Heute gibt es mal wieder einen bunt gemischten Newsbeitrag hier bei metal-heads.de für euch. Wir packen da die unterschiedlichen Stile rein und sorgen damit hoffentlich für genug Abwechslung. Loslegen wollen wir mit DYSSIDIA. Die australische Prog Formation hat kürzlich ihr neues Album „Deeper wells of meaning“ veröffentlicht. Einen der sieben darauf verewigten Songs stellen wir euch jetzt mit einem Live-Video vor – hier kommt „Hellish embellishment“:

Am 09.01.2026 ist der Releaseday des neuen Albums der aufstrebenden Deathcore Combo BITE DOWN. Die Schweden wollen neun Songs auf die mit „Violent playground“ betitelte Scheibe packen und wir servieren euch mit „Say something“ schon mal eine Kostprobe der Musik des Vierers:

Die österreichische Metalband WILDHUNT gibt es seit 2011. Für den heutigen Freitag steht das Release des zweiten Studioalbums „Alethia“ des Vierers an. Sieben Songs sollen am Ende auf der Langrille landen. Wir haben heute für euch „The holy pale“ für euch als musikalischen Vorgeschmack – bitte sehr. Musik ab:

Die aktuelle EP „They were always here“ von ZERO 9:36 ist vergangenen Monat erschienen. Damit ihr eine Idee davon bekommt, was euch da musikalisch beim neuen Material erwartet, gibt es jetzt und sofort die Single „Holding on“ für eure Ohren (und Augen) – Video ab:

DYSSIDIA, WILDHUNT, ZERO 9:36 & mehr

Man muss sehen, wo man bleibt. So dachte vermutlich Bassist David Ellefson, der nach dem Ende von MEGADETH (das letzte Album kommt ja im Januar 2026) bei METAL CHURCH anheuerte. Auch der Posten am Mikro ist neu besetzt – hier hat sich Brian Allen eingefunden. Ein neues Studioalbum der Kulttruppe um Kurdt Vanderhoof ist für dieses Jahr geplant. Eine erste Single als Ausblick auf die kommende Musik ist schon ready. Hier kommt für euch „F.A.F.O.“:

Mit „Goddess of fire“ greifen wir in die Kiste mit Pagan Metal. Dort fühlen sich die Herrschaften von WOLFCHANT zu Hause. Die sechsköpfige Truppe hat diese Single als einen der neun auf dem anstehenden neuen Studiowerk konservierten Songs ausgekoppelt. Das mit „Echoes of a time once past“ betitelte Release kommt dann am 13.02.2026 in den Handel. Hier ist aber erst mal das Video:

LAMB OF GOD hauen einfach mal eine Standalone Single raus. „Parasocial christ“ heißt die Nummer und da geht es amtlich zur Sache. Bei dem mit dem langjährigen Produzenten Josh Wilbur gemeinsam erschaffenen Song kann man sich schon auf ein zukünftiges Studioalbum freuen. Wenn das in die gleiche Kerbe haut…mal abwarten:

Die folgende Nummer stammt von EYES OF PURGATORY. „Formless figures dance“ ist einer der 9 Songs, die auf dem am 13.02.2026 erscheinenden neuen Album „Darkbone“ zu finden sein werden. Wie gefällt euch die Musik der über Apostasy Records zum Release anvisierten Scheibe? Musik ab:

Zum Schluss gibt es noch eine Portion Metalcore. Die bekommen wir von THE GLOOM IN THE CORNER. Irgendwie scheint dieses Genre in Australien gut zu gedeihen. Die Band stammt aus Melbourne und hat mit „Angel’s wrath whiskey“ einen kraftvollen Song für uns. Der ist auf dem für den 27.02.2026 geplanten neuen Studiorelease „Royal discordance“ zu finden – neben 11 weiteren Stücken. Was haltet ihr vom neuen Material des Vierers?

Release: 09.10.2025

Label: Trollzorn Records

THORONDIR (Facebook) sind nach langer sechsjähriger Pause mit ihrem vierten Studioalbum „Wächter Des Waldes“ zurück und wollen euch in fast einer Stunde Spielzeit mit 11 Songs zu einer großen Reise einladen.

„In der Tiefe des Waldes“ legt das musikalische Thema stimmig und unaufgeregt frei, doch kaum setzt „Drudenfluch“ ein, wird aus lauernder Dunkelheit reiner Sturm: infernale Drums überrollen dich, martialische Screams reißen die Atmosphäre entzwei und schälen dir die Haut von den Knochen. Mit brutaler Wucht prescht der Track voran, und bemerkenswert ist, wie klar der Sänger die Lyrics größtenteils artikuliert. Die Worte schlagen durch den Krach wie Pfeile, ein deutlicher Pluspunkt für die Band.

Doch der Song hält irgendwann inne und verfällt in eine düstere, beklemmende Atmosphäre, die dann noch von Sänger Kevin Wienerl intensiviert wird, um schließlich in einen epischen Angriff überzugehen, der mit einem wuchtigen Solo einhergeht.

„Der Wild Jäger“ steht „Drudenfluch“ in nichts nach: ein krachendes Inferno, das mit Trommelfeuer und martialischer Wucht über einen hinwegfegt. Als würde der Wald selbst zum Angriff blasen!

„Blut und Ruhm“ bringt Abwechslung in die brachialen musikalischen Angriffe. Hier beginnt es mit einem milden akustischen Gitarrenspiel, das Sonnenlicht in die Szenerie streut. Doch bald zieht die Band die Zügel an, ohne die Leichtigkeit ganz zu verlieren. Alsbald marschiert der Song los, nicht mit finsterer Wucht, sondern mit erhobener Fahne. Der Song bleibt abenteuerlich, getragen von Kameradschaft und Trinkfreude. Alles vereint sich zu einer Hymne, wie sie in Tavernen oder auf Märschen erklingen könnte. Laut, aber nie plump.

Sehr gut zur Feierthematik würde alleine schon vom Titel her der Song „Zur Alten Taverne“ passen, der noch ein wenig mehr abgeht und zwischendurch mehr folkische Klänge einbaut. Bei diesem Song hätte ich mir allerdings einen schönen eingängigen Refrain gewünscht, um den richtig gut mitgröhlen zu können. Ansonsten ist der Song atmosphärisch gut gelungen. Es beginnt mir einer episch melodischen Einleitung, dann folgt ein anregendes Marschtempo, wobei man im Verlauf gerne mal mit dem Tempo variiert.

„Rübezahl“ enthält zwar auch diese fröhliche fiese Grundstimmung, aber ich finde es durchaus unterhaltsam, wenn Sänger Kevin sowohl die hohen fiesen Gesangsattacken darbietet, als auch die stimmlichen dunkleren Untiefen beschreitet. Auch den ausgiebigen Instrumentalpart in der zweiten Hälfte finde ich besonders gelungen, insbesondere das Gitarrenspiel.

„Bruder Hain“ beginnt mit einer düsteren, fast sakralen Stimmung, getragen von tiefen Gitarren und atmosphärischen Synths mit mystischer Präsenz. Nach dem Intro setzt ein treibender Rhythmus ein, dominiert von Doublebass und schneidenden Riffs. Die Gitarren alternieren zwischen melodischer Führung und brachialer Attacke. Kevin liefert eine kraftvolle Performance mit klar artikulierten Screams, die zwischen erzählerischer Gravitas und aggressiver Anrufung pendeln. Der Song enthält mehrere atmosphärische Zäsuren, in denen stimmungsschwangere Keyboardklänge und träumerische Gitarrenleads Raum schaffen, bevor die nächste Angriffswelle folgt, die dann umso endgültiger klingt. Dramaturgisch stark und gut getaktet.

