Don Airey über Pushed To The Edge und seine Mitmusiker

MH: Hallo Don, und danke, dass du dir die Zeit genommen hast. Vor ein paar Jahren habe ich das Making Of von „Turning To Crime“ angeschaut und euch zu sehen, wie viel Spaß ihr hattet und völlig in der Musik aufgegangen seid. Es gab Stellen, an denen du dir einzelne Passagen anhörtest und total hin und weg warst. Da stellt sich die Frage, warum ein weiteres Soloalbum überhaupt nötig ist gar nicht mehr. Weil es in dir steckt. Du musst kreativ sein und Musik machen.

Don: Ja. Das muss man jeden Tag machen, wenn man gut darin bleiben will. Ich meine, klassische Musiker sagen: Wenn ich einen Tag nicht übe, merke ich es. Wenn ich zwei Tage nicht übe, merken es meine Kollegen. Wenn ich drei Tage nicht übe, merkt es das Publikum.

MH: Haha, ich glaube, das überschätzt das Publikum. Aber anders als während des Lockdowns, wo ihr von zu Hause aus arbeiten musstet, konntet ihr jetzt gemeinsam proben, üben und Songs schreiben. Wie lief es mit „Pushed To The Edge“?

Don: Es war 2019. Sie wollten ein weiteres Soloalbum von mir. Also rief ich Simon an und fragte: „Hast du Lust, noch ein Album zu machen?“ Er sagte: „Ja.“ „Wann?“ Ich sagte: „Fang morgen an.“ Und dann habe ich Carl dazugeholt. Carl kam aus Österreich, wo er lebt. Dann haben wir noch John Finnegan mit ins Studio geholt. Und wir gingen einfach zwei oder drei Tage ins Studio und verteilten ein paar Sachen. Carl und ich hatten noch ein paar Songs von einem anderen Projekt übrig. Also gingen wir die folgende Woche dann für fünf Tage ins Studio und haben zwei Songs pro Tag gemacht.

MH: Das ist eine ziemliche Leistung.

Don: Ja, ja. Ich glaube, das Ding war eine Art Härtetest für die Jungs. Simon sagte, sie würden am Ende des Tages auf den Parkplatz gehen, alles Revue passieren lasen und sich fragen, was der alte Knabe wohl morgen für uns hat.

MH: Carl zu erwähnen ist gut, denn er ist seit 2008 bei euch.

Don: Ja, ja, das stimmt. Damals haben wir angefangen, zusammenzuarbeiten.

MH: Aber auf diesem Album habt ihr noch einen anderen Sänger?

Don: Ja, Mitchell Emms.

MH: Den musste ich googeln, den Namen kannte ich überhaupt nicht.

Don: Nein, niemand hat von ihm gehört. Aber er hat sich mittlerweile im Musikgeschäft etabliert, weil er nicht mit Rockbands zusammenarbeitet. Kennst du Strickly Come Dancing?

MH: Nein.

Don: Es ist die größte Show in Großbritannien, die größte Fernsehshow. Er ist in der Band. Er hat also zwei oder drei Jahre damit gearbeitet. Er war bei einer Sendung namens The Voice. Er macht in London alle möglichen Sessions für verschiedene Projekte. Er ist sehr beschäftigt. Er ist erst 26, 27.

MH: Nun, ich habe zu Mitchell recherchiert, und es war 2013, als er bei The Voice auftrat. Wie kam es also zu eurer Zusammenarbeit?

Don: Simon kannte ihn. Also, Simon meinte, wir sollten ihn holen. Er ist fantastisch. Oh, wir haben ihn für einen Auftritt geholt. Wir spielten 2018 beim Cambridge York Festival, glaube ich. Und wir haben ihn als Sänger engagiert. Und er war absolut brillant. Und er war begeistert. Also blieben wir in Kontakt. Ich liebe, was er auf dem Album gemacht hat, weißt du, besonders „Edge of Reality“. Das ist wunderbar. Die Texte sind sehr tiefgründig.

Don Airey über seine Zeit mit Ozzy und Judas Priest

MH: Die Texte kannte ich noch nicht. Aber ich konnte mir das Album ein paar Mal anhören. Und es ist wirklich heavy… Und ehrlich gesagt, als ich mir das Album anhörte, dachte ich: Oh, das ist echt heftiger Stoff. Und beim ersten Mal hörte ich noch heftiger als das letzte Purple-Zeug. Also habe ich dich gegoogelt und dachte: Oh … ich wusste ja, dass du schon einiges gemacht hast, aber es stellte sich heraus, dass es noch viel mehr und sogar noch beeindruckendere Sachen gab, als ich dachte. Du hast die Keyboardparts für zwei Songs auf dem Painkiller-Album mit Judas Priest eingespielt. Und dann wurde vor ein paar Jahren bekannt, dass du auch die Bassparts für das Album im Studio eingespielt hast.

Don: Danke. Ich kann mich nicht genau erinnern. Ich weiß, dass Ian Hill krank war. Ich glaube, er war im Krankenhaus, aber darüber wurde Stillschweigen bewahrt. Und sie sagten, ich glaube, er hat nur auf zwei oder drei Tracks Bass gespielt. Und so habe ich ausgeholfen bis er wieder gesund war, damit sie die Gitarrensoli machen konnten, um es etwas voller klingen zu lassen. Das interessiert mich nicht.

MH: Es war so ein ikonisches Metal-Album. Und bis vor ein paar Jahren wusste niemand, welchen Anteil du daran hattest.

Don: Ich meine, ich bin auf ein paar Tracks als Keyboarder dabei. Aber ja, es war so eine nette Truppe. Weißt du, Glen und Kenny sind einfach wundervolle Menschen. Rob auch. Weißt du, er ist ziemlich einschüchternd, Rob. Weil er sich damals den Kopf rasiert und viel zugenommen hat. Aber wenn man mit ihm spricht, ist er einfach der netteste Mensch überhaupt.

MH: Schon vorher hast du mit Ozzy an einigen Alben und Tourneen mitgewirkt. Mr. Crowley, das Keyboard-Intro ist auch so ikonisch. Aber du wurdest dafür auf dem Album nicht erwähnt.

Don: Nein. Es ist manchmal ein hartes Leben.

MH: Wie war es damals, mit Ozzy oder seiner Band zu arbeiten? Wie lief das Songwriting und…

Don: Nun, es war ein bisschen wie im Wilden Westen. Du weißt schon, die Heavy-Szene. Es war unsere Underground-Musik. Und das Publikum war anders als im Showbiz. Es war definitiv ein Publikum, das man nirgendwo sonst sehen würde. Und es war eine Heavy-Metal-Band, eine Heavy-Rock-Band. Es war schwierig, Hotels zu finden. Oder die Hallen…Weißt du, besonders in Amerika konnten die Union-Crews sehr, sehr schwierig mit der Band sein. Und wenn man sich dann auf die Bühne begibt, gab es eine Menge Probleme. Und die Polizei kam, und manchmal hieß es „Bye!“. Aber, weißt du, es konnte manchmal ziemlich unangenehm sein. Aber jetzt sind wir irgendwie im Mainstream-Showbiz angekommen.

MH: Wer hätte sich damals vorstellen können, wie Rockmusik, Heavy Metal heute sein würde?

Don: Also, ich meine, das waren wirklich Meilensteine. (Nachdenklich und nach kurzer Pause) Weißt du, als du gesagt hast, dass dieser Idiot Trump all diese Sachen signiert und dann Filzstifte ins Publikum wirft, dachte ich nur: „Meine Güte, was macht der denn …“

MH: Ja, es ist furchtbar. Ich möchte gerne noch einmal auf Ozzy und Mr. Crowley und deinem Beitrag zu den Alben zurückkommen. Wie sind dieser Song und das Intro entstanden? Haben sie sich organisch entwickelt?

Don: Nein, Ozzy hat die Band zusammengestellt. Und sie haben mich angerufen, und sagten: Wir wollen, dass du der Band beitrittst. Also, ich bin irgendwie… ich bin bei Rainbow, weißt du. Dann hat Ozzy mich wieder angerufen. Er sagte, wir haben die backing tracks gemacht. Wir brauchen die Keyboards. Würdest du vorbeikommen? Ich sagte, ja. Ich fragte, wer ist dieser Gitarrist, den ihr habt? Er sagte, es ist ein junger Kerl, den wir in LA gefunden haben, namens Randy Rhoades. Er sagte, er ist unglaublich. Also bin ich hingegangen. Und wir haben die Keyboards im Kontrollraum aufgebaut. Und der erste Track, den sie mir vorspielten, war Crazy Train. Und sie fragten: Also, was willst du damit machen? Ich sagte, nichts. Ich sagte, es bräuchte nichts. Ich sagte, es ist absolut… Ich würde es verschlimmbessern, wenn ich etwas mache. In Ordnung. Also, ich habe vergessen, was sie mir als Nächstes vorgespielt haben. Oh, sie spielen mir Goodbye to Romance. Also, ich sagte, oh, ich könnte am Ende eine Trompetenmelodie haben, das wäre gut. Und dann brauchen wir ein Intro für Mr. Crowley. Okay. Wir könnten versuchen… Wie wär’s mit … Ich sagte: „Jungs, geht weg. Lasst Max und mich eine halbe Stunde allein und kommt in einer halben Stunde wieder.“ Also, sie kamen nach einer halben Stunde zurück, und ich hatte es geschafft. Und Ozzy sagte: „Es ist, als hätte es sich in meinem Kopf eingebrannt, Mann.“ Ich sagte: „Oh, gut.“

Don Airey und all die legendären Gitarristen

MH: Nur eine halbe Stunde für so ein ikonisches Intro, wow. Du hast Randy Rhoades erwähnt … Du kamst von Rainbow mit Ritchie Blackmore und hast über Jahrzehnte mit so vielen großartigen und talentierten Gitarristen zusammengespielt.

