Wir hören erstmalig durchs Airbourne-Album

Den großartigen Opener des neuen Albums mit dem Titel „Gutsy“ hatten Airbourne bereits bei Rock am Ring 2025 erstmalig live präsentiert. Der Song baut sich gigantisch zu einem echten Tanz-Monstrum-Hardrock-Song auf. Wer da beim Refrain nicht mitwippt und nicht mit seinen Füßen und Händen wackelt und dabei noch seine Mähne schüttelt, dem ist einfach nicht mehr zu helfen. Spätestens im Gitarren-Solo-Instrumental-Teil der 4:41 Minuten langen Nummer sind wir bereits gut durchgeschwitzt. Jetzt kann es so richtig losgehen.

Das Lied „Alive After Death (Last Plane Out) „

Mit dem nachfolgenden 2. Track „Alive After Death“ sowie dem finalen “Send Me To Rock’N’Roll Heaven” erinnern Airbourne an ihre großen Idole. Allen voran an Lemmy Kilmister. Aber auch an The Angels’ Doc Neeson, John Bonham, Bon Scott, Little Richard und andere. Bereits vorab ausgekoppelt wurde der Song „Alive After Death“ , der durch ein cooles Gitarren-Riff besticht. Aber eigentlich ist die Message des Songtextes noch viel wichtiger. Hört selbst rein:

Airbourne mit Single „Here She Comes“

Jetzt haben sie dich endgültig. Mit dem so einfach wie genialen Bryan-Adams-Gedächtnis-Mitgröhl-„Oho ho…“ zu Beginn des Songs „Here She Comes“ verschmilzt du endgültig mit der Musik und wirst quasi daheim vor deinen Boxen zum 5. Band-Mitglied. Was für ein Kracher und ganz klar einer unserer Favoriten auf der neuen Platte. Und hier kommt das Lied, was wir meinen, auch für euch. „Here She Comes“ sozusagen:

Der Song „Kid in a Candy Store“

Tja, und wenn man denkt, es gäbe keine Steigerung mehr, schon hauen Airbourne mit „Kid in a Candy Store“ den nächsten Über-Song raus. Aber an dieser Stelle ganz klar erwähnt:

Ihr müsst die Platte von Anfang bis Ende durchhören. Kein Gezippe durch die Songs bitte. Dafür gibt es Vinyl. Legt die A-Seite der Schallplatte auf und lasst – wie an der Biertheke – einfach laufen.

So hört man Airbourne im Jahr 2026. Bei „Kid in a Candy Store“ gibt es nach knapp 2 1/2 Minuten wenigstens mal einen kleinen Gesangs-Part zum Durchschnaufen, wenn Sänger Joel seine tiefe Stimme auspackt. Hach, wir geraten ins Schwärmen. Was macht die Platte Spaß. Hört selbst mal rein:

Ho, ho, ho – let´s Go!

Der 5. Track des Albums „Sky High“ ist eine solide Hardrock-Nummer, aber nicht ganz so fesselnd wie die bisherigen Songs. Die ersten 35 Sekunden des folgenden „Who Put The Rhythm In You? “ gehen dann fast schon als Midtempo-Ballade durch. Bei dem sonstigen Tempo, welches Airbourne hier bislang vorgelegt haben. Aber auch dieses Lied wird zum Midwipp-Ohrwurm. Ab auf die Autobahn und die Platte laut aufgedreht. So reizt man das Tempo-Limit bis zum Anschlag aus.

Es folgt ein kleines vorgezogenes Weihnachtsgeschenk mit „Christmas Bonus“ . Ich sag nur „Ho, ho, ho – let´s Go! „. An dieser Stelle wundere ich mich, dass wir erst bei Song 7 von 12 angelangt sind. Gefühlt rockt man bereits seit über einer Stunde zur Musik von Airbourne. Aber es geht noch weiter.

Immer weiter, immer weiter….

(Alle Band-Fotos sind vom Airbourne-Auftritt am 25.07.2026 beim Radio BOBfest 2026 im Sparkassenpark Mönchengladbach, die Bildrechte liegen beim Autor)

Die Airbourne-Party geht weiter

Mit den beiden Stücken „Last Man Standing“ und „Rock ´N´ Roll Ya“ folgen die kürzesten Titel der Platte. Aufgrund der intensiven Drums in der Intro zu „Last Man Standing“ sollte man hier unbedingt den Bass-Subwoofer aufdrehen. Das pfeffert. Wie auch der Rest dieses Liedes. Dann folgt das Lebensmotto der vier Jungs aus Australien: „Rock ´N´Roll Ya“ . Einfach zusammengefasst: So macht das Leben Sinn und Spaß! Dem ist nichts hinzuzufügen.

Wie wild und unberechenbar das Tour-Leben (in diesem Fall in Kolumbien) so ist, erfahren wir im nachfolgenden „Bogotá“ . Der Gesang des Titel-Worts „Bogotá “ klingt hierbei fast wie „Rock Guitar“ . Was irgendwie noch besser zu den kreischenden Gitarren klingen würde. Das Lied fällt – auch aufgrund der Tempus-Wechsel sowie der Song-Struktur überhaupt – für uns ein wenig heraus aus den sonst so eingängigen Hardrock-Nummern der „Marke“ Airbourne. Aber keine Angst.

Denn mit „Hells Got No Vacancy“ gibt es danach direkt wieder einen voll auf die 10. Zur Ruhe kommt man wirklich erst, wenn die Plattennadel sich vom Vinyl erhebt. Solange geht die Airbourne-Party weiter. Den Schluss-Akkord erhalten wir mit dem finalen „Send Me To Rock ´N´ Roll Heaven“ . Mit diesem Stück verneigen sich die Hardrocker erneut textlich sehr respektvoll vor ihren viel zu früh verstorbenen Idolen.

Was bleibt?

Und auf einmal ist nach gut 45 Minuten Power-Hardrock das Feuerwerk plötzlich wie aus dem Nichts vorbei. Es kehrt ungewollte Stille ein da vor dem heimischen Plattenteller.

Was bleibt?

Das Gefühl, dass die nächste Generation von Hardrock-Superstars endgültig das Zepter übernommen haben. Nichts gegen Ikonen wie AC/DC. Aber soviel Feuer unter´m Hintern wie Airbourne haben derzeit wirklich nicht viele Live-Acts. Man merkt den neuen 12 Songs an, wieviel Liebe zum Detail steckt. Und wieviel Zeit und Mühe investiert wurde, um das Songwriting auf eine neue Ebene in der Band-Historie zu heben.

