(english version below)

In der Ankündigung zu meiner Playlist habe ich bereits kurz erläutert, worum es mir mit der Playlist „(Ur) Nordic Sounds – in all kinds of Metalmusic and Folk“ / (Ur) Nordische Klänge – in Metal und Folk“ geht: um „nordische Klänge“ in verschiedenen Metal-Genres und Folk – Music.

Unabhängig davon, welche Musik ihr bevorzugt hört: ihr werdet bestimmt immer wieder ‚eure‘ Bands hier finden aber hoffentlich auch musikalische Entdeckungen machen.

Zur Playlist wird es jeweils ein paar Informationen geben: über die Bands, den Musikstil, die Texte und was es sonst Interessantes oder Unterhaltsames zu erzählen gibt.
Vielleicht gibt es auch Interviews, Neuerscheinungen oder andere Geschichten, die zu den Songs der Playlist passen.

Und los gehts

Heute geht es also los. Mit dabei sind diesmal die Metalbands ENSLAVED und ROTTING CHRIST, Musiker und Bands, die sich intensiv mit nordischer und indoeuropäischer Musik und der Philosophie dahinter beschäftigt haben wie Kjell Braaten, NEBALA, SKÁLD, SOWULO und FOLKET BORTAFOR NORDAVINDEN. Mit SÓLSTAFIR ist eine Band dabei, deren melancholisch-atmosphärische Musik voller nordischer Klänge ist. Und KALANDRA, die den Soundtrack zum Video-Game „Kingdom Two Crowns – Norse Lands geschrieben haben.

Nachdem die Auswahl geklärt ist, kommt die Frage der Anordnung: losen, nach Themen sortiert, alphabetisch? Diesmal alphabetisch. Daher geht es los mit Kjell Braaten.

Vergangenheit und Gegenwart

Kjell Braaten habe ich euch in den letzten Jahren schon mehrfach vorgestellt. Ich bin immer wieder begeistert von der Vielfalt, die aber nicht eklektisch ist, sondern Kontinuität und Experimente zugleich beinhaltet und verschiedenste musikalische Ideen und Möglichkeiten miteinander verbindet.

Kjell macht Musik, die von alter nordischer Kultur ebenso beeinflusst ist, wie von der Musik anderer Kulturen. Dafür nutzt er historische Instrumente aus der ganzen Welt, aber auch vielfältige ‚moderne‘ technische Möglichkeiten. Damit spannt er immer wieder einen Bogen von der Vergangenheit zur Gegenwart und über kulturelle Unterschiede hinweg. Denn er versteht Musik als eine Sprache, die das ausdrücken kann, was gesprochene Worte nicht können.

Der Song „Frithr“ ist ein Song vom Album „Blóta“. Der Gesang und der Rhythmus der Trommeln erzeugen einen warmen und dynamischen Klang. Dadurch bekommt das Lied einen rituellen Charakter, der durch die Verwendung der altnordischen Wörter noch verstärkt wird. ‚Frithr‘ bedeutet ‚Frieden‘. In dem Lied geht es darum, dass es möglich ist, wenn man selbst Frieden mit sich geschlossen hat, diesen Frieden weiterzugeben. Dass man den Frieden nicht ‚herstellen‘, aber Bedingungen schaffen kann, die Frieden ermöglichen. Ihn – wie es im Lied heißt – wie einen Samen im Herzen anderer Menschen wachsen lassen kann.

„Behind The Mirror“ von ENSLAVED ist eine großartige Mischung aus Black Metal und progressiven Anteilen , die auch diese gewisse nordische Sehnsucht beinhaltet.
Hier gelandet ist der Song aber wegen des Intros: man hört das Wikingerschiff über das Meer fahren. Und dann ertönt ‚Heimdalls Gjallahorn‘. Über das Gjallahorn wird gesagt, dass Heimdall es während Ragnarök ein letztes Mal blasen wird, um den Beginn des Kampfes zwischen den Göttern und den Riesen anzukündigen.
Bei „Behind The Mirror“ wird das Horn von Eilif Gundersen gespielt, der sonst Mitglied bei WARDRUNA ist.

Rhythmus und Sound

FOLKET BORTAFOR NORDAVINDEN kann man als Vorreiter des nordischen Folk bezeichnen. Bereits 2007 von Benny Braaten und Gustav Holberg gegründet, haben sie in den folgenden Jahren in unterschiedlichen Besetzungen gepielt und gestalten außerdem das Eröffnungs- und Abschlussritual des Midgardsblót – Metal Festival.

Die Basis der Musik bilden die Trommeln und die Stimmen. Insbesondere die unglaublich tiefe Stimme von Benny Braaten, die ich immer wieder gerne höre, da sie so viel Resonanz erzeugt. Ihre Lieder sind beschwörend, die aber auch heiter, zum Tanzen und mitsingen.

„Ur Is Ka Ha So“ gefällt mir wegen des Rhythmus und der gleichzeitig aktivierenden und meditativen Wirkung. Es ist eines der ‚Runenlieder‘: Ur, Is, Ka, Ha und  So sind die Anfangsbuchstaben der Runen Uruz, Isa, Kenaz (Kaunaz) und Sowilo. Die Verwendung lediglich der ersten Silbe ergibt andere Möglichkeiten der rhythmischen Gestaltung. Außerdem kann die Stimme mehr Intensität hineinbringen, was diesen Song so eindringlich macht.
Mehr zu dem Song und dem Album, von dem es stammt, gibt es im Interview.

