Es ist mal wieder soweit. Wir von metal-heads.de stellen euch mit einer Mischung aktueller bzw. kommender Releases aus der weltweiten Metalszene einen Überblick zusammen, damit ihr stets im Bilde seid, was so abgeht. Loslegen wollen wir mit BEYOND THE VEIL. Die Progressive Metaller aus Tokio wollen am 01.05.2026 ihren neuen Longplayer „Oblivion“ veröffentlichen. Um uns auf das kommende Material einzustimmen, gibt es vorab den Song „Reflection“ für unsere Ohren:

Diese Partnerschaft wird auf eine längerfristige Basis gestellt. Die schwedische Power Metal Band VEONITY hat ihren Deal mit italienischen Label Scarlet Records aufgefrischt. Zur Feier des Tages gibt es eine ganz neue Standalone-Single namens „Saviour of mankind“, aber da sollte doch ein komplettes Album nicht lange auf sich warten lassen. Macht euch mal einen Eindruck – Musik ab:

SOULFALLEN sind eine melodische Dark Metal Band aus Finnland. Das vierte Studioalbum soll noch in diesem Jahr an den Start gehen. Als einen Vorgeschmack gibt es jetzt die zweite Single aus dem kommenden Werk. Der Track heißt „Flesh unearthed“ und wir lassen ihn auch mal anhören:

„Sinful“ ist die neue Single der Doom Metaller von MANALI. Der dänische Vierer hat sein selbst betiteltes Debütalbum für ein Release am 17.04.2026 vorgesehen. Wie gefällt euch die Musik?

VEONITY, SOULFALLEN, MANALI & mehr

Nachdem die deutsche Power Metal Formation IRON ECHO ihr Debütalbum „Forged in fire“ erfolgreich rausgehauen hat, legt man jetzt mit dem Song „Loud and proud“ neues Material nach. Und für diese Nummer hat man sich keinen Geringeren als den PRIMAL FEAR-Frontmann Ralf Scheepers für die Backing Vocals eingeladen. Wir spielen euch das Video vor:

Kommen wir zu „Black sun river“. Das ist ein Track der Gothic Doom Combo ANGELLORE, der auch auf dem am 15.05.2026 erscheinenden vierten Longplayer des Fünfers enthalten sein wird. Wir haben für euch das dazugehörige Lyric Video parat:

GRAVETY haben ihr drittes Studiowerk für ein Release am 05.06.2026 in der Pipeline. „Of cults and chaos“ ist der Titel der Langrille und wir wollen euch mit der neuen Single „Cosmic truth“ auf das neue Material einstimmen. Bitte sehr:

Zum Finale spielen wir euch mit „Enough“ die Single aus dem für den 26.06.2026 zur Veröffentlichung eingeplanten Albums „Truthsayer“ vor. Es kommt von der Dark Alternative Metal Band OUTSHINE. Der Vierer aus dem schwedischen Göteborg erfreut uns mit düsterer Musik, die vom Stil her an die Briten von PARADISE LOST erinnert. Hört mal selbst:

Release: 21.03.’25

Label: Massacre Records

Bei manchen Bandnamen wird man automatisch neugierig. Diese Neugierde wurde natürlich auch bei SCHÄDLICH & SÖHNE geweckt, als ich letztes Jahr davon Wind bekam. Wer steckt dahinter? Was machen die für Musik? Das sind so die ersten Fragen, die man sich stellt. Gegründet wurde dieses Projekt durch den Musiker Yantit, der wohl vielen bekannt sein dürfte, die sich in der deutschsprachigen Rock-/Metalszene wohlfühlen. Mit ihm verbindet man unter anderem Bands wie EISREGEN oder EWIGHEIM.

Über die Anfänge von SCHÄDLICH & SÖHNE sagt Yantit folgendes:

Die ersten Ideen/Aufnahmen zu ‚Zweckpessimismus‘ reichen zurück bis ins Jahr 2018 und waren
ursprünglich nicht als Teil eines Albums gedacht. Vielmehr ging es darum, inspiriert von allem, was mir ans Herz gewachsen ist, Musik für mich selbst zu machen. Ich meine damit Bands wie Type O Negative, Laibach, G.G.F.H., Katatonia (insbesondere ihr ‚Brave Murder Day‘ Album) oder eben … Bethlehem.

Yantit im Pressetext

Welch glückliche Fügung, dass Yantit als Sänger Guido Meyer de Voltaire gewinnen konnte, der auch mal für ‚Bethlehem‘ gesungen hat. Guido war sehr schnell von diesem Projekt überzeugt, wie er hier darlegt:

Als Yantit mich vor fast zwei Jahren anschrieb, ob ich mir vorstellen könnte, diese Lieder einzusingen, war mir nach den ersten vier Songs sehr schnell klar, dass dies etwas sehr Eigenes, Schönes und Dunkles wird.
Der wunderbare musikalische Giftschrank, der daraufhin mit viel Akribie entstanden ist, erfreut mich nach wie vor mit Genuss und Schaudern.

Guido im Pressetext

Ein dunkles Unterfangen

in jeglicher Hinsicht wird also den Hörer erwarten. Das Cover empfinde ich übrigens ebenfalls als äußerst gelungen. Es ist das Schwarz/Weiß-Foto eines menschlichen Körpers, der eine spezielle einnimmt. Die Person wirkt in sich gekehrt, ja sogar gebrochen oder auch verzweifelt Durch geschicktes Licht- und Schattenspiel offenbaren sich mit ein wenig Fantasie die Schemen eines Totenschädels. Ein sehr ausdrucksstarkes Foto, welches die Aura des Albums perfekt widerspiegelt.

„Schädlich & Söhne“

ist der Opener des Albums und war im letzten Jahr die erste Singleveröffentlichung. Hierbei sei erwähnt, dass das Album eigentlich im November 2024 erscheinen sollte. Doch leider musste die Veröffentlichung weit nach hinten geschoben werden. Da half kein klagen und verzagen, sondern nur Verständnis und Geduld. Nun hat das Warten ein Ende und die Veröffentlichung steht kurz bevor.

Der epische Opener entfaltet in der Ruhe die Kraft und ist ein unaufdringlicher Beginn der morbiden Reise auf „Zweckpessimismus“. Es ist faszinierend, wie die Atmosphäre des Songs nach und nach den Hörer in den Bann zieht. Insgesamt klingt der Song trotz der harten Lyrik recht harmonisch und idyllisch, aber nicht ohne unheimliche und leicht bedrohliche Momente einfließen zu lassen.

Auf der anderen Seite

SCHÄDLICH & SÖHNE schaffen ihre eigene Welt. Und letzten Endes muss man vielleicht eingestehen, dass „Zwcckpessimismus“ mit seinen düsteren, teils verstörenden Geschichten und Empfindungen auch ein Teil des Lebens ist.

Die lyrische Ausgestaltung ist ein wortgewandtes Kunstwerk, das mit vielen dunklen Farben allerlei Schattierung der Abgründe des Lebens malt. Dabei bedient man sich bildhafter Symbolik oder auch geht die Dinge auch mal direkt an. Sänger Guido erweckt diese Lyrik mit seiner Stimme zum Leben und er ist perfekt für dieser Rolle geeignet. Er transportiert und interpretiert die Worte perfekt durch seine ausdrucksstarke Intonation, zu jederzeit mit dem richtigen Gefühl für den Moment.

Den Songs wohnt mitunter eine Eingängigkeit inne, was dazu führt, dass sie sofort im Kopf hängen bleiben. Die Inszenierung des zweite Songs „Pathos, mein Freund“ ist somit nicht weniger großartig als der Opener, schlägt aber eine ganz andere Richtung ein. Der Gothik-Rocker klingt viel eindringlicher und dramatischer. Die Instrumentierung ist fein gearbeitet und über allem thront der Gesang von Guido. Großartig!

„Tanz!“

ist ebenfalls ein Beispiel für die Vielseitigkeit, die hier geboten wird. Die Songs werden immer wieder in andere dunkle Gewänder gehüllt. „Tanz“ steht ebenso für die drastischen Lyrics, die sich ist wie ein rostiges Messer schmerzhaft in die Haut schneiden. Die verstörende Atmosphäre wird neben dem Gesang durch die instrumentale Gestaltung weiter intensiviert. Es wird mit unheilschwangeren Synthies gearbeitet, mal mit harten Riffs oder auch mit sanften melancholischen Piano- oder Violinenklängen. Es gibt wirklich viel zu entdecken.

Es gibt Texte, mit denen SCHÄDLICH & SÖHNE ihre Botschaften leicht verständlich und plastisch in der Welt verkünden. Da fällt mir umgehend der Song „Die Welt Geht Unter“ ein, den man schon fast als Partysong des Albums bezeichnen kann. Oft regen die Texte aber zum Nachdenken an, denn nicht immer sind die Worte klar umrissen und die Bedeutung gleich durchschaubar.

Denn was stellt man sich unter Songs mit Titeln wie „Katze Fröhlich“ oder „St. Nimmerlein„ vor? Es eröffnet sich ein äußerst kreativ künstlerisches Spiel der Worte, das teils in Morbidität und Absurdität ausartet. Dies drückt sich auch im Song „Mit Den Augen Eines Toten“ aus, der mit seiner tragisch romantischen Ader in natürlicher Idylle den Tod besingt.

Fazit

SCHÄDLICH & SÖHNE begeben sich auf „Zweckpessimismus“ mit euch in die Mäandern des dunklen Flusses in der Welt des Menschseins. Ihr strandet an trostlosen Ufern, geratet in schmerzhafte Stromschnellen und stürzt von Wasserfällen hinunter in finstere unsichere Abgründe.

