Genre: Heavy Metal

Release: 31.10.’25

Label: Fetzner Death Records

TALES OF MIKE (Facebook) ist ein Projekt, dass seinen Ursprung in einer tragischen Geschichte hat. Es war der Verlust des Bruders von Michael „Mike“ Heß, Gründer und Mastermind von TALES OF MIKE. Wir empfehlen euch unser Review von der ersten EP „Lands Of Sorrow“ durchzulesen, um gewisse Hintergründe zu erfahren, die helfen, das ganze Projekt besser zu verstehen. Es ist ein extrem persönliches Unterfangen, welches auf eigenen Lebenserfahrungen basiert.

Diese persönliche Emotionalität, welche das ganze Album prägt, wird noch intensiver, wenn man bedenkt, dass die Lyrics wieder von Tochter Shannon Heß verfasst wurden. Ich bewundere die innige Bindung zwischen Vater und Tochter, denn ohne diese wäre eine solches Unterfangen wohl nicht möglich. Die lyrischen tiefgründigen und symbolträchtigen Texte sind Zeugnis davon und machen dieses ganze Thema noch viel greifbarer.

„Nevermore“

ist der Opener nach dem interessant gestalteten Intro „Nomen Est Omen“ und setzt direkt ein deutliches Statement: TALES OF MIKE lassen sich Zeit, um Spannung aufzubauen. Der über einminütige Instrumentalauftakt ist kein bloßes Vorspiel, sondern ein gezielter Aufbau, wo fetzige Gitarrenriffs wie dunkle Blitze durch den Nebel schneiden. Der Bass pulsiert druckvoll darunter, während die Drums zunächst ein marschartiges Tempo vorgeben, das sich bald in ein treibendes Gewitter verwandelt.

Gesanglich liefert Gonzalo Civita eine volle Breitseite: Mit scharfer Melodieführung und einem schmutzigen Timbre bringt er die Lyrics von Shannon Heß mit glaubwürdiger Wucht rüber. Es ist kein glattpolierter Gesang, sondern einer, der kratzt, beißt und lebt. Das passt zu der vorherrschenden düsteren Grundstimmung des Albums. Die Zeile „Nevermore“ wird nicht einfach gesungen, sie wird ausgestoßen wie ein innerer Schwur, womit die Message des Songs quasi unwiderruflich ist und keinen Widerspruch zulässt. „Aufgeben ist keine Option!“ Lasst euch nicht von negativen Dingen bzw. Menschen runterkriegen. Nehmt den Kampf auf, seid stark und lasst sie nicht in eure Herzen.

Das verspielte Gitarrensolo in „Nevermore“ bekommt ein ganz eigenes Kapitel im Song. Henrik Schaller setzt hier nicht nur auf Geschwindigkeit, sondern auf emotionale Nuancierung. Es ist ein Solo, das nicht nur zeigt, was die Finger können, sondern was das Herz fühlt.

Die Gier

Der dritte Track „Money Tree“ ist ein echter Adrenalinschub, Thrash-Metal-Vibes inklusive. Mit hohem Grundtempo und energetischem Drive prescht der Song nach vorn, als wolle er sämtliche Maskeraden der Menschheit niederreißen. Die Gitarren sägen, die Drums peitschen, der Bass rollt wie ein Panzer durch die Strophen. Die Stimme von Gonzalo geht wirklich durch Mark und Bein. Seine Stimme ist roh, intensiv, fast gequält, als würde er die Gier persönlich aus seinem Innersten herausbrüllen. Hier wird die unermessliche Gier nach Geld und damit nach Macht als Wurzel vielen Übels als toxisches Gift im weltumfassenden Kollektiv an den Pranger gestellt. Es ist eine bitterböse, fast satirische Abrechnung mit Konsum, Kapitalismus und sozialer Entfremdung.

Ein hässlicher Maskenball

„Human Masquerade“ ist kein Song, der bittet….er fordert! Es ist eine gnadenlose Abrechnung mit all jenen, die sich hinter freundlichen Fassaden verstecken, nur um irgendwann ihr fieses, wahres Gesicht zu zeigen. Die Welt, so scheint es, ist oft ein hässlicher Maskenball. Und TALES OF MIKE reißen die Masken herunter, ohne Rücksicht.

Der Song lebt von Wut und Enttäuschung, aber auch von Klarheit. Die Lyrics von Shannon Heß treffen ins Schwarze: Sie benennen den Neid und die Missgunst im Menschen, selbst sogar in denen, die man einst als Freunde betrachtete. Es ist diese Erkenntnis, die dem Song seine kompromisslose Stringenz verleiht: Kein Platz für Verklärung, kein Raum für Versöhnung, nur der Hammer der Wahrheit und Erkenntnis, der im Chorus mit voller Wucht ausholt und die Masken zerschlägt. Wer schon ein wenig lebensälter ist, der wird solche Erfahrungen sicherlich auch schon gemacht haben. Wahre Freunde findet man selten! Deswegen sind so verdammt wertvoll!

Abgründe und Hoffnung

Wenn ich mich an die erste Single „Landscape Of Sorrow“ erinnere, dann habe ich einen sehr düsteren doomigen Song im Kopf. Mit diesem Song fing alles an. „Ancient Mirror“ ist eine Rückbesinnung darauf. Gonzalo Civita taucht hier gesanglich in die tiefsten Untiefen ein: Seine Stimme ist nicht nur Ausdruck, sondern Instrument der Dunkelheit. Mal flüstert sie wie ein Echo aus der Vergangenheit, mal brüllt sie wie ein Dämon, der sich aus dem Spiegel erhebt. Es ist eine Performance, die nicht nur transportiert, sondern konfrontiert. Der Song bewegt sich einem dunklen Meer von Gothic, Doom und psychologischem Horror.

Die Lyrics erinnern mich an das Märchenmotiv von Schneewittchen auf, doch statt Schönheit zu preisen, zeigt der Spiegel hier Sünde, Täuschung und Verfall. Der Refrain wirkt wie ein beschwörender Zauberspruch, der die Dämonen auf dem Maskenball entlarvt.

Das Gitarrensolo ist erneut ein erzählerisches Element – kein Fremdkörper, sondern Teil der Dramaturgie. Zu Beginn klingt es wie Schreie aus dem Untergrund, dissonant, gequält, fast geisterhaft. Doch dann wandelt es sich: Die Töne werden melodischer, fast versöhnlich, aber ohne das Drama zu verlieren.

Die Zeit läuft

„Hourglass“ ist der unerwartete Hoffnungsschimmer auf „Human“. Ein Song, der mit einer Prügelorgie beginnt, als wolle er die Welt in Stücke reißen, nur um dann in eine groovige Leichtigkeit zu kippen, die überrascht und berührt. Der abrupte Stimmungswechsel ist kein Bruch, sondern eine bewusste Perspektivänderung: Die Zeit läuft ab, aber du kannst entscheiden, wie du sie nutzt, auch wenn es das Schicksal mal nicht gut mir dir meint.

Beim Solo lässt Henrik einfach die Sau raus, ohne Rücksicht auf Verluste werden die Saiten zum glühen gebracht und lassen den Song brennen. Es ist ein Moment der Befreiung, der den Song nicht nur musikalisch, sondern auch thematisch zum Brennen bringt.

„Abandoned“ ist ein monolithischer Brocken auf „Human“. Die dämonische Dunkelheit, die bereits in „Ancient Mirror“ spürbar war, kehrt hier wieder zurück. Über sechs Minuten lang, hochatmosphärisch, tiefschwarz; eine Mischung aus existenziellem Schmerz, Verlassenheit und radikaler Selbstkonfrontation. Es ist eine Mahnung, dass man sich in schlechten Zeiten nicht derart im Strudel der Verbitterung verliert, weshalb man nicht mehr zwischen Freund und Feind unterscheidet und alles um einen herum „tötet“. Dies führt letztlich zu einer Isolation und damit zur Selbstzerstörung.

Gonzalo Civita spielt mit seinen Vocals wie ein Schauspieler mit zwei Rollen. In den tiefen, gequälten Passagen klingt er wie ein verlorener Geist, der durch die Schatten irrt, doch dann wechseln die Farben: klarere, fast hymnische Linien brechen durch, als würde ein Lichtstrahl den Nebel durchdringen. Es ist wie eine Erlösung, aber nicht triumphal, sondern fragil und flüchtig.

Der Dunkelheit entfliehen

Der letzte Track „Swan Song“ scheint, als ob er der Dunkelheit entfliehen will. Er klingt entschlossen, dabei ganz und gar nicht resignierend oder bedrückend. Es finden sich auflockernde Harmonien im Song, wie z.B. der einfühlsame Refrain, der ohne Verbitterung das Ende einer Reise beschreibt. Was zu sagen war, wurde gesagt! Man hat mit den bösen Geistern der Vergangenheit abgeschlossen und sie begraben. Doch sollte man Vergangenes nicht komplett vergessen, vielmehr aus ihr lernen. So erzeugt der Song mehr eine Aufbruchstimmung, einen Neubeginn.

Fazit

Mit „Human“ legen TALES OF MIKE ein kompromissloses Konzeptalbum vor, das sich durch düstere Klanglandschaften, lyrische Tiefenschärfe und eine klare narrative Struktur auszeichnet. Die Songs kreisen um Themen wie Täuschung, Selbstverlust, Vergänglichkeit und Erlösung. Dementsprechend herrscht eine düstere Grundstimmung vor, aber das Album lässt den Hörer nicht hoffnungslos zurück.

Die Mischung aus unheimlichem Doom und schnellen wütenden Metal-Attacken in Verbindung mit psychologischem Horror bringt schonungslose Wahrheiten ans Licht. Jedoch lässt das Album den Hörer nicht verloren in der Dunkelheit zurück. „Human“ ist eine emotionale Herausforderung!

english review

Genre: Heavy Metal

Release: 31.10.’25

Label: Fetzner Death Records

TALES OF MIKE (Facebook) is a project that has its origins in a tragic story. It was the loss of the brother of Michael “Mike” Hess, founder and mastermind of TALES OF MIKE. We recommend reading our review of the first EP, “Lands Of Sorrow,” to learn more about the background of the project and better understand it. It is an extremely personal endeavor based on personal life experiences.

This personal emotionality, which characterizes the entire album, becomes even more intense when you consider that the lyrics were once again written by his daughter Shannon Hess. I admire the close bond between father and daughter, because without it, such an undertaking would probably not be possible. The lyrical, profound, and symbolic texts are testimony to this and make the whole theme even more tangible.

„Nevermore“

is the opener after the interestingly designed intro “Nomen Est Omen” and makes a clear statement right from the start: TALES OF MIKE take their time to build up tension. The instrumental intro, which lasts over a minute, is not just a prelude, but a deliberate build-up, where rousing guitar riffs cut through the fog like dark flashes of lightning. The bass pulsates powerfully underneath, while the drums initially set a march-like tempo that soon turns into a driving thunderstorm.

Vocally, Gonzalo Civita delivers a full broadside: with sharp melodies and a dirty timbre, he conveys Shannon Hess‘ lyrics with credible force. It’s not smooth, polished singing, but rather singing that scratches, bites, and lives. This fits in well with the prevailing dark mood of the album. The line “Nevermore” is not simply sung, it is uttered like an inner vow, making the message of the song virtually irrevocable and leaving no room for contradiction. “Giving up is not an option!” Don’t let negative things or people get you down. Take up the fight, be strong, and don’t let them into your heart.

The playful guitar solo in “Nevermore” gets its own chapter in the song. Henrik Schaller focuses not only on speed, but also on emotional nuance. It is a solo that shows not only what the fingers can do, but also what the heart feels.

Greed

The third track, “Money Tree”, is a real adrenaline rush, complete with thrash metal vibes. With a fast tempo and energetic drive, the song rushes forward as if it wants to tear down all of humanity’s masquerades. The guitars saw, the drums whip, the bass rolls through the verses like a tank. Gonzalo’s voice really pierces you to the core. His voice is raw, intense, almost tortured, as if he were personally roaring greed from the depths of his soul. Here, the immeasurable greed for money and thus for power is pilloried as the root of many evils, as a toxic poison in the global collective. It is a bitterly angry, almost satirical reckoning with consumerism, capitalism, and social alienation.

horror masquerade

„Human Masquerade“ is not a song that asks for ….! It is a merciless reckoning with all those who hide behind friendly facades, only to show their nasty, true face at some point. The world, it seems, is often a horror masquerade. And TALES OF MIKE tear down the masks, regardless.

The song thrives on anger and disappointment, but also on clarity. Shannon Hess‘ lyrics hit the nail on the head: they name the envy and resentment in people, even in those who were once considered friends. It is this realization that gives the song its uncompromising stringency: no room for idealization, no room for reconciliation, only the hammer of truth and insight, which swings with full force in the chorus and smashes the masks. Anyone who is a little older will certainly have had such experiences. True friends are rare! That’s why they are so damn valuable!

Abysses and hope

When I think back to the first single „Landscape Of Sorrow“, I remember a very dark, doom-laden song. That song started it all. “Ancient Mirror” is a return to that. Gonzalo Civita dives into the deepest depths vocally here: his voice is not only an expression, but an instrument of darkness. Sometimes it whispers like an echo from the past, sometimes it roars like a demon rising from the mirror. It is a performance that not only transports, but confronts. The song moves through a dark sea of gothic, doom, and psychological horror.

The lyrics remind me of the fairy tale motif of Snow White, but instead of praising beauty, the mirror here reveals sin, deception, and decay. The chorus seems like an incantation that exposes the demons at the masquerade.

The guitar solo is once again a narrative element—not a foreign body, but part of the dramaturgy. At first, it sounds like cries from underground, dissonant, tortured, almost ghostly. But then it changes: the notes become more melodic, almost conciliatory, but without losing the drama.

The clock is ticking

“Hourglass” is the unexpected ray of hope on “Human”. A song that begins with a barrage of blows, as if it wants to tear the world apart, only to then tip into a groovy lightness that surprises and moves you. The abrupt change in mood is not a break, but a conscious change of perspective: time is running out, but you can decide how to use it, even if fate is not kind to you.

During the solo, Henrik simply lets loose, playing the strings with abandon and setting the song on fire. It is a moment of liberation that sets the song ablaze, not only musically but also thematically.

“Abandoned” is a monolithic chunk on “Human.” The demonic darkness that was already palpable in “Ancient Mirror” returns here. Over six minutes long, highly atmospheric, pitch black; a mixture of existential pain, abandonment, and radical self-confrontation. It is a warning not to lose oneself in the vortex of bitterness in bad times, which blurs the distinction between friend and foe and causes one to “kill” everything around them. This ultimately leads to isolation and thus to self-destruction.

Gonzalo Civita plays with his vocals like an actor playing two roles. In the deep, tormented passages, he sounds like a lost spirit wandering through the shadows, but then the colors change: clearer, almost hymnal lines break through, as if a ray of light were piercing the fog. It is like redemption, but not triumphant, rather fragile and fleeting.

Escaping the darkness

The last track, “Swan Song”, seems as if it wants to escape the darkness. It sounds determined, yet not at all resigned or depressing. There are lighthearted harmonies in the song, such as the sensitive chorus, which describes the end of a journey without bitterness. What needed to be said has been said! The evil spirits of the past have been dealt with and buried. But we should not completely forget the past; rather, we should learn from it. Thus, the song creates more of a spirit of optimism, a new beginning.

Conclusion

With “Human,” TALES OF MIKE presents an uncompromising concept album characterized by dark soundscapes, lyrical depth, and a clear narrative structure. The songs revolve around themes such as deception, loss of self, transience, and redemption. Accordingly, a dark mood prevails, but the album does not leave the listener feeling hopeless.