Kennt ihr das Video-Spiel „Kingdom Two Crowns“? Das Spiel ist in einer pixeligen 2D-Grafik gehalten, die eine schlichte Kulisse schafft. Es bietet eine einzigartige Mischung aus Strategie-, Simulation- und Ressourcenmanagement-Elementen. Und dazu haben KALANDRA einen großartigen Soundtrack geschrieben.
Zu KALANDRAS Bekanntheit hat u.a. ihr Cover von „Helvegen“ von WARDRUNA beigetragen, das bis heute 5 Millionen Mal aufgerufen wurde.

„Slow Motion“ ist allerdings von ihrem Album „The Line“, das 2020 erschien. Ich mag diese verträumte Melancholie und breiten Harmonien.

Dunkelheit und Nebel

In „Dronning Ellisiv“ von MYRKUR geht es um Ellisiv, die Tochter des Großfürsten von Nowgorod, die später König Harald von Norwegen heiratete. MYRKUR interpretieren hier ein Lied von Harald Foss, einem bekannten norwegischen Folkmusiker, neu.
Das Lied nimmt die Volksmusikklänge auf und versieht sie mit einer ätherischen Stimmung.

Es ist ein Lied, das an der Schwelle zum kommerziellen Klang steht, aus dem es die Stimme von Amalie Bruun, die mir seit dem Album „Mareridt“ gut gefällt, immer wieder heraus holt.

Auch über NEBALA habe ich schon mehrfach berichtet. „Safijan“ ist sowohl auf der EP „Lustuz“ zu finden, die der Ausgangspunkt für das Album „Lustuz – Laþu – Wōþuz Alu“ war als auch auf dem Album „Live at Midgardsblót“. Dort habe NEBALA eine fantastische Show gezeigt.

„Safijan“ hat einen anhaltend tiefen Grundton. Dichter, lockender Gesang und die sich entfaltenden Klänge einer Leier entwickeln eine Wirkung, der man sich nicht entziehen kann. Dann setzen stampfende Rhythmen und rauer, aggressiver Sprechgesang von männlicher und weiblicher Stimme ein. Eine Auseinandersetzung: ungeschönt. Hier werden Verse aus der Hávamál verwendet: Sie handeln vom Umwerben, von der Dunkelheit und Hinterhältigkeit von Männern und Frauen, die dabei oft eine Rolle spielen. Und davon, dass eine andere Beziehung möglich wird, wenn man sich dem anderen so zeigt, wie man ist.
So endet das Lied dann auch mit zärtlichen Klängen, die den Wunsch nach Vertrauen in sich tragen. Denn es braucht Vertrauen in den anderen, um Masken abnehmen zu können.
NEBALA arbeiten an neuen Liedern aber auch an einem neuen Konzept für die Präsentation ihrer Musik. Mehr dazu demnächst hier.

Kosmisches und Verborgenes

देवदेवं (Devadevam) von ROTTING CHRIST vom Album „Rituals“ ist von einer Ode an Shiva, dem Gott der Götter, inspiriert. Die Sprache, in der sie singen, ist Sanskrit. Im Lied folgt auf ein Mantra jeweils eine Ode, in der Shiva besungen wird. ROTTING CHRIST bedienen sich immer wieder Materialien, die schon ‚eigen‘ sind. Auf „Rituals“ haben sie diese eindrücklich und eingängig zugleich verarbeitet.

„Devadevam“ habe ich auch wegen des Gastmusikers Kathir ausgewählt. Er ist Sänger und Bassist bei RUDRA, einer Band aus Singapur, die black-metal-beeinflussten Vedic – Metal spielen und auf Sanskrit singen.

SKÁLD kommen aus Frankreich. Dennoch singen sie in verschiedenen nordischen Sprachen und verwenden traditionelle Instrumente, um Themen aus der nordischen Mythologie zu vertonen. Die Mischung aus groovenden Trommeln, Drehleiern, diversen Saiteninstrumenten und Didgeridoo ergibt sowohl kraftvolle als auch anmutige Stücke. Aufmerksam bin ich auf sie durch ihr Cover von THE CUREs „A Forest“ geworden.

Ausgesucht habe ich den Song „Elverhøy“ vom Album „Huldufólk“. Auf „Huldufólk“ erzählen sie Geschichten über die verborgenen Völker der isländischen und färöischen Mythologie erzählen: über Elfen, Feen, Trolle und Zwerge. „Elverhøy“ erzählt von einem Mädchen, dass von Elfen zum Tanz aufgefordert wird, um dann auch zu lernen, die Runen zu lesen. Es ist ein eingängiges und durchaus poppiges Lied, das Spaß macht.

Reisen und Zeiten

SOWULO ist ein Projekt des niederländischen Multiinstrumentalisten, Komponisten und Produzenten Faber Horbach. Faber setzt hier seine Leidenschaft für nordische Geschichte, das heidnische Erbe und Schamanismus in eher melancholischen Liedern um.

Mit ihren Liedern begeben sie sich SOWULO auch auf eine spirituelle Reise. Sie kombinieren die Klänge ihrer (früh-)mittelalterlichen Instrumente mit modernen Instrumenten und cineastischen Klängen.

„Fæcele“ ist geprägt vom Gesang, dem Schlagzeug und der Melodie der Nyckelharpa. Der Mittelteil klingt verträumt, bis die Melodie des Anfangs wieder aufgenommen wird. Das Lied wird in Alt – Angelsächsisch gesungen. Für eine Band, die sich an ‚nordischen‘ Themen ausrichtet, ist das zunächst einmal ungewöhnlich. Aber da Angelsächsisch die Sprache der germanischen Stämme ist, die nach den Römern die Vorherherrschaft in England übernahmen, passt das wieder.