„Zweckpessimismus“ ist ein sehr persönliches Album, das sicherlich nicht jedermanns Geschmack entsprechen wird. Denn weit abgeschieden von Frohsinn und Glückseligkeit werden mit düsteren musikalischen Pinselstrichen Bilder in eure Köpfe gemalt, die von Tod, Zerfall und bitteren Weisheiten geprägt sind. Wer sich auf die dunkle Seite des Lebens wagt, der könnte sicherlich von der morbiden Faszination des Albums beeindruckt sein (oder es andersherum völlig ablehnen.) Für mich jedenfalls ist es ein Kunstwerk der etwas anderen Art, was aus der Masse klar hervorsticht. Deshalb ehre ich das Werk mit vollen 10 Punkten.

Zombeast – zurück nach einer langen Pause

Natürlich kam ich nicht umhin zu fragen, was es mit der langen Pause seit dem Debüt auf sich hat. Immerhin hat es fast zwanzig Jahre gedauert und wie es dann dazu kam, dass mit Fiend Force Records ausgerechnet ein deutsches Label Feuer und Flamme für „Heart Of Darkness“ war. Zu unser aller Glück waren sie es und Jared gibt ein paar Details preis. Positiver Nebeneffekt, mit einem deutschen Label im Rücken waren Zombeast nun schon zum zweiten Mal innerhalb eines Jahres auf deutschen Bühnen unterwegs. Selbstredend, dass wir da neugierig waren und ein wenig über die Unterschiede im Vergleich zu den USA hören wollten. Und natürlich gab es auch noch einen Exkurs zu den Einflüssen von Zombeast und einen kleinen Blick in die Zukunft. Aber schaut einfach mal selbst.

In Eigener Sacher

Mehr zu Zombeast findet ihr auf der Instagram oder bei Facebook. Natürlich gibt es noch viele weitere News, Reviews und Live-Berichte aus der Szene der harten Töne bei uns. Um ja nichts zu verpassen, abonniert ihr am besten unseren kostenlosen Newsletter oder folgt uns bei Facebook. Die besten Bilder findet ihr dann bei Instagram und unser YouTube Channel hält schon jetzt einiges bereit. Schaut mal rein.

Genre: Dark Metal

Release: 16.08.’24

Label: Massacre Records

EISREGEN (Facebook) gibt es auch bereits seit 1995, also ähnlich lange wie eine andere sehr bekannte deutsche Band. Musikalisch geht man aber durchaus andere Wege, aber ist nicht weniger polarisierend. Die Texte sind schon krass und auch schonungslos morbide. Daher kann man sicherlich behaupten, dass EISREGEN weit ab vom Mainstream agieren. Dieses Motto wird auf dem neuen Album mit dem sehr blastbeatfeuernden Titelsong „Abart“ kurz und prägnant in einer Minute auf den Punkt gebracht.

Wir weichen ab von der Norm
Jeglicher Ethik und Moral
Meilenweit entfernt vom Durchschnitt
Entartet – und stolz darauf

Lyrics vom Song „Abart“

Umso beachtlicher, dass viele Alben von EISREGEN schon erfolgreich in den Charts vertreten waren. Auch das letzte Album „Grenzgänger“ war in Deutschland bis auf Platz 6 aufgestiegen.

Abgründe

So setzen EISREGEN ihre finstere Reise mit „Abart“ unbeirrt fort. Es ist bereits das 17. Album der Thüringer Band. Der Opener heißt „Am Abgrund“, wobei EISREGEN sich nicht nur am Abgrund bewegen, sondern sie mit voller Inbrunst hineinspringen. Dort scheint keine Sonne und strahlt kein Regenbogen. Die Stimme von Sänger Markus dominiert das Geschehen. Die fiesen Vocals von Sänger Markus fräsen sich förmlich in den Kopf, nicht mit scharfer Klinge schnell und schmerzlos, sondern eher mit einem stumpfen rostigen Messer, langsam und brutal schmerzvoll. Der Song spielt mit verschiedenen Elementen und Stimmungen der Dunkelheit und so entsteht ein wirklich gehaltvoller Song, der sogar mit einem Ohrwurmrefrain aufwarten kann.

Finstere Faszination

Und ich muss zugeben, dass ich vom Opener bereits sehr fasziniert bin. Direkt mit dem zweiten Song „Ich Und Mein Bolzenschußgerät“ wird dann eine ganz andere Richtung eingeschlagen. Der Song klingt bedeutend härter und drückt hart aufs Tempo. Nach diesem rifflastigen Song wird es wieder reduzierter, wenn „Im Blutroten Raum“ erklingt. Ein starker Bass übernimmt hier eine prägnantere Rolle, die Gitarren halten sich mehr zurück. Und auch das Piano darf bei diese blutigen Hymne nicht fehlen. Bei „Lebendköder“ sind leichte Black Metal Vibes mit symphonischen Ausprägungen zu hören.

Es bleibt also bisher festzustellen, dass EISREGEN sich sehr abwechslungsreich präsentieren. Man bedient sich frei in allen Bereichen des dunklen Metals, um daraus ganz spezifische Songs mit eigenem Charakter zu erschaffen. So hebt sich auch der Song „Dem Menschsein So Fern“ hervor, der mit seinen Violinen folkische Töne hervorzaubert. „Rasierfleisch“ ist sehr makaber und beschäftigt sich mit den Gedanken eines perversen Serienkillers, der auf ganz glatte Haut steht. Doch der Wunsch nimmt zum Ende hin abartige Züge an. Muss bei solchen Songs immer an den Film „Das Schweigen Der Lämmer“ denken. So auch bei dem Song „Schmutzliebe“. Man sollte die Texte nicht immer nur oberflächlich betrachten, sondern auch mal zwischen den Zeilen lesen. Denn die Texte bieten sicherlich Raum für Interpretationen und zeigen eben betont drastisch die Abgründe menschlicher Existenzen.

Intensive Vielseitigkeit

Der Sound ist auch mit eingängigen Passagen angereichert, sowohl instrumental als auch gesanglich. Dies bedeutet aber noch lange nicht, dass die Songs simpel zusammengestrickt wurden. Denn man muss sagen, dass die Songs wohldurchdacht geschrieben worden sind. Neben der schon angesprochenen höchst unterhaltsamen und spannenden Vielseitigkeit, die keine Langeweile aufkommen lässt, kommen die Songs mit einem klugen Konstrukt daher. Die differente Instrumentierung inklusive der Stimmungswechsel innerhalb der Songs sorgen für eine intensives Eintauchen in die finstere Welt. Die Atmosphäre auf dem Album ist wirklich packend.

Auf die Spitze haben EISREGEN es mit dem Magnus Opus „Totkörperkunst“ getrieben, der es auf über 10 Minuten Spielzeit bringt. In diesen zehn Minuten vereinigen sich alle Stärken von EISREGEN. Großartige Atmosphäre mit harten Attacken, tragischen Momenten, aber auch darüber hinaus melancholisch melodischen Träumereien dank Piano und tollen Violinen, die irgendwie einen verhext krassen Gegenpol zu den eiskalten Texten darstellen. Ein Song von überragender Epik, getränkt von ekstatischer Dunkelheit. Besser kann man ein Album nicht abschließen!

Fazit

EISREGEN erschaffen mit „Abart“ viele finstere Abgründe, in die ihr brutal hinabgestoßen werdet. Taucht ein in die abartige Welt von EISREGEN voller Albträume, die euch schonungslos heimsuchen werden. Die Texte zeigen in ihrer teils brutal übertriebenen und drastischen Deutlichkeit die dunklen (und perversen) Seiten der Menschheit. EISREGEN haben mit „Abart“ ein höchst atmosphärisches Werk vollbracht, dem man seine Faszination nicht absprechen kann.

English review

Genre: Dark Metal

Release: 16.08.’24

Label: Massacre Records

EISREGEN (Facebook) have been around since 1995, a similar length of time to another very well-known German band. Musically, however, they take a different path, but are no less polarizing. The lyrics are blatant and relentlessly morbid. It can therefore certainly be said that EISREGEN operate far from the mainstream. This motto is summed up succinctly in one minute on the new album with the very blastbeat-firing title track “Abart”.

Wir weichen ab von der Norm (We depart from the norm)
Jeglicher Ethik und Moral (all ethics and morals)
Meilenweit entfernt vom Durchschnitt (miles away from the standard)
Entartet – und stolz darauf (degenerate – and proud of it)

Lyrics Song „Abart“

This makes it all the more remarkable that many of EISREGEN’s albums have already been successful in the charts. The last album “Grenzgänger” also climbed to number 6 in Germany.

Abysses

EISREGEN continue their dark journey unperturbed with “Abart”. It is already the German band’s 17th album. The opener is called “Am Abgrund”, with EISREGEN not only moving along the abyss, but jumping into it with full fervor. There is no sunshine and no rainbow. The voice of singer Markus dominates the show. His nasty vocals literally grind their way into your head, not with a sharp blade quickly and painlessly, but rather with a blunt rusty knife, slowly and brutally painful. The song plays with various elements and moods of darkness, resulting in a really substantial song that even has a catchy chorus.

Sinister fascination

And I have to admit that I am already very fascinated by the opener. The second song, “Ich Und Mein Bolzenschußgerät”, takes a completely different direction. The song sounds much heavier and pushes the tempo hard. After this riff-heavy song, things slow down again with “Im Blutroten Raum”. A strong bass takes on a more concise role here, the guitars are more restrained. And the piano is not to be missed in this bloody anthem. Light black metal vibes with symphonic characteristics can be heard in “Lebendköder”.

So far it remains to be said that EISREGEN present themselves in a very varied way. They make free use of all areas of dark metal to create very specific songs with their own character. The song “Dem Menschsein So Fern”, which conjures up folky tones with its violins, also stands out. “Rasierfleisch” is very macabre and deals with the thoughts of a perverted serial killer who likes very smooth skin. But the desire takes on perverse traits towards the end. Such songs always make me think of the movie “The Silence of the Lambs”. This is also the case with the song “Schmutzliebe”. You shouldn’t always just look at the lyrics superficially, but also read between the lines. Because the lyrics certainly offer room for interpretation and show the abysses of human existence in an emphatically drastic way.