THORONDIR spinnen mit „Geisterheer Vom Fichtelwald“ ein dichtes Klanggewebe aus epischer Gitarrenarbeit und marschierendem Midtempo. Bemerkenswert ist, dass es THORONDIR gelingt die epische Stimmung mit viel starker Gitarrenperformance zu erzeugen und sich hier nicht auf Synthies verlässt. Wilde Ausritte preschen dazwischen. So genial ich die erste dynamische Hälfte des Songs mit seinem erzählerischen Drive finde, so lässt meine Begeisterung in der zweiten Hälfte nach. Denn es folgt wieder ein sphärischer Part und der Song kommt dann bis zum Ende nicht mehr so richtig aus den Puschen. Der sphärische Ausklang wirkt wie ein Nebel, der sich zu früh legt. atmosphärisch, aber nicht mehr mitreißend.

„Baldurs Ruf“ beginnt wie ein stiller Abgesang: Akustikgitarren malen eine kontemplative Landschaft, die sich Zeit nimmt…vielleicht zu viel. Erst nach vier Minuten erhebt sich der Song, Riffs und Drums treten hinzu, doch die späte Wendung wirkt wie ein Nachzügler. Der epische Anspruch ist da, aber die Spannung verliert sich auf halber Strecke. Der Song will groß sein, doch der lange Anlauf bremst die Wucht. Da hätte man straffen können, ohne die Wirkung zu verlieren.

Fazit

THORONDIRs „Wächter des Waldes“ überzeugt mit brachialen Tracks, die mit krachender Energie einschlagen und mit epischen Klanglandschaften glänzen. Insgesamt ein atmosphärisch dichtes und ansprechendes Album, das bestens zu unterhalten weiß. Fans können bedenkenlos zuschlagen.

Genre: Pagan Metal

Release: 16.05.’25

Label: Self Release

NORDBLUT (Facebook) kommen aus Österreich und frönen dem harten rauen Pagan Metal. Ihr Album handelt von alten Schlachten in einer fiktiven Geschichte, wobei ein gefürchteter Krieger die Hauptrolle spielt. Er schlägt brutale Schlachten, muss aber irgendwann feststellen, dass er sein Leben lang einer Täuschung erlegen war. Daraufhin versucht er seinem Schicksal zu entfliehen.

Die Storyline ist zwar nicht bahnbrechend neu, aber zumindest kann sie eine Grundlage für spannende Geschichten sein. Also stürzen wir uns mit in die Schlacht und begleiten den Krieger auf seinen Pfaden.

Der erste Angriff erfolgt mit dem Song „Berserkerwut“ und ohne Umschweife wird man ins Schlachtengetümmel geworfen. Der martialisch melodische Beginn macht schon direkt einen guten Eindruck. Wenn dann die markanten fiesen Vocals von Sängerin Hagazussa Einzug erhalten, ist der Eindruck sehr stimmig. Die Vocals kontrastieren super zu der an sich recht melodisch gehaltenen Untermalung und bringen die gewollte Härte und Unbarmherzigkeit in den Sound. Ihre Vocals gehen wirklich durch Mark und Bein. Ich schätze sehr, dass ich die deutschen Texte meistens wunderbar verstehen kann. Das fördert bei mir die Lust mitzusingen, gerade was den Refrain angeht. Das dürfte live auf jeden Fall richtig scheppern und für ein lautstark mitsingendes Publikum sorgen.

Damit bin ich schon einmal passend eingestimmt. Doch der zweite Song „Sword Of Asgard“ überrascht mich dann. Denn plötzlich vernehme ich englische Lyrics. Die werden zwar gewohnt stark geschmettert, aber ich frage mich, warum man plötzlich sprachlich umschwenkt. Denn die Musik funktioniert doch hervorragend mit deutschen Texten. Ist das ein Tribut an die internationale Szene? Ich vermute es fast, aber eigentlich halte ich es für unnötig. Abgesehen davon ist der Song unbestritten toll in Szene gesetzt. Jedoch begrüße ich es, dass bis auf zwei Songs alle in deutscher Sprache gehalten sind.

So freue ich mich wieder auf „Abglanz der Schlacht“ und auch dieser Song bestätigt mir, dass mir die Musik von NORDBLUT in deutscher Sprache besser gefällt.

„Bis zum letzten Mann“ reiht sich ehrenvoll in die Reihe der Schlachtengesänge ein und schreitet unerbittlich im Midtempo voran. Es ist ein Beispiel für einige Songs auf dem Album, wo ich mir beim tollen Refrain mehr Unterstützung durch die männlichen Bandkollegen vorstellen könnte, um den ganzen noch mehr „Wumms“ zu geben und gesanglich noch mehr Akzente zu setzen.

Insgesamt gehen die Songs kompromisslos einen geradlinigen Weg und somit spiegeln sie die rohe Gewalt der alten Schlachten gut wider. Der Song „In Die Neue Welt“ enthüllt ein gutes Gefühl für melodische Gitarrenarbeit, die sich hier sogar in einem feinen Solo auslebt.

„Skogamor“ (Anm.d.R.: Verbannter, Geächteter) verköpert einen tollwütigen Krieger, der erbarmungslos eine Schneise von Tod und Zerstörung hinterlässt. Der Song ist ein echter Wüterich, der super dafür geeignet ist live einen zünftigen Moshpit zu entfachen. Auch dieser Song zeigt, dass man unter anderem mit interessanten Gitarrenakkorden für Akzente sorgt.

Seit der weltberühmten Serie „Vikings“ wissen viele, worum es beim Hinrichtungsritual des Blutadlers geht. Es wurde bei den Wikingern Verrätern und Feinden zuteil. Es ist ein unbeschreiblich grausames Ritual und der Song „Blutadler“ bringt dies auch schonungslos zum Ausdruck. All der Schmerz wird hier spürbar gemacht, wenn Sängerin Hagazussa ihre schmerz-und wuterfüllten Schreie herausbrüllt.

Fazit

NORDBLUT kämpfen mit ihrem Pagan Metal in einer brutalen Schlacht. Die Angriffe werden hart geschmettert und sind von roher Natur. Auch mit melodischen Akzenten können NORDBLUT überzeugen. Dabei zeigt sich auch eine starke Eingängigkeit, die zum Mitsingen einlädt und auch live für gute Stimmung sorgen sollte. Ich sehe da tatsächlich ein großes Potential für weitere musikalische Großtaten in kommenden Schlachten. Die Produktion geht völlig in Ordnung und spendiert der Musik den passenden Rahmen. (8 von 10 Punkten)

english review

Genre: Pagan Metal

Release: 16.05.’25

Label: Self Release

NORDBLUT (Facebook) come from Austria and indulge in hard, rough pagan metal. Their album is about ancient battles in a fictional story, with a feared warrior playing the leading role. He fights brutal battles, but eventually realizes that he has been deceived all his life. He then tries to escape his fate.

The storyline may not be innovative, but at least it can form the basis for exciting stories. So let’s join the battle and accompany the warrior on his journey.

The first attack comes with the song „Berserkerwut“ and without further ado you are thrown into the battle. The martial melodic beginning makes a good impression straight away. When the distinctive nasty vocals of singer Hagazussa enter, the impression is very coherent. The vocals contrast perfectly with the rather melodic background music and bring the desired harshness and ruthlessness to the sound. Their vocals really go through flesh and bones. I really appreciate the fact that I can usually understand and so able to follow the German lyrics. That makes me want to sing along, especially with the chorus. It should definitely rattle live and get the audience singing along loudly.