SÓLSTAFIR haben die Grenzen zwischen Metal, Rock, Black Metal, Blues Rock zu einem Sound, der von der gewaltigen Natur ihrer Heimat Island geprägt ist, verschoben. Es gelingt ihnen immer wieder, mit Songs wie „Ljós í Stormi“ oder „Lágnætti“ eine Klangwelt voll Urgewalt und Schönheit zu erschaffen.

Das Album „Ótta“ (2014) finde ich aufgrund des zugrundeliegenden Konzeptes interessant. Die Songs orientieren sich an der alten isländischen Zeitrechnung, bei der die 24 Stunden in acht Abschnitte zu 3 Stunden eingeteilt sind.

Den Song „Ótta“ (was die Zeit der Morgendämmerung meint) habe ich ausgewählt, weil er viele Element und Möglichkeiten enthält, die SÓLSTFIR so besonders machen: die Gitarren ziehen den Hörer sofort in den Song. Unterstützt von sanften Geigen und dem kontrastierenden Banjo baut sich der Bogen auf, der die Zeit um Mitternacht bis zum Morgen umspannt.

Ausblick

So, das war die Playlist dieses Monats July. Viel Spaß mit der Musik! (Und HIER geht es zur Playlist oder einmal nach oben scrollen und auf ‚Playlist‘ gehen)

Im August werden u.a. SKÁLMÖLD, Eivør, INSOMNIUM, KATLA und Emilie Lorentzen dabei sein.

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In the announcement of my playlist, I have already briefly explained what my playlist „(Ur) Nordic Sounds – in all kinds of Metal music and Folk“ is about: „Nordic sounds“ in various metal genres and folk music.

Regardless of the music you prefer to listen to, you will definitely find ‚your‘ bands here, but hopefully also make some musical discoveries.

For each song in the playlist, there will be some information about the bands, the musical style, the lyrics, and any other interesting or entertaining facts. There may also be interviews, new releases, or other stories that fit the songs in the playlist.

And here we go.

So today, we’re starting. This time, the metal bands ENSLAVED and ROTTING CHRIST are included, as well as musicians and bands that have extensively explored Nordic and Indo-European music and the philosophy behind it, such as Kjell Braaten, NEBALA, SKÁLD, SOWULO, and FOLKET BORTAFOR NORDAVINDEN. Also featured is SÓLSTAFIR, a band whose melancholic and atmospheric music is full of Nordic sounds. And KALANDRA, who composed the soundtrack for the video game „Kingdom Two Crowns – Norse Lands“.

Once the selection is clear, the question of arrangement arises: random order, sorted by theme, or alphabetical? This time, it’s alphabetical. So, let’s start with Kjell Braaten.

Past and Present

I have introduced Kjell Braaten to you several times in recent years. I am always amazed by the diversity that he incorporates, which is not eclectic but includes both continuity and experimentation, combining various musical ideas and possibilities.

Kjell creates music that is influenced by ancient Nordic culture as well as the music of other cultures. He uses historical instruments from around the world, as well as various „modern“ technical possibilities. In doing so, he repeatedly bridges the gap between the past and the present and across cultural differences. He sees music as a language that can express what spoken words cannot.

The song „Frithr“ is a track from the album „Blóta“. The vocals and the rhythm of the drums create a warm and dynamic sound. This gives the song a ritualistic character, which is further enhanced by the use of Old Norse words. ‘Frithr’ means ‘peace’. The song is about the possibility of passing on peace once you have made peace with yourself. It’s about not being able to ‘create’ peace but being able to create conditions that allow peace. It’s about being able to let peace grow in the hearts of others, like a seed, as the song says.

„Behind The Mirror“ by ENSLAVED is a great blend of black metal and progressive elements, which also contains that certain Nordic longing. It’s included here because of the intro: you can hear the Viking ship sailing across the sea. And then ‚Heimdall’s Gjallahorn‘ sounds. It is said that Heimdall will blow the Gjallahorn one last time during Ragnarök to announce the beginning of the battle between the gods and the giants. In „Behind The Mirror“, the horn is played by Eilif Gundersen, who is also a member of WARDRUNA.

Rhythm and Sound

FOLKET BORTAFOR NORDAVINDEN can be described as pioneers of Nordic folk. Founded in 2007 by Benny Braaten and Gustav Holberg, they have played in various lineups over the years and also perform the opening and closing rituals of the Midgardsblót Metal Festival.

The foundation of their music consists of drums and vocals. In particular, Benny Braaten’s incredibly deep voice, which I always enjoy listening to because of its resonance. Their songs are evocative but also cheerful, suitable for dancing and singing along. I like „Ur Is Ka Ha So“ because of its rhythm, and it’s simultaneously activating and meditative effect. It is one of the „Rune songs“: Ur, Is, Ka, Ha, and So are the initials of the runes Uruz, Isa, Kenaz (Kaunaz), and Sowilo. Using only the first syllable allows for different rhythmic arrangements. In addition, the vocals can bring more intensity, which makes this song so compelling.

There will be more about the song and the album it comes from in the interview.

Are you familiar with the video game „Kingdom Two Crowns“? The game features pixelated 2D graphics that create a simple backdrop. It offers a unique blend of strategy, simulation, and resource management elements. And KALANDRA has written a great soundtrack for it.
One of the reasons for KALANDRA’s popularity is their cover of WARDRUNA’s „Helvegen“, which has been viewed 5 million times to this day.
However, „Slow Motion“ is from their album „The Line“, released in 2020. I like the dreamy melancholy and broad harmonies in this song.

Darkness and Mist

In „Dronning Ellisiv“ by MYRKUR, the focus is on Ellisiv, the daughter of the Grand Prince of Novgorod, who later married King Harald of Norway. MYRKUR reinterprets a song by Harald Foss, a well-known Norwegian folk musician. The song incorporates folk music elements and imbues them with an ethereal atmosphere. It’s a song that teeters on the edge of a commercial sound, but Amalie Bruun’s voice, which I have enjoyed since the album „Mareridt“, always pulls it back.

