Epic East Meets Northern Beasts: Der japansiche Komponist und Musiker Yasaharu Takanashi, den ihr eventuell als Komponist der Musik zu  Animes  wie „Naruto“, „Fairy Tale“, „GeGeGe no Kitaro“ und vielen anderen kennt, spielt zusammen mit Tuomas Rounakari und finnischen Metal-Musikern ein Konzert auf der Desucon.

Die Desucon ist ein Anime-Kongress, der seit 2006 jährlich in Lahti (Finnland) stattfindet.

Dort gibt es neben den „-con“-typischen  Spielmöglichkeiten, Händlern, Maid Cafés auch  Vorträge und Workshops. Außerdem kommen auch viele japanische Gäste: Mangakas, Seiyuus, Autoren und Regisseure.

Anime-Music meets …

Auf der diesjährigen Winter-Ausgabe der Descon Frostbite, gibt es ein Konzert von  Yasuharu Takanashi. Diesmal nicht mit seiner Band YAIBA, sondern mit dem Violinisten Tuomas Rounakari (KORPIKLAANI), Toni Porthén (ex-VÄRTTINÄ)  am Schlagzeug, dem Bassisten Jesper Anastasiadis (TURISAS), – Ossi Maristo (Gitarre / BATTLE BEAST Tourmitglied) und  Iivo Kaipainen von ARION (Gitarre).

Yasuharu Takanashi verbindet in seinen Kompositionen Hard Rock mit Orchestermusik und klassischen japanischen Instrumenten wie Taiko-Trommeln, Flöte und Shamisen. Mit seiner Musik hat er bereits viele Preise gewonnen.

Tuomas Rounakari ist nicht nur Komponist und Musikethnologe, sondern auch Violinist bei KORPIKLAANI. Außerdem hat zwei Soloalben („Shamanviolin“ und „Bear Awakener“) herausgebracht, mit denen er tief in finnische Musiktradition und die Musik indigener Völker eintaucht. Er hat diese Wurzeln aufgegriffen und die Musik zu einem Dialog werden lassen.
Hier gibt es also durchaus Überschneidungen mit dem, wie Yasuharu Takanashi an seine Kompositionen herangeht.

Zum bereits ausverkauften Konzert auf der Descon (26. Januar 2024) sagt er:

Ich freue mich darauf, in Finnland aufzutreten und habe bereits mit dem Üben begonnen. Es ist eine großartige Gelegenheit, neben talentierten finnischen Musikern zu spielen.

Und Tuomas Rounakari freut sich über Yasuharus Begeisterung:

Es ist eine Ehre, die Bühne mit Yasuharu Takanashi zu teilen. Seine Bewunderung für den finnischen Metal und seine bedeutende Arbeit im Bereich Anime ergeben eine interessante Mischung von Stilen.

Da bleibt  uns nur die Hoffnung, dass es von diesem Konzert für  alle, die nicht dabei sein können, eine Aufnahme geben wird.

(english version below)

Tuomas Rounakari kennen viele von euch wahrscheinlich als Violinist von KORPIKLAANI. Im heutigen Interview habe ich mich mit dem Musiker und Musikethnologen über seine Solo-Alben und einige seiner vielen Aktivitäten und Projekte unterhalten. Dabei haben wir den Bogen von seinem Album „Shamanviolin“ über die Bedeutung von Metal-Musik für seinen Werdegang zu Liedern der Khanty, den Umgang mit der Kultur marginalisierter Völker bis hin zu karelischen Klageliedern gespannt. Außerdem ging es um die Rolle von Neugier, Respekt und dem Umgang mit Verschiedenheit und gesellschaftlichen Normen in der (Metal-) Musik.

Viele Fragen ….

Guten Morgen Tuomas, du bist gerade vom Kajaani-Poetry-Festival zurückgekommen. Was hast du dort gemacht?

Ich habe „Bear Awakener“ gespielt und einen Workshop zu karelischen Klageliedern gehalten.

