, the vocals can bring more intensity, which makes this song so compelling.

There will be more about the song and the album it comes from in the interview.

Are you familiar with the video game „Kingdom Two Crowns“? The game features pixelated 2D graphics that create a simple backdrop. It offers a unique blend of strategy, simulation, and resource management elements. And KALANDRA has written a great soundtrack for it.
One of the reasons for KALANDRA’s popularity is their cover of WARDRUNA’s „Helvegen“, which has been viewed 5 million times to this day.
However, „Slow Motion“ is from their album „The Line“, released in 2020. I like the dreamy melancholy and broad harmonies in this song.

Darkness and Mist

In „Dronning Ellisiv“ by MYRKUR, the focus is on Ellisiv, the daughter of the Grand Prince of Novgorod, who later married King Harald of Norway. MYRKUR reinterprets a song by Harald Foss, a well-known Norwegian folk musician. The song incorporates folk music elements and imbues them with an ethereal atmosphere. It’s a song that teeters on the edge of a commercial sound, but Amalie Bruun’s voice, which I have enjoyed since the album „Mareridt“, always pulls it back.

I have also reported on NEBALA several times. „Safijan“ can be found on both the EP „Lustuz“, which served as the starting point for the album „Lustuz – Laþu – Wōþuz Alu“, and the album „Live at Midgardsblót“. NEBALA put on a fantastic show there.

„Safijan“ has a sustained deep fundamental tone. The dense, enticing vocals and the unfolding sounds of a lyre create an effect that is impossible to resist. Then come stomping rhythms and rough, aggressive spoken words by both male and female voices. It’s a confrontation, unadorned. Verses from the Hávamál are used: they deal with courtship, the darkness and deceitfulness of men and women, which often play a role in it. And they also address the possibility of a different kind of relationship when one reveals oneself to the other as they truly are. Thus, the song ends with tender sounds that carry the desire for trust because it takes trust in the other person to be able to remove masks.

NEBALA is working on new songs as well as a new concept for presenting their music. More on that soon.

Cosmic and Hidden

देवदेवं (Devadevam) by ROTTING CHRIST from the album „Rituals“ is inspired by an ode to Shiva, the god of gods. The language they sing in is Sanskrit. The song alternates between a mantra and an ode praising Shiva.

ROTTING CHRIST frequently draws on materials that are already their own. On „Rituals“, they have incorporated these elements impressively and memorably.

I have chosen „Devadevam“ because of the guest musician Kathir. He is a singer and bassist in RUDRA, a band from Singapore that plays black metal-influenced Vedic metal and sings in Sanskrit.

SKÁLD is from France. Despite that, they sing in various Nordic languages and use traditional instruments to interpret themes from Norse mythology. The combination of grooving drums, hurdy-gurdy, various stringed instruments, and didgeridoo creates both powerful and graceful pieces.
I discovered them through their cover of THE CURE’s „A Forest“.

I have chosen the song „Elverhøy“ from the album „Huldufólk“. On „Huldufólk“, they tell stories about the hidden beings of Icelandic and Faroese mythology: elves, fairies, trolls, and dwarves. „Elverhøy,“ tells the story of a girl who is invited by the elves to dance and then learns to read the runes. It’s a catchy and quite poppy song that is fun to listen to.

Journeys and Times

SOWULO is a project by Dutch multi-instrumentalist, composer, and producer Faber Horbach. Here, Faber incorporates his passion for Nordic history, pagan heritage, and shamanism into rather melancholic songs. Their songs also take the listener on a spiritual journey. They combine the sounds of their (early) medieval instruments with modern instruments and cinematic sounds.

„Fæcele“ is characterized by the vocals, drums, and melody of the nyckelharpa. The middle part sounds dreamy until the melody from the beginning is picked up again. The song is sung in Old English. This may be unusual for a band focusing on „Nordic“ themes, but since Old English is the language of the Germanic tribes that took over dominance in England after the Romans, it fits.

SÓLSTAFIR have blurred the boundaries between metal, rock, black metal, and blues rock, creating a sound that is influenced by the immense nature of their home, Iceland. They repeatedly succeed in creating a sonic world full of primal power and beauty with songs like „Ljós í Stormi“ or „Lágnætti“.