Intense versatility

The sound is also enriched with catchy passages, both instrumentally and vocally. However, this does not mean that the songs are simply knitted together. In addition to the already mentioned highly entertaining and exciting versatility that prevents boredom, the songs have a clever structure. The differentiated instrumentation, including the mood changes within the songs, ensure an intense immersion into the dark world. The atmosphere on the album is really gripping.

EISREGEN have taken it to the extreme with the magnus opus “Totkörperkunst”, which has a playing time of over 10 minutes. All of EISREGEN’s strengths come together in these ten minutes. Great atmosphere with hard attacks, tragic moments, but also melancholic melodic dreaminess thanks to piano and great violins, which somehow form a bewitchingly stark counterpoint to the ice-cold lyrics. A song of outstanding epicness, drenched in ecstatic darkness. There’s no better way to end an album!

Conclusion

With “Abart”, EISREGEN create many dark abysses into which you will be brutally pushed. Immerse yourself in the deviant world of EISREGEN, full of nightmares that will haunt you relentlessly. In their sometimes brutally exaggerated and drastic clarity, the texts show the dark (and perverse) sides of humanity. With “Abart”, EISREGEN have created a highly atmospheric work that cannot be denied its fascination.

Release: 17.05.’24

Label: Massacre Records (lizensiert von Fiend Force Records)

Heute stellen wir euch mit „Heart Of Darkness“ das Album der Band ZOMBEAST (Facebook) vor, welches mit Sicherheit am 17.05.’24 in der Metal Szene super einschlagen wird. Es sei kurz erwähnt, dass ich noch mit Bands wie DANZIG groß geworden bin. Glenn Danzig hatte als Sänger eine sehr charakteristische Stimme, die mich bis heute nach wie vor fasziniert. Die Songs „Mother“ oder auch das spätere „Dirty Black Summer“ liefen damals in den Clubs rauf und runter und nicht nur diese Songs haben einen Ehrenplatz in meiner persönlichen Hit-Historie.

Geile Vibes

Und als ich mit ZOMBEAST das erste Mal in Berührung kam, hatte ich genau diese Vibes und war umgehend in freudiger Erregung. Bei der Single „Red Ripper“ drängen sich die Erinnerungen an frührere DANZIG Zeiten förmlich auf. Und das ist beileibe keine schlechtes Zeichen. Sänger Mario Montechello hat eine ähnliche Stimme wie Glenn Danzig. Kraftvoll, lässig und einfach cool! Dazu gesellt sich der erdige düstere Rocksound und fertig ist ein super ausdrucksstarker Song, der einfach volle Kanne reinhaut. Die von Mario Montechello geschriebenen Texte behandeln verschiedene Themen: von den echten Schrecken des Lebens, vom okkulten Dingen und von Lykanthropie.

Bei „Red Ripper“ geht es um folgende Geschichte, wie Jared Smith erzählt:

In Marios Text geht es um die mörderischen Tiraden von Andrei Chikatilo (The Red Ripper), der über ein Jahrzehnt lang die sowjetische Wildnis terrorisierte. Die Musik für den Song hatte von Anfang an eine düstere Stimmung. Sie kam ganz natürlich aus mir heraus, und es machte Sinn, dass Mario sich dem Song textlich aus der dunkelsten Perspektive näherte, die ihm möglich war. Die Art und Weise, wie die gedämpfte Strophe und der treibende Beat die Spannung erhöhen, bis der Song in seinen donnernden Refrain ausbricht, ist einer meiner Lieblingssongs auf dem Album.

Pressetext All Noir Pr.

Tempomäßig hält sich das finstere „Red Ripper“ zurück, doch ZOMBEAST können auch anders. Und dies bekommt man auf dem Album direkt beim Opener „Devil’s Whore“ zu spüren. Die erste Minute wird mit einem melodisch Gitarrensolo eingeleitet, aber der „brave“ Modus wird dann umgehend abgestellt und es wird erheblich abgedrehter. Der Song galoppiert drauflos und die Leadgitarre macht zwischendurch ihre kleinen geilen Spielchen. Hier befinden wir uns volle Möhre im Punk-Modus. „Call Of The Wild“ tritt noch mehr aufs Gaspedal und wirbelt euch durcheinander. Der Song macht richtig Laune. Die Gesangslinien gefallen mir richtig gut.

Mitreißend und elektrisierend

Und wenn man denkt, das wäre schon alles geil und voll auf die Zwölf, dann fetzen plötzlich so absolut geile Trasher wie „Night Demon“ oder „The Cycle“ durch die Ohren. Die Songs haben richtig Pfeffer und grillen euch mit heißer Flamme schön knusprig durch.

Jared Smith kommentiert zu diesem Song:

Textlich geht es in diesem Song um Lykanthropie und die Raserei, die sie verzehrt. Der Gesang von Mario Montechello ist der aggressivste auf dem Album. Es ist der schnellste Song, den wir je geschrieben haben, und die Double-Bass-Aktion von Kyle Smith während des Pre-Chorus erzeugt einfach eine massive Soundwand, die an Metallicas „Dyers Eve“ erinnert“. Der Duell-Gitarren-Breakdown wurde ebenfalls in der Nacht vor dem Studiobesuch geschrieben, und ich denke, wir haben ihn gut hinbekommen, wenn man bedenkt, dass er in der elften Stunde geschrieben wurde. Die Musik auf meiner Seite wurde stark von AFI’s „Black Sails In The Sunset“ inspiriert.

Pressetext All Noir Pr.

„Heart Of Darkness“

tritt zwar nicht so aufs Gas, aber wir haben ja schon festgestellt, dass das auch gar nicht notwendig ist, damit ZOMBEAST einen intensiven charismatischen Song rauszuhauen. Im Vergleich zu den schnellen punkigen bzw. thrashigen Songs hat der Titeltrack einen eher doomigen Charakter, wirkt er genauso lebendig und verfehlt ebenfalls nicht seine elektrisierende Wirkung. Wenn man genau hinhört, bemerkt man auch hier die feinen Spielereien der Leadgitarre, die immer wieder für den melodischen Feinschliff sorgen.

„Dark Path“ als Schlusstrack ist übrigens ebenfalls ein feiner Song, der wie dunkle Zartbitterschokolade kräftig schmeckt und doch zart dahinschmilzt. Gefällt mir richtig gut, wenn der Sound zurückfährt, der Bass schwingt und der großartigen Stimme von Mario mehr Raum lässt.

Fazit

ZOMBEAST klingen old school und das ist gut so! Gerade in der heutigen Zeit schätze ich auch die Bands, welche den alten Sound bewahren und das Kunststück vollbringen diesen so dermaßen geil und mitreißend abzurocken. Dies ist ZOMBEAST mit „Heart Of Darkness“ hervorragend gelungen. Neben der elektrisierenden Gitarrenarbeit und den lebendigen Drums trägt auch gerade die charakteristische Stimme von Sänger Mario Montechello dazu bei einen rundum starken und individuellen Sound zu erschaffen.

english review

Genre: Dark Punk / Metal

Release: 17.05.’24

Label: Massacre Records (lizensiert von Fiend Force Records)

Today we present „Heart Of Darkness“, the album by the band ZOMBEAST (Facebook), which is sure to be a big hit in the metal scene on May 17th. I should briefly mention that I grew up with bands like DANZIG. Glenn Danzig had a very characteristic voice as a singer, which still fascinates me to this day. The songs „Mother“ and the later „Dirty Black Summer“ were played up and down in the clubs back then and it’s not just these songs that have a place in my personal hit history.

Cool vibes

And when I came into contact with ZOMBEAST for the first time, I had exactly these vibes and was immediately in a state of joyful excitement. The single „Red Ripper“ brings back memories of DANZIG. And that is by no means a bad sign. Singer Mario Montechello has a voice similar to Glenn Danzig. Powerful, casual and simply cool! Add to that the earthy, dark rock sound and you have a super expressive song that simply kicks ass. The lyrics, written by Mario Montechello, deal with various topics: the real horrors of life, the occult and lycanthropy.

Red Ripper“ is about the following story, as told by Jared Smith:

Mario’s lyrics focus on the murderous tirade of Andrei Chikatilo (The Red Ripper) that terrorized Soviet wilderness for over a decade. The music for the song had a darker mood right from the start. It naturally flowed out of me and it made sense for Mario to approach the song lyrically from the darkest perspectives that he could. The way the palm muted verse and driving beat increase the tension until the song erupts into it’s thunderous chorus, it’s one of my favorite songs on the album

presstext All Noir Pr.

In terms of tempo, the sinister „Red Ripper“ holds back, but ZOMBEAST can do things differently. And you can feel this on the album right from the opener „Devil’s Whore“. The first minute is introduced with a melodic guitar solo, but then immediately things get a lot more crazy. The song gallops along and the lead guitar plays its cool little games in between. Here we are in full punk mode. „Call Of The Wild“ steps on the gas pedal even more and whirls you around. The song is really fun and I really like the vocal lines.

thrilling and electrifying

And just when you think it’s all awesome stuff, suddenly awesome trashers like „Night Demon“ or „The Cycle“ blasting through your ears. These songs are really hot and will make you freak out.

This song lyrically focuses on lycanthropy and the frenzy that consumes. This is some of Mario Montechello’s most aggressive singing on the record. It’s the fastest song we’ve ever written and the double bass action of Kyle Smith during the pre-chorus just creates a massive wall of sound reminiscent of Metallica’s „Dyers Eve“, The dueling guitar breakdown was also written the night before the studio and I think we nailed it considering it was written in the 11th hour. The music on my end was heavily inspired by AFI’s „Black Sails In The Sunset“.

presstext All Noir Pr.