I have also reported on NEBALA several times. „Safijan“ can be found on both the EP „Lustuz“, which served as the starting point for the album „Lustuz – Laþu – Wōþuz Alu“, and the album „Live at Midgardsblót“. NEBALA put on a fantastic show there.

„Safijan“ has a sustained deep fundamental tone. The dense, enticing vocals and the unfolding sounds of a lyre create an effect that is impossible to resist. Then come stomping rhythms and rough, aggressive spoken words by both male and female voices. It’s a confrontation, unadorned. Verses from the Hávamál are used: they deal with courtship, the darkness and deceitfulness of men and women, which often play a role in it. And they also address the possibility of a different kind of relationship when one reveals oneself to the other as they truly are. Thus, the song ends with tender sounds that carry the desire for trust because it takes trust in the other person to be able to remove masks.

NEBALA is working on new songs as well as a new concept for presenting their music. More on that soon.

Cosmic and Hidden

देवदेवं (Devadevam) by ROTTING CHRIST from the album „Rituals“ is inspired by an ode to Shiva, the god of gods. The language they sing in is Sanskrit. The song alternates between a mantra and an ode praising Shiva.

ROTTING CHRIST frequently draws on materials that are already their own. On „Rituals“, they have incorporated these elements impressively and memorably.

I have chosen „Devadevam“ because of the guest musician Kathir. He is a singer and bassist in RUDRA, a band from Singapore that plays black metal-influenced Vedic metal and sings in Sanskrit.

SKÁLD is from France. Despite that, they sing in various Nordic languages and use traditional instruments to interpret themes from Norse mythology. The combination of grooving drums, hurdy-gurdy, various stringed instruments, and didgeridoo creates both powerful and graceful pieces.
I discovered them through their cover of THE CURE’s „A Forest“.

I have chosen the song „Elverhøy“ from the album „Huldufólk“. On „Huldufólk“, they tell stories about the hidden beings of Icelandic and Faroese mythology: elves, fairies, trolls, and dwarves. „Elverhøy,“ tells the story of a girl who is invited by the elves to dance and then learns to read the runes. It’s a catchy and quite poppy song that is fun to listen to.

Journeys and Times

SOWULO is a project by Dutch multi-instrumentalist, composer, and producer Faber Horbach. Here, Faber incorporates his passion for Nordic history, pagan heritage, and shamanism into rather melancholic songs. Their songs also take the listener on a spiritual journey. They combine the sounds of their (early) medieval instruments with modern instruments and cinematic sounds.

„Fæcele“ is characterized by the vocals, drums, and melody of the nyckelharpa. The middle part sounds dreamy until the melody from the beginning is picked up again. The song is sung in Old English. This may be unusual for a band focusing on „Nordic“ themes, but since Old English is the language of the Germanic tribes that took over dominance in England after the Romans, it fits.

SÓLSTAFIR have blurred the boundaries between metal, rock, black metal, and blues rock, creating a sound that is influenced by the immense nature of their home, Iceland. They repeatedly succeed in creating a sonic world full of primal power and beauty with songs like „Ljós í Stormi“ or „Lágnætti“.

I find the album „Ótta“ (2014) interesting because of the underlying concept. The songs are based on the old Icelandic timekeeping system, which divided the 24 hours into eight segments of three hours each.

I have chosen the song „Ótta“ (which means the time of dawn) because it contains many elements and possibilities that make SÓLSTAFIR so unique: the guitars immediately draw the listener into the song. Supported by gentle violins and the contrasting banjo, the arch is built, spanning the time from midnight to morning.

Outlook

So, that was this month’s playlist for July. Enjoy the music! (And HERE you can go to the playlist or scroll up once and go to ‚Playlist‘)

In August, SKÁLMÖLD, Eivør, INSOMNIUM, KATLA, and Emilie Lorentzen will be included, among others.

Kurz nach Erscheinen des Videos zu „Leaves Of Yggdrasil“ vom Album Folkesange schrieb Amalie Bruun:  

I am used to everything I do gets very polarizing responses. But I didn’t think Leaves Of Yggdrasil and its video would get these extreme reactions too. “The black metal scene threatened to kill her so I hope she doesn’t return to that.” Was one of the comments and I appreciate the concern for me after the time I would get death threats and hate-mail on a daily basis. But rest assured this is not why I have created a folk-record. And there is no telling where I will go next, what I care about is artistic freedom and not the boundaries of genre and labels.

Künstlerische Freiheit und andere Wege

Musiker, Komponisten haben schon immer mit ‚Genregrenzen‘ gespielt. Und im Metal gibt es unzählige Sub-Genres (407 sind es, wenn man die Zählung des Dunklen Parabelritters zugrundelegt). Manche Hörer können sich auf Veränderung und Entwicklung in der Musik nicht gut einlassen. Aber müssen sie dann Bands und Musiker beschimpfen, die einmal andere Wege gehen wollen?

Abgesehen davon konnte man bei Amalie Bruun bisher noch nie sicher sein, welchen Weg sie einschlagen wird. Denn die EPs und auch das Debut M waren noch geprägt von einem Black Metal mit Folk-Elementen. Das 2017er Album Mareridt ist ein atmosphärisches Black Metal-Album durchzogen von Dark-Pop – Anteilen.

Folkesange hingegen ist ein reines Folk-Album geworden, mit dem sie Volkslieder und nordische Mythen aufgreift und neu arrangiert.