The mixture of eerie doom and fast, furious metal attacks combined with psychological horror brings relentless truths to light. However, the album does not leave the listener lost in darkness. “Human” is an emotional challenge!

Genre: Horror Punk Rock

Release: 31.10.2025

Label: Fiend Force Records

THE OTHER (Facebook) kehren nach fünf Jahren Pause mit ihrem Album „Alienated“ zurück. Als Horror-Punk-Band natürlich stilecht zu Halloween am 31.Oktober. Frisches Blut und auch die Rückkehr von Gründungsmitglied Andy Only wollen den Spirit der 80’er wieder aufleben lassen. Es ist oft eine spannende Geschichte, wenn Retrosound im modernem Sound-Gewand gekleidet einen zeitgemäßen Auftritt hinlegt. Vom Albumtitel „Alienated“ lässt sich ableiten, dass in den Songs um Verlorenheit bzw. Entfremdung in seinem Gesamtkontext geht.

Die erste Single „I Give You Creeps“ ist ein unfassbar starker Ohrwurm, der einem gar nicht mehr aus dem Kopf geht. Wunderbar eingängig ohne schmalzig oder kitschig zu wirken. Er entfesselt einfach ein erhebendes belebendes Gefühl mit einem kleinen Spritzer eingängiger hypnotischer Melancholie. Ausgezeichnete Melodieführung, die durch einen fabelhaften Gesang begleitet wird. Rod Usher phrasiert mit einem faszinierenden Charme, was den Song zwischen Bedrohung und Euphorie schweben lässt. Man kann gar nicht anders, als mitzusingen und den Song immer wieder und wieder von vorne erklingen zu lassen.

Ohrwürmer sind wirklich das Ding für THE OTHER.

Davon gibt es etliche auf dem Album und sie sind perfekt geeignet für Live-Gigs. Schon der Opener „Hellfire“ zündet und stimmt den Hörer standesgemäß auf die Horror-Punk-Party ein. Mit ‚Hier Sein‘ beweisen THE OTHER erneut, dass sie auch in ihrer Muttersprache glänzen. Dabei fragt man sich, warum es immer traditionell nur bei einem Song in deutscher Sprache bleibt. Gerade diese Stücke haben das Potenzial, die emotionale Wucht ihrer Musik noch direkter zu transportieren. Ein Ausbau dieser Tradition würde niemanden enttäuschen. Ganz im Gegenteil! Es könnte die Band noch unverwechselbarer machen.

Auf der Hälfte des Albums gönnen THE OTHER uns die Ballade „In The End„, dem thematisch düstersten Auftritt auf „Alienated“. Inhaltlich erzählt der Song von dem Tod, der Menschen am Sterbebett begleitet, ohne ihnen verraten zu dürfen, was kommt. Damit offenbaren THE OTHER, dass sie mehr als Horror-Punk-Partygaranten produzieren können. Die Ballade ist ein emotionaler Höhepunkt voller traumhaft melancholischer Melodien und Gesangslinien. Rod brilliert hier mit einer versöhnlichen Wärme. Ein Song, der zu Herzen geht.

Ein gehaltvoller Stimmungscoctail!

Wo meistens die Melancholie in den Songs von THE OTHER mitschwingt, so wird man diese bei der Gute-Laune-Nummer „Witch From Outa Space“ vergeblich suchen. Swingende Rhythmen, federnde Gitarren und ein fast tanzbarer Groove prägen das Geschehen. Der Song nimmt sich nicht zu ernst. THE OTHER sorgen mit einem Rockabilly-Augenzwinkern für ausgelassene Stimmung. Der Song versprüht Leichtigkeit und besonderen Charme, ohne ins Banale abzurutschen und unterstreicht damit die Vielseitigkeit einer Band.

Den Geist der 80’er Jahre wird ganz direkt mit dem Song „A Ghost From The 80s“ heraufbeschworen, der ebenfalls zu den ganz großen Highlights des Albums zählt. Es ist eine Hommage an die Teenie-Gruselklassiker der Videotheken-Ära. Mit Wave-Atmosphäre, 80s-Keyboards und einer kreativ amüsanten Story gelingt THE OTHER ein Song, der Horror-Punk mit Popkultur verschmilzt und dabei gleichermaßen charmant wie hymnisch wirkt.

Fazit

Mit „Alienated“ liefern THE OTHER ein Album, das Entfremdung in Energie verwandelt. Hymnische Ohrwürmer wie „I Give You The Creeps“ oder der Opener „Hellfire“ sind wie gemacht für die Bühne, während die Ballade „In The End“ beweist, dass die Band auch im leiseren Stil emotionale Hits schreiben kann. Mit dem augenzwinkernden Rockabilly-Ausflug ‚Witch From Outa Space‘ erweitern sie ihr Spektrum, ohne ihre Horror-Punk-Wurzeln zu verleugnen. So entsteht ein Werk, das gleichermaßen nostalgisch wie frisch wirkt. Es ist ein Manifest des Andersseins, das THE OTHER als vielseitiger und lebendiger denn je zeigt.

english review

Genre: Horror Punk

Release: 31.10.2025

Label: Fiend Force Records

THE OTHER (Facebook) are returning after a five-year hiatus with their album “Alienated„. As a horror punk band, they are naturally releasing it in style on Halloween, October 31. Fresh blood and the return of founding member Andy Only aim to revive the spirit of the 80s. It is often an exciting story when retro sound, dressed in modern garb, makes a contemporary appearance. From the album title “Alienated,” it can be deduced that the songs are about lostness or alienation in their overall context.

The first single, “I Give You Creeps,” is an incredibly catchy tune that sticks in your head. It’s wonderfully catchy without being cheesy or corny. It simply unleashes an uplifting, invigorating feeling with a dash of catchy, hypnotic melancholy. Excellent melody accompanied by fabulous vocals. Rod Usher phrases with a fascinating charm, which leaves the song hovering between menace and euphoria. You can’t help but sing along and play the song over and over again.

Earworms are truly the thing for THE OTHER.

There are quite a few of these on the album, and they are perfect for live gigs. The opener “Hellfire” sets the tone and gets the listener in the mood for the horror punk party. With “Hier Sein,” THE OTHER prove once again that they also shine in their native language. This makes you wonder why they traditionally only ever include one song in German. These songs in particular have the potential to convey the emotional power of their music even more directly. Expanding on this tradition would not disappoint anyone. Quite the contrary! It could make the band even more distinctive.

Halfway through the album, THE OTHER treat us to the ballad “In The End„, the darkest track on “Alienated” in terms of subject matter. The song tells the story of death accompanying people on their deathbeds without being allowed to tell them what is coming. With this song, THE OTHER reveal that they are capable of producing more than just horror punk party anthems. The ballad is an emotional highlight full of dreamy, melancholic melodies and vocal lines. Rod shines here with a conciliatory warmth. A song that touches the heart.

An entertaining atmospheric cocktail!

While melancholy usually resonates in THE OTHER’s songs, you’ll search in vain for it in the upbeat number “Witch From Outa Space„.Swinging rhythms, bouncy guitars, and an almost danceable groove characterize the song. It doesn’t take itself too seriously. THE OTHER create an exuberant mood with a rockabilly wink. The song exudes lightness and a special charm without slipping into banality, thus underlining the versatility of the band.

The spirit of the 80s is evoked directly with the song “A Ghost From The 80s”, which is also one of the album’s biggest highlights. It is a tribute to the teen horror classics of the video store era. With a wave atmosphere, 80s keyboards, and a creatively amusing story, THE OTHER has succeeded in creating a song that blends horror punk with pop culture and is both charming and anthemic.

Conclusion

With “Alienated,” THE OTHER deliver an album that transforms alienation into energy. Anthemic earworms like “I Give You The Creeps” and the opener ‘Hellfire’ are tailor-made for the stage, while the ballad “In The End” proves that the band can also write emotional hits in a calmer style. With the tongue-in-cheek rockabilly excursion “Witch From Outa Space,” they expand their spectrum without denying their horror punk roots. The result is a work that feels both nostalgic and fresh. It is a manifesto of otherness that shows THE OTHER to be more versatile and vibrant than ever.

Genre: Heavy/Speed Metal

Release: 31.10.2025

Label: Listenable Records

REDSHARK (Facebook) verzichten auf jede Form von Einleitung. Kein Intro, keine Zündschnur. Stattdessen: sofortiger Einschlag. „Sudden Impact“ macht seinem Namen alle Ehre, denn die Songs explodieren ohne Vorwarnung. Die Band feuert aus allen Rohren, und die Einschläge sind schnell, hart und präzise.

Instrumental agieren REDSHARK hochdynamisch und aggressiv: messerscharfe Riffs, peitschende Drums und ein Sound, der sich kompromisslos seinen Weg bahnt. Das Klangbild ist knackig, scharf und voller metallischer Energie. Sänger Pau Correas bringt mehr als genug Power mit, um sich in diesem musikalischen Sturm zu behaupten, doch er tut weit mehr als das: Mit seiner energischen Power-Stimme treibt er die Songs voran, peitscht sie an, verleiht ihnen zusätzliche Schärfe und Wucht. Seine Performance ist kein bloßes Überleben im Sturm, sondern ein aktiver Angriff. Kraftvoll, kontrolliert, und voller Feuer!

Wenn es um Geschwindigkeit geht, kennen REDSHARK keine Gnade. „Sudden Impact“ macht seinem Namen alle Ehre – und neben dem Titeltrack feuert die Band eine ganze Batterie von Hochgeschwindigkeits-Geschossen ab, die mit Überschallkraft ins Hirn rasen. Einer dieser Volltreffer ist „Beware Of The Shark“.

Der Song ist klar strukturiert, ohne Umwege, ohne Schnörkel. REDSHARK setzen hier auf kompromisslose Direktheit: ein pulsierender Rhythmus, aggressive Riffs und eine Gesangsleistung, die wie ein elektrischer Schlag wirkt. Kein Schnickschnack, keine Spielereien. Es ist pure, mitreißende Energie, die sich ungebremst entfaltet.

Doch REDSHARK sind nicht nur auf Hochgeschwindigkeit gepolt. Sie beherrschen auch die Kunst der Variation. Das Songmaterial auf „Sudden Impact“ zeigt, dass die Band mehr kann als Vollgas: Sie versteht sich ebenso auf melodische Gassenhauer, die atmosphärisch Tiefe entfalten und Raum für Emotion lassen. Ein Paradebeispiel dafür ist „The Chase“. Hier treten die aggressiven Riffs zeitweise in den Hintergrund, machen Platz für melodische Linien und harmonische Spannungsbögen. In diesen Momenten zeigt Sänger Pau Correas, dass seine Stimme mehr ist als ein metallisches Geschoss. Er nimmt die Schärfe heraus, singt mit kontrollierter Wärme und verleiht dem Song eine epische Note.

„Hypnotized“ schlägt, wie andere Songs auf dem Album, eine andere Richtung ein. Es ist kein Bruch, sondern eine stilvolle Erweiterung des Konzepts. REDSHARK drosseln das Tempo, ohne die Energie zu verlieren. Der Song bewegt sich in einem kontrollierten Midtempo, das Raum für Groove und Atmosphäre schafft. Die Riffs sind weniger rasend, dafür rhythmisch pointiert, fast tänzelnd. Es ist kein Bruch mit der Gesamtästhetik, sondern eine bewusste Erweiterung.

Hier zeigen REDSHARK, dass sie nicht nur stürmen können, sondern auch in ruhigeren Winden bestehen und dabei ihre Intensität nicht verlieren, sondern neu definieren. Die melodischen Elemente wirken nicht weichgespült, sondern fokussiert.

Fazit

Mit „Sudden Impact“ liefern REDSHARK ein Album, das seinem Titel alle Ehre macht: kompromisslos, direkt und voller metallischer Wucht. Doch wer nur Speed erwartet, unterschätzt die Band. REDSHARK beherrschen nicht nur das Hochtempo, sondern auch die Kunst der Variation – zwischen aggressiven Riffsalven und melodischer Tiefe.

Sie haben keine Mühe gnadenlosen Angriffe voranzutreiben, die mit Präzision und Energie einschlagen, können aber genauso in mehr kontrollierten Phasen überzeugen, die mit Groove, Atmosphäre und epischer Note auftrumpfen. Sänger Pau Correas erweist sich als zentrale Kraft: ob peitschend oder harmonisch, seine Stimme trägt das Album durch alle Dynamikphasen. „Sudden Impact“ ist kein Retro-Trip, sondern eine moderne Interpretation klassischer Speed-Metal-Tugenden: roh, fokussiert und überraschend vielseitig.

REDSHARK beweisen, dass man auch im Sturm differenziert agieren kann. „Sudden Impact“ ist ein Album, das nicht nur einschlägt, sondern nachhallt.

english review

Genre: Heavy/Speed Metal

Release: 31.10.2025

Label: Listenable Records

REDSHARK (Facebook) verzichten auf jede Form von Einleitung. Kein Intro, keine Zündschnur. Stattdessen: sofortiger Einschlag. „Sudden Impact“ macht seinem Namen alle Ehre, denn die Songs explodieren ohne Vorwarnung. Die Band feuert aus allen Rohren, und die Einschläge sind schnell, hart und präzise.

Instrumental agieren REDSHARK hochdynamisch und aggressiv: messerscharfe Riffs, peitschende Drums und ein Sound, der sich kompromisslos seinen Weg bahnt. Das Klangbild ist knackig, scharf und voller metallischer Energie. Sänger Pau Correas bringt mehr als genug Power mit, um sich in diesem musikalischen Sturm zu behaupten, doch er tut weit mehr als das: Mit seiner energischen Power-Stimme treibt er die Songs voran, peitscht sie an, verleiht ihnen zusätzliche Schärfe und Wucht. Seine Performance ist kein bloßes Überleben im Sturm, sondern ein aktiver Angriff. Kraftvoll, kontrolliert, und voller Feuer!

Wenn es um Geschwindigkeit geht, kennen REDSHARK keine Gnade. „Sudden Impact“ macht seinem Namen alle Ehre – und neben dem Titeltrack feuert die Band eine ganze Batterie von Hochgeschwindigkeits-Geschossen ab, die mit Überschallkraft ins Hirn rasen. Einer dieser Volltreffer ist auch „Beware Of The Shark“.

Der Song ist klar strukturiert, ohne Umwege, ohne Schnörkel. REDSHARK setzen hier auf kompromisslose Direktheit: ein pulsierender Rhythmus, aggressive Riffs und eine Gesangsleistung, die wie ein elektrischer Schlag wirkt. Kein Schnickschnack, keine Spielereien. Es ist pure, mitreißende Energie, die sich ungebremst entfaltet.

But REDSHARK aren’t just focused on high speed. They’ve also mastered the art of variation. The songs on “Sudden Impact” show that the band can do more than just go full throttle: they’re just as skilled at creating melodic hits that unfold atmospheric depth and leave room for emotion.

A prime example of this is “The Chase.” Here, the aggressive riffs occasionally fade into the background, making room for melodic lines and harmonic tension. In these moments, singer Pau Correas shows that his voice is more than just a metallic projectile. He takes the edge off, sings with controlled warmth, and gives the song an epic touch.

Like other songs on the album, “Hypnotized” takes a different direction. It’s not a break, but a stylish extension of the concept. REDSHARK slow down the tempo without losing energy. The song moves at a controlled mid-tempo, creating space for groove and atmosphere. The riffs are less frantic, but rhythmically pointed, almost dancing. It is not a break with the overall aesthetic, but a conscious extension.