Da gibst du schon Stichpunkte, zu denen ich dir Fragen stellen möchte. Du hast schon unglaublich viele Dinge gemacht. Daher möchte ich mich heute auf Projekte beschränken, die die Bandbreite, innerhalb derer du dich bewegst, aufzeigen. Also zu „Shamanviolin“ und „Bear Awakener“, zu den karelischen Klageliedern, von denen du gerade schon gesprochen hast und über das „Ruska Ensemble“.
Doch bevor ich dazu etwas frage: was sollten diejenigen, die dich oder deine Musik noch nicht kennen, von dir wissen, um die Musik, die du machst, einzuordnen und zu verstehen?

Die Essenz dessen, was ich mache und was mich inspiriert, hat grundlegend damit zu tun, wie ich die Welt wahrnehme. Nämlich als ein Netzwerk von Beziehungen zwischen Wesen. Also auch über die Menschen hinaus. Unser heutiges Leben ist von unseren sozialen Kompetenzen abhängig. Es war einmal so, dass es um kommunikative Kompetenzen ging, die die gesamte Umwelt mit einbezieht. Hinter allem, was ich mache, steht das Prinzip der Neugier und des Respekts. Es geht auch darum, einen Weg zu finden, um Neues zu schaffen und bewusster in der Gegenwart zu sein.

Das sieht man ja auch bei deinen Alben und Konzerten. Die Musik eröffnet mir die Möglichkeit, in Bewegung zu kommen, den Körper zu spüren und auf entstehende Emotionen zu achten.

Das ist großartig und ich freue mich, dies zu hören. Denn das ist genau das, worum es geht.
Ein Großteil der Musik, die wir heute haben, zielt darauf ab, zu beeindrucken. Durch Komplexität und technisch ausgefeilte Dinge. Die Lieder, die ich spiele, sind nicht dazu da, andere zu beeindrucken. Sie helfen dabei, den Grad der Bewusstheit zu verändern und Fühlen und Erfahrungen möglich zu machen.

Der Moment, der mein Leben veränderte

Dies wird bei den Liedern des Albums „Shamanviolin“ nachvollziehbar. Als ich von „Shamanviolin“ hörte war mein erster Gedanke: wie passt das wohl zusammen? Weil ich mit Violine komponierte Musik insbesondere sogenannte klassische Musik und Folk verbunden habe. Und mit Schamanismus Momentbezogenheit und Intuition. Die Lieder auf „Shamanviolin“ haben ihren Ursprung bei Liedern der Khanty, einem indigenen Volk, das in Sibirien lebt. Diese Lieder wurden Anfang des 20. Jahrhunderts auf Wachszylinder aufgenommen. Kannst du dich noch erinnern, wie es war, als du die Lieder zum ersten Mal gehört hast?

Ja, sehr gut sogar. Weil es für mich ein Moment war, der mein Leben verändert hat.
Zum ersten Mal habe ich die Musik in Budapest im Institut für Musikethnologie gehört. Es war Katalin Lazar, die mir die Aufnahmen der Khanty-Musik vorspielte. Und ich war so fasziniert davon, obwohl ich nichts von dem, was ich da hörte, verstanden habe. Ich habe nicht verstanden, weshalb die Musik so war, wie sie war.

Aber du warst so fasziniert, dass du dich weiter damit beschäftigt hast.

Als ich nach Helsinki zurückkam, bekam ich den Hinweis, dass der finnische Linguist Kai Donner, der 1911 – 1914 in Sibirien gereist war, Aufnahmen mit dem Phonographen gemacht hatte. Ich habe mich dann auf die Suche nach diesen Aufnahmen gemacht. Nach drei Monaten erhielt ich dann eine Kopie dieser Aufnahmen von 32 Liedern.

Einige der Aufnahmen waren zerstört. Aber einige waren so, dass man die Lieder gut hören konnte. Ich habe sie mir wieder und wieder angehört. Dann realisierte ich, dass ich schamanische Gesänge höre. Und damit meine ich nicht Lieder, die in Ritualen gesungen werden. Diese Lieder, diese Sänger hatten Ausdruck und Erfahrung. Ich spürte, dass ich beim Hören dieser Lieder etwas lernen konnte.

Das Lied eines Volkes, das seit 1989 nicht mehr existiert

War da deine besondere Neugierde als Musiker geweckt, dich mit dieser Musik auseinanderzusetzen?

