Songwriting und -recording gezwungenermaßen mal anders

Natürlich blieb auch Schottland nicht von Corona und den Auswirkungen verschont. Lockdown bedingt wurde das Album diesmal komplett in der Heimat, der schottischen Westküste, aufgenommen. In nur sechs Wochen waren die Aufnahmen im eigens und eigenständig von James und Ben Johnston zum Studio umgebauten Proberaum im Kasten.

Sänger und Gitarrist Simon Neil erzählt zum Album:

Es ist ganz klar unsere Reaktion auf A Celebration of Endings. In dem neuen Album steckt eine richtige Reise: All die Gedanken, Gefühle und Stimmungen, die wir in den letzten 18 Monaten hatten, kollidieren in diesen Stücken. A Celebration hatte diese innere Kraft, aber dieses Mal geht es uns vielmehr um Verletzlichkeit: wie verwundbar wir als Band und als Menschen doch sind in dieser schrägen Phase unseresLebens. Sogar der Titel ist das exakte Gegenteil. Darin steckt die Frage: Legen wir uns diese Narrative einfach nur selbst zurecht, um uns etwas sicherer zu fühlen – obwohl ja doch keiner von uns sagen kann, was uns letzten Endes erwartet?“

The Myth Of The Happily Ever After: Das Album

Insgesamt 11 neue Songs haben es auf das Album geschafft. Alleine die Titel zeugen entweder von totalem Wahnsinn oder von strotzender Kreativität. DumDum oder Slurpy Slurpy Sleep Sleep seien hier mal kurz genannt.

Und diese Songs haben es in sich. Zum Glück haben die Schotten ihren ursprünglichen Plan verworfen, unfertige Songs vom Vorgängeralbum fertigzustellen. Das hört man der Scheibe auch an. Biffy Clyro schaffen es wieder einmal die Balance zwischen den leisen, ruhigeren und den lauten, heftigen Tönen zu treffen. Bei der ersten Gruppe muss man den Opener DumDum, einen ruhigen und von Synthesizern und Samples überlagerten Song, erwähnen. Ungewohnter Einstieg in das Album; obwohl man ja bei Biffy Clyro alles erwarten muss. Denn auch die vermeintlich ruhigeren Songs steigern sich des Öfteren gerne mal in der Intensität.

In der Schublade „Leise“ stecken noch weitere Highlights. Hier hat mir besonders die Kombination von Holy Water und Errors in The History Of God gefallen. Der letztere wäre ein Kandidat für die großen Bühnen, die die Schotten so gerne bespielen. Auf diesen Bühnen würde ich auch gerne Witchs Cup sehen und hören, der für mich eingängigste Song auf dem Album. Haru Urara handelt vom erfolglosesten Rennpferd Japans, dem kein einziger Sieg gelang. Die Textzeile The Best Of The Worst spricht hier Bände.

Mit Existed lege ich den letzten Song in diese Schublade. Das Label ruhig hat er sich aber auch redlich verdient. Folgt man dem Pressetext, war dieser Song verantwortlich für die Entstehung von The Myth Of The Happily Ever After.

Eine Schublade ist zu, die nächste geht auf: Laut.

Und die hat es in sich. Wir starten mit der aktuellen Singleauskopplung A Hunger In Your Haunt, die ihr euch hier direkt im Doppelpack mit Unknown Male 01 anhören könnt. Beide Stücke zeigen eine der Stärken der drei Schotten, das abwechslungsreiche Songwriting.

Denier, den kürzesten Song, sortiere ich direkt daneben ein. Seperate Missions ist wieder einen Tick ruhiger und wird vom treibenden Schlagzeugspiel Ben Johnstons dominiert. Daran ändert auch der Einsatz von Synthesizern und/oder Streichern nichts. Passt hier rein, aber für mich der schwächste Song auf dem Album.

Beim letzten Song Slurpy Slurpy Sleep Sleep schließt sich dann der Kreis zu A Celebration Of Endings. Denn Slurpy ist genauso so durchgeknallt wie Cop Syrup; weit mehr als die erste Minute Text besteht nur aus Slurpy Slurpy Sleep Sleep.

Fazit

Mit The Myth Of The Happily Ever After schließen Simon Neil, James und Ben Johnston an die erfolgreichen Vorgänger an. Die Drei haben in den Songs ihre Gedanken und Gefühle zur Pandamie und des Lockdowns verarbeitet. Dieses merkt man auch an der Aggressivität, die in einigen Songs steckt. Selten so von Biffy Clyro gehört; und wann sah man Simon Neil zuletzt in so einem Outfit? Aber auch die ruhigeren Stücke greifen das Thema auf, sei es Holy Water oder eins der Highlights Errors In The History Of God. Beim Letzteren wird es durch das Klatschen ganz deutlich, aber hört am besten selbst.

Apropos Highlights. Da hat das Album noch ein paar Kracher zu bieten. A Hunger In Your Haunt und Denier sind bei mir da ganz weit oben auf der Liste. Das Tolle an Musik ist ja, dass sich jeder sein eigenes Bild machen kann.