Here, REDSHARK show that they can not only storm ahead, but also hold their own in calmer winds, not losing their intensity, but redefining it. The melodic elements don’t come across as watered down, but focused.

Conclusion

With “Sudden Impact,” REDSHARK delivers an album that lives up to its title: uncompromising, direct, and full of metal power. But anyone who expects only speed is underestimating the band. REDSHARK not only masters high speed, but also the art of variation—between aggressive riffs and melodic depth.

They have no trouble driving forward relentless attacks that strike with precision and energy, but they are equally convincing in more controlled phases that boast groove, atmosphere, and epic touches. Singer Pau Correas proves to be a central force: whether whipping or harmonious, his voice carries the album through all its dynamic phases. “Sudden Impact” is not a retro trip, but a modern interpretation of classic speed metal virtues: raw, focused, and surprisingly versatile.

REDSHARK prove that it is possible to act in a differentiated manner even in a storm. “Sudden Impact” is an album that not only hits hard, but also resonates.

Genre: Black Metal

Release: 31.10.’25

Label: ROAR/RPM

MYSTIC CIRCLE (Facebook) gehen auf ihrem Album „Hexenbrand 1486“ dem „Bösen“ auf den Grund. In zehn düsteren Kapiteln widmet man sich nicht nur dem Thema „Hexenverfolgung“, sondern greift verschiedene Themen menschlicher, aber besonders religiöser Abgründe auf. Hier sind die Texte nicht nur bloßes Beiwerk, sondern ein unheimlich wichtiger Bestandteil in einem tiefgründigen Album, was ein grundsätzliches moralisches Dilemma schmerzhaft offenlegt.

Es lohnt sich hier durchaus unter die Oberfläche zu schauen, denn die Lyrics sind wohldurchdacht und deutungsintensiv. Ich (als Atheist) habe versucht die Songs für mich auch inhaltlich einzuordnen und meine rein persönlichen Gedanken dazu niederzuschreiben, so dass das Review relativ lang geworden ist und über die musikalische Betrachtungsweise hinausgeht. Also wer nur ein kurzes Fazit brauchen sollte, der kann direkt zum Ende springen.

Der Lichtbringer

MYSTIC CIRCLE positionieren sich bereits mit dem Opener „Luciferian“ unmissverständlich: Gottesfürchtige Christen werden sich mit Schrecken abwenden, wenn der teuflische Lobgesang erklingt. In provozierender und bewusst überzeichneter Art und Weise findet hier eine Umkehr christlicher Rituale und Dogmen statt; fast wie ein „Vater unser“ für den Teufel, der hier als Lichtbringer bzw. Erlöser inszeniert wird.

Doch hinter der martialischen Fassade steckt mehr als bloße Provokation. Der Song wirkt wie ein rituelles Manifest, das die religiöse Ordnung nicht nur ablehnt, sondern als gescheitert entlarvt. Die Zeile „The children of god have failed“ lässt sich als düstere Bestandsaufnahme lesen, sozusagen als Warnung, dass die Hölle auf Erden längst Realität geworden ist. Diese Ambivalenz zwischen Rebellion und Resignation zieht sich wie ein roter Faden durch den Song und das Album. „Luciferian“ ist nicht nur ein musikalischer Paukenschlag, sondern ein ideologischer Auftakt. Er ist ein Spiegel für eine Welt, die ihre eigenen Werte verraten hat.

Musikalisch bieten Mystic Circle hier großes Kino. In cineastischer Manier entfaltet sich extremer Metal auf teuflisch hohem Niveau: epische Gitarrenläufe begleiten prasselnde Blastbeats, während orchestrale Elemente wie dunkelschwarze Schwaden die Atmosphäre verdichten.

Besonders eindrucksvoll ist der Mittelteil: ein ruhiger, melodischer Einschub mit einem Gitarrensolo, das zunächst melancholisch fließt, dann eruptiv zu einem ekstatischen Feuer auflodert. Es ist, als würde sich Schmerz in Triumph verwandeln. Darauf folgt eine Stimme, die die Zeile „Down down down into the abyss I fall“ singt und dabei beinahe versöhnlich klingt, fast wie in einem Gebet. Die anschließenden Chöre wirken in ihrer Ehrerbietung gegenüber dem Teufel nicht bedrohlich, sondern erlösend. Der Song schließt sich wie ein Ritualkreis und endet infernal, einer Art Befreiungsschlag.

Die Hure Babylon

„The Scarlet Queen Of Chaos“ tanzt zwischen apokalyptischer Zerstörung und epischer hinreißender Entfaltung, die sich vor allem im eindringlichen Refrain entlädt. Auch hier wird christliche Symbolik aufgegriffen, hierbei eine Episode aus der Offenbarung des Johannes. Dort ist von der „Hure Baylon“ die Rede, welche auf einem roten, dämonischen Wesen reitet. Diese sitzt auf einem roten, monsterartigen Wesen. Sinnbildlich verkörpert sie dort die Sünden und Verführungen der Welt. Letztlich wird sie durch ein göttliches Gericht besiegt.

MYSTIC CIRLCLE transformieren diese biblische Allegorie: Die ‚Scarlet Queen Of Harlots‚ ist nicht bloß Sünderin, sondern Botin der Apokalypse; eine metaphysische Existenz, die in jedem Menschen lauert. Sie wartet in einem dunklen Versteck des Geistes, bereit, den Menschen mit Lug und Trug zu bösen Taten zu verführen. Die Apokalypse wird demnach nicht als äußeres Strafgericht inszeniert, sondern als innerer Zusammenbruch und als Konfrontation mit den eigenen Schatten.

„Boogeyman“

Wer hat Angst vorm „Schwarzen Mann“? In der jungen Generation ist er nicht mehr so bekannt, aber der älteren Generation ist dieser Mythos wohl noch sehr bekannt. In unzähligen Adaptionen wurde dies mystische Figur in diversen Horrorfilmen oder in Büchern umgesetzt. Diese Figur war nicht klar definiert, sondern wurde als metaphysisches Wesen erschaffen, um Angst zu verbreiten. Und mit Angst gewinnt man Kontrolle. Daher wurde es auch bei den Kindern gerne als Erziehungsmethode missbraucht. Die Methode der Angst wirkt aber auch wunderbar bei Erwachsenen. Dazu kommen wir später noch.

Die Liebe von MYSTIC CIRCLE zu 80’er Jahre Synths, wie man sie von den einschlägigen Horrorfilmen dieses Jahrzehnts kennt, wird auf dem ganzen Album deutlich; nicht als prägendes Element, sondern vielmehr als coole atmosphärische Zutat. So erfährt auch „Boogeyman“ eine mystische Einleitung. Danach greifen die Black-Metal-Geister an und schmettern modernen melodischen Metal mit infernalischer Inbrunst. Der von MYSTIC CIRCLE gebotene Mix ist sicherlich nichts für Puristen, denn die Songs sind ein kreativer Mix, welcher zu einem eindrucksvollen homogenen Gesamtkonzept verschmolzen wurde.

„In The Year Of The Goat“

Eine lediglich oberflächliche Betrachtung des Albums würde diesem nicht gerecht werden. Ich persönlich sehe darin mehr. Denn meiner Meinung nach wird das Böse hier nicht als reale fremde Macht inszeniert, sondern als Teil der menschlichen Realität. Die dämonischen Bilder sind Projektionsflächen für das, was wir selbst entfesseln: in Kriegen, in Fanatismus, in der Gier nach Macht und Kontrolle. „In The Sign Of The Goat“ ist damit nicht nur ein okkulte Fiktion, sondern eine düstere Allegorie auf den Zustand der Welt.

Scharfe Riffs schneiden sich durch Vocals, die quasi ausgespien werden, während die Drums unheilvolle Donnerschläge produzieren, wie Vorboten eines apokalyptischen Sturms. Dann wird der Wind stärker, baut sich zu einem Sturm auf, bis plötzlich der melodische Refrain mit engelsgleicher Stimme erklingt. Diese bewusst gewählte Dissonanz, zwischen Brutalität und Schönheit, wirkt gleichzeitig faszinierend und verstörend, besonders wenn man das Thema des Songs im Hinterkopf behält.

Erwähnenswert ist auch der Part ab der dritten Minute: Mit old school Vibes entsteht ein außergewöhnliches Zwischenspiel, das wie ein Ritual wirkt; mechanisch, hypnotisch, fast sakral. Danach prasselt das Trommelgewitter nieder und begleitet den blutigen Regen des Untergangs. Es ist, als würde der Song selbst zur apokalyptischen Vision werden, musikalisch wie inhaltlich.

„Ghost Of The White Chapel“

Kommen wir nun zu einem Song, der sich zwar ebenfalls mit dem Bösen beschäftigt, aber in anderer Art und Weise. Hier entfällt jeglicher gesellschaftskritischer oder metaphysischer Ansatz, den hier geht es um das reale menschliche Böse in individueller Form, nämlich um den weltberühmten Serienkiller Jack the Ripper aus London. Seine Opfer waren überwiegend Prostituierte und die Morde zeichneten sich durch extreme Brutalität aus. Aufgeschlitzte Kehlen, Verstümmelungen und teilweise Entnahme innerer Organe sollen zum Modus Operandi gezählt haben. Doch die wahre Identität des Täters wurde nie zweifelsfrei geklärt, was zur Legendenbildung und zahllosen Spekulationen geführt hat.

Der Song wirkt wie ein stoischer Monolog eines psychisch gestörten Menschen, niedergeschrieben in Form eines Briefes an einen fiktiven Adressaten. Die Nüchternheit, mit der er seine unmenschlich brutalen Taten schildert, macht das Ganze umso abscheulicher. Es ist gerade die emotionslose Sprache, die den Horror verstärkt: Keine Reue, keine Reflexion! Nur die kalte Beschreibung des Grauens. Diese Form der Darstellung entzieht sich jeder moralischen Einordnung. Der Song steht in seiner unfassbaren Grausamkeit einfach für sich, wie ein literarisches Fragment aus einem dunklen Tagebuch.

Schon fast tragisch ironisch, dass der Song mit gesprochenen Textzeilen beginnt, die von einer Frau vorgetragen werden. Insgesamt fällt der Song sehr hart aus. Metzelndes Riffing bestimmt den Song und das Solo setzt noch einen drauf, welches in seinem ekstatischen Ausbruch den Wahnsinns des Mörders bei der Tat widerspiegelt.

Institoris (Heinrich Kramer)

Nun beginnt das zentrale Thema des Albums, welches ungeschönt in all seiner Grausamkeit beschrieben in der zweiten Hälfte behandelt wird. Dazu wird zunächst die Person Heinrich Kramer in einem Intro eingeführt. Dieser Heinrich Kramer (auch bekannt als Henricus Institoris) war ein deutscher Dominikanermönch, Theologe und Inquisitor, der im späten 15. Jahrhundert eine zentrale Rolle in der Geschichte der europäischen Hexenverfolgung spielte. Sein Manifest war der „Hexenhammer“, welches als Grundlage für die zielgerichtete und systematischen Hexenverfolgung in Europa herangezogen wurde.

Die Kirche schürte Angst bei der Bevölkerung, indem man unschuldige Menschen der Hexerei bezichtigte und sie mit dunklen Mächten bis hin zum Teufel persönlich in Verbindung brachte. Sie war politische Autorität, moralischer Richter und soziale Kontrollinstanz. Indem sie das Unsichtbare – den Teufel, die Hexe, die Sünde – zur greifbaren Bedrohung machte, schuf sie ein System, in dem Zweifel, Abweichung und Individualität gefährlich wurden. So legitimierte die Kirche ihre Daseinsberechtigung und abscheuliche Vorgehensweise, denn es ging doch um den Schutz des Glaubens im Namen Gottes und damit um die Rettung der Menschheit. Angst schüren mit nicht greifbaren Dingen ist noch in der heutigen Zeit ein probates Mittel der Kontrolle und Machtausübung, nicht nur in der Religion.

Heute gilt Kramer als Symbolfigur für religiösen Fanatismus und die dunkle Seite kirchlicher Macht. Unfassbare Greueltaten wurden im Namen der Kirche begangen. Was lehrt uns das? Teufel oder Gott? Wo liegt angesichts solcher Verbrechen der Unterschied? Eine grundsätzliche Frage, die das Dilemma von Religionen aufzeigt und zum Nachdenken anregt. Denn wurden die grausamsten Verbrechen in der Menschheitsgeschichte nicht aufgrund verschiedener Glaubensrichtungen verübt, die für sich jeweils einen Absolutheitsanspruch hegen bzw. die Anhänger dies so fordern? Religion kann einerseits Trost, Sinn und Gemeinschaft stiften, aber auch für Angst, Kontrolle, Gewalt und Vernichtung missbraucht werden.

Der Hexenhammer

Eine orchestrale Einleitung in die Person Kramer wird durch den Track „Institoris“ durchgeführt. Diese Einleitung ist schon recht beeindruckend inszeniert, bevor der Song „The Bible Of White Chase“ sich explizit mit dem „Hexenhammer“ befasst. Es ist ein feuriger treibender Heavy Metal Song, der mit doomigen Passagen gespickt ist, die das Leid buchstäblich fühlbar machen. Dazu hat man sogar noch Schmerzensschreie im Hintergrund eingespielt, was das Ganze noch intensiver gestaltet. Und geradezu anklagend wird die Textzeile „You’re the Devil“ gesungen. „The Bible of Witch Chase“ verwandelt den Hexenhammer in ein Symbol für das, was geschieht, wenn Glaube zur Waffe wird und Wahrheit im Feuer verbrennt.

„Blutschande, Unzucht, Sodomie“

Diese Anklage befasst sich weiter mit den Greueltaten der kirchlichen Inquisition. Unter anderem mit den im Songtitel genannten absurden Vorwürfe wurden die sogenannten Hexen überzogen. Es war nur ein Vorwand, eine willkürliche Stigmatisierung, um Andersdenkende, Andershandelnde oder Andersaussehende festzusetzen. Im Anschluss wurden von den Opfern dieser Verfolgung abstruse Geständnisse mit grausamer Folter erzwungen, nur um dann diese Menschen zu töten, mitunter sogar öffentlichkeitswirksam auf einem brennenden Scheiterhaufen. Der Song ist somit eine schonungslose Abrechnung mit den unmenschlichen Machenschaften der Kirche und genauso klingt er auch.

Nach einer melodischen melancholischen Einleitung zeigt der Song seine unbändige zornige Energie. Blastbeats sorgen für unablässige Prügel, wobei wieder geschickte Stimmungswechsel eingewoben werden. Keifende Screams in den rasenden Parts und unheilvolle Growls geben sich hier die Hand. Aber das ist noch nicht alles, denn in über sechs Minuten Spielzeit gibt es noch andere Überraschungen, wie z.B. der mittig angesiedelte synthieträchtige Part.

Walpurgisnacht

„Dance On The Wings Of Black Magic“ zelebriert das Ritual der Walpurgisnacht in einem finalen Höhepunkt des Albums und facht das dämonische Feuer noch heftiger an. Der Song ist schlichtweg pure Energie, ein verzehrendes Feuer, dass sich unaufhaltsam seinen entlarvenden und reinigenden Weg sucht. Das Ritual der Walpurgisnacht stammt übrigens aus einer vorchristlichen Zeit und hat daher eher heidnische Wurzeln. Germanische und keltische Völker feierten damals dieses Fest mit Feuer, Tanz und Masken, um damit die bösen Geister zu vertreiben. Ein zentraler Anlaufpunkt war übrigens der Broken im Harz (höchster Berg im Mittelgebirge), der auch volkstümlich Blocksberg genannt wird.