Wer sich also ein Album wie M oder Mareridt gewünscht hat, wird enttäuscht sein. Wer sich von schönen Melodien, gesungen von einer wunderbaren Stimme, mit mittelalterlichen Instrumenten modern arrangierten Liedern einfangen lassen möchte, wird viel Freude an Folkesange haben.

Folkesange – Lieder über Generationen weitergetragen

Der Opener „Ella“ beginnt nur von Amalie Bruuns Stimme getragen. Trommelschläge und Melodien gespielt u.a. mit der Nyckelharpa schaffen eine raue, schroffe Grundstimmung über der die klare Stimme schwebt.

„Fager Som En Ros“ ist ein schwedisches Volkslied über ein Mädchen, das einen Jungen verführen will. Es ist ein leichter, schwebender Song.

„Leaves Of Yggdrasil“ englisch gesungen  Nornen unter der Weltenesche Yggdrasil, die das Schicksal der Menschen bestimmen und von der wunderschönen Jungfrau, von der die Männer seit altersher träumen, und die ihr zukünftiges Schicksal bestimmen.

Von „Ramund“ gibt es einige Adaptionen von Metal- und Folkbands. (Z.B. von der faröischen Band TYR.) MYRKUR wählt hier – ebenso bei „Tor i Helheim“, einer Geschichte aus der isländischen Edda– eine andere Herangehensweise: reduziertes Tempo und dazu ein ausgeschmücktes Arrangement.

„Svea“ lädt zum Träumen ein und kann durch den mehrstimmige Trall – Gesang, der sich auf Lautmalerei beschränkt, und die mittelalterliche Instrumentierung, die auf die sonst so omnipräsente Nyckelharpa verzichtet, überzeugen.

Nordische Mythen, alte Geschichten, Natur, Romantik und eine wunderbare Stimme

„Harpens Kraft“ gibt es in verschiedenen Versionen überall in der nordischen Volksmusik. Ein romantischer und zugleich (natur)mystischer Song: er spielt auf der Harfe mit goldenen Saiten, um sie vor ihrem Schicksal zu bewahren. Durch Amalie Bruuns feenhaften Gesang ist es ein federleichter Song geworden, der zum Tanz einlädt.

In „Gammelkäring“ wird eigentlich über alte Frauen gesungen, die Wolle spinnen und auf die man nicht hören sollte, da sie den lieben langen Tag Unsinn erzählen. MYRKUR gehen – zumindest musikalisch – sanft mit ihnen um. Daher vermisse ich die dabei sonst zum Tanz übliche Rhythmisierung durch Trommeln.

Die dann folgende Ballade „House Carpenter“, die die amerikanische Folk-Sängerin Joan Baez ja schon so wunderbar gesungen hat, fügt sich durch die Interpretation von Amalie Bruun gut in das Gesamtkonzept ein, auch wenn es sich um eine schottische Ballade handelt.

Alte Lieder in moderner Produktion

„Reiar“, Gudernes Vilje“ und schließlich „Vinter“ machen deutlich, dass es MYRKUR nicht einfach nur um eine Neuauflage von Volksliedern geht, sondern darum, die Wirkung von Liedern, die die Jahrhunderte überdauert haben, mit modernen Möglichkeiten auszudrücken.

Denn „Gudernes Vilje“ überzeugt vor allen Dingen durch den Gesang und die Instrumentierung, die mittelalterliche Instrumente mit ‚modernen‘ – wie Cello und Klavier verbindet. Mit diesem Song zeigt sich auch die hervorragende Produktion. Es war eine gute Wahl, dafür Christopher Juul von HEILUNG zu gewinnen, dessen Arbeit einen großen Anteil daran hat.

Lässt man sich auf die Musik ein, kann man die nordische Natur spüren und eine Ahnung von der Bedeutung mythologischer Elemente bekommen.

Dichte Klänge, die ein Gefühl von Einsamkeit und Kälte hervorrufen. Dann wieder helle, leichte Passagen, die wie die letzten Regentropfen wirken, auf die dann die Sonne scheint.

Nun war es endlich soweit: Sólstafir kamen mit Árstiðir und Myrkur zur Berdreaminn-Tour nach Köln.

Gespannt darauf, wie diese Zusammenstellung (Árstiðir: Folk, Myrkur mit Black Metal Elementen und der atmosphärische „Icelandic Heathen Metal“ von Sólstafir) ankommen würde, fuhr ich nach Köln.

Die Bühne war in gedämpftes blaues Licht getaucht, als Árstiðir die Bühne betraten. Gitarre, Baritongitarre und ein Keyboard machten direkt klar, dass zunächst nicht mit lauten Klängen zu rechnen war. Árstiðir begannen das Konzert mit dem Song „Himinhvel“ (was Hemisphäre bedeutet) von ihrem letzten Album „Hvel“.

Die Halle füllte sich mit fast sakralen Klängen, die an Gesänge von Mönchen erinnern. Dann setzten Gitarre und die klare Stimme von Gunnar Már Jakobsson ein und erzählten davon, wie Geschichten uns in eine andere Welt versetzen können.

Es ist den drei Isländern schon mit den ersten Songs gelungen, das Publikum in ihre Welt mitzunehmen. Die Gespräche ebbten ab und man konnte immer mehr verträumte Gesichter sehen.

Eine mystische Atmosphäre entsteht

Árstiðir schufen eine Atmosphäre von Mystik und Melancholie in einer Klarheit und Natürlichkeit, die beruhigend wie beängstigend ist.