Fazit – jetzt aber wirklich

Absolute Kaufempfehlung! Und damit ist eigentlich alles gesagt. Neueinsteiger werden sicherlich kleine Probleme haben sich mit dem Album anzufreunden. Aber auch diese sollten nach kurzer Zeit überwunden sein.

Biffy Clyro – Live dabei

Bis zum Februar 2022 ist es nicht mehr so weit, denn dann haben wir auch die Chance das Material vom Album live zu sehen. Die Tourdaten sind:

„A Celebration of Endings“ Tour 2022

• 17.02.2022 Hannover, Swiss Life Hall
• 19.02.2022 Berlin, Velodrom
• 21.02.2022 Düsseldorf, Mitsubishi Electric Halle
• 23.02.2022 Frankfurt, Festhalle
• 25.02.2022 München, Zenith
• 04.02.2022 Stuttgart, Porsche Arena
• 16.08.2022 Hamburg, Stadtpark

Hard Fatcs

The Myth Of The Happily Ever After erscheint am 22. Oktober 2021 bei Warner Music. Das Album wird in verschiedenen Varianten und als Stream angeboten. Alles weitere zu den Varianten gibt es hier.

Tracklist:

1. DumDum
2. A Hunger In Your Haunt
3. Denier
4. Separate Missions
5. Witch’s Cup
6. Holy Water
7. Errors In The History of God
8. Haru Urara
9. Unknown Male 01
10. Existed
11. Slurpy Slurpy Sleep Sleep

Biffy Clyro sind:

• Simon Neil – Gesang und Gitarre
• James Johnston – Bass und Background
• Ben Johnston – Schlagzeug, Background und Percussion

Und noch was in eigener Sache

Mehr zu Biffy Clyro findet ihr auf der Homepage, auf Facebook, YouTube und Instagram. Natürlich gibt es noch viele weitere News, Reviews und Live-Berichte aus der Szene der harten Töne bei uns. Um ja nichts zu verpassen, abonniert ihr am besten unseren kostenlosen Newsletter oder folgt uns bei Facebook. Die besten Bilder findet ihr dann bei Instagram und unser YouTube Channel hält noch viel mehr bereit. Schaut mal rein und lasst uns ein paar Kommentare da. Dankeschön!

Korn mit einem typischen Beginn

„The End Begins“ leitet die Platte mit den für Korn typischen Dudelsackklängen ein. „Cold“ ist sehr rhythmusbetont, teilweise verstörend und überrascht dann doch wieder mit Mitsingrefrains. Geht gut ins Ohr, aber schaut einfach selbst unten im Visualizer dazu. „You’ll Never Find Me“ geht in eine ähnliche Richtung, rasante Wechsel zwischen gefälligen Gesangparts und explosiven Riffs, sehr eingängig. Danach folgt „The Darkness Is Revealing“ und es bleibt düster. Trotz dissonanter Gitarrenriffs geht der Song ins Ohr und ist absolut atmosphärisch. Auf „Idiosyncrasy“ werden vermehrt Growls eingesetzt, aber qualitativ fällt der Song für mein Empfinden dann doch ein bis zwei Stufen ab. Perkussiv, kurz und mit Gesang ist „The Seduction Of Indulgence“. Ein interessantes Intermezzo, das direkt in „Finally Free“ übergeht. Die Gitarren arbeiten hier nur atmosphärisch im Hintergrund, während der Gesang im Vordergrund steht und ansonsten Schlagzeug und Bass für den Drive sorgen. Ein harter Zwischenpart darf natürlich trotzdem nicht fehlen.

Korn mit einer ruhigen zweiten Hälfte

Für „Can You Hear Me“ gibt es unten einen weiteren Visualizer zusammen mit dem Trailer zum kommenden The Nothing Podcast. Ein eher ruhiger Song ohne Aggression, aber in der Textzeile „Can You Hear Me? Cause I’m Lost…“ schwingt die ganze Trauer und Verzweiflung von Jonathan Davis mit. „The Ringmaster“ fällt im direkten Vergleich dann leider ab. Der Gesang packt mich hier einfach nicht. Dafür kann „Gravity Of Discomfort“ wieder mehr begeistern und geht gut ins Ohr. Der Härtelevel wird zwischendurch auf „H@rd3r“ wieder etwas höher. Der Refrain ist aber wiederum sehr packend. Viel direkter als mit „The feeling of this loss keeps creeping…“ kann man seine Trauer nicht ausdrücken und so heißt auch der Song einfach „This Loss“. Wahnsinnig emotional und die Unwucht im Song spiegelt die Zerrissenheit von Jonathan Davis perfekt wieder. Der Abschluss heißt dann „Surrender To Failure“ und obwohl sehr kurz gelingt es Korn hier eine gewisse Spannung aufzubauen, die sich im finalen, gehauchten „I’ve failed…“ entlädt.