Ab dem Spätmittelalter wurde die Walpurgisnacht jedoch durch die Kirche zunehmend mit Hexenversammlungen und Teufelspakten assoziiert. Der ‚Hexenhammer‘ und die Inquisition trugen dazu bei, dass die Nacht als Zeit des Bösen galt. Nach dem das Feuer mit „Dance On The Wings Of Black Magic“ gewütet hat, findet das Album ein ruhiges Ende, in dem noch einmal mit starken Worten die Verachtung für Heinrich Kramer zum Ausdruck gebracht wird, stellvertretend für alle Unmenschen, die solche Gedanken hegen und sich solcher Methoden bedienen.

Fazit

MYSTIC CIRCLE haben mit „Hexenbrand 1486“ ein Meisterwerk erschaffen, dass nicht nur musikalisch völlig überzeugt, sondern auch lyrisch tiefgründig gestaltet ist. Die behandelten Themen wie z.B. Hexenverfolgung und religiöser Fanatismus sind zwar nicht neu, aber deren Aufarbeitung ist wohldurchdacht und in ihrer Herangehensweise sind MYSTIC CIRLCE absolut schonungslos, sowohl in lyrischer Form als auch in der musikalischen Herangehensweise.

Auf „Hexenbrand 1486“ existieren Lyrics und Musik nicht nebeneinander, vielmehr verschmelzen sie zu einer Einheit, die den Hörer nicht nur erreicht, sondern mit starker Intensität durchdringt. Die musikalische Sprache ist brutal, episch und okkult, die Texte sind tiefgründig, historisch fundiert und zugleich erschreckend aktuell.

Der von MYSTIC CIRCLE gebotene musikalische Mix ist nichts für Puristen, aber genau die Vielschichtigkeit macht es so faszinierend. „Hexenbrand 1486“ ist aus einem kreativen Schmelztiegel entstanden, so dass es sich zu einem homogenen Gesamtkonzept modernen Black Metals verdichtet. Jedes Kapitel trägt zur Dramaturgie bei, ohne an Spannung oder Atmosphäre zu verlieren. Kein Pathos! Kein Trost! Nur die nackte Wahrheit im Gewand des Black Metal. „Hexenbrand 1486“ ist kein Album, das man nur hört. Man erlebt es!

Rasender Black Metal trifft auf infernalischen Heavy Metal, durchzogen von doomigen Passagen und mystischen Synthiewelten, die wie dunkle Nebelschwaden durch das Klangbild ziehen. Erzählerische Einschübe verdichten die Geschichten, ohne den Fluss zu brechen. Ebenso hervorzuheben sind die Gastbeiträge von Sängerin Sarah Jezebel Deva und Sänger Karo Hafke, so wie Sprecherin Natalie Ostermaier, Autorin und Illustratorin des Buches „Kramer“.

Epilog

Wenn man sich mit dem Album „Hexenbrand 1486“ auseinandersetzt, stellt sich mir folgende essentielle Frage: Was ist das „Böse“? Werden offensichtlich faktisch böse und schändliche Handlungen wie beispielsweise das Quälen und Töten von Menschen besser, wenn man es durch etwas rechtfertigt? Etwa durch das Vorantreiben oder den Schutz einer vermeintlich guten Sache? Jeder wird zustimmen, dass Jack The Ripper ein böser Mann mit perversen Neigungen war, getrieben von Lust, Gewalt und Wahnsinn. In seinem unmenschlichen Tun war er dennoch ehrlich und handelte nicht unter Vortäuschung eines selbsterklärten höheren Ziels.

Doch sind seine Handlungen moralisch mehr zu verurteilen als Greueltaten, die angeblich im Namen einer guten und gerechten Sache gemacht wurden? Denn das Dilemma daran ist, dass jeder eine „gute“ oder „gerechte“ Sache für sich selbst definieren kann oder Gruppen dies für sich festlegen. Daher ist eine stetige und gründliche Abwägung des eigenen Wertekomplexes und daraus resultierenden Handlungskonzepts dringend geboten und sollte im Rahmen der Selbstrechtfertigung immer gründlich hinterfragt und auf den Prüfstand gestellt werden. Denn die Geschichte zeigt uns: Das Böse trägt viele Masken! Es kommt nicht immer offensichtlich mit Hörnern und Flammen, sondern tarnt sich oft unter dem Deckmantel einer ideologischen Überzeugung mit Absolutheitsanspruch.

„Hexenbrand 1486“ wirft uns genau in diesen Abgrund:
Es konfrontiert uns mit der Frage, ob das Böse nicht dort beginnt, wo Selbstrechtfertigung jede moralische Prüfung ersetzt. Wo das eigene Wertekonzept nicht mehr hinterfragt, sondern als Dogma verteidigt wird, ist die Hölle nicht mehr weit, in der Angst, Schuld und Macht sich zu einer Flamme vereinen und Menschen darin verbrannt werden.

english review

Genre: Black Metal

Release: 31.10.’25

Label: ROAR/RPM

MYSTIC CIRCLE (Facebook) explore the depths of “evil” on their album “Hexenbrand 1486„. In ten gloomy chapters, they not only address the topic of „witch hunts“ in the middle ages, but also take up various themes of human, but especially religious abysses. Here, the lyrics are not just an accessory, but an incredibly important part of a profound album, which painfully reveals a fundamental moral dilemma.

It’s definitely worth looking beneath the surface here, because the lyrics are well thought out and rich in meaning. I (as an atheist) have tried to classify the songs for myself in terms of content and write down my purely personal thoughts on them, so the review has become relatively long and goes beyond the musical perspective. So if you just need a quick summary, you can skip straight to the end.

The lightbringer

MYSTIC CIRCLE make their position clear right from the start with the opener “Luciferian”: devout Christians will turn away in horror when the devilish hymn begins to play. In a provocative and deliberately exaggerated manner, Christian rituals and dogmas are reversed here; almost like a “Our Father” for the devil, who is portrayed here as a bringer of light or savior.

But behind the martial face, there’s more than just provocation. The song feels like a ritual manifesto that not only rejects religious order but also shows it as a failure. The line “The children of god have failed” can be seen as a dark take on the situation, like a warning that hell on earth has already become a reality. This ambivalence between rebellion and resignation runs like a thread through the song and the album. “Luciferian” is not only a musical bombshell, but also an ideological prelude. It is a mirror for a world that has betrayed its own values.

Musically, Mystic Circle offer a spectacular show. In cinematic fashion, extreme metal unfolds at a devilishly high level: epic guitar riffs accompany crackling blast beats, while orchestral elements thicken the atmosphere like dark black clouds.

The middle section is particularly impressive: a calm, melodic interlude with a guitar solo that initially flows melancholically, then erupts into an ecstatic blaze. It is as if pain is turning into triumph. This is followed by a voice singing the line “Down down down into the abyss I fall”, sounding almost conciliatory, almost like a prayer. The subsequent choirs, in their reverence for the devil, do not seem threatening, but rather redeeming. The song closes like a ritual circle and ends infernally, a kind of liberating blow.

The „Whore Babylon“

“The Scarlet Queen Of Chaos” dances between apocalyptic destruction and epic, captivating unfolding, which is particularly evident in the haunting chorus. Christian symbolism is also taken up here, in this case an episode from the Revelation of John. It tells of the “Whore of Babylon” riding on a red, demonic creature. Symbolically, she embodies the sins and temptations of the world. Ultimately, she is defeated by divine judgment.

MYSTIC CIRCLE transforms this biblical allegory: The ‘Scarlet Queen Of Harlots’ is not merely a sinner, but a messenger of the apocalypse; a metaphysical existence that lurks within every human being. She waits in a dark hiding place of the mind, ready to seduce people into evil deeds with lies and deceit. The apocalypse is thus not staged as an external judgment, but as an inner collapse and a confrontation with everyone’s own shadows.

„Boogeyman“

This mystical figure has been adapted countless times in various horror films and books. This character was not clearly defined, but was created as a metaphysical being to spread fear. And fear is a way to gain control. That is why it was often misused as a method of disciplining children. But the fear tactic also works with adults. I‘ ll come back to that later.

MYSTIC CIRCLE’s love for 80s synths, as heard in the horror films of that decade, is evident throughout the album; not as a defining element, but rather as a cool atmospheric ingredient. Thus, “Boogeyman” also gets a mystical introduction. Then the black metal spirits attack and blast modern melodic metal with infernal fervor. The mix offered by MYSTIC CIRCLE is certainly not for purists, as the songs are a creative blend that has been fused into an impressive, homogeneous overall concept.

„In The Year Of The Goat“

A merely superficial examination of the album would not do it justice. Personally, I see more in it than that. In my opinion, evil is not portrayed here as a real external force, but as part of human reality. The demonic images are projections of what we ourselves unleash: in wars, in fanaticism, in the greed for power and control. “In The Sign Of The Goat” is thus not just occult fiction, but a dark allegory on the state of the world.

Sharp riffs cut through vocals that are practically spat out, while the drums produce ominous thunderclaps, like harbingers of an apocalyptic storm. Then the wind picks up, building into a storm, until suddenly the melodic chorus rings out with an angelic voice. This deliberate dissonance between brutality and beauty is both fascinating and disturbing, especially when you keep the song’s theme in mind.

The part starting at the third minute is also interesting: old school vibes create an extraordinary interlude that feels like a ritual; mechanical, hypnotic, almost sacred. Then the drum thunderstorm crashes down and accompanies the bloody rain of doom. It’s as if the song itself becomes an apocalyptic vision, both musically and lyrically.

„Ghost Of The White Chapel“

Let’s now turn to a song that also deals with evil, but in a different way. There is no social criticism or metaphysical approach here; this song is about real human evil in its individual form, namely the world-famous serial killer Jack the Ripper from London. His victims were predominantly prostitutes, and the murders were characterized by extreme brutality. Slashed throats, mutilation, and in some cases the removal of internal organs are said to have been part of his modus operandi. However, the true identity of the perpetrator was never conclusively established, which led to the creation of legends and countless speculations.

The song comes across as the stoic monologue of a mentally disturbed person, written in the form of a letter to a fictional addressee. The sobriety with which he describes his inhumanly brutal deeds makes the whole thing all the more abhorrent. It is precisely the emotionless language that intensifies the horror: no remorse, no reflection! Just a cold description of the atrocities. This form of presentation defies any moral classification. In its incomprehensible cruelty, the song simply stands on its own, like a literary fragment from a dark diary.

It is almost tragically ironic that the song begins with spoken lines recited by a woman. Overall, the song comes across as very harsh. Slaughtering riffs dominate the song, and the solo takes it up a notch, reflecting the murderer’s madness during the crime in its ecstatic outburst.

Institoris (Heinrich Kramer)

Now begins the central theme of the album, which is described in all its cruelty in the second half. First, Heinrich Kramer is introduced in an intro. Heinrich Kramer (also known as Henricus Institoris) was a German Dominican monk, theologian, and inquisitor who played a central role in the history of European witch hunts in the late 15th century. His manifesto was the “Malleus Maleficarum”, which was used as the basis for the targeted and systematic persecution of witches in Europe.

The Christian church instilled fear in the population by accusing innocent people of witchcraft and associating them with dark forces, even the devil himself. It was a political authority, moral judge, and social control organ. By making the invisible—the devil, witches, sin—a tangible threat, it created a system in which doubt, deviation, and individuality became dangerous. In this way, the Church legitimized its raison d’être and abhorrent practices, because it was all about protecting the faith in the name of God and thus saving humanity. Fostering fear with intangible things is still an effective means of control and exercising power today, not only in religion.

Today, Kramer is regarded as a symbol of religious fanaticism and the dark side of ecclesiastical power. Inconceivable atrocities were committed in the name of the church. What does this teach us? Devil or God? In light of such crimes, what is the difference? This is a fundamental question that highlights the dilemma of religion and encourages reflection. After all, weren’t the most cruel crimes in human history committed on the basis of different beliefs, each of which claims to be absolute or whose followers demand this? On the one hand, religion can provide comfort, meaning, and community, but it can also be misused for fear, control, violence, and destruction.

„Malleus Maleficarum“

A dark orchestral introduction to Kramer is provided by the track “Institoris.” This is quite impressively staged before the song “The Bible Of White Chase” explicitly deals with the „Malleus Maleficarum“. It is a fiery, driving heavy metal song peppered with doomed passages that make the suffering literally palpable. Real cries of pain can be heard in one passage. And the line “You’re the Devil” is sung in an almost accusatory manner. “The Bible of Witch Chase” transforms the Malleus Maleficarum into a symbol of what happens when faith becomes a weapon and truth burns in the fire.

“Incest, fornication, sodomy”

“Incest, fornication, sodomy” as charges continues to deal with the atrocities of the ecclesiastical Inquisition. Among other things, the absurd accusations mentioned in the song title were levelled at the so-called witches. It was just a pretext, an arbitrary stigmatisation, to imprison those who thought differently, acted differently or looked different. Subsequently, abstruse confessions were extracted from the victims of this persecution through cruel torture, only to then kill these people, sometimes even publicly burned at a stake. The song is thus a relentless reckoning with the inhuman machinations of the church, and that’s exactly how it sounds.

After a melodic, melancholic intro, the song reveals its unbridled, angry energy. Blast beats provide relentless punishment, with clever mood changes woven in again. Shrill screams in the frenzied parts and ominous growls go hand in hand here. But that’s not all, because in over six minutes of playing time there are other surprises, such as the synth-heavy part in the middle.

Walpurgis Night

“Dance On The Wings Of Black Magic” celebrates the ritual of Walpurgis Night in a final climax of the album and fans the demonic fire even more fiercely. The song is pure energy, a consuming fire that inexorably seeks its revealing and cleansing path. Incidentally, the ritual of Walpurgis Night dates back to pre-Christian times and therefore has rather pagan roots. Germanic and Celtic peoples celebrated this festival with fire, dance, and masks to drive away evil spirits.

From the late Middle Ages onwards, however, Walpurgis Night became increasingly associated by the Church with witch gatherings and pacts with the devil. The „Malleus Maleficarum“ and the Inquisition contributed to the night being regarded as a time of evil. After the fire has raged with “Dance On The Wings Of Black Magic,” the album comes to a quiet end, once again expressing contempt for Heinrich Kramer in strong words, representing all inhumane people who harbor such thoughts and use such methods.

Conclusion

With “Hexenbrand 1486,” MYSTIC CIRCLE have created a masterpiece that is not only musically compelling, but also lyrically profound. The topics covered, such as witch hunts and religious fanaticism, are not new, but their treatment is well thought out and MYSTIC CIRCLE’s approach is absolutely relentless, both in terms of lyrics and music.

On “Hexenbrand 1486,” lyrics and music do not exist side by side, but rather merge into a unity that not only reaches the listener, but penetrates them with intense power. The musical language is brutal, epic, and occult, while the lyrics are profound, historically grounded, and at the same time frighteningly relevant.

The musical mix offered by MYSTIC CIRCLE is not for purists, but it is precisely this complexity that makes it so fascinating. “Hexenbrand 1486” was born out of a creative melting pot, resulting in a homogeneous overall concept of modern black metal. Each chapter contributes to the dramaturgy without losing any of the tension or atmosphere. No pathos! No consolation! Just the naked truth in the guise of black metal. “Hexenbrand 1486” is not an album you just listen to. You feel it!