„Heart Of Darkness“

doesn’t really step on the gas, but we’ve already established that it’s not necessary for ZOMBEAST to produce an intensely charismatic song. In comparison to the faster punk or thrashy songs, the title track has a more doomy character, it is just as lively and does not fail in having an electrifying effect on the listener. If you listen closely, you’ll notice the subtle playfulness of the lead guitar, which repeatedly provides the melodic finishing touches.

„Dark Path“ as the final track is also a fine song, by the way, which tastes strong like dark chocolate and yet melts away gently. I really like it when the sound is reduced, the bass swings and Mario’s great voice is given more space.

Conclusion

ZOMBEAST sound old school and that’s fantastic! Especially in these days, I appreciate bands that preserve the old sound and manage to rock it out in such a refreshing and rousing way. ZOMBEAST have achieved this brilliantly with „Heart Of Darkness“. In addition to the electrifying guitar work and the lively drums, the very charismatic voice of singer Mario Montechello also contributes to creating an all-round strong and individual sound.

Label: Apostasy Records

haben ihre Heimat in Deutschland und sind kaum in ein bestimmtes Genre zu stecken. SACRIFIRE (Facebook) schenken euch auf ihrem Album „The Art Of Decay“ eine außergewöhnliche dunkle Metal-Mischung aus Gothik und Doom.

Vor zwei Monaten haben sie mich mit der Single „Juggernaut“ auf ganzer Linie überzeugt. So eine Mischung habe ich noch nie gehört und ich muss zugeben, dass ich sehr fasziniert und gefesselt davon war und immer noch bin. Es zeigt mir, dass es Bands immer noch schaffen interessante Sounds zu generieren. „Juggernaut“ hat ganz viele klassische Gothik Vibes. Vor allem dann, wenn Sänger Dirk Weiß seine warme dunkle Stimme hervorholt. Atmosphäre ohne Ende! Aber auch in seiner extremeren Sangeskunst kann Dirk völlig überzeugen. Instrumental agiert man mit dunkelzarten Melodien, aber auch mit massiven Riffwellen und bietet damit die perfekte Bühne für den überaus charismatischen Sänger Dirk.

Interessant und spannend

Es war also spannend, was die Band mit diesem interessanten musikalischen Ansatz auf dem Album offenbaren würde. Und ich kann euch sagen, dass SACRIFIRE euch mit einer faszinierenden Ausstrahlung in einen schwarzen Kosmos saugen werden. Dirks Stimme ist dabei der Reiseführer. Dirk hat eine fesselnde Art. Mit seinem warmen dunklen Timbre fängt er euch ein, nimmt euch an die Hand und begleitet euch auf der Reise durch die klangvollen Landschaften. Aber Dirk kann auch anders und mit kraftvollen Vocals beeindruckende Bergmassive von Emotionen erzeugen.

Doch was nützt der beste Sänger, wenn man ihm nicht die passende musikalische Bühne bietet. Glücklicherweise lässt man Sänger Dirk nicht im Regen stehen, sondern begleitet ihn mit hochwertiger instrumentaler Kunst, die sehr reichhaltig ausfällt. Ganze drei Gitarristen spielen hier auf.

Ein Album für Entdecker

Ganze 14 Songs nehmen euch mit auf eine lange Reise (wobei auf CD und LP lediglich die ersten 10 Songs enthalten sind) . Der Einstieg in das Album mit dem Opener „Into Infinity“ schafft es den Hörer zunächst sanft einzuführen. Der Song vollzieht auf seinem Weg eine unglaubliche Entwicklung. Alterniert er zunächst zwischen den ruhigen tragenden und energischen Passagen, entwickelt er sich zu einem wahnsinnig epischen Kraftakt. Alles findet harmonisch sich zusammen. Der Bass spielt besonders stark auf und übernimmt eine wichtige Rolle im Sound von SACRIFIRE. Die Drums bieten eine kraftvolle Dynamik und überzeugen mit einem variablen Spiel. Das gleiche gilt für die Gitarrenfraktion. Die Saitenhexer sorgen hier für die melodische Vielfalt und immer wieder für die richtige atmosphärische Untermalung.

Viele Abenteuer in dunklen Gefilden

„Emptiness“ nimmt mehr Fahrt auf und hier darf man sich über ein echt starkes Gittarenriffing mit einem famosen Solo freuen. Hier kommen so einige lockere rockige Vibes zum Vorschein, die sich auch beim Song „Arms Of Morpheus“ für einen fetzigen Beginn verantwortlich sind.

„My Sanctuary“ ist auch ganz was feines. Anfänglich fängt euch der Song mit hypnotischer Magie ein. Man beachte das feine Basspiel. Dazu gesellen sich dann tolle Riffmelodien. Und plötzlich erklingt ein bluesig angehauchtes Gitarrensolo, dass zunächst allein verzaubert und dann von Dirk gesanglich begleitet wird. Dieser Song hat es mir echt angetan. Diese musikalische Vereinigung von ergreifender Ruhe und emporsteigender Kraft ist atemberaubend. Wahnsinn, wie sich so ein Song entwickeln kann. Ganz stark!

„If They Could Speak“ geht wieder in eine andere Richtung und holt die brachiale Metal-Keule raus. Wow! Das ist mal ein fetter Sound. Mit fordernder kraftvoller Rhythmik und fetten Riffs gibt es die volle Ladung berauschender Energie. Und die Drums befeuern diesen Angriff mit wuchtigen Salven. Dieser Song bleibt seiner Linie treu. Ein irres Solo wird ebenfalls gezündet.

Das Ende des Albums auf den physischen Albumexemplaren beschert uns der Song „Pain Of Exception“. Eine besondere Magie enthüllt sich auch immer dann, wenn Sänger Dirk das Geschehen mit seiner Stimme abseits der donnernden Riffs dominiert und eine reduzierte Instrumentierung ihn begleitet. So vergehen die ersten 03:30 Minuten, bis sich die Gitarrenriffs einmischen und der Song sich in einem melancholischen Wasserfall ergießt. Schwerer wiegt dagegen der Schlusstrack „Until We Die“ des digitalen Albums, der mit massiven Doom-Riffs aufschlägt.

Fazit

„The Art Of Decay“ von SACRIFIRE ist wie der Weg eines dunklen Flusses. Ruhig und bedächtig fließt er dahin, gerät häufig in bewegende Stromschnellen und donnert dann wie ein mächtiger Wasserfall aus einem gewaltigen Bergmassiv hinaus. SACRIFIRE verstehen sich darin dunkle Fäden zu einem zarten Gewand zu verweben, aber sie beherrschen ebenfalls die Schmiedekunst des harten Metalls. Dabei offenbaren sie ein sehr gutes Gespür, um diese Künste zu einem intensiven atmosphärischen Erlebnis der Melancholie zu vereinen.

„The Art Of Decay“ ist ein Album, das entdeckt werden will! Es hat viele Schätze zu bieten, die sich einem erst nach und nach eröffnen. Es ist ein Album, dass mit jedem Durchgang mehr von seiner Faszination preisgibt. Ich finde es mutig und bewundernswert, ganz bewußt ein Album weitab vom Standard zu erschaffen und eine neue musikalische Erfahrung zu generieren. Das mag keine Musik für die Massen sein, aber das macht es umso wertvoller.

english review

Genre: Gothik / Dark Metal

Label: Apostasy Records

SACRIFIRE (Facebook) are hardly to be put into a certain genre. On their album „The Art Of Decay“ they give you an extraordinary mixture of gothic and doom.

Two months ago they convinced me with the single „Juggernaut“ all along the line. I’ve never heard such a mixture before and I have to admit that I was and still am very fascinated and captivated by it. It shows me that bands still manage to generate interesting sounds. „Juggernaut“ has quite a lot of classic gothic vibes. Especially when singer Dirk Weiss brings out his warm dark voice. A wonderful dark atmosphere is created ! But also in his more extreme singing Dirk is completely convincing. Instrumentally they act with dark tender melodies, but also with massive riffs and thus offer the perfect stage for the extremely charismatic singer Dirk.

Interesting and exciting

So it was exciting to see what the band would reveal on the album with this interesting musical approach. And I can tell you that SACRIFIRE will guide you into a black cosmos with a fascinating atmosphere. Dirk’s voice is the guide on this journey. Dirk has a captivating charisma. With his warm dark timbre he catches you, takes you by the hand and accompanies you on the journey through the sonorous landscapes. But Dirk can also do it differently and create impressive mountains of emotions with powerful vocals.

But what good is the best singer if you don’t offer him the appropriate musical stage. Fortunately, singer Dirk is not left out in the rain, but accompanies him with high-quality instrumental art. Whole three guitarists play here a great show.

An album for explorers

Whole 14 songs take you on a long journey (on CD and LP only the first 10 songs are included). The entry into the album with the opener „Into Infinity“ manages to introduce the listener gently at first. The song performs on its way an incredible development. Alternating at first between the quiet thoughtful and energetic passages, it develops into an insanely epic final. Everything comes together harmonically. The bass plays up especially strong and takes on an important role in the sound of SACRIFIRE. Those drums offer a powerful dynamic and convince with a variable play. The same applies to the guitar fraction. The three string wizards provide here for the melodic variety and again and again for the right atmospheric background.

Many adventures in dark realms

„Emptiness“ picks up more speed and here you can look forward to a really strong guitar riffing with a great solo. Here some loose rocky vibes appear, which are also responsible for a groovy start in the song „Arms Of Morpheus“.

„My Sanctuary“ is also a gem. Initially, the song catches you with hypnotic magic. Note the fine bass playing. This is then joined by great riff melodies. And suddenly you hear a bluesy guitar solo that first enchants alone and then is accompanied by Dirk vocally. This song really impress me a lot.This musical union of poignant calm and soaring power is breathtaking. It’s amazing how a song like this can develop. Amazing!