Ein Brief von Joel an Lemmy

Dies ergibt sich insbesondere aus einem Brief von Sänger Joel an sein Idol Lemmy, der dem umfangreichen Presseinfo-Material zur Platte von Sailor-Entertainment beigefügt worden war. In diesem auf den 22. April 2026 datierten Schriftstück bedankt sich der Airbourne-Sänger für die Inspiration und lobt Lemmy für seine sehr einprägsamen Sätze. Denn Lemmy hatte der Band seinerzeit dazu geraten, immer authentisch zu bleiben. Musik nicht bloß für die Musik-Industrie zu schreiben. Sondern für die eigenen Roadies. Denn wenn diejenigen, die täglich mit der Band zusammenarbeiten (und sich dieselben Sachen immer wieder anhören müssen), die Musik mögen, dann wird sie jeder da draußen lieben. Wahre Worte. Ferner enthält der Brief auch die Entstehungsgeschichte zum Album. Wir hatten hin und her überlegt, ob wir euch die in englischer Sprache verfassten Zeilen hier 1:1 in den Bericht einbauen. Letztendlich haben wir uns aber dagegen entschieden.

Die Entstehungsgeschichte zum neuen Album

Denn die Quintessenz der Entstehungsgeschichte zur neuen Platte ist: Airbourne haben auf Lemmy gehört („Mate, we did it.“ ). Und sich sechs verdammte Jahre lang Zeit gelassen fürs Songwriting. Und nur mit den Besten der Besten zusammengearbeitet. So wie mit Bryan Adams. Und nur an den außergewöhnlichsten Orten der Welt ihre Songs einstudiert: So wie in der Einöde von Australien inmitten lebensgefährlicher Tiere. Joel beschreibt Lemmy, wie sie täglich ganz vorsichtig über Schlangen steigen mussten, um ins Studio zu gelangen. Aber das Wichtigste: Nach 20 Jahren Band-Historie hat Frontmann Joel das Gefühl, dass Airbourne endlich so klingen, wie sie klingen wollen. Die Roadies lieben die neue Platte. Also alles richtig gemacht!

Das selbstbetitelte Album erscheint am 4. September 2026 via Spinefarm Records.

Hier könnt ihr das Album „Airbourne“ vorbestellen

Natürlich hat die Band auch eine Pre-Order-Link-Liste auf ihrer Homepage eingerichtet. Über diesen Link hier findet ihr diverse Möglichkeiten zum digitalen oder physischen Erwerb des neuen Albums.

Unser abschließendes Fazit

Wer auf handgemachten, schweißtreibenden, ehrlichen und authentischen Hard-Rock mit viel Liebe zum Songwriting, auf ausgefeilte Hooks, melodische Riffs sowie mehrstimmige Ohrwurm-Refrains steht und zugleich die Liebe zur Musik wirklich spüren will, liegt mit dem Kauf dieser Platte goldrichtig! Aus der metal-heads-Redaktion gibt es deshalb auch 10 von 10 Punkten für „Airbourne“ von Airbourne! Mehr geht ja leider nicht…

Weitere Infos zur „spätestens ab dem Jahr 2026 gefährlichsten Band dieses Planeten“ (O-Ton von James Young, Besitzer der Melbourne´s Cherry Bar) findet ihr auch auf der Airbourne-Homepage (klick).

Tragischer Verlust der Metal-Welt

Es ist ziemlich genau 2 Monate her, seit die Welt der lauten und harten Musik mit Phil Campbell einen ihrer einflussreichsten Gitarristen verloren hat. Seit den 80ern hat sein roher Sound Rock-, Metal- und Punkmusiker inspiriert und Fans in ihren Bann gezogen. Doch seine legendären Riffs, ebenso wie Lemmys unverwechselbare Reibeisenstimme, bleiben uns erhalten und halten den Rock’n’Roll-Spirit von Motörhead für die Ewigkeit am Leben.

20 Jahre „KISS OF DEATH“

20 Jahre ist es mittlerweile her, dass Motörhead’s „KISS OF DEATH“ erschienen ist. Ursprünglich 2006 veröffentlicht, ist „Kiss of Death“ eine gnadenlose Erinnerung an Motörheads kompromisslosen, schnörkellosen Geist und zugleich eine treffende Verbeugung vor dem legendären Status, den sie sich als eine der größten Hardrock-Bands aller Zeiten erarbeitet haben.

Getragen von Lemmys unverwechselbarem rauem Gesang, angetrieben von Phil Campbells furios glühender Gitarrenarbeit und Mikkey Dees messerscharf präzisem Schlagzeug, knüpft „Kiss of Death“, das 18. Studioalbum der Band, nahtlos an „Inferno“ (2004) an. Motörhead zeigen sich hier ganz in ihrem Element: laut, schnell und kompromisslos. Mit einem noch stärkeren Fokus auf die härtere Klangkante präsentiert das Album zudem Gastauftritte von Mike Inez (Alice in Chains) und C.C. DeVille (Poison) und überzeugt mit Highlights wie „Sucker“, „Trigger“ sowie dem Fanliebling „God Was Never On Your Side“.

Jubläumsausgabe

Zum 20-jährigen Jubiläum erscheint das Album in einer neu aufgelegten Edition, die auf Basis der Originalbänder im Half-Speed-Verfahren remastert wurde. Ergänzt wird sie durch neue Linernotes von Classic Rock-Autor Dave Ling, der darin auch das Vermächtnis des legendären Phil Campbell würdigt. Zusätzlich enthält die Veröffentlichung eine exklusive Bonus-Live-LP mit dem Mitschnitt des Lowlands-Festival-Auftritts von 2007 in Biddinghuizen (Niederlande), der somit erstmals auf Vinyl erhältlich sein wird. Die CD-Version wird zudem um drei weitere Bonustracks ergänzt.

Begleitend zur Veröffentlichung erscheint zudem ein brandneues offizielles Lyric-Video zu „God Was Never On Your Side“, umgesetzt von Andy Pilkington. Ergänzt wird dies durch einen ersten Vorgeschmack auf „Killed by Death“ vom Lowlands-Auftritt .

Das komplette Tracklisting sowie aktuelle News findet ihr HIER!