So I’m already in the right mood. But then the second song „Sword Of Asgard“ surprises me cause suddenly I hear English lyrics. They are sung just as vigorously, but I wonder why they’ve suddenly switched languages. After all, the music works excellently with German lyrics. Is this a tribute to the international scene? I almost suspect so, but I actually think it’s unnecessary. Apart from that, the song is undeniably well performed. However, I welcome the fact that all but two songs are in German.

So I’m looking forward to „Abglanz der Schlacht“ and this song also confirms that I like NORDBLUT’s music better in German.

“Bis zum letzten Mann” joins the ranks of battle songs with honor, relentlessly fighting its way forward at mid-tempo. It is an example of several songs on the album where I could imagine more support from the male bandmates on the chorus to give the whole thing even more heavy power and set even more vocal accents.

Overall, the songs follow an uncompromisingly straightforward path and thus reflect the brute force of the old battles well. The song „In Die Neue Welt“ reveals a good feeling for melodic guitar work, which even comes to life here in a fine solo.

„Skogamor“ (note: banished, outlawed) embodies a rabid warrior who mercilessly leaves a trail of death and destruction. The song is a real rage that is perfect for igniting a proper moshpit live. This song also shows that interesting guitar chords, among other things, can provide accents.

Since the world-famous series „Vikings“, many people know what the execution ritual of the blood eagle is all about. It was given to traitors and enemies by the Vikings. It is an indescribably cruel ritual and the song „Blood Eagle“ expresses this ruthlessly. All the pain is made palpable here when singer Hagazussa roars out her screams filled with pain and rage.

Conclusion

NORDBLUT fight a brutal battle with their pagan metal. The attacks are blasted hard and are of a raw nature. NORDBLUT can also convince with melodic accents. There is also a strong catchiness that invites you to sing along and should also create a good atmosphere at live gigs. I can actually see great potential for further musical hymns in future battles. The production is perfectly fine and gives the music the right setting. (8 out of 10 points)

Worum geht es? Thematisch verweben Sarvekas Heidentum, skandinavische Mythologie und ihrer ganz persönlichen Hingabe an die Dunkelheit. Nach eigenen Aussagen geht es dem Duo darum, „sich mit dunklen alten Riten, dem Blutvergießen für die Vorfahren und dem wahren nordischen Geist sowie der Philosophie anhand alter nordischer Überzeugungen zu befassen.“ Derzeit konzentrieren sie sich darauf, Live-Auftritte zu ermöglichen und gleichzeitig neue Musik zu komponieren, so die Band weiter.

„Woven Dark Paths“ von Sarvekas: Old-School-1990er-Black-Metal

Das Intro des Albums ist mit über zwei Minuten Dauer etwas langatmig. Dann aber geht es richtig brachial zur Sache. Vollgas, was die Pedale hergeben. Blastbeats ohne Ende! Trotz allen Tobens bleiben die Songs sehr atmosphärisch, aber immer auf eine eindringlich aggressive Art und Weise. Und das Album ist beim genauen Hinhören melodischer als es auf den ersten Blick vermuten lässt. Fazit: Sarvekas ballern echt finsteren Old-School-1990er-Jahre-Black Metal über acht Songs (48 Minuten).

„Woven Dark Paths“ by Sarvekas is the debut album

„Woven Dark Paths“ by Sarvekas is the debut album after an EP from 2020. The band is a black metal duo from southern Finland. The two hooked up in late 2018. Now they present their first full-length player.

Thematically, Sarvekas interweave paganism, Scandinavian mythology and their very personal devotion to darkness. By their own admission, the duo are about „dealing with dark ancient rites, ancestral bloodshed and the true Norse spirit and philosophy through ancient Norse beliefs.“ Their current focus is on enabling live performances and simultaneously to compose new music, the band continues.

„Woven Dark Paths“ by Sarvekas: old school 1990s black metal

The album’s intro is a bit lengthy at over two minutes long. But then things get really violent. Full throttle, what the pedals give. Endless blast beats! Despite all the romp, the songs stay very atmospheric, but always in a hauntingly aggressive way. And if you listen closely, the album is more melodic than you might think at first glance. Conclusion: Sarvekas blast really dark old school 1990s Black Metal over eight songs (48 minutes).

In eigener Sache

Und natürlich gibt es noch viele weitere News, Reviews und Live-Berichte aus der Szene der harten Töne bei uns. Doch um ja nichts zu verpassen, abonniert Ihr am besten unseren kostenlosen Newsletter. Oder Ihr folgt uns bei Facebook. Die besten Bilder findet Ihr dann bei Instagram. Und unser YouTube Channel hält schon jetzt einiges bereit. Also schaut mal rein!

HEATHEN FORAY (Facebook) aus Österreich haben sich 2005 gegründet. Am 07.04.2023 ist es soweit und das neue Album „Oathbreaker“ erblickt das Licht der Welt. Die Band hat schon immer einen guten Qualitätsstandard bewiesen. Das letzte Album „Weltenwandel“ war jedoch schon sehr düster geraten. Das neue Album orientiert sich mehr an die früheren Werke. Allerdings hat man sich einen großen Schritt weiterentwickelt. Die technischen Skills und auch das Songwriting haben sich merklich verbessert. Zumindest ich habe das Gefühl, dass HEATHEN FORAY auf „Oathbreaker“ einen geilen Sound entwickelt haben. Aber der Reihe nach….

Es beginnt

mit dem Titeltrack „Oathbreaker“. Eine sehr gute Wahl, um die musikalische Reise einzuleiten. Der massive Brecher marschiert floot nach vorne und ist dabei sehr eingängig gestaltet. Der Refrain wird wohl auf jedem Konzert kräftig mitgesungen werden. Die Gitarren klingen verspielt und lebendig, was auch zur Intensivierung des melodischen Faktors und des Energielevels beiträgt. Es hat sich einfach insgesamt in allen Bereichen viel getan. Hier hat der Mix von englischen und deutschen Vocals auch durchaus seinen Charme. Auf das Thema gehe ich aber später noch ein. Hört erst einmal mal selber, was der Opener des Albums zu bieten hat.

Tolle Produktion

Der Sound klingt sehr ausgewogen, wobei alles kraftvoll mit gehörig Druck rüberkommt und die Details nicht verloren gehen. Besonders positiv ist mir dabei auch der Gesang aufgefallen, den man fast immer wunderbar verstehen kann. Das fördert die Verbundenheit mit den Songs. Gleichwohl kommen aber auch alle Instrumente ausgezeichnet zur Geltung.

Es scheint, dass die Band einen guten Schluck aus dem Horn der Kreativität getrunken hat. Die Songs sind ausgefeilt und abwechslungsreich, was das Herz durchweg durchweg das Herz höher schlagen lässt. Es wird Stimmung ohne Ende gemacht. Bemerkenswert ist, dass das Ganze einen folkigen Touch hat, aber komplett auf Folkinstrumente verzichtet wird. Als Paradebeispiel sei beispielsweise „Allvoll“ genannt, der zwar speedy thrashig abgeht, aber schlussendlich einen ehrlichen Schuss Folk in sich hat, wenn der schwungvolle Refrain erklingt.

Auch die epischen monumentalen Reisen

sind HEATHEN FORAY nicht fremd. So wagen sie sich sich an zwei überlange Tracks mit über sieben Minuten Spielzeit. Und auch diese Zeit füllen sie mit pfiffigen Ideen, die zu begeistern wissen. Die Songverläufe sind deshalb kurzweilig und eingängig gestaltet. Da möchte man keine Rast machen, sondern ist gespannt, was die Reise noch so hergibt. „1000 years of human flesh“ ist einer der gigantischen Tracks. Im majestätischen Midtempo erhebt sich dieser Song, in dem der Gesang schwankt zwischen herrlich fies und kraftvoll beschwörend.