Frenzied black metal meets infernal heavy metal, interspersed with doom-laden passages and mystical synthscapes that drift through the soundscape like dark wisps of fog. Narrative interludes condense the stories without breaking the flow. Also noteworthy are the guest appearances by singer Sarah Jezebel Deva and singer Karo Hafke, as well as narrator Natalie Ostermaier, author and illustrator of the book “Kramer.”

Epilog

When considering the album “Hexenbrand 1486,” the following essential question arises: What is “evil”? Do obviously evil and shameful acts, such as torturing and killing people, become better if they are justified by something? For example, by promoting or protecting a supposedly good cause? Everyone will agree that Jack the Ripper was an evil man with perverse tendencies, driven by lust, violence, and madness. In his inhuman actions, however, he was honest and did not act under the pretense of a self-declared higher goal.

But are his actions morally more reprehensible than atrocities allegedly committed in the name of „good“ and „justice“? The dilemma here is that everyone can define „good” or “justice” cause for themselves, or groups can determine this for themselves. Therefore, it is imperative to constantly and thoroughly weigh the own set of values and the resulting course of action, which should always be thoroughly questioned and scrutinized in the context of self-justification. For history shows us that evil wears many masks! It does not always come obviously with horns and flames, but often disguises itself under the cloak of an ideological conviction with a claim to absoluteness.

“Hexenbrand 1486” throws us right into this abyss: It confronts us with the question of whether evil begins where self-justification replaces all moral scrutiny. Where one’s own concept of values is no longer questioned, but defended as dogma, hell is not far away, where fear, guilt and power unite to form a flame and people are burned in it.

Genre: Heavy Rock/Melodic Metal

Release: 24.10.2025

Label: Nauntown Music

Es ist das zweite Album von DREAM LEGACY (Facebook), welches am 24.10.’25 erscheinen wird. Einige Singles sind bereits erschienen und haben gezeigt, dass sich frei in den klassischen Rockgefilden herumtreiben. Mit einer Mischung aus Heavy Rock und Power Metal zeigen sie, dass sie wundervolle Hymnen erschaffen können.

Der Opener „The Anthem Of Surya“ eröffnet das musikalische Fest und offenbart nach den ersten Tönen eine sehr satte kraftvolle Produktion, die an sich schon eine gute Power reinbringt. Die Drums schlagen mächtig durch und die Riffs kommen fett rüber. Als ich die Band das erste Mal hörte, fiel mir direkt Sänger Dustin auf. Er hat eine sehr theatralische Art, die mich teilweise an einen Musicaldarsteller erinnert. Sehr klar im Ausdruck, hochemotional und technisch ausgereift. Die melodischen Gesangslinien beherrscht er sehr gut. Mir klingt er insgesamt etwas zu brav, wenn ich ehrlich bin. Aber das ist reine Geschmacksache. Ich finde, dass er ruhig mehr aus seinem Korsett ausbrechen könnte, um den ganzen mehr Würze zu verpassen. Aber mal abwarten…

Mitten im bisher dramaturgisch klar strukturierten Konzept der ersten Tracks überraschen DREAM LEGACY dann mit einem Song, der aus dem Rahmen fällt; und gerade deshalb hängen bleibt: „Der Kern“ ist nicht nur der einzige deutschsprachige Track, sondern auch kompositorisch ein radikaler Bruch. Statt hymnischer Rockformeln erwartet uns hier ein erzählerisches Fragment, das sich zwischen düsterem Theater und latentem Wahnsinn bewegt.

Sänger Dustin Hönes, bislang eher als emotionaler Erzähler mit musicalhafter Klarheit in Erscheinung getreten, zeigt hier eine völlig neue Facette. Seine Stimme geht in die Tiefe, verliert die glatte Oberfläche und gewinnt an Charakter. Man spürt die Reibung, die Unruhe. (Dabei frage ich mich unweigerlich, wie dieser Vortrag wohl mit einem Rammstein-Riff im Rücken geklungen hätte.)

Mit „Don’t Give Up“ liefert Dream Legacy einen Song, der sich atmosphärisch vom hymnischen Glanz anderer Albumtracks abhebt. Die düstere Grundstimmung, getragen von reduzierten melancholischen Passagen und subtiler Spannung, verleiht dem Stück in seinem Wechselspiel eine fast fragile Intensität. Aber genau darin liegt seine Kraft.

Sänger Dustin Hönes geht hier spürbar mehr aus sich heraus. Seine Stimme wirkt emotional aufgewühlter und es gibt Momente, in dem die glatte Oberfläche bricht und etwas Rohes durchscheint. Damit packt er mich. Unterstützt wird das später durch epische Chöre im Hintergrund, die dem Song eine fast sakrale Tiefe verleihen und ihn über das Persönliche hinaus ins Universelle heben. Das Gitarrensolo ist kurz, prägnant und auf den Punkt: kein ausuferndes Gefrickel, sondern ein gezielter Schlag ins emotionale Zentrum.

„Farewell For How“ startet mit scharfen Riffs und verspricht zunächst eine kraftvolle Rocknummer. Doch die melodisch-emotionalen Zwischenspiele bremsen den Drive spürbar aus. Kontraste sind zweifelsohne ein bewährtes Stilmittel. Doch hier wirken sie für mich eher wie ein stilistischer Widerspruch, der den Song aus dem Tritt bringt. Die düstere Energie des Intros hätte durchgehend getragen werden können. So bleibt „Farewell For Now“ ein Stück mit Potenzial, das sich selbst im Weg steht.

Die Ballade „Immortal Me“ will berühren, doch die Emotionen wirkt auf mich zu Beginn aber recht sperrig und zu kalkuliert. Der Flow wird zunehmend besser und mit dem Einsatz einer intensiveren Instrumentierung kommt der Song dann völlig bei mir an und erzeugt eine Menge Pathos. Da hätte ich mir noch als emotionales I-Tüpfelchen ein schönen emotionalen Gitarrensolo gewünscht.

Gerade die Refrains könnten mehr Wucht vertragen – mehr Kante, mehr Mut zur Unvollkommenheit. Der letzte Track „Hope Will Never Die“ verdeutlicht das: Ein kraftvoller, treibender Song mit starker Botschaft, der jedoch durch die sanfte Tonlage des Gesangs an Wirkung verliert. Erst ab Minute 02:10 bricht Dustin aus – ein Moment, der zeigt, was möglich wäre, wenn er sich häufiger aus dem emotionalen Sicherheitsmodus befreien würde.

Für meinen Geschmack ist Sänger Dustin zu sehr darauf bedacht seine Stimme zu kontrollieren. Viele Gesangslinien gefallen mir super, andere sind mir dann zu dünn und kraftlos, vor allem in den hohen Bereichen. Die Refrains könnten stellenweise mehr Durchschlagskraft gebrauchen. Der letzte Track „Hope Will Never Die“ verdeutlicht das. An sich ein kraftvoller treibender Song, der aber durch die sanfte gesangliche Tonlage zu wenig Power liefert. Ab Minute 02:10 kommt Dustin mal mehr aus sich heraus. Dies könnte man ruhig weiter ausbauen.

Fazit

„Immortal“ ist ein Album, das viel will und oft auch viel erreicht. Die Produktion ist klar, druckvoll und professionell inszeniert. DREAM LEGACY zeigen sich ambitioniert und überzeugen mit Songs, die überwiegend einen hymnenhaften Charakter tragen. Dabei prägt Sänger Dustin Hönes das Klangbild mit einer Stimme, die zwischen musicalhafter Klarheit und erzählerischer Tiefe pendelt und so ein Spannungsfeld erzeugt, das dem Album emotionale Weite verleiht.

Die Arrangements sind harmonisch und auf Wirkung bedacht, insbesondere im Gesang. Doch gerade dort, wo die Band stilistische Experimente wagt, etwa in „Der Kern“. Dort zeigt sich, wie viel Potenzial in Reibung und Grenzauslotung steckt. Diese Momente verleihen dem Album Profil und Tiefe, die über das rein Hymnische hinausgehen.

„Immortal“ ist damit nicht nur ein Statement der Beständigkeit, sondern auch eine Einladung zur Weiterentwicklung. Mehr Mut zur Unruhe, mehr Brüche im Glanz – das könnte Dream Legacy künftig noch spannender machen.

english review

Genre: Heavy Rock/Melodic Metal

Release: 24.10.2025

Label: Nauntown Music

It is the second album from DREAM LEGACY (Facebook), which will be released on 24.10.’25. Several singles have already been released and have shown that they are playing in the classic rock realm. With a mixture of heavy rock and power metal, they show that they can create wonderful anthems.

The opener „The Anthem Of Surya“ opens the musical feast and reveals a very rich, strong production, which in itself brings in a good amount of power. The drums hit hard and the riffs are powerful. When I heard the band for the first time, I immediately noticed singer Dustin. He has a very theatrical technique that sometimes reminds me of a musical performer. Very clear in expression, highly emotional and technically mature. He masters the melodic vocal lines very well. To be honest, he sounds a little too well-behaved for me. But that’s purely a matter of taste. I think he could break out of his corset more to give the whole thing more spice. But we’ll see…

In the middle of the dramaturgically clearly structured concept of the first tracks, DREAM LEGACY then surprise us with a song that is out of the ordinary; and that is precisely why it sticks with us: „Der Kern“ is not only the only German-language track, but also a radical break in terms of composition. Instead of anthemic rock formulas, a narrative fragment awaits us here that moves between dark theater and latent madness.

Singer Dustin Hönes, who has previously appeared more as an emotional narrator with musical clarity, shows a completely new facet here. His voice goes deep, loses the smooth surface and gains character. You can feel the friction, the restlessness. (I can’t help but wonder what this performance would have sounded like with a Rammstein riff).

With „Don’t Give Up“, Dream Legacy delivers a song that stands out atmospherically from the anthemic splendor of other album tracks. The dark basic mood, carried by reduced melancholic passages and subtle tension, lends the piece an almost fragile intensity in its interplay. But this is precisely where its power lies.

Singer Dustin Hönes comes out of his shell noticeably more here. His voice seems more emotionally agitated and there are moments when the smooth surface breaks and something raw shines through. He grabs me with that. This is later supported by epic choirs in the background, which give the song an almost sacred depth and lift it beyond the personal and into the universal. The guitar solo is short, concise and to the point: no excessive fiddling, but a targeted shot into the emotional center.

„Farewell For How“ starts with sharp riffs and initially promises to be a powerful rock number. However, the melodic-emotional interludes noticeably slow down the drive. Contrasts are undoubtedly a tried and tested stylistic device. But here they seem to me more like a stylistic contradiction that throws the song off course. The dark energy of the intro could have been carried throughout. As it is, „Farewell For Now“ remains a song with potential that gets in its own way.

The ballad „Immortal Me“ wants to be touching, but the emotions seem quite unwieldy and too calculated to me at the beginning. The flow gets better and better and with the use of more intense instrumentation, the song really gets to me and creates a lot of pathos. I would have liked a nice emotional guitar solo as the emotional icing on the cake.

For my taste, singer Dustin is too intent on controlling his voice. I really like the vocals, but sometimes they are too thin and weak, especially in the high ranges. So they could use more punch in places. The last track „Hope Will Never Die“ illustrates this. It’s a powerful, driving song in itself, but it doesn’t deliver enough power due to the soft vocal pitch. From minute 02:10, Dustin comes out of his shell more. This could be developed further.

Fazit

„Immortal“ is an album that wants to be huge and often achieves that. The production is clear, powerful and professionally staged. DREAM LEGACY are ambitious and impress with songs that are predominantly anthemic in character. Singer Dustin Hönes shapes the sound with a voice that oscillates between musical clarity and narrative depth, creating a field of tension that lends the album an emotional range.

The arrangements are harmonious and focused on impact, especially in the vocals. But it is precisely where the band dares to experiment stylistically, for example in „Der Kern“. This shows how much potential there is in friction and exploring boundaries. These moments give the album a profile and depth that goes beyond the purely anthemic.

„Immortal“ is therefore not only a statement of consistency, but also an invitation to further development. Exploring boundaries that could sometimes mean dark cracks in the harmonious glow could make DREAM LEGACY even more exciting in the future.

Genre: Thrash Metal

Release: 10.10.2025

Label: Nuclear Blast

Wieder eine legendäre Band, die zu meiner und Freude aller Fans immer noch im erfolgreich im musikalischen Business unterwegs sind. TESTAMENT werden am 10.10.2025 ihr 14. Album „Para Bellum“ an den Start bringen. Dabei dürfte es zudem interessant sein, wie sich die Verpflichtung von Drummer Chris Dovas auf den Sound ausgewirkt hat, denn er ist seit 2023 offiziell Mitglied von TESTAMENT. Zuvor hatte er bereits bei einigen Shows als Live-Ersatz in der Schießbude ausgeholfen. Und ich kann euch versprechen, dass TESTAMENT mächtig abliefern und für Überraschungen sorgen werden.

Testament werfen euch mit „For The Love Of Pain“ ohne Vorwarnung mitten ins Schlachtfeld. Schon die ersten Sekunden zeigen, was für ein teuflisch präziser Berserker Chris Dovas hinterm Kit ist. Seine Attacken sind furios, chirurgisch und gnadenlos. Der Opener ist kein Song, sondern ein martialischer Akt musikalischer Zerstörung.

Was die Band hier in über fünf Minuten entfesselt, ist ein Feuertornado aus Thrash und Black-Metal-Vibes. TESTAMENT klingen brutaler als je zuvor, als hätten sie all ihre Wut, Technik und Erfahrung in einen einzigen, alles niederbrennenden Song gegossen. Chuck Billys Gesang ist ein eruptiver Ausbruch, ein wütender Monolog am Rande des Wahnsinns. Eskalation pur! Nach diesem Angriff bleibt nichts als Stille und ein völlig ausgelaugter Hörer.

Aber TESTAMENT denken nicht daran Erholung zu gönnen. Mit „Infanticide A.I.“ geht der wilde Ritt weiter und der Energielevel bleibt auf Extrem-Niveau. Chris Dovas feuert ab der ersten Sekunde präzise Blastbeats mit chirurgischer Genauigkeit. Seine Füße arbeiten wie ein Maschinengewehr, nicht nur schnell, sondern dynamisch. Trotzdem schlagen die Thrash Metal Vibes jetzt deutlicher durch. Das Tempo ist jedoch schlichtweg mörderisch. Chris Dovas variiert die Intensität, um Breaks und Übergänge zu akzentuieren und agiert fast wie ein Choreograf in dem Song. Die anderen Bandmitglieder scheinen sich angesteckt zu haben und spielen wie besessen. Es ist schier unglaublich.

Der dritte Song „Shadow People“ nimmt sich dann erst ein wenig zurück, pumpt aber immer noch gewaltig die Schuhe auf. Er treibt kraftvoll nach vorne und hat dabei noch einige Zündfunken parat. Und dann ein Bruch, ein Wagnis, ein Moment der Stille: „Meant to Be“ überrascht mit einer klassischen Ballade, wie man sie von Testament kaum erwartet hätte. Akustische Gitarren eröffnen das Stück, zart und fast nostalgisch. Chuck Billys Gesang wirkt wie ein schmeichelnder Windhauch, der sich durch die melancholische Struktur schlängelt.

Die Ballade ist old school im besten Sinne: klar komponiert, emotional aufgeladen, und mit einem Höhepunkt, der sich langsam, aber unaufhaltsam aufbaut. Als Novum setzt die Band auf den weltbekannten Cellisten Dave Eggar, dessen Streicherlinien dem Song eine fast sakrale Tiefe verleihen. Es ist ein mutiger Schritt und einer, der sich auszahlt. „Meant to Be“ ist für mich kein Fremdkörper, sondern ein Ruhepol, der dem Album nach dem vernichtenden Beginn an der richtigen Stelle Luft zum Aufatmen gibt.