Ja, Musiker zu sein heißt, neugierig zu sein. Und diese Neugierde kann nur durch das Spielen dieser Musik gestillt werden. Dann kam der Moment, in dem mich fragte, was passieren würde, wenn ich diese Lieder mit der Violine spielen würde. Und in dem Augenblick, in dem ich mich dazu entschieden hatte, es zu tun, wusste ich, dass etwas Unvorhersehbares, Überraschendes passieren würde.

Das, was du dann gespielt hast, wurde zu den Liedern auf „Shamanviolin“?

Ja, und ich habe mich auch wieder musikethnologisch damit beschäftigt. Die Lieder transkribiert und alles gelesen, was ich darüber finden konnte. Leider besteht nicht viel Wissen über die Lieder an sich oder die Texte, die überwiegend verlorengegangen waren. Lediglich der Text von „Fairwell Song of the Kamass“ ist noch erhalten.

Um darauf zurückzukommen, was du vorhin sagtest: dass „Shamanviolin“ eine seltsame Kombination ist. Ich wollte den Namen eigentlich nicht verwenden. Aber als ich für die erste Show gebucht wurde, gab es noch keinen Namen dafür. Und „Tuomas Rounakari spielt Violine“ hätte den Leuten nichts darüber gesagt, worum es geht.

Hättest du heute einen besseren Namen?

Nicht wirklich. „Shamanviolin“ war zunächst der Name meiner Performance und dann des ersten Albums. Was die Leute nicht verstanden haben, ist, dass auch ein einzelner Musiker einen ‚Bandnamen‘ haben kann. Und so kam es dazu, dass ich „Shaman-Violinist“ genannt wurde, was etwas anderes ist. Es gefiel mit nicht, aber ich konnte es auch nicht stoppen. Leider dauerte es dann 12 Jahre bis zum nächsten Solo-Album. Vielleicht wäre klarer geworden, dass es um meine Art zu spielen geht, wenn das zweite Album nach kürzerer Zeit erschienen wäre.

Vielleicht ändert sich das durch das aktuelle Album „Bear Awakener“.

Ja, oder die Leute nennen mich dann den ‚Bear Awakener‘ (lacht)

Die Poesie karelischer Klagelieder

Ich möchte auf ein anderes Projekt kommen, das dir anscheinend wichtig ist. Du hast eingangs erzählt, dass du auf dem Kajaani-Poetry-Festival karelische Klagelieder unterrichtet hast. Kannst du kurz erläutern, was sie sind. Woher sie kommen und welche Rolle sie spielen?

Klagelieder sind universal. Am ehesten kennt man sie aus verschiedenen Totenritualen. Jemand hat mal gesagt, das Klagen „Lieder in Übergangsriten“ sind. Als eine Form dies Dialogs mit dem, der gestorben ist und sich auf dem Weg in eine andere Welt befindet.

Sie sind auch eine Hilfe für die Lebenden, oder?

Ja, denn gleichzeitig begleiten die Klagelieder auch die Lebenden in die neue Situation ohne die Person, die gestorben ist. Wenn z.B. in der Familie jemand stirbt, ist die Familie nicht mehr die gleiche. Auch die Familie befindet sich in einem Übergang und wird zu etwas anderem.

Klage, also den Sorgen und Nöten einen Ausdruck zu geben, ist in unserer Gesellschaft ja nicht mehr akzeptiert und eher peinlich. Und wir haben immer weniger Rituale insbesondere für Übergangssituationen.

Und wir leiden darunter. In einem Workshop kam jemand und sagte: Meine Mutter ist vor 10 Jahren gestorben, aber ich habe bisher nicht darüber weinen können. Die karelische Gemeinschaft hätte nicht zugelassen, dass jemand mit einem unverarbeiteten Kummer weitergelebt hätte. Sie hatten die Klagelieder, um dafür zu sorgen, dass sich jeder angemessen mit dem Kummer auseinandersetzen kann. Sie konnten ihn herauslassen und umgestalten.

Daher die Idee für die Workshops, in denen die Leute ihre eigenen Klagelieder entwickeln können?

Ich bin Musiker und daher zunächst mehr an den musikalischen Ideen interessiert. Kennengelernt habe ich die Lieder durch eine karelische Älteste, Martta Kuikka. Durch sie habe ich viel über diese Lieder gelernt. Dabei habe ich gemerkt, dass sie das gleiche Wissen wie die Schamanen über Kommunikation und die Beziehung zur Umwelt teilt.