Dann setzte sich  Hallgrímur Jón Hallgrímson, der Schlagzeuger von Sólstafir, ans Drumset. Er begleitete die weiteren Songs zurückhaltend, gab ihnen aber durch die weichen Schläge auf die Toms eine Tiefe, die die Melancholie noch intensivierte. Das Schlagzeug verstärkte die Wirkung der gefühlvollen Gesangsstimmen, die sich wie Sonnenstrahlen von den dunklen Klängen abhoben.

Gerne ließ ich mich durch diese geheimnisvolle Musik und wunderschönen Klänge in eine dunkle und stille Welt entführen, die niemals düster wurde.

Vielleicht muss man in einer Welt mit Gletschern und Vulkanen, Wasserfällen und rauen Felsen aufgewachsen sein, um solch eine Musik zu machen.

Árstiðir spielten nicht nur Songs vom neuen Album sondern auch drei neue und bisher unveröffentlichte Songs.

Setlist Árstiðir

1. Himinhvel
2. Shine
3. Passion*
4. Mute*
5. Things You Said
6. While This Way*
7. Shades

*(new song, un-released)

Árstiðir sind:

Gunnar Már Jakobsson (Baritongitarre), Daniel Auðunsson (Gitarre) und Ragnar Ólafsson (Keyboard)

Und dann gab es richtig was auf die Ohren

Amalie Bruun begann das Set von Myrkur mit ihrem psychedelischen Gesang, der von dunklen Klängen begleitet wurde. Dieser Gegensatz zeigte sich auch optisch. Während Sängerin Amalie sich eher elfenhaft mit wehenden Haaren (einem riesigen Ventilator zu verdanken) bewegte, zeigten die maskierten bzw. in ihren Kapuzen versteckten Musiker einen eher martialischen Auftritt.

Zunächst stand eher skandinavisch geprägter Folk im Vordergrund. Die helle Stimme hob sich vom düsteren Klangteppich ab und blieb auch in den Höhen kräftig und intensiv.

Das Publikum zeigte sich zunächst erwartungsvoll aber auch von den später hinzukommenden heftigen Bass- und Schlagzeugattacken überrascht. Viele wussten wohl nicht, was auf sie zukommt, wenn Amalie Bruun alle Register zieht.

Meist hob sich ihre Stimme hell vom düsteren Klangteppich ab und klang sowohl zerbrechlich als auch finster.

Dann steigerte sich das Ganze sowohl rhythmisch als auch stimmlich. Es kamen immer mehr Black-Metal-Elemente hinzu, der Gesang klang immer wütender, bis er in einem fast irren Geschrei endete, bei dem ich an die Hexen aus Polanskis Macbeth-Verfilmung denken musste.

Zwischendurch griff Amalie Bruun auch zur Gitarre, was aber irgendwie seltsam wirkte, zumal sie diese nach einigen wenigen Akkorden schon wieder zur Seite stellte.

Passender wirkte es, als sie den Song „De Tre Piker“ (ein nordisches Traditional) lediglich mit einer Schamanentrommel begleitete.  Ein fast versöhnlicher Abschluss des Sets.

In der Ankündigung des Konzertes hatte ich mich gefragt, ob Amalie Bruun die Gegensätze ausspielen und ihre vielfältigen stimmlichen Möglichkeiten zeigen kann. Das ist ihr gelungen.

Auch wenn es einige irritieren Momente gegeben hat, kann ich nur empfehlen, sich Myrkur live anzusehen.

Setlist Myrkur

1. Mareridt
2. The Serpent
3. Ulvinde
4. Onde børn
5. Vølvens spådom
6. Jeg er guden, i er tjenerne
7. Måneblôt
8. Elleskudt
9. Skøgen skulle dø
10. Skaði
11. De Tre Piker

Der Höhepunkt des Abends: die  „Antichristian Icelandic Heathen Bastards“ von Sólstafir

Zumindest hatte ich den Eindruck, dass die meisten Zuschauer wegen Sólstafir gekommen waren.  Denn bei etlichen Leute prangte das „Antichristian Icelandic Heathen Bastards“  auf dem Rücken oder sie trugen Shirts zu den verschiedenen Sólstafir-Alben. Und schon die ersten Tönen von „Silfur-Refur“, die ein wenig nach Filmmusik von Ennio Morricone klingen, wurden mit Applaus begrüßt.

Von Anfang an waren sie da: die Intensität der Musik und die Präsens von Sänger Aðalbjörn Tryggvason, die über das gesamte Set bestehen blieben und dem Publikum einen emotionalen, mitreißenden aber auch aufbauenden Abend bescherten.

Sólstafir lassen ihre Musik auf die Zuhörer wirken

Sólstafir lassen ihre Musik zunächst auf die Zuhörer wirken. „Silfur-Refur“, „Ótta“ und „Lágnættti“ versetzen einige im Publikum in einen tranceähnlichen Zustand. Die durch die Wiederholungen eindringlichen Klangsequenzen, das ruhige Tempo mit den sich steigernden Schlagzeug- und Bassanteilen schaffen dafür die Grundlage. Umso mehr trifft dann der fast zerbrechliche Gesang.

Immer wieder kommt einem die Klanggewalt, die von Bass und Schlagzeug geprägt und durch die weichen Gitarren verstärkt wird, entgegen. Dies führte im Publikum zu unterschiedlichen Reaktionen: die einen lassen dies mit geschlossenen Augen auf sich wirken, andere nehmen den Rhythmus headbangend oder mähneschwingend auf. Aber unberührt lässt die Musik niemanden. Vielleicht ist es gerade die Ambivalenz, die die Musik von Sólstafir so anziehend macht. Wild mit dynamischen Wechseln und dann wieder diese Verletzlichkeit, die in einem verzweifeltem Schrei endet.