Die Gitarrenarbeit ist auf einem hohen Niveau. Diese geilen Leads und das mitreißende Riffing wirkt immer stimmig. Die Solos sind super gemacht und sorgen ebenfalls für tolle Momente.

Das Leben ist ein Abenteuer

Dies findet man auch im anderen Gigantikus „Leben“, wenn man sich schon alleine das herrlich melodische Intro dieses Songs reinzieht. Und dann folgt die Prügel!

Der Song wechselt in den Vollgasmodus und ebenso dort vergisst man nicht den melodischen Faktor. Die bedeutsame Botschaft setzt sich mit voller Power im Metalherz fest. Nach fast vier Minuten folgt eine atmosphärischer Part, der sich vortrefflich einfügt und eine mächtige Ausstrahlung besitzt. Damit wird auch das Gitarrensolo eingeleitet.

Geil finde ich, dass sich dieses tolle Solo über eine satte Temposteigerung im Song erstreckt. Da tanzt plötzlich der Teufel Tango im heißen Feuer. Da dürfen alle Instrumentalisten und vor allem der Leadgitarrist noch mal ein richtiges Feuerwerk abfeuern. Ein wahres Highlight des Albums. Einfach gigantisch! „Leben“ ist ein Song für die Ewigkeit!

Mit heroischem Feeling

kommen Songs wie „Covenant Of Swords“ rüber, die eher den heroischen Charakter verinnerlichen. Es klingt nicht ganz so schwer, sondern hat mehr leichte Melodien. Auch wenn man mich für verrückt halten mag, hatte ich bei den Gitarrenleads manchesmal Assoziationen an die Klänge eines Dudelsacks, z.B. direkt beim Beginn des Songs.

Grandios aber auch hier, wie sich der Gesang hier darstellt, was mir besonders im deutschsprachigen Part gefällt. Dunkel und massiv erhebt er sich über die melodischen Leads. Ich finde es schade, dass der Song nicht komplett in deutscher Sprache gesungen wurde. Bei diesem Song haben mir die deutschsprachigen Parts deutlich besser gefallen.

The Deutsch-English Mix

Das bringt mich zu der Frage, warum man nicht das komplette Set in Deutsch singt. Die Mischung der Sprachen hat manchmal ihren Charme, aber der Gesang in deutscher Sprache ist so geil, dass es eigentlich gar nicht notwendig wäre in die englische Sprache zu wechseln. Mir persönlich würde die deutsche Sprache vollkommen ausreichen, da sie dem Sound meiner Meinung nach mehr Ausdruck verleiht.

Das zeigt sich für mich dementsprechend im Song „Ahnenreih“. Ein grooviger Song, der sich wie „Leben“ in epische Gefilde begibt. Ein weiterer atemberaubender Song, der alles bietet, was man sich wünscht.

Fazit

HEATHEN FORAY haben mit „Oathbreaker“ ein grandioses Album erschaffen. Die Songs begeistern mit einem hohen Unterhaltungsfaktor. Der zu jederzeit druckvolle und mitreißende Sound wurde auf ein neues Level gehoben und sollte die Fangemeinde in erheblichem Maße vergößern. HEATHEN FORAY werden sich sicherlich in meiner Bestenliste des Jahres 2023 wiederfinden.

English review

Pagan Metal

HEATHEN FORAY (Facebook) from Austria were formed in 2005. They play Pagan/Viking Metal. On 07.04.2023 the time has come and the new album „Oathbreaker“ sees the light of day. The band has always proved a good quality standard. However, the last album „Weltenwandel“ was very dark. The new album is more oriented to the earlier albums. However, they have technically developed a step further and also the songwriting has improved noticeably. At least I have the feeling that HEATHEN FORAY have an awesome sound on „Oathbreaker“. But one after the other….

It starts vehemently

with the title track „Oathbreaker„. A very good choice to introduce the musical journey. The massive smascher marches floot forward and is designed very catchy. The chorus will probably be sung along vigorously at every concert. The guitars sound playful and lively, which also contributes to the intensification of the melodic factor and the energy level. There has simply been a lot of improvement overall in all areas. Here the mix of English and German vocals also has its charm. But I’ll go into that topic later. First listen for yourself what the opener of the album has to offer.

Strong sound

The music sounds sophisticated, everything comes across powerfully and the details are not lost. I was particularly impressed by the singing. You can almost understand every word in the singing. This fosters a connection with the songs. Nevertheless, all instruments come into their own.

It seems that the band has drunk from the horn of creativity. The songs are varied and make the heart beat faster throughout. The compositions are polished and offer the best entertainment. It is remarkable that the whole thing has a folky touch, but completely renounces folk instruments. A prime example is „Allvoll“, which goes off speedy thrashy, but finally has an honest shot of folk in it, when the swinging chorus sounds.

Also epic monumental journeys

are not a strange thing for HEATHEN FORAY. So they dare to two overlong tracks with over seven minutes playing time. And also this time they fill with many smart ideas that know how to inspire. The song progressions are therefore entertaining and catchy. You don’t want to take a break, but are curious to see where else the journey will take you. „1000 years of human flesh“ is one of the gigantic majestic tracks. The vocals fluctuate between wonderfully nasty and powerfully evocative.

The guitar work has now reached a high level. These horny leads and the rousing riffing always seems coherent. The solos are super done and also provide great moments.

Life is an adventure

This can also be found in the other gigantic song „Life“! If you just take a look at the wonderfully melodic intro of this song. And then follows the blast!

The song switches to full throttle mode and also there you don’t forget the melodic factor. The meaningful message settles with full power in the metal heart. After almost four minutes, an atmospheric part follows, which fits in excellently and has a powerful aura. This also introduces the guitar solo.

I think it’s cool that this long solo extends over a full increase in tempo. All instrumentalists and especially the lead guitarist are allowed to fire off some real fireworks. A true highlight of the album and hardly to evaluate with points. Simply gigantic! „Life“ is a song for eternity!

With heroic feeling

songs like „Covenant Of Swords“ come across. It doesn’t sound quite as heavy, but has more light flying melodies. Even though you might think I’m crazy, I had associations with the sounds of a bagpipe during the guitar leads some times, e.g. right at the beginning of the song.

Grandiose but also here, how the vocals present themselves here, which I like especially in the German-language parts. With dark power, the vocals rise above the melodic leads. To be honest I don’t know why the whole song wasn’t sung entirely in German. I liked the German-language parts better on this song.

The German English Mix

Now I come to my consideration, why HEATHEN FORAY don’t sing the complete set in German. The mixture of languages sometimes has its charm (see „Oathbreaker“), but the vocals in German are so cool that it would not really be necessary to switch to English. Personally, the German language would be quite enough for me, as I think it gives more expression to the sound, especially since it is not so common in this metal genre.

This shows for me accordingly in the song „Ahnenreih“. A groovy imposing song that, like „Leben“, goes into epic realms and offers everything you could wish for.

Conclusion

HEATHEN FORAY have created a terrific album with „Oathbreaker“. The songs inspire with a high entertainment factor. The at any time powerful and rousing sound was raised to a new level. This should increase the fan base considerably. HEATHEN FORAY will certainly find themselves in my top list of 2023.

Irish Folk Metal

CRUACHAN (Facebook) haben eine lange Tradition, denn sie musizieren seit 1992 und wie man sich vorstellen kann, hat die Band viel durchgemacht. Viele Höhen, aber auch einige Tiefpunkte. Am Ende stand Gründer Keith Fay in der Corona-Pandemie fast allein dar, nachdem er schon Songs für das neue Album geschrieben hatte. Und er hatte schon immer starke Visionen. Stillstand oder gar Aufgeben war nie eine Option für ihn und er strebte immer nach mehr. Und so traf er eine Entscheidung, die eigentlich nie in Frage stand, denn diese Band ist Teil seines Lebens, Teil seines Herzens. Er würde es nie freiwillig herausreißen.