I find the album „Ótta“ (2014) interesting because of the underlying concept. The songs are based on the old Icelandic timekeeping system, which divided the 24 hours into eight segments of three hours each.

I have chosen the song „Ótta“ (which means the time of dawn) because it contains many elements and possibilities that make SÓLSTAFIR so unique: the guitars immediately draw the listener into the song. Supported by gentle violins and the contrasting banjo, the arch is built, spanning the time from midnight to morning.

Outlook

So, that was this month’s playlist for July. Enjoy the music! (And HERE you can go to the playlist or scroll up once and go to ‚Playlist‘)

In August, SKÁLMÖLD, Eivør, INSOMNIUM, KATLA, and Emilie Lorentzen will be included, among others.

Guten Tag Leute! Musik digital, auf CD oder in der Vinyl-Version anzuhören ist ja die eine Sache. Aber was gibt es besseres, als sich die Bands live on stage auf einer Tour anzuschauen und zu erleben, wie das Material performed wird? Eben! Daher haben wir von metal-heads.de heute ein paar Bands für euch zusammengestellt, die auf Tour gehen, damit ihr euch rechtzeitig die Tickets für das Konzert in eurer Nähe sichern könnt.

Die New Yorker Prog Formation DREAM THEATER hatte sich ja schon 2022 mit ihrem aktuellen Release „A view from the top of the world“ auf Tour begeben. Wir hatten für euch den Auftritt in Oberhausen im Mai besucht und hier findet ihr noch mal den passenden Konzertbericht. Wer es bisher nicht geschafft hat, sich die Performance anzuschauen, hat bei den folgenden Dates noch einmal die Chance.

DREAM THEATER live:

08.02.2023 – Düsseldorf, Mitsubishi Electric Hall

10.02.2023 – Groningen, De Oosterpoort (NL)

12.02.2023 – Tilburg, 013 (NL)

14.02.2023 – Zürich, The Hall (CH)

15.02.2023 – Stuttgart, Liederhalle

DREAM THEATER, LEPROUS und mehr auf Tour

Die norwegischen Rocker von LEPROUS haben sich für die Fans etwas Besonderes ausgedacht. So bringt man zur anstehenden großen Europa-Tour eine spezielle Tour-Edition des siebten Studioalbums „Aphelion“ heraus. Darauf ist nicht nur das normale Material inklusive der beiden Bonustracks enthalten. Nein, ihr bekommt auch noch eine zusätzliche CD mit Live-Footage vom ersten Teil der Tour zu „Aphelion“. Wir reden hier von 6 Songs mit einer Spielzeit von 40 Minuten. Starke Sache, finde ich! Hier also die Daten für die Tour Anfang 2023.

LEPROUS, MONUMENTS & KALANDRA

03.02.2023 – Hamburg, Grünspan

05.02.2023 – Utrecht, Tivoli Ronda (NL)

06.02.2023 – Maastricht, Muziekgieterij (NL)

13.02.2023 – Esch-sur-Alzette, Rockhal (LUX)

26.02.2023 – Lausanne, Les Docks (CH)

06.03.2023 – München, Backstage

Dann haben wir noch ein weiteres Package für euch. Auch da geht es um Anfang 2023…es ist also ein illustres Angebot, dass euch ein paar feine Gigs zum Einstieg des neuen Jahres beschert. Mit HAKEN sind als Co-Headliner BETWEEN THE BURIED & ME unterwegs. Als Support hat man CRYPTODIRA mit dabei.