Korn mit einem sehr persönlichen Album

Korn haben mit „The Nothing“ ein sehr persönliches und gutes Album abgeliefert. Ob es das beste in der Historie von Korn ist? Das muss jeder Fan für sich selber beurteilen, denn dafür sind die Alben zu unterschiedlich. Mir gefällt das Album sehr gut. Es sind ein paar Songs dabei, die nur okay sind. Aber der Großteil überzeugt mich mit seiner dichten Atmosphäre und Emotionalität. Ich denke Korn-Fans werden nach dem doch ein wenig umstrittenen letzten Album begeistert sein. Aber auch Nichtfans werden dem Album eine Menge abgewinnen können. Korn sind mit „The Nothing“ auf jeden Fall auf einem guten Weg ihren Thron zurückzuerobern und ich hoffe definitiv noch auf eine große Europatour zu dem Album.

Korn – Line-Up und Kontakt

Jonathan Davis – Vocals
James Shaffer – Guitar
Brian Welch – Guitar
Reginald Arvizu – Bass
Ray Luzier – Drums

Mehr zu Korn findet ihr auf der Homepage oder bei Facebook. Dort gibt es sicherlich auch etwas zu dem geplanten sechsteiligem Podcast. Alle anderes News, Reviews und Berichte erhaltet ihr, wenn ihr unseren kostenlosen Newsletter abonniert oder uns bei Facebook folgt. Eine Auswahl unserer besten Bilder gibt es bei Instagram und auf unserem YouTube Channel findet ihr neben Interviews Unboxings auch ein paar Dokumentationen. Schaut mal rein und lasst uns ein paar Kommentare da. Wir würden uns freuen.

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Neues Album „Fathers of All…“

Dies also die erste Single-Auskopplung mit dem gleichnamigen Titel der neuen Langrille. Studio-Album Nr. 13 von Green Day wird also auch den Titel „Father of All…” tragen und soll am 07. Februar 2020 via Warner Music erscheinen.

Das einzige Konzert in Deutschland bisher

Die Rock-Ikonen kündigen zudem an, sich im kommenden Jahr auf eine globale Stadiontour mit Fall Out Boy und Weezer zu begeben. Natürlich gibt es auch einen passenden Namen zur Live-Konzert-Reihe. Green Day nennen sie die „Hella Mega Tour.“ Dies wird am 13. Juni in Paris beginnen. Die Herren Billie Joe Armstrong & co. werden mit wechselndem Support-Act anschließend quer durch Europa, UK und Nordamerika reisen. Und daneben auch in Asien spielen. Nur einmal betreten sie bisher deutschen Boden. Nämlich am 03. Juni in der Berliner Wuhlheide (mit Weezer). Tickets gibt es hier bei LiveNation. Ach ja: die neue Single von Weezer mit dem Titel „The End Of The Game“ haben wir von metal-heads.de natürlich auch hier für euch:

Auszüge aus der Bandhistorie

Gegründet 1986 in Berkeley, Kalifornien, sind Green Day mit weltweit über 70 Millionen verkauften Alben und über 10 Milliarden Audio-/Video-Streams eine der erfolgreichsten Bands aller Zeiten. Ihrem 1994 veröffentlichten Durchbruch-Album Dookie – das sich über 10 Millionen Mal verkaufte und Diamant-Status erlangte – wird gemeinhin die Wiederbelebung des öffentlichen Interesses an Punkrock zugeschrieben. Für Green Day markierte das Werk den Beginn einer Karriere voller #1-Hitsingles. 2004 veröffentlichten Green Day die Rockoper American Idiot, die ihnen breite Aufmerksamkeit sicherte, sich allein in den USA mehr als 7 Millionen Mal verkaufte und einen Grammy als „Best Rock Album“ gewann.

Stimmen zu Green Day

Entertainment Weekly nennt die Punkrocker „die erfolgreichste Band ihrer Generation“, der Rolling Stone attestiert: „Green Day haben mehr junge Bands zu ihrem Weg motiviert als jeder andere Act jenseits von KISS – und daran scheint sich so schnell nichts zu ändern.“

Wer weitere Infos zu Green Day benötigt, schaue auf deren Internetseite oder immer mal wieder bei uns auf metal-heads.de vorbei.

Rival Sons doing worse or not?

Also wenn „Do Your Worst“ das das Schlimmste was die Rival Sons zustandebringen… Ein klasse Rocksong, der mir gut gefällt. „Sugar On The Bone“ fällt da nicht ab, schöne Chöre und ein Jay Buchanan in Topform. „Back In The Woods“ beginnt energisch und zeigt deutlich wie sehr die Rival Sons als Band gereift sind, ein perfekt arrangierter Song mit gutem Background Gesang. Jetzt wird erstmals das Tempo etwas rausgenommen und die ersten anderthalb  Minuten von „Look Away“ klingen ungewohnt orientalisch. danach verliert sich der Song allerdings ein wenig und vermag bei mir nicht so richtig zu zünden. Der Titeltrack dafür umso mehr. „Feral Roots“ ist zwar nicht wild, sondern eine psychedelisch angehauchte Ballade, die vom tollen Gesang getragen wird. Eine klasse Leistung die Jay hier abliefert. Bisher mein Highlight.