Die international tourende Ausstellung mit skandinavischen Wurzeln widmet sich einem ebenso kuriosen wie unterhaltsamen Phänomen: Fossilien, die nach Rock- und Metal-Ikonen benannt wurden. Dahinter steckt mehr als nur ein Gag – denn in der wissenschaftlichen Praxis haben Entdecker tatsächlich das Recht, neue Arten zu benennen. Und einige nutzen das, um ihren musikalischen Helden ein Denkmal zu setzen.

So begegnen Besucher unter anderem dem nach Lemmy Kilmister benannten Borstenwurm Kalloprion kilmisteri oder einem kleinen Raubsaurier, der indirekt auf Dave Grohl verweist. Die Ausstellung verbindet diese wissenschaftlichen Hintergründe mit einer klaren Rock-Ästhetik: überlebensgroße Modelle, Soundelemente und zahlreiche Anekdoten sorgen für ein Erlebnis, das weit über klassische Museumsdidaktik hinausgeht.

Laufzeit ist vom 20. März bis 20. September 2026. Ein besonderes Schmankerl für die Szene: Wer mit Kutte erscheint, erhält freien Eintritt. Ergänzt wird die Ausstellung durch ein Rahmenprogramm mit Konzerten und Vorträgen.

Damit wird Coburg für ein halbes Jahr zu einem eher ungewöhnlichen, aber durchaus passenden Schnittpunkt von Wissenschaft und Subkultur – und zeigt einmal mehr, wie tief Metal längst in unterschiedlichsten gesellschaftlichen Bereichen verankert ist.

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Peavy und sein Leben vor und neben Rage

Die Biographie beginnt in einem Hotelzimmer 1996 in Buenos Aires und draußen warten Polizisten mit Maschinengewehren. Im Visier nicht irgendwer, sondern Rage… Heil herausgekommen sind sie. Denn 23 Jahre später sind Rage zusammen mit dem Lingua Mortis Orchester Headliner beim 30. Wacken Open Air. Sprung zurück in den Winter 1979 in Herne. Dark Lights, Peavys erste Band kommt überraschend zu ihrem ersten Auftritt. 5 Songs und als Bezahlung gab es Freibier. Das es überhaupt dahin kam, gleicht einem kleinen Wunder. Denn seine Kindheit war nicht gerade einfach und schwere Krankheiten bestimmten seine ersten Lebensjahre. Das Ruhrgebiet war damals nun nicht wirklich bekannt für gesunde Umweltbedingungen.

Der Knochenmann… Peavys Faszination für Knochen ist weithin bekannt. Geerbt hat er sie wohl von seinem Vater, einem Lehrer für Biologie und Chemie. Neu für mich war allerdings, dass er schon im Grundschulalter mit dem fachgerechten Präparieren begann. Ein entsprechendes Fachbuch über die korrekten Techniken lag sogar einmal unter dem Weihnachtsbaum und so begann Peavy später auch eine Ausbildung als Präparator und ist bis heute in dem Bereich (auch Abgüsse und Rekonstruktion) tätig. Unter anderem war eines seiner werke auch in Terra X zu sehen. Seine Chefin Ute Ledebur spielte übrigens gleich zweimal eine sehr wichtige Rolle.

Rage, Avenger und die frühen Jahre

Als aus Avenger schon Rage geworden war, stand 1986 das Angebot einer großen Europatour mit Destruction und Kreator im Raum. Was tun? Peavy war noch in der Ausbildung und so fragte er seine Chefin Ute um Rat un d sie ermunterte ihn dem Traum zu folgen und zu kündigen. Vielen Dank Ute! Wer weiß was wir alles hätten missen müssen ohne diese Unterstützung. Zu der Zeit waren Rage schon bei Noise unter Vertrag und nach der Tour und ersten Wechseln in der Band folgte das zweite Album „Execution Guaranteed“ und danach brach alles auseinander. Peavy stand mit dem Namen Rage auf einmal alleine da. Festhalten möchte ich aber, dass er mit den Jungs aus den ersten Tagen heute immer noch befreundet ist. Aber wie dem auch sei, der erste große Umbruch in der Historie von Rage war da. Erwähnen möchte ich aber noch Ralf Hubert, dem Produzent der ersten beiden Alben. Er hatte einen großen Einfluss auf das Songwriting und brachte Peavy auch mit neuer Musik in Berührung.

Peavy, Manni und Christos „Efthi“ – das klassische Line-Up

Peavy saß mit den Trümmern seiner Karriere vor dem Stennert (dazu später noch mehr) als Efthi, sein alter Grundschulkumpel vorfuhr um sich sein Exemplar von „Execution Guaranteed“ signieren zu lassen. Das nennt man wohl Schicksal und markierte gleichzeitig den Start des klassischen Rage Line-Ups dann zusammen mit Manni Schmidt. Stellvertretend möchte ich nur Alben wie „Trapped!“ und „The Missing Link“ nennen um die Bedeutung dieser Konstellation für die Bandgeschichte und die Metal Szene insgesamt zu unterstreichen. Auch entstand damals der Soundchaser als Bandmaskottchen und Rage eroberten auch Japan, wo sie bis heute eine große Rolle spielen. Und die Zeit dort auch immer wieder sehr genießen (Stichwort Nagoya Chicken Wings Challenge).

Nicht jede Besetzung war harmonisch

Natürlich wird jede Besetzung in der langen Geschichte gewürdigt und nicht jede endete harmonisch. Aber auch jede hatte ihre Highlights. Die ganzen Lingua Mortis Sachen mit der Rage Wegbereiter für folgende Kollaborationen von Metal Bands mit klassischen Orchestern waren. Auch wenn Rage es in meinen Augen und Ohren am Besten hinbekommen haben. Aber auch viele Auftritte bei Stefan Raab und das ikonische „Straight To Hell“ welches Bully Herbig im „Schuh des Manitu“ verwendete. Die Zeit mit Victor Smolski hatte einige musikalische Highlights. Aber als jemand der alle Line-Ups seit Ende de 80er live erlebt hat, kann ich sagen, dass das jetzige und das klassische Trio mit Peavy, Manni und Efthi als Gemeinschaft am besten harmonieren. Das ist auch etwas das im Buch deutlich wird. Das Menschliche und der freundliche Umgang miteinander sind etwas das sich wie ein roter Leitfaden durch Peavys Leben ziehen. Daher hat es mich persönlich auch sehr gefreut das er wieder mit Manni und Efthi unter dem Banner Refuge zusammen Musik macht.