Don: Ich war drei Jahre lang in einer Band mit Gary Moore. Dann mit Richard Blackmore. Und dann, ja, ich bin in verschiedenen Bands aufgetreten. Ich meine, da gab es eine ganze Reihe von Talenten. Das war einfach normal das… so war ein Leadgitarrist. Wenn man zurückblickt, denkt man: Oh Gott. Diese Leute waren so besonders.

MH: Was hast du von all den verschiedenen Gitarristen und Stilen gelernt?

Don: Nun, bei Gary habe ich gelernt, beim Spielen einfach loszulassen. Man muss sich nicht zu viele Sorgen machen. Man hofft einfach, in den Flow zu kommen. Denn genau das hat er getan. Er war einfach fantastisch. Bei Ritchie habe ich gelernt, dass man Dinge planen kann und dass die musikalische Struktur sehr wichtig ist. Die Kunst des Songwritings eben. Er hatte sie drauf und hat sich ein ganzes Musical ausgedacht. Bei Randy ging es darum, einfach mal die Ohren aufzumachen und zu hören. Denn alles, was er gemacht hat, war einfach fantastisch. Also, ja. Es war toll, mit ihnen allen zu arbeiten.

MH: Ja, ich habe auch gesehen, dass du mit Uli Jon Roth zusammenarbeitest. Auch ein ziemlich legendärer Gitarrist. Heutzutage ist er nicht mehr so vielen Leuten bekannt.

Don: Nein, nein, er ist ein guter Freund von mir. Ich meine, er ist… Er ist… ich weiß nicht, er ist ein bisschen durchgedreht, weißt du, seine Sky Guitar. Oh, Gott weiß… Aber… ich hatte mal ein Festival in meinem Dorf. Weißt du, ich veranstalte alle zwei Jahre eins, Blues und Soul. Ich sagte: „Uli, willst du kommen und spielen?“ Also, Uli tauchte auf und ging zu mir. Und er sagte: „Ich glaube, wir fangen mit Vivaldi an. Und dann machen wir weiter mit Bach.“ Ich sagte: „Uli, was steht da?“ „Blues und Soul.“ Ich sagte: „Was sagt dir das?“ Oh, was soll ich denn spielen?“ Ich sagte: „Kennst du … Crossroads vom Bluesbreaker-Album?“ Natürlich kenne ich Crossroads. Also, wir haben drei Sachen vom Bluesbreaker-Album gespielt. Und dann spielte er Hendrix. Oh mein Gott. Es war unglaublich. Ich meine, und das Publikum hat es verstanden. Weißt du, das Dorf, in dem ich lebe. Man konnte sagen, sie erlebten etwas ganz Außergewöhnliches. Weißt du, er spielte All Along The Watchtower. Dann kam Voodoo Child dazu. Fantastisch. Ich glaube, wir haben mit Sunshine of Your Love aufgehört. Also, das war einfach… Ja, es hat Spaß gemacht. Es hat Spaß gemacht. Es war fantastisch.

MH: Wie ist es, mit so vielen verschiedenen Gitarristen zu spielen? Die gleichen Songs zu spielen, aber mit verschiedenen Künstlern. Fühlt es sich anders an, fühlt sich der Song anders an? Ich habe dieses romantische Ideal einer Band, die zusammen jammt und dann entwickelt sich der Song. Aber mit verschiedenen Gitarristen kann der Song wohl anders klingen.

Don: Ich meine, sie sind alle unterschiedliche Gitarristen. Völlig… Weißt du, es ist sehr schwer zu sagen, er ist besser als… Weil sie alle… Sie haben etwas… Was sie alle haben, ist etwas Einzigartiges, das niemand sonst hat. Weißt du, es gibt keinen anderen Gitarristen wie Richie Blackmore. Wie dem auch sei, es gibt keinen anderen Spieler wie Gary. Am nächstem kommt ihm noch Simon. Aber Simon ist überhaupt nicht wie Gary. Er ist ganz anders als Gary. Obwohl man auf den ersten Blick, so wie er spricht und wie er spielt, denkt: Oh, das ist auch Gary, aber das stimmt nicht. Er ist seine ganz eigene Persönlichkeit.

MH: Ja, es geht nicht um besser oder nicht besser. Es geht um die Chemie, wenn man zusammenkommt und spielt. Fügst du einem Song verschiedene Parts hinzu oder spielst ihn anders…

Don: Nun, man muss einfach versuchen, mit ihm mitzuhalten. Nun, das ist der Trick. Nicht immer einfach.

MH: Du hast mit so vielen verschiedenen Künstlern gespielt. Deine Musik ist auf so vielen Alben erschienen. Aber welchen Unterschied macht es für dich, in einer Band zu sein oder Teil einer Band zu sein oder einfach ins Studio zu kommen und deine Tracks hinzuzufügen?

Don: Ich meine, wenn man in einem Aufnahmestudio ist, ist es immer dasselbe, egal, welche Position man hat. Man sollte auf alles vorbereitet sein, was kommt, und man sollte es schnell umsetzen können. Als Sessionmusiker ist es genauso wie in einer Band, es gelten die gleichen Regeln. Aufnahmen auf höchstem Niveau sind sehr… Man stellt sich selbst auf die Probe. Und es ist nie einfach. Es gibt keine einfachen Aufnahmesessions. Sie sind alle schwierig. Sie sind alle hart.

Musik und das reale Leben

MH: Ich denke, heutzutage ist es etwas einfacher, alles digital zu machen und Dinge einfacher zu löschen.

Don: Es gibt eine Art von Freiheit, aber es ist immer noch dasselbe. Je mehr sich die Dinge ändern, desto mehr bleiben sie gleich. Durch die Handys hat sich nichts wirklich geändert. Nun ja, die Menschen haben sich ein wenig verändert. Aber ich denke, das wird vorübergehen. Ich denke, die Menschen müssen wieder zu Menschen werden, nicht zu Robotern. Und ich glaube, ich sehe das … bei Konzerten. Ich glaube, deshalb war Purple in letzter Zeit so erfolgreich. Wissen Sie, wir waren im letzten Jahr oder so sehr erfolgreich. Viel erfolgreicher als erwartet. Denn ich glaube, es ist das, was das New Yorker Magazine IRL nennt, also im echten Leben. Und die wollen wieder etwas Reales sehen. Sie wollen keine Computer oder künstliche Intelligenz. Mit echten Menschen zusammen sein.

MH: Genau in diesem Moment in dem es passiert.

Don: Ja, genau in diesem Moment. Musik existiert, wenn sie gespielt wird, wenn sie von Menschen gespielt wird. Dann existiert sie wirklich. Das ist Musik. Und wenn Menschen zuschauen und sich darauf einlassen, dann existiert sie wirklich. Weißt du, dafür ist sie da. Ich meine, deshalb blieb Bach jahrelang nächtelang wach und schrieb Musik, bis er sein Augenlicht verlor.

MH: Ist es für dich also das ultimative Ziel oder der Antrieb, live zu spielen, vor Publikum zu spielen, sei es in einem Dorf oder einem großen Veranstaltungsort?

Don: Ja, ich meine, Tommy Aldridge sagte immer: Je weniger intim der Anlass, desto besser. Aber das Gleiche gilt, wenn man in einem kleinen Club spielt. Eine volle Halle ist das, was man will. Es geht nicht darum, wie viele Leute da waren. Ob es voll war, das ist der Maßstab. Und einen tollen Auftritt hat man normalerweise, wenn alles voll war.

MH: Und gibt es Pläne für Live-Auftritte?

Don: Ja, es ist noch nichts Konkretes. Wir lassen den Staub erstmal abklingen, nachdem wir zwei Jahre mit Purple auf Tour waren, und warten ab, wie sich die Zukunft entwickelt. Aber vielleicht gehen wir im September mit der Band für drei Wochen auf Tour. Wenn ich Simon dazu überreden kann.

MH: Ich freue mich darauf. Wie du schon sagtest, das ist das wahre Leben. Das ist es, was die Menschen wollen und brauchen. Die Erfahrung von etwas Verbindendem.