Weinen mit der Stimme

Was ist das Besondere an den karelischen Klageliedern?

Die karelischen Klagelieder haben eine unglaublich reiche poetische Form der Klage. In den Workshops geht es darum, etwas Aufregendes, Neues mit dieser Poesie zu erleben.

Nach den Reaktionen der Teilnehmer der ersten Workshops war klar, dass es den Teilnehmern nicht nur guttut, sich mit der Kunst der Poesie und mit der Musik zu beschäftigen. Es kann sein, dass die Ausübung dieser Kunst auch heilend ist.

Klagelieder sind mit der Erlaubnis, Kummer und Trauer zu zeigen und zu weinen verbunden.

Das ist richtig. Denn ich denke, das Wichtigste, das ich mache, ist, anderen die Erlaubnis zu geben, diese Gefühle zu zeigen. Und dies in einer Gemeinschaft zu tun. Denn der Mensch ist ein soziales Wesen. Daher ist es wichtig, dass die Gefühle, die es gibt, auch von anderen gesehen werden. Sie werden dann von der Gemeinschaft mitgetragen.

Für mich sind bestimmte Formen der Metalmusik eine Möglichkeit, auch Emotionen zu zeigen, die sonst eher als ‚unerwünscht‘ eingeordnet werden, wie Wut, Angst, Trauer.

Genau. Metal in seiner besten Form ist ein Wutausbruch als Antwort auf Ungleichheit, Schlechtigkeit in der Welt, Machtverhältnisse und das, was zerstörend ist. Somit ist Metal eine wütende Klage heilend und stärkend zugleich. Metal in seiner besten Form ist ein Wutausbruch als Antwort auf Ungleichheit, Schlechtigkeit in der Welt, Machtverhältnisse und das, was zerstörend ist.

Metal als wütende Klage

Ich denke, dass nicht viele Leute Metal so betrachten – als wütende Klage

Metal portraitiert die schlechte Seite, das Dämonische und das ist in gewisser Weise auch schamanistisch. Die Schönheit des Metal liegt doch auch heute noch darin, dass er Leute anzieht, die mit der aktuellen Situation nicht einverstanden und kritisch gegenüber bestehenden Normen sind.  Und es ist so schade, dass wir davon einiges verloren haben. Wir haben teilweise Metal, der wie Pop-Musik ist. Es geht mir nicht um die Songs, sondern um die Mentalität, die dahintersteht. Metal sollte an Grenzen gehen, sich mit Unterschiedlichkeit befassen, sich mit dem aktuellen Stand der Dinge auseinandersetzen.

Wann und wie bist du mit Metal in Kontakt gekommen?

Als ich von der klassischen Musik zur Improvisation wechselte. Ich wollte Spielweisen entwickeln, die außerhalb des Erwarteten und Akzeptierten liegen. Ich liebte NAPALM DEATH. Sie sind großartig, sie haben einen heilsamen Humor, der Grenzen überschreitet.

Ich mag ihre kritischen Texte

Ja, die Sozialkritik, die sie zeigen, ist auch eine Vision für etwas Größeres. Und sie übermitteln dies auf unerwartete Art und Weise. Daher war ihre Musik für mich wie ein energetischer Ausbruch voller Freiheit im Ausdruck. Wir hatten dann ein Trio, das von NAPALM  DEATH inspirierte Songs mit akustischen Instrumenten spielte. Wesentlich war, dass die rohe Energie der Songs nicht durch Lautstärke durch die Elektronik erreicht werden konnte, sondern nur von innen heraus.

Also ging es darum, sich der rohen, ungefilterten Energien bewusst zu werden und ihnen eine Form zu geben?

Genau. Und dadurch auch einen anderen Bewusstseinszustand zu erreichen. Der Ähnlichkeit mit den Trance-Zuständen hat, die beim Spielen oder Hören der schamanistischen Lieder entstehen können.

