Guten Tag Leute und willkommen zu einem weiteren gemischten Newsbeitrag bei metal-heads.de! Wir haben die Neuigkeiten aus der vielfältigen Szene für euch zusammengetragen und hier kommt die entsprechende Übersicht. Los geht es heute mit einer coolen Sache. So haben sich die beiden Szenegrößen MASTODON und LAMB OF GOD zusammengetan und haben eine gemeinsame Single mit dem Titel „Floods of triton“ herausgebracht. Der Song steht im Zeichen der gemeinsamen Arena-Tour der beiden Bands. Hier kommt die Musik für euch:

BLACKBERRY SMOKE beehren die hiesigen Breiten mit einer Tour und man hat Bones Owens als Support im Gepäck. Man möchte den Fans das aktuelle Album „Be right here“ auch live näherbringen. Hier könnt ihr die Band auf den Konzerten erleben:

24.09.2024 Berlin, Columbiahalle
25.09.2024 A-Wien, Gasometer
26.09.2024 München, Tonhalle
29.09.2024 Köln, E-Werk
30.09.2024 CH-Zürich, Kauflauten

MASTODON, BODY COUNT & mehr

Eine neue Single haben MYSTYC BLADE für uns am Start. Wir freuen uns, euch heute das offizielle Lyric Video zu „Turn the page“ vorspielen zu können. Das ist ordentlicher Heavy Metal, was meint ihr zu der Nummer?

„Comfortably numb“ ist ein Klassiker unter den Songs von PINK FLOYD. Und wer überrascht uns jetzt mit einer eigenen Interpretation dieses Tracks? Kein Geringerer als Ice-T mit BODY COUNT. Man hat sich noch Kult-Gitarrist David Gilmour dazu geholt. Wir haben die neue Version für euch. Und dazu können wir auch noch im selben Atemzug verkünden, dass BODY COUNT noch dieses Jahr ein neues Studioalbum herausbringen werden. Wir müssen uns aber noch bis zum 22.11.2024 gedulden. Dann erscheint „Merciless“ über Century Media. Wir bleiben da für euch natürlich am Ball.

Bevor in wenigen Tagen das neue FEVER 333-Release in den Handel kommt, versorgt uns die Band noch mal mit einem neuen Video. Es gehört zur Single „Murderer“ und wir haben das Ganze natürlich für euch am Start. Bitte sehr – echt eine emotionale und starke Nummer:

TETRARCH mit frischem Wind…

Leute…satte 3 Jahre haben TETRARCH ihre Fans schmoren lassen. Jetzt hatte man aber endlich Erbarmen und hat eine neue Single mit dem Titel „Live not fantasize“ abgefeuert. Der Track hat Pfeffer und doch auch genug Melodie. Da hat die vierköpfige Truppe schon amtlich was abgeliefert. ist das schon ein Vorbote auf das dritte Studioalbum? Das wäre cool…ich bin auf jeden Fall angefixt und bleibe am Ball. Hier das Video mit energiegeladenem Nu Metal für euch:

Der Rausschmeißer dieses Newsbeitrags kommt heute von NEW SKELETAL FACES. Die Death Rocker aus dem sonnigen Kalifornien haben die Veröffentlichung ihres kommenden Albums für den 01.11.2024 anvisiert. Die Scheibe wird „Until the night“ heißen und schon heute können wir euch den Titeltrack als Single vorstellen. Video ab:

Die Review zum aktuellen Live-Release „Back to live“ habt ihr ja hier bei www.metal-heads.de geliefert bekommen. Ich kenne und verfolge SYLVAN und deren Musik schon seit etwa 20 Jahren. Umso mehr freue ich mich, Sänger Marco Glühmann ein paar Fragen stellen zu können…hier kommen seine Antworten.

MH.de: ja, ich kenne SYLVAN schon eine ganze Weile und habe euch auch schon öfter live erleben dürfen. Ihr blickt ja auf eine lange Bandgeschichte zurück und das finde ich diesen schnelllebigen Zeiten wirklich beeindruckend. Da frage ich mich, welche Ziele als Band man sich da (noch) so setzt? Vielleicht kannst du ja mal damit anfangen, was ihr als die größten Erfolge und Errungenschaften der bisherigen Karriere erachtet und darauf „aufbauen“!?

Marco: Ja, wir haben schon eine echt lange und schöne Historie hinter uns. Der größte Erfolg ist sicherlich alleine schon, so lange dabei zu sein und immer noch die Leute mit der Musik erreichen zu können. Aber natürlich zählt die Platte „Posthumous Silence“ sowie die damalige PS-Show sicherlich zu den größten Erfolgen. Auch, dass wir mit so vielen Prog-Größen, wie z.B. MARILLION, FISH, PORCUPINE TREE, SPOCK‘S BEARD, ARENA, PENDRAGON, ASIA (um nur einige zu nennen) spielen konnten, aber auch schon so viele Shows auf der Welt geben durften, ist schon echt klasse! Was wir noch so als Ziele haben? Na ja, uns macht es halt Spaß kreativ zu sein und dies den Leuten zu präsentieren – was da noch so kommt, werden wir sehen.

MH.de: ich gehe mal davon aus, ihr könnt nicht von der Band alleine leben. Was habt ihr so für Dayjobs?

Marco: Nein, von der Musik können wir leider nicht leben. Wir sind in so unterschiedlichen Berufen wie Klavierlehrer (Volker), Verlagswesen (Matthias), Mediengestalter (Sebastian) oder Risikomanager (Marco) unterwegs. Das macht es natürlich nicht einfacher, Beruf, Familie und Musik unter einen Hut zu bekommen.

SYLVAN – Interview mit Marco Glühmann

MH.de: ihr spielt ja jedes Jahr eine kleine Tour zum Jahresende. Wie ist es eigentlich zu dieser Tradition gekommen? Und wie kam die Entscheidung zustande, jetzt „mal wieder“ ein Live-Release auf der Tour aufzunehmen?

Marco: Vor allem machen wir immer ein Weihnachtskonzert in Hamburg zum Jahresende. Das ist so eine schöne Tradition, um in unserer Heimatstadt die Fans mit ein paar ‚exotischeren‘ Songs aus unserem Repertoire beglücken zu können – immer wieder was ganz Besonderes, wie auch dieses Jahr am 22. Dezember. Das Live-Recording im Oktober letzten Jahres war eine tolle Möglichkeit, endlich mal wieder eine Live-Scheibe nach „Leaving Backstage“ zu veröffentlichen und nach einer längeren Livepause zu zeigen, dass SYLVAN noch da ist.

MH.de: das Venue in den Niederlande wurde ja (ähnlich wie das 013 in Tilburg) schon öfter für Live-Aufnahmen genutzt. Wieso habt ihr euch gerade für diese Konzerthalle entschieden?

Marco: Das hat sich irgendwie so ergeben, da die Videotechnik dank John Vis am Start war, die Location echt klasse ist und RPWL in Zoetermeer auch ihre Live-Platte aufgenommen haben. Wir haben dann entschieden, darauf aufzusatteln und das Ergebnis ist ein echt tolles Produkt!

MH.de: welche Bands würdet ihr als eure deutlichsten Einflüsse bei der Erschaffung eurer Musik benennen und mit welchen würdet ihr noch gerne (z.B. als Support auf deren Tour oder auf einem größeren Festival) mal auftreten?

Marco: Das ist echt schwer zu sagen, da jeder von uns andere Inspirationsquellen hat und sich diese auch im Verlauf der Zeit ändern. Sicherlich gehören für uns alle irgendwie PINK FLOYD, MARILLION und QUEEN dazu, aber auch klassische Musik. Für mich persönlich, sind die BEATLES, aber auch COLDPLAY oder Steven Wilson/PORCUPINE TREE zu nennen. Wenn Du mich fragst, mit wem wir noch gerne auftreten würden? Vielleicht DREAM THEATER, aber auch LEPROUS wäre schon echt cool.

MH.de: die Veröffentlichung eures letzten Studioalbums liegt ja eine Weile zurück. Und auch wenn ihr ja gerade erst das Live-Material veröffentlicht habt, fragt sich der geneigte SYLVAN-Fan sicherlich, wann der Gang ins Studio für Aufnahmen neuer Songs ansteht?

So schnell ist kein neues SYLVAN-Album in Sicht…

Marco: Das ist eine gute Frage, aber gar nicht so einfach zu beantworten, da wir ja aufgrund unterschiedlichster Prioritäten immer nur schrittweise planen können. Aber wir haben schon etwas mit neuen Songideen angefangen und wenn alles gut läuft, könnten wir Ende nächsten Jahres den Weg ins Studio finden. Let’s see …

MH.de: Wie seht ihr die nähere musikalische Zukunft? Setzt ihr euch gezielt zusammen, um neues Material zu komponieren oder entstehen die Songs „nebenbei“ im Alltag und werden dann bei den Recording-Sessions zusammengetragen? 

Marco: Wir wollen uns diesmal wieder gezielt zusammensetzen, um neues Material zu erarbeiten. Das war nicht immer so – die letzten Alben sind auch sehr viel in separaten Working Sessions entstanden.

MH.de: wie ist bei euch die Arbeitsteilung beim Komponieren der Musik bzw. dem Erschaffen der dazugehörigen Texte? Und wie steht ihr zu Instrumentalstücken?

Marco: Wir versuchen schon, jeden von uns auch kreativ einbringen zu lassen. Ein Großteil der Kompositionen kam in letzter Zeit schon von Volker, aber SYLVAN zeichnet sich grundsätzlich durch gemeinsame Kompositionsarbeit aus. Die Gesangsmelodien und Texte werden eigentlich immer von mir beigetragen. Und, na ja, nach Instrumentalstücken brauchst Du einen Sänger nicht zu fragen … ich brauch‘ einen Gesang als Ankerpunkt, sonst ist das nix für mich . Aber für längere lange Instrumentalphasen ist sich SYLVAN natürlich nie zu schade!