21.02.2023 – Hamburg, Grünspan

22.02.2023 – Leipzig, Werk 2 – Kulturfabrik

23.02.2023 – Berlin, Heimathafen Neukölln

26.02.2023 – Wien, Simm City (AT)

01.03.2023 – München, Freiheitshalle

02.03.2023 – Karlsruhe, Stadtmitte

03.03.2023 – Aarau, Kiff Saal (CH)

19.03.2023 – Esch-sur-Alzette, Rockhal (LUX)

20.03.2023 – Köln, Bürgerhaus Stollwerck

21.03.2023 – Antwerpen, Trix Club (B)

22.03.2023 – Tilburg, 013 Poppodium (NL)

Auch die ARCHITECTS sind on tour

Zuletzt wollen wir noch die Tour der ARCHITECTS ansprechen. Deren aktuelles Album hatten wir euch hier mit einer Review vorgestellt. Jetzt kommen zahlreiche Gigs…

05.01.2023 – Frankfurt, Jahrhunderthalle

06.01.2023 – Hamburg, Sporthalle

07.01.2023 – Düsseldorf, Mitsubishi Electric Hall

09.01.2023 – München, Zenith

10.01.2023 – Ludwigsburg, MHP Arena

12.01.2023 – Leipzig, Haus Auensee

13.01.2023 – Berlin, Verti Music Hall

15.01.2023 – Hertogenbosch, Headbangers Parade 2023 (NL)

26.05.2023 – Hamburg, Volksparkstadion

02.-04.06.2023 – Nürnberg, ROCK IM PARK

02.-04.06.2023 – Nürburgring, ROCK AM RING

10.06.2023 – Nickelsdorf, NOVA ROCK (AT)

15.-18.06.2023 – Dessel, GRASPOP (B)

24.06.2023 – Münster, VAINSTREAM ROCKFEST

24.05.2024 – München, Olympiahalle

Unter diesem Titel sind WARDRUNA mit KALANDRA und Lindy-Fay Hella & Dei Farne zurzeit in Europa unterwegs.

Am 2. Juli 2022 haben sie ein Konzert im Amphitheater von Gelsenkirchen gegeben. Mit dabei war auch Eivør, was dem Abend einen weiteren besonderen Moment hinzugefügt hat.

Zweimal ist die Tour verschoben worden. Auch die Release-Show zum Album „Kvitravn“ konnte nicht live stattfinden. Dafür gab es ein „Live im Studio“ – Streaming-Event (mehr dazu HIER), dass trotz der Distanz eine einzigartige Stimmung erzeugen konnte. Um so mehr habe ich mich darauf gefreut, die neuen und die bekannten Lieder live zu hören.

Das Amphitheater bietet grundsätzlich eine großartige Kulisse: das weite Rund, sonnendurchflutet (was anfangs gut, später beim Auftritt von WARDRUNA eher ungünstig war), Schiffe, die auf dem direkt hinter der Bühne liegenden Rheine-Herne-Kanal vorbeifuhren, eine leichte Brise und ein erwartungsvolles Publikum.

Lindy-Fay Hella & Dei Farne eröffnen die Nordic Night

Lindy-Fay Hella, die mit ihrer Stimme auch wesentlich zum Klang von WARDRUNA beiträgt, eröffnet den Abend. Sie hat mit der Band DEI FARNE 2021 das Album „Hildring“ veröffentlicht.  Auf der Bühne stehen zwei Schlagzeuge mit weiteren Percussions-Instrumenten sowie Keyboards, was bereits einen Hinweis auf die klangliche Basis gibt. Ein ungewohntes Bild ist es, Lindy-Fay barfuß, aber in einem robengleichen, schulterfreien Kleid und mit violett schimmernden Haaren zu sehen. Doch sobald sie zu singen beginnt, stehen ihre klare, ausdrucksvolle Stimme und die Musik im Vordergrund.

In eine Grundstruktur aus Folk, elektronischer Musik und komplexer Percussion webt Lindy-Fay mal kraftvolle, mal zarte Melodien hinein, die dann regelrecht über dem Ganzen schweben. Interessante rhythmische Strukturen, verträumte und dann wieder düstere Klänge erschaffen Lieder voll Schlichtheit und Tiefe. Ein gelungener Auftakt für diesen Abend.

KALANDRA bezaubern mit ihren Melodien und Klängen

Auch Sängerin Katrine Stenbekk ist später noch bei WARDRUNA dabei. Doch zunächst steht sie mit KALANDRA auf der Bühne. KALANDRA scheinen auch in Deutschland eine Fanbasis zu haben, wenn man die Stärke des Applauses betrachtet, mit dem sie bedacht werden, als sie die Bühne betreten. Eventuell hat es auch damit zu tun, dass KALANDRA den Soundtrack zum Video-Spiel „Kingdom Two Crowns: Norse Land“ komponiert haben. Das Bühnen-Outfit ist fantasievoll, mit Farben und Mustern, die die Atmosphäre der Musik unterstreichen.