Rival Sons mit manchmal zu viel Sound

„Too Bad“ das die erste Hälfte schon vorbei ist, aber dieses Stück kann darüber hinweghelfen. Trocken produziert, aber manchmal ein wenig zu viel Soundwand. Die bluesigen Wurzeln kommen bei „Stood By Me“ gut zur Geltung, guter Groove und Beat. „Imperial Joy“ sorgt bei mir allerdings nicht nur für Freude. Alles ist gut und es gibt eigentlich nichts auszusetzen und trotzdem fehlt mir etwas. Die nächste Ballade „All Directions“ gefällt mir wieder viel besser. Tolle Gitarren und grandioser Gesang und dazu eine gelungene Grundstimmung und mit Biss am Ende. Der kommt auch bei „End Of Forever“ zum Tragen. Hier kommt auch die Dynamik des Song wieder besser raus. Zum Abschluss gibt es Gospelchöre in „Shooting Stars“, eine Hymne zum Mitsingen in den großen Hallen.

Rival Sons – gut aber nicht wild

Ein Hype sind die Rival Sons mit Sicherheit nicht und „Feral Roots“ ist ein richtig gutes Retrorock-Album. Die Band hat bei den Touren mit Black Sabbath und den Rolling Stones eine Menge gelernt und Songs geschrieben, die auch im großen Stadion gut ankommen. Aber, und das sind meine zwei Kritikpunkte, der Sound ist mir manchmal zu erdrückend und nimmt mir die Dynamik in den Songs weg. Und mir fehlt die Wildheit, die der Albumtitel andeutet. Manchmal klingen die Rival Sons wie die elder statesmen des Retrorock und nicht wie eine junge Rockband. Nicht falsch verstehen: Es sind erstklassige Song, perfekt dargeboten und Jay Buchanan liefert die wahrscheinlich beste Gesangsleistung seiner Karriere. Aber mir persönlich fehlt das Rohe, Ungezügelte. Aber ich bin fest davon überzeugt, dass das live anders aussehen wird und werde mit Sicherheit dabei sein. Wer das auch will, findet unten die Daten. See you!

Rival Sons – Kontakt und Tourdaten

Mehr Infos zur Band gibt es auf der Homepage oder bei Facebook. Wenn ihr andere Reviews und News nicht verpassen wollt, abonniert ihr am besten unseren kostenlosen Newsletter oder folgt uns bei Facebook. Schaut auch mal in unseren YouTube Channel. Dort findet ihr neben Unboxing Videos und Dokumentationen auch viele Interviews von A wie Accept bis Z wie Zakk Wylde. Nach Support Slots für Black Sabbath und den Rolling Stones kommen die Rival Sons jetzt als Headliner auf Tour. Unbedingt erwähnenswert ist auch der Support bei den kommenden Shows: The Sheepdogs (Homepage | Facebook)aus Kanada. Euch steht also ein exquisiter Konzertabend ins Haus und hier sind die Daten:

17.02.2019 München, Backstage Werk
18.02.2019 Frankfurt, Batschkapp
22.02.2019 Berlin, Huxley’s
24.02.2019 Köln, Essigfabrik
01.03.2019 Hamburg, Docks

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Soen – Martin Lopez über Lotus

We are all very fortunate to have this place where we can go and explore thoughts, perspectives and emotions which everyday life maybe does not have the room for. There are definitely things that we say, and places we go, in Soen which would be very hard to express without us coming together and creating music. The world right now is undeniably a very strange, tense place. I think the songs clearly reflect that, but they also reflect that we must now be stronger than ever in challenging confronting and dealing with the pandemonium life throws at us all.

Soen – erstmals mit Cody Ford an der Gitarre

Produziert von David Castillo und Iñaki Marconi in den Ghostward Studios und Studio 6 zwischen Juli und Oktober 2018 ist „Lotus“ das erste Album mit dem kanadischen Gitarristen Cody Ford. Im Zentrum stehen immer noch die packenden heavy, progressiven Soen Riffs. Songs wie „Rival, „Covenant“ und Martyrs“ sind Dissertationen der modernen Gesellschaft, poetisch voller Konfusion und Chaos jedoch auch voller Stärke, und Schönheit wie der Titel „Lotus“ erahnen lässt. Gefiltert aus diesen Zeiten, die zuweilen wirken wie eine Endlosschleife des menschlichen Rückschritts.

Soen – Line-Up und Kontakt

Joel Ekelöf – Gesang
Martin Lopez – Schlagzeug
Stefan Stenberg – Bass
Lars Åhlund – Keyboards und Gitarre
Cody Ford – Gitarre

Mehr zu Soen findet ihr auf der Homepage oder bei Facebook. Wer keine News oder Reviews verpassen will, abonniert am besten unseren kostenlosen Newsletter oder folgt uns bei Facebook. Viele Interviews mit zum Beispiel Marcus Jidell (Avatarium) findet ihr auf unserem YouTube Channel. Schaut mal rein, Zakk Wylde ist auch mit vertreten.