MH.de: manche Bands schreiben ihre Texte ja eher gesellschaftskritisch und greifen mehr oder weniger aktuelle „heiße Themen“ an oder zeichnen düstere Zukunftsszenarien. Andere dagegen sind mehr fiktional unterwegs. Welche Tendenzen gibt es da bei euch und hat es da mit der Zeit ggf. einen Wandel gegeben?

Die Texte sind durchaus gesellschaftskritisch…

Marco: In meinen Texten findest du viel Gesellschaftskritik inklusive aktueller Themen (wie z.B. Künstliche Intelligenz als Konzept auf dem letzten Album) oder auch düstere Zukunftsszenarien (siehe „Posthumous Silence“ oder andere). Viel ist aber auch aus dem sehr persönlichen Kontext, der menschlichen Psyche, den Emotionen, den Menschen um uns herum inspiriert.

MH.de: wie seht ihr eure eigene musikalische Entwicklung in den letzten Jahren? Welche Veränderungen würdet ihr benennen und wo seid ihr euch eher „treu geblieben“?

Marco: Wir versuchen auf den Alben schon immer wieder neue musikalische Elemente reinzubringen, wissen aber von der Albumkompositionen niemals so richtig, wo es uns hinführen wird – und letztendlich bleibt im Kern immer der unverkennbare SYLVAN-Spirit. Natürlich gibt es eine Entwicklung, aber die Alben sind auch immer geprägt durch die Herangehensweise der Erarbeitung (z.B. ist „Sceneries“ aus Sessions heraus entstanden, während bei „Home“ oder auch „One to Zero“ sehr viel separat vorproduziert wurde), aber auch die Lebens- und Schaffensphase bei der Entstehung der Alben. Treu bleiben wir uns natürlich immer …

MH.de: die Musikszene hat sich mit der Digitalisierung und der Verbreitung des Internets und dessen Nutzung durch die „breite Masse“ verändert. Früher ging es um Tonträgerverkäufe, heute kursieren Begriffe wie Downloadcharts. Es gibt ja immer ein für und wider. Wo seht ihr die Vor- bzw. Nachteile der Entwicklung und wie geht ihr als Band damit um bzw. welche Konsequenzen zieht ihr für euer Handeln daraus (das meine ich einmal als Konsument bzgl. der Musik von anderen Künstlern und andererseits bezogen auf SYLVAN?

Vor- und Nachteile der Digitalisierung

Marco: Ja, hier hat sich viel verändert – die Verkaufszahlen von physischen Tonträgern (vielleicht mit Ausnahme von Vinyl) gehen runter und die digitalen Verkaufskanäle werden immer wichtiger. Wir sind immer noch aus der Generation der „haptischen“ Käufer – die CD oder Vinyl als Produkt in der Hand zu haben ist einfach unersetzlich. Zudem profitiert der Künstler nur wirklich noch beim physischen Verkauf (es sei denn, man zählt zum Mainstream mit hohen Stream-Volumen). Andererseits erreicht man weit mehr Personen durch den digitalen Kanal – jedoch aufgrund der Fülle des Angebots und der sich einschleichenden Kultur, Musik nur noch nebenbei und am besten auch Gratis konsumieren zu können, mit einem bitteren Beigeschmack.

MH.de: im Rahmen eurer langjährigen Bandgeschichte habt ihr ja sicher ausreichend Erfahrung mit Festivalauftritten. Macht es für euch einen Unterschied, am Nachmittag bei strahlender Sonne auf einem Open Air Event zu spielen, oder bei einem Hallen-Gig – ggf. selber als Headliner – auf der Bühne zu stehen? Oder freut ihr euch einfach immer noch über jede Auftrittsmöglichkeit, bei der man ja letztlich die Möglichkeit bekommt, sein Material vorzustellen (gerade bei Festivals kommen die Leute ja nicht unbedingt wegen einem selbst, sind aber dennoch womöglich interessiert, neue Bands und deren Musik kennenzulernen)?

Marco: Beides hat seinen Charme und beides wollen wir nicht missen. Die Festivalauftritte – wie zum Beispiel gerade in diesem Sommer unsere 6. Appearance auf dem Night of the Prog-Festival auf der Loreley – sind immer etwas ganz Besonderes. Vor so vielen Leuten und mit so vielen anderen Bands auftreten zu können, bei so einer klasse Stimmung – das ist nicht zu ersetzen. Andererseits sind unsere Auftritte, wo wir im alleine im Fokus stehen auch essentiell. Hier können unsere Fans uns dann hautnah und mit einer weitaus größeren Setlist hören und sehen.

MH.de: Bevor wir zum Ende kommen, haben bei uns immer die Bands das letzte Wort. Jetzt könnt ihr also eine Message an unsere Leser, eure Fans etc. verbreiten. Was wäre das für eine Mitteilung?

Die Fans sind das Wichtigste!!

Marco: Ihr als Fans seid für uns Bands der wichtigste Support. Ohne Euch, ohne Eure Konzertbesuche, ohne Euch als Konsumenten, ohne Euer wertvolles Feedback und Eure Emotionen, würde unsere Musik ins Leere laufen. Dank Euch dafür! Und an all die, die uns noch nicht kennen: Give it a try!

MH.de: Danke vielmals Marco für die Zeit für dieses Interview und die Beantwortung der ganzen Fragen und wir wünschen euch viel Erfolg mit „Back to live“ und freuen uns, euch bald mal wieder live auftreten zu sehen! Alles Gute!

(Live-Fotos: SYLVAN, beim Auftritt 2016 in Oberhausen – (c) metal-heads.de / Amir Djawadi)

Pictures of You und Portable Door könnt ihr hier nochmal anschauen.

Mitten im Sommer und der Rockfestival-Saison veröffentlicht Deep Purple heute „Lazy Sod“, die dritte Single aus ihrem kommenden Album „=1“.

Auf die Entstehung des Songs angesprochen, erklärte Frontmann Ian Gillan in einem Interview: 

„Kürzlich fragte mich eine junge deutsche Journalistin, wie viele Songs ich denn wohl geschrieben hätte in meinem Leben. Ich antwortete: Das letzte Mal, als meine Sekretärin vor zwanzig Jahren gezählt hat, waren es über 500. Ich war selbst ein bisschen beeindruckt von mir und dachte: Gar nicht schlecht. Und dann sagte sie nur, Dolly Parton hätte über 5.000 geschrieben. Dazu meinte die Journalistin: Dann bist Du also ein fauler Sack (‘lazy sod‘). Ich habe höflich zugestimmt und dieses Erlebnis sofort in meinem Notizbuch festgehalten.“ (ROCKS, Juni 2024)

Das neue Album „=1“, erneut produziert von der Ikone Bob Ezrin, fängt den reinsten klassischen Deep Purple-Sound ein, ohne auf Nostalgie zurückzugreifen. 

Zwei Wochen vor seiner Veröffentlichung am 19. Juli wird der weltweite Beifall für „=1“ lauter. Kritiker feiern es bereits als einen Deep Purple „Klassiker“ (ROCKS, Deutschland), geben dem Album die perfekte Bewertung 10/10, bezeichnen es als „höchst empfehlenswert“ (Fireworks, UK) und feiern „=1“ als Deep Purple’s „besten Moment dieses Jahrhunderts“. (Classic Rock, UK)

Zum neuen Album

Zur Feier des neuen Albums wird Deep Purple während ihrer =1 MORE TIME-Tournee in diesem Jahr weltweit mehr als 60 Konzerte geben.

Mit drei aufeinanderfolgenden Nummer-1-Alben in der Tasche und einer neuen Energie, die sie vorantreibt, befinden sich Deep Purple auf dem Höhepunkt ihres Schaffens. „Now WHAT?!“ (2013), „inFinite“ (2017) und „Whoosh!“ (2020) verkauften weltweit über eine Million Exemplare und machen Deep Purple zu einer der erfolgreichsten Rockbands der Gegenwart. Das letzte Studioalbum „Whoosh!“ erreichte in sieben Ländern Platz 1 der Albumcharts und platzierte sich in weiteren 12 Ländern in den Top 10. 

Das neue Album „=1“ ist ab dem 19. Juli erhältlich als Ltd. CD+DVD (Digipak), CD (Jewelcase), 2LP Gatefold (black, 180g), Ltd. Purple 2LP Gatefold (180g), Ltd. Crystal Clear 2LP (180g) und Ltd. Box Set [2LP Gatefold (180g), Ltd. CD+DVD Digipak, 3x exklusive 10″-Vinyl-Editionen mit Live-Aufnahmen der Deep Purple Tour 2022, exklusives Collector‘s-T-Shirt (Größe XL), 2x exklusive Gitarren-Plektren, Art Print, Schlüsselband (Lanyard), und die einmalige Chance, das Golden Ticket zu gewinnen, das Zugang zu allen Shows der Deep Purple =1 MORE TIME-Tour gewährt]
Alle LPs enthalten ein reichhaltiges 12-seitiges Booklet im LP-Format mit Zeichnungen und allen Songtexten – exklusiv nur in der Erstauflage!

Die Bonus-DVD zeigt den ca. 60-minütigen Dokumentarfilm „Access All Areas“, der Deep Purple auf Tournee backstage begleitet und einen exklusiven Blick hinter die Kulissen gewährt.

Exclusiver Merch

Weitere exklusive Artikel sind über den offiziellen Album-Store erhältlich: Ltd. 2LP Picture Disc, Ltd. Cassette, streng limitierte Leinwand – von allen Bandmitgliedern signiert und weltweit auf nur 150 Exemplare begrenzt – sowie verschiedene weitere Merchandise-Artikel.
 