„If They Could Speak“ brings out brute metal. Wow! What a heavy sound! With demanding powerful rhythms and fat riffs there is the full charge of intoxicating energy. And the drums fire this attack with massive salvos. This song stays true to its line. A crazy solo is also ignited.

The end of the album on the physical album copies gives us the song „Pain Of Exception“. A special magic also reveals itself whenever singer Dirk dominates the action with his voice away from the thundering riffs and a reduced instrumentation accompanies him. Thus, the first 03:30 minutes pass until the guitar riffs interfere and the song pours in a melancholic waterfall. On the other hand, the closing track „Until We Die“ of the digital album weighs heavier, hitting with massive doom riffs.

Conclusion

„The Art Of Decay“ by SACRIFIRE is like the path of a dark river. Calmly and deliberately it flows along, gets into moving rapids in between and then thunders like a mighty waterfall out of a huge mountain massif. SACRIFIRE know how to weave dark threads into a delicate garment, but they also master the forging of hard metal. They reveal a very good sense to unite these arts into an intense atmospheric experience of melancholy.

„The Art Of Decay“ is an album that wants to be discovered! It has many treasures to offer, which open up only gradually. It is an album that reveals more of its fascination with each pass. I think it’s brave and admirable to create an album far from the standard and generate a new musical experience. This may not be music for the masses, but that makes it all the more valuable.

SHORES OF NULL (Facebook) veröffentlichen ihr viertes Album „The Loss Of Beauty“ am 24. März. Was zeichnet den Sound aus? Nun, grundsätzlich ist es die melancholische Ausrichtung, die sowohl mit extremen als auch mit cleanen Vocals bedient wird. Das ist zwar nix neues, aber die hier gezeigte Kombination ist sehr überzeugend. Und das ist doch die Hauptsache! SHORES OF NULL erzeugen dabei eine nicht zu erdrückende Stimmung. Der Sound wirkt lebendig und strotzt vor schönen Melodien, die sogar in epische Gefilde reichen.

Dies wird von der Single „The Last Flower“ sehr eindrucksvoll unterstrichen. Die extremen Growls werden hier spärlicher eingesetzt. Der Song besticht durch wunderbare Melodien, welche durch Gitarre und vor allem durch die Gesangslinien erzeugt werden. Hier fliegen cleane Vocals auf imposanten Schwingen über die raue instrumentale Welt und erklimmen dabei epische Gipfel. Dies kommt sehr beeindruckend rüber, auch in einem Blastbeat befeuerten Teil des Songs.

Der Gesang

wirkt beim folgenden Song „Darkness Won’t Take Me“ genauso ergreifend. Sänger Davide Straccione vermag es den Hörer auf unterschiedlich Art emotional einzufangen und die Seele zu erreichen. „Darkness Won’t Take Me“ wirkt ein wenig zäher und die Stimmung erinnert mich sogar zwischenzeitlich an die Doom-Götter PARADISE LOST.

Derartige Höhepunkte schenkt auch der Song „Nothing Left To Burn“, der mit grundsätzlich sehr krafvoll und massiv gestaltet ist. Die Growls sind markant düster und entfalten ihre Wirkung noch mehr im Kontrast zu dem hochintensiven cleanen Vocals, die direkt einer brennenden Seele zu entstammen scheinen. Was für ein aufwühlender herzzereißender Song! Das geht einfach durch und durch. Gänsehaut! Einer meiner Lieblingssongs auf dem Album.

Düstere Pfade

Das sehr melancholische rein instrumentale Zwischenspiel „The First Son“ passt perfekt in die Mitte des Albums. Hier verzaubern schwere und dunkle Streicher- und Pianoklänge das Gemüt. Dieses Stück hat mich so sehr beeindruckt, dass ich mich später gefragt habe, warum man solche symphonischen Elemente nicht hier und da hat mehr in die Songs einfließen lassen. Es ist ein emotionales Album und diese klassischen Instrumente sind ein tolles Stilmittel, um diese Emotionlität zu unterstreichen ohne das man gleich zu einer Symphonic Metal Band wird, wenn man es dosiert einsetzt.

Daran schließt sich mit „A Nature In Disguise“ der längste Song des Albums an, der wieder alle Stärken der Band in sich vereint. Die einminütige Einleitung in den Song mit den monotonen Gitarrenriffs finde ich allerdings etwas zu lang geraten. Anschließend fängt Sänger Davide Straccione Euch aber sofort mit seinem cleanen emotionalen Gesang ein. Die eingangs erwähnte Lebendigkeit findet sich auch hier wieder und man spielt mit verschiedenen Stimmungen.

„Old Scars“ und „Destination Woe“ fallen in die Kategorie der etwas flotteren Songs. Es sind immer wieder diese Gitarreleads, die im Sound aufblitzen und für Energie sorgen. Auch die Rhythmusfraktion wird von Richtungs- und Tempiwechseln nicht verschont, was zusätzlich für Diversität sorgt.

Fazit

SHORES OF NULL eröffnen mit „Loss Of Beauty“ eine beeindruckende Doom-Metal Reise. SHORES OF NULL wandeln in melancholisch dunklen Welten auf düsteren Pfaden, die aber immer wieder durch wundervolle epische Landschaften führen. Sänger Davide Straccione intensiviert das Ganze mit seiner grandiosen Stimme, die sowohl in der cleanen als auch in der extremen Ausrichtung sehr eindrucksvoll klingt.

English review

Gothik Doom Metal

SHORES OF NULL (Facebook) release their fourth album „The Loss Of Beauty“ on March 24. What distinguishes the sound? Well, basically it is the melancholic orientation, which is served with both extreme and clean vocals. This is nothing new, but the combination shown here is very convincing. And that is the most important thing! SHORES OF NULL create a not too oppressive atmosphere. The sound seems lively and bristles with beautiful melodic elements, which even reach into epic realms.

This is underlined very impressively by the single „The Last Flower“. The extreme growls are used more sparsely here. The song captivates with wonderful melodies, which are created by guitar and especially by the vocal lines. Here, clean vocals fly on imposing wings over the harsh instrumental world, climbing epic peaks. This comes across very impressively, even in a blastbeat-fueled part of the song.

The singing

Singer Davide Straccione is able to emotionally capture the listener in a different way and reach the soul. This also shows „Darkness Won’t Take Me“ that seems a bit tougher and darker. It even reminds me in between of the doom gods PARADISE LOST.

Such highlights also gives the song „Nothing Left To Burn“, which is designed with basically very powerful and massive. The growls are strikingly gloomy and unfold their effect even more in contrast to the high-intensity clean vocals, which seem to come directly from a burning soul. What a stirring heartbreaking song! It just goes right through and through. Goosebumps! One of my favorite songs on the album.

Gloomy paths

The very melancholic purely instrumental interlude „The First Son“ fits perfectly in the middle of the album. Here heavy and dark string and piano sounds enchant the mind. This piece impressed me so much that I wondered why they didn’t incorporate such symphonic elements more into the songs here and there. It’s an emotional album and these classical instruments are a great stylistic device to underline this emotionality without immediately becoming a symphonic metal band, if you use it dosed.

This is followed by „A Nature In Disguise“, the longest song on the album, which again combines all the strengths of the band. The one-minute introduction to the song with the monotonous guitar riffs, however, I find a bit too long. Afterwards singer Davide Straccione catches you immediately with his clean emotional vocals. The aforementioned liveliness is also found here again and they play with different moods.

„Old Scars“ and „Destination Woe“ fall into the category of somewhat more snappy songs. It’s always these guitar leads that flash in the sound and provide energy. Also the rhythm section is not spared from changes of direction and tempo, which additionally provides diversity.

Conclusion

SHORES OF NULL open with „Loss Of Beauty“ an impressive doom metal journey. SHORES OF NULL walk in melancholic, dark worlds on gloomy paths that repeatedly lead through wonderful epic landscapes. Singer Davide Straccione intensifies the whole thing with his magnificent voice, which sounds very impressive in both its clean and extreme versions.

Das Meisterstück

Am 29. April hat die Leipziger Dark-Metal Band The Fright ihr selbstproduziertes Album >Voices Within< veröffentlicht. Ein Album das aufgrund seiner Tiefe und Melancholie von anderen Gruppen wahrscheinlich erst in der dunklen Jahreszeit das Licht der Welt erblickt hätte. The Fright haben sich jedoch dagegen entschieden, weil die Zeit für >Voices…< einfach reif ist.

Vier Jahre nach Canto V

Das neue Album kommt vier Jahre nach dem Vorgänger >Canto V< in denkbar komplizierten Zeiten. Zeiten in denen sich viel geändert hat. Zum Beispiel wäre da die neu Ausrichtung von The Fright selbst. Wie wir schon in unserer News vom 23.02.22 berichteten ist die Band in den letzten Jahren auf zwei Musiker zusammengeschrumpft. Zu Gründungsmitglied Lon Fright (Gesang/ Gitarre) kam Gitarrist Chris North in die Band, was sich kompositorisch sehr schnell als Glücksgriff herausstellte. Aufgrund seiner Black Metal Vergangenheit konnte er mit seinen Skills den Sound von The Fright maßgeblich weiterentwickeln und um einige Facetten vergrößern.

10 gefühlvolle Songs

So entstanden in den letzten Monaten diese 10 gefühlvollen Songs, die ihr jetzt auf >Voices Within< wiederfindet. Aufgenommen wurden die Tracks im Band-eigenen >Dead Road Studio< und wurden von Audio-Engineer Dennis Koehne veredelt und gemixt. Zudem holten sich die Leipziger fachkundige Unterstützung in Sachen Synthesizer in Person von Disillusion-Mastermind Andy Schmidt ins Boot. Zusammen erarbeitete dieses Team ein wundervolles Album, dessen Schönheit und Tiefe mit jedem Durchlauf wächst.