Betont wurde die Konzentration auf den Sänger durch die Bühnenbeleuchtung. Wabernder Nebel und eine Ausleuchtung, die sowohl den Schlagzeuger als auch den Keybordspieler (Ragnar Ólafsson von Árstiðir) weitgehend im Dunkeln ließ.

Aðalbjörn Tryggvason hat auf Ansagen zu den Songs verzichtet. Aber er war immer im Kontakt mit den Zuschauern. Er hat ihnen zugenickt, auf einzelne gezeigt: ich sehe dich. Später hat mit den Handys einzelner Fans Fotos gemacht und eine Frau zu einem Foto auf die Bühne geholt.

Ein eindringlicher Appell an das Publikum

Ein besonders eindringlicher Moment entstand fast am Ende des Konzertes, als Aðalbjörn davon sprach, dass sich viele Menschen in schwierigen Situationen befinden, weil sie mit Abhängigkeit oder psychischen Erkrankungen zu tun haben, Missbrauch erleben oder jemanden kennen, der einen Suizidversuch unternommen hat. Er forderte die Zuhörer auf, mit diesen Menschen im Gespräch zu bleiben und ihnen zuzuhören.

„Talk to them, you might be the only hold and help“.

Den letzten Song „Bláfjall“ widmete er den Menschen in schwierigen Lebenssituationen. Er verließ die Bühne und lief, so weit das Mikrofonkabel es zuließ, ins Publikum.

Sólstafir ist es wieder einmal gelungen, in dem Kontrast zwischen ruhigen, melodischen Sequenzen und wilden, heftigen Momenten, Gefühle in Klänge umzusetzen.

Ein gelungener Dreierpack nordisch-atmosphärischer Klänge

Es war ein Abend der Kontraste: wunderbarer Gesang begleitet von fast archaischen Rhythmen und Klängen, verträumte und melancholische Abschnitte genauso wie metallische Ausbrüche, eingängige Passagen und dann wieder irritierende fast verstörende Momente.

Setlist Sólstafir

1. Silfur-Refur
2. Ótta
3. Ísafold
4. Köld
5. Hula
6. Fjara
7. Bláfjall

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Sólstafir mit Myrkur und Árstíðir – live

08.12.2017 – Wien, Arena Wien (Österreich)
12.12.2017 – Berlin, Heimathafen Neukölln
13.12.2017 – Köln, Die Kantine
14.12.2017 – Osnabrück, Rosenhof Osnabrück
17.12.2017 – Hamburg, Gruenspan

Sólstafir – Atmosphärischer „Icelandic Heathen Metal“

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Mit Sólstafir verbinde ich vor allen Dingen eigenwillige, auf den ersten Alben doch sehr sperrige Songs, aus denen sich nach und nach der für Sólstafir typischen Stil herauskristallisierte. „Svartir Sandar“ steht für mich nicht nur für ein konzeptionell in sich geschlossenes Album, sondern insbesondere durch Songs wie „Ljós í Stormi“ auch für die Schönheit und Urgewalt der isländischen Natur. Dies setzt sich in „Ótta“ fort. Hier haben sie mit „Náttmál“ und „Lágnætti“ eine Klangwelt erschaffen, die mir immer wieder Gänsehaut verschafft. „Berdreyminn“ ist sicherlich eine konsequente und reife Fortsetzung, konnte mich aber nicht sofort begeistern, was wohl daran liegt, dass keiner der Songs wirklich heraussticht oder so aufrüttelt wie z.B. „Fjara“. Insgesamt rufen Sólstafir aber wieder eine Stimmung hervor, die Bilder von Island entstehen lässt: die Klarheit karger weiter Landschaften, die fast zu einer Konzentration auf Wesentliches zwingt. Ich habe Sólstafir schon mehrfach live erlebt. Sie haben es immer wieder geschafft, mich für ihre Songs einzunehmen, weil es ihnen nicht nur in den großen Hallen, sondern auch den kleinen Clubs gelingt, diese Atmosphäre von Weite, Ruhe und Zeit (dies insbesondere durch die langen Songs) zu vermitteln.

Myrkur – finstere zerbrechliche Klänge

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Myrkur ist das Ein-Frau-Projekt der Dänin Amalie Bruun. Sie nutzt sowohl Black-Metal-Elemente als auch skandinavische Folklore und nimmt in den Texten Anleihen bei der nordischen Mythologie. Auf dem Album „Mareridt“, das in diesem Jahr herauskam, hat sie die Black-Metal-Anteile (die ich auf dem ersten Album nicht immer gelungen fand) zugunsten von Folk-Elementen und fast psychedelischen Klängen reduziert. Dort, wo sie zum Tragen kommen, schaffen Sie eine Finsternis, von der sich der manchmal fast zerbrechlich wirkende Gesang abhebt. Diese Gegensätze sind es, die mir bei Myrkur gefallen. Manchmal fühle ich mich an die raue, harsche Musik von Arkona erinnert, mal an die feenhafte Stimme von Eyvør. Es bleibt abzuwarten, ob Amalie Bruun diese Gegensätze live so ausspielen kann, dass sowohl die Vielfältigkeit ihrer stimmlichen Möglichkeiten als auch die Bandbreite der Instrumentierung deutlich werden und dies alles doch zu einem Ganzen wird, das atmosphärisch in die nordische Mythologie und Natur entführt.