„=1 MORE TIME“-Tour in Deutschland, Österreich und der Schweiz
20.06.2024 Solothurn – Summerside AG Festival Airport Grenchen, CH
08.07.2024 Montreux – Montreux Jazz Festival, Place du March – Open Air, CH
16.07.2024 Innsbruck – Olympiahalle, AT
18.07.2024 Salem – Schloss, Castle Grounds – Open Air, DE
19.07.2024 Dresden – Elbufer Open Air, DE
21.07.2024 Winterbach – Zeltspektakel, DE
19.10.2024 Berlin – Max Schmellinghalle, DE
20.10.2024 Erfurt – Messehalle, DE
22.10.2024 Mannheim – SAP Arena, DE
23.10.2024 Munich – Olympiahalle, DE
25.10.2024 Essen – Grugahalle, DE 
Tickets sind erhältlich unter www.deeppurple.com

Über Deep Purple 

 
Es gibt einfach nicht genügend Superlative, um den Beitrag von Deep Purple zur Rockmusik angemessen zu würdigen. Nachdem sie mehr als 100 Millionen Alben verkauft und jahrzehntelang weltweit Arenen gefüllt haben, ist es wenig verwunderlich, dass der angesehene britische Radiosender Planet Rock die Gruppe als ‚5. einflussreichste Band aller Zeiten‘ bezeichnete. Ebenso erhielt die Band den ‚Legend Award‘ bei den World Music Awards 2008 und wurde 2016 in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen. Deep Purple sind wahrhaftiger „Rock-Adel“. 
 
Mit einem Werk, das sich über sieben Jahrzehnte erstreckt, gelten Deep Purple als Wegbereiter des Genres Hard Rock, welches sie seit jeher prägen. Deep Purple standen niemals still, erschlossen sich progressiv neue (musikalische) Bereiche und hielten ihren Sound stets frisch – was Fans der ersten Stunde genau so honorieren wie neu dazugewonne. In der gefeierten MKII-Besetzung mit Ian Gillan, Roger Glover, Ian Paice, Jon Lord und Ritchie Blackmore erschuf die Band viele der definierenden Rockalben der frühen 70er Jahre, einschließlich „Made In Japan“, zweifelsfrei einem der wichtigsten und einflussreichsten Live-Alben aller Zeiten. 
 
Bekannt als eine der am härtesten arbeitenden Bands überhaupt, veröffentlichten Deep Purple seit ihrer Gründung im Jahr 1968 non-stop, sie erschufen zahlreiche Nummer-1-Alben, verbringen seit jeher einen Großteil des Jahres auf Tour und füllen Arenen auf der ganzen Welt. 
Deep Purple blieben ihren musikalischen Wurzeln stets treu, ihr Sound, eine eklektische Mischung unterschiedlicher Stile, ist unverwechselbar und definiert die Band bis heute. Deep Purple erschufen ein Vermächtnis, das nur sehr wenige Bands jemals zu replizieren hoffen können. Ihr diverses Publikum reicht von jung bis alt, auch dank ihrer zahlreichen weltbekannten „Klassiker“. 
 
Das zuletzt erschienene Studioalbum von Deep Purple, „Whoosh!“ (2020), folgte auf ihre weltweit an der Spitze der Charts stehenden Alben „inFinite“ (2017) und „NOW What?!“ (2013). 2024 wird ihr brandneues Album „=1″ veröffentlicht. All diese Alben entstanden in Zusammenarbeit mit Produzent Bob Ezrin, der bereits mit Künstlern wie KISS, Pink Floyd, Lou Reed und Alice Cooper zusammengearbeitet hat. 
 
Die Band führte ihre Zusammenarbeit mit Ezrin 2021 während der Pandemie fort, es entstand eine Sammlung von Cover-Songs, die sie in ihren eigenen Häusern aufnahmen (normal für die meisten Bands heutzutage, revolutionär für eine Band, die üblicherweise alles gemeinsam im Studio aufnimmt), und feierte ihrer musikalischen Wurzeln in Form des Albums „Turning To Crime“. 
 
Im Jahr 2022 verließ Gitarrist Steve Morse aus persönlichen Gründen Deep Purple. Deep Purple suchten sich die meisterhaften Fähigkeiten des Gitarristen Simon McBride und spielten das Jahr stilvoll aus und begeisterten das Publikum mit neuer Energie und Begeisterung.
 
Ian Gillan, Roger Glover, Ian Paice, Don Airey und Simon McBride schreiben die außergewöhnliche Geschichte von Deep Purple fort, indem sie mit neuer Energie und Kraft die Grenzen des Hard Rocks erweitern und ein weltweites Publikum begeistern. 
 
Deep Purple sind hier, um zu bleiben.

Tracklisting (CD/2LP):

Side A

1. Show Me
2. A Bit On The Side
3. Sharp Shooter
4. Portable Door
   Side B
5. Old-Fangled Thing
6. If I Were You
7. Pictures Of You
8. I’m Saying Nothin’
   Side C
9. Lazy Sod
10. Now You’re Talkin’
11. No Money To Burn
    Side D
12. I’ll Catch You
13. Bleeding Obvious
     
    Tracklisting (DVD):
    Disc 1: Tracks 1 – 13
    Disc 2: Dokumentarfilm „Access All Areas” auf DVD. Untertitel: English, German, Spanish, French

Hallo Philipp und Felix. Prima, dass ihr euch die Zeit nehmt, um etwas zu ROCKET MEN und dem neuen Album zu erzählen.
Ihr seid beide in Hamburg? Und die anderen Bandmitglieder sind in Berlin und Leipzig?
Ja, aber inzwischen wohnen drei von uns in Hamburg.

Wie habt ihr euch eigentlich kennengelernt, wenn ihr in verschiedenen Städten lebt? Wie habt ihr euch gefunden?
Tinder.
Nee, das war schon anders. Valentin (Keyboard) und ich machen seit 15 Jahren zusammen Musik. Wir haben schon zusammen in der Musikschule in einer Band gespielt. Dann habe ich eine Band für mein Abschlusskonzert zusammengestellt. Und daraus hat sich ROCKET MEN geformt. Es hat noch einige Wechsel gegeben, aber die Besetzung, in der wir jetzt spielen, gibt es schon fast 8 Jahre.

Wie ROCKET MEN zu ihrem Bandnamen kamen

Felix, du warst nicht von Beginn an dabei, oder?
Doch, doch, ich war schon am Anfang mit dabei.
Unter dem Namen ROCKET MEN waren Felix, Valentin und ich und Lasse, der Saxophonist quasi die Kernbesetzung. Paul, der die Elektronik und die Synthesizer macht, kam später dazu.
Und es gibt noch einen zweiten Ast: Angefangen hat der mit Konzerten, die wir zusammen mit einem Bassisten in der Pony-Bar in Hamburg gespielt haben. Mit dabei war damals noch Noah Rott [Piano].
Aber bei der ersten JazzLab Ausgabe oder der Sommersause haben wir schon mit dem Keyboard-Set-Up gespielt, oder?
Ja genau, da hatten wir noch keinen richtigen Bandnamen. Wir haben das Publikum gebeten, Begriffe auf kleine Zettel zu schreiben, die sie mit uns und unserer Musik assoziieren. Interessant war, dass viele etwas mit Weltraum assoziiert hatten. Das Space-Thema war schon von Anfang an in der Musik präsent. Nur noch nicht als Titel. Dann haben wir die Zettel ausgewertet und gedacht: okay, wenn der Weltraumbegriff so präsent ist, dann muss es in die Richtung gehen. Und dann kamen wir auf den Begriff ROCKET MEN.

Erst der Sound dann ‚der Weltraum‘

Wie hat es sich entwickelt, dass ihr das Weltraumthema in den Vordergrund gestellt habt und das in gewisser Weise auch lebt? Ihr habt entsprechende Songtitel, die Musik klingt danach. Das hatte ja nicht nur mit dem Publikum zu tun.
Die Musik, die wir schreiben und spielen, hat immer etwas von Weite und Ferne so dass es nach Weltraum klingt. Ich kann gar nicht beschreiben, welche Faktoren es sind, die das ausmachen, aber da wir viel Synthesizer und Keyboard in der Band haben, hat man viele Delays, viel Spielzeug, viel Space.
Aber es war nicht so, dass wir von Anfang an gesagt haben: wir wollen was mit Weltall machen. Sondern es war eher so: wir haben Musik geschrieben, die klang cool und irgendwie nach Weltraum.

Ja, und für mich hat die Musik auch ohne die Titel nach ‚Weltraum‘ geklungen. So was Schwebendes, Abgehobenes. Weil sie viel Spielerei hat und dennoch eine Strenge und Klarheit, die Ruhe ausstrahlt, wie ich sie mir im Weltall vorstelle.
Wie Philipp schon angedeutet hat: das Set-Up der Band diktiert ein wenig den Sound. Die Band hatte sich gefunden und daraus entwickelten sich das Konzept und die Musik auf eine ganz organische Art und Weise. Später wurde das Ganze greifbarer, konnte benannt werden. Und ‚Weltraum‘ ist ein Thema, das viel Interpretationsfreiraum lässt. Und viel Spielraum für einen selbst. Was man im Einzelnen macht oder beleuchtet ist offen.

Der gemeinsame Nenner

Ist das immer Gemeinschaftsarbeit oder gibt es jemanden, der den Sound ‚überwacht‘? Also jemanden der sagt: das klingt jetzt noch nach ROCKET MEN und dass nicht mehr.
Nee, eigentlich gibt es das nicht, ne Philipp?
Nee. ( beide lachen)
Total schön ist, dass wir fünf eine ähnliche Vorstellung davon haben, wie die Musik klingen soll. Natürlich nicht zu 100% gleich. Und das ist ja auch wünschenswert, dass da jeder seinen Input geben kann. Ich finde, es hat sich auf eine sehr organische Art entwickelt, dass wir alle auf einen gemeinsamen Nenner gekommen sind. Es gab nie eine Person, die sagt: das machen wir jetzt so und so. Sicher ist es am Ende des Tages auch wichtig, dass jemand eine Entscheidung fällt. Aber du hattest ja nach dem Sound gefragt. Trotz der Unterschiede sind unsere Vorstellungen sehr ähnlich und lassen sich gut unter einen Hut bringen. Und das macht diese Band auch aus, dass man hört, dass das alle authentisch finden.
Ja und der Bandsound hat sich in den letzten acht Jahren immer wieder gewandelt. Ich finde das auch super wichtig, dass man als Band flexibel bleibt. Denn die eigenen musikalischen Interessen verändern sich im Laufe der Jahre. Und durch die Besetzungswechsel steht man immer wieder vor neuen Herausforderungen.