Zwischen The Mission und Love Like Blood

Kommen wir endlich zu den Songs, die es übrigens auf fast 39 Minuten Spielzeit bringen. Als Opener wurde der starke Song >Disbelief< gewählt. Mit seinem ruhigen Piano-Intro erweckt er den Eindruck eine schwere Dark-/ Gothic Metal Ballade zu sein. Auch der gefühlvolle und dezente Gesangseinsatz lässt noch in diesem Glauben. Lon Fright wandelt auf den Spuren von The Mission was sich wirklich sehr stark anhört. Anstatt jedoch in dem niedrigen Tempo zu verweilen, nimmt der Song urplötzlich post-punkige Geschwindigkeit auf und lässt die ersten tiefen Growlings hören. Der Song lässt definitiv aufhorchen und lässt die Handschrift von Chris North erkennen. Wohlige Piano und Synthie-Parts treffen auf Black Metal Elemente. Perfekter Einstieg!

Illusion

Der zweite Track >Illusion< geht von Anfang an sehr rockig nach vorne und ist ein wirklich sehr cooler, von Bauhaus inspirierter, Dark- Rock Song. Sehr melodisch und schön treibend. Das Lied ist super eingängig und besitzt einen richtigen Ohrwurmcharakter. Das ist eines von diesen Liedern die unendlich in Dauerschleife laufen und einfach nicht müde werden möchten. Das Lead-Solo zum Ende hin, ist auch sehr filigran und cool platziert. Es ist keine >Illusion< das es sich hier um eine astreine Tanznummer handelt! Sehr, sehr gut!

Video Illusion

Choices

Den anschließenden Song >Choices< haben wir euch ja auch schon als Video-Track vorgestellt. Auch hier handelt es sich um einen sehr coolen düster Rocker. Vollgepackt mit Melodie, Melancholie und Dramatik. Textlich handelt der Song über die Begrifflichkeit der Endlichkeit. Der dritte sehr starke Text in Folge! Das, von Marie Christin Herberg, eingespielte Piano kommt sehr dezent aber sehr effektvoll herüber und verfehlt seine Wirkung nicht. Also die Kombination aus düsteren Dark- / Gothic-Rock und Riff-Gitarre funktioniert bei >The Fright< ausgezeichnet. Auch hier sitzt das Lead-Solo auf dem Punkt. Klasse!

Video Choices

The End

Bei >The End< , der Titel verrät es bereits, wird die Stimmung noch ein wenig tiefer ins dunkle gedrückt. Mit seinem tiefen Gesang erschafft Lon Fright ein wirklich bedrückendes Szenario. Hier kommen erstmals auch Streicher zum Einsatz. Das Stück erinnert in seiner Gesamtheit ein wenig an Type-O-Negative. Die Shredding-Gitarrenparts von Chris North geben dem anfänglich etwas träge wirkenden Song richtig tiefe Atmosphäre. Wer musikalisch auf extrem düstere Momente steht, der wird >The End< einfach lieben! Übrigens wurde >The End< als zweiter Teil der Video-Trilogie veröffentlicht! Seht es euch an!

Video The End

Ruins

>Ruins< beginnt mit einem Synthesizer und Solo-Lead Intro. Der einsetzende Gesang klingt hier gefühlt etwas zuversichtlicher. Der Song besticht mit einer tollen Hookline und packenden Strophen. Leider liegen uns zum Album keinerlei Texte bei (abgesehen von den Video-Lyrics) weswegen wir nicht detailliert auf diese eingehen. Jedoch klingt hier alles sehr stimmig und sehr gut komponiert. Wie alle Songs bisher. Die ganze Produktion klingt bisweilen sehr professionell und man spürt, dass die Musiker hier sehr viel Herzblut reingesteckt haben. Und nicht nur das! Wer tiefer in die Gefühlswelt von Lon Fright blicken möchte, dem empfehlen wir hier dieses interessante Video!

Statement von Lon Fright

Miracle

Der Song >Miracle< geht stark in die Horror-Punk Richtung. Erinnert im ersten Moment an The Misfits und Danzig. Eine wirklich gelungene Abwechslung vom bisherigen Stoff. Hier geht es für die Band ein wenig zurück zu den Wurzeln. Hier kreuzen sich alte und neue Wege, was wirklich aufregend ist und sehr gut funktioniert. Jedoch schimmert der Gothic-Flavour immer wieder durch, was The Fright im Jahr 2022 ganz klar ausmachen.

Cold

Mit einer tiefen Bassline geht es in >Cold< weiter. Dazu kommt ein Gitarrenriff, das spontan von Scorpions >The Zoo< inspiriert sein könnte. Natürlich viel tiefer gestimmt. Sehr cool, echt! Sänger Lon schafft es hier mühelos den/die Zuhörer*in die ganzen 4 Minuten in seinen Bann zu ziehen. Dabei verlässt er auch mal die dunkle Komfortzone und präsentiert die ganze Range seiner Stimme, die teilweise bis in schwindelerregende Höhen reicht.

Lost

Ja >Lost< dagegen kommt wieder sehr viel ruhiger, nachdenklicher und trauriger daher. Leider handelt es sich hier „nur“ um ein Instrumental-Intro, das neben Gitarre, Bass auch sehr schöne Piano- Klänge zu bieten hat. Zeitgleich ist >Lost< nur die Ruhe vor dem Sturm. Die frische Luft vor dem Orkan.

Identity

Der Orkan heißt in diesem Fall >Identity< und bläst von der ersten Note an, ordentlich metallisch durch die Boxen! Dieser Track bietet wirklich das beste, was >The Fright< zu bieten haben. Tempo, eingängige Melodien, Piano- und Synthesizer-Elemente und sehr viel Abwechslung. Hier wird wirklich das ganze spielerische Feld zwischen Dark-Rock und extrem Metal bearbeitet. Inklusive Blastbeat- Sequenzen und wilden Lead-Solo. Der Song baut sich tatsächlich in seiner Spielzeit zu einem richtig epischen Monster auf und ist definitiv eines der stärksten Nummern auf dem ganzen Album! Ganz großes Kino!

Fall

Der letzte Track auf >Voices Within< trägt den Namen >The Fall< und geht nochmal an die 5 Minuten Marke und schließt sich stilistisch seinem Vorgänger an. Von Beginn an schleppend und melancholisch mit wirklich toll ausgearbeiteten Gitarren Arrangements, die ziemlich doomig klingen. Die ausgezeichneten Vocals von Lon Fright stehen auch hier im Fokus und beflügeln die Dunkelheit in bester Sisters of Mercy Manier. Gefühlt hat man immer das dunkle vor dem geistigen Auge. Der Moment wo die Nacht den letzten Lichtstrahl verschluckt und einem die Kälte in die Knochen zieht. Dazu die markerschütternden Schreie, die einem das Blut in den Adern gefrieren lassen. >Fall< ist kompositorisch wie spielerisch ein wirklich ehrwürdiger Abschluss für ein ganz, ganz starkes Album.

Das MH-DE- Fazit

Wow! Was für ein Album! In unserer News vom 23.02.2022 haben wir ja schon gemutmaßt, dass es bei >Voices Within< eventuell um den ganz großen Wurf handeln könnte. Nach mehrmaligen Hördurchläufen können wir bestätigen, dass es >The Fright< zumindest musikalisch, künstlerisch und produktionstechnisch geschafft haben! >Voices… < ist erhaben und groß! Vollgepackt mit Herzblut, Liebe, Hass, Freude, Trauer und Wut. Verpackt in wunderschöne, düstere Melodien voller Melancholie und Sehnsucht. Natürlich muss man für diese Art von Musik aufgeschlossen sein. Wer nicht sonderlich auf Seelenschmerz, usw. steht, der wird hier wahrscheinlich nicht allzu glücklich werden. Wir können jedoch etwas damit anfangen und sind sehr glücklich mit diesem Album, dass wahrlich ein Genre-Meisterwerk geworden ist!

Meisterhaft

Die 10 vorhandenen Songs machen einfach von Anfang an Spaß! Auch wenn Spaß hier die falsche Formulierung darstellt. Das Album braucht definitiv keine Skip-Taste, weil es so viel zu hören und zu erfassen gibt. Zwar fesselt es schon vom ersten Hören an, wird aber in der Tat mit jedem Spieldurchgang größer! Das zu einem an den Texten und der Stimme von Lon Fright, wie zum anderen an der Musik selbst liegt. Diese Art von Crossover, dieser Mischung aus Dark-/ Gothic-Rock und Extreme-/Black Metal finden wir sehr, sehr spannend. Hier hat das Gespann Lon Fright / Chris North wirklich außerordentlich gute Arbeit geleistet. Bleibt nur zu Hoffen, dass man diese Band auch mal live auf den Bühnen der Republik sehen kann.

Absolut zu empfehlen

Wer auf Bands wie: Sisters Of Mercy, Bauhaus, The Mission, Love Like Blood, The Fields of the Nephilim, Misfits, Danzig, Type- O- Negative, etc. steht, der kann bei The Fright absolut nichts falsch machen! Allen anderen sei das Werk allerdings auch ans Herz gelegt, weil es sich die Band einfach mehr als verdient hat. Das Album lässt sich ganz einfach bei der Band selber, auf Bandcamp, beziehen. Hier kommt jeder Cent zurück zu den Künstlern, die in diesem Fall auch die Kosten selber ausgelegt haben. Also unterstützt bitte diese aufstrebende Band, damit die auch noch ein nächstes Album produzieren kann! Metal-Heads.de vergibt hiermit 9,5 von 10 Punkte auf unserer imaginären Richterskala! Aufrichtige Arbeit muss einfach belohnt werden!