Rage, Motörhead, Saxon, Deep Purple und Manowar

In vierzig Jahren Rage gab es unzählige Touren, Begegnungen und Anekdoten und ich möchte hier nur ein paar wenige streifen. Respekt mussten sich Rage in jungen Jahren als Support von Saxon und Motörhead erst verdienen. Sie haben es geschafft und was Peavy darüber zu berichten weiß ist mehr als lesenswert, speziell über Lemmy der wirklich eine einzigartige Persönlichkeit war. Ein paar der berichtenden Zahlen sind wirklich beeindruckend oder erschreckend, je nach Sichtweise. Und die Bühne mit Deep Purple, den Heroen aus der Jugend zu teilen, gelingt auch nicht vielen. Auch die eingangs erwähnte Erfahrung mit bewaffneten Polizisten gehört zu den Erfahrungen die das Tourleben mit sich bringt. Auch Busunfälle und Todefälle in Russland oder die unschöne Begegnung mit Manowar und deren Crew und gestohlenem Equipment. Und noch so viel mehr, aber das lest ihr besser selbst.

Stennert Musiker-Treff e.V.

Mir war nicht bewusst welch wichtige Rolle das Stennert in der Historie von Rage spielen und alleine dafür lohnt sich „Soundchaser – Lebenslänglich Heavy Metal. Mein Leben mit Rage“ schon. 1982 mitgestaltet von Peavy persönlich, probten Rage bis Ende der 2000er Jahre und unter dem Namen Tres Hombres nahm Refuge erste Formen an. Und auch über vierzig Jahre später existiert das Stennert immer noch und ist wichtiger Teil der Szene. Da kann ich nur sagen, Wow! Hier zeigt sich wie toll die Metal Szene sein kann und ebenso wie sich handelnden Personen über all die Jahrzehnte immer wieder begegnen. Und so ist Peavys Biographie nicht nur eine über sein Leben und seine Bands, sondern entwirft gleichzeitig ein lebendiges und farbenfrohes Bild der deutschen Metalszene von ihren Anfängen bis heute. Ich habe alles in einem Rutsch durchgelesen und einige Passagen später noch einmal aufgesucht. Die vielen Bilder und Fotos haben selige Erinnerungen geweckt und die Schilderung der Entstehungsgeschichte der Alben (und die umfangreiche Diskographie am Ende) haben mich bewogen viele alte Sachen noch einmal aufzulegen und neu zu entdecken.

Ein wahnsinnig toll und warmherzig geschriebenes Buch über einen der sympathischsten Musiker die ich kennenlernen durfte und ein Muss für jeden Rage Fan. Aber ebenso ein Must Have für jeden der sich für Heavy Metal im Allgemeinen und die deutsche (mit Schwerpunkt auf den Ruhrpott) Metal Szene im Besonderen interessiert. Ordern könnt ihr das Werk hier bei SPV oder direkt bei LuckyBob. Ob für euch selbst oder als Geschenk… Passen tut es auf jeden Fall. In dem Sinne: Rage On!

Links und mehr

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In einer Zeit, in der Metal-Ausstellungen allgegenwärtig sind, hebt sich diese besonders hervor. Die Ausstellung beeindruckt nicht nur durch ihre Größe, sondern auch durch die gute Barrierefreiheit. Ausstellungstexte werden auf kleinen Bildschirmen in Gebärdensprache angezeigt, und einige einzigartige Ausstellungsstücke sind als Replik zum Anfassen bereitgestellt und mit Braille-Schrift für Menschen mit Sehbehinderungen erklärt.

Museumsshop mit integriertem Plattenladen

Ein weiteres Highlight ist der gigantische Museumsshop, der unter anderem einen kompletten Plattenladen beinhaltet. Hier findet man nicht nur einen sehr umfassenden und bildreichen Ausstellungskatalog, sondern auch einen eigenen Doppel-LP-Sampler zur Ausstellung. Die Auswahl an Metal-Literatur, Merch vom Hellfest und witzigen Metal-Spaßprodukten ist beeindruckend. Schade ist lediglich, dass der Katalog – wie auch die Ausstellung an sich! – fast ausschließlich in französischer Sprache verfasst sind. Dennoch bieten die vielen Bilder eine universelle Sprache, die auch ohne Text wirkt.

Ein besonders faszinierender Aspekt der Ausstellung ist die Auseinandersetzung mit dem Einfluss des Metals auf andere Kunstformen. Werke von H. R. Giger werden präsentiert, um die gegenseitigen Beeinflussungen zwischen Metal und zeitgenössischer Kunst zu zeigen. Auch Gemälde aus der Kunstgeschichte, die in Plattencovern ihren Widerhall finden, sind Teil der Präsentation.

Französische Metal-Szene im Fokus

Ein gesonderter Raum widmet sich der französischen Metalszene. Hierdurch wird der Auftritt der Band GOJIRA bei den Olympischen Spielen besonders hervorgehoben. Ein Pult mit einer Vielzahl von Hörproben französischer Bands lädt die Besucher ein, in die Vielfalt der Szene einzutauchen.

Besonders imposant ist eine Art Kirchenarchitektur in der Mitte der Ausstellung. Hier werden in Altären und Seitenaltären die bekanntesten Subgenres gewürdigt, wobei verstorbenen Größen – wie beispielsweise Cliff Burton im Falle von Thrash und Speed Metal – gedacht wird. Burtons Aria-Bass ist ebenso ausgestellt wie das Telex der Plattenfirma, das 1986 nach seinem tragischen Unfall im Tourbus die Welt über den schrecklichen Vorfall informierte. Auch von Lemmy Kilmister von MOTÖRHEAD und zahlreichen weiteren lebenden und verstorbenen Musikern sind Instrumente und Bühnenoutfits zu sehen.

Grundsätzlich kritisch, aber manche umstrittenen Bands bleiben unkommentiert

Die Ausstellung bietet eine umfassende Darstellung der Heavy-Metal-Musik und geht dabei über die bloße Feier des Genres hinaus. Kritische Themen werden nicht ausgespart: Bei der Betrachtung von Black Metal werden die Kirchenbrände und Gewalttaten, die in den 1990er Jahren in Skandinavien stattfanden, thematisiert. Auch die Vereinnahmung durch Rechtsradikale wird angesprochen.