Árstíðir – harmonische Melancholie

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Die Indie-Folk-Band aus Reykjavík hatte auch in Deutschland bereits einige Auftritte. Mit dem Video ihrer a cappella – Version des isländischen Liedes „Heyr Himna Smíður“ im Wuppertaler Bahnhof sind sie zumindest bei YouTube ziemlich bekannt geworden. Auf ihrem dritten Studioalbum „Hvel“, das sie über eine Kickstarter- Kampagne finanziert haben, zeigen sie ein gutes Zusammenspiel klassischer Instrumente wie Violine, Cello und Klavier und elektronischer Anteile wie elektrischer Geige und Synthesizer. Und natürlich wird auch hier wieder wunderbar harmonisch gesungen: von Dunkelheit, Natur und Liebe. Die Musik von Árstiðir versetzt mich immer in eine eher melancholische Stimmung. Sie passt zu verregneten Tagen und dunklen, kalten Winterabenden.

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Am Samstag, den 14. April 2018 feiern die Symphonic Metal Ikonen EPICA ihre tausendste gemeinsame Show und spielen zu diesen Anlass im 013 im niederländischen Tilburg einen großen Jubiläumsevent. Nach vielen ausverkauften Shows in Holland freuen EPICA sich nun diesen Meilenstein bekanntgeben zu dürfen, den sie in derselben Halle feiern, in der sie damals vor 16 Jahren ihr erstes Livekonzert spielen konnten!

Zahlreiche Gäste

Natürlich wird dieses Jubiläum gebührend gefeiert und so hat die Band bereits zahlreiche Special Guests eingeladen, um den Abend unvergesslich zu machen! Die dänische Black Metal Band MYRKUR, sowie die amerikanische Progressive-Metal Band  OCEANS OF SLUMBER sind bereits bestätigt. Weitere Gäste sollen in Kürze bekanntgegeben werden.

Sängerin Simone Simons kommentiert:

Epica – Simone Simons – Turbinenhalle Oberhausen

Damals anno 2002 hätte keiner von uns geglaubt, dass wir jemals unsere 1000. Show spielen würden! Natürlich wäre das niemals möglich gewesen ohne den endlosen Support unserer treuen EPICA Legionen, sodass wir ihnen nun gemeinsam danken wollen mit einem tollen Abend voller cooler Gäste, die mit uns die Bühne teilen!

Gitarrist Mark Jansen fügt hinzu:

Ich erinnere mich noch an unsere allererste Show im 013 von Tilburg, fast als wäre es gestern gewesen. Damals spielten wir im Vorprogramm von ANATHEMA und 16 Jahre später haben wir nun die Ehre an derselben Stelle eine Jubiläumsheadlineshow zu performen! Ohne unsere Fans hätten wir es niemals so weit geschafft, also danken wir euch von ganzem Herzen und hoffen, dass wir uns in Tilburg sehen!

Tickets bereits erhältlich

Early-Bird-Tickets sind bereits verfügbar . Außerdem gibt es spezielle Ticket-Bundles mit exklusiven Showshirts zu bestellen, beide Möglichkeiten könnt Ihr euch HIER sichern.

Am 1. September haben die Symphonic Metal Meister EPICA ihre neue EP „The Solace System“ veröffentlicht! Darauf enthalten sind 6 brandneue Songs, die bereits während dem Aufnahmeprozess ihre letzten Albums „The Holographic Principle“ entstanden sind, und die EP chartete weltweit! HIER könnt ihr unsere Review nachlesen!

Weitere Live-Termine von EPICA

»The Ultimate Principle Tour« w/ VUUR, MYRATH

12.11 DE Berlin – Kesselhaus
13.11 DE Hamburg – Markthalle
14.11 DE Köln – Essigfabrik
28.11 DE Stuttgart – LKA Longhorn
29.11 DE München – Backstage
02.12 CH Pratteln – Z7

Neues Live-Video

Als Appetizer für die Tour gibt es mit ‚Consign To Oblivion‘ ein weiteres neues Live-Video zu sehen. Dieses wurde im Februar diesen Jahres bei EPICAs ausverkaufter Show im Pariser Zénith mitgeschnitten, wo die Band mit 5.000 Fans den Abschluss ihrer bis dato erfolgreichsten Europatour feiern konnte. Der Clip spiegelt die Gier der Band nach ständigen Neuerungen und ihren Drang, ihre Liveperformance ständig zu verbessern, perfekt wider.

Leadgitarrist Isaac Delahaye kommentiert das Video:

Hey EPICA-Legion! Heute gibt es ein weiteres Livevideo, das wir noch auf Lager hatten. Wir freuen uns, Euch mit in die Welt von ‚Consign To Oblivion‘ zu nehmen. Dieser Song bildet normalerweise den Schlusspunkt einer jeden EPICA-Show; er ist bombastisch, steigert sich nach und nach auf eine epische Art und Weise und es macht außerdem echt viel Spaß, diesen Track live zu spielen. Viel Freude mit dem Video, wir sehen uns auf unserer Europatour mit VUUR und MYRATH!

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Neues Album im Gepäck

Natürlich werden die Jungs aus San Francisco auch ihr im Oktober des letzten Jahres erschienenes Album „New Bermuda“ präsentieren. Man darf sich auf energiegeladene Shows voller Intensität freuen, wobei besonders Frontmann George Clarke in seiner unnachahmlichen Live-Präsenz besticht.

Nicht weniger interessant ist der Support-Act Myrkur. Frontfrau Amalie Bruun mixt in absurder Eleganz klaren Engels-Gesang mit harschen Keifern und Black Metal Blasts mit epischen Doomparts.

Ihr könnt also einiges erwarten!

Tourdates

22.03.16 – Hamburg – Uebel & Gefährlich
23.03.16 – Köln – Gebäude 9
24.03.16 – Berlin – Musik & Frieden
25.03.16 – Dresden – Beatpol
30.03.16 – München – Feierwerk
01.04.16 – Karlsruhe – Jubez

Mehr zu Deafheaven auf der Website der Band oder auf Facebook.