KK’s Priest haben richtig gerockt am Samstag Abend. Wollen wir uns mal in den letzten Tag des Festivals stürzen.

Wings of Steel

Richtig fetter Auftakt mit Wings of Steel aus Los Angeles. Gitarrist oberkörperfrei, Bandana an der Gitarre. Sänger mit Rüschenhemd und Bandana. Was hier nach 80er Jahre Glammetal aussieht, ist nicht so wie es scheint. Brillanter Opener am Sonntag. Wings of Steel spielen lupenreinen Melodic Power Metal der Sorte Crimson Glory oder Queensryche. Die Stimme von Sänger Leo Unnermark geht voll in die Richtung Midnight/Geoff Tate und Konsorten. Die Gitarristen Parker Halub und Stefan John-Bailet zaubern Licks am Fließband aus dem Ärmel. Eine echte Überraschung als Opener.

Maggot Heart

Mit Maggot Heart aus Berlin kommt jetzt ein Band, die nicht so ganz ins Line-Up passen will. Der Mix aus Noise-, Hard-, Alternativ-, und Punkrock ist leider nicht ganz meine musikalische Baustelle. Das scheint auch einigen anderen Zuschauern ähnlich zu gehen. Sorry.

John Diva and the Rockets of Love

Jetzt sind 80er Jahre angesagt. Die „Amis“ von John Diva packen das volle Glamprogramm aus. Wo man nur hinsieht, dominiert die Farbe Rosa. John Diva und Band geben in Punkto Performance alles, was das Klischee der 80er so hergibt. Musikalisch ist das genauso. Geile Party. Songs mit Hooks zum Mitsingen. Das geht halt immer. Kommt erstaunlich gut an hier. Thrasher und Liebhaber von extremerem Metal gehen da besser mal neues Bier holen. Alle anderen können schunkeln und mitsingen.

Chapel of Disease

Chapel of Disease aus Köln sind ihren anfänglichen Death-Metal Zeiten entwachsen. Stattdessen erklingt eine Mischung aus Classic Rock, coolen Gitarrenhooks, Psychedelic und Atmosphäre. Der Sound aus den Boxen ist leider nicht ganz so gut bei Chapel of Disease, so dass der Auftritt nicht ganz so viel Spaß macht. Fans der Band werden trotzdem viel Freude gehabt haben.

Demon

Die New Wave of British Heavy Metal Legenden Demon bringen sowas wie ein Best Off Set auf die Bühne. Das einzige Original-Gründungsmitglied ist Sänger Dave Hill, dem man seine 76 Jahre nicht anmerkt. Rock hält halt jung. Ab dem ersten Song haben Demon die Fans auf ihrer Seite und werden zu Recht den Set über gefeiert.

Exhorder

Der einzige Thrashmetal Act des Tages ist Exhorder um den sympathischen Frontmann Kyle Thomas. Schön seine Ansage: „We are no angry young men, we are angry old men“. Mit Waldemar Sorychta an der zweiten Gitarre kann auch nix schief gehen. Neues festes Bandmitglied ist aber Pat o’Brien (Ex-Cannibal Corpse), der aber auf der Tour nicht dabei sein kann. Exhorder knüppeln sich durch alte Songs und neue Songs der letzten beiden Scheiben. Kyle und Jason Viebrooks am Bass tauschen sogar für einen Song die Instrumente. Kein Thema, denn Jason hat damals einige Songs der ersten Scheibe geschrieben und auch auf Gitarre eingespielt.

Riot V

Auch Riot V lassen nix anbrennen. Mit Sänger Todd Michael Hall hat man auch ein großen Ass im Ärmel. Riot V geben ab Beginn Vollgas und präsentieren dem Publikum neben alten Klassikern wie „Thundersteel“ auch Songs aus ihrem frisch erschienenen Album „Mean Streets“. Riot V sind live halt eine Bank.

D-A-D

Endspurt auf dem Rock Hard Festival 2024. Nach 2019 mit einer kompletten Wohnzimmereinrichtung auf der Bühne des Amphitheaters sind D-A-D wieder zurück. Die Dänen haben dieses Mal einen riesigen Kuhschädel dabei und das Drumset von Laust Sonne steht auf einer ausfahrbaren Torte. Ja, Bühnenshow können sie. Das ist natürlich nicht alles. Auch musikalisch sind es D-A-D immer Wert, angeschaut zu werden. Die Shows sind immer lustig. Auch an diesem Abend. Jesper Binzer ist einfach einzigartig, wenn er deutsch spricht. Das ist Comedy pur. Stigge stellt wie immer seine außergewöhnlichen Bässe zur Schau und Jespers Bruder Jacob ist der coole Typ mit Zylinder an der Gitarre.

Beim Schlagzeugsolo erhebt sich die Torte unter Laust Sonne und wird zu einer Riesentorte. Die Show ist einfach immer erste „Sahne“. Bei der großen Auswahl an unterschiedlichen Songs aus der Laufbahn von D-A-D ist es natürlich schwer, eine Setlist zu bauen, die jeden komplett zufrieden stellt. Ich denke, da ist aber für jeden das Passende dabei. Das große Finale mit „Bad Craziness“, „Sleeping My Day Away“, „Jihad“ und wie immer zu guter Letzt „It’s After Dark“ ist natürlich über jeden Zweifel erhaben. Da kann sich jeder D-A-D Fan mit abfinden und feiern.

Wie immer großartige Show der Dänen. Ganz großes Kino.

Fazit

Das diesjährige Rock Hard Festival war wieder einmal sehr gut. Ich mag einfach die Mischung der Bands. Es werden viele verschiedene Musikstile bedacht. Da ist für jeden etwas dabei. Immer wieder kann man Bands für sich entdecken, die man noch nicht kannte und bei denen man womöglich nicht reingehört hätte. Auch das Drumherum auf dem Festival mit Fressständen, Bierbuden und Merchzeug ist eine gute Sache. Entgegen aller Vorhersagen, hat das Wetter bis auf ein paar kleine Schauer auch mitgespielt. 2024 war wieder ein schönes Rock Hard Festival. Wir hoffen darauf, dass es im nächsten Jahr an gleicher Stelle so weiter gehen kann. Ich drücke die Daumen.