Der ROCKET MEN – Sound ist formbar

Wenn das Storytelling wichtig ist: welche Bedeutung hat der Ort, an dem ihr spielt?
Wir versuchen, das Set auch immer daran anzupassen, wo wir spielen. Wir haben ein Konzert in der Elbphilharmonie gespielt. Da kann man andere Sachen machen als auf einem Festival um 22 Uhr. Das ist auch etwas, das uns reizt: es gibt den ROCKET MEN-Sound und der kann sich formen. Wir können ein tanzbares Set spielen oder eher etwas Atmosphärisches.
Zwischen diesen beiden Welten wollen wir uns auch bewegen, weil wir aus unterschiedlichen musikalischen Kreisen kommen. Lasse und ich haben eher den Jazz-Fokus, Felix hat zudem noch einen Rock-Background. Paul kommt aus der elektronischen Musik und Valentin schwimmt so dazwischen. Und all das findet sich in der Musik wieder. Da hat jeder auch mal Bock auf einen anderen Fokus.
Und so etwas zu verschmelzen ist in einem demokratischen Konstrukt eine Herausforderung, aber macht es natürlich auch aus.

Ich habe euch bisher leider noch nicht live erlebt.  Das letzte Mal, als ich mich auf den Weg gemacht habe, habe ich ewig auf der A1 im Stau gestanden. Aber bei den Videos und den  Alben hat man schon den Eindruck, dass da etwas authentisch Gewachsenes ist.
Auch bei eurem neuen Album hört man diesen ROCKET MEN Sound. Es sind Elemente dabei, die ich eigentlich nur von euch kenne. Das ist vor allem die Besetzung mit den Keyboards und Synthesizern, durch die ihr spezielle Möglichkeiten habt.
Was mir gut gefällt, dass sie dennoch nicht ein Übermaß haben im Sound, elektronische Spielereien keinen Selbstzweck haben oder im Vordergrund stehen. Und die Ausgewogenheit zwischen Trompete, Saxophon und dem Schlagzeugspiel. So ausgewogen und miteinander verwoben habe ich das bisher selten gehört.
Zumindest im deutschen Bereich gibt es das nicht so viel. Das ist eher ein UK oder amerikanisches Ding. In Deutschland ist dieser Fusion-Sound oder wo immer man das verorten möchte, noch nicht so präsent.

Elektronische Elemente, Groove, Beat und sich den Arsch abspielen

Orientiert sich ein junges Publikum eher in diese Richtung? Also wenn die elektronischen Anteile höher sind. Habt ihr dazu eine Idee, Erfahrungen?
Also im Publikum ist schon jedes Alter vertreten.  
Meine Erfahrung ist, dass sich ein jüngeres Publikum eher zu Musik hingezogen fühlt, zu der man irgendwie tanzen oder sich bewegen oder die man zumindest fühlen kann. Und die nicht zu verkopft ist.. Aber ich glaube, bei uns spielt das authentische Element eine große Rolle und das Beat-Element. Man  kann die Musik fühlen, als Groove, als Beat und man kann sich dazu bewegen. Das ist zumindest die Review, die ich immer wieder bekomme, dass das die Faszination dahinter ausmacht.

Das ist, finde ich, noch einmal eine interessante Aussage, ein anderer Blickwinkel. Das „Fühlen“ der Musik bietet einen anderen Zugang zur Musik. Bei Jazz denken viele Leute, dass das wahnsinnig kompliziert ist, dass es Musik ist, die man ‚verstehen‘, über die man etwas wissen muss, um Spaß daran zu haben. Die Verbindung von Jazzelementen und Tanzbarkeit ist bei euch immer da. Und dieses gleichberechtigte Zusammenspiel von elektronischen Elementen, Rhythmus und Melodie. Aus diesem Zusammenspiel kann man  sich etwas Intellektuelles rausholen oder sich einfach drauf einlassen und dem Groove oder Beat nachgehen, was den Körper anspricht. Oder auf das Lockere, Schwebende.
In der Kommunikation nach außen verwenden wird den Jazzbegriff gar nicht. Die Improvisation hat bei uns nicht mehr eine so große Rolle gespielt. Aber Fusion: Drum and bass, Elektronik, Rock sind Elemente, die sich in der Musik finden lassen.
Und wie Felix vorhin schon sagt: gerade junge Leute achten darauf, ob etwas authentisch ist oder nicht. Und dabei ist  es fast egal – also im übertragenen Sinne – , was da an Musik gespielt wird, wenn da Leute auf der Bühne stehen, bei denen man merkt, dass sie für das brennen, was sie machen, und sich gerade den Arsch abspielen. Dann finden die meisten Leute das geil.
Wir haben auch auf klassischen Kulturveranstaltungen gespielt, auf denen viel älteres Publikum war. Die ein klassisches Jazzkonzert erwartet haben und dann sagten, dass sie so etwas noch nie gehört hatten. Und dass es zwischendurch wie Pink Floyd oder Rock klang. Dass sie sich wie ein einem Berliner Club der 80er gefühlt haben.

Mit der Musik zu den Leuten gehen

Das heißt, ihr holt die Leute an ganz unterschiedlichen Punkten ab.
Jeder hat irgendwie einen Anknüpfungspunkt. Die einen im Jazz, die anderen finden so einen rockigen Drumsound cool, die anderen, dass das überall Knöpfe blinken und so. (Felix lacht)
Aber gemeinsam bringt man die Leute auf eine Reise.

Die Frage nach dem jüngeren Publikum hat auch damit zu tun, dass ich mir das JazzLab angeschaut habe. Das Label und die Veranstaltungen. Da scheint Bewegung drin zu sein, es ist Nachwuchs da sowohl bei den Musikern als auch bei Publikum. Denn in vielen Bereichen -auch im Metal – wird die Frage gestellt, wie man junge Leute begeistern und hinterm Ofen hervor bzw. vom Handy weglocken kann.
Ich denke, dass es im Jazz wie in der Klassik eine hohe Erwartung gibt, dass man dies an die junge Generation weitergibt.  Dass die alle auf jeden Fall Jazz und Klassik und auch Metal hören sollen. Und es besteht die Ansicht, dass die Leute zu einem kommen. Das ist Quatsch. Gerade z.B. in einer Stadt wie Hamburg, die total übersättigt ist. Man muss als Band, als Musiker, als Veranstalter zu den Leuten hingehen. Das haben wir mit JazzLab versucht, da hin zu gehen, wo die Leute sind und nicht zu warten, bis sie zu einem kommen. Die jungen Leute sind  halt an anderen Orten als im klassischen Konzertsaal. Man kann  das scheiße finden, aber das wird den Fakt nicht ändern.

Dahin zu gehen, wo die Leute sind, also ein niedrigschwelliges Angebot zu machen, scheint mit den Veranstaltungen von JazzLab ja gelungen zu sein.
Ja, man merkt, das ein breites Interesse da ist.

Storytelling, Konzepte und Drehbücher

Ihr habt vorhin schon gesagt, dass Storytelling eine wichtige Rolle spielt. Und wie läuft das so grundsätzlich: habt ihr erst die Geschichte und schreibt die Musik dazu oder ist es eher umgekehrt?
Es war diesmal so, dass wir vor ungefähr einem Jahr ein paar Tage intensiv geprobt haben und dann ganz oldschool an der Tafel Themen aufgeschrieben und Brainstorming betrieben hatten. Und daraus hat sich dann die Musik entwickelt. Und wir haben uns die Zeit genommen, einfach zu spielen, zu jammen und daraus sind sehr coole Ideen entstanden. Oder es gab so eine Grundidee, dann spielt man ein bisschen und versucht sie so weiterzuentwickeln. Und es ist hinterher ein Mix aus beidem. Ja und diesmal hatten wir tatsächlich so eine Art Mindmap.
Ja, fast wie ein Drehbuch. Wir haben immer den Traum gehabt, eine eigene Videoshow zu haben. Also man spielt eine Show und dahinter läuft eine dafür entwickelte Videoshow ab. Und das machen wir im Winter das erste Mal. Wir haben erst die Musik entwickelt, dann die Story und jetzt wird das Videomaterial dafür hergestellt.

Das wird ja richtig interessant und spannend! Damit bekommt das Ganze noch eine weitere Dimension durch die Videos.
Ja, das wird eine musikalische Reise durchs Weltall, die durch das Video unterstützt wird. Wir spielen Ende November zwei Abende im Hamburger Planetarium. Die haben eine Fulldome 360° Projektionsfläche. Und da werden wir ganz schön durchs Weltall geschossen.

Von uns war keiner im Weltraum – aber „The Illustrated Man“

Wow, das klingt toll. Auf dem letzten Album waren Soundgeschichten dabei, die ihr irgendwo auf Reisen aufgenommen hattet. Habt ihr so etwas für das neue Album auch gemacht?
Nee, da sind diesmal keine Handyaufnahmen drauf.
War ja von uns noch keiner im Weltraum. Und wir sind ja komplett im Weltraum auf der Platte.

Bei „New Mission“ ist eine Texteinspielung. Ich habe nicht rausgekriegt, was es ist.
Das ist von „Illustrated Man“. Von dem haben wir schon ein paar Mal Sachen geklaut. Das ist ein ziemlich cooles Buch mit Kurzgeschichten über einen Astronauten, der seinen Kindern von seinen Expeditionen ins Weltall erzählt. Das sind ziemlich coole Geschichten. Unser Keyboarder hat sich davon inspirieren lassen und den Track danach konzipiert und geschrieben.