Nützliche The Fright Links

1: Homepage

2: Facebook

3: Instagram

4: Bandcamp

Superlifepromo Links:

1: Homepage

2: Facebook

Die Metal-Heads.de Links:

1: Facebook

2: Instagram

3: You Tube

4: Twitter

The Fright starteten am 18. März ihre Veröffentlichungs- Trilogie

Die Leipziger Dark Metal-Band >The Fright< steht mit ihrem 3. Album >Voices Within< in den Startlöchern. Dazu begannen die Musiker Lon Fright und Neuzugang Chris North am 18.02.2022 mit der Video/ Single >Choices< eine Veröffentlichungs-Trilogie. Soll heißen, es werden bis einschließlich dem 29.04.2022 insgesamt drei Single-Videos veröffentlicht, die Appetit auf das neueste Schaffen von >The Fright< machen sollen.

Choices startete am 18. Februar

Den Anfang macht der Titel >Choices< . Einer waschechten Gothic-Rock- Hymne mit treibendem Beat. Worum es genauer geht, erklärt uns Frontmann Lon Fright: „Der Text handelt vom Bewusstwerden der Endlichkeit, denn ohne Endlichkeit ergibt das Leben keinen Sinn…“ Aber was sollen wir hier groß zitieren und analysieren? Schauen wir uns den Track >Choices< doch direkt an!

Choices – Video

Was kommt danach

Wow! Was für ein cooler Rocker! Erinnert ein bisschen an eine härtere Version von >The Mission<, findet ihr nicht auch? Also, uns gefällt diese Singleauskopplung schon sehr gut und das Interesse auf die weiteren Tracks wächst immens! Wie wird es nun weiter gehen und was kommt nach >Choices< ? Nun, Metal-Heads.de weiß mehr! Aus heutiger Sicht wird am 01.04.2022 der zweite Song/Clip gelauncht. Er wird den dramatischen Namen >The End< tragen, jedoch ein weiterer Vorgeschmack auf >Voices Within< und die 3. Auskopplung >Illusion< am 29.April darstellen.

Was darf von Album Nummer 3 erwartet werden

Was dürfen wir also von Album Nummer 3 erwarten? Sicher ist, alle 10 Songs beinhalten tiefschürfende Inhalte und wurden in gewohnt hochwertiger Soundqualität aufgenommen. Thematisch ist die Scheibe ein Spiegelbild der Gegenwart geworden. Zugleich aber auch ein Verweis auf die Zukunft und trotz seiner unterschwelligen Melancholie ein uneingeschränkt positives Album. Die Band hat sich wiederholt weiter entwickelt. Nicht zuletzt durch den neuen Mann an der Gitarre: Chris North. Dieser hat einen Black Metal Background und prägte >Voices Within< durch seinen kraftvollen und erdigen Stil maßgeblich mit. Die Fans der Band, zu denen wir uns selbst auch zählen, dürfen also sehr gespannt sein! Am 29. April könnte da ein sehr großes Ding auf uns zusteuern!

Die Songs

01: Disbelief

02: Illusion

03: Choices

04: End

05: Ruins

06: Miracle

07: Cold

08: Lost

09: Identity

10: Fall

Diskographie

Dacabre (2008)

Born To Be Dead (2009)

The Fright (2012)

Rising Beyond (2015)

Canto V (2017)

Voices Within (2022) (Face Your Fear Records/Edel)

Nützliche The Fright Links:

1: Homepage

2: Facebook

3: Instagram

Superlifepromo Links:

1: Homepage

2: Facebook

Die Metal-Heads.de Links:

1: Facebook

2: Instagram

3: You Tube

4: Twitter

Die dunklen Lords

bewegen sich auf biblischen Pfaden. Wie man dem Albumtitel „Judas“ entnehmen kann, geht es um die tragischste Geschichte überhaupt im Neuen Testament. Der Verrat an Jesus durch einen seiner Jünger führte letztlich zur Festnahmen und Kreuzigung von Jesus. Eigentlich eine glasklare Geschichte um den Verrat eines vermeintlich treu ergebenen Freundes und Gefolgsmannes. Doch für LORD OF THE LOST (Facebook ) ist diese Geschichte nicht so glasklar und beleuchten das Thema von verschiedenen Seiten.

Letztlich ist das durch den Verrat aufgezwungene Opfer, welches Jesus in Form seiner Kreuzigung auf sich nehmen musste, ein zentraler Kern des christlichen Glaubens. Die Songtexte beziehen sich auch auf das sogenannte Judas-Evangelium, das man nicht in der Bibel findet. Diese apokryphen Schriften ( Wikipedia ) tauchten später auf und sollen Gespräche zwischen Jesus und Judas als Inhalt haben. Ein sensibles Thema also, dem sich LORD OF THE LOST mit ihrem Album „Judas“ angenommen haben und viel Raum für Interpretationen lässt. Sie haben es aber sehr gewissenhaft getan und daher ist ein randvoll gepacktes Doppelkonzeptalbum entstanden, welches am 02.07.2021 über Napalm Records veröffentlich wird.

Grenzen

waren für LORD OF THE LOST noch nie ein Thema, denn sie haben ihre Musik stets sehr facettenreich in Szene gesetzt und sind auch den ruhigen emotionalen Tönen sehr zugetan, wie man z.B. an den Veröffentlichungen der „Swan Songs“-Reihe entnehmen kann. Sie haben bereits in heiligen Stätten, sprich in einigen Kirchen Konzerte gegeben. Grundsätzlich wandern LORD OF THE LOST eher auf dunklen Pfaden, haben dementsprechend Gothik, Dark Wave, Dark Rock und sogar Metal mit im Gepäck. Dabei legen sie viel Wert auf eine tiefe greifbare Atmosphäre, wobei die Lords gerne auch mal sehr hart zur Sache gehen und es richtig rappelt im Karton. Man darf also gespannt sein, was die Männer nach ihrem letzten Top 10-Album „Thornstar“ komponiert haben.

Unschuld und Sünde

bzw. Gut und Böse in der klassischen Interpretion durch die Farben Schwarz und Weiß dominieren das Cover des Albums. Zwei schwarze Augen auf einem weiß gehaltenen Gesicht, auf dessen Stirn ein umgedrehtes schwarzes Kreuz zu sehen ist. Für mich ein passendes Artwork, dass mit seiner schlichten Schönheit und Eleganz ohne viel Schnickschnack dem Thema angemessen beikommt.

Mehr Mythologie als Religion

steckt hinter der interessanten Betrachtung der Judas-Geschichte. In einem Interview bei RTL (Tja, ich konnte es auch kaum glauben… Ein Interview beim DSDS-Sender, aber hier ist der Link ) erzählt Chris Harms über den Ansatz dieses Albums:

Genau genommen war unser Initialversuch gar nicht, seine Geschichte zu interpretieren, weil wir es weniger historisch sehen, sondern eher mythologisch. Aber darum geht es tatsächlich nicht. Was wir so interessant fanden, war die Vielseitigkeit, wie man den Charakter Judas Iskariot interpretieren kann….. Das heißt, „JUDAS“ ist weder ein religiöses noch ein antireligiöses Album, es ist weder kirchenkritisch oder pro-kirchlich. Es ging uns eher um die Faszination an diesem Charakter.

Auszüge vom Interview RTL mit Chris Harms (Artikel vom 20.06.2021)

Die Ehre des Grand Opening

wird dem Song „Priest“ beim ersten Teil „Damnation“ zuteil. Tatsächlich ist dieser Song ein perfekter Einstieg in das kolossale Werk. Majestätische Trommeln und mystischer Frauengesang bereiten Chris Harms den Weg für seinen Einstieg. Dieser weiß wie eh und je mit seinem tollen Gesang den Hörer sofort einzufangen. Mit einem Paukenschlag setzt der Song dann seine Energie frei und die harschen Gitarrenriffs werden freigelassen. Seine mystische Note behält der Song bei. Mit einem epischen aber zeitgleich kraftvollen Chorus setzt der Song ein weiteres Markenzeichen.

Viel Gefühl und mit Wucht

eingebettet in wunderschöne Melodien, die eine ganz eigene Dimension erschaffen. In diesem Zusammenhang sei beispielhaft der Song „The 13th“ genannt, der in seinem Refrain Melodien zum Niederknien hervorzaubert und eine traurig tragische Emotionalität vermittelt und doch zum Ende ein kraftvolle anklagende Passage bereit hält, bevor es wieder mit sanfter Melodik dem Ende entgegenschwebt.

Zu den ausgiebig vorhandenen erhabenen Melodien gesellen sich wuchtige Parts, die den Sound in die Bereiche des Metal ausufern lassen. Dies sind wir von LORD OF THE LOST aber schon gewohnt, doch gestalten sich die Ausbrüche hier etwas zurückhaltender als auf früheren Alben. Trotzdem wirken die Songs in diesen Passagen massiv und brechen imposant hervor.

Sie wissen genau, was sie tun

LORD OF THE LOST haben schon immer viel Wert auf atmosphärische Sounds gelegt. Für „Judas“ haben sie sich vieler Elemente bedient, um eine einzigartige stimmige Atmosphäre zu erschaffen. Dies betrifft sowohl die gesanglichen Elemente wie die Einbindung eines professionellen Chors oder frauliche ätherische Klänge ( z.B. Song „Priest“). Zudem kommen die ausgeklügelten Synthies und orchestralen Arrangements wunderbar zur Geltung, welche das musikalische Gesamtbild authentisch verfeinern. Es ertönen sogar Klänge einer Kirchenorgel in Songs wie „Death Is Just A Kiss Away“ oder „My Constellation“, was den sakralen Charakter zusätzlich unterstützt.

Zart und hart ist die Devise beim Song „For They Know What They Do“! Ein mit Kontrasten geprägter perfekt arrangierter Song, bei dem der Chor eindrucksvoll zur stimmigen Atmosphäre beiträgt.