Dennoch finden sich einige umstrittene Bands in der Ausstellung, ohne dass eine kritische Kommentierung erfolgt: BURZUM, die Band des rechtsradikalen Varg Vikernes, wird mit mehreren Platten ausgestellt, obwohl Vikernes aufgrund seiner extremen Ideologie und Taten in der Metal-Szene stark umstritten ist. Gleiches gilt für DISSECTION, deren Frontmann Jon Nödtveidt für einen homophob und rassistisch motivierten Mord zu zehn Jahren Haft verurteilt wurde. Und WATAIN werden mit großen Fotos sogar richtig prominent dargestellt, deren Mitglieder in der Vergangenheit durch das Zeigen des Hitlergrußes sowie das Tragen von NSBM-Bandshirts negativ aufgefallen sind. Solche Bands kann man nicht ausstellen, ohne sie in den Kontext ihrer Ideologien und Taten zu stellen. Eine kritische, differenzierte Auseinandersetzung mit den dazugehörigen Diskursen wäre absolut notwendig gewesen.

Fazit

Die Ausstellung „Metal – Diabolus in Musica“ in der „Philharmonie de Paris“ ist eine tiefgründige und eindrucksvolle Reise durch die Welt des Heavy Metal. Wer die Möglichkeit hat, sollte sich diese einmalige Gelegenheit nicht entgehen lassen. Der Endspurt hat begonnen – auf nach Paris!

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Bei der Eröffnung der Ausstellung am vergangenen Freitag stand Christoph Heuer persönlich bereit und signierte seine Bücher und Kunstdrucke. Diese konnten während der Veranstaltung erworben werden. Und diese signierten Werke sind nicht nur ein wertvolles Andenken, sondern auch eine Möglichkeit, ein Stück Metal-Kunstgeschichte für die eigenen vier Wände zu sichern. Christoph Heuer signierte die Bücher nicht nur, sondern zeichnete in jedes Exemplar ein kleines Original. Das macht diese handsignierten Bücher zu wertvollen Unikaten!

Im Interview erzählt Christoph Heuer viele Anekdoten über berühmte Metaller

Ein weiteres Highlight der Eröffnung war das von uns von metal-heads.de als offizieller Medienpartner eingefädelte Interview mit Christoph Heuer, moderiert von Matthias Johannes Bauer, auch bekannt als der „Festivalprofessor“, von der IST-Hochschule für Management in Düsseldorf. Bauer, der auch ein Vorwort für Heuers Buch verfasst hat, führte ein fesselndes Gespräch mit dem Künstler, das voller Anekdoten über berühmte Metal-Musiker war, über die er bereits im Interview mit metal-heads.de erzählte. Heuer enthüllte Geschichten über seine Begegnungen mit Musiklegenden wie Lemmy Kilmister von Motörhead, dem Metallica-Bassist Cliff Burton und Billy Gibbons von ZZ Top. Besonders bemerkenswert war die Geschichte, wie Gibbons ihm kurzerhand das Skizzenbuch aus der Hand riss und selbst eine Zeichnung von Christoph Heuer darin hinterließ. Übrigens war sogar eine der gezeichneten Bands bei der Veranstaltung persönlich vertreten: Frank von Saltatio Mortis wurde vom Publikum gebührend begrüßt!

Neben den inspirierenden Gesprächen bot die Eröffnung auch musikalische Unterhaltung. Der Duisburger Liedermacher Kaneshka Musleh begeisterte das Publikum mit seinen akustischen Interpretationen bekannter Metal-Hits. Mit Stücken wie „Welcome Home (Sanatarium)“ von Metallica, „(We are) The Road Crew“ von Motörhead und „A tout le monde“ von Megadeth erzeugte er eine einzigartige Atmosphäre, die die Liebe zur Musik und zur Kunst vereinte. Als laut eingeforderte Zugabe präsentierte er „Aces High“ von Iron Maiden, was das Publikum zu begeistertem Applaus veranlasste.

Die Ausstellung „Sketching Metal“ von Christoph Heuer im Café EDEL verspricht ein Erlebnis für alle Sinne und ist ein Muss für jeden Kunst- und Metal-Liebhaber. Sie läuft noch bis 11. April zu den regulären Öffnungszeiten.

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Unter dem Titel „Sketching Metal“ zeigt Christoph Heuer in seinem Buch 60 beeindruckende Abbildungen auf 128 Seiten. Die Softcover-Ausgabe, im handlichen Format von 18 x 11,5 cm, ist zum Preis von 19,99 Euro erhältlich. Verlegt wird das Buch von der Edition Fichter. Es erscheint am 22. März 2024 und wird pünktlich zu diesem Termin im Café EDEL mit einer Veranstaltung vorgestellt. Dort sind dann sowohl das Buch als auch handsignierte Kunstdrucke der Zeichnungen zu erwerben.

Sketching Metal: Christoph Heuer zeichnete Bands von Sepultura über Hatebreed bis Saltatio Mortis

Heuer, geboren 1962 in Essen, begann seine künstlerische Laufbahn als Bauzeichner, studierte Bauingenieurwesen und wechselte dann erfolgreich zum Kommunikationsdesign an der Folkwang Universität der Künste. Heute ist er nicht nur als Künstler, sondern auch als Designer und Produzent von Musikvideos tätig.

Seine Leidenschaft für die Verbindung von Kunst und Heavy Metal zeigt sich nicht nur in seinen Werken, sondern auch in seiner Biografie. Schon in den 1980er Jahren arbeitete er als Reporter für das Heavy Metal-Magazin „Desaster“ und knüpfte dabei Kontakte zu Größen wie Lemmy Kilmister von Motörhead. Gesundheitliche Probleme zwangen ihn 1985 vorübergehend zu einer Pause, doch seit 1991 ist er wieder aktiv – vor allem als Zeichner bei Musikveranstaltungen.

„Sketching Metal“ bietet einen einzigartigen Einblick in Heuers Werk, darunter Zeichnungen von Bands wie Sepultura, The Haunted, Hatebreed, Saltatio Mortis, Flotsam and Jetsam, Devildriver, Prong und Billy Gibbons von ZZ Top. Beeindruckende Festivalmomente, vom Rage Against Racism in Duisburg bis zum legendären Wacken Open Air, runden die Sammlung ab.