Statement von Gründer, Sänger & Gitarrist Keith Fay:

Dieses Album musste gut sein. Nein, es musste besser als gut sein. Es musste das beste CRUACHAN-Album werden, das je gemacht wurde. Im Jahr 2020, mitten in der Pandemie, stand ich vor einer Entscheidung, als drei Bandmitglieder die Band verließen. Mache ich Schluss oder mache ich weiter mit der Mammutaufgabe, alle zu ersetzen? Es gab keine wirkliche Entscheidung zu treffen, ich hatte über die Jahre viel zu hart gearbeitet, um zuzulassen, dass CRUACHAN sich auflöst. In den letzten Jahren hatte ich einige der besten Stücke meiner Karriere geschrieben. Ich sicherte mir einen Plattenvertrag mit einem Label (Despotz Records aus Schweden), das genau verstand, was CRUACHAN und meine Vision ist.

Keith Fay im Pressetext über CMM Promotion

persönliche Dinge bzw. Erlebnisse

haben dieses Album geprägt. Hier präsentieren sich viele Eindrücke und Emotionen, die in verschiedenen Geschichten dargeboten werden. Und auch Geschichten aus der heidnischen Mythologie werden verarbeitet.

Den Rahmen des Albums bilden die beiden Tracks „The Living“ und „The Dead“. Hierbei wird der Opener „The Living“ seinem Namen mehr als gerecht. Dementsprechend ist der Instrumentaltrack ein gutgelauntes Stück Musik und sorgt im Handumdrehen für gute Stimmung und fördert den Drang zum Tanzen oder sich ein kühles Bier die Kehle runterrinnen zu lassen. Mehr Folk Metal geht nicht! Es rockt wie der Teufel. Die folkischen Instrumenten harmonieren wunderbar mit den Gitarrenriffs. Darüber hinaus feuern die Drums den Sound an und die Geige bringt das Ding völlig zum Brennen. Hier sticht Audrey Trainor, die seit ihrem vierten Lebensjahr Violine spielt, als begnadete Musikerin ebenfalls hervor. Darüber hinaus lässt sich positiv feststellen, dass der gesamte Sound den rauen Ton der alten Zeit versprüht. Er ist hart, direkt und authentisch. Die Produktion passt optimal zu dieser Musik und diesem Album.

Das Outro „The Dead“ klingt dagegen wesentlich dunkler und aggressiver. Es beginnt bedächtig mit schwermütigen Violinenklängen, doch zum Ende der ersten Minute wird es zu einem aggressiven vernichtenden Angriff. Zum Ende schließt sich der Kreis, indem die Wut endet und dem Hörer sanft melancholisch aus dem Album geleitet wird. Doch ich bin mir sicher, dass jeder direkt die Wiederholungstaste drücken wird, um die Reise sofort von vorne zu beginnen.

„The Queen“

ist der zweite und auch längste Track. Und man darf hier sogar von progressiven Ansätzen sprechen, wobei es natürlich nicht zu kompliziert wird. Alle Stimmungen fließen ineinander und finden sich harmonisch zusammen. Dabei führt der Fluß durch unterschiedliche Welten, so dass „The Queen“ an sich schon eine epische Reise vollzieht. Deshalb bin ich hier schon bei der ersten Etappe total überwältigt angesichts der vielen verschiedenen Ufern und Orten, an denen ich vorbeitreibe. Es startet beschwingt und fröhlich, wobei es nicht lange dauert bis Sänger Keith seine fiesen Vocals rauslässt.

Dann folgt eine toller melodischer reiner Folkpart mit passendem klassischen Gesang. Anschließend ergießt sich ein epischer Instrumentalpart mit sehr atmosphärischer Ausstrahlung, in dem man sich wunderbar verlieren kann. Einfach nur schön! Ein fließender Übergang geleitet den Hörer wieder in den gitarrenlastigen treibenden Part und der Song gewinnt wieder an Kraft und Masse mit einem krachenden Schlusspart, der kein Stein auf dem anderen lässt. Was für ein monumentales Erlebnis!

Traditionen

„The Hawthorne“ hat eine ruhigere Ausstrahlung und versprüht eine Traurigkeit, passend zur Geschichte, die hier erzählt wird. Es gibt eine Erläuterung seitens der Band dazu:

Der Weißdornbaum ist ein Feenbaum. Man sieht ihn überall in Irland an seltsamen Orten wachsen, wo andere Bäume gefällt worden wären. Es bringt aber Unglück, einen Weißdornbaum zu fällen, weil man sonst das Feenvolk verärgert.

In dem Lied nimmt die Frau ihr totes Baby mit, um es unter dem Baum zu begraben und den Feen zu schenken. Wir wissen nicht, wie das Baby gestorben ist oder was zu dieser Entscheidung geführt hat, aber sie ist in ihren Gewohnheiten verhaftet und das Baby wird kein christliches Begräbnis bekommen.

Offizieller Kommentar auf YouTube zum Video „The Hawthorn“

Lass jucken Kumpel!

Neben den etwas melancholisch Momenten verstehen sich CRUACHAN aber vor allem darauf mächtig Stimmung zu machen. Das gelingt einerseits durch krachende Songs, die es an Härte nicht missen lassen. Dabei ist der Track „The Ghost“ als brachialste Version in dieser Hinsicht zu entdecken. Hier gibt auch Mathias ‘Vreth’ Lillmåns von FINNTROLL sein Gastspiel als Sänger. Und das passt wie die Faust aufs Auge. Ein sehr aggressiver Track, der keine Gefangenen macht. Ultrascharfe Riffs, wilde Drums und fiese Vocals prägen diesen Song.

Ansonsten ist man nicht immer ganz so finster unterwegs, sondern sorgt mit klassischem Folkfeeling in Verbindung mit feurigen rockigen Metalparts für Stimmung. „The Crow“ ist ein Paradebeispiel dafür.

Das mysteriöse „The Changeling“

schlägt wieder in eine völlig andere Richtung. Bei diesem Song dominiert zunächst das sehr fesselnde Duett mit Gastsänger Jon Campling und Gastsängerin Nella. Dem Song wohnt eine unheimliche Note inne, wobei noch eine sehr martialische Wandlung stattfindet.

Ein richtiger Rock ’n‘ Roller ist der Song „The Witch“. Der Song geht fröhlich frech nach vorne und macht voll gute Laune! Hier wird ein wildes Fest gefeiert, wozu auch das tolle Solo von Gastgitarrist Stu ‘La Rage’ Dixon hervorragend passt.

„The Reaper“ war die Single des neuen Albums, auf welche ich aufmerksam wurde. Und dieser Song hat mich mit seiner Intensität berührt. „The Reaper“ hat mich die letzten Wochen fast täglich begleitet, denn ich konnte und kann mich nicht satt hören an diesem Meisterwerk. Eingeleitet mit einem fetten schweren Bass erklingt dieser zunächst majestätische Brecher. Der eingestreute Chorus, welcher nur mit der Violine begleitet wird, kontrastiert mit den schweren Strophen. Und was sich dann im instrumentalen Zwischenspiel eröffnet, ist eine emotional epische Offenbarung, die das Herz mit Emotionen flutet. Dieser Song vereint zwei verschiedene Welten in sich. Erst später habe ich erfahren, dass der Song geschrieben wurde, als der Vater von Keath starb. Das gibt diesem Song noch viel mehr Bedeutung.