Mit „High Noon“ kehrt Testament zurück aufs Schlachtfeld. Der Song groovt, rollt, rockt und lebt erneut vom exquisiten Drumming von Chris Dovas, der auch hier wieder explosive Akzente setzt. Chuck Billys Gesang pendelt zwischen knurrendem Statement und melodischem Nachdruck. Das dramatische Gitarrensolo von Alex Skolnick, was zum Teil den Blues atmet, ist auch aller Ehren wert.

Die Songreihenfolge auf „Para Bellum“ ist wirklich äußert geschickt arrangiert und bewirkt eine dramaturgische Balance. Denn so wird der Hörer mit einem abwechslungsreichen Set verwöhnt, der nicht überfordert, sondern immer wieder neue Erlebnisse bietet und so die Aufmerksamkeit auf sich zieht und aufrecht erhält.

„Witch Hunt“ beweist das eindrucksvoll. TESTAMENT kehren in den vollen Angriffmodus zurück. Der Einstieg ist rasant, ballert hemmungslos und kompromisslos. Chuck Billy feuert seine Vocals wie ein Maschinengewehr: präzise, brutal, unaufhaltsam. Die Band spielt wie im Rausch, ein Dauerfeuer: jeder Riff ein Einschlag, jedes Fill ein Detonationspunkt.

Mitten im Sturm folgt ein fließender Übergang in ruhigere Fahrwasser. Und dann öffnet sich abseits des Sturms der Raum für ein Gitarrensolo, das mehr ist als nur Verzierung: Es ist ein Song im Song. Melodisch, komplex, fast episch. Skolnick entfaltet hier eine Klanglandschaft, die zwischen Hoffnung und Verzweiflung pendelt. Ein Moment der Schönheit im Chaos.

Mit „Nature Of The Beast“ schlagen Testament wieder eine lockerere, rockigere Gangart ein. Der Song lebt von Melodie, Groove und einem fast entspannten Drive, ohne an Kraft zu verlieren. Es ist ein Track, der atmet, rollt und sich Zeit nimmt, seine Wirkung zu entfalten. An dieser Stelle möchte ich mal den Bass hervorheben. Oft im Schatten der Gitarren, tritt er hier subtil, aber wirkungsvoll ins Rampenlicht. Er drängt sich nicht auf, aber wenn man hinhört, zieht er die Aufmerksamkeit auf sich. Der Bass dient auf dem Album mal als pulsierendes Groove-Fundament, mal als melodischer Akzentgeber. Die Basslinien sind durchdacht, variabel und tragen zur Gesamtarchitektur des Songs bei.

„Room 117“ wirkt etwas schwerer, aber immer noch gemäßigt. Mit eingestreuter, fast subtiler Intensitätssteigerung und fließenden Rhythmuswechseln sorgt man für die richtige Würze im Song, welche den Song so schmackhaft machen. „Room 117“ ist ein Paradebeispiel für Testament’s kompositorische Reife: kein bloßer Thrash, sondern ein strukturell durchdachtes Stück, das Atmosphäre, Groove und narrative Tiefe vereint.

„Havana Syndrome“ erscheint mir wie ein klassischer TESTAMENT Track. Treibender Rhythmus mit melodischem Fundament und Rock im Blut. Der Song marschiert entschlossen nach vorne, getragen von einem Riff, das sofort zündet, garniert mit melodischen Einschüben. Nicht so komplex wie andere Songs auf dem Album, aber mit genug Biss, um sich festzusetzen.

Der Titeltrack „Para Bellum“ ist das finale Statement. TESTAMENT beginnen mit einem Gitarrensolo, das sich wie ein Ruf zur letzten Schlacht erhebt: melodisch, aber mit unterschwelliger Bedrohung. Die Drums setzen dynamisch ein, pulsieren und treiben. Dann wird der Ofen befeuert. Der Zug nimmt Fahrt auf, und es gibt kein zurück. Hier vereinen sich die klassischen Testament-Trademarks: präzises Riffing, wütender Gesang, rhythmische Wucht verbunden mit den neuen, eskalierenden Ausbrüchen, die Chris Dovas und Eric Peterson ins Songwriting eingebracht haben. Der Track ist kein Rückblick, sondern ein Verdichtungsakt: alles, was „Para Bellum“ ausmacht, gipfelt hier in einem krönenden Finale.

Fazit

Mit „Para Bellum“ liefern TESTAMENT nicht einfach ein weiteres Thrash-Album. Sie präsentieren ein musikalisches Schlachtfeld, das zwischen Eskalation und Eleganz pendelt. Mit neuen Waffen klingen sie brutaler, fokussierter und vielseitiger denn je. TESTAMENT haben den Grundstein für eine stilistische Erweiterung gelegt: Black Metal-Vibes, schnelle Groove-Monster und eine orchestrale Ballade,

Alles wirkt sinnvoll durchdacht. Die Songreihenfolge ist zudem dramaturgisch klug gesetzt: Der Hörer wird nicht überfordert, sondern geführt. Ein Reise durch Raserei, Reflexion, Groove und Melancholie. Jeder Track hat ein eigenes Profil, aber alle sind Teil eines größeren Narrativs: „Para Bellum“ ist ein Album über Kampf, Wandel und künstlerische Selbstbehauptung.

Chuck Billy klingt als würde er alle Facetten menschlicher Wut und Verletzlichkeit durchleben. Eric Peterson vereint alte Trademarks mit neuen Eskalationen, und Alex Skolnick liefert Soli, die nicht nur glänzen, sondern erzählen. Selbst der Bass bekommt Raum, nicht als Beiwerk, sondern als pulsierendes Rückgrat.

„Para Bellum“ ist kein nostalgischer Rückblick, sondern ein Statement der Gegenwart. Testament zeigen, dass sie nicht nur überlebt haben – sie haben sich neu erfunden, ohne sich zu verlieren. Wer Frieden will, muss bereit sein für den Krieg. TESTAMENT sind bereit!

english review

Genre: Thrash Metal

Release: 10.10.2025

Label: Nuclear Blast

Another legendary band who, to my delight and that of all their fans, are still successful in the music business. TESTAMENT will release their 14th album „Para Bellum“ on October 10, 2025. It will also be interesting to see how the signing of drummer Chris Dovas has affected the sound, as he has been an official member of TESTAMENT since 2023. Before that, he had already helped out as a live replacement on the drums at a few shows. And I can promise you that TESTAMENT will deliver a powerful performance and provide some surprises.

Testament throw you into the middle of the battlefield without warning with „For The Love Of Pain“. The very first seconds show what a devilishly precise berserker Chris Dovas is behind the kit. His attacks are furious, surgical and merciless. The opener is not a song, but a martial act of musical destruction.

What the band unleashes here in over five minutes is a fire tornado of thrash and black metal vibes. TESTAMENT sound more brutal than ever before, as if they had poured all their rage, technique and experience into a single, all-burning song. Chuck Billy’s vocals are an eruptive outburst, a furious monologue on the verge of madness. Pure escalation! After this attack, all that remains is silence and a completely exhausted listener.

But TESTAMENT don’t think about giving themselves a rest. The wild ride continues with „Infanticide A.I.“ and the energy level remains at an extreme level. Chris Dovas fires precise blast beats with surgical accuracy from the very first second. His feet work like a machine gun, not just fast, but dynamically. Nevertheless, the thrash metal vibes now come through more clearly. The tempo, however, is simply murderous.

Chris Dovas varies the intensity to accentuate breaks and transitions and acts almost like a choreographer in the song. The other band members seem to have caught the bug and play as if possessed. It’s fantastic.

The third song, „Shadow People“, then takes a step back, but it’s still a very powerful act. It drives powerfully forward and still has a few sparks at the ready. And then a break, a risk, a moment of silence: „Meant to Be“ surprises with a classic ballad that you would hardly have expected from Testament. Acoustic guitars open the track, delicate and almost nostalgic. Chuck Billy’s vocals are like a caressing breeze that meanders through the melancholy structure.

The ballad is old school in the best sense of the word: clearly composed, emotionally charged and with a climax that builds slowly but inexorably. As a novelty, the band relies on the world-famous cellist Dave Eggar, whose string lines lend the song an almost sacred depth. It’s a bold move and one that pays off. For me, „Meant to Be“ is not a disturbing thing, but a haven of peace that gives the album the right amount of breathing space after the devastating beginning.

TESTAMENT return to the battlefield with „High Noon“. The song grooves, rolls, rocks and once again thrives on the exquisite drumming of Chris Dovas, who once again sets explosive accents. Chuck Billy’s vocals oscillate between growling statement and melodic emphasis. Alex Skolnick’s dramatic guitar solo, which partly breathes the blues, is also an outstanding experience.

The order of the songs on „Para Bellum“ is really very cleverly arranged and creates a dramatic balance. The listener is treated to a varied set that is not overwhelming, but offers new experiences time and again, thus attracting and maintaining attention.

„Witch Hunt“ proves this impressively. TESTAMENT return to full attack mode. The introduction is fast-paced, unrestrained and uncompromising. Chuck Billy fires his vocals like a machine gun: precise, brutal, unstoppable. The band plays as if in a frenzy, a continuous barrage: every riff an impact, every fill a detonation.

In the middle of the storm, there is a smooth transition into calmer waters. And then, away from the storm, the space opens up for a guitar solo that is more than just an embellishment: it is a song within a song. Melodic, complex, almost epic. Skolnick unfolds a soundscape here that oscillates between hope and despair. A moment of beauty in chaos.

With „Nature Of The Beast“, Testament return to a looser, rockier pace. The song thrives on melody, groove and an almost relaxed drive, without losing any of its power. It’s a track that breathes, rolls and takes its time to unfold its effect. At this point, I would like to emphasize the bass.

Often overshadowed by the guitars, here he subtly but effectively steps into the spotlight. It doesn’t impose itself, but if you listen, it draws attention to itself. On the album, the bass sometimes serves as a pulsating groove foundation, sometimes as a melodic accentuator. The bass lines are well thought out, variable and contribute to the overall architecture of the song.

„Room 117“ is a little heavier, but still moderate. The interspersed, almost subtle increase in intensity and flowing rhythm changes provide the right spice in the song, which makes it so tasty. „Room 117“ is an example of Testament’s compositional maturity: not just thrash, but a structurally well thought-out piece that combines atmosphere, groove and narrative depth.

„Havana Syndrome“ seems like a classic TESTAMENT track to me. A driving rhythm with a melodic foundation and rock in the blood. The song marches resolutely forward, carried by a riff that immediately ignites, garnished with melodic interludes. Not as complex as other songs on the album, but with enough bite to stick.

The title track „Para Bellum“ is the final statement. TESTAMENT begin with a guitar solo that rises like a call to the final battle: melodic, but with an underlying threat. The drums kick in dynamically, pulsating and driving. Then the furnace is fired up. The train picks up speed and there is no turning back. The classic Testament trademarks come together here: precise riffing, angry vocals, rhythmic power combined with the new, escalating outbursts that Chris Dovas and Eric Peterson have brought to the songwriting. The track is not a retrospective, but an act of condensation: everything that makes up „Para Bellum“ culminates here in a crowning finale.

Conclusion

With „Para Bellum“, TESTAMENT don’t just deliver another thrash album. They present a musical battlefield that oscillates between escalation and elegance. With new weapons, they sound more brutal, more focused and more versatile than ever.TESTAMENT have laid the foundations for stylistic expansion: Black Metal vibes, fast groove monsters and an orchestral ballads,

Everything seems well thought out. The order of the songs is also dramaturgically clever: The listener is not overwhelmed, but guided. A journey through frenzy, reflection, groove and melancholy. Each track has its own profile, but they are all part of a larger narrative: „Para Bellum“ is an album about struggle, change and artistic self-assertion.

Chuck Billy sounds as if he is living through all facets of human anger and vulnerability. Eric Peterson combines old trademarks with new escalations, and Alex Skolnick delivers solos that not only shine, but tell a story. Even the bass is given space, not as an accessory but as a pulsating backbone.

„Para Bellum“ is not a nostalgic look back, but a statement of the present. Testament show that they have not only survived – they have reinvented themselves without losing themselves. If you want peace, you have to be ready for war. TESTAMENT are ready!

Release: 09.10.2025

Label: Trollzorn Records

THORONDIR (Facebook) sind nach langer sechsjähriger Pause mit ihrem vierten Studioalbum „Wächter Des Waldes“ zurück und wollen euch in fast einer Stunde Spielzeit mit 11 Songs zu einer großen Reise einladen.

„In der Tiefe des Waldes“ legt das musikalische Thema stimmig und unaufgeregt frei, doch kaum setzt „Drudenfluch“ ein, wird aus lauernder Dunkelheit reiner Sturm: infernale Drums überrollen dich, martialische Screams reißen die Atmosphäre entzwei und schälen dir die Haut von den Knochen. Mit brutaler Wucht prescht der Track voran, und bemerkenswert ist, wie klar der Sänger die Lyrics größtenteils artikuliert. Die Worte schlagen durch den Krach wie Pfeile, ein deutlicher Pluspunkt für die Band.

Doch der Song hält irgendwann inne und verfällt in eine düstere, beklemmende Atmosphäre, die dann noch von Sänger Kevin Wienerl intensiviert wird, um schließlich in einen epischen Angriff überzugehen, der mit einem wuchtigen Solo einhergeht.

„Der Wild Jäger“ steht „Drudenfluch“ in nichts nach: ein krachendes Inferno, das mit Trommelfeuer und martialischer Wucht über einen hinwegfegt. Als würde der Wald selbst zum Angriff blasen!

„Blut und Ruhm“ bringt Abwechslung in die brachialen musikalischen Angriffe. Hier beginnt es mit einem milden akustischen Gitarrenspiel, das Sonnenlicht in die Szenerie streut. Doch bald zieht die Band die Zügel an, ohne die Leichtigkeit ganz zu verlieren. Alsbald marschiert der Song los, nicht mit finsterer Wucht, sondern mit erhobener Fahne. Der Song bleibt abenteuerlich, getragen von Kameradschaft und Trinkfreude. Alles vereint sich zu einer Hymne, wie sie in Tavernen oder auf Märschen erklingen könnte. Laut, aber nie plump.

Sehr gut zur Feierthematik würde alleine schon vom Titel her der Song „Zur Alten Taverne“ passen, der noch ein wenig mehr abgeht und zwischendurch mehr folkische Klänge einbaut. Bei diesem Song hätte ich mir allerdings einen schönen eingängigen Refrain gewünscht, um den richtig gut mitgröhlen zu können. Ansonsten ist der Song atmosphärisch gut gelungen. Es beginnt mir einer episch melodischen Einleitung, dann folgt ein anregendes Marschtempo, wobei man im Verlauf gerne mal mit dem Tempo variiert.

„Rübezahl“ enthält zwar auch diese fröhliche fiese Grundstimmung, aber ich finde es durchaus unterhaltsam, wenn Sänger Kevin sowohl die hohen fiesen Gesangsattacken darbietet, als auch die stimmlichen dunkleren Untiefen beschreitet. Auch den ausgiebigen Instrumentalpart in der zweiten Hälfte finde ich besonders gelungen, insbesondere das Gitarrenspiel.