Christoph Heuer erzählt im Interview einige Anekdoten rund um die Zeichnungen in „Sketching Metal“

Die Buchpräsentation im Café EDEL am 22. März 2024 verspricht nicht nur einen Einblick in Heuers künstlerische Arbeit, sondern auch die Möglichkeit, den Künstler persönlich zu treffen. Ein Interview mit Christoph Heuer führt der „Festivalprofessor“ Matthias Johannes Bauer, der in Duisburg lebt und an der IST-Hochschule für Management in Düsseldorf lehrt. Dieses Gespräch gewährt interessante Einblicke in Heuers Inspirationen, die Entwicklung seiner Technik und die spannenden Begegnungen mit den Größen der Metalszene.

Darüber hinaus wird die Veranstaltung durch einen musikalischen Beitrag von Kaneshka Musleh, einem Songwriter und Metalhead aus Duisburg, bereichert. Musleh wird Reminiszenzen an große Metal-Hits präsentieren. Der Musiker ist unter anderem bekannt durch den Song „Glaub‘ an mich“, den er im Jahr 2005 für Peter Maffay komponierte. Er war Tourbassist von Rotting Christ durch Europa im Jahr 1996 und arbeitete auch mit großen Künstlern aus Afghanistan zusammen.

Die Veranstaltung beginnt um 18 Uhr und bietet die Gelegenheit, das Buch zu erwerben und vom Künstler signieren zu lassen. Der Eintritt ist frei, und Musik- und Kunstliebhaber sind herzlich eingeladen, an diesem einzigartigen Event teilzunehmen.

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Im Jahr 1993 entschied sich Christoph Heuer dafür, sein Studienfach zu wechseln. Und er begann ein Studium im Bereich Kommunikationsdesign an der heutigen Folkwang Universität der Künste. Dort konnte er seine kreativen Fähigkeiten weiterentwickeln. Und seine Leidenschaft für die bildende Kunst vertiefen. Seine Diplomarbeit mit dem Titel „Kindergeschichten – eine nonlineare Novelle“ wurde im Jahr 2002 mehrfach ausgezeichnet und zeigte bereits sein außergewöhnliches Talent. Im Jahr 2007 veröffentlichte Christoph Heuer im renommierten Carlsen Verlag seine Graphic Novel „Der Erste Frühling“, die auf einem Roman von Klaus Kordon basiert.

Ein weiterer Höhepunkt in seiner Karriere war im Jahr 2015 die Auszeichnung seines Videos „Willy Dear“ als Country Musik Video des Jahres bei den Cincinnati Entertainment Awards. Das Video basierte auf einem Lied der amerikanischen Band The Tillers und zeigte Christoph Heuers Fähigkeit, seine künstlerische Expertise auf unterschiedlichen Gebieten zu entfalten.

Christoph Heuer: Freischaffender Illustrator, Designer und Musikvideoproduzent

Heute arbeitet Christoph Heuer als freischaffender Illustrator, Designer und Musikvideoproduzent. Seine kreative Bandbreite ermöglicht es ihm, verschiedene Projekte mit seinem einzigartigen Stil zu gestalten. Sein breites Spektrum an Fähigkeiten und Erfahrungen macht ihn zu einem gefragten Künstler, der sowohl im Bereich der visuellen Kommunikation als auch in der Musikbranche erfolgreich tätig ist. Beispielsweise, wenn er auf Festivals die Bands zeichnet. Wie auf dem Rage Against Racism Festival in Duisburg…

MH: Während andere einfach mit dem Handy draufhalten, zeichnest Du die Bands. Wie kam es dazu, dass Du auf Konzerten solche Kunstwerke schaffst und wie lange machst Du das schon? Ist Metal Deine Musik?

CH: Als ich zum ersten Mal eine Band bewusst live gezeichnet habe, gab es noch keine Handys und schon damals hätte ich eine „Profi-Kamera“ kaum an der Security vorbeibekommen. Das war gegen Ende der 1980er Jahre bei einem Konzert der „Godfathers“ im Tor 3 in Düsseldorf.

CH: Von 1983 an habe ich für ein Heavy Metal Magazin namens Desaster viele Konzertberichte geschrieben und unzählige Fotos gemacht. Einer der beiden Gründer der Zeitung war Stagemanager bei einer Konzertfirma und der heuerte mich für viele Gigs als Stagehand an. Leider nahm das ein Ende, nachdem zum einen das Desaster eingestellt wurde und ich mich zum anderen einer Herzoperation unterziehen musste, die im Nachgang mein altes Leben beendete.

Lemmy von Motörhead: Berührt von den Zeichnungen

CH: Eine Zeit lang versuchte ich wieder reinzukommen, aber schaffte es nicht. Ich verabschiedete mich damals eigentlich komplett aus der Musikszene. Wenn ich zu Konzerten ging, dann fehlte mir das ganze drumherum und irgendwann sagte mir ein befreundeter Modedesigner: wenn du nicht headbangen, tanzen (das Wort Moshen war auch noch nicht erfunden), oder dort arbeiten kannst, dann zeichne doch einfach. Die einzige Band, zu der ich noch Kontakt nach der aktiven Zeit hatte, waren Motörhead. Nachdem ich sie mir auf der 1916-Tour angesehen hatte, sah Lemmy meine Zeichnungen. Er fand eine ganz besonders gelungen und ich schenkte sie ihm… das hat ihn damals sehr gerührt.

Metal ist für Christoph Heuer DIE Live-Musik schlechthin

CH: Metal ist für mich DIE Live-Musik schlechthin. Aber nicht alleine meine Musik. Mit Glam Rock bin ich aufgewachsen, konnte aber außer Suzi Quatro keine der Bands in ihrer großen Zeit live sehen. Punk ist eine weitere Musik, die ich sehr und vor allem live mag. Jenseits davon habe ich jahrelang Folkpunk als Sänger gemacht. Eigentlich eher Folk-Metal, aber damals nannte man das nicht so.

MH: Du hast auf dem Rage Against Racism Festival einige der Bands in einem Wahnsinnstempo gezeichnet. Klar, Du bist ein Profi. Welche Rahmenbedingungen benötigst Du für Deine Kreativität auf so einem Open Air?