Ruhig und gelassen beginnen sie ihr Set. Und bereits jetzt wird deutlich, was sich über das Set fortsetzt. Die zauberhafte Stimme von Katrine Stenbekk bildet das Zentrum der Songs. KALANDRA präsentieren nordisch – alternative Folk-Pop-Musik mit einer ganz besonderen Note. Und das nicht nur, wenn ein Bogen genutzt wird, um der Gitarre sphärische Klänge zu entlocken. Abwechslungsreich und fokussiert, auf Englisch und in ihrer Muttersprache gesungen, klingen KALANDRA harmonisch und entspannt.

EIVØR:  Songs, die Sehnsucht nach dem Norden auslösen

Auch Eivør wird mit großem Applaus begrüßt.
Eivør gelingt es wie kaum einer anderen Künstlerin, Pop-Musik mit traditioneller Musik zu etwas Neuem zu verbinden. Ihre musikalischen Wurzeln liegen u.a. in alten zum Tanz gesungenen Balladen aber genauso auch in Rock- und Popmusik. Wie sie selbst sagt, hat sie ihr Set für den heutigen Abend angepasst. Begleitet wird sie von Mattias Kapnas am Keyboard.

Für Eivør ist die Stimme wohl das wichtigste Instrument. Sie nutzt ihre in einer Varianz von zart bis intensiv, immer glockenklar und voller Energie. Die Intensität, mit der sie ihre Lieder präsentiert, erreicht spürbar das ganze Publikum. Die Lieder sind wie eine Umarmung mit Klängen. Vor allen Dingen dann, wenn sie sie mit der Rahmentrommel begleitet: minimalistisch und dabei eindringlich und bewegend. Eivørs Präsenz, der Rhythmus und die wunderbaren Melodien ermöglichen ein intensives Erleben und lösen Sehnsucht nach dem Norden aus.

WARDRUNA: „Kvitravn“ – Neues entstanden aus Zeitlosigkeit

Bevor WARDRUNA die Bühne betreten, werden Stoffbahnen ausgerollt, die als Hintergrund für die Lichteffekte dienen werden, und die Instrumente – u.a. die großen Bronzeluren – platziert. Noch mit der Release-Show im Gedächtnis, bin ich gespannt, wie Licht und Schatten hier eingesetzt werden können (da es um diese Zeit in Gelsenkirchen noch die Sonne scheint).

In schlichtem Schwarz gekleidet und durch feine Accessoires wie Fibeln und Gürteln ergänzt, kommen WARDRUNA auf die Bühne. Die Art, wie die Instrumente gespielt werden, erlauben den Musikern nicht viel Bewegung. Dafür erzeugt die Beleuchtung, das Spiel mit Farben und Schatten eine Dynamik, die die Wirkung der Lieder unterstützt. Dass Einar Selvik zwischen den Liedern auf Kommentare verzichtet, trägt ebenfalls dazu bei, dass die Musik im Vordergrund steht.

Neue und alte Lieder ausgewogen aufeinander bezogen

Das Bühnenbild, die eher leise gemischt Musik, die Konzentration der Musiker und auch der Zuschauer tragen dazu bei, dass sich eine fast schon andächtig-meditative Stimmung über die Arena senkt. WARDRUNA beginnen ihr Set mit „Kvitravn“ vom aktuellen Album. Nach und nach entfalten sich Klänge, die die Verbindung des Menschen zur Natur und zu sich selbst herstellen können, wenn man sich darauf einlassen will. Und das Publikum hat sich darauf eingelassen!

WARDRUNA spielen sowohl Lieder vom neuen Album als auch aus der Runen-Trilogie. Interessant, wie Einar Selvik Gestik und Körperhaltung zur Übermittlung der Lieder einsetzte. Erzählend bei den „Kvitravn“-Liedern, beschwörend bei den Runenliedern. Das Publikum ging entsprechend mit. Die neuen Lieder wurden mit viel Applaus bedacht und die Runen-Lieder wie „Odal“ und „Fehu“ mitgesungen und teilweise von „Odin“-Rufen begleitet.