Rival Sons – unterwegs mit den ganz Großen

Im Frühjahr diesen Jahres hatten Rival Sons bereits als Support von The Rolling Stones auf ganzer Linie überzeugt. Davor haben sie Black Sabbath auf ihrer Abschieds-Tour „The End“ begleitet. Jetzt kommen sie als Headliner auf Tour. Unbedingt erwähnenswert ist auch der Support bei den kommenden Shows: The Sheepdogs (Homepage | Facebook)aus Kanada. Euch steht also ein exquisiter Konzertabend ins Haus. Aber jetzt erst die für uns relevanten Daten und danach mit dem Video zu „Do Your Worst“ einen weiteren Song aus dem Album „Feral Roots“. Have fun!

17.02.2019 München, Backstage Werk
18.02.2019 Frankfurt, Batschkapp
22.02.2019 Berlin, Huxley’s
24.02.2019 Köln, Essigfabrik
01.03.2019 Hamburg, Docks

Rival Sons – Line-Up und Kontakt

Jay Buchanan – Gesang
Scott Holiday – Gitarre
Dave Beste – Bass
Michael Miley – Schlagzeug

Mehr Infos zur Band gibt es auf der Homepage oder bei Facebook. Wenn ihr das Review und viele andere interessante News nicht verpassen wollt, abonniert ihr am besten unseren kostenlosen Newsletter oder folgt uns bei Facebook. Schaut auch mal in unseren YouTube Channel. Dort findet ihr neben Unboxing Videos und Dokumentationen auch viele Interviews von A wie Accept bis Z wie Zakk Wylde.

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Wer kennt den großen deutschen Merchandising Versandhandel nicht? Den EMP Katalog haben wir Ende der 80er schon in der Schule rumgereicht. 1986 gegründet, vertreibt der Versender Merch für Metal und Rock Größen wie Amon Amarth, Guns N‘ Roses,  Iron Maiden, Metallica und viele weitere. Nun wurde folgendes bekannt: Warner Music übernimmt EMP !

Die Warner Music Group steigt bei EMP ein. Der Musikkonzern gab am 17. September 2018 bekannt, eine endgültige Vereinbarung zur Übernahme der EMP Merchandising Handelsgesellschaft abgeschlossen zu haben. Das deutsche Handelshaus soll als eigenständiges Direct-To-Fan-Unternehmen unter Leitung des aktuellen Führungsteams erhalten bleiben. CEO Ernst Trapp und CFO Jan Fischer sollen EMP laut Informationen aus dem Hause Warner Music weiterhin als personell voll ausgestattete Gesellschaft führen.

Das klingt alles also erst mal so, als würde sich nicht viel ändern.

Nach Abschluss der Transaktion soll EMP als eigenständige Einheit unter dem Dach der WEA angesiedelt sein; in dieser internationalen Division unter der Leitung von Präsident Tony Harlow bündelt die Warner Music Group ihre Aktivitäten aus dem Bereich der Künstler- und Label-Services. Als Käufer tritt laut Konzernangaben indes die Warner Music Group Germany auf.

Alle weiteren Infos findet ihr bei den Kollegen von Mediabiz 

Die Geschichte von EMP

EMP wird 1986 von Felix Lethmate gegründet. Das Geschäft beginnt in einer Wohnung in Lingen im Emsland und entwickelt sich in kurzer Zeit zu einem Unternehmen, das im Dezember 2016 mehr als 500 Mitarbeiter europaweit beschäftigt.

Vertrieben werden Tonträger und Merchandising-Artikel (Fanshirts, Banner etc.) von Metal- und Rockbands. Weiterhin sind Musikvideos und Mitschnitte von Live-Auftritten, Filme aller Genres, Fun-Spruch-Shirts und weitere Bekleidungsartikel sowie Accessoires im Angebot. Heute vertreibt das Unternehmen seine Ware in nahezu ganz Europa.

Am 31. Januar 2014 eröffnet ein weiterer Shop in Wien. Weitere Läden befinden sich in Wietmarschen, Essen, Leipzig und Nürnberg.

Im Juli 2015 werden die bisher im Besitz der Gründer befindliche Gesellschaft an die US-amerikanische Private-Equity-Gesellschaft Sycamore Partners, unter anderem auch Eigentümer von Belk Inc., veräußert. EMP bleibt als eigenständige Einheit erhalten.

Halestorm – und die Geier kreisen…

Der Opener „Black Vultures“ ist gefällig, hat einen schönen Refrain  und ist eher rockig als metallisch. Aber ein kleiner, bösartiger Unterton deutet sich schon an. Das kommt in „Skulls“ schon wesentlich deutlicher zum Ausdruck. Gute Vocals von Lzzy Hale und schön eingängig, aber nicht zu gefällig. „Uncomfortable“ war die erste Single-Auskopplung und der Song versprüht eine Energie… Der gehört einfach live auf die Bühne. Warum, das könnt ihr unten im Video sehen.. Eine gute Portion Sleaze kommt bei „Buzz“ ins Spiel. Besonders gut gefällt mir die sich steigernde Dynamik bei dem Song, schöner Spannungsaufbau. Das leicht anrüchige „Do Not Disturb“ kommt mit einem starken Refrain aus den Boxen. Das teils akustische „Conflicted“ offenbart eine andere Seite von Halestorm, die ich noch nicht so recht einordnen kann. Für eine Ballade ist es zu viel, der Song pulsiert förmlich vor unterdrückter Energie. Gefällt mir irgendwie…