„Salvation“

wurde der zweite Teil des Doppelalbums getauft und wird eingeleitet vom düsteren „The Gospel Of Judas“. Insgesamt gelingt es LORD OF THE LOST auf „Salvation“ das hohe Niveau zu halten und bieten damit ein wahrlich opulentes Meisterwerk großartiger Kompositionen. Hier findet sich mit „A War Within“ ein weiteres Beispiel für eine beeindruckende Symbiose von Chris Gesang und dem sakralen Chor, die eine majestätische sondergleichen entfaltet. Als Krönung obendrauf wird noch ein wunderbares Cellosolo von Chris eingebettet.

Das gewaltige „Viva Vendetta“ nimmt eine Sonderrolle im Konzept ein. Dieser Song dient als Grundlage für ein besonderes Projekt ausgewählt hat. In den sehr limitierten Sondereditionen des Albums (Earbook 500 Stück, Holzbox 1500 Stück) gibt es zusätzliche CDs, auf denen 32! Bands bzw. Künstler ihre Interpretation dieses Songs präsentieren. Dabei wurde das Grundkonzept des Songs erhalten, aber die originalen Texte durch eigene ersetzt und hier und da etwas am Klangbild individualisiert. Einen Vorgeschmack davon gibt es im folgenden Video:

Fazit

LORD OF THE LOST feiern mit der Auferstehung des kolossalen Konzeptalbums „Judas“ das wohl am meisten ausgereifte Album der Bandgeschichte. Dies zieht sich von dem schlichten aber gelungenen Cover-Artwork, über die lyrischen gehaltvollen Texte, die Raum für Interpretationen lassen, bis hin zu einem facettenreichen harmonischen musikalischen Erscheinungsbild.

Hierbei brilliert man mit großen Emotionen und brillanten Melodien, welche eine bedächtige und fesselnde Atmosphäre erschaffen. Eine sehr ausgewogene Balance zwischen bedächtigen leichten Liedern und härteren fundamentaleren Tracks. Ganz ungezügelte extreme Ausbrüche roher ungeschliffener Natur, wie man sie teilweise von anderen früheren Alben kennt, wird man hier nicht finden. Ich hatte mich gefragt, ob gerade diese „Ausbrüche“ noch eine bösere Facette hätten forcieren können. Allerdings kam mir nach mehrmaligem Durchhören der Gedanke, dass diese den musikalischen Leitfaden des Albums vielleicht zu sehr belastet und zerrissen hätten.

Mit allem gebotenen Respekt und völlig verdienter Anerkennung für dieses mit aller Sorgfalt und Akribie komponierte Album möchte ich mich bei LORD OF THE LOST mit voller Punktzahl bedanken. Sie haben ein wahrhaftig homogenes Gesamtkunstwerk vollendet. Dabei üben die Songs eine ungemeine Faszination aus, die auf jeden Fall zu fesseln vermag! (Das kann ich nach etlichen Durchläufen jedenfalls von mir behaupten.) Dies ist neben der hervorragenden Leistung im kompositorischen bzw. instrumentalen Bereich vor allem Sänger Chris Harms mit seiner immens ergreifenden Stimme und überragenden Gesangsleistung zu verdanken. So verkörpert das Album „Judas“ ein Erlebnis der ganz besonderen Art, dass man nicht verpassen sollte.

In eigener Sache

Wer nichts mehr aus der Metalwelt verpassen will, abonniert am besten unseren kostenlosen Newsletter oder folgt uns bei Facebook. So bleibt ihr über alles vom Underground bis hin zu den Großen immer auf dem Laufenden. Wer gerne Bilder guckt, ist bei Instagram richtig und unser YouTube Channel bietet euch neben Interviews und Unboxings auch ein paar Dokumentationen.

Review English

The dark lords

move on biblical paths. As you can see from the album title „Judas“, it is about the most tragic story ever in the New Testament. The betrayal of Jesus by one of his disciples ultimately led to the arrest and crucifixion of Jesus. Actually a crystal clear story about the betrayal of a supposedly loyal friend and follower. But for LORD OF THE LOST (Facebook ), this story is not so crystal clear and illuminate the issue from different angles.

Ultimately, the sacrifice imposed by betrayal, which Jesus had to take upon himself in the form of his crucifixion, is a central core of the Christian faith. The song lyrics also refer to the so-called Gospel of Judas, which is not found in the Bible. These apocryphal writings ( Wikipedia ) emerged later and are supposed to have conversations between Jesus and Judas as content. A sensitive topic, therefore, which LORD OF THE LOST have taken on with their album „Judas“ and leaves a lot of room for interpretation. But they have done it very conscientiously and therefore a jam-packed double concept album has been created, which will be released on 02.07.2021 via Napalm Records.

Borders

have never been an issue for LORD OF THE LOST, because they have always staged their music in a very multi-faceted way and are also very fond of the quiet emotional tones, as can be seen, for example, in the releases of the „Swan Songs“ series. They have already given concerts in holy places, i.e. in some churches. Basically, LORD OF THE LOST walk rather on dark paths, have accordingly Gothic, Dark Wave, Dark Rock and even Metal in the luggage. They put a lot of emphasis on a deep, tangible atmosphere, but the Lords also like to get down to rock in a very hard way. So you can be curious what the men have composed after their last Top 10 album „Thornstar“.

Innocence and sin

or good and evil in the classic interpretation by the colors black and white dominate the cover of the album. Two black eyes on a white face, on whose forehead an inverted black cross can be seen. For me, a fitting artwork, that with its simple beauty and elegance appropriately meets the theme.

More mythology than religion

is behind the interesting consideration of the Judas story. In an interview at TV-Channel RTL (Link ) Chris Harms tells about the approach of this album:

Strictly speaking, our initial attempt was not to interpret his story at all, because we see it less historically and more mythologically. But that’s really not the point. What we found so interesting was the versatility of how you can interpret the character Judas Iscariot….. That is, „JUDAS“ is neither a religious nor an anti-religious album, it is neither critical of the church nor pro-church. We were more concerned with the fascination with this character.

Auszüge vom Interview RTL mit Chris Harms (Artikel vom 20.06.2021)

The honor of the Grand Opening

is given to the song „Priest“ during the first part „Damnation“. In fact, this song is a perfect introduction to the colossal work. Majestic drums and mystical female vocals pave the way for Chris Harms to enter. This knows how to capture the listener immediately as ever with his great vocals. With a bang, the song then releases its energy and the harsh guitar riffs are released. The song retains its mystical feel. With an epic but at the same time powerful chorus, the song sets another trademark.

Much feeling and with force

embedded in beautiful melodies that create a dimension all their own. In this context, the song „The 13th“ should be mentioned, which in its chorus conjures up melodies to kneel down and conveys a sad tragic emotionality and yet at the end holds a powerful accusatory passage ready, before it floats again with gentle melodicism towards the end.

The extensively present sublime melodies are joined by massive parts, which let the sound escalate into the realms of metal. We are already used to this from LORD OF THE LOST, but the outbreaks are a bit more restrained here than on the earlier albums. Nevertheless, the songs seem more powerful in these passages and break out imposingly.

They know exactly what they are doing

LORD OF THE LOST have always put a lot of emphasis on atmospheric sounds. For „Judas“ they have used many elements to create a unique coherent atmosphere. This concerns both the vocal elements like the integration of a professional choir or womanly ethereal sounds ( e.g. song „Priest“). In addition, the sophisticated synths and orchestral arrangements come into their own wonderfully, which authentically refine the overall musical picture. There are even sounds of a church organ in songs like „Death Is Just A Kiss Away“ or „My Constellation“, which additionally supports the sacral character.

Soft and hard is the motto of the song „For They Know What They Do“! A perfectly arranged song marked with contrasts, in which the choir contributes impressively to the harmonious atmosphere.

„Salvation“

the second part of the double album was baptized and is introduced by the gloomy „The Gospel Of Judas“. Overall, LORD OF THE LOST succeeds in maintaining the high level on „Salvation“ and thus offer a truly opulent masterpiece of great compositions. Here, „A War Within“ is another example of an impressive symbiosis of Chris‘ vocals and the sacred choir, which unfolds a majestic unparalleled. To top it off, a wonderful cello solo by Chris is embedded.

The powerful „Viva Vendetta“ takes a special role in the concept. This song serves as the basis for a special project has selected. In the very limited special editions of the album (Earbook 500 pieces, wooden box 1500 pieces) there are additional CDs on which 32! bands or artists present their interpretation of this song. The basic concept of the song was preserved, but the original lyrics were replaced by own ones and here and there something was individualized at the sound concept. You can get a taste of it in the following video:

Result

LORD OF THE LOST celebrate with the resurrection of the colossal concept album „Judas“ probably the most mature album in the band’s history. This starts with the successful cover artwork, continues with the lyrically substantial lyrics that leave room for interpretation, and ends with a multi-faceted, harmonious musical appearance. Here they shine with great emotions and brilliant melodies, which create a thoughtful and captivating atmosphere.

A very balanced equilibrium between thoughtful light songs and harder more fundamental tracks. Completely unbridled extreme outbursts, as known in part from the other early albums, are dispensed with. I had wondered if just these „outbursts“ could have forced a more evil facet. However, after several times of listening through, it occurred to me that these might have strained and torn the musical thread of the album too much.

With all due respect and fully deserved recognition for this album composed with all care and meticulousness, I would like to thank LORD OF THE LOST with full marks. They have completed a truly homogeneous work of art. At the same time, the songs exert an immense fascination that is definitely able to captivate in any case! This is due to the excellent performance in the compositional or instrumental area, especially singer Chris Harms with his immensely moving voice and outstanding vocal performance. Thus, the album „Judas“ embodies an experience of a very special kind that you should not miss.

On our own business

We are primarily a German online magazine, but some articles are also available in English. Subscribe to our free newsletter or follow us on Facebook. That way you’ll stay up to date about everything from the underground to the big boys. If you like to watch pictures, Instagram is the right place for you and our YouTube Channel. There we offers you interviews, unboxings and some documentaries.