Kultur marginalisierter Völker: Nicht über sie ohne sie

Du hast dich nicht nur als Musiker, sondern auch als Musikethnologe mit Liedern marginalisierter Völker beschäftigt. Auch hierzu könnte ich eine Reihe von Projekten aufzählen. Ich greife heute die Arbeit mit dem Ruska-Ensemble heraus. Dabei hat mich besonders die Vorarbeit zum Theaterstück „Last Morning Star“ begeistert. Die Vorlage stammt vom khantischen Autoren Jeremei Aipin. Ihr habt ihn besucht, um mehr über ihn und das Buch zu erfahren. Aber ihr habt die Geschichte nicht nur ‚mitgenommen‘, um sie woanders zu präsentieren, sondern ihr habt sie auch wieder zurückgebracht.

Nun das hat vor allen Dingen ethische Gründe. Wenn es um indigene Völker geht, gilt: ‚Nichts über sie, ohne sie‘. Es ist die Vereinbarung, keine Gedanken über ihre Kultur aufzuschreiben, oder etwas aus ihrer Kultur zu zeigen, ohne sich eine Rückmeldung von ihnen einzuholen. Und wie du gesagt hast: normalerweise ist es so, dass man nach Europa zurückkommt, das Stück spielt und den Rest vergisst. Aber uns war es wichtig, das Stück zurück zu den Khanty zu bringen. Damit sie bewerten können, was wir gemacht haben. Ob wir richtig verstanden haben.

Und wie war die Reaktion?

Wir haben damit gerechnet, dass es viele Dinge geben wird, die wir nicht richtig verstanden haben. Und dass sie uns korrigieren werden. Aber es passierte etwas ganz anderes: ein Zuschauer, der der Neffe einer Person war, um die es im Stück geht, stand auf und sagte: „Das war kein Theater, das war das Leben“.

Das war kein Theater, das war das Leben

Heißt das, dass es wichtig für sie war, dass eine Gruppe Europäer ihre Geschichte ‚verstanden‘ hatte?

Ja, wir können zusammen so viel erreichen, wenn wir uns zuhören und gegenseitig respektieren.

Zuhören und Respekt ermöglichen Zusammenarbeit

Im Zusammenhang damit gibt es die Diskussion über „kulturelle Aneignung“.

Die Art und Weise, wie diese häufig verstanden wird, macht mir als Künstler Sorgen. Das Fundament der Arbeit des Ruska-Ensembles und meiner Arbeit als Musiker ist Solidarität. Und ich habe Sorge, dass dies jetzt zerbricht.
Leider ist es so, dass nicht jeder mit Respekt an diese Begegnungen herangeht. Man sieht dies u.a. in der Politik oder im Tourismus. Wenn z.B. nachgemachte Sami-Kleidung verkauft wird. Es werden aber eher die Künstler kritisiert. Künstler gehen überwiegend respektvoll mit anderen Kulturen um. Aber vielleicht ist es leichter, Künstler zu kritisieren als die Tourismusbranche.

Nichts über sie, ohne sie.

Es ist doch so: wenn man sich zuhört und respektiert, sind viele Dinge möglich. Neue Dinge, weil man gemeinsam etwas entwickeln kann. Und dadurch, dass ich etwas aus einer anderen Kultur aufgreife, kann ich zeigen, wie ich es verstanden habe.

Ja, das ist es, was ich als Musiker mache.

Wenn ich etwas von einer anderen Kultur lerne, kann ich es auch in der Kommunikation mit ihnen nutzen.

So war es auch, als ich bei den Khanten war. Sie haben mich respektiert und als Botschafter betrachtet. Ich konnte an Orten, die sie nicht besuchen konnten, über sie und ihre Kultur berichten.

Wie es weitergeht und Wünsche für unsere Leser

Auf deinen Reisen und im Kontakt mit Menschen aus verschiedenen Kulturen hast du sicherlich viele Anregungen bekommen. Wird es bald ein neues Album geben?

Im Moment bin ich viel damit beschäftigt, meine Dissertation zu beenden. Das beschäftigt mich so, dass ich im Moment kaum etwas anderes im Kopf habe. Ansonsten hoffe ich, dass ich die „Bear Awakener“ –  Lieder auch international, außerhalb von Skandinavien spielen kann. Es gibt Pläne für Nordamerika und auch Japan. Aber es ist nicht so einfach, Agenturen zu finden, die diese Nischenmusik promoten.