Fazit

CRUACHAN haben mit „The Living and The Dead“ ein Meisterwerk des Folk Metal erschaffen. Die Fusion von Folk und Metal ist phänomenal gelungen. Dieses Album ist sozusagen ein Schwert, das aus Damast-Stahl geschmiedet wurde. Es besteht aus vielen verschiedenen Schichten, die am Ende eine hartes scharfes Schwert liefern, aber gleichzeitig ist es mit diversen Maserungen kunstvoll verziert.

Das Album ist so abwechslungsreich und zugleich unterhaltsam gestaltet, dass nicht ein Moment der Langeweile aufkommt. Ganz im Gegenteil! Man ist schier überwältigt von den genial komponierten Songs. Dazu kommen die hochprofessionellen Musiker, die dem ganzen Sound die Seele verleihen, durch die diese Musik zum Leben erwacht. Die klassischen Instrumente werden vortrefflich dargeboten und perfektionieren den Folk Faktor. Doch die Violine ist ein wahrgewordener Traum und schenkt den Songs immer wieder die passende Atmosphäre. Wahnsinn! Es gibt keine schwachen Songs! Man merkt jedem Song das Herzblut und die Liebe an, mit dem er komponiert und gespielt wurde. Jeder Song ist eine Wucht!

Dies ist ein Album, wo die 10 Punkte unserer Skala eigentlich nicht ausreichen. Und ich bin jetzt schon total überwältigt von den ganzen genialen Alben, die bereits in diesem Jahr veröffentlicht wurden. Gerade der 24.03.2023 ist ein Datum, an dem sehr viele fantastische Alben in vielen verschiedenen Kategorien veröffentlicht werden. Von mir aus kann es so weitergehen, auch wenn die Wahl für die Top List 2023 eine verdammt schwierige Angelegenheit wird. An die Wahl zum Album des Jahres will ich gar nicht erst denken.

Die Metalszene lebt und wir sollten sie weiter am Leben erhalten und unterstützen. Also bitte kauft die Alben und den Merch! Ich kann nicht oft genug wiederholen wie wichtig das ist. Das betrifft auch die Vorbestellungen von Alben oder Karten für Konzerte. Wenn ich an Eurer Stelle wäre, würde ich das Album schnellstens vorbestellen, denn es gibt nur eine limitierte Edition der goldenen Vinyls. Ich habe mir eine gesichert, und zwar hier:

DESPOTZ Records shop

English review

Irish Folk Metal

CRUACHAN (Facebook) have a long tradition, because they have been making music since 1992 and as you can imagine, the band has been through a lot. Many highs, but also some lows. In the end, founder Keith Fay is left almost alone in the Corona pandemic, having already written songs for the new album. He always had strong visions. Standing still or even giving up was never an option for him and he always strived for more. And so he made a decision that was actually never in question, because this band is part of his life, blood of his heart. He would never tear it out voluntarily.

Statement by founder, singer & guitarist Keith Fay:

This album had to be good. No, it had to be better than good. It had to be the best CRUACHAN album ever made. In 2020, in the midst of the pandemic, I was faced with a decision when three band members left the band. Do I call it a day or continue with the mammoth task of replacing everyone? There was no real decision to make, I had worked way too hard over the years to allow CRUACHAN to break up. Over the last few years I had written some of the best songs of my career. I secured a record deal with a label (Despotz Records from Sweden) that understood exactly what CRUACHAN and my vision was.

Keith Fay–> Presstext über CMM Promotion

personal things or experiences

have shaped this album. This is what often happens in the rock and metal world. So many impressions and emotions, which are presented here in different stories. And also stories from pagan mythology are processed.

The album is framed by the two tracks „The Living“ and „The Dead“. The opener „The Living“ more than lives up to its name. This instrumental track is a good-humored piece of music and creates a good mood in no time and promotes the urge to dance or let a cold beer run down your throat. You can’t get more folk metal than this! It rocks like hell. The folk instruments harmonize wonderfully with the guitar riffs. The drums fire up the sound and the violin totally sets the thing on fire. Audrey Trainor is a gifted violinist. She has been playing since she was four years old. The whole sound exudes the raw sound of the old days. In addition, the sound exudes the rough tone of the old days. It is hard, direct and authentic. The production fits perfectly to this music and this album.

The outro „The Dead“, on the other hand, sounds much darker and more aggressive. It begins thoughtfully with melancholy violin sounds, but by the end of the first minute it becomes an aggressive crushing attack. Towards the end, it comes full circle as the rage ends and the listener is led out of the album gently melancholy. But I’m sure everyone will hit the repeat button right away to start the journey all over again.

„The Queen“

is the second and also longest track. And one may even speak of progressive approaches here, whereby it doesn’t get too complicated, of course. All moods flow into each other and come together harmoniously. The flow leads through different worlds, so that this song „The Queen“ in itself completes an epic journey. I’m totally overwhelmed by all the different shores and places I’m drifting by. It starts off upbeat and happy, with it not taking long for singer Keith to let out his nasty vocals.

Then follows a great melodic pure folk part with matching classical vocals. Then pours an epic instrumental part with very atmospheric charisma, in which you can lose yourself wonderfully. Damn beautiful! A smooth transition leads the listener back into the guitar-heavy driving part and the song gains power and mass again with a crashing final part that leaves no stone unturned. What a monumental experience!

Traditions

„The Hawthorne“ has a quieter vibe and exudes a sadness, fitting for the story being told here. There is an explanation on the part of the band about it:

The hawthorn tree is a fairy tree. It is seen growing all over Ireland in strange places where other trees would have been cut down. However, it is bad luck to cut down a hawthorn tree because otherwise you will anger the fairy folk. In the song, the woman takes her dead baby to bury it under the tree and give it to the fairies. We don’t know how the baby died or what led to this decision, but she is stuck in her ways and the baby will not get a Christian burial.

Official comment at YouTube about Video „The Hawthorn“

Let it rip dude!

In addition to the somewhat melancholic moments, CRUACHAN know how to create a powerful sound. This succeeds by cracking songs, which don‘ t lack hardness. The track „The Ghost“ is the most brute version in this respect. Here also Mathias ‚Vreth‘ Lillmåns from FINNTROLL gives his guest performance as a singer. And that fits like a glove. A very aggressive track that takes no prisoners. Ultra sharp riffs, wild drums and nasty vocals characterize this song.

Otherwise, one is not always quite so sinister on the way, but provides with classic folk feeling in connection with fiery rocky metal parts a burning experience. „The Crow“ is a prime example of this.

The mysterious „The Changeling“

strikes again in a completely different direction. This song is initially dominated by the very captivating duet with guest singer Jon Campling and guest singer Nella. The song has an eerie note, whereby a very martial transformation takes place.

A real rock ’n‘ roller is the song „The Witch“. The song goes cheerfully cheeky forward and makes full good mood! Here is a wild celebration, to which also the great solo of guest guitarist Stu ‚La Rage‘ Dixon fits perfectly.

„The Reaper“ was the single from the new album that caught my attention. And this song touched me with its intensity. „The Reaper“ has accompanied me almost daily for the last few weeks, because I could not and can not get enough of this masterpiece.

Introduced with a fat heavy bass sounds this initially majestic breaker. The interspersed chorus, which is accompanied only by the violin, contrasts with the heavy verses. And what opens up in the instrumental interlude is an emotionally epic revelation that floods the heart with emotion. This song combines two different worlds. It wasn’t until later that I learned that the song was written when Keath’s father passed by. That gives this song that much more meaning.

Conclusion

CRUACHAN created a masterpiece of folk metal with „The Living and The Dead“. The fusion of folk and metal is phenomenally successful. This album is, so to speak, a sword forged from Damascus steel. It consists of many different layers, which in the end provide a hard sharp sword, but at the same time it is artfully decorated with various grains.