„Bruder Hain“ beginnt mit einer düsteren, fast sakralen Stimmung, getragen von tiefen Gitarren und atmosphärischen Synths mit mystischer Präsenz. Nach dem Intro setzt ein treibender Rhythmus ein, dominiert von Doublebass und schneidenden Riffs. Die Gitarren alternieren zwischen melodischer Führung und brachialer Attacke. Kevin liefert eine kraftvolle Performance mit klar artikulierten Screams, die zwischen erzählerischer Gravitas und aggressiver Anrufung pendeln. Der Song enthält mehrere atmosphärische Zäsuren, in denen stimmungsschwangere Keyboardklänge und träumerische Gitarrenleads Raum schaffen, bevor die nächste Angriffswelle folgt, die dann umso endgültiger klingt. Dramaturgisch stark und gut getaktet.

THORONDIR spinnen mit „Geisterheer Vom Fichtelwald“ ein dichtes Klanggewebe aus epischer Gitarrenarbeit und marschierendem Midtempo. Bemerkenswert ist, dass es THORONDIR gelingt die epische Stimmung mit viel starker Gitarrenperformance zu erzeugen und sich hier nicht auf Synthies verlässt. Wilde Ausritte preschen dazwischen. So genial ich die erste dynamische Hälfte des Songs mit seinem erzählerischen Drive finde, so lässt meine Begeisterung in der zweiten Hälfte nach. Denn es folgt wieder ein sphärischer Part und der Song kommt dann bis zum Ende nicht mehr so richtig aus den Puschen. Der sphärische Ausklang wirkt wie ein Nebel, der sich zu früh legt. atmosphärisch, aber nicht mehr mitreißend.

„Baldurs Ruf“ beginnt wie ein stiller Abgesang: Akustikgitarren malen eine kontemplative Landschaft, die sich Zeit nimmt…vielleicht zu viel. Erst nach vier Minuten erhebt sich der Song, Riffs und Drums treten hinzu, doch die späte Wendung wirkt wie ein Nachzügler. Der epische Anspruch ist da, aber die Spannung verliert sich auf halber Strecke. Der Song will groß sein, doch der lange Anlauf bremst die Wucht. Da hätte man straffen können, ohne die Wirkung zu verlieren.

Fazit

THORONDIRs „Wächter des Waldes“ überzeugt mit brachialen Tracks, die mit krachender Energie einschlagen und mit epischen Klanglandschaften glänzen. Insgesamt ein atmosphärisch dichtes und ansprechendes Album, das bestens zu unterhalten weiß. Fans können bedenkenlos zuschlagen.

Release: 03.10.2025

Label: Metalville

Was will uns so Bandname wie ‚9mm HEADSHOT‚ (Facebook) denn mitteilen! Nun, ich würde das mal so interpretieren: Deren Musik ist hart und kompromisslos geradeaus und geht umgehend in den Kopf. Ich weiß eigentlich nichts über die Band und gehe die Sache also völlig unvoreingenommen an. Der Albumtitel „Sex, Bier und Assi Rock“ verspricht zumindest schnörkellosen Rock mit einer großen Menge Spaß.

„Vier Assis trumpfen auf“ läutet die Sause ein. Ich musste dabei direkt an den Film „Vier Fäuste für ein Halleluja“ von Bud Spencer und Terence Hill denken. Irgendwie passt das auch zusammen, denn die Mucke von 9mm HEADSHOT ist ebenfalls einfache leichte unbeschwerte Unterhaltung, die Spaß macht. Die Musik geht so locker flockig in die Ohren wie ein kühles Bier die Kehle runterrinnt. Es schmeckt einfach! Die Band ist sich auch nicht für ein wenig Selbstironie nicht zu schade. Jedenfalls ist „Vier Assis trumpfen auf“ mit seiner verrückten Art der richtige Flaschenöffner für die gute Laune.

Die Texte sind mit oft einem Augenzwinkern geschrieben. Bestes Beispiel dafür ist der Song „Don Juan“, der mit einem äußerst unterhaltsamen Cartoon-Video visuell umgesetzt wurde. Hier wird der „Mann“ aufs Korn genommen, indem man das oft vorherrschende Selbstbild mancher Männer mit den typischen Klischees überzeichnet. Der Song ist ne echte Frohnatur. Man kann nicht widerstehen und muss einfach mitsingen. Das Solo ist melodisch eingängig und kommt ebenso gut rüber.

„Der Abend war es wert“ hält die Partystimmung weiter am kochen. Ein wunderbarer Refrain, den man aus vollem Halse mitgröhlen kann, was natürlich für fast alle Texte hier gilt. Eine etwas direktere Botschaft steckt dann im Song „Zeig dein Arschloch“, der erheblich fordernder klingt. Ein Song, der alle Langweiler und Negativdenker anspricht und mehr Leck-mich-am-Arsch-Attitüde verlangt.

Mit ihrer Single „Weiterdrehn“ ist mir die Band das erste Mal aufgefallen. Die Riffs fetzen, das Tempo drängt unablässig nach vorne und die Leads bringen noch zusätzliches Feuer. Dies wird noch von einem flammenden Solo gekrönt. So klingt treibender, angriffslustiger Rock‑Track mit Punk‑Attitüde. Die Botschaft an sich hat auch was für sich: Egal wie dämlich der Mensch sich weiter anstellen wird, die Erde wird sich immer weiter drehen, nur dann vielleicht auch ohne uns. Aber übertriebene Panikmache und Angstschürerei sind da auch nicht die Lösung, denn der Weltuntergang wurde schon etliche Male vorausgesagt, aber wir sind immer noch da.

„Internetrambo“ geht deutlich aggressiver und rauer zur Sache. Die Gitarren sind schnittig und auf Angriff ausgerichtet. Dieser Angriff richtet sich an die digitalen Scharfrichter, die im Schutze vermeintlicher Anonymität im Internet über alles und jeden gnadenlos herfallen, wobei die Art und Weise jede Vernunft und Anstand vermissen lässt.

Die letzten drei Songs hauen mich allerdings dann nicht mehr ganz so vom Hocker. Und der Rausschmeisser-Track „Jozin Z Bazin“ (Joe aus dem Sumpf) ist irgendwie ulkig, aber er wird auf tschechisch gesungen und ich verstehe nix. Hat zwar auch was für sich, aber daher kann ich mich in den Song nicht reinfinden, was die Wirkung einschränkt. Nach Internetrecherche kam heraus, dass es auf einem humoristischen Song von Ivan Mláděk gründet, bei dem es kurz zusammengefasst um ein menschenfressendes Sumpfmonster geht, welches durch den Helden mit Hilfe eines Sprühflugzeugs besiegt wurde. In Osteuropa soll dies ein Internet-Phänomen gewesen sein.

Fazit

9mm HEADSHOT liefern mit „Sex, Bier und Assi Rock“ genau das, was der Titel verspricht: roh, laut und mit einem humorigen Augenzwinkern. Die Platte verzichtet auf narrative Tiefenbohrungen oder formale Experimente und setzt stattdessen auf verlässliche Deutschrock‑Bausteine: wuchtige Power‑Chords, eingängige Refrains und eine Attitüde, die Provokation als Unterhaltungsprinzip nutzt. Die frechen pfiffigen Songs bieten beste Unterhaltung und können jede Party bereichern, denn sie machen schlichtweg Spaß und treten der Langeweile und schlechten Laune in den Arsch.

Die Songs funktionieren durchweg als kurze, prägnante Statements. Singles wie beispielsweise „Weiterdrehn“, „Don Juan“ und „Internetrambo sind programmierte Live‑Zünder; sie bauen auf unmittelbare Wirkung und kollektive Mitsingmomente, nicht auf langsame Entwicklung oder Komplexität. Handwerkliche Klasse wird trotzdem geboten und auch die Produktion zielt auf Durchschlag: Vocals weit vorn, Gitarren scharf geschliffen, Bass und Drums als kraftvoller Motor.

Genre: Heavy Metal

Release: 03.10.2025

Label: Metalapolis Records

Es gibt Bands, da wundert man sich, warum man die eigentlich nicht kennt, obwohl sie schon länger im Geschäft sind. Dies ergeht mir so bei der Band GOLDSMITH, die mit „Into The Wilds“ bereits das vierte Album präsentieren. Herzstück der Band ist Musiker Michael Goldschmidt, womit sich auch lustigerweise der Bandname recht gut erklärt. Natürlich habe ich mir auch die anderen drei Alben angehört und kam zu folgender Frage:

Wie beschreibt man die Musik von GOLDSMITH?

Die Antwort ist nämlich gar nicht so einfach. GOLDSMITH spielen aktuell melodischen Heavy Metal, aber das war nicht immer so. Hier verweise ich mal auf das Album „Shut Up & Rock“ aus dem Jahr 2013, auf dem die Songs eindeutig dem Rock zuzuordnen sind, sogar teils mit einer lockeren bluesigen Note. Dieses Konzept wurde dann auf „Fire!“ fortgeführt, nur mit mehr Feuer und Punch. Auf dem letzten Album „Of Sound And Fury“ machte man direkt mit dem Opener „Inherit The Wind“ deutlich, dass man in eine andere Richtung geht. Der rockige Ausdruck wich mehr dem knalligen Heavy Metal Sound und offenbarte damals den härtesten Song in deren Historie.

Im Laufe der Zeit wurden die Songs auch verspielter und vielschichtiger, was sich auch in den Spielzeiten bemerkbar machte. Trotzdem besitzen die Songs auch eine klare Kante, die ordentlich reinhaut. So darf man gespannt sein, was uns auf dem neuen Album erwartet. Der Titel „Into The Wilds“ könnte darauf hindeuten, dass es hart zur Sache geht.

„Into The Wilds“

Dieser Eindruck bestätigt sich in den ersten Momente beim Song „Into The Wilds“ allerdings noch nicht, denn es beginnt mit melodischen Gesang und zurückhaltender Instrumentierung, was wirklich schön klingt. Doch dann plötzlich nach 38 Sekunden bekomme ich ein paar Watschn ins Gesicht geschmettert. Hui… Was ist denn da los? Sind GOLDSMITH jetzt zum Thrash Metal übergegangen? Zumindest könnte man es meinen, so wie der Song plötzlich abgeht. Fette Riffs und brutal treibende Drums bestimmen das Geschehen. Der Bass kommt kräftig durch und der Gesang wird schärfer.

Doch so weit gehen GOLDSMITH dann doch nicht. „Into The Wilds“ bietet eine Fülle von verschiedenen Eindrücken in einem Song, die schon recht unterschiedlich in ihrem Ausdruck sind. GOLDSMITH beweisen hier zum einen viel musikalisches Geschick beim Songwriting und zum anderen auch viel Mut, denn insgesamt muss man das Ding als Hörer schon erst einmal verarbeiten. „Into The Wilds“ ist komplex, aber gleichzeitig mitreißend! Und technisch ist das schon hohe Kunst, was hier geboten wird.

Der Energielevel bleibt auch mit dem folgenden Song „The Nowhere Kids“ hoch. GOLDSMITH geben ordentlich Gas und sind im Vollgalopp unterwegs. Man galoppiert stringent geradeaus ohne den Weg zu verlassen. Damit zeigt die Band, dass sie auch ganz unkompliziert abledern können, aber dabei immer noch coole Sound-Akzente setzen. Der Song ist einfach zum abrocken, von vorne bis hinten.

„Here’s My Revenge“ spielt wiederum mit Kontrasten und Überraschungen. Ein Song, der über eine lange Zeit nicht so sehr Wert auf Geschwindigkeit legt, aber trotzdem mit massiven Riffs sehr kraftvoll rüberkommt, doch auch mit sanften melodischen Einlagen verwöhnt. Eigentlich hätte man den Song nach vier Minuten beenden können, doch nicht mit GOLDSMITH. In den letzten zwei Minuten drehen sie dann doch noch mächtig auf. Jetzt kommen die schnellen Läufe, die Soli, die Twin-Guitar-Attacken – alles wirkt wie ein Befreiungsschlag. So bringt man den Song mit einem rasanten Spurt zu einem brennenden Ende.

„In Skies Of Grey“ ist die Powerballade des Albums mit einem gefühlvollen Beginn, wobei man in der zweiten Häfte deutlich kraftvoller auftritt. „Slingshoot Boogie“ als Schlusstrack schließt insofern des Kreis, als dass der Song genauso hart geschmettert wird wie der Opener. Der Motor läuft noch einmal auf Hochtouren und bringt das Album zu einem eskalierenden Ende.

Ich möchte noch kurz auf „Baron Blood“ eingehen, weil dieser Song mit seiner teils klassischen Attitüde eindrucksvoll die Vielseitigkeit der Band zum Ausdruck bringt verbunden mit dem Talent tolle individuelle Songs zu schreiben. Ein treibender Beat mit gefälligen Melodien, zwischendurch aggressivere Riffs und druckvollere Drums. Dazu noch schmeichelnde Gesangslinien, die sich sofort im Kopf einnisten. Im Mittelteil fügt man einen doomigen Part ein, bei dem ein wenig unheimliche Atmosphäre aufkommt. Der ausgiebige Instrumentalpart führt dann wieder geschickt auf den ursprünglichen Weg. So schließt sich der Kreis!

Fazit

GOLDSMITH sind weiter auf Kurs und hauen mit „Into The Wilds“ ein rundum gelungenes und höchst unterhaltsames Album raus. Mit „Into The Wilds“ legen GOLDSMITH ein Album vor, das nicht nur musikalisch überzeugt, sondern auch konzeptionell glänzt. Die Band zeigt sich gereift, mutiger und vielseitiger denn je. Das Songwriting ist ausgefeilt, die Arrangements durchdacht und die Produktion druckvoll und transparent. Der Mix ist super gelungen und bietet ein ausgewogenes Verhältnis zwischen metallischer Härte, rockiger Leichtigkeit und eingängigen Melodien. GOLDSMITH beherrschen die gesamte Klaviatur modernen Heavy Metals mit klassischem Fundament, das sowohl Kopf als auch Herz anspricht.

english review

Genre: Heavy Metal

Release: 03.10.2025

Label: Metalapolis Records

There are bands that make you wonder why you don’t actually know them, even though they’ve been in the business for a long time. This is the case with GOLDSMITH (Facebook), who present their fourth album „Into The Wilds“. Heart of the band is musician Michael Goldschmidt, which, funnily enough, explains the band name quite well. Of course, I also listened to the other three albums and came to the following question:

How do you describe the music of GOLDSMITH?

The answer is not that simple. GOLDSMITH currently play melodic heavy metal, but that wasn’t always the case. Here I refer to the album „Shut Up & Rock“ from 2013, on which the songs can clearly be classified as rock, even with a loose bluesy note in places. This concept was then continued on „Fire!“, only with more fire and punch. On the last album „Of Sound And Fury“, they made it clear straight away with the opener „Inherit The Wind“ that they were going in a different direction. The rock expression gave way to a more blaring heavy metal sound and revealed the heaviest song in their history at this time.

Over time, the songs also became more playful and multi-layered, which was also noticeable in the playing times. Nevertheless, the songs still have a clear edge that packs a punch. So it will be interesting to see what awaits us on the new album. The title „Into The Wilds“ could indicate that things are going to get tough.

„Into The Wilds“

However, this assessment is not confirmed in the first few moments of the song „Into The Wilds“, because it starts with melodic vocals and restrained instrumentation, which sounds really nice. But then suddenly after 38 seconds I get hard slaps in the face. Wow… What’s going on? Have GOLDSMITH gone over to thrash metal now? At least you’d think so, the way the song suddenly takes off. Fat riffs and brutally driving drums dominate the proceedings. The bass comes through strongly and the vocals become sharper.