Zufälligerweise hatte ich kurz bevor ich euer Album bekommen habe, noch einmal „The Planets“ von Gustav Holst gehört. Kennt ihr das? Ist das Musik, die euch inspiriert? Oder spielt Klassik für euch als Hintergrund keine große Rolle?
Klassik ist nicht Einflussquelle Nummer eins. Bei „The Planets“ finde ich den Ansatz, eine Geschichte zu haben, mit der man den Leuten ja auch superviel an die Hand gibt, inspirierend.Bei uns gibt es die Challenger-Katastrophe oder einen Himmelskörper oder eine Party auf dem Mars. Man gibt den Leuten mit: das ist das, was wir gefühlt und gedacht haben. Das haben wir musikalisch umgesetzt. Das finde ich eigentlich voll schön.
Man hört ja häufig Musik und dann willst du wissen: warum hat er den Songtext so geschrieben, warum heißt das Stück so? Und das ist gerade im Jazzbereich echt häufig so, dass man Sachen hört und das Stück heißt dann „Milchkanne Nr. 2“ und man denkt sich: ja ok, irgendwas wird sich diese Person dabei gedacht haben. Aber erzähl es mir doch. Erzähl mir mehr dazu, dann höre ich die Musik anders.Das finde ich bei Gustav Holst halt cool. Denn jeder Himmelskörper oder Planet, den er vertont hat, hat ja eine Eigenschaft: ist kalt oder ultraheiß. Und dann hört man die Musik anders.

Den Vibe einfangen

Wenn Leute zu euch kommen und danach fragen, was habt ihr euch dabei gedacht, warum habt ihr den Titel gewählt, was verbindet ihr damit. Ist es überhaupt möglich, das zu beantworten? Ihr habt ja mit mehreren Leuten zusammen den Song geschrieben und zusammengetragen, was euch gedanklich und emotional dazu eingefallen ist. Kann man das erklären?
Auf dem vorletzten Album gab es einen Song „Rio“, den du vorhin wegen der Samples angesprochen hast. Der wurde von Valentin geschrieben mit einer ganz klaren Idee im Kopf. Weil er da war, herumgereist ist. Es war seine musikalische Verarbeitung.So gibt es immer Songs, die mit einer klaren Idee, einem Bild geschrieben sind. Und es gibt Songs, die komplett als Kollektivarbeit entstanden sind, wo es dann keine situationsspezifische Geschichte ist sondern es mehr darum ging, einen gewissen Vibe oder eine Stimmung einzufangen, oder eine Atmosphäre zu kreieren. Wenn es darum ging, dass wir etwas Melancholisches oder Böses oder Fröhliches brauchten, um die Story des Konzertes oder des Albums zu vervollständigen.
Ich denke, es ist sehr ergiebig, innerhalb gewisser Rahmenbedingungen kreativ zu sein.

Ja, ich denke auch, dass es gut ist, einen Rahmen zu haben, der ausgestaltet werden kann. Da fällt es leichter, sich zu fokussieren und Entscheidungen zu treffen.
Generell ist ja alles offen. Und das ist vielleicht das Jazz-Element dieser Band. Wir haben diese Storyline, die wir vertonen wollten. Oder dass wir noch z.B. ein düsteres Element für die Geschichte brauchen. Es hat also immer einen Grund, warum die Musik so klingt oder warum genau die Musik entstanden ist.

Und ihr habt den Vorteil, dass ihr Leute habt, die ihre Ideen aus verschiedenen Bereichen haben.Damit  ist die Musik ja auch interpretationsoffen und der Hörer kann für sich entscheiden, wie er die Musik erlebt und einordnet.
Absolut. Das ist ja auch ein Stück weit Sinn der Sache.

Sänger? Texte?

Habt ihr irgendwann darüber nachgedacht, mit einem Sänger oder einer Sängerin zu arbeiten?
Nicht wirklich.        
Nee.
Das ist in gewisser Weise auch ein zweischneidiges Schwert. Und ich glaube, dass das, was wir machen, mit Gesang nicht funktionieren würde. Weil, wie du auch schon richtig gesagt hast, wir das, worum es geht, nicht auf einem Silbertablett präsentieren. Ich glaube, dass Lyrics, die dann im klassischen Sinne darüber gesungen werden und die Geschichte erzählen, ein bisschen dieses Momentum rausnehmen würden. Und ich glaube, dass der Bandsound, so wie er sich jetzt entwickelt hat, dann auch nicht mehr funktionieren würde, da man Platz für die Vocals machen müsste.

Mir kam die Frage auch deswegen, weil ich an LONG DISTANCE CALLING dachte, die ja auch mit Gesang experimentiert haben. Nun, die Bläser bringen bei euch ja auch so etwas wie vokale Elemente ein.
Ja, die Bläser übernehmen ein Stück weit das Storytelling, aber insgesamt wird es von der ganzen Band übernommen.
Natürlich wird es für die Zuhörer einfacher, wenn mit dem Gesang etwas erzählt wird. Anderseits finde ich, dass wir eine sehr lyrische Art der Instrumentalmusik gefunden haben, die auch ohne Worte vokal klingt.

Und so kann man die Musik anders auf sich wirken lassen.
Ja, und es wird deutlich, dass wir fünf Jungs sind, die zusammen Musik machen. Künstlerisch betrachtet oder musikalisch betrachtet eigentlich total ergiebig und sogar ein Stück weit einfacher, zumindest für mich.
Und fürs Publikum bei den Konzerten wird das sehr deutlich. Ich meine, wir haben unsere Anzüge, wir schlüpfen da rein und schlüpfen gleichzeitig auch in eine gewisse Rolle und sind da als Astronauten auf der Bühne und wir sind einfach eine Crew, wie Felix ja gesagt hat. Und es ist uns wichtig, das auch nach außen zu kommunizieren.

Die Band als Crew und ein neues Video

Das wird für mich beim Hören dadurch deutlich, dass sich die Geschichten mal aus dem Rhythmus, mal aus der Melodie heraus entwickeln und kein Instrument im Vordergrund steht. Und dass es um ein Konzept geht, ist mir dadurch besonders deutlich geworden, dass ich keinen ‚Lieblingssong‘ habe, sondern mal der eine mal der andere eine besondere Wirkung hat. Je nachdem, aus welcher Stimmung heraus ich das Album höre.
Also alles Lieblingssongs? Dann erstmal vielen Dank für die Blumen, das ist ein großes Kompliment, freut mich, dass es gefällt.
Ich finde das auch total schön, dass man unsere Alben als Gesamtkonzept sehen kann, und wenn Menschen mir mitteilen, dass sie das Ding von A bis Z gehört haben. Wir wollen es u.a. mit dem Storytelling ermöglichen, dass es als Konzeptalbum gesehen wird. Jeder Song hat seinen speziellen Platz auf dem Album.

Ihr habt den Song „Hubble“ vom kommenden Album als Video veröffentlicht. Weshalb gerade diesen Song?
Weil er cool ist. Es war so, dass wir die Studiosession für die Aufnahme zum Album gefilmt haben. Und dann mussten wir uns irgendwie für einen entscheiden.

Musik und Visuals in der Elbphilharmonie und Party auf dem Fusion-Festival

Das Album erscheint am 7. Juni 2024. Dann werdet ihr auch wieder Konzerte spielen. Ihr habt schon an den unterschiedlichsten Orten wie z.B. in der Elbphilharmonie gespielt. Welches Konzert war für euch ein besonderes Ereignis?
Das Konzert in der Elbphilharmonie war natürlich extrem schön. Es war mit Visuals unterlegt. Das war atemberaubend. Der volle Saal, und die Stimmung, als man da auf der Bühne saß und die Leute auch wirklich zugehört haben und dass sie sich so auf das Gesamte, also auf die Musik und die visuellen Aspekte, eingelassen haben, war schon großartig.
Wir haben auch zweimal auf dem Fusion Festival gespielt. Das waren auch ganz fantastische Konzerte. Da ging es eher um eine Party und gute Zeit und Stimmung und so weiter, aber das waren auch echt extrem schöne Momente, extrem schöne Konzerte. Wir dürfen einfach wahnsinnig schöne Konzerte an tollen Orten spielen. Und das ist im Wesentlichen auch auf Philipps Arbeit zurückzuführen.

Ihr habt ja schon von den Videoelementen erzählt, die demnächst dazukommen. Z.B. bei dem Konzert im Planetarium. Wer produziert die Videos?Das macht ein Hamburger Kollektiv, das u.a. auch fürs ZDF, für Terra X arbeitet. Sie verwenden auch original NASA-Material. Sie erstellen das gerade für die 360 Grad Projektion. Und das ist wird auf jeden Fall ziemlich aufregend. Weil allein diese 360 Grad Bilder total überwältigend sind. Die Zuschauer sitzen da quasi mitten im Weltraum und wir können live dazu spielen. Ja, das ist wahnsinnig und technisch unfassbar anspruchsvoll, was sie da machen.

Und für euch kommt ein neues Element hinzu.
Ja, das ist für uns natürlich ein cooles neues Spielzeug. Ich denke, dass es auch ein anderes  Musizieren ist. Wo wir uns und den Sound neu finden müssen. Das wird eine sehr intensive Erfahrung, weil die Musik ja auch schon so viele Informationen bietet.

Oh so much space! ROCKET MEN im Planetarium

Und wann findet dieses besondere Ereignis statt?
Am 29. und 30. November. Und es wird ein besonderes Ereignis. Den Plan, in einem Planetarium zu spielen, hatten wir schon seit Jahren. Und jetzt können wir das endlich umsetzen.

Ich finde die Idee großartig. Das ist aber auch ein riesiger Kostenfaktor, oder?
Ja, also wir hoffen, dass wir das Ding vollkriegen.

Ihr hört es Leute: Auf nach Hamburg am 29. oder 30. November. So ein Konzert wird es so bald nicht wieder geben, wenn überhaupt!
Also ich glaube tatsächlich, dass es, zumindest, soweit ich informiert bin, sowas in der Form einfach noch nicht gab. Zumindest mit dieser Art der Musik und dann tatsächlich auch mit dieser Musik, Das ist zumindest in meinem Kosmos komplettes Neuland. Und ich glaube, das wird sehr schön.