The album is so varied and at the same time entertainingly designed that not a moment of boredom arises. Quite the opposite! One is almost overwhelmed by the ingeniously composed songs. In addition, the highly professional musicians give the whole sound the soul through which this music comes to life. The classical instruments are superbly performed and perfect the folk factor. But the violin is a dream come true and always gives the songs the right atmosphere. Madness! There are no weak songs! You can feel the heart and soul with which each song was composed and played. Each song is a stunner!

This is an album where the 10 points of our scale are actually not enough. And I am already totally overwhelmed by all the brilliant albums that have already been released this year. Especially the 3/24/2023 is a date where a lot of fantastic albums in many different categories will be released. It can go on like this for all I care, even if the choice for the Top List 2023 will be a damn difficult matter. I don’t even want to think about the election for the album of the year.

The metal scene is alive and we should keep it alive and support it. So please buy the albums and the merch! I can’t repeat often enough how important this is. This also applies to pre-orders of albums or tickets for concerts. If I were you, I would pre-order the album ASAP, because there is only one limited edition of the gold vinyl. I have secured one for myself here:

DESPOTZ Records shop

Die Northern Crusades waren eine Reihe von Feldzügen. Und diese fanden zwischen dem 12. und 13. Jahrhundert im Baltikum statt. Warum der Begriff Kreuzzüge? Weil das Ziel dieser Feldzüge war, die heidnischen Stämme dort gewaltsam zum Christentum zu bekehren. Darüber hinaus ging es damals auch um territoriale Macht über die Region.

„The Northern Crusades“ von Icestorm: Thematik des Konzeptalbums wurde schon für nationalistische Propaganda missbraucht

Und die Rezeption dieser Thematik hält bis heute an und ist komplex. Sie war folglich auch Teil nationalistischer und faschistischer Ideologie und Propaganda. Denn diese verherrlichte beispielsweise solche Kriegszüge als heldenhafte Bemühungen, das Christentum zu verbreiten. In solchen räumlichen Expansionen durch deutsche Ritter erkannten die Nazis gewisse Parallelen, die sie für ihre Propaganda nutzten. Dabei ging es ihnen um Motive wie rassischer und ethnischer Reinheit. Diese benutzten die Nazis, um ihre Gewalt und den Völkermord gegen Minderheitengruppen zu rechtfertigen.

Dem gegenüber stehen aber auch Narrative, die von den Northern Crusades als Symbol des Widerstands gegen ausländische Aggression und Unterdrückung erzählen. Einige nationalistische Bewegungen im Baltikum haben diese Geschichte folglich genutzt, um ihre Ansprüche auf Unabhängigkeit und Selbstbestimmung zu untermauern. Insgesamt sind die Northern Crusades und ihre Rezeption also ein komplexes historisches Phänomen. Denn sie wurden später von ganz unterschiedlichen Gruppen für deren Zwecke selektiv interpretiert.

Um das alles kurz zu illustrieren: Zentral für das Konzeptalbum „The Northern Crusades“ von Icestorm ist vor allem die Schlacht auf dem zugefrorenen Peipussee. Der See liegt zwischen Estland und Russland. Die genannte Schlacht fand im Jahr 1242 statt. Und damals standen sich der schwer gepanzerte Deutsche Orden und eine russische Koalition gegenüber. Doch trotz zahlenmäßiger Unterlegenheit siegten die russischen Truppen letztlich. Und ihr Anführer Alexander Newski wurde später zum russischen Nationalhelden. – Ist das eine Geschichte, die eine katalanische Band in den gegenwärtigen Kriegszeiten unkritisch und entkontextualisiert erzählen sollte?

Musikalisch überzeugend, aber dem Konzeptalbum fehlt der historisch-kritische Rahmen

Statt dem Konzeptalbum einen historisch-kritischen Rahmen zu geben, stilisiert das Album vor allem die blutige Gewalt dieser düsteren Zeit. Nach einer knapp zweiminütigen, pathetisch gesprochenen Einleitung ballert das Album druckvoll los. Abwechslungsreich, schnell, hart. Streckenweise episch, fast hymnisch. Und die tiefen Growls brachialer als bei so manchen Zeitgenossen im Genre Melodic Death Metal. Keine Frage, musikalisch ist das Album wirklich rundum überzeugend. Besonders spannend: Die drei Musiker gehen immer wieder bis unmittelbar an die Genregrenzen. Sie reizen diese gerne auch mal für einzelne Teile in den Songs gekonnt aus. Dann entstehen kreativ gespielte Anknüpfungspunkte mit Elementen des Power Metal, Symphonic Metal oder auch weiteren Subgenres des Metal. Das macht das rund 34-minütige Album hörenswert für alle, die den unkritischen Umgang mit den Texten und den damit verbundenen, historischen Ereignissen ausblenden können.

In eigener Sache

Und natürlich gibt es noch viele weitere News, Reviews und Live-Berichte aus der Szene der harten Töne bei uns. Doch um ja nichts zu verpassen, abonniert Ihr am besten unseren kostenlosen Newsletter. Oder Ihr folgt uns bei Facebook. Die besten Bilder findet Ihr dann bei Instagram. Und unser YouTube Channel hält schon jetzt einiges bereit. Also schaut mal rein!

Folk Metal

HEIDEVOLK (Facebook) aus den Niederlanden werden am 24. Februar ihr neues Album „Wederkeer“ veröffentlichen. Ich habe schon länger kein gutes Folk-Metal Album mehr genießen dürfen. So habe ich mich umso mehr auf dieses Album gefreut.

Doppelt klingt besser

Der Opener „Hagalaz“ ist eine gepfefferte Ladung Heavy Pagan Metal. Gesanglich lässt man sich nicht lumpen und setzt unverkennbar auf die doppelte Stimmgewalt von Daniël den Dorstighe und Jacco Bühnebeest. Das folkische Flair kommt beim Opener noch nicht so zum Vorschein. Alleine die Vocals sorgen hier für das Pagan-Feeling. Allemal ein guter erster Ritt, um sich auf das Album einzustimmen.

Der zweite Song „Drink Met De Goden“ fängt mich sofort ein. Hier pumpt umgehend die folkische Ader und die Atmosphäre lässt mich frohlocken. Und dann ertönt dieser epische Refrain, der für Stimmung sorgt. Da erhebe ich doch gerne mein Methorn oder meinen Bierhumpen und lasse es krachen. Anschließend schunkel ich zu den geilen Chöre und den später einsetzenden stimmungsvollen Streichern. Ein super Song, der mir am besten auf dem Album gefällt.

Einen besonderen Charme

versprühen altertümliche Gesänge mit entsprechender traditioneller akustischer Instrumentierung. „Schildenmuur“ ist das erste Zwischenspiel dieser Art mit von Trommeln begleitetem Chorgesang.

Am Ende des Albums liefert „Zomervuur“ einen traumhaften Abschluss, der den Focus auf den Gesang und die Streicher legt während leise Trommeln und eine Akustikgitarre einen schönen Klangteppich erzeugen.

Auch der Titeltrack „Wederkeer“ liefert traditionellen Style.

Fazit

HEIDEVOLK lassen mit ihrem Album „Wederkeer“ das erste Folk-Metal-Highlight dieses Jahres erklingen. Die gelungene Mischung zwischen Folk und Heavy Metal macht schon was her. Euch erwarten allerlei knackige Lieder, die den Folk kräftig einatmen. Interessant sind die kontrastierenden akustischen Zwischenspiele. Auf weiten Strecken schmettern die Männer schroffen melodischen Heavy Metal.