Setlist D-A-D
The Road Below Me
Burning Star
Point of View
1st, 2nd & 3rd
The Ghost
Grow or Pay
Monster Philosophy
Everything Glows
Jonnie
Call of the Wild
Jackie O‘
Isn’t That Wild
Bad Craziness
Sleeping My Day Away
Jihad
It’s After Dark

Fotos D-A-D

Fotos Riot V

Fotos Exhorder

Fotos Demon

Fotos Chapel of Disease

Fotos John Diva

Fotos Maggot Heart

Fotos Wings of Steel

Heute stehen Artwork und die Verbindung zur bildenden Kunst im Vordergrund. Das Stichwort „repetitive Kunst“ war hier der Ausgangspunkt. Heißt doch auch das Album von 2015 „The Mysterious Ways of Repetitive Art“.

„Wir wollen den Fans mehr bieten als „nur“ die Musik“

MH: Interessant finde ich auch das Artwork eurer Alben. Cover und Booklets sind aufwändig gestaltet, es werden viele Symbole (künstlerisch, sprachlich) verwendet. Doch alles ist so angelegt, dass es offen für eigenen Interpretationen bleibt. Was ist das Verbindende zwischen Musik, Artwork, Videos? Gibt es so etwas wie ein Gesamtkonzept dazu?

CT: Der visuelle Aspekt ist eine Erweiterung unserer Musik. Es bietet sich wunderbar an, um
durch das Betrachten der Bilder und Lesen der Texte, tiefer in die Musik einzutauchen und die ein oder andere Botschaft der einzelnen Lieder zu erkennen. Egal ob Musik, Film oder eben Artworks, es ist alles Kunst. Und all dies kann, wenn es mit Bedacht und Sorgfalt kombiniert und angewendet wird, auf diese Weise weitere Sphären eröffnen. Wir haben uns auch diesmal bewusst dazu entschieden, die Bilder sehr subtil und offen zu lassen, um eben Interpretationen mit einfließen zu lassen. Jedoch haben Laurent und ich uns sehr viele Gedanken bei jedem einzelnen Bild gemacht und waren sehr eng im Austausch mit Rebecca Waeik, die für die Illustrationen im Booklet zuständig war. Ich glaube, dass wir uns als auch dem Hörer mehr bieten wollen als eben „nur“ die Musik. Zumal wir ja auch selbst als Fans auf so ein Gesamtkonzept, dem Zusammenspiel zwischen Ton und Bild, stehen.

MH: Welche Künstler/Kunstrichtung (außerhalb der Musik) haben dich/euch beeinflusst und
inspiriert?

CT: Ich selbst bin ein großer Freund des Films, insbesondere des Horror Genres. Natürlich haben mich Filme wie „Suspiria“, der ja ebenfalls mit Licht, Farben und Musik unglaubliches heraufbeschwört, beeinflusst. Ich muss jedoch gestehen, dass ich dies jetzt nicht als Inspiration für die Musik auffassen würde. Ebenso gab es keine genauen Vorstellungen oder Vorgaben gewisser Künstler unsererseits, was die Illustrationen anging. Wir hatten nur die klare Vision, dass das Frontcover ein Gemälde sein sollte und die Illustrationen im Booklet sehr roh wirken sollten, quasi im Ink and Paper Stil. Uns war aber auch bewusst, dass wir sowohl mit Rebecca Waeik als auch mit Timo Ketola zwei Künstler an unserer Seite haben, die unsere Visionen genauso umsetzen können. Es wäre wohl gelogen, wenn ich sagen würde, dass wir nicht von anderen Kunstformen beeinflusst wären, jedoch kann ich für mich sprechen, dass dies eher im Unterbewusstsein stattfindet.

Minimalistische Mittel, Wiederholungen – repetitive Formen in der Musik

MH: Euer Album von 2015 hat den Titel „The Mysterious Ways of Repetitive Art“. Ihr verwendet in euren Songstrukturen wiederkehrende Themen. Und „The Mysterious Ways of Repetitive Art“ zelebriert das Repetitive in epischer Weise.
Was bedeutet für dich ‚repetitive Art‘? Haben euch repetitive Ansätze in der Kunst interessiert und vielleicht auch inspiriert? Oder eher die Philosophie von Utopien, die über repetitive, modulare Aspekte dem Prinzip von Homogenität und Gerechtigkeit näherkommen möchte?

CT: Repetitive Kunst hat für mich mehrere Bedeutungen. Zum einen wörtlich, die Kunst, etwas zu wiederholen, so dass ein mantraartiges Feeling herauskommt, in dem man sich verlieren kann. Ich denke hierbei an Bands wie SUNN O))) oder auch Doom Bands wie WARNING. Mit minimalistischen Stilmitteln ein großes Gefühl auslösen, sei es Ruhe, Unbehagen oder Trauer. Das ist für mich eine Kunst, die sehr schwer zu beherrschen ist. Wie schaffe ich den Spagat zwischen meditativen Abläufen ohne zu langweilen und das Gegenteil, Spannung, zu kreieren. Ich sehe aber auch immer wiederkommende Strömungen verschiedener Musikstile (um mal bei dieser Kunstform zu bleiben) als repetitive Kunst. Sei es das Interesse an Death Metal der 90er, Heavy Metal der 80er oder Post Punk: es kommt immer wieder. Und das mit einer großen Leidenschaft und Interesse von Leuten, die, wie ich ja auch, diese Zeit gar nicht miterlebt haben. Doch es steckt eine Menge Seriosität dahinter. Die meisten dieser Musiker, würde ich jetzt mal behaupten, sind sehr stolz und fokussiert auf ihre Musik. Sie zollen einerseits ganz klar Tribut an Musiker und Zeiten, die sie meist nur durch Erzählungen und Interviews kennen. Sie kopieren aber nicht einfach, sondern lassen diese Einflüsse in ihr Songwriting einfließen. Und auch daraus entsteht wunderbare Musik, die für mich authentisch und lebendig wirkt, aber ganz klar auch ein Muster wiederkehrender Elemente aus einer schon vergangenen Epoche beinhaltet. Und darunter müssen wir uns ja auch zählen. Die Idee hinter dem Titel entstand jedoch dadurch, dass Laurent im Rahmen seines Studiums „Unverhofftes Wiedersehen“ von Johann Peter Hebel gelesen hat und sehr angetan war von den dort anzutreffenden immer wiederkehrenden Elementen. Dies wurde auch von den anderen Bandmitgliedern als spannend empfunden. Daher haben wir uns näher damit beschäftigt und ein wenig mit wiederkehrenden Strukturen bei den Songs gespielt.

Strukturen, repetitive Elemente und die Vermeidung von Monotonie

MH: Welche ‚Module’/modularen Strukturen verwendet ihr?

CT: Ich würde mal behaupten, dass wir hier gewissermaßen von Song zu Song anders
arbeiten. Jedoch haben wir schon ein, ich nenne es mal ‚Rockschema‘, was wir einsetzen. Sprich, wir arbeiten mit einer Strophe, Refrain und Bridge oder Mittelteil. Diese können natürlich variieren und einen unterschiedlichen Stellenwert haben, jedoch nutzen wir diese als Struktur, an der wir uns im Song entlanghangeln. Dieses Schema bietet uns auch große Sicherheit beim Schreiben neuer Songs.

MH: Wie verhindert ihr, dass aus dem Repetitiven Monotonie wird?

CT: Ich würde mal behaupten, dass dies geschieht, indem wir uns bei Proben intensiv mit den Songs auseinandersetzen und diese immer wieder spielen, darüber diskutieren und auch mal Parts verwerfen. Du merkst ja selbst sehr schnell, wenn dich etwas langweilt, anödet oder nervt. Diese Passagen werden genau betrachtet und es wird diskutiert, ob es an der Struktur liegt, an der Spielweise oder tatsächlich am Riff. Dies erfordert Zeit, Fingerspitzengefühl und auch das Vertrauen in einander.

MH: In welcher Weise spielt das Repetitive auf „As We Have Seen The Storm…“ eine Rolle?

CT: Ich empfinde dies in Bezug auf das letzte Album als eher untergeordnet. Natürlich könnte ich argumentieren, dass auch diesmal wieder Riffs vorkommen, die über einen längeren Zeitraum gespielt werden. Jedoch passiert darüber eine ganze Menge, so dass es sich, zumindest für mich, sich nicht repetitiv anhört. Das letzte Album ist meiner Meinung nach viel straighter, wenn auch verspielt, so dass die Elemente aus dem zweiten Album gar nicht viel Platz einnehmen konnten. Es ist zudem auch viel durchdachter und mit mehr Präzision ausgeführt.

MH: Hast du auf dem Album einen Lieblingssong? Wenn ja: was macht gerade diesen Song  dazu?

CT: Schwierig. Ich bin sehr stolz auf „Null“ und den Text, den ich dazu verfasst habe. Er ist darüber
hinaus auch schön zu spielen und die Band zeigt innerhalb von 9 Minuten verschiedene Stile. Aber auch die restlichen Songs sind mir sehr ans Herz gewachsen. Dieses Album ist eine Herausforderung für mich was das Spielen angeht und das genieße ich.

MH: Welche Band oder welches Album haben dich in letzter Zeit beeindruckt?

CT: Ich bin immer auf der Suche nach Neuem und finde ständig spannendes. Zurzeit feiere ich „Gates Ajar“ von SABIRE ab, ein Heavy Metal Album, das wirklich unglaubliche Hooks hat. Ebenso REVERSED aus Kanada, die mit „Widow Recluse“ einen fiesen Death Metal Bastard erschaffen haben. Die letzte FUNEREAL PRESENCE ist fantastisch, ebenso wie die „Sulphur Soul“ von GEVURAH. Aber auch die erste SAVIOR MACHINE habe ich für mich entdeckt und in den letzten Wochen intensiv gehört. Wundervolle Gitarrenarbeit und eine Stimme zum Niederknien. Und die letzte NOCTURNAL WITCH LP ist ja mal unglaublich. Diese rohe Energie, Wahnnsinn. Worauf ich mich grad am meisten freue ist die neue DRAB MAJESTY, die ja noch im Juli rauskommen soll. Ich kann es kaum noch abwarten.

Köln als Zuhause erkoren

MH: Wie seid ihr eigentlich auf den Bandnamen gekommen?

CT: Gute Frage, das weiß keiner von uns mehr so genau. Irgendwann stand er einfach im
Raum. Es wurde ja schon öfters gesagt, dass es ein Zusammenspiel von den beiden MORBID ANGEL Songs „Chapel of Ghouls“ und „Angel of Disease“ ist, was auch nicht abwegig wäre. Jedoch kann ich das auch nicht bestätigen und muss somit jeden weiter spekulieren lassen.

MH: Ihr werdet ja als Kölner Band geführt. Wohnt ihr alle in Köln?

CT: Ja, wir wohnen alle in Köln. Manche von uns sogar recht nah beieinander. Auch der
Proberaum ist bei uns in der Nähe. Ich könnte mir auch nicht vorstellen, woanders zu wohnen. Es ist schön hier.

MH: Seid ihr auch aus Köln? Oder aus welchem Grund seid ihr nach Köln gezogen?

CT: Nun, unser Schlagzeuger kommt aus Leverkusen und unser Basser ursprünglich aus
dem bergischen Land. Das ist beides ja nicht weit von Köln entfernt. Mein Bruder und ich sind jedoch vor einiger Zeit hierhingezogen. Zuvor sind wir relativ viel rumgekommen, was jetzt den Rahmen sprengen würde. Aber wir haben beide hier eine sichere Basis gefunden und Köln als unser Zuhause erkoren. Ich persönlich würde mich mittlerweile als Kölner bezeichnen, auch wenn ich hier nicht aufgewachsen bin.

…ein letztes Wort

MH: Danke für die ausführlichen Antworten und vielfältigen Anregungen! Das Schlusswort gehört wie immer dem Interviewten: Gibt es etwas, das du unseren  Lesern sagen/mit auf den Weg geben möchtest?

CT: Ich möchte mich im Namen der Band aufrichtig bei jedem bedanken, der uns in irgendeiner Weise unterstützt hat! Glaubt mir, ihr habt meinen tiefsten Respekt!

Zuletzt habe ich CHAPEL OF DISEASE in der Kölner Essigfabrik zusammen mit DOWNFALL OF GAIA und MATAR erlebt. Den Konzertbericht könnt ihr HIER noch einmal lesen.

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Heute präsentiere ich euch ein Interview mit CHAPEL OF DISEASE, einer Band aus Köln, der es gelungen ist, mit unglaublicher Leichtigkeit Genregrenzen zu überschreiten. Über eine Death Metal – Grundstruktur  legen sich teilweise fast zerbrechlich wirkende Melodien. Und dabei werden die Songs durch groovende Rhythmen vorangetrieben. Cedric Teubl, der zusammen mit seinem Bruder Laurent hauptsächlich für das Songwriting verantwortlich ist, hat mir nicht nur auf Fragen zur Band und den Songs geantwortet, sondern auch zur Literatur als Inspiration für Songtexte, den Umgang mit Sprachlosigkeit sowie über Repetitives in der Kunst und der Musik von CHAPEL OF DISEASE. Da es ein umfangreiches Interview geworden ist, das viele interessante Aussagen und Denkanstöße enthält, habe ich es ausnahmsweise in zwei Teile aufgeteilt. Lest also heute den ersten und morgen den zweiten Teil.

Uns war schon bewusst, dass wir Grenzen sprengen

MH: Ich habe euch zuletzt in der Essigfabrik live erlebt und war begeistert von eurer leichten und selbstverständlichen Art, Death Metal mit ordentlichem Drive zu spielen.  Besonders auffallend sind die klassischen Rockelement, Heavy Metal Riffs in den Songs und der Klang der Gitarren.
Wie ist es dazu gekommen, dass ihr Hard-Rock-Melodien und Heavy Metal Elemente in ein Death Metal Gerüst eingearbeitet habt? War das ein Kalkül, die Elemente zu verbinden, um einen neuen Klang zu schaffen oder hat sich das aus dem entwickelt, was ihr gerne hört/in anderen Bands gespielt habt?

CT: Eine gute Frage, die gar nicht mal so leicht zu beantworten ist. Wir empfanden den Prozess als sehr natürlich und aus kreativer Sicht sehr befriedigend. Ich bin
geneigt zu sagen, dass es weniger Kalkül war und mehr ein natürlicher Flow an Kreativität, gepaart mit mehr Selbstsicherheit als Band und Songwriter. Jedoch muss ich auch eingestehen, dass uns schon sehr bewusst war, dass wir Grenzen sprengen, was das Genre Death Metal angeht und wir dies auch angestrebt haben. Uns war bewusst, dass wir mit den neuen Stücken andere Terrains betreten werden und auch wollen. Im Endeffekt kann ich sagen, dass der Entwicklungsprozess schon lange vor der dritten Platte angefangen hat und sich über die Jahre natürlich bei allen Bandmitgliedern entwickelt hat. Und natürlich haben da auch die Hörgewohnheiten, welche sich ja immer weiterentwickeln, eine große Rolle gespielt.

„Das war gut, aber jetzt müssen wir neue Wege gehen“

MH: Auf euren Alben sind die Death Metal Wurzeln stark ausgeprägt und sorgen für Ecken und Kanten, an denen man sich stoßen und aufreiben kann. Und denn dennoch strahlen z.B. die Songs auf auf „The Mysterious Ways of Repetitive Art“  eine Ruhe und Gelassenheit aus, über die sich jeweils ein dynamischer Spannungsbogen zieht. Auf „…And As We Have Seen The Storm, We Have Embraced The Eye“ sind die Songs abwechslungsreich, vielschichtig und dabei unglaublich groovend und spannend.
Was hat es euch möglich gemacht, den klassischen Death-Metal- Rahmen zu sprengen, einen neuen ganz eigenen Weg zu gehen?

CT: Ich sehe die Aufnahme und den Release des ersten Albums als wichtigen Meilenstein darin. Als wir die Songs herausbrachten, von denen wir einige bereits vier Jahre lang geprobt hatten, wirkte das auf
mich befreiend und kreativ beflügelnd. Ich weiß noch, dass mein Bruder und ich quasi gleichzeitig sagten „Das war gut, aber jetzt müssen wir neue Wege gehen“. Und das meine ich überhaupt nicht abwertend dem Debut gegenüber, da ich es immer noch liebe und alles darauf schätze. Für uns war danach nur klar, dass wir unser Statement mit den Songs gegeben haben, uns aber nicht wiederholen sondern ausprobieren wollen. Daher kommen wohl auch die von dir angesprochene Gelassenheit und die Spannungsbögen. Wir haben zu dem Zeitpunkt viel Zeit damit verbracht, zu jammen und zu sehen, was passiert, wenn wir Strukturen wiederholen, ziehen oder durch den Rhythmus abändern. Durch all diese Prozesse und die Zufriedenheit, die wir daraus gezogen haben, konnten wir uns stetig weiterentwickeln. Beim letzten Album konnten wir schon während der Songwritingphase sagen, dass es anders wird. Dass es Genres vermischt, Grenzen überschreitet. Es war auch klar, dass wir all unsere Energie und Sorgfalt in die Songs stecken. Und dass wir mit gesunder Selbstkritik an die Arbeit gehen. Das Ergebnis ist überwältigend, auch wenn die Zeit dahin nicht immer einfach war.

Erwachsene Experimentierfreude

MH: Ist darin auch so etwas wie das Reifen/’Erwachsenwerden‘ der Band zu erkennen?  Oder spielt eher das ‚kindliche‘ Experimentieren eine Rolle?

CT: In der Tat würde ich hier sagen, dass beides eine Rolle gespielt hat. Natürlich werden wir alle älter, lernen neue Dinge und verändern auch gewisse Ansichten.
Ebenso verbessern wir uns auch an unserenInstrumenten und der Kunst des Songschreibens. Dies ist definitiv ein Kernelement, das das Album so klingen lässt, wie es jetzt ist. Das Experimentieren, Ausprobieren und die gewisse Naivität sind jedoch auch noch vorhanden. Was nicht heißt, dass wir ohne Nachdenken an die neuen Lieder gegangen sind. Wir haben eben immer wieder probiert, wie sich die Songs verändern, wenn der Rhythmus anders ist oder das Riff langsamer gespielt wird.

MH: In welcher Hinsicht war es für euch eine Herausforderung, die Genregrenzen aufzulösen?

CT: Uns war und ist schon bewusst, dass wir uns nicht „nur“ im Death Metal Lager aufhalten. Das wollen wir auch gar nicht. Daher fiel es uns leicht, über Genregrenzen hinwegzusehen und die Songs einfach als gut geschriebene Stücke anzuerkennen. Es ist auch nicht so, dass wir uns nicht zu den extremeren Stilen hingezogen oder angehörig fühlen. Wir möchten uns jedoch die Freiheit lassen, das zu spielen, worauf wir Lust haben. Eine Herausforderung war es, die Songs zu lernen und wirklich wirklich tight zu spielen. Es wurden unzählige Stunden damit verbracht, genau darauf zu achten, dass alle Instrumente so gut wie möglich zusammenspielen und es keine losen Enden gab. Drumfills wurden auf Gitarrenläufe angepasst, neue Gesangsstile ausprobiert und die Fußorgel kam zum Einsatz. Das war für uns die Herausforderung, die wir gemeistert haben und die uns gestärkt hat.

Komplex und dennoch geerdet

MH: Trotz der Komplexität, in der ihr euch manchmal fast verliert, klingen die Songs geerdet. Was hält euch in stürmischen Zeiten am Boden, so dass ihr das Auge des Sturms umarmen und solche Songs
schreiben könnt?

CT: Eine schön formulierte Frage. Ich denke mal, dass es in der Tat einfach die Liebe zur Musik ist. Neue Klänge kreieren, sich von anderer Musik inspirieren lassen, die Zusammenarbeit und dann die Momente,         in denen man erkennt, dass der Song wächst und Form annimmt. Das kann in schweren Zeiten in der Tat befriedigend und erleichternd wirken. Aber auch einfach das Beisammensein und die Sicherheit, dass wir uns aufeinander verlassen können. Wir machen diese Musik nun schon seit 11 Jahren und kennen uns noch länger. Da ist natürlich ein sehr enger und persönlicher Bund entstanden.

MH: Wie sieht Songwriting bei euch aus?

CT: Für den Großteil der Songs ist mein Bruder Laurent verantwortlich. Oft beginnt er damit, eine Idee zu entwickeln. Dann präsentiert er uns das Grundgerüst. Wenn wir alle damit einverstanden sind, arbeiten
wir die Idee gemeinsam aus. Dabei spielen die einzelnen Ideen und Vorschläge der Bandmitglieder eine große Rolle. Somit ist es am Ende ein gemeinsamer Prozess. Jedes Bandmitglied bringt seine Kreativität mit in den Prozess. Es kommt auch vor, dass Laurent und ich uns gegenseitig Ideen und Songfragmente vorspielen, die dann als Grundgerüst dienen. Es ist ein sehr lebendiger Prozess und ich behaupte, dass die Band so klingt, wie sie klingt, da jedes Bandmitglied seine Rolle innerhalb dieses Gefüges wunderbar einnimmt.

Von Lovecraft über Poe zu Rollins

MH: Woher oder von wem kommen die Texte? Wie weit haben sie mit euch persönlich zu tun? Oder sind sie eher als Texte entstanden, die die Atmosphäre der Songs auf einer anderen Ebene übermitteln?

CT: Die Texte stammen auch von Laurent und mir. In der Vergangenheit nahm ich eine größere Rolle bei dem Schreiben von Texten ein, jedoch haben wir bei dem neuen          Album das Schreiben der Texte genau aufgeteilt, sodass 3 Stücke von Laurent und 3 von mir geschrieben worden sind. Es ist auch das erste Mal, dass wir uns von literarischen Quellen lösten und uns diesmal auf persönliche Erlebnisse, Gedanken und Gefühle konzentrierten. Zumindest für mich war es eine Herausforderung, die ich aber gern angenommen habe. Auf poetische Art umschrieben habe ich diesmal mein Inneres geöffnet. Das bereue ich auch nicht. Sondern begrüße es als eine Facette unserer Weiterentwicklung. Zudem die Songs musikalisch die Emotionen der Texte perfekt widerspiegeln. Wir fanden es auch spannend, den Hörern Raum zu geben, die Texte selbst zu interpretieren. Da wir nicht viel dazu ‚erklärt‘ haben, gab es gute Gespräche über unsere Texte und wir haben spannende Interpretationen gehört.

MH: Ihr habe ja anfangs Fantasy/frühe Horror-Literatur als Vorbild genommen. Wer von euch ist denn Fantasy- oder Horror Fan?

CT: Das wäre dann ich. Das Lesen von guter Literatur sowie das Suchen und Finden neuer, mir noch unbekannter Schriftsteller und Büchern ist für mich auch sehr wichtig im Leben. Ich fühle mich hingezogen
zu düsteren Geschichten und liebe es, mich in diesem Feld auszutoben.

Phantastische Literatur

MH: Welche Autoren haben eine besondere Rolle gespielt?

CT: Was die Band dabei betrifft, so stand zu Beginn ganz klar H.P. Lovecraft Pate und „Summoning Black Gods“ ist, bis auf zwei Ausnahmen, komplett von seinen Werken und denen seiner damaligen
Brieffreundschaften beeinflusst. Es war bei weitem keine Innovation, diese Texte im Metal zu verwenden, jedoch fanden wir dies für uns sehr passend. Auf dem zweiten Album haben wir uns an älterer Literatur aus dem eher phantastischen Spektrum orientiert. Wie z.B. Edgar Allen Poe, Johann Peter Hebel oder Gustav Meyrink. Uns war klar, dass wir nicht weiter über das Lovecraft-Universum schreiben wollen. Sondern dass wir uns auch bei den Texten ohne Limitierungen weiter austoben wollten.

MH: Und was liest du zurzeit?

CT: Zurzeit lese ich viel von Philip K. Dick, Thomas Ligotti und Henry Rollins, um mal einen Auszug zu geben. Ich bin aber immer auf der Suche nach Neuem. Daher bin ich dankbar für jede Empfehlung, die ich
kriege. Gerade bin ich in den letzten Zügen eines Sammelbandes der Kurzgeschichten aus dem ‚Cthulhu Mythos’ von Clark Ashton Smith. Was ich jedem empfehlen kann, der auf subtile, sehr dunkle Horror Literatur steht, sind die Werke von Thomas Ligotti. „Theatro Grotesssco“ hat bei mir Alpträume ausgelöst. Eine bizarre Mischung aus Kafka, David Lynch, Poe und Lovecraft.

Sprachlosigkeit – und wie Musik ihr begegnen kann

MH: Ich möchte jetzt auf euer letztes Album „…And As We Have Seen The Storm, We Have Embraced The Eye“ zu sprechen kommen. Auf diesem Album geht es viel um             die Suche nach Antworten, Umgang mit schwierigen Situationen, Sprachlosigkeit… Wie weit sind da persönliche Erlebnisse oder Eindrücke mit eingeflossen?

CT: Jeder einzelne Text ist direkt beeinflusst von persönlichen Erlebnissen und Erfahrungen. Wie bereits angesprochen, möchten wir diesbezüglich nicht viel zu den                  Inhalten sagen, wobei manche auch sehr deutlich sind. Ich kann nur nochmal betonen, dass es eine neue und herausfordernde Erfahrung für mich war.

MH: In welcher Weise kann Musik der Sprachlosigkeit begegnen?

CT: Musik spricht auf vielen Ebenen an und hat eine beruhigende und sichernde Wirkung. Für jemanden, der Schwierigkeiten hat, seine Emotionen oder seine                             Gefühlslage zu verbalisieren, kann Musik eine Ausdrucksform sein. Sei es Trauer, Freude oder auch Niedergeschlagenheit: Musik transportiert diese Gefühle. Jeweils auf eine andere und individuelle Weise. Und dadurch kann es vorkommen, dass man sich nicht mehr missverstanden fühlt oder sogar gehört, ohne dass man beurteilt oder bewertet wird. Ich würde mal behaupten, dass, selbst wenn es einem danach nicht besser geht, das Gefühl verstanden zu werden, trotzdem da ist. Sei es nur durch die Musik oder die Texte.Ich persönlich möchte Platten wie die von TYPE O NEGATIVE oder JOY DIVISION nicht mehr missen. Oder die von IRON MAIDEN. Alles Bands und Scheiben, die mich und meine Gefühlswelt schon lange begleiten und maßgeblich beinflussen.

Hier beende ich den ersten Teil. Im zweiten Teil, den ihr morgen hier auf metal-heads.de lesen könnt, geht es um Kunst, Artwork, die Rolle repetitiver Strukturen aber auch um Lieblingssongs vom neuen Album und ein paar eher persönlich-informative Dinge.

Endlich ist es wieder soweit. Das für mich schönste Festival in Deutschland, das Rock Hard Festival, öffnet am 07.06.19 endlich wieder die Tore des Amphitheaters Gelsenkirchen im Nordpark. Die Bandauswahl dieses Jahr ist wieder mal klasse.

Vulture

Los geht der Tag mit Vulture, dem oldschooligen Speed/Thrashmetal-Geschoss aus NRW. Die noch junge Band lässt es ordentlich krachen. Keine Spur von Schüchternheit zu entdecken. Ausgestattet sind alle Bandmitglieder mit roten Explorergitarren. Nietenarmbänder und Leder dürfen hier auch nicht fehlen. Das sieht alles sehr gut aus. Vulture reissen als Opener schon mal gehörig die Hütte ein und machen richtig Druck. Klasse Band. Der Tag kann gerne so weiter gehen.

Chapel of Disease

Als nächstes werden die Kölner Chapel of Disease ins Rennen geschickt. Death Metal gepaart mit langsamen Passagen à la Opeth. Kann man sich mal anhören. Das Stageacting fällt eher schmal aus. Bei den Zuschauern kommt der Sound aber gut an. Ich habe auch eine große Anzahl von Leuten mit Bandshirt der Kölner gesehen. Fast ein Heimspiel.

The Idiots

Auch aus Dortmund wagt man sich heute nach Gelsenkirchen. Was beim Fußball immer zu Reibereien führt, ist im Metal kein Problem. The Idiots geben ihr Stelldichein zur „Schweinetötertour“ im Amphitheater. Sir Hannes bietet das perfekte Fotomodel. Er zieht eine Grimasse nach der anderen. Einige Highlights könnt ihr dann unten in der Fotoabteilung bewundern. Auch nach über 40 Jahren ist die Punkkapelle kein bisschen leise. Die ganz wilden Jahre von Hannes sind aber vorbei, heute werden keine Flaschen auf dem Kopf zerschlagen oder Schweineköpfe ins Publikum geschleudert. Man darf nicht vergessen, dass Sir Hannes in früheren Tagen mit Iggy Pop und den Sex Pistols auf Tour war. Absolut Kult. Auf der rechten Bühnenseite kann man heute Tausendsassa Waldemar Sorychta an der Gitarre bewundern. Auch kein Unbekannter in der Metalszene, hat er doch schon einigen Bands seinen Stempel aufgedrückt (Philip Boa, Moonspell, Grip Inc., Enemy of the Sun, Tourgitarrist bei Overkill etc.). Klasse Auftritt einer der ältesten und besten deutschen Punkbands.

Tygers of Pan Tang

Die Tygers of Pan Tang haben leider ein wenig Pech zu Beginn ihres Auftritts. Die dunklen Wolken ließen bereits vorher nichts Gutes erahnen, doch just zur Stagetime beginnt es wie aus Kübeln zu regnen. Die Reihen des Amphitheaters leeren sich schnell, niemand möchte nass bis auf die Knochen werden. Dabei liefert die NWOBH-Legende doch eine klasse Show ab. Zum ersten Mal kann ich heute einem filigranen Hardrock/Metal-Gitarrensolo lauschen. Das liegt aber wohl eher an der Musikrichtung, als an fehlendem Können der vorherigen Bands. Nach gut zehn Minuten setzt der Regen aus und die Fans strömen wieder in den Innenraum. Die Party kann weitergehen. Auch die Tygers of Pan Tang bekommen reichlich Applaus.

Das Rock Hard Festival ist ja bekannt für eine gute Mischung verschiedener Musikstile. Da ist immer für jeden etwas dabei. Der Innenraum ist immer gut gefüllt.

Lizzy Borden

Als nächstes ist Lizzy Borden an der Reihe. Heute ist Premiere ihrer neuen Show. Da ich die Band zwar seit Anfang meiner Metalzeit kenne, habe ich bis heute leider noch keinen näheren Kontakt gehabt und bin somit um so gespannter auf die Show. Und was das für eine Show ist. Lizzy Borden ziehen alle Register. Absolute Spitzenleistung. US Glam-Horror-Metal mit spektakulärer Bühnenshow. Lizzy kommt als gehörntes Wesen mit silberner Skelettmaske auf die Bühne, verkleidet sich später mit anderen Kostümen und Masken. Bei „American Metal“ trägt Lizzy links eine riesige USA Fahne und rechts die Deutsche Flagge. Das ist wirklich eine Show. Sowas kenne ich eigentlich nur von Alice Cooper. Auch Blut spritzt, als Borden sich mit einer Axt das Gesicht bearbeitet. Musikalisch ist natürlich auch alles vom Feinsten. Singen kann Herr Borden auch wie eh und je und Gitarrist Ira Black (#besthairinmetal) zeigt dem Publikum wie man mit einer Gitarre umzugehen hat. Haut mich echt um. Die Show würde ich gerne nochmal in einer Halle erleben.

Für mich jetzt schon die beste Show des Tages.

Watain

Als letzte Band des Abend halten die Schweden von Watain ihre Teufelsanbetung auf der Bühne des Amphitheaters ab. Schwedischer Black Metal. Ich bin kein Fan dieser Musikrichtung und kann dazu nicht viel sagen. Die Bühne gleicht einem Satanstempel. Umgedrehte Kreuze, Altäre mit Tierskelettköpfen und Kerzen. All das wird in ein dunkles rotes Licht getaucht. Atmosphäre können sie. Die Protagonisten der Zeremonie sind blutbeschmiert und angemalt. Der Basser trägt ein umgedrehtes schwarzes Kreuz auf der Stirn. Ohne Hitlergruß, wie auf dem Party San 2006, geht die Show zu Ende. Allein diese Aktion und darauffolgende Erklärungen der Band nationalistisches Gedankengut zu fördern, macht mir die Jungs nicht gerade sympathisch. Warum gerade diese Band vom Rock Hard gebucht wurde, bleibt mir ein Rätsel. Nur auf die Darbietung reduziert, hat die Band eine Menge Anhänger zum Rock Hard gezogen, die die Schweden abfeiern. Ebenso munkelt man, die Band hätte einen abgetrennten Tierschädel hinterlassen. Was das mit Musik zu tun hat, ist mir schleierhaft.

Somit geht Tag 1 des Festivals zu Ende. Freue mich schon auf Tag 2, der andere Highlights zu bieten hat.

Hier die Fotos des ersten Tages

Vultures

Chapel of Disease

The Idiots

Lizzy Borden

Watain

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Aber von vorne:

Ein einzigartiger Fluss der Melancholie

Den Anfang machen also DOWNFALL OF GAIA, deren Post-Black-Metal so gut mit Gegensätzen zwischen atmosphärischen Klängen und enormer Wucht spielt.

Die Bühne ist in Nebel getaucht, der durch das Blau der Scheinwerfer noch dichter wirkt. Die Gitarren weben zusammen mit den tiefen Tönen des Basses einen Teppich aus Akkorden. Darüber erheben sich die Screams und Akzente der Hi-Hats, bis ein wahres Trommelgewitter losbricht.

Das Licht erlischt, bis im Rhythmus der Trommelschläge die Scheinwerfer einen Musiker nach dem anderen in ein geheimnisvolles Licht tauchen. Wie aus einer anderen Sphäre kommend entwickeln sich die Melodien. Metallisch-schwarze Riffs, melancholische Melodien, neblig wabernde Licks, klagende Gitarren und dazu ein abwechslungsreiche und kraftvoll lebendige Drumming. Dies verbinden DOWNFALL OF GAIA zu komplexen Arrangements. Alles zusammen erzeugt einen unglaublichen Sog, der mit den weiteren Songs anhält.

Währenddessen lauscht das Publikum ohne die sonst gewohnten Nebengespräche wie gebannt dem Spiel mit den Kontrasten zwischen atmosphärischen Passagen und Black-metal-Ausbrüchen. Einige sind in ihren wogenden Bewegungen so versunken, dass sie regelrecht hochschrecken, wenn die Drums wieder lostoben oder furiose Vocals aus den pulsierenden Klängen herausbrechen.

DOWNFALL OF GAIA mit Dominik Goncalves dos Reis und Marco Mazzola (Gitarre und Vocals), Anton Lisovoj (Bass und Vocals)  sowie Michael Kadnar (Drums) haben auf atmosphärischer Grundlage alle Crust- und Black Metal- Register gezogen und werden mit entsprechendem Applaus bedacht.

Die unendliche Leichtigkeit rockenden Metals mit tödlichen Wurzeln

Nach dem Umbau hat sich der Nebel auf der Bühne etwas gelichtet. Dafür umflackern rote und blaue Lichter die Jungs von CHAPEL OF DISEASE.  Das Schlagzeug ist um eine Stand-Tom erweitert, die David Dankert im Verlauf auch häufig nutzt. Mit groovigen Abschnitten und ausgedehnten Instrumental – Passagen schaffen die Kölner einen weiten Spannungsbogen. Sie entfalten einen rockigen Drive, den das Publikum mit zunehmend stürmischerem Kopfnicken und Mähneschütteln beantwortet.

Laurent und Cedric Teubl produzieren ordentliche Riff-Salven oder entlocken ihren Saiten fließende Soli. Christian Kriegers Bassläufe verbinden sich mit Doublebass – Donnern, so dass auch Death-Metal-Elemente nicht zu kurz kommen. Trotz der Lässigkeit in den groovenden Passagen und den rockenden Melodien, bleibt die harte und ruppige Grundstruktur. Diese kreativen Songs sind nicht unbedingt eine leichte Kost. Aber das Publikum lässt sich mitreißen, reckt die Fäuste, stimmt Rufe in Richtung Bühne an.

Diese Band hat mich wirklich überrascht – und nicht nur, weil ich sie bisher nicht kannte. Ihre druckvollen und rockigen Melodien sorgen für ordentlich Groove. Dennoch werden die Grundstrukturen des Death-Metal deutlich. Die entstehende Spannung hat sich gut übertragen und die Leute sind gut eingestiegen, wenn CHAPEL OF DISEASE immer wieder Tempo und Dynamik steigerten.

Mantar – handgemachter wuchtiger Krach

Nach einer ziemlich langen Umbaupause betreten Hanno Klänhardt und Erinç Sakarya zu AC/DC-Klängen (passend zur Inschrift auf Hannos Bauch) die Bühne. Erinç setzt sich hinter das Schlagzeug, das wie immer Hannos riesigem Pedalboard gegenüber steht. Hanno entledigt sich seines Hoodies, richtet das Käppi und los geht es mit Pest Crusade und Age Of The Absurd. Bereits hier zeigen sich Wucht und Energie nicht nur auf der Bühne. Wie auch in den bisherigen Konzerten, in denen ich Mantar erlebt habe, ist die Stimmung im Publikum aggressiv. Es wird beim Moshen rücksichtsloser gerempelt und geschubst. Vielleicht hat es damit zu tun, dass die Bremer Stadtmusikanten von MANTAR eine Mischung aus Wut und Zerstörung in ihre nicht enden wollenden Riffs packen und mit massivem Drumming in die Gehörgänge hämmern. Und doch gibt es eingängige groovende Passagen, die mit ihrer ungezügelten Energie gefangen nehmen.

Die Hooklines knallen unbarmherzig, die Riffs schaffen eine enorme Dichte, in die Hanno die Vocals hineinschreit. Auch wenn MANTAR inzwischen als Metalband gelten: die Punkattitüde bringt Hanno nach wie vor rüber.

„Ihr habt noch sehr viel Leben in euch. Das müssen wir ändern.“

MANTAR attackieren das Publikum mit enormer Wucht und holen aus dem pogenden Publikum alles heraus. Era Borealis hat sich zum Livehit entwickelt und wird lautstark mitgesungen. Der Moshpit wird immer größer, schneller und massiver. Hanno windet sich währenddessen vor dem Mikrofon oder knapp über dem Boden, als würden ihn die vibrierenden Riffs und harten Drumelemente hin und her werfen.

„Wollt ihr was auf die Fresse? Dann gibt es was auf die Fresse!“ sagt Hanno. Und so sind die Songs ja auch. Der Dank an das Publikum fürs Kommen klingt dagegen richtig brav. Verabschiedet werden wir aus dieser leidenschaftlichen Show mit den Worten: „Wir haben noch zwei Hits dabei, dann übergeben wir euch der Nacht.“ Und so werden wir mit White Nights und Berserkers Path in eben diese entlassen.

Atmosphäre – todesmetallische Vibes – in die Fresse – Metal

Das war ein intensiver und fantastischer Abend: harte Riffs, wunderbare Licks und Melodien sowie großartiges Drumming bei allen Bands.

Teilweise echt keine leichte Kost  und die Musik ist hier – um im Bild zu bleiben – wirklich nicht zu Fast-Food verkommen, sondern es wurde ein abwechslungsreiches und nahrhaftes Menü mit etlichen Leckerbissen geboten.