Halestorm starten rocking in die zweite Hälfte

Mit einem starken Riff und druckvollem Gesang startet „Killing Ourselves To Live“ um dann im Chorus am Melodic Rock zu kratzen. Gelungene Kombination und prima Gesangsleistung, die sich auch in der Ballade „Heart Of Novocaine“ fortsetzt. Getragen von der Stimme von Lzzy Hale hat der Song genau die Ecken und Kanten und Emotionen, die es braucht um auch in zehn Jahren noch hörenswert zu sein. „Painkiller“ hat nichts mit Judas Priest zu tun, rockt aber ungemein und es geht um Sex. Braucht es mehr Zutaten für einen guten Rocksong? Mit „White Dress“ gibt es dann einen Mutmach-Song, den eigenen Weg ungeachtet aller Widerstände zu verfolgen. Der Titeltrack hat dann den bisher bösartigsten Unterton, gefällt mit toller Rhythmik und starkem Chorus and you can call her Miss Malicious… „The Silence“ beschließt die Platte und ist die zweite Ballade. Es ist ein Rückblick auf die Jugendliebe und anders als das harsche „Heart Of Novocaine“ ist hier die Stimmung eher zärtlich und Lzzys Stimme weht sehnsuchtsvoll erinnernd durch den Raum. Was für ein Abschluss!

Halestorm – einfach gut

„Vicious“ ist ein gutes Rockalbum geworden. Gelungenes Songwriting, gute Produktion, abwechslungsreich und genügend Ecken und Kanten um auch in der Wiederholung interessant zu bleiben. Neben all diesen Qualitäten möchte ich aber besonders die Gesangsleistung von Lzzy Hale hervorheben. Von Bösartig schreiend über harsch bis melodisch-gefühlvoll singend ist alles dabei. Herausragend bei den beiden sehr unterschiedlichen Balladen „Heart Of Novocaine“ und „The Silence„. Was sie hier an Gefühlen und Emotionen transportiert ist grandios. Deswegen, und wegen der Energie, welche die anderen Songs versprühen, ist „Vicious“ für mich ein Pflichtkauf für alle Rockfans. Halestorm präsentieren sich bösartig genug um auch den Metaller anzusprechen, sind aber auch eingängig genug um radiotauglich zu sein. Das so gelungen hinzukriegen ist nicht einfach. Von daher allergrößten Respekt. Wem die Platte nicht reicht, der kann sich im Oktober auch live von den Qualitäten von Halestorm überzeugen. Die genauen Daten findet ihr unten. Wir von metal-heads.de werden uns das garantiert nicht entgehen lassen.

Halestorm – Line-Up, Kontakt und Tourdaten

Lzzy Hale – Gesang und Gitarre
Arejay Hale – Schlagzeug
Joe Hottinger – Gitarre
Josh Smith – Bass

Mehr Infos zu Halestorm findet ihr auf deren Homepage oder bei Facebook. Die Deutschland Daten der anstehenden Tour findet ihr unten. Wer den Konzerbericht und anderes nicht verpassen will, abonniert am besten unseren kostenlosen Newsletter oder folgt uns bei Facebook. „Vicious“ könnt ihr bequem über den Link unten vorbestellen.

11.10.2018 Hamburg, Markthalle
12.10.2018 Berlin, Kesselhaus
14.10.2018 Frankfurt, Batschkapp
15.10.2018 Köln, Live Music Hall
16.10.2018 München, Backstage Werk

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Das 1985 erschienene dritte Werk der Band, wurde komplett remastert – von keinem Geringeren als Steven Wilson. Was remastert und überarbeitet der Mann eigentlich nicht!?

Sänger Derek Dick (aka Fish), Gitarrist Steve Rothery, Keyboarder Mark Kelly, Bassist Pete Trewavas und Percussionist Ian Mosley nahmen ‚Misplaced Childhood‘ im Frühjahr 1985 im Berliner Hansa-Tonstudio auf. Als Konzeptalbum mit zwei durchgehenden Musikstücken, erforscht der Song-Zyklus die Themen verlorene Liebe, verlorene Kindheit und andere komplexe Zusammenhänge.

Mastermind Steven Wilson legte seine Hand an ‚Misplaced Childhood‘

Fangen wir mit der CD 1 an. ‚Pseudo Silk Kimono‘ und ‚Kayleigh‘ kommen differenziert und mit einem breitgefächerten Stereoklang daher. Über allem steht die Stimme von Fish. Das Klavier bei ‚Lavender‘ steht förmlich im Raum und man lauscht den Strophen. Überhaupt sind die Instrumente besser abgemischt und die restlichen Tracks erklingen frisch und man kann sich kaum vorstellen, das die Aufnahmen schon über 30 Jahre alt sind!  Wieder mal ein gelungenes Remaster von Steve Wilson, welches sich vom 1998er-Remaster der gleichen Scheibe deutlich abhebt.