Für mich zünden die Songs aber nicht immer auf ganzer Linie. Das Feuer brennt zwar durchweg, aber manchmal eben nicht ganz so heiß. Ein wenig mehr mutige Ausflüge in die härtere dunklere extreme Welt wie beim Song „De Strijd Duurt Voort“ wären eine zusätzliche aggressivere interessante Facette gewesen. So bleibt für mich ein Album mit schönen Erlebnissen und einem genialen persönlichen Highlight ( „Drink Met De Goden“).

English review

Folk Metal

HEIDEVOLK (Facebook) from the Netherlands will release their new album „Wederkeer“ on February 24. I have not been able to enjoy a good folk Metal album for a long time. So I was looking forward to this album even more.

Double sounds better

The opener „Hagalaz“ is a heavy load of Pagan Metal. Vocally they don’t let themselves down and rely unmistakably on the double vocal power of Daniël den Dorstighe and Jacco Bühnebeest. The folkish flair is not yet so apparent on the opener. The vocals alone provide the pagan feeling here. All in all a good first ride to get in the mood for the album.

The second song „Drink Met De Goden“ catches me immediately. Here pumps the folk vein and the atmosphere makes me rejoice. And then this epic chorus sounds, which provides for mood. There I like to raise my methorn or beer mug. Afterwards I sway to the fantastic classic canon and the atmospheric strings that start later. A super song that I like best on the album.

A special charm

spout ancient chants with appropriate traditional acoustic instrumentation. „Schildenmuur“ is the first interlude of this kind with choral singing accompanied by drums.

At the end of the album, „Zomervuur“ delivers a dreamlike conclusion that puts the focus on the vocals and strings while quiet drums and an acoustic guitar create a beautiful tapestry of sound.

The title track „Wederkeer“ also delivers traditional style.

Conclusion

HEIDEVOLK let the first folk metal highlight of this year sound with their album „Wederkeer“. The mixture between folk and heavy pagan metal turned out very good. You can expect crisp songs that breathe in the folk vibes strongly. The contrasting acoustic interludes are interesting. For long stretches, the men deliver gruff melodic heavy metal.

For me, though, the songs don’t always ignite over the whole distance. The fire burns throughout, but sometimes not quite so hot. A little more courageous excursions into the harder extreme music world like on the song „De Strijd Duurt Voort“ would have been an additional more aggressive interesting facet. So remains an album with good songs and a brilliant personal highlight ( „Drink Met De Goden“) for me.

Insgesamt ist „Marter“ von Firtan musikalisch vielschichtig und gleichzeitig druckvoll. Stellenweise ist das Album vielleicht zu glatt, weil dann doch mit zu viel Feinschliff produziert. Darunter leidet ab und an die düstere, dunkle und dichte Atmosphäre, die das Album unterstellterweise durchaus aufbauen will. An Aggression und Wut mangelt es dagegen nicht. Das verstärken auch die immerwährend Gift und Galle spuckenden Vocals.

„Marter“ von Firtan: Musikalisch durchweg hervorragend

Musikalisch ist das Album durchweg hervorragend, nur vielleicht etwas zu kantenlos. Schwächen hat „Marter“ von Firtan dagegen bei den Texten. Und hier ist die intellektuelle Spannbreite immens. Auf der einen Seite dieses Spektrums stehen Rainer-Maria-Rilke- oder Thomas-Mann-Vertonungen. Letztere nimmt Bezug auf Friedrich Nietzsches Liebe zum Schicksal („amor fati“). Bedeutungsschwanger, hochintellektuell und philosophisch gar nicht so ohne. Ganz ähnlich musikalisch umgesetzt ist das Gedicht „Labsal“ von Hugo Ball (1886 bis 1927), Autor, Biograf und Dadaismus-Dichter. Und der hat übrigens auch wieder Bezüge zu Nietzsche. Nämlich durch seine Dissertation.

Doch auf der gegenüber liegenden Seite dieser bildungsbürgerlichen Gedankenwelt holpern die selbst konzipierten Texte manchmal recht unbeholfen durch versucht historisierende Formulierungen. So „schliff“ die Ich-Figur für den „Faðir“ (dem „Vater“ in alten, nordischen Dialekten) in „schwärzester Nacht Trotzburgen“. Aber Burgen wurden geschleift, Messer geschliffen. Und auch die szenisch wirkenden, pathetischen Sprechakte greifen manchmal etwas tief in die Klischee-Schublade.

Blendet man diese inneren Widersprüche beim Niveau der Texte einmal aus, ist „Marter“ von Firtan ein wirklich beachtenswertes Album. Black-Metal-Fans sollten auf jeden Fall einen Blick beziehungsweise ein Ohr riskieren!

In eigener Sache

Und natürlich gibt es noch viele weitere News, Reviews und Live-Berichte aus der Szene der harten Töne bei uns. Doch um ja nichts zu verpassen, abonniert Ihr am besten unseren kostenlosen Newsletter. Oder Ihr folgt uns bei Facebook. Die besten Bilder findet Ihr dann bei Instagram. Und unser YouTube Channel hält schon jetzt einiges bereit. Also schaut mal rein!

Folkrim hat sich nach eigenen Aussagen für das neue Album inspirieren lassen „von Bier und Natur“. Was sonst. Ihre Musik liegt stilistisch im Bereich Folk Metal oder Folk Death Metal, nah zu Pagan Metal und Viking Metal. Bis auf eine einzige Ausnahme („Rövarehumppa“) sind alle Songs auf On Foaming Waves von Folkrim auf Englisch. Und die Instrumentierung ist breit, das Klangspektrum noch breiter.

On Foaming Waves von Folkrim bezieht viele Zupfinstrumente ein

Sänger Erno Helander bringt nicht nur die cleanen Vocals und Growls ein. Er kümmert sich auch um die orchestrale Produktion. Und um Zupfinstrumente wie Ukulele, Banjo oder Mandoline. Dazu kommen sowohl E-Gitarren von Iiro Sarman als auch akustische Gitarren von Otto Hyvärinen. Denn bei Folkrim sind diese Jobs klar jeweils einem Instrumentalisten zugeordnet. Das ist fällt positiv auf, weil hier also nicht zwei E-Gitarristen vereinzelt auch akustische Parts übernehmen. Das Klangbild ist bei Folkrim also besonders stimmig und konsequent.

Das Ensemble komplett machen dann Viktor Suominen an der Bassgitarre und Eetu Ritakorpi an den Drums. Letzterer singt auch mit. Und gesungen wird viel über die einschlägigen Themen des Genres. Da geht es dann um Seefahrerei auf rauher See, um Ale, Met und Schnaps. Natürlich sind das die üblichen Klischees. Und natürlich sind Folkrim nicht die ersten, denen solche Themen einfallen. Trotzdem ist das Album nicht platt. Denn das musikalische Niveau ist durchweg hoch. Und die 14 Songs über insgesamt gut 57 Minuten sind abwechslungsreich. Daher wirkt das Album authentisch.

Es passt textlich und musikalisch alles gut zusammen. Aber es ragt auch nichts extrem heraus. Dennoch reicht das allemal zum Hüpfen, Springen, Johlen, Mitgröhlen und um gemeinsam mit „Ale, Met und Schnaps“ anzustoßen. Wer Fantasy-Rollenspiele oder historische Romane liebt, findet mit dem Album auf jeden Fall einen neuen Soundtrack.

In eigener Sache

Und natürlich gibt es noch viele weitere News, Reviews und Live-Berichte aus der Szene der harten Töne bei uns. Um ja nichts zu verpassen, abonniert ihr am besten unseren kostenlosen Newsletter. Oder Ihr folgt uns bei Facebook. Die besten Bilder findet ihr dann bei Instagram. Und unser YouTube Channel hält schon jetzt einiges bereit. Schaut mal rein!