Das Outfit: die Raumanzüge

Zum Abschluss noch eine Frage: wer hat eigentlich die Anzüge ausgedacht, die ihr auf der Bühne tragt?
Das war ein Teil der Bachelorarbeit eines Freundes, der in Hannover Modedesign studiert hat.

Also das ist schon großartig, wie sich bei euch Musik und Visuelles zu einem Gesamtkonzept zusammenfügen. Und ein Grund mehr, sich nicht nur eure Musik anzuhören, sondern euch live mitzuerleben und natürlich möglichst auch das Event im Hamburger Planetarium.
Ich bedanke mich für das Interview und wünsche euch für das kommende Album (Review demnächst hier auf metal-heads.de) und im November ein ausverkauftes Planetarium!

Ja, vielen Dank! Und allen viel Spaß beim Hören des neuen Albums!

MODULS machen den Anfang

Die Mitglieder von Moduls haben ihre Spuren bereits in namhaften Bands wie „LAW“ und „Sounds of Merlin“ hinterlassen, und ihre Erfahrung erstreckt sich über Jahrzehnte. „LAW“ fegte bereits über Europas Bühnen und veröffentlichte zwei beeindruckende Alben, bevor die Band für viele Jahre in den Hintergrund trat.

Schon am Eingang fühlte es sich an wie der Besuch eines großen Klassetreffens. Viele Gesichter, die man seit Jahre nicht gesehen hatte, strahlten einen an. Und so konnte es nur ein toller Abend im Parkhaus Meiderich werden. Auch aus der Metal-Heads Redaktion war eine Handvoll Kollegen privat angereist. Grund dafür waren MODULS. Es wurde viel gelacht und über alte Zeiten geredet, bevor rund 250 Jahre Bühnenerfahrung die Bühne betraten. Die Zuschauer waren bei MODULS sofort ganz Ohr und verfolgten jeden Song sehr konzentriert. Hier war schnell klar, dass die überwiegende Zahl des Publikums extra wegen den fünf Jungs aus Moers/Duisburg angereist war. Der Weg für einen magischen Abend war geebnet.

Ein bemerkenswerter Auftritt

Von Anfang an gaben Moduls Vollgas. Eine gelungene Mischung aus Alternative Rock / Indie und Grunge. Die Jungs um den charismatischen Sänger Michael verstehen halt immer noch ihr Handwerk. Da haben wir Uwe, der förmlich mit seinen Bass verschmilzt. Oder Marcell an der Lead-Gitarre, der immer wieder mit seinen Gitarren Riffs sein Können unter Beweis stellt. Aber auch am Schlagzeug und an der zweiten Gitarre geben die Jungs voll Power. Leider endete der Gig viel zu schnell. Doch die fünf Jungs von Moduls wurden vom Publikum frenetisch gefeiert und es wurde lautstark nach einer Zugabe gerufen. Der Wunsch wurde schließlich auch gerne von der Band erfüllt. Nach den letzten Tönen waren sich alle einig: Das war ein geiles Konzert, welches Lust auf mehr gemacht hat. Man kann nur hoffen, dass in naher Zukunft noch mehr Auftritte von MODULS folgen werden.

Hier noch ein Bilder vom Konzert:

Smokemaster aus Köln

Als zweite Band kamen Smokemaster zum Zuge. Smokewater sind Björnson Bear/Gesang Gitarre, Jay/Gitarre, TobMaster/Bassgitarre, Tobi Tack/Orgel/Synthesizer und Lukas Dionysos/Schlagzeug/Perkussion/ Background Vocals. Ich muss zugeben, dass ich mich anfänglich auf diesen Psychedelic Rock ein wenig einlassen musste. Aber wenn man einmal infiziert war von diesem besonderen Gitarren-Blues-Rock, machten Smokemaster richtig Spaß.

 Psychedelic-Rock-Band aus Köln

Der Sound der Band erinnerte an die Musik von Rock-Größen wie The Doors, King Gizzard and the Lizzard Wizard, Pink Floyd, Jimi Hendrix, Jefferson Airplane, Wand, Jacco Gardner, Brian Jonestown Massacre, Tess Parks, Sir Robin und den Longbowmen.

Ein richtig cooler Auftritt mit feinsten Gitarrenriffs und eindringlichen Bass-Momenten. All dies noch umgarnt von der einzigartigen Stimme von Björnson Bear, die aber leider manchmal ein wenig zu kurz kam. Nach wenig mehr als einer Stunde beendeten Smokemaster ihren Gig und wurden zurecht ordentlich vom Publikum abgefeiert. Stark!

False Color Image aus Duisburg

Zum guten Schluss gab es dann noch eine ordentlichen Portion Hardrock mit False Color Image aus Duisburg. Leider konnte ich die Jungs nicht mehr bis zum Schluss sehen, aber ein paar schöne Fotos konnte ich trotzdem noch machen. Das, was ich gehört habe, war richtig stark. Werde mir ein naher Zukunft bestimmt mal ein Konzert von False Color Image anschauen

Hier ein paar Bilder vom Gig:

In eigener Sache

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Endlich ist es bald soweit. Wir freuen uns schon tierisch auf das Rock Hard Festival. Hier sind die aktuellen Neuigkeiten aus dem Hause Rock Hard.

Rock Hard Festival 2024: Billing komplett, Tagestickets erhältlich

Der Countdown läuft: Am Pfingstwochenende (17. – 19. Mai 2024) geht unsere kleine Familienfeier im Amphitheater Gelsenkirchen in die nächste Runde. Nun komplettieren die Neuzugänge THRESHOLD, UNLEASHED, CHAPEL OF DISEASE, WALTARI, BÆST, DREAD SOVEREIGN und WHEEL unser Billing. Ab sofort sind auch Tagestickets verfügbar.

THRESHOLD
Die britische Institution THRESHOLD hält die Fahne des Progressive Metal bereits seit 1988 hoch und liefert dabei konsequent hochwertige Qualität ab. Seit 2017 ist die Band als Quintett und mit dem zurückgekehrten Frontmann Glynn Morgan als Nachfolger von Damian Wilson unterwegs; mit „Legends Of The Shires“ (2017) sowie „Dividing Lines“ (2022) hat man zuletzt zwei Sahnescheiben in dieser Konstellation aufgenommen. Freut euch auf melodische Extravaganz am Rhein-Herne-Kanal!

UNLEASHED
Schweden-Death und Wikinger-Stoff – was braucht man mehr? UNLEASHED gehören zu den beständigsten Death-Metal-Bands auf diesem Planeten. Und das nicht nur, weil sie bereits seit 1989 und nahezu komplett im Original-Line-up aktiv sind, sondern auch, weil sie seither konsequent relevante Platten veröffentlichen. Ob druckvoll und aggressiv oder hymnisch und episch: Die Band um Sänger und Bassist Johnny Hedlund (ex-Nihilist) beherrscht ein abwechslungsreiches Repertoire, das sie live wie gewohnt mit voller Wucht präsentieren wird.

CHAPEL OF DISEASE
Mit ihrem taufrischen Hammeralbum „Echoes Of Light“ stürmten CHAPEL OF DISEASE erst kürzlich die Spitze unseres Soundchecks, und nun folgt der nächste Siegeszug auf die Bühne des Amphitheaters. Die Kölner gaben sich zuletzt im Jahr 2019 in Gelsenkirchen die Ehre – und versprechen mit ihrer einzigartigen Mischung aus Death Metal, Prog und psychedelischen Elementen im Stil von Pink Floyd und Co. auch für diese Ausgabe unseres Festivals zahlreiche magische Momente.

WALTARI
Schon seit 38 Jahren machen WALTARI weit über die Grenzen ihrer Heimat Finnland hinaus die Musikszene unsicher, doch kein einziges Mal führte ihr Weg die kultigen Rocker mit Hang zu Metal, Prog, Funk und Punk bisher zu unserer alljährlichen Sause ins Amphitheater Gelsenkirchen. Allerhöchste Zeit also, mit Frontmann Kärtsy Hatakka und seinen Mannen bei unserem Festival ordentlich auf die Pauke zu hauen und beim „Big Bang“ die „Rare Species“ des „Monk Punk“ rauszulassen!

BÆST
Die Death-Metaller BÆST haben Dänemark wieder auf die Karte gebracht und gelten als DIE Newcomer-Band ihres Landes. Die 2016 gegründete Band eroberte zwei Jahre später mit der Veröffentlichung ihres Debütalbums „Danse Macabre“ weite Teile der internationalen Metal-Szene. Nun wird das Quintett erstmalig seinen von Bloodbath, Vomitory und anderem schwedischen Death Metal inspirierten Sound auf unsere Bühne bringen – und das verspricht ein hochklassiges Highlight zu werden.

DREAD SOVEREIGN
Neben seiner Hauptband Primordial schlägt Alan „Nemtheanga“ Averill in diesem Jahr auch mit seinem Doom-Vehikel DREAD SOVEREIGN im Amphitheater auf. Das irische Trio hat drei Alben auf dem Konto, darunter zuletzt das 2021 veröffentlichte „Alchemical Warfare“. Bock auf knorrige Riffpower, angereichert mit einem rotzigen Schuss Venom und Motörhead? Dann solltet ihr euch den Auftritt der Truppe auf keinen Fall entgehen lassen.

WHEEL
Doom aus dem Herzen des Ruhrgebiets: Dem Dortmunder Quartett WHEEL gelang es 2021, mit seinem zweiten Album „Preserved In Time“ die Herzen von (mindestens!) Teilen der Redaktion im Sturm zu erobern. Und nachdem wir uns unter anderem auf dem Hammer Of Doom davon überzeugen konnten, dass die Jungs auch live eine echte Wucht sind, stand die Entscheidung fest: Sie werden den Festivalsamstag mit einem Paukenschlag eröffnen!