Das auf der CD 2 und 3 vorliegende komplette Livekonzert wurde im Jahre 1985 im Muziekcentrum Vredenburg in den Niederlanden mitgeschnitten. Die Band hatte dort alle Stücke von ‚Misplaced Childhood‘ in voller Länge gespielt und dazu noch einige ihrer alten Lieder.

‚Emerald Lies‘ als Einleitung geht nahtlos in ‚Script For A Jester’s Tear‘ über. Der Klang dieses Livekonzertes hätte durchaus mit der Studio-CD mithalten können. Glasklar, strukturiert und perfekt abgemischt, kommt dieses Konzert endlich in unsere Zimmer. Und es macht eindeutig Spaß zuzuhören, wie das holländische Publikum begeistert mitgeht, wobei die Musik immer präsent ist und nicht im Geklatsche untergeht. Nach den 5 Stücken von den Alben ‚Script For A Jester’s Tears‘ und ‚Fugazi‘, kommt dann auf CD 3 das komplette ‚Misplaced Childhood‘ in umwerfender Darbietung zu Gehör.

Fish war an diesem Abend eh in bestechender Form und hört euch nur mal ‚Chelsea Monday‘ am Ende an. Alle 10 Tracks von ‚Misplaced Childhood‘ überzeugen auch live und man merkt den Musikern die Spielfreude an.

Marillion überzeugen mit einer grandiosen Show

Immer wieder sind es die Anekdoten und Ansagen zu den einzelnen Tracks, bei denen man unweigerlich schmunzeln muss. Der letzte Livetrack  ‚Market Square Heroes‘ ist gleichzeitig auch ihre erste Veröffentlichung aus dem Jahre 1982.

CD 4 kommt mit 18 Demos, Remixen und B-Sides daher. Die Demos von ‚Kayleigh‘, ‚Lavender‘, ‚Pseudo Milk Kimono‘ plus den anderen, sind interessant und in frühen Versionen zu hören. Auch hier ist die Klangqualität oft hervorragend und kann durchaus mit den Studioversionen mithalten.

Fazit: Für Fans ein Pflichtkauf und für alle anderen sicher ein Hörtip! Marillion waren derzeit auf der Höhe ihres Erfolgs.

4CD/BluRay Tracklist

CD1: Misplaced Childhood
(2017 Remaster)

1. Pseudo Silk Kimono
2. Kayleigh
3. Lavender
4. Bitter Suite
5. Heart Of Lothian
6. Waterhole (Expresso Bongo)
7. Lords Of The Backstage
8. Blind Curve
9. Childhoods End?
10. White Feather

CD2: Live at Utrecht 1985

1. Emerald Lies (intro)
2. Script For A Jester’s Tear
3. Incubus
4. Chelsea Monday
5. The Web

CD3: Live at Utrecht 1985 (continued)
“Misplaced Childhood”

1. Pseudo Silk Kimono
2. Kayleigh
3. Lavender
4. Bitter Suite
5. Heart Of Lothian
6. Waterhole (Expresso Bongo)
7. Lords Of The Backstage
8. Blind Curve
9. Childhoods End?
10. White Feather
11. Fugazi
12. Garden Party
13. Market Square Heroes

CD 4: Demos & B-Sides (2017 Remaster)

1. Lady Nina
2. Freaks
3. Kayleigh (Alternative Mix)
4. Lavender Blue
5. Heart Of Lothian
6. Lady Nina (Steven Wilson Stereo Remix)
7. Pseudo Silk Kimono (Demo)
8. Kayleigh (Demo)
9. Lavender (Demo)
10. Bitter Suite: Brief Encounter/Lost Weekend (Demo)
11. Lords Of The Backstage (Demo)
12. Blue Angel (Demo)
13. Misplaced Rendezvous (Demo)
14. Heart Of Lothian: Wide Boy/Curtain Call (Demo)
15. Waterhole (Expresso Bongo) (Demo)
16. Passing Strangers: Mylo/Perimeter Walk/Threshold (Demo)
17. Childhood’s End? (Demo)
18. White Feather (Demo)

BluRay:
Childhood Memories (Documentary 72 mins)

Misplaced Childhood – Steven Wilson 5.1 Surround Mix
Lady Nina – Steven Wilson 5.1 Surround Mix
Lady Nina – Steven Wilson Stereo Remix
Misplaced Childhood – 96/24 Stereo Remaster

Kayleigh (Promo Video)
Lavender (Promo Video)
Heart of Lothian (Promo Video)
Lady Nina (Promo Video)

Live Konzerte:

19.07. Hamburg – Große Freiheit
21.07. Berlin – Huxleys Welt
22.07. Bremen – Musical Theater
23.07. Köln – E-Werk
25.07. Frankfurt – Batschkapp
26.07. Nürnberg – Löwensaal

[amazonjs asin=“B071YS3XYV“ locale=“DE“ title=“Misplaced Childhood (Deluxe Edition) (4 CDs, 1 Blu-ray Box-Set)“]

2012 hatten Metallica ihren Deal mit Warner Music neu verhandelt und entschieden, dass sämtliche Rechte aller Master-Bänder an die Band gehen. Sinn dieser Aktion war es, den Musikkatalog der Band selbst zu verwalten. Gleichzeitig gründete man das Bandlabel Blackend Recordings, über das sämtliche Werbeaktivitäten zu diversen geplanten Veröffentlichungen laufen werden. Als europäischen Vertriebspartner wählten die Jungs aus San Francisco Universal Music. In Nord-Amerika wird Rhino Entertainment dafür zuständig sein.