CH: Die Musik und die Stimmung müssen stimmen. Beim Rage Against Racism ist das IMMER der Fall. Es geht locker und entspannt zu und auf der Bühne können die Musiker ihre Power voll rüberbringen. Ach ja, je lauter desto besser! … und wenn genug Platz da ist, dann geht es auch schonmal in Farbe …

Christoph Heuer: Zeichnen ist „meine Art zu Moshen“

MH: Machst Du solche Zeichnungen nur für Dich oder gab es auch schon Auftragsarbeiten im Metal-Bereich? Gab es vielleicht sogar schon mal Resonanzen von den Bands?

CH: Wenn ich bei einem Konzert zeichne, dann tu ich das nur für mich. Es ist meine Art zu Moshen und zu pogen. Es gibt viel Resonanz von den Bands, weil die sich auf eine Art gewürdigt fühlen, die für sie nahe an ihrer eigenen Kreativität liegt. Kirk Windstein hat einige Bilder, die ich bei Crowbar Shows gezeichnet habe, bei sich zu Hause aufgehängt. Ich mache viel im Bereich Musik. Meistens Plattencover und Poster, aber auch Musikvideos. Viel für Alt-Country Bands, aber auch eins für Rummelsnuff. Für Head Cat habe ich viel gemacht. Ich hatte Danny B. Harvey bei einem Konzert in der Essener Freak Show kennengelernt und wir sind sehr gut befreundet. Für Dave Vincents Motorrad-Club habe ich T-Shirts entworfen.

MH: Hast Du den Plan, Zeichnungen von Metalbands künftig stärker zu professionalisieren? Falls ja, wie und welcher Form?

CH: Da möchte ich nichts ausschließen. Natürlich stehe ich zur Verfügung, wenn ich gefragt werde. Ich entwerfe gelegentlich Merch für Capricorn Rockwear, könnte mir aber auch andere illustrative Sachen vorstellen. Manchmal überlege ich auch, ob ich gezeichnete Konzertberichte machen soll. Also das, womit alles anfing, auf ein neues Level stellten.

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Wenn es um die Vermarktung bekannter Künstler und Bands geht, gibt es keine Grenzen. Von MOTÖRHEAD gibt es ebenfalls unzählige Merch-Artikel. Nun kommt einer neuer dazu, mit dem ich tatsächlich bei der Band nicht gerechnet hätte. Es gibt Parfümkreationen für Frau und Mann, die den Flair dieser Band eingefangen haben sollen, um ihn auf der Haut zu tragen und zu verbreiten. Mit Hilfe der letzten Motörhead Besetzung, Phil Campbell und Mikkey Dee persönlich, wurde an der Findung und Entwicklung gearbeitet.

Was erwartet man?

Ich habe Lemmy Kilmister und seine Mannen nie mit einem Parfümduft verbunden, sondern eher mit Whiskey, Bier, Lederjacken, Schweiß und hartem Rock ’n Roll. Doch nun hat man sich tatsächlich daran versucht einen Duft zu konzipieren, der diese Band und ihrem Sound gerecht wird. Dies wird sicherlich kein Warmduscher-Saunauntensitzer-Kuschelbär-Duft ein. So viel ist schon mal klar. Intensiv und herb sollte es schon werden.

Nun, ein Grundbestandteil von Parfüm ist Alkohol. Das passt ja schon mal ganz gut. Hat man hier die erdige Note eines guten Whiskeys, die Bitterkeit einer Hopfenessenz mit dem harzigen Extrakt einer alten abgetragenen Lederweste und einer rauchigen Endnote kombiniert? Wie könnte das riechen?

In der Tat kommt das dem Duft schon ziemlich nahe. Mit hochwertigen Zutaten hat man sich bei der Kreation was tolles einfallen lassen, so dass es auch der Nase gefällt. Doch bevor wir zu der näheren Beschreibung des Duftes gelangen, schauen wir erst einmal, was das Parfüm optisch für einen Eindruck macht.

Der Pappkarton des Parfüms ist mit dem Logo der Band bedruckt und mit tribalartigen Mustern versehen. Die Pappschachtel für Männer ist komplett in Schwarz gehalten, wogegen die Packung für die Frauenwelt ein verpielter Mix aus Schwarz und Weiß ist. Die Flaschen selber haben eine schlichte Form, die, wenn man so möchte, einer Whiskeyflasche ähnelt. Passt natürlich thematisch, macht aber nicht so viel her. Hier hätte ich mir etwas besondere Gestaltung gewünscht, vielleicht in Form einer E-Gitarre oder dem Logoschädel der Band. Evlt. hätte man auch den Schädel und das Bandlogo in die Flasche fräsen können. Natürlich hätte dies den Kostenfaktor nach oben getrieben, aber hätte sich so auch als schöne Deko verwenden lassen.

Der Männer-Duft

Jetzt aber mal ran an den Duft. Also mal flux auf den Pumper gedrückt. Eine Flamme schießt heraus….eine Duftflamme, die mich heiß und feurig umhüllt. Wow… Das haut einen erst mal fast um. Eine sehr intensive herbe Note, die sofort präsent ist. Hier wurden keine halbseidenen Sachen gemacht. Der Duft dominiert sofort das Geschehen.

Ich hätte nicht gedacht, dass man die Merkmale, welche MOTÖRHEAD ausmachen, so umsetzen kann, dass es auch noch gut duftet. Wie die Musik ist auch der Duft nichts für Weicheier. Der Duft hat Eier und tritt sehr potent auf. Dabei hat er eine herbe erdige Whiskey-Note mit einem Hauch von Rauch und einer markanten Schärfe. Für mich eine sehr gute Umsetzung des Themas MOTÖRHEAD. Kompromisslos in seiner Ausprägung ohne auf Trends oder Massentauglichkeit zu setzen. Ein authentischer ehrlicher Duft.

Hier möchte als Zitat mal den Werbetext zitieren, der das Ganze mit schönen treffenden Worten umschreibt.

Dem brettharten Sound, der Verwegenheit und der Wildheit des Gesamtkunstwerks zollen wir Tribut und verleihen diesem Duft durch Einsatz von viel schwarzem Pfeffer eine gehörig raue und frisch- prickelnde Kopfnote, die durch den Einsatz von Kardamom bereits im Opening einen holzigen und whiskeyartigen Drive erfährt.
In der Herz Note kommen tatsächlich duftende Irisblüten zum Einsatz. Eine Hommage an Lemmys stets weit aufgeknöpft getragenes Hemd. 
Wie beim Sound der Band, so spielt auch hier der Bass die Hauptrolle.
Im Dry-Down überschlagen sich derbe Ledertöne mit würzigem Patschuli; eine metallische Note verweist auf benutzte Bass-Saiten. Angebranntes Eichenmoos gibt diesem Duft etwas ledrig-erdig-rauchiges. So duften richtige Männer in Jeans und Biker-Jacken.