Die Tagesaufteilung:

Freitag, 17. Mai:

AMORPHIS
BRUTUS
UNLEASHED
MYSTIC PROPHECY
THRONEHAMMER
DREAD SOVEREIGN

Samstag, 18. Mai:

KK´S PRIEST
FORBIDDEN
PRIMORDIAL
VANDENBERG
WALTARI
BÆST
AIR RAID
WHEEL

Sonntag: 19. Mai:

D-A-D
RIOT V
EXHORDER
THRESHOLD
CHAPEL OF DISEASE
JOHN DIVA AND THE ROCKETS OF LOVE
MAGGOT HEART
WINGS OF STEEL

Die Tickets:

Die 3-Tages-Tickets kosten 130,90 Euro inklusive aller Gebühren (Ticket + Camping: 167,80 Euro).

Tagestickets sind im Vorverkauf zu folgenden Preisen erhältlich (alle VVK-Preise enthalten bereits die Vorverkaufsgebühr):

Freitag: 52,00 Euro
Samstag: 62,00 Euro
Sonntag: 62,00 Euro

Zusätzlich fallen pro Bestellung 7 Euro Versandkosten an, weil wir die Karten als speziell versicherte Sendung verschicken.

Alle Tickets können direkt in unserem Online-Shop bestellt werden: https://shop.rockhard.de/de-de/rock-hard-festival

Fragen zum Thema Tickets beantworten wir gerne unter 0231 – 56 20 14 20 (10-17 Uhr) oder versand@rockhard.de.

Aktuelle Informationen, Videos und Interviews der beteiligten Bands sowie Impressionen vom Gelände findet ihr auf www.rockhardfestival.de und auf unserer Facebookseite: www.facebook.com/rockhardfestival

Wir freuen uns wie verrückt darauf, zu Pfingsten wieder die Hütte mit euch zu rocken!

Hipgnosis – das ist das legendäre britische Fotodesign-Studio von Aubrey Powell und Storm Thorgerson. Es schuf zwischen 1967 und 1984 mehr als 400 Plattencover für internationale Bands und Musikschaffende. Viele dieser ikonischen Motive sind heute kulturelle Meilensteine und Symbole der Musikgeschichte.

Hipgnosis-Ausstellung: Von AC/DC bis Led Zeppelin

Insbesondere die Gestaltung für Pink Floyd, mit denen Powell und Thorgerson eng verbunden waren, ragt heraus. Und das bahnbrechende Album „The Dark Side of the Moon“ feiert jetzt seinen 50. Geburtstag. Designs für weitere Alben wie „Houses of the Holy“ und „Presence“ von Led Zeppelin sowie Werke für The Nice, 10cc und viele andere erlangten weltweiten Ruhm. Ihre LP-Hüllen offenbaren surrealistische Kunstwerke und rätselhafte Momente. Und diese sind damals oft durch Experimente mit Polaroid-Technik oder Assoziationen mit den Albumtiteln entstanden.

Die Ausstellung präsentiert über 120 großformatige limitierte Siebdrucke und Fotografien. Darunter auch bisher unveröffentlichte Entwürfe. Originale Plattenhüllen und der neue Dokumentarfilm „Eclipse“ von Aubrey Powell für Pink Floyd anlässlich des Jubiläums von „The Dark Side of the Moon“ ergänzen die Exponate. Ein Soundwalk rundet das Erlebnis ab, indem er die Musik vor den Designs erlebbar macht.

Kuratoren der Ausstellung sind John Colton von der Browse Gallery Berlin und Hipgnosis-Gründer Aubrey Powell. Die Ausstellung wird vom Freundeskreis der Ludwiggalerie gefördert. Sie ist in Kooperation mit WDR 3 als Kulturpartner entstanden.

In eigener Sache

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BLAME TRACY waren vor einiger Zeit zu Gast in der Kulturstätte WIESMANNS in Bochum Wattenscheid. Kurzerhand habe ich mich ebenfalls als Gast unters Volk gemischt, um den beiden zu lauschen. Die Örtlichkeit im Stadteilzentrum könnte man als klassische Kneipe bezeichnen. Die Einrichtung ist am ehesten als old school rustikal einzuordnen. Ein mittelgroßer Raum mit einer kleinen Bühne und einem ausladenden Thekenbereich.

Der Gastraum war gut gefüllt. Viel mehr Leute hätten nicht mehr hineingepasst. Ich konnte mir noch einen Stehplatz unweit der Bühne sichern. Schnell noch ein Bier geordert und vorab noch ein kurzes Schwätzchen mit Nils und Timo und dann konnte es auch schon losgehen.

Rock mal anders

Wer BLAME TRACY noch nicht kennt, dem sei gesagt, dass sie einen sehr individuellen einzigartigen Sound haben, den ich so noch bei keiner anderen Band gehört habe. Sänger Timo trommelt gleichzeitig die Percussions und Nils ist alleine für das Gitarrenspiel verantwortlich. Das ist keine einfache Aufgabe. Nils bedient sich dabei einer Loopstation. Als Loop Station (oder Looper) werden technische Geräte bezeichnet, die es ermöglichen eine Tonspur aufzuzeichnen und diese in einer Endlosschleife wiederzugeben. Ich finde das faszinierend und ermöglicht den Künstlern mehr Möglichkeiten bei der Soundkreation.

Tatsächlich war eines tolle mitreißende Show in einer recht persönlichen heimischen Atmosphäre. Das Publikum war super drauf und mit zunehmender Spielzeit wurde die Stimmung immer ausgelassener. Authentischer kann man es kaum erleben, als das, was mit dort geboten wurde Es war faszinierend sie sich der ganze Sound zusammenfügte und es machte unheimlich Spaß den beiden bei ihrem Wirken zuzuschauen. Vor allem in den energischen Momenten ließ Sänger Timo den Löwen raus. Das war schon beeindruckend.

Neben den originalen BLAME TRACY Songs kamen auch die kreativen Coverversionen von sehr bekannten bekannten, aber auch sehr unterschiedlichen Bands beim Publikum super an. Im folgenden Interview gehen wir noch spezieller darauf ein.

Alles in allem war der Auftritt ein voller Erfolg. Die beiden Musiker wurden vom Publikum total abgefeiert.

Interview BLAME TRACY

MH: Wie habt Ihr Euren Auftritt im WIESMANNS empfunden?

Nils: Durchweg positiv. Ich hatte das Gefühl, dass wir bereits nach dem ersten Song das Publikum soweit überzeugen konnten, dass sie nicht das Gefühl hatten, umsonst rausgekommen zu sein, sondern dass das hier ein guter  Abend wird. Während des Konzerts habe ich mich auch immer besser gefühlt, da das Publikum durchweg applaudiert hat und Bock auf mehr hatte

Timo: Schließe ich mich an. Der erste Song ist immer ein Abtasten: Stimmt der Sound draußen? Hören wir uns auf der Bühne gut? Sind wir gut drauf? Haben die Leute Bock? Sobald man das Gefühl hat, dass alles passt, ist man richtig bei der Musik und weg vom Organisatorischen. Und da will man live einfach hin. Wenn die Stimmung dann von Song zu Song steigt, so wie in Wattenscheid im Wiesmann’s, und man echt gut zusammenspielt, ist das einfach ein top Gefühl.

MH: Wann war Euer letzter Auftritt? Ihr hattet ja aufgrund Corona eine längere Pause.
Was habt Ihr in der langen Pause gemacht?

Timo: Wir haben im Mai 2022 unser erstes Konzert nach 2,5 Jahren (bitter…!) Corona-Zwangspause gespielt. Beim Sunday Jam des Musikbüros Bochum im Kumpels. Danach war wieder Pause: wir hatten beide zweimal selbst Corona und genau, ich war viel unterwegs.

Ein Globetrotter

MH: Timo, von dir weiß ich , dass du in der Zeit viel die Welt bereist hast. Welches war die beeindruckendste Erfahrung auf deinem Trip?

Timo: Besonders beeindruckend war Machu Picchu. Das hat sich komplett eingebrannt. Nach einem Fußmarsch von Aguas Calientes hinauf zur Ruinenstadt zu kommen und dann direkt diese beeindruckende Städte über den Wolken zu sehen… Atemberaubend. Wir hatten sogar Glück, dass wenig los war und wir zeitweise alleine auf einem Gipfel über Machu Picchu stehen und alles überblicken konnten, während die Wolken unter uns um die Berge zogen. Das zweite prüfende Erlebnis waren Orang Utans in freier Wildbahn im Regenwald auf Borneo: Eine Mutter mit ihrem Kind – komplett frei, nicht im Zoo oder einem Reservat. Einfach im Regenwald. Wer weiß schon, wie lange Orang Utans dort zumindest noch unbehelligt leben können und dürfen.

Übung macht den Meister

MH: Und was hast du so getrieben, Nils?

Nils: Tatsächlich habe ich die Pause von Mai letzten Jahres für 2 Auftritte in Kirchen auf Hochzeiten genutzt und habe dort ein paar Lieder mitgespielt. Abgesehen davon, habe ich geübt und zwar die anstrengenden Sachen : ), Fingertechniken, Timing etc. Mir war klar, mit Proben und Auftritten wird es 2022 nicht mehr viel. Also habe ich neben meinem Hauptjob so oft es möglich war die Gitarre genommen und fast ausnahmslos Übungen gemacht. Gemeinsam haben Timo und ich versucht, alle Möglichkeiten zu nutzen. Wir haben zwei Corona LIVE Konzerte ohne Publikum gespielt, haben Songs aufgenommen und Musikvideos gedreht. Im Nachhinein hilft uns das jetzt, weil wir schon recht viel online haben und darauf immer verweisen können.

Pink Floyd und Monstermagnet

MH: Ihr habt bei Eurem Gig auch coole Cover gespielt, unter anderem von Pink Floyd oder Monster Magnet. Werden die auch noch mal als Singles veröffentlicht oder Teil eines Albums werden? Denn ich hatte den Eindruck, dass auch diese sehr gut beim Publikum ankamen.

Timo: Die als Singles zu veröffentlichen, kam uns bislang nicht wirklich in den Sinn. Danke für den Impuls! Also geplant ist es nicht, aber warum nicht? Das Live-Feeling und die Dynamik muss aber auch im Studio erhalten bleiben. Davon leben auch die Cover.