Seit dem 14. April 2016 haben Fans die Möglichkeit, die Früchte dieses Geschäftsplans zu ernten. Metallica hatten im Teaservideo zum Record Store Day angekündigt, die Alben „Kill ’Em All“ und „Ride The Lightning“ zu überarbeiten und wieder zu veröffentlichten. Rausgekommen sind 2 Deluxe-Boxen die neben einer CD- und Vinyl-Veröffentlichung auch diverse Singles, Poster, DVDs und Bücher beinhalten.

Kill ’Em All auf dem Prüfstand

metal-heads.de hat die große Ehre, die 2 remasterten CDs auf Herz und Nieren zu prüfen und hat euch sämtliche Fakten aufgelistet. Dafür wurde die Kill ’Em All 2016 Veröffentlichung und eine Kill ’Em All Veröffentlichung aus dem Jahr 1997 gegenübergestellt.

Das Packaging

Kill ’Em All 2016 kommt in einem Digipack in die Geschäfte dieser Welt. Optisch soll dies eine Anspielung auf ein Double Gatefold-Cover einer Schallplatte sein. Das Problem bei dieser Wahl der Verpackung als CD ist die Pappe. Ist diese von der Grammatur zu dick und wird in der Druckweiterverarbeitung unsauber gearbeitet, entstehen Fehler bei der Falzung. Das Resultat sind Knicke, Dellen, das Cover es lässt sich nicht schließen und die Rückseite guckt 3-4 Millimeter raus. Dies trifft auf meiner CD-Ausgabe leider zu. Die Verpackung wirkt damit alles andere als hochwertig.

Die Gestaltung

Vergleicht man das Front– und Back–Cover sowie das Booklet mit der älteren Ausgabe der CD, fällt mir direkt auf, dass keine Kosten gescheut wurden für ein Re-Design der 2016er Version. Das Bandlogo sowie die Typografie im Booklet sind ausgetauscht und komplett neu gesetzt. Das Coverbild von Jon Zazula und das Bandphoto wurden nachbearbeitet und wirken nun etwas moderner. Generell gefällt mit das „Facelifting“ zumal die Farben nun kraftvoller und frischer wirken.

Der Sound

Hier punktet die Re-Issue auf voller Linie! Das Schlagzeug hört sich viel knalliger an und nicht mehr so stumpf. Die Tom-Toms sind lauter, die Bassdrum hämmert und die Becken krachen. Cliff Burton´s Bass zupft deutlich dominanter und knackiger zu den Gitarren von Hetfield und Hammett. Die Soli beider Gitarristen kommen saftiger daher. Ein weiterer postiver Punkt ist die überarbeitete Stimme des damals sehr jungen Metallica-Frontmanns. Diese besitzt nun etwas weniger Hall und wirkt daher nicht mehr so verschwommen. Hier bin ich sehr positiv überrascht, was man aus einer 30 Jahren alten Aufnahme rausholen kann.

Das metal-heads.de Fazit

Bei einem Re-Issue stellt sich immer die Frage, braucht man diese wirklich? Diese Frage kann man so Pauschaul nicht beantworten. Es gehören immer diverse Faktoren dazu, die bei jedem unterschiedlich sind und gerade bei der größten Metalband aller Zeiten scheiden sich die Geister. Man kann A. Die Leute verstehen, die sagen: „Warum braucht man ein Re-Issue von einem Metal-Klassiker? Die originale Platte spiegelt den Stand der Musik, Technik und Band wieder. Alles andere wäre fusch am Bau“ aber auch die Gruppe B. Die sagen: „Naja, Anfang der 80er war die Technik nicht so gut und wird daher einem Klassiker nicht gerecht. Eine Mona Lisa im Louvre wird auch alle paar Jahre restauriert“.

Auch wenn es deutliche Abzüge bei dem Packaging gibt, wurde Zeit und Geld in die Hand genommen, um den Fans etwas zu bieten. Der Sound wurde 1A nachbearbeitet, sowie viele Elemente deutlich verbessert und hervorgehoben. Persönlich hätte ich jedoch nicht die ersten 2 Alben von Metallica überarbeitet, sondern die letzten 2 Alben– „Death Magnetic“ aufgrund der Kompression (Stichwort: War Of Sound) und „St.Anger“ bezüglich der Snare. Aber, es ist ja noch nicht alle Tage Abend und die nächste Re-Issue Welle lässt bestimmt nicht lange auf sich warten.

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Die neuesten Informationen der Band erhält man unter: facebook.com/Metallica