Werbetext über NETINFECT
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Der Frauen-Duft

Ich gehe davon aus, dass dieser Variante ein gleichermaßen intensives Feeling versprühen wird und sicherlich kein Gänseblümchen-Flower-Power-Püppchen Düftchen sein wird. Das feminine Pendant ist in einer optisch identischen Flasche verfüllt und unterscheidet sich lediglich in der Farbgebung der Pappschachtel und des Aufklebers auf der Flasche.

Der Duft wiegt im Vergleich auf jeden Fall nicht so schwer. Der leichter wirkende Duft hat aber ein dem männlichen Duft ähnlichen Charakter, kommt ebenfalls mit einer etwas milderen Schärfe, hat aber dafür einen etwas frischeren Touch. Dies macht den kleinen, aber feinen Unterschied aus.

Metal-Ikone Doro Pesh war jedenfalls so hin und weg, dass sie den Duft selber kaum beschrieben hat, aber sich dafür im Parfümregen geduscht hat. Damit wäre sie jedenfalls für einen mehrstündigen Live-Gig hervorragend gewappnet. Denn auch diese Duft ist intensiv und dominant. Für charakterstarke Rockladies, die sich mit einem kräftigen Statement darstellen wollen und nicht nur auf Blümchenwiesen umherspringen , ist es genau das Richtige. Mit diesem Duft ist man bereit für Rock ’n Roll in einem Club oder auf einem Konzert.

Der Werbetext umschreibt den Duft folgendermaßen:

Es eröffnet rosa Pfeffer, der weiblich, aber messerscharf in die Nase steigt. Wachholder gibt einen frechen „Gin-Kick“ – verheißungsvolle Bar-Nacht, wir kommen! 
Zypresse in der Herz Note gibt einen grünlich-frischen Zungenschlag, der sogleich durch weiches Leder und berauschenden Weihrauch abgeholt wird. Iris gesellt sich mit seinem unwiderstehlich hautigen Charakter dazu. Ein bisschen Lippenstift rundet dezent ab. 
Der Abgang ist ein Stakkato aus wilden Patschuli-, Moos- und Amber Noten, die durch hellen Moschus sinnlich auf der Haut prickeln. Dieser Duft hat den Sexappeal einer mit rauchiger Stimme lachenden, aufregenden, starken Frau.

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Wo gibt es das Parfüm?

Diese beiden Kreationen und noch zwei weitere namens „Bad Magic“ und „No Remorse“ gibt es für 39,90 € in allen Filialen von Rossmann und Müller oder unter:

www.rossmann.de

https://www.rossmann.de/de/marken/motoerhead/c/online-dachmarke_860621

www.mueller.de

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Lemmy ist bereits seit 2015 nicht mehr unter uns. Das hält aber niemanden davon ab, Motörhead weiterhin mit Neuveröffentlichungen von Liveaufnahmen zu huldigen. Und das zu Recht.

Live in Berlin

Live in Berlin wurde am 05.12.2012 im Berliner Velodrom auf der „Kings of the Road Tour“ vor 12.000 Fans aufgezeichnet. Das Cover zeigt die Berliner Mauer, auf der neben Kritzeleien auch Motörhead Konzertplakate geklebt wurden. Naja, sieht leider ein wenig trashig und weniger nach Rock ’n‘ Roll aus. Was aber drinsteckt im doppelten Digipack kann sich sehen und hören lassen.

Das Schöne an „Louder than Noise“ ist, dass das Konzert kein Zusammenschnitt mehrerer Auftritte ist, sondern das komplette Konzert vom Abend. As live as it gets. Lemmy begrüßt die Fans mit „Guten Abend. Are you doing alright? We are Motörhead“ und der Abend beginnt mit „I know how to Die“ mit einem Song des zurzeit promoteten Albums „The world is yours“. Bis auf „You better run“ von 1992, stellen die beiden Songs die einzigen „neueren“ dar. Der Rest der Setlist gehört ganz den 80er Jahren. Für einige Fans möglicherweise zu wenig neues Material, aber für den Großteil wahrscheinlich die bessere Wahl. Die Jungs haben halt ’ne Menge Hits.

Rock

Motörhead rocken authentisch wie immer. Da bleibt kein Auge trocken. Spätestens bei den letzten drei Nummern wäre ich dann nass geschwitzt. „Killed by Death, Ace of Spades und Overkill“ sind ein geiler Abschluss. Ich hätt’s geil gefunden, wenn „Bomber“ auch noch dabei gewesen wäre. Das ist aber Jammern auf hohem Niveau.

Sound

Der Sound der CD kommt glasklar und gut produziert aus den Boxen. Hier wird keine schnelle Kohle mit irgendeinem schlechten Bootlegsound gemacht, sondern eine richtig amtliche Motörhead-Show für Zuhause geboten. Die Anlage soweit aufreissen, dass die Ohren bluten. Erst dann hat man die richtige Motörhead-Lautstärke.

Wem die CD noch nicht ausreicht, der kann sich auch die erstklassig aufgenommene DVD in den Player schieben. Auch hier wird mit klasse Bild und Sound aufgewartet. Der geneigte Käufer hat die Wahl zwischen einem CD/DVD Package, 2 Langspielplatten oder einem Box-Set mit 2 LP, CD, DVD und einem Passport Cover mit Motörhead Aufdruck. „Louder than Noise…Live in Berlin“ ist eine sehr gute Livescheibe geworden, die in keiner Sammlung eines Motörheadfans fehlen darf. Dafür ist sie einfach zu gut.

Hier eine Videoauskopplung der DVD

Tracklist
1. I Know How to Die
2. Damage Case
3. Stay Clean
4. Metropolis
5. Over the Top
6. Doctor Rock
7. String Theory
8. The Chase Is Better Than the Catch
9. Rock It
10. You Better Run
11. The One to Sing the Blues
12. Going to Brazil
13. Killed by Death
14. Ace of Spades
15. Overkill

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