But GOLDSMITH don’t go that far. „Into The Wilds“ offers a wealth of different impressions in one song, which are quite different in their expression. On the one hand, GOLDSMITH shows a great deal of musical skill in their songwriting and, on the other, they have a lot of courage, because as a listener you have to process the whole thing first. „Into The Wilds“ is complex, but at the same time captivating! And technically, what is on offer here is high art.

The energy level remains high with the following song „The Nowhere Kids“. GOLDSMITH really step on the gas and are on the move at full gallop. They gallop stringently straight ahead without leaving the path. In doing so, the band shows that they can also play straightforwardly but still set cool sound accents. The song is easy to rock out to, from front to back.

„Here’s My Revenge“ again plays with contrasts and surprises. A song that doesn’t emphasize speed for a long time, but still comes across as very powerful with massive riffs, but also spoils you with gentle melodic interludes. Actually, the song could have ended after four minutes, but not with GOLDSMITH. In the last two minutes, they really turn up the heat. Now come the fast runs, the solos, the twin guitar attacks – everything seems like a liberating blow. The song is brought to a burning end.

„In Skies Of Grey“ is the album’s power ballad with a soulful beginning, although the second half is much more powerful. „Slingshoot Boogie“ as the closing track closes the circle in that the song is belted out just as hard as the opener. The engine revs up once again and brings the album to an escalating final.

I would like to briefly mention „Baron Blood“, because this song with its partly classical attitude impressively expresses the band’s versatility combined with their talent for writing great individual songs. A driving beat with pleasing melodies, in between more aggressive riffs and powerful drums. In addition, flattering vocal lines that immediately get stuck in your head. A doomy part is added in the middle section, which creates a slightly sinister atmosphere. The extensive instrumental part then cleverly leads back to the original path. And so the circle is complete!

Conclusion

GOLDSMITH are still on course and with „Into The Wilds“ have released an all-round successful and highly entertaining album. With „Into The Wilds“, GOLDSMITH present an album that not only convinces musically, but also shines conceptually. The band has matured, is bolder and more versatile than ever. The songwriting is sophisticated, the arrangements well thought out and the production is powerful and transparent. The mix is superb and offers a good balance between metallic heaviness, rocking lightness and catchy melodies. GOLDSMITH have mastered the entire range of modern heavy metal with a classic foundation that appeals to both the head and the heart.

Genre: Thrash Metal

Release: 12.09.2025

Label: independent release

DREAMLORD (Facebook) ist eine Thrash-Metal-Band aus Athen, Griechenland, stark beeinflusst von Bands wie Metallica, Megadeth, Testament und Slayer. Band wurde 2010 in Athen gegründet, und ist die Wiederbelebung eines älteren Projekts. Das Debütalbum „Disciples of War“ wurde im Dezember 2019 veröffentlicht und kam recht gut an. Als Höhepunkt kann man sicherlich den Auftritt mit ‚Annihilator‘ 2019 bezeichnen.

Während der Pandemie fing die Band an, neues Material zu komponieren, und im Jahr 2023 begann sie mit Auftritten, während sie ins Studio ging, um ihr zweites Album „Artificial Imprisonment“ aufzunehmen. Und das Ergebnis ist beeindruckend!

Also steigen wir mal in das Album ein. Der Opener und Titeltrack „Artificial Imprisonment“ wurde als Single ausgekoppelt und mit einem Video bedacht. Das gesprochene Intro führt zwar nur kurz in die Thematik ein, hätte man sich aber meiner Meinung nach auch sparen können.

Denn der Song an sich wird instrumental verdammt geil eingeleitet. Geile Riffs, schöne melodische Einlagen, donnernde Drums… Das macht auf jeden Fall richtig Bock! Und wenn es dann richtig losgeht, gibt es kein Halten mehr. Hochdynamisch und druckvoll preschen DREAMLORD voran. Die Stimme von Sänger Babis gefällt mir richtig gut. Eine Stimme, die zwischen rauem Zorn und klarem Ausdruck pendelt. Kein reines Gebrüll, sondern ein kontrolliertes Feuer, das die Lyrics glaubwürdig transportiert.

Das Gitarrensolo ist ein feuriges Fest. Kein überladenes Gefrickel, sondern ein Solo mit Struktur, Emotion und Drive. Es hebt den Song auf eine neue Ebene, ohne ihn zu überfrachten. Doch die Band legt auch Wert auf einen knackigen Bass, der im Sound immer fett mitschwingt, aber mitunter bekommt er darüber hinaus seine ganz eigene Show. Ziemlich cool!

Auffällig sind die relativ langen Spielzeiten. Kein Song geht unter vier Minuten, vielmehr liegen sie meist bei fünf Minuten oder sogar länger. So kann man davon ausgehen, dass die Jungs sich einiges einfallen lassen, um die Zeiten gut zu füllen. Ich würde jetzt nicht von progressivem Thrash sprechen, aber die Songs sind schon abwechslungsreich gestaltet. Es wird allerdings nicht kompliziert und die Thrash-Dynamik der Songs bleibt erhalten.

Oft dehnt man die rein instrumentalen Parts etwas aus, indem man z.B. ein ausgiebiges Solo zum Besten gibt oder mit Rhythmus bzw. Intensitätswechseln arbeitet. DREAMLORD gehen grundsätzlich hart zur Sache und lassen es mächtig krachen. Doch so ein Song wie „Kill The Serpent“ mit 06:28 Minuten hat mehr Feinheiten zu bieten. Dabei kommen DREAMLORD aber immer auf den Punkt und schweifen nicht zu sehr ab. Das ist kein verkopftes Gefrickel, sondern eher ein bewusstes Ausreizen der Dynamik. So werden Momente gegönnt, in denen die Musik atmen darf.

„No Room For The Dead“ kommt mit einem klassisch treibenden Rhythmus daher. Insgesamt wirkt der Song geradliniger und stringent. Und ich finde das völlig in Ordnung. So eine Nummer ist nie verkehrt und kommt gut an. „Evil Twin“ geht in eine ähnliche Richtung, klingt aber noch ne Spur düsterer und kantiger. Die Drums halten alles zusammen, mit punktgenauen Breaks und einem Drive, der nie nachlässt.

„Against Control“ fällt für mich im Vergleich zu den anderen Songs ein wenig ab ohne eine Durchhänger zu sein. Die Solos sind wieder stark, aber für mich hätte der Song insgesamt mehr Punch vertragen können. Angedeutet wird dies am Ende bei Minute 04:25. Dies hätte man für meinen Geschmack konsequenter im Song einbauen können.

„Global Decay“ zeigt dann wieder einen ganz anderen Aufbau. Zunächst lässt dann mal so richtig die Sau raus und rast nur so davon. Hier ist „Pedal to the metal!“ angesagt. Eine Vollgasorgie, die nur so die Funken fliegen lässt und den Asphalt zum Schmelzen bringt. Es folgt ein geschmeidiger Übergang in einen langsameren Midtempo-Teil, der eine coole Atmosphäre erzeugt. Es fällt mir immer wieder der Bass auf. Genauso geschmeidig geht es schließlich wieder in die Beschleunigungsphase und auf die Hochgeschwindigkeitsstrecke. Toller Job vom Drummer.

Doch dann folgt ein recht forscher Break und es wird sehr melodisch. Hier wird das Hauptaugenmerk auf den wundervoll gespielten Bass gerichtet. So endet der Song dann auch weich und harmonisch. „Global Decay“ ist nicht nur der schnellste, sondern auch der vielschichtigste Track. DREAMLORD zeigen hier, dass Härte und Melodie keine Gegensätze sein müssen – sondern sich gegenseitig verstärken können. Es ist fast wie ein musikalisches Drama: von der Raserei zur Reflexion und zurück.

„No Way Out“ beschäftigt sich mit dem inneren Kampf oder vielleicht auch mit dem Umherirren im seelischen Labyrinth, was man so eher vom Titel ableiten kann. Hier ist mir besonders das Gitarrensolo aufgefallen, dass das Thema des Songs super aufgreift. Die Gitarre scheint förmlich zu schreien und versprüht eine verstörende, ja vielleicht sogar chaotische Aura. Echt krass!

Das Finale „This War Of Mine“ wird mit einem epischen Intro eingeleitet, dass sich eine Minute Zeit lässt. Kolossale Drums, die wie Donnerschläge hallen, melodische Riffs und ein starker Bass sorgen für die richtige Atmosphäre. Dies wird im Song später auch noch aufgegriffen. Nach einer Minute wird dann knallhart ausgeteilt. Das Tempo zieht an, die Gitarren fetzen und heulen. Hier wird die auch das hervorragende Gitarrenspiel noch mal deutlich herausgestellt.

Fazit

Mit „Artificial Imprisonment“ gelingt DREAMLORD das Kunststück, klassischen Old-School-Thrash-Metal mit modernen Trademarks zu veredeln – und dabei einen Sound zu kreieren, der sich deutlich von der Masse abhebt. Das Album ist kein nostalgisches Abklatschprodukt, sondern ein kraftvolles Statement, das zeigt, wie zeitgemäß Thrash klingen kann, wenn man ihn mit klarem Konzept und musikalischer Raffinesse angeht.

Was sofort auffällt: DREAMLORD setzen nicht auf bloße Geschwindigkeit – obwohl sie diese virtuos beherrschen – sondern auf Abwechslung, Atmosphäre und Struktur. Die Songs sind durchdacht arrangiert, oft über fünf Minuten lang, ohne sich zu verlieren. Jeder Track erzählt seine eigene Geschichte, mal geradlinig und kompromisslos, mal vielschichtig und kontrastreich.

Besonders hervorzuheben ist das Soundwriting, das sich durch dynamische Spannungsbögen, starke Riffs und melodische Einlagen auszeichnet. Die technische Umsetzung ist makellos – druckvolle Drums, präzise Gitarrenarbeit und ein Sänger, der zwischen Wut und Nachdenklichkeit pendelt. Und dann ist da noch der Bass: kein bloßes Beiwerk, sondern ein tragendes Element, das eigene Akzente setzt und dem Album Tiefe verleiht.

DREAMLORD liefern mit „Artificial Imprisonment“ ein Werk ab, das nicht nur Fans des klassischen Thrash begeistert, sondern auch Hörer anspricht, die nach musikalischer Substanz und emotionaler Wucht suchen. Ein Album, das begeistert, das hängen bleibt – und das zeigt, wie relevant Thrash heute noch sein kann.

english review

Genre: Thrash Metal

Release: 12.09.2025

Label: independent release

DREAMLORD (Facebook) is a thrash metal band from Athens, Greece, heavily influenced by bands like Metallica, Megadeth, Testament and Slayer. The band was formed in Athens in 2010, and is the revival of an older project. The debut album „Disciples of War“ was released in December 2019 and was well received. The performance with ‚Annihilator‘ in 2019 can certainly be described as the highlight.

During the pandemic, the band began composing new material and in 2023 they started performing while going into the studio to record their second album „Artificial Imprisonment“. And the result is impressive!

So let’s get into the album. The opener and title track „Artificial Imprisonment“ was released as a single and accompanied by a video. The spoken intro briefly introduces the subject matter, but in my opinion it could have been omitted.

Because the song itself gets off to a damn good start instrumentally. Awesome riffs, beautiful melodic interludes, thunderous drums… It’s definitely a lot of fun! And when it really gets going, there’s no stopping it. DREAMLORD push forward in a highly dynamic and powerful way. I really like the voice of singer Babis. A voice that oscillates between raw anger and clear expression. No pure shouting, but a controlled fire that conveys the lyrics credibly.

The guitar solo is a fiery feast. No overloaded fiddling, but a solo with structure, emotion and drive. It takes the song to a new level without overloading it. But the band also attaches great importance to a crisp bass, which always resonates boldly in the sound, but sometimes it also gets its very own show. Pretty cool!

The relatively long playing times are striking. No song lasts less than four minutes, they are usually five minutes or even longer. So you can assume that the guys come up with a lot of ideas to fill the time well. I wouldn’t call it progressive thrash, but the songs are quite varied. However, it doesn’t get complicated and the thrash dynamics of the songs are maintained.

The purely instrumental parts are often stretched out a little, for example by playing an extensive solo or working with rhythm or intensity changes. DREAMLORD always go hard and let it rip. But a song like „Kill The Serpent“ with 06:28 minutes has more subtleties to offer. But DREAMLORD always get to the point and don’t digress too much. It’s not too fiddling, but rather a deliberate exhaustion of the dynamics. This allows moments in which the music can breathe.

„No Room For The Dead“ comes along with a classic driving rhythm. Overall, the song seems more straightforward and stringent. And I think that’s perfectly fine. A number like this is never wrong and goes down well. „Evil Twin“ goes in a similar direction, but sounds a bit darker and edgier. The drums hold everything together, with precise breaks and a drive that never lets up.

Compared to the other songs, „Against Control“ falls a little short for me without being bad. The solos are strong again, but for me the song could have used more punch overall. This is hinted at at the end at minute 04:25. For my taste, this could have been incorporated into the song more consistently.

„Global Decay“ then shows a completely different structure. First of all, it really lets it rip and races away. Pedal to the metal!“ is the order of the day here. A full throttle orgy that lets the sparks fly and melts the asphalt. This is followed by a smooth transition into a slower mid-tempo section that creates a cool atmosphere. I keep noticing the bass. Just as smoothly, it goes back into the acceleration phase and onto the high-speed track. Great job from the drummer.

But then a rather brisk break follows and it becomes very melodic. The main focus here is on the wonderfully played bass. The song ends softly and harmoniously. „Global Decay“ is not only the fastest, but also the most multi-layered track. DREAMLORD show here that heaviness and melody don’t have to be opposites – they can reinforce each other. It’s almost like a musical drama: from frenzy to reflection and back again.

„No Way Out“ deals with the inner struggle or perhaps with wandering in a mental labyrinth, which is more likely to be derived from the title. I was particularly struck by the guitar solo here, which picks up the theme of the song perfectly. The guitar seems to literally scream and radiates a disturbing, perhaps even chaotic aura. Really cool!

The finale „This War Of Mine“ is introduced with an epic intro that takes a minute. Colossal drums that echo like thunderclaps, melodic riffs and a strong bass create the right atmosphere. This is also taken up later in the song. After a minute, the punishment begins. The tempo picks up, the guitars shred and howl. Here, the excellent guitar playing is once again clearly emphasized.

Conclusion

With „Artificial Imprisonment“, DREAMLORD have achieved the feat of refining classic old-school thrash metal with modern trademarks – and creating a sound that clearly stands out from the crowd. The album is not a nostalgic copycat product, but a powerful statement that shows how contemporary thrash metal can sound when approached with a clear concept and musical sophistication.

What is immediately noticeable: DREAMLORD do not rely on sheer speed – although they are virtuosos at this – but on variety, atmosphere and structure. The songs are thoughtfully arranged, often over five minutes long, without getting lost. Each track tells its own story, sometimes straightforward and uncompromising, sometimes multi-layered and rich in contrast.

Particularly noteworthy is the sound writing, which is characterized by dynamic arcs of tension, strong riffs and melodic interludes. The technical implementation is flawless – powerful drums, precise guitar work and a singer who oscillates between anger and thoughtfulness. And then there’s the bass: not just an accessory, but a supporting element that sets its own accents and gives the album depth.

With „Artificial Imprisonment“, DREAMLORD deliver a work that not only delights fans of classic thrash, but also appeals to listeners looking for musical substance and emotional impact. An album that inspires, that stays with you – and that shows how relevant thrash can still be today.