 „Helvegen“ – vom bindenden Band befreit

Bei den Konzerten von WARDRUNA darf „Helvegen“ (vom 2013er Album „Yggdrasil„) nicht fehlen. Es wurde auch heute vom Publikum lautstark eingefordert.

Einar Selvik sagt über „Helvegen“, dass es vom Tod handle und davon, loszulassen und sich zu erinnern. Er nimmt das Lied auch zum Anlass, das Konzept hinter WARDRUNA zu erläutern: In einer Musik, die so alt ist, dass sie zeitlos sei, die Gegenwart zu reflektieren, die Resonanz zu spüren und daraus etwas Neues zu schaffen. Er spricht über die Verbindung des Menschen zur Natur und darüber, dass es wichtig ist, keine Grenzen im Denken zu ziehen. Daraus zieht er den Schluss, dass keine Kultur besser ist als die andere, und dass es wichtig ist, den Bezug zur Natur und zu den eigenen Traditionen nicht zu verlieren. Dann fordert er die Zuhörer auf, öfter zu singen!

„Go home and sing more! Singing is medicine.”  

Das Publikum honoriert dies mit zustimmendem Applaus. „Helvegen“ ist – zumindest emotional – der Höhepunkt des Abends, der in Standig-Ovations  mündet. Es ist gut, dass Einar Selvik diese Energie mit der skaldischen Version von „Voluspá“ aufnimmt und für einen weiteren intensiven, aber ruhigeren Moment sorgt. Mit frenetischem Applaus werden WARDRUNA verabschiedet.  

Nordic Night – Fazit

Die „Nordic Night“ war voller zauberhafter, anregender und intensiver Momente. Die Musik der vier Bands – so unterschiedlich sie auch ist – hat ein Klanguniversum geschaffen, das Sehnsucht nach nordischen Landstrichen und der Begegnung mit Mythen und Natur hervorruft.

Insbesondere die Gedanken zum Verhältnis von Vergangenheit und Gegenwart sowie dem animistische Hintergrund hinter der Musik von WARDRUNA, die auch von den anderen Bands geteilt werden, tragen dazu bei, Grenzen zu erweitern.  Die Anziehungskraft dieser Ideen und der Musik, in der sie ausgedrückt werden, wurde auch an diesem Abend wieder spürbar. Und es war an der Zeit, dass diese „Nordic Night“ endlich stattfinden konnte.  

KALANDRA ist eine norwegisch-schwedische Band, deren EPs sowie das erste Album „The Line“ (2020) im Alternativ-Pop-Bereich einzuordnen sind.

Sie stehen bei By Norse – Music unter Vertrag. Das Label zu dem auch WARDRUNA, NEBALA, Kjell Braaten u.a. gehören. Diese Musiker haben bereits an der Musik zu Serien, Spielen bzw. Filmen mitgearbeitet. Einar Selvik (WARDRUNA) hat seine musikalischen Ideen bei „Assassins Creed Valhalla“ und „Vikings“ umgesetzt, Kjell Braaten hat am Soundtrack von „Vikings: Valhalla“ bearbeitet und Jonas Lorentzen (NEBALA) an der Musik zu „The Northman“.

Jetzt haben sich auch die Musiker von KALANDRA der Herausforderung gestellt und den Soundtrack zum Videospiel „Kingdom Two Crowns: Norse Land“ entwickelt. Eine weitere Herausforderung war es, diesen Soundtrack für ein Album aufzubereiten. Dafür haben KALANDRA die Tracks erweitert bzw. auch den Sound etwas verändert.