MH: Warum habt ihr euch gerade für diese Songs entschieden? Und wie seid ihr an die Realisierung der Cover herangegangen? Hattet ihr direkt konkrete Vorstellungen wie sich das anhören soll?

Nils: Die Cover sind eine gemeinsame Entscheidung von uns. Jeder bringt persönlichen Geschmack in die Runde und dann schauen wir, ob es sich umsetzen lässt. Zur Entstehung der LIVE Versionen kann ich sagen: Die entstehen beim Proben und Jammen im Bunker. Und das macht mir sehr viel Spaß. Du schlägst einen Song vor und merkst irgendwann nach ein paar Proben, wohin dieser Song gekommen ist und wie wir im Laufe der Proben den Song interpretiert haben.

Timo: Dass wir eine Version von Another Brick in the Wall reingenommen haben, ist ein gutes Beispiel dafür. Nils‘ Gitarrensnschlag bei God’s gonna cut you down – lose angelehnt an die Johnny Cash Version -, hat mich immer an Brick Pt. 1 erinnert. Also haben wir den Übergang zwischen den Songs geprobt. Weil Brick Pt. 2 schön groovt, habe ich vorgeschlagen, noch einen draufzusetzen und Part 3 mit Zerre und ordentlich Wut dranzuhängen. Hat sich also alles Part für Part – im wahrsten Sinne! – entwickelt.

Ein Album wäre doch toll..

MH: Apropos Album…Ihr habt eine neue Single gespielt. Wie hieß die nochmal? Gibt es vielleicht konkrete Pläne für ein Album?

Nils: Für meinen Teil wäre ein Album ein wirklicher Traum. An dem Punkt an dem die Band sich momentan befindet lohnt es sich nicht, sich über ein Album Gedanken zu machen. Wir haben 3 Jahre lang quasi nicht live spielen können. Darauf haben wir im Moment am meisten Lust. Wir sitzen schon gemeinsam über neuen Songs. Man muss schauen wie sich das jetzt weiter entwickelt.

Timo: Ein komplettes Album wäre natürlich stark. Es muss sich dann aber auch nach einem Album anfühlen, weil die Songs in einer Zeitspanne, in einer Stimmung entstanden sind. Das macht es dann besonders. Drei Jahre lang immer mal wieder einen Song aufzunehmen und am Ende alles unter einen Albumtitel zu zwängen, würde den einzelnen Songs keinen Gefallen tun. Ein Album sollte immer eine Einheit sein, ohne dass die Tracks alle gleich klingen oder es zwangsweise ein lyrisches Konzeptalbum sein müsste.

Nils: Der neue Song heißt übrigens „Headlines“. Ich freue mich, dass du danach fragst, denn das haben viele getan und der scheint gut anzukommen. Der Song liegt fertig auf der Festplatte und wird auf jeden Fall irgendwann veröffentlicht, aber dann am besten direkt mit Musikvideo ; )

Pink Floyd – Live At Wembley Empire Pool, London, 1974

Das schmucke Schmuckstück kommt im aufklappbaren, weißen Folder daher. Im Innenteil finden sich sämtliche Songtexte von Mastermind Roger Waters zu den Songs „Breathe (In The Air) “ , „Time“ , „Money“ , „Us And Them“ , „Brain Damage“ und „Eclipse“ wieder. Die Außen-Hülle wiederum ziert die Entwürfe der Band zum damaligen Prisma-Plattencover. Originell und irgendwie historisch, die ganzen Ideen und Entwürfe hierzu nach 50 Jahren einmal in den eigenen Händen zu halten. Die Platte selbst kommt noch mit 2 Postern daher, dem Tourplakat 1974 sowie der Time-Zeichnung. Aber am Wichtigsten ist ja bei Pink Floyd die Musik, oder?

Bestückt mit 10 Stücken

Neben den oben genannten Liedern finden sich auf der Scheibe natürlich auch die Klassiker „Any Colour You Like“ , „Speak To Me“ , On The Run“ sowie „The Great Gig In The Sky“ wieder. Und es macht einfach Spaß, der Plattennadel über den schwarzen Longplayer zu folgen und sich vorzustellen, wie damals mit den seinerzeit krassesten, neuen Effekten wie dem analogen Sampling und Tapeloops neue Musik entstand. Die Band erschuf so neben der Lichtshow im Gesamtbild eine wirklich neue Welt. Hört einfach den Registrierkassen-Loop im Song „Money“ an und ihr wisst, was wir meinen. Und ihr hört, wie der Musikstil Avantgarde in den 70´er Jahren geklungen hat.

Neuer Merch und Zeitreise ins Planetarium

Wie wir bereits an dieser Stelle hier ausführlich berichtet hatten, gibt es von Pink Floyd seit letzter Woche neben den beiden Schallplatten allerhand neuen Merch wie hochwertig gestaltete Coffeetable Books, die Deluxe-Box-Sets und, und und. Zudem haben sich die Pioniere des visuellen Sounds aber auch eine Zeitreise ausgedacht. Denn damals am 27. Februar 1973 veranstaltete die Plattenfirma der Band im London Planetarium eine Pressekonferenz zum brandneuen Album „The Dark Side Of The Moon“ . Und genau dieses Erlebnis im Dolby-Surround-Sound wird es bald auch in Deutschland geben.

Termine

42 Minuten lange Pink Floyd-Planetarium-Shows gibt es in folgenden Städten:

— Hamburg, Planetarium ab 24.03.203

— Kiel, ab 01.04.2023 (kein Scherz)

Glücksburg, Menke-Planetarium ab 22. 04.2023

— Mannheim ab 13.05.2023

— Wolfsburg ab 16.05.023

— Bochum ab 17.05.2023

Mehr Infos

Hier kann die Scheibe vorbestellt werden! Und wer mehr Infos zu Pink Floyd sucht, wird natürlich auch bei uns auf metal-heads.de fündig!

Vor einem halben Jahrhundert feierten die Briten Gilmour, Waters, Wright und Mason – besser bekannt unter ihrem Bandnamen Pink Floyd – die Premiere ihres achten Studioalbums mit dem Titel „The Dark Side Of The Moon“ . Ja, genau. Das ist die Scheibe mit dem ikonischen Prisma-Plattencover, was jeder kennt. Grund genug, das Meisterwerk zu remastern und in einer Special Box wieder aufleben zu lassen. Wir von metal-heads.de haben uns mit der Neuauflage eingehender beschäftigt.

Stream for me, Wembley

Wie es dem Zeitalter entspricht, wird es neben der physischen Variante natürlich auch die digitale Album-Version geben. Und sowohl als Bestandteil der Special Box als auch einzeln wird es neben der 1973´er Scheibe „The Dark Side Of The Moon“ erstmalig auf Vinyl in der Box bzw. als Stream auch noch das berühmte 1974´er Konzert „Live At Wembley Empire Pool, London, 1974 “ geben. Wenn das kein zusätzlicher Kaufanreiz ist.

I´m living in a box, I´m living in a cardboard box…

Was ist denn nun drin in dieser besagten „Special“ Box? Wie ihr auf dem Bild sehen könnt, so einiges. Neben den beiden CD´s „The Dark Side Of The Moon“ (2023 neu gemastert von James Guthrie mit 12-seitigem Booklet) und „Live At Wembley Empire Pool, London, 1974“ (abgemischt von Andy Jackson, ebenfalls mit 12-seitigem Booklet) gibt es beide Alben auch noch als LP-Version. Und als Blu-Ray sowie DVD. Ebenfalls zur Freude der Fans wird es ein 160-seitiges Thames & Hudson Buch mit Schwarz-Weiß-Fotos der UK- und USA-Touren aus den Jahren 1972 bis 1975 geben. Dazu noch das Notenbuch zum Original-Album (76 Seiten stark) und ein paar zusätzliche Erinnerungsstücke obendrein. Wie die beiden Singles „Money/Any Colour You Lik“ uns „Us And Them/Time“ in chicken Harvest-Taschen. Das sollte reichen, um die Box „Special“ nennen zu dürfen, oder was meint ihr?

Nicht zu vergessen: Die Musik von Pink Floyd

Am Meisten bleiben aber aus der Special Box die neun remasterten Tracks des legendären Albums hängen. Zeitlos sind Lieder wie „Speak To Me“, „Breathe (In The Air)“ , „On The Run“ , „Time“ , „Money“ , „Us And Them“ , „Any Colour You Like“ , „Brain Damage“ und „Eclipse“ allemal.

Zum Vergessen: Aktuelle Statements von Roger Waters

Abseits der genialen Musik und der unglaublichen Karriere dieser Band muss man aber leider ein paar Worte zum Kreativ-Kopf der Band loswerden: Zu Roger Waters nämlich. Waters, bis 1985 Sänger und Bassist von Pink Floyd, distanzierte sich jüngst von der Ukraine-Benefiz-Single „Hey, Hey, Rise Up! “ aus dem Jahr 2022 und machte entsprechende Pro-Putin-Aussagen. Da Waters zudem in der Vergangenheit mit antisemitischen Äußerungen unangenehm auffiel, ist es nicht verwunderlich, dass sich ehemalige Bandmitglieder -allen voran David Gilmour – ausdrücklich und vollkommen nachvollziehbar von Waters distanzieren.

„The Dark Side Of The Moon“ richtig einordnen

Aber zurück zur Musik, schließlich sind wir bei metal-heads.de kein Politik-Magazin! Mit ihrem Konzeptalbum aus dem Jahr 1973 schafften es die Mitbegründer des Progressive Rock übrigens aufs Siegerpodest der weltweit monetär erfolgreichsten Alben. Die Scheibe, natürlich in den legendären Abbey Road Studios aufgenommen, steht auf Platz 3 der ewigen Verkaufsrangliste. Gut zu wissen und vielleicht hilft dies dem einen oder anderen von euch zudem bei der Kaufentscheidung. Vorbestellungen sind hier möglich. Wer mehr über Pink Floyd wissen möchte, der lese sich auf deren Webpage schlau. Oder schaut immer mal wieder auf metal-heads.de vorbei!