Ich danke dir für das Interview und den Einblick in den Hintergrund deiner Projekte.

Zum Abschluss noch eine Frage: Gibt es etwas das du unseren Lesern mit auf den Weg geben möchtest?  

Ich wünsche jedem die Erfahrung, einmal ganz allein in der Natur zu sein. Sich dort einen Platz zu suchen und hinzuhören. Und dabei auch Momente von Ängstlichkeit zu erleben, so wie man sie in neuen Situationen hat. Diese Ängstlichkeit zu durchleben kann ein gutes Gefühl sein.
Wir sind süchtig nach sofortigen Ergebnissen und Erlebnissen. Aber es gibt so viele wunderschöne Dinge in der Welt, die sich langsam entwickeln. Und einige davon entstehen nach diesen Momenten der Ängstlichkeit oder Bedenken. Daher: Geht auf die Welt zu!

HIER kommt ihr zu den Liedern von „Shamanviolin“ und „Bear Awakener“

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Tuomas Rounakari (KORPIKLAANI) in an interview about his solo – projects

Many of you probably know Tuomas Rounakari as the violinist of KORPIKLAANI. In today’s interview, I had the opportunity to talk to the musician and ethnomusicologist about his solo albums and some of his many activities and projects. We covered a wide range of topics, from his album „Shamanviolin“ and the significance of metal music in his career to the songs of the Khanty people, dealing with the culture of marginalized communities, and even Karelian lament songs. We also discussed the role of curiosity, respect, and handling diversity and societal norms in (metal) music.

A lot of questions….

Good morning, Tuomas. You just came back from the Kajaani Poetry Festival. What did you do there?

I performed „Bear Awakener“ and held a workshop on Karelian lament songs.

You’ve already mentioned some topics that I’d like to ask you about. You have done an incredible number of things. So today, I want to focus on specific projects of yours to showcase the diversity of your work. Let’s talk about „Shamanviolin“ and „Bear Awakener“, the Karelian lament songs you mentioned earlier, and the „Ruska Ensemble“. But before that, what should those who are not familiar with you or your music know about you? What can help them understand and contextualize the music you create?

The essence of what I do and what inspires me fundamentally revolves around how I perceive the world – as a network of relationships between beings, including beyond humans. Our lives today depend on our social skills. In the past, it was about communicative competence that included the entire environment. Behind everything I do are curiosity and respect. It’s also about finding a way to create something new and be more conscious in todays world.

That’s evident in your albums and concerts. Your music allows me to move, feel my body, and be in touch with emerging emotions.

Exactly, and I’m glad to hear that because that’s precisely the intention. Much of today’s music aims to impress through complexity and technical sophistication. The songs I play aren’t meant to impress others; they help shift the level of awareness and enable feelings and experiences.

Lifechanging moment

This becomes comprehensible in the songs on the „Shamanviolin“ album. When I first heard about „Shamanviolin“ my initial thought was, how does that fit together? Because I have associated violin with composed music, especially so-called classical music and folk. And then there’s shamanism, which involves spontaneity and intuition. The songs on „Shamanviolin“ have their origins in the songs of the Khanty, an indigenous people living in Siberia. These songs were recorded on wax cylinders in the early 20th century. Can you recall what it was like when you first heard these songs?

Oh yes, I remember that very well. It was a moment that changed my life. I heard the music for the first time in Budapest at the Institute of Music Ethnology. Katalin Lazar played the recordings of Khanty music for me, and I was so fascinated, even though I didn’t understand what I was hearing. I didn’t comprehend why the music was the way it was.

But you were so fascinated that you continued to explore it.

When I returned to Helsinki, I got a hint that Finnish linguist Kai Donner, who travelled to Siberia between 1911 and 1914, had made phonograph recordings. I started searching for those recordings, and after three months, I received a copy of 32 songs. Some of the recordings were damaged, but others were clear enough to hear the songs. I listened to them repeatedly and realized I was listening to shamanic songs. But not songs performed in rituals. These songs, these singers, had expression and experience. I felt that by listening to these songs, I could learn something.

The song of a people that no longer exists since 1989

Did that special curiosity as a musician rouse your interest in exploring this music further?

Yes, being a musician means being curious