Kingdom two Crowns: Norse Land – das Spiel

„Kingdom Two Crowns“ ist der dritte Teil der Kingdom-Serie des Publishers Raw Fury. Das Besondere an den „Kingdom“-Spielen ist, dass sie eine 2D-Sidescrolling-Optik mit Pixel-Ästhetik verwenden. In diesem Spiel, das durch seine zweidimensionale Aufbau-Strategie ein minimalistisches Spielgefühl vermittelt, übernimmt der Spieler die Rolle eines Königs/einer Königin. Kurz gesagt geht es darum, eine Siedlung zu errichten und sich geheimnisvolle Inseln anzueignen. Unterwegs kann man Münzen sammeln und mit ihnen Nomaden als Dorfbewohner oder Soldaten anheuern. Denn düstere Monster – die „Gier“ – zerstören nicht nur die Aufbauten, sondern trachten auch nach der Krone des Monarchen.
„Kingdom Two Crowns: Norse Land“ erlaubt nun einen Abstecher in eine von Wikinger-Geschichten inspirierte Welt.
Der Spieler kann in dieser Welt ein Königreich errichten, die Welt erkunden, erobern und sein Königreich verteidigen. Er kann nicht nur Rätsel lösen, sondern auch die Fähigkeiten und Kräfte nordischer Götter freisetzen. Und er kann mit an wikingerzeitlichen Vorbildern orientierten Waffen gegen Feinde kämpfen.

Der Soundtrack

KALANDRA sagen zur Entwicklung des Soundtracks:

Als Kinder der 90er, sind wir alle mit Videospielen aufgewachsen. Die musikalische Atmosphäre für Norse Lands zu schaffen, war für uns eine Herausforderung und hat viel Spaß gemacht.…. Bei der Produktion des Soundtracks für das Spiel „Kingdom Two Crowns – Norse Lands“ hatten wir die Aufgabe, kürzere Stücke zu komponieren, die in die Zeitskala des Spiels passen.

Im Soundtrack gehen die Songs entsprechend der Side-Scroll-Mechanik des Spiels ineinander über und begleiten den Spieler mit ätherischen Ambient-Klängen auf seiner Reise.. Die genutzten Folk-Elemente unterstreichen, dass das Spiel in der Zeit um 1000 n.Chr. angesiedelt ist.

KALANDRA haben sich hierzu Unterstützung von weiteren norwegischen Musiker geholt. John Stenersen und Kenneth Lien haben es übernommen, dem Sound Melodien auf der Drehleier, Nyckelharpa und Moraharpa hinzuzufügen.

Das Album

Auch wenn die Tracks erweitert und teilweise neu gemischt wurden, haben sie ihren Soundtrack-Charakter nicht verloren. Aber man muss das Spiel weder kennen noch spielen, um sich in die Klangwelt, die KALANDRA geschaffen haben, einlassen zu können. Die ätherische Grundstimmung und die Klanglandschaften lassen schon beim Zuhören Landschaften mit Wäldern, Flüssen, und weiten Ebenen entstehen.

Alle Tracks kommen ohne Lyrics aus. Katrine Stenbekks federleichte, klare Stimme hat einen großen Anteil daran, traumhafte Klanglandschaften zu erschaffen. Aus dem Klanggemälde des gesamten Albums treten drei Tracks hervor.

Mit „Ferden“ beginnt die Reise. Das Horn übernimmt die Melodie und führt aus dem Dunkel auf eine Lichtung aus Klängen von Saiteninstrumenten.

In „Skogtroll“ scheint ebendieser Kobold des Waldes zum Tanz aufzufordern. Die Melodie ist eingängig, der Rhythmus der eines Tanzliedes. Dennoch gibt es nachdenkliche melancholische Momente.

„Helheim“ ist in der nordischen Mythologie das Reich der Totengöttin Hel. Katrine Stenbekks Stimme führt uns an diesen mythischen und mysteriösen Ort. Die Musik ist voller Traurigkeit, die Percussioninstrumente rühren an Erinnerungen.

KALANDRA haben nicht nur einen wunderbaren Sound für das Spiel erschaffen, sondern mit der Albumfassung eine davon unabhängig hörbare ätherische Klangwelt. Mit magisch-schönen Melodien und Klänge auf rhythmisch abwechslungsreicher Basis entführen sie uns für etwas mehr als eine halbe Stunde in eine andere Welt.

Kalandra sind

Katrine Stenbekk – Gesang
Florian Döderlein Winter – Gitarre
Jogeir Daae Maeland – Gitarre
Oskar Johnsen Rydh – Schlagzeug