Don: Einmal bin ich los, ich weiß nicht ob du sie kennst, um Yuya Wang zu sehen, die chinesische Konzertpianistin. Sie ist wunderschön, trägt kurze Röcke und ist sehr sexy. Man sagt, sie sei die beste Pianistin der Welt. Ich war in der Royal Festival Hall, um sie zu sehen. Und sie war ziemlich verwegen. Sie kam raus und sagte: „Nein, ich spiele nicht das erste Stück. Nur das zweite.“ Dann ging sie für 15 Minuten weg und machte eine Pause. Und kam in einem anderen Kleid zurück. „Ich spiele die zweite Hälfte.“ Und als sie zur Zugabe rauskam, waren schon einige Leute aufgestanden und gegangen. Sie waren nicht damit einverstanden, wie sie uns behandelt hat. Sie sah die leeren Sitzreihen. Sie warf einen Blick darauf und dachte: „Oh Scheiße, da muss ich jetzt was machen.“ Sie spielte also drei Zugaben. Es war großartig. Sie spielte Prokofjews Toccata, die, da ich da war, wahnsinnig schwierig ist. Dann spielte sie ein weiteres Stück namens Islami von Velakharov. Dann spielte sie ein sehr obskures Stück eines russischen Komponisten, das so wunderschön war. Am Ende ging ich raus und konnte 20 Minuten lang nicht sprechen. Oh, und genau das ist Musik. Weißt du, und als Künstler muss man genau das geben. Du darfst nicht denken: Oh nein, diese Schuhe sind zu eng. Man muss alles geben, was man hat und das habe ich natürlich bei der Arbeit mit Gary gelernt. Er kam immer auf die Bühne und brach vom ersten Ton an in Schweiß aus und spielte sich in einen Rausch, der die erste Reihe regelrecht gefangen nahm. Weißt du, es ist ein sehr wichtiger Teil des Lebens, aber live zu spielen ist das Wichtigste. Und wenn Leute, die wirklich spielen können, wirklich alles geben, weißt du, dann ist das der Sinn des Menschseins. Nicht ständig am Telefon sein, einfach zusammenkommen. Entschuldige, dass ich jetzt so über Yuya Wang rede.

MH: Nein, das ist wirklich interessant. Ich meine, das ist schon was… Fans sind manchmal so blind. Warum machen sie etwas anderes? Aber Musiker sind immer so. Hast du das oder das schon mal gehört? Eine völlig andere Art von Musik, aber aufgeschlossen und offen für Neues zu sein, ist so wichtig. und kann einem so viel Freude und neue Entdeckungen bringen.

Don: Das ist es. Ich kann dir etwas über Roger Glover erzählen. Er lässt sich immer etwas einfallen. Was hast du dir angehört, Roger? Und er erzählt dir Dinge, von denen du noch nie gehört hast. Also, wo findest du das? (Imitiert Roger Glover) Oh, weißt du. Ich habe Musik aus den Anden gelernt. Oder ich höre einfach nur diesem Stamm aus Papua-Neuguinea zu, weißt du.

MH: Haha, sagte mein Vater mal zu mir. Also, ich stehe nicht auf neue Sachen. Die ganze gute Musik ist schon geschrieben. Und ich dachte nur: Oh nein!

Don: Frank Zappa hat das gesagt. Er meinte, die ganze großartige Musik sei schon von Leuten mit Perücken geschrieben worden.

MH: Aber manchmal gibt es so tolle neue Sachen, so tolle neue Bands.

Don: Ein bisschen schon. Ich glaube nicht, dass wir jemals wieder so etwas wie Bach oder Mozart erleben werden. Oder Chopin. Ich glaube nicht… ich glaube, diese Momente sind für die Menschheit vorbei.

MH: Oh, hoffentlich nicht.

Don: Ja, hoffentlich nicht.

MH: Vielen Dank für das sehr interessante Gespräch. Wir freuen uns auf die Veröffentlichung von „Pushed To The Edge“ und darauf, dich im September live auf der Bühne zu sehen.

Don: Danke!

In eigener Sache

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Don Airey Interview (english version)

MH: Hello Don and thank you for taking the time. A few years ago, I watched the making of „Turning To Crime“ and seeing you guys in it. and the joy you had, being completely lost in music was awesome. There were parts when you were listening to some musical parts and got totally into it. So, I guess that makes the question, why another solo album quite unnecessary? Because it’s in you.You have to be creative and make music.

Don:Yeah. It’s something you’ve got to do every day, if you want to keep good at it. I mean, classical players say, if I’m mispracticing one day, you know, I’ll notice. If I’m mispracticing two days, my colleagues will notice. If I mispracticing three days, the audience will notice.

MH: Haha, I guess that’s giving the audience too much credit. But unlike the lockdown, where you had to work remotely, now you could rehearse, practice and write songs together. So how did it go for „Pushed To The Edge“?

Don: Well, it was 2019. And they said they wanted another solo album from me. So I phoned up Simon and said, do you fancy making another album, would you? He said, yeah. When? I said, start tomorrow. So I got it over and I got Carl. Carl came out from Austria where he lives. So we got John Finnegan in it. And we just went in rehearsal studio for two or three days, passed a few things out. Carl and I had quite a few songs left over from another project. So next week we went in the studio for five days. And we did two songs a day.

MH: That’s quite an output.

Don: Yeah, yeah. I think the thing was a bit of a roast up for the guys. So Simon said, at the end of the day, they’d go out in the car park and go through it. Wonder what the old boy has got for us tomorrow.

MH: Mentioning Carl is a good thing because he’s with you since 2008.

Don: Yeah, yeah, that’s right. That’s when we started working together.

MH: But on this album you have another singer?

Don: Yeah, Mitchell Emms.

MH: Whom I had to Google, I wasn’t familiar with the name at all.

Don: No, nobody’s heard of him. But he’s built in the music business now because he doesn’t work with rock bands. Do you know about Strickly Come Dancing?

MH: No.

Don: It’s the biggest show in Britain, biggest TV show. He’s in the band.So he’s worked with that for two or three years. He was on a thing called The Voice. He does all kinds of sessions in London on different projects. He’s very busy. He’s only 26, 27.

MH: Well, I looked up Mitchell and it was 2013 when he did The Voice. So how did you come together?

Don: Simon knew him. So, you know, Simon said we should get him in. He’s fantastic. Oh, we got him in for one gig. We played the Cambridge York Festival, 2018, I think. And we got him in to sing. And he was absolutely brilliant. And he loved it. So we kept in touch. I love what he’s done on the album, you know, especially Edge of Reality. That’s a wonderful. The lyrics are very deep.

MH: Yeah, I hadn’t had the lyrics.But I could listen to the album a few times. And It’s really heavy… And to be honest, listening to the album, I was, oh, that’s quite some heavy stuff. And first listening more heavier than the last purple stuff. And so I looked you up and was, oh.. I mean, I knew you did quite a few things, but it turned out that there was way more and even more impressive than I thought. You did the keyboard parts for two songs on thePainkilleralbum with Judas Priest. And then it became public a few years ago that you playedthe bass parts for the album in the studio too.

Don: Thank you. I can’t remember. I know Ian Hill was indisposed. I think he was in the hospital, but they were keeping quiet about it. And they said, I think he played just bass on the two or three tracks. So I helped out just till he came back so that they could do the guitar solos, you know, make it sound a bit bit fuller. I don’t care about that.

MH: It was such an iconic metal album. And until a few years ago, nobody knew it. What part you played in it.

Don: I mean, I’m on what couple of tracks doing proper keyboards. But yeah, it was such a nice bunch of people. You know, they really are Glen and Kenny, just, you know, just wonderful people. Rob, too. You know, he’s very off-putting Rob. Because at that time, he shaved his head and he put on a lot of weight. But when you talk to him, he’s just the nicest person ever made.

MH: Even before that you were with Ozzy for quite a few albums and tours. Mr. Crowley, the keyboard intro is also so iconic. But you didn’t get credits for it on the album.

Don: No. It’s a tough life sometimes.

MH: How was it back then working with Ozzy or his band? How did the songwriting go and…

Don: Well, it was a bit like being in the Wild West. You know, the heavy scene. It was our underground music. And you know, the audience was different to showbiz.You know, it was definitely an audience that you would never see anywhere else. And, you know, it was a heavy metal band, heavy rock band. It was difficult to get hotels. You know, the halls, you know, especially in America, the Union crews could be very, very difficult with the band, you know. And you set up, you know, there’s a lot of problems with it. And the police would come and sometimes it says the tour bye. But, you know, it could be quite unpleasant sometimes. But now we’ve kind of moved into mainstream showbiz.

MH: Who would have imagined back then how rock music, heavy metal would be now.

Don: So, I mean, it’s the touchstone, really. You know, when you say that idiot Trump signing all these things and then throwing sharpies out to the audience, I mean, I just thought, God, what’s he being…

MH: Yeah, it’s awful. To get back to Ozzy and Mr. Crowley and your input on the albums. How did this song and the intro come out? Did it evolve organically?

Don: No, Ozzy got the band together. And they’d phone me up and said. We want you to join the band. So, I kind of… I’m in Rainbow, you know. So, Ozzy phoned me up again. He said, we’ve done the backing tracks. We need to be keyboards. Would you come down? I said, yeah. I said, who’s this guitarist you got? He said, it’s a young lad we found in LA and called Randy Rhoades. Said he’s incredible. So, I went down. And we set the keyboards up in the control room. And the first track that they played me was crazy train. And they asked So, what do you want to do on that? I said, nothing. I said, it didn’t need anything. I said, it’s absolutely… I’ll spoil it if I do anything. All right. So, I forget what else they played me next. Oh, They play me goodbye to romance. So, I said, oh, I could have a trumpet line at the end, that would be good. And then we need an intro for Mr. Crowley. Okay. How about trying… What about… I said, lads go away. Just leave me and Max alone for half an hour, come back in half now. So, they came back in half an hour and I’d done it. And Ozzy said, it’s like he plugged into my head man. I said, oh, good.

MH: Just half an hour for such an iconic intro, wow. You mentioned Randy Rhoades… Coming from Rainbow with Ritchie Blackmore and having played over decades with so many great and talented guitarists.

Don: I’ve been in a band with Gary Moore for three years. Then Richard Blackmore. And then, yeah, I went in bands around. I mean, quite a parade of talent there. You just took it as normal that…This is how a lead guitarist was. It’s when you look back and you think, oh, God. Those people were so special.

MH: What did you take from all those different guitar players and the different styles?

Don: Well, with Gary, it was really you learnt just to let go when you played. You know, don’t worry too much. Just hope that some of that will guard you through. Because that’s what he’d do. He was absolutely amazing. Well, Ritchie, you learnt that you can plan things and the musical structure is very important. You know, the art of songwriting. He had it down, you know, and he invented a whole musical for himself. With Rhandy, it was… Just to get your ears over. Because everything he did was amazing. So, yeah. Yeah, it was great working with them all.

MH: Yeah, I also saw that you work with Uli Jon Roth. Also, quite some legendary guitar player. Not so well known to many people nowadays.

Don: No, no, he’s a good friend of mine. I mean, he’s… He’s… I don’t know, he went a bit crazy, you know, his string guitar. Oh, God,knows… But… I had a festival once in my village. You know, I run every two years, blues and soul. I said, Uli, do you want to come and play? So, Uli turns up and he goes to me. And he goes, I think we start with Vivaldi. And then we’ll do it with Bach. I said, Uli, what’s it say there? Blues and soul. I said, what’s that tell you? Oh, what shall I play then? I said, do you know…Crossroads from the Bluesbreaker album? Of course I know Crossroads. So, we did three things off the Bluesbreaker album. And then he played Hendrix Oh my God. It was amazing. I mean, and the crowd got it. You know, the village where I live. People could say they were seeing something quite extraordinary. You know, he played all along the watchtower. Then he ended up with, you know, Voodoo Child on. Fantastic. I think we ended with Sunshine of Your Love. Now, now that was just… Yeah, it was fun. It was fun. It was awesome.

MH: How is it to play with so many different guitar players? Playing the same songs, but with different artists Does it feel different, does the song feel different?. So, I have this romantic ideal of a band, jamming together and then the song evolves. But with different players I guess the song can sound different.

Don: I mean, they’re all different guitarists. Completely… You know, it’s very hard to say he’s better than… Because they’re all… They have something… What they all have is something unique that nobody else has got. You know, there isn’t another player like Richie Blackmore. Anyway, there isn’t another player like Gary. Well, the closest I’ve ever known is Simon. But, Simon’s not like Gary at all. He’s quite different to Gary. Though, at first sight, the way he talks and the way he plays, you think, oh, it’s Gary too, but it’s not. He’s his own man.

MH: Yeah, it isn’t about better or not better. It’s about the chemistry when coming together and playing. Are you adding different parts to a song, playing a different…

Don: Well, you just got to try and keep it up with him. Well, that’s the trick. Not always easy.

MH: You played with so many different artists. Added your music to so many albums. But what difference is it for you to be in a band or part of a band or just coming in in the studio, adding your tracks?

Don: I mean, when you’re in a recording studio, no matter what your position is, it’s always the same. You know, you better be ready for what’s coming and you better be able to do it and do it quick. You know, so if you’re doing it as a session musician, it’s just the same as if you’re in the band, you know, the same things apply. You know, recording at a top level is very… You’re testing yourself. And it’s never easy. You know, there’s no such thing as an easy recording session. They’re all difficult. They’re all hard.

MH: I guess nowadays it’s a bit easier doing it all digital and making it easier to go back and erase things.

Don: There’s a different kind of freed up things a bit, but it’s still the same. You know, the more things change, the more they remain the same. You know, nothing’s changed really because of phones. Well, people have changed a bit. I think.. But I think it will pass. I think people are gonna have to go back to be human beings again, and not robots. And I think I see that… at concerts. I think that’s why I’ve been like purple, has been so recently so successful. You know, we have been very successful the last year or so. Much more than we expected. Because I think it’s what the New Yorker Magazine calls IRL, you know, in real life. And they want to see something real again. They don’t want to have computer or they don’t want artificial intelligence. You know, what do human beings look like.

MH: At that exact moment in time?

Don: Yeah, at that moment. Music exists when it’s played, as it is played by people. That’s when it really exists. That’s what music is. And if people are watching and they’re involved with it, that’s when it really exists. You know, that’s what it’s for. I mean, that’s why Bach stayed up all night for years and years, writing music till his eyes light went.

MH: So for you playing live, playing for an audience may it be in a village or a big venue is the ultimate goal or drive?

Don: Yeah, I mean, Tommy Aldridge used to say. The less intimate the occasion, the better. You know. But the same thing applies, you know, when you play a, you know, a small venue. You know, if it’s packed, that’s what you want. You know, it’s not how many people there was it full. You know, that’s the measure of it. And you can have a great gig if it’s full, usually.

MH: And are there any plans of performing live?

Don:Yes, there’s nothing definite yet. We kind of let in the dust settle after two years of touring with Purple and waiting to see, you know, how the future shapes itself. But maybe in September, we’ll take the band out for three weeks, you know. If I can talk Simon into it.

MH: I’m looking forward to it. As you said, that’s real life. That’s what people want and need. Having the experience of something uniting.

Don: I went to see, have you heard of Yuya Wang, the Chinese concert pianist? Beautiful girl, she wears short skirts and is very sexy. They say she’s the greatest player in the world out there. I went to see her at the Royal Festival Hall. And she was a bit de-vish. She came out and she dropped one of, she said, no, I’m not going to play the first piece. Just the second one. And then she went off for 15 minutes and had a break. And came back on in a different dress. You know, I’m playing the second half. And when she came out for the encorer, quite a few people had got up and left. You know, they didn’t approve of how she treated us. You know, she, saw the rows of empty seats. And she took one look at it and she went, oh shit, I better do something about this. So she did three encore. It was magnificent. She played Prokofiev Toccata, which is ferociously difficult as I was in there. Then she played another piece called Islami by Velakharov. Then she played some very obscure piece by some Russian composer that was so beautiful. At the end of it, I walked out, I couldn’t talk for 20 minutes, I couldn’t speak. Oh and that’s what music is. You know, and as a performer, that’s what you’ve got to give. You know, if you’re thinking about, oh, no, these shoes are too tight. You know, you’ve got to give everything you’ve got. You know, and I learned that working with Gary, of course. He used to come out on stage and burst into a sweat that would suck the front row from the first note. You know, it’s a very important part of life, but playing live is the thing. You know, and if people that can really play are really giving their all, you know, it’s what being human is all about. Not being on the phone all the time, just coming together. Sorry to go on about Yuya Wang

MH: No, that’s really interesting. I mean, that’s something… Fans are sometimes so blindfolded. Why are they doing something different? But musicians are always like this. Have you heard this one or this? Totally completely different kind of music, but being open-minded and being open to new things is so important and can give you so much joy and new discoveries.

Don: It is. I can tell you something about Roger Glover. He’s always coming up with something. What have you been listening to, Roger? And he tells you something you’ve never heard of. So, where do you find that? Oh, you know. I’ve learned some music from the Andes. Or I’ll just been listening this tribe from Papua New Guinea, you know.

MH: Haha,my father once said to me. Well, I’m not into new stuff. All the good music is already written. And I was like, oh, no!

Don: Frank Zappa said. He said all the great music is already been written by people in wigs.

MH: But sometimes there is so great new stuff, such great new bands.

Don:There is a bit, yeah. I don’t think we ever will see anything like Bach again, or Mozart. Or Chopin. I don’t think…I think those moments have passed for the human race.

MH: Oh, Hopefully not.

Don: Yeah, Hopefully not.

MH: Thank you so much for the very interesting talk. We are looking forward to the release of „Pushed To The Edge“ and to see you perform it live on stage in September.

Don: Thank you!

Die Ausstellung, die auf 220 Quadratmetern insgesamt 150 Exponate präsentiert, zeigt eine Auswahl an ikonischen E-Gitarren aus der renommierten „Rock Collection“. Viele dieser Instrumente werden erstmals öffentlich ausgestellt. Damit setzt das Museum einen neuen Maßstab für alle, die sich für die Geschichte und Ästhetik des Rock- und Metal-Gitarrenspiels begeistern.

Ein besonderes Highlight der Ausstellung ist die thematische Aufteilung in sechs Bereiche, die von den Wurzeln des Genres bis hin zu den „Metal Gods“ reicht. Dabei werden legendäre Gitarren wie K.K. Downings rote Hamer, bekannt aus den Shows von Judas Priest, ins Rampenlicht gerückt. Ergänzt wird die Sammlung durch die Geschichten und Errungenschaften von Musikergrößen wie Tony Iommi, Kirk Hammett, Eddie Van Halen, Gary Moore, Slash und Yngwie Malmsteen. Ihre Instrumente und Spieltechniken prägten nicht nur ihre jeweiligen Epochen, sondern beeinflussen bis heute Generationen von Guitar Heroes.

Immersives Erlebnis

Doch das rock’n’popmuseum wäre nicht das rock’n’popmuseum, würde es sich allein auf visuelle Highlights beschränken. Mit 23 Monitoren, Projektionen und einem immersiven Audiosystem (USOMO) verwandelt sich der Rundgang in ein synästhetisches Erlebnis. Gäste können mithilfe von Erklärvideos zu spezifischen Spieltechniken und weiteren audiovisuellen Inhalten tief in die Geheimnisse des Gitarrenspiels eintauchen.

Als weiteres Alleinstellungsmerkmal gibt die Ausstellung Fachleuten und Künstlern der Szene eine Stimme. Interviews mit Persönlichkeiten wie Victor Smolski (Rage), Produzentenlegende Dieter Dierks und der Metal-Ikone Doro Pesch bereichern die Schau. Doro Pesch selbst übernimmt zudem akustisch die Führung durch die Stationen und bietet dabei spannende Einblicke in die Entwicklung der Gitarrenmusik.

Mit der Sonderausstellung „Guitar Heroes“ bringt das rock’n’popmuseum nicht nur Gitarrenfans zum Staunen, sondern erzählt auch die Geschichte eines Instruments, das aus der Welt des Rock und Metal nicht wegzudenken ist. Ein Rahmenprogramm mit besonderen Events verspricht zusätzliche Highlights für die Gäste.

Die Ausstellung ist ab dem 25. Januar 2025 in Gronau zu sehen. Weitere Informationen und Ticketdetails sind auf der Website des Museums erhältlich.

In eigener Sache

Und natürlich gibt es noch viele weitere News, Reviews und Live-Berichte aus der Szene der harten Töne bei uns. Doch um ja nichts zu verpassen, abonniert Ihr am besten unseren kostenlosen Newsletter. Oder Ihr folgt uns bei Facebook. Die besten Bilder findet Ihr dann bei Instagram. Und unser YouTube Channel hält schon jetzt einiges bereit. Also schaut mal rein!

Gary Moore – vom Hardrocker zum Blues-Gott

Die Eckdaten in Kürze: Geboren in Belfast, mit nur 58 Jahren im Jahr 2011 leider viel zu früh verstorben. Gary Moore war Mitglied von Thin Lizzy, aber auch Gründer der Bands Colosseum II und des Projekts G-Force (in Anlehnung an seinen Spitznamen „G“ ). Nach genialen Solo-Alben wie dem Meisterwerk „Wild Frontier“ aus dem Jahr 1987 wechselte der auf der Bühne immer als Wüterich beschriebene Hardrock-Gitarrist zum Blues-Genre. Und zeigte fortan hier seine begnadeten Gitarren-Künste. „Still Got The Blues“ wird wohl jeder Musikfan auf dieser Welt kennen.

Was die Leserschaft bei „Gary Moore – Die offizielle Biografie“ erwartet

504 prallvolle, aus dem Englischen (Das Original erschien bereits 2017) von Alan Tepper übersetzte Seiten erwarten es, entdeckt zu werden. Das Buch im Hardcover-Format ist umweltfreundlich auf leicht ergrautem Papier gedruckt und auch die Fotosammlung ist in Schwarz-Weiß gehalten. Der britische Autor Harry Shapiro, der übrigens Gary Moore nicht ein einiges Mal persönlich getroffen hat, erzählt äußert detailreich. Da er mit sehr vielen Weggefährten von Gary Moore und natürlich auch mit dessen Familie gesprochen hat, zitiert er dementsprechend viele Leute , bringt sie miteinander in Verbindung und baut Parallelen auf, wo man sie kaum vermutet hätte.

We want Moore!

In diesem Buch erfährt man in 14 Kapiteln nicht nur etwas über den Aufstieg dieses „Guitar Hero“ , dessen Ängste (was Flugzeugfliegen angeht) und dessen Schwächen (ja, ja, was wohl) . Natürlich gibt es auch Details wie den obigen Schlachtruf, den sich die Fans ausgedacht haben. Die Frage, wo die grüne Les Paul Gitarre jetzt ist, wird ebenso geklärt. Hierzu kurz ausgeholt: Der Linkshänder, der zeitlebens Rechtshänder-Gitarren bediente, musste irgendwann seine geliebte 1959er Gibson Les Paul verkaufen, da ihm die Kohle ausgegangen war. Diese vom Fleetwood Mac – Gitarristen Peter Green erworbene Gitarre fand auf Umwegen jedoch einen würdigen Nachfolger. Kirk Hammett von Metallica nämlich. Ja, so klein ist die Welt der prominenten Musiker.

Kritik aus dem Netz

Um ehrlich zu sein: Diese Biografie kommt in den Buchkritiken auf Amazon und co. nicht sonderlich gut weg. Leser berichten, sie hätten sich durch die ersten 200 Seiten quälen müssen, weil diese so langweilig gewesen wären. Man würde den künstlich gestrickten Parallelen und Verbindungen zwischen den unzähligen Gesprächspartnern, deren Namen man kaum verdauen könnte, nur äußerst schwer folgen können. Außerdem würde jegliche Emotion fehlen, alles wäre viel zu nüchtern geschrieben.

Wir sehen dies ein wenig differenzierter. Denn es ist doch gar nichts daran auszusetzen, wenn Autor Shapiro als neutrale dritte Person Andere sehr zitatenreich über Gary Moore berichten lässt, ansonsten jedoch auf der Sachebene bleibt. Da der Autor nie mit Moore selbst gesprochen hat, ist diese Neutralität sogar zu begrüßen.

Fazit

Eine Biografie muss ja nicht immer im US-amerikanischen Stil mit viel Pathos und Lobhudelei daher kommen. Dem wahren Gitarrenfan reicht schon die Aufstellung der Pedals und des übrigen technischen Equipments, dem sich Garry Moore bediente. Uns persönlich fehlt es ein wenig an bunten Bildern und auch das Papier hätte gerne umweltunfreundlich Hochglanz sein können. Aber dies ist schon Jammern auf hohem Niveau. Denn für nur 30 Euro ist man mit diesem Buch gut bedient. Für jeden Guitar-Lover das ideale Weihnachtsgeschenk. Und übrigen das einzige Werk, was bisher über „G“ erschienen ist.

Zu erwerben u.a. auf den Seiten des Hannibal-Verlags oder auf Amazon sowie bestimmt auch im gut sortierten Buchhandel.

Gary Moore lebt weiter

Unglaublich, aber wahr: Direkt nach dem ersten Gary-Moore-typischen Gitarren-Lick im Opener „I´m Tore Down“ fühlt sich der Autor wieder 13 Jahre jung und sitzt mit voll aufgedrehtem Volume erwartungsfroh vor seinem heimischen Plattenteller. Unvergessen bleibt das damalige Gefühl, wenn die Drums in der Intro von „Over The Hills And Far Away“ erklangen. Wer von euch zu jung ist, 1987 nicht dabei war und daher nicht weiß, wovon der Schreiberling hier schwärmt, dem wird hier gerne nachgeholfen:

Ein Hammer-Gitarrist, der sich im Verlauf seiner Karriere vom 70´er Jahre Jammer (u.a. bei Thin Lizzy) über seine Zeit als anerkannter Hardrock-Gitarrist die letzten Schaffensjahre ganz dem Blues gewidmet hatte. Eins der besten Alben des Manns aus Belfast dürfte das 1987´er Werk „Wild Frontier“ sein und bleiben. Aber wir wollen hier nicht in Erinnerungen schwelgen. Back to the Gegenwart.

Neues Material auf „How Blue Can You Get“

Am 30.04.2021 wurden uns nun acht neue Blues-Songs im rockigen Gewand von Gary Moore präsentiert. Es handelt sich um unveröffentlichte Cover wie Memphis Slim’s „Steppin‘ Out„‚ , dem Song „Done Some Wrong“ von Elmore James und der über 7 Minuten langen Version von B.B. Kings 1964er „How Blue Can You Get“ (zugleich auch der Albumtitel). Dazu gibt es alternative Versionen zu „Love Can Make A Fool Of You“ und das wunderschön schmerzhafte „Living With The Blues. “ Hört euch das Cover von Freddie Kings Song „I´m Tore Down“ hier einfach mal an:

Der Song „I´m Tore Down“ vom neuen Album

Die Ballade „In My Dreams“ von „How Blue Can You Get“

Damit nicht genug. Wir hätten auch einen zweiten der acht neuen Lieder im Videoformat für euch parat:

Fazit

Auch wenn „neue Songs“ bei Coverversionen immer ein wenig irreführend klingen mag, handelt es sich unbestritten hier um bislang unveröffentlichte Aufnahmen eines der besten Solo-Gitarristen ever. Und man kann nur Tribut zollen, wenn man weiß, dass zu jedem der Songs und Künstler enge Verbindungen bestanden. So begleitete Gary Moore den legendären B.B. King im Jahr 2006 auf dessen UK-Tour. Und bevor wir unzählige weitere Schmanerkl verraten, halten wir es mit unserem Fazit lieber kurz und knackig: Gitarrenliebhaber werden das neue Album „How Blue Can You Get“ lieben. Es gehört einfach schon aus Gründen der Vollständigkeit in jede Gary Moore-Fan-Sammlung, und zwar am besten als LP. Eins ist und bleibt sicher: der Mann hat „Still Got The Blues“ im Herzen und in seinen Fingern! Mehr Infos zu diesem Ausnahmekünstler findet ihr auf dessen Homepage und natürlich hier bei uns!

Die Tracklist

1.I’m Tore Down
2.Steppin‘ Out
3.In My Dreams
4.How Blue Can You Get
5.Looking At Your Picture
6.Love Can Make A Fool Of You
7.Done Somebody Wrong
8.Living With The Blues

In den 80ern lieh mir ein guter Schulkollege ein VHS Tape – es war Gary Moore’s Wild Frontier Tour Live aus Stockholm. Mein gesamtes Musikdenken war auf den Kopf gestellt! Was der Typ da an der Gitarre und am Gesang ablieferte war nicht von dieser Welt.

Jahre später, wie könnte ich es vergessen, sah ich Gary Moore dann das erste Mal live. Da stand er nun, fast schon überlebensgroß, direkt vor mir. Die Töne, die er seiner Les Paul während seiner späteren Bluesrockphase entlockte, waren unnachahmlich, wie Honig, immer emotional, immer am Limit der Nachvollziehbarkeit, Melodiearien, wie sie so nie jemand zuvor gespielt hat.

Die Frage, ob der viel zu früh verstorbene Robert William Gary Moore eines Tribute Albums würdig ist, wäre wohl Blasphemie!

Es gibt zwei Wege zum Tribute

Entweder, man versucht ganz nah am Original zu praktizieren oder man versucht den Einfluss der Musik abzubilden und eigene Versionen der Gassenhauer zu liefern. Beide Wege führen zu getrennten Lagern, stimmen die einen oder anderen missmutig oder eben positiv – doch in diesem Falle gelten andere Regeln!

In guten Händen

Der Bassist und Produzent Bob Daisley entschied sich für ersteren Weg, mit dem Unterschied, dass es nicht nach Tributeband klingt, sondern sehr sensibel mit dem musikalischen Erbe des Mr Moores umgeht.
Daisley selbst spielte mit Gary seit den 1980er und war maßgeblich mit dafür verantwortlich, dass Gary sein erstes Blues Album aufnahm – der Rest ist Geschichte, denn ‚Still Got The Blues‘ wurde ein weltweiter Erfolg, auf den eine Serie von klassisch modernen Blues Alben folgten. (Bob Daisley spielte zudem bei Größen wie Rainbow, Ozzy Osbourne und Mungo Jerry.)

Who is Who

Dieses Album geht wirklich tief, denn viele der Beteiligten standen Gary sehr nahe. Alte Weggefährten wie Neil Carter, der „Empty Rooms“ singt. Eben jener Neil Carter, war die treibende Kraft an den Keyboards und Gitarre auf o.g. Wild Frontiers Tour.
Doug Aldrich und John Sykes sind ebenfalls zu hören. Sykes schmettert ein emotionales „Still Got The Blues For You“ und dabei klingt nicht nur er, sondern viele der Interpreten sehr ähnlich wie Gary selbst. Ein Zeugnis dafür, wie groß der Einfluss des schwarz gelockten Iren war. Die Liste der phänomenalen Interpreten ist sehr lang, doch eines sei gesagt, unter den vielen Tribute Alben, die es für viele verstorbene Künstler gibt, ist dieses ein wahres Juwel!
Stark sein heißt es, wenn Garys Söhne Jack und Gus den Song „This One‘s For You“ spielen. Ein wahrer Gänsehautmoment, der jeden Fan noch einmal nachdenklich werden lässt.

Fazit

Bitte zugreifen, dieses Album wird Gary Moore in hohem Maße gerecht und würde ihm sicherlich ein Lächeln ins Gesicht und eine Träne ins Auge zaubern, denn das gesamte Album und damit meine ich jedes Stück, kommt aus tiefstem Herzen. Dabei bildet das Album eine exzellent gewählte Spannweite des gesamten Schaffens des Küsntlers ab. Kompliment und Dankeschön!

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Mit dieser Frage wird das Live-Album von THE BLUE POETS eröffnet, das mehr als eine Stunde abwechslungsreichen, leidenschaftlichen Bluesrock enthält.

Wer THE BLUE POETS   live erlebt hat, kann sicher bestätigen,  dass die emotionsgeladenen Songs direkt und in mehrfacher Hinsicht bewegen. Wobei die Performance auf der Bühne niemanden unberührt lässt, der etwas für Bluesrock übrig hat.

Sowohl die schnellen, kraftvollen  Stücke wie  „Too High“ als auch die zurückhaltenderen wie „Alien Angel“ zeigen eindrucksvoll, wie Blues gefühlvoll und gekonnt mit einem in den 70ern verwurzelten Rock verbunden werden kann.

Spielfreude und Leidenschaft

Das, was auf der Bühne passiert, ist direkt in dieses Album geflossen. 

Hierbei wird deutlich, was die vier ‚Poets‘ Marcus Deml (Gitarre), Gordon Grey (Gesang), Phil Steen (Bass) und Felix Dehmel (Schlagzeug) entwickelt haben.

Die zuletzt Genannten bilden eine Rhythmusabteilung, die die Songstruktur gut herausarbeitet. Damit bereiten sie den Boden, auf dem sich Gitarre und Gesang entfalten und austoben können.

Marcus Deml, der gefühlvoll und technisch auf höchstem Niveau spielt, prägt die Songs virtuos und wandlungsfähig durch seine Melodien und Riffs.

Gordon Grey’s vielseitiger Gesang, der sowohl rau als auch einschmeichelnd sein kann, setzt immer wieder besondere Akzente.

Phil Steens weiche Basslinien schaffen ein konturiertes Fundament und  Felix Dehmel groovt und shuffelt ganz wunderbar.

Die Leidenschaft aller Beteiligten für diese Art des Blues-Rock zeigt sich live und eben auch auf dem „Live Power“-Album in jedem Takt.

Magische Momente der Shows wurden eingefangen

Die ‚richtigen‘ Songs für das Album auszuwählen war sicher keine leichte Aufgabe. „Won’t You Suffer“ ist ein guter Opener. Er gibt einen Ausblick darauf, was im Folgenden zu erwarten ist: abwechslungsreiche Saitenarbeit, eine Reibeisenstimme, die auch weich werden kann und interessante rhythmische Elemente.

Das folgende „Sad, sad, sad“ ist ein Stück Blues-Gitarre mit ganz viel Rock’n Roll. Dieser Song  geht direkt in die Beine, sein Refrain ins Ohr. Mir gefällt hier besonders gut, dass die Gitarre sehr direkt und klar rüberkommt. Der Bass klingt fast wie ein Kontrabass. Dadurch klingt der Song  ursprünglich und authentisch. Wunderbar auch die Lässigkeit, mit der hier die Drums gespielt werden.

 „The Truth“ ist ein Song, bei dem Kopf und Fuß automatisch zu wippen beginnen, während man bei „With Your Eyes“, einem weiteren eher ruhigen Song, einfach dahinschmilzt.

Verbeugung vor Legenden der Bluesmusik

Mit „People get ready“ und „Oh Pretty Woman“   haben THE BLUE POETS zwei Songs adaptiert, die schon von den ganz großen Musikern wie Gary Moore und Jeff Beck interpretiert wurden. Die Versionen, die wir hier zu hören bekommen, sind keine reinen Kopien. Sie klingen vertraut und doch ganz anders.

„Song for Gary“ ist eine Reminiszens an Gary Moore.  Gleichzeitig ist er eine Verbeugung vor einem der ganz großen Bluesmusiker. Die Achtung vor dessen Musik und die Hingabe an den Blues zeigen sich im gesamten Song. Dieser wurde nur bei den Shows begeistert angenommen, sondern ist auch ein besonderer Teil des Albums.

Von langsamem Tempo zu rockigen Nummern

„Alien Angel“ ist ein langsamer Song, bei dem Marcus Deml die Gitarre jammern lässt und Gordon Grey sanft und gleichzeitig lasziv die Liebe des Lebens besingt. Da wünscht frau sich in den Arm und an die Schulter eines Mannes, um sich gemeinsam von der Musik davontragen zu lassen.

„Could have lived“ aus der Feder von Deml und Grey ist dann wieder energiegeladen, rockig. Dieser Song lässt einen nicht stillsitzen. Er ist aufgrund seiner Dynamik eine gute Vorbereitung auf  „Too High“, bei dem Bass und Drums ihre Rhythmen kraftvoll durch die vier Minuten treiben. Sie unterstreichen damit die Energie von Gitarre und Vocals.

„… and all the people cry“

Wie ich bereits in der Ankündigung dieses Albums geschrieben habe, ist „For a God“ der Song, der mich am meisten berührt. Die Live-Version lässt bei mir eine Gänsehaut entstehen. Die Musik bildet zusammen mit den Lyrics einen Anti-Kriegs-Song, der unter die Haut geht.  Deshalb verstehe ich, weshalb dieses Lied für Marcus Deml einer seiner Lieblingssongs auf diesem Album ist.

Jeder hat einen anderen Lieblingssong

Ansonsten haben die vier Blue Poets auf meine Frage hin jeweils andere Songs als ihre Lieblingssongs bezeichnet. „People get ready“ wurde dabei mehrfach genannt. Für Felix Dehmel ist es sein Lieblingsstück, weil sehr viele Emotionen und Herz dabei sind.

Gordon Grey hat nach wie vor viel Spaß mit dem temporeichen „Sad, sad, sad“.  Phil Steen hat „Could have lived“ zu seinem Favoriten erklärt.

„Goodbye“ als Ausklang

Mit dem Song „Goodbye“ verabschieden sich THE BLUE POETS mit einer Nummer, die uns in eine verrauchte Bars versetzt. Eine eingängige Melodie, ein warmer Bass, dynamische Drums. Und dazu eine Stimme, die sowohl akzentuiert als zurückhaltend sein kann. Sie transportieren das Thema Abschied so, dass die Hoffnung, eine neue Tür zu finden, auch wenn sich eine gerade geschlossen hat, erhalten bleibt.

Live-Feeling durch Live-Power

Dem Album gelingt es, die Leidenschaft, die in den Konzerten spürbar wird, zu übermitteln. Durch die Auswahl der Aufnahmen konnten tatsächlich magische Momente eingefangen werden. Insgesamt ist ein  räumlicher Klang entstanden, der den Eindruck vermittelt, als würde man in einem Club direkt vor der Bühne sitzen.

Wer keine Gelegenheit hat, THE BLUE POETS bei einem der Konzerte der kommenden Tour zu erleben, sollte sich das Album holen, die Augen schließen und genießen!

Allerdings kommt man vor den heimischen Lautsprechern nicht in den Genuss der Songankündigungen, die Marcus Deml mit Humor, Anekdoten und aktuellen Bezügen anreichert.

Tourdaten

13.04.18 │ Torgau (Kulturbastion)

14.04.18 │ Lübeck (Treibsand)

21.04.18 │ Essen (Zeche Carl)

28.04.18 │ Hamburg (Knust)

04.05.18 │ Unna (Lindenbrauerei/Atelier)

05.05.18 │ Köln (Kantine/Yardclub)

11.05.18 │ Berlin (Quasimodo)

18.05.18 │ Osnabrück (Marktplatz)

14.07.18 │ München (Andechsel Zelt/Tollwood

21.07.18 │ Balge (Rock das Ding)

08.09.18 │ Mannheim Guitar Summit

05.10.18 │ Zülpich (Live Proberaum)

06.10.18 │ NL – Ulft (DRU Cultuurfabriek)

13.10.18 │ Esslingen (Dieselstrasse)

10.11. 18 │ Baden Baden (Blues Club)

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Am 24. November 2017 wird BMG/ADA „Blues And Beyond“ von Gary Moore veröffentlichen. Hierbei handelt es sich um eine bemerkenswerte Kollektion seiner kraft- und gefühlvollen Blues-Aufnahmen. „Blues And Beyond“ wird als Doppel-CD, als 4 LP-Kollektion und als 4 CD-Box-Set erscheinen.

Was wird uns geboten?

Die Doppel-CD bietet ein Best Of von Gary Moores Blues-Studioaufnahmen im Digipack. Die 4 LP-Kollektion in einer besonderen “AxeWax”-Hülle enthält ebenso die Songs der Doppel-CD, von denen die meisten bisher noch nie auf Vinyl erschienen sind. Das Box-Set präsentiert neben den gleichen Aufnahmen der Doppel-CD noch zwei weitere CDs mit digital aufbereiteten Konzertmitschnitten (inklusive zweier bis dato unbekannter Songversionen). Dieses Konzert ist zum ersten Mal überhaupt als Aufnahme verfügbar. Zudem ist die offizielle Gary-Moore-Biografie „I Can’t Wait Until Tomorrow“ von Harry Shapiro beigefügt. Die bisher unveröffentlichte ungekürzt autorisierte Biografie gewährt einzigartige Einblicke in die Welt des Künstlers. Für Sammler sind außerdem einige Reproduktionen von seltenen Memorabilia dabei. Da wären zum Beispiel Konzerttickets, eine Einladung zum Album-Launch, ein VIP-Armband und ein “Access All Areas”-Pass zu nennen. Die Box ist eine ultimative Dokumentation von Gary Moores Blues-Karriere und ihrer Entwicklung.

Mit Thin Lizzy und Solo eine Größe

Garry Moore ist vielen durch seine Solohits wie „Parisienne Walkways“ und „Still Got the Blues“ ebenso bekannt wie durch seine Mitgliedschaft in der Band „Thin Lizzy“. Die Gitarrenlegende wendete sich ab den 1990er Jahren nur noch der Musik seines Herzens zu, nämlich dem Blues. In seiner Solokarriere veröffentlichte der irische Musiker mehr als 20 Alben. Er arbeitete mit den besten Musikern der Blues- und Rockszene zusammen, spielte mit George Harrison, Jack Bruce, Ginger Baker, Greg Lake, BB King, Albert King, Albert Collins und vielen anderen. Viele bewunderten den virtuosen Gitarristen nicht nur für sein unglaubliches Tempo, sondern auch für die Leidenschaft, das Feuer und die Authentizität seines Spiels.

“Blues And Beyond” – Titellisten

(2CD Set und 4LP Vinyl-Set haben identische Songs)

CD1

1. Enough Of The Blues
2. Tell Me Woman
3. Stormy Monday
4. That’s Why I Play The Blues
5. Power Of The Blues
6. Ball And Chain
7. Looking Back
8. Surrender
9. Cold Black Night
10. There’s A Hole
11. Getaway Blues
12. We Want Love
13. Memory Pain
14. The Prophet

CD2

1. You Upset Me Baby
2. Bring My Baby Back
3. I Can’t Quit You Baby
4. World Of Confusion
5. Picture Of The Moon
6. Can’t Find My Baby
7. Drowning In Tears
8. Evil
9. My Baby (She’s So Good To Me)
10. Ain’t Got You
11. Just Can’t Let You Go
12. How Many Lies
13. Torn Inside
14. Parisienne Walkways (Live)

CD3 (box set only)

Blues And Beyond Live: (previously unreleased)

1. Walking By Myself
2. Oh Pretty Woman
3. Need Your Love So Bad
4. Since I Met You Baby
5. Surrender
6. Cold Black Night
7. All Your Love
8. Still Got The Blues

CD4 (box set only)

Blues And Beyond Live: (previously unreleased)

1. Too Tired
2. The Sky Is Crying
3. Further On Up The Road
4. Fire
5. The Blues Is Alright
6. Enough Of The Blues (Alternative)
7. The Prophet

Unter folgendem Link könnt ihr die Box bei Amazon bestellen:

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Die „Three Kings Tour“ im Jahr 2015 erstreckte sich über insgesamt 14 Amphitheater in den USA. Dabei ehrte Bonamassa seine Idole mit einer zweistündigen Show und spielte 21 ihrer schönsten Bluessongs.  Das Tourfinale in Los Angeles wurde aufgezeichnet und ist als Doppel-CD, Doppel-DVD und 3-LP-Deluxe-Edition erhältlich. Außerdem enthält es ein Collectors-Edition-Booklet sowie diverses Bonusmaterial und Making-Of-Szenen.

Bonamassa und seine Gitarren

Auf der vorliegenden Doppel-CD/DVD spielt Joe Bonamassa vier Gibson ES-Modelle, eine Gibson Les Paul, eine Gibson Flying V, eine neue Gibson Firebird, eine Fender Strat und eine 1972er Dan Erlewine Custom Flying V namens „Lucy“. Letztere gehörte ursprünglich Freddie King und befindet sich nun in der Sammlung von Schauspieler Steven Seagall.

„See See Baby“ eröffnet das Konzert. Ein Freddie King-Titel, bei dem Bonamassa sich am Original orientiert, es jedoch in seiner ihm eigenen Art spielt. Freddie King ist auch der Originalinterpret der Tracks „Some Other Day, Some Other Time“, „Lonesome Whistle Blues“, „Sittin‘ On The Boat Dock“, „You’ve Got To Love Her With A Feeling“ und „Going Down“. Bonamassa spielt sich durch die Bluesleitern, als wenn es nichts anderes gäbe. Nicht zu unrecht gehört er zu den angesagtesten Bluesmusikern der heutigen Zeit, ob man ihn und seine Technik nun mag oder nicht.

Vorzügliche Begleitband

Mit an Bord befinden sich seine langjährigen Mitstreiter, welche ihn schon oft begleitet haben oder aktuell mit auf der Bühne stehen. Bei dem Konzert sind folgende Musiker dabei: Joe Bonamassa (Gesang und Gitarre), Michael Rhodes (Bass), Resse Wynans (Keyboards), Anton Fig (Drums), die Hornsektion mit Lee Thornburg (Trompete), Paulie Cerra (Tenor & Bariton Sax), Ron Dziubla (Tenor Sax) und als zusätzlicher Gitarrist Kirk Fletcher! Als Backgroundsängerinnen befinden sich Mahalia Barnes, Jade MacRae und Juanita Tippins mit von der Partie.

Die nächsten fünf Tracks der ersten CD gehören dann Albert King! Der Unterschied ist stilmäßig gut zu hören. Allein der Einsatz der Flying V lässt einen aufhorchen. Klanglich ganz anders als die ES335 und heutzutage nur noch bei wenigen Gitarristen zu bewundern. Auf Anhieb fallen mir da nur die Schenker Brüder und Lance Lopez ein. Ob nun „I’ll Play The Blues For You“, „I Get Evil“, „Breaking Up Somebody’s Home“, „Angel Of Mercy“ und „Cadillac Assembly Line“.

Welcher „King“ passt am besten?

Auf der zweiten Scheibe kommen dann BB King und nochmals die beiden anderen Kings zur Ehre!

Wer kennt da nicht „Oh, Pretty Woman“, welcher noch vorzüglich von Gary Moore auf „Still Got The Blues“ interpretiert wurde. Bonamassa’s Version ist stark daran angelehnt, jedoch richtet sich das Solo mehr nach dem ursprünglichen Original! Hier kann auch Anton Fig ein kurzes Drumsolo bieten!

Bonamassa lässt seinen Musikern Freiraum und fast jeder kann einen oder mehrere längere Soloparts für sich beanspruchen.

Weitere Höhepunkte sind noch einige vorhanden. „Hummingbird“, „Hide Away“, „Born Under A Bad Sign“ und „The Thrill Is Gone“ sprechen für sich. Persönlich halte ich dieses Album für das beste Bonamassa Livealbum in diesem Jahr, falls nicht noch eines erscheinen sollte.

Fazit: Absolut empfehlenswert!

Black Country, Blues und Rockröhren

Nun, Joe Bonamassa befindet sich aktuell mit Glenn Hughes in der sogenannten Jam-/Schreibphase für neues Material der Band „Black Country Communion“. Das Endergebnis in Form eines neuen Longplayers ist für Mai 2017 angesetzt! Zudem ist eine erneute Zusammenarbeit mit Beth Hart in Planung und natürlich wird der Bluesmusiker Joe Bonamassa auch in dem Gebiet tätig werden.

Tracklisting:

01. See See Baby
02. Some Other Day, Some Other Time
03. Lonesome Whistle Blues
04. Sittin’ On The Boat Dock
05. You’ve Got To Love Her With A Feeling
06. Going Down
07. I’ll Play The Blues For You
08. I Get Evil
09. Breaking Up Somebody’s Home
10. Angel Of Mercy
11. Cadillac Assembly Line
12. Oh, Pretty Woman
13. Let The Good Times Roll
14. Never Make Your Move Too Soon
15. Ole Time Religion
16. Nobody Loves Me But My Mother
17. Boogie Woogie Woman
18. Hummingbird
19. Hide Away
20. Born Under A Bad Sign
21. The Thrill Is Gone
22. Riding With The Kings

Tourdaten:

05.05.2017 Stuttgart (Porsche-Arena)
06.05.2017 Münster (MCC Halle Münsterland)
08.05.2017 Baden-Baden (Festspielhaus)
10.05.2017 Hamburg (Barclaycard Arena)
12.05.2017 Düsseldorf (Mitsubishi Electric Halle)
13.05.2017 Bremerhaven (Stadthalle)
14.05.2017 Hannover (Swiss Life Hall)
16.05.2017 Freiburg (Rothaus Arena)
17.05.2017 Ravensburg (OberschwabenHalle)
19.05.2017 Leipzig (Arena Leipzig)
20.05.2017 München (Olympiahalle)

Hier noch diverse Trailer und Videos:

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Ben Poole zählt zu den jungen Musikern, die irgendwann in ihren Anfängen stark vom Blues beeinflusst wurden. Der Funke war übergesprungen und die Musik der Altmeister sprach den enorm talentierten Ben Poole an. Als Bluesrock-Phänomen, hoch gelobt von Leuten wie Gary Moore und Jeff Beck, trug Ben Poole die Torch Of The Blues tapfer weiter, was sicherlich nicht immer einfach ist, denn die Sparte wartet mit kritischen und manchmal engstirnigen Fans auf, die des immer gleich klingenden über-romantisierten Blues nicht überdrüssig werden.

„Time Has Come“, ist demnach eigentlich mehr als Frage zu verstehen: „Wofür ist die Zeit gekommen?“.

Aus dem Schatten ins Licht

Werfen wir einen Blick auf die großen, jungen Talente des Bluesrock, die eine eindeutige Message haben:“ Wir respektieren und lieben den Blues, aber die Musik die wir machen, kommt aus unserer Seele, ohne Grenzen und Klischees“. Demnach reiht sich Ben ganz oben ein, mit Jonny Lang, John Mayer und Ainsley Lister.

Vielfältiges Songwriting mit geschmackvollem Ton und Spiel

Seine eigenen Kompositionen bieten eine Vielfalt, wie man sie eigentlich nur bei einem John Mayer findet. Zum Glück, ist Ben nicht ganz so verschmust und poppig unterwegs, wie der Kollege aus den USA. Aber der starke Einfluss lässt sich nicht leugnen. „Whoever Invented Love“ könnte glatt aus der Feder des Herrn Mayer stammen. Ben Poole schafft es, wie der amerikanische Ausnahmemusiker, sinnige Texte in poppigen Riffs zu verpacken, die charttauglich, aber keineswegs Mainstream sind! Doch Vorsicht ist geboten beim vorschnellen Urteilen – auf klassische und groovende Blues-Elemente muss man auf diesem Album nicht verzichten!

Immer der richtige Ton

Mit feinem Gesang, der niemals über die Stränge schlägt und einem exakten, ausgemachten und sehr melodiösem Gitarrenspiel, führt uns Ben durch die 10 Tracks von „Time Has Come“.
Der Opener „Lying To Me“ überzeugt mit kräftigen Riffs und einem Refrain, der allerbesten Ohrwurmcharakter hat. Wenn man einen weiteren Vergleich heranziehen darf, klingt Ben Poole stellenweise nach dem deutschen Bluesrocker Dennis Eminger, der einst als Gitarrist und Sänger der Band „BDL“ die gleiche Sparte bediente.

Soul, Soul, Soul

Man höre sich gerne mal „I Think I –Love You Too Much“ an, in dieser Umsetzung kommt der Song auf sanften Pfoten dahergeschlichen und verwöhnt mit exzellenten Blues-Fills.

Keine Computer

„Time Has Come“ klingt verdammt lebendig!!! Aufgenommen in den Nottinghamshire’s Superfly Studios im späten 2015, haben Produzent Wayne Proctor und Engineer Andy Banfield im Analog-Verfahren alles eingefangen und festgehalten, was sich Ben und seine Mitmusiker aus der Seele gespielt haben. Dabei wurde keine Idee abgeschmettert, oder zurückgewiesen, egal wie verrückt sie auch geklungen haben mag.

Sich selbst gefunden

Ben Poole hat sich selbst gefunden, seine musikalische Oase, seinen eigenen Stil. „Time Has Come“ ist ein starkes Zeugins der überschall-schnellen Entwicklung eines Musikers, dem wohl alle Türen offen stehen und der das Zeug hat, es ganz weit zu bringen, da er Fans aller Lager, sei es Rock, Pop, oder gar Metal, gleichermaßen zu begeistern weiß!

Label: Manhaton Records / Soulfood

VÖ: 01.04.2016

Die metal-heads.de hatten am 18.02.2016 die wunderbare Gelegenheit, den britischen Blues-Rock-Künstler Ben Poole zu einem Interview zu treffen.
Ben war bestens aufgelegt und erzählte über seine Liebe zur Musik, sein ganz persönliches Jimi Hendrix Tattoo, seine Guitarheroes und darüber, wie aus einem Jungen aus Brighton UK ein fantastischer Songwriter und Bluesman werden konnte.

In der wunderschönen Location (Zentrum Altenberg, Oberhausen) konnten die metal-heads.de in schöner Atmosphäre die Kameras laufen lassen. Schaut selbst rein:

Wer den Konzertbericht lesen und viele schöne Fotos schauen möchte, ist hier auf metal-heads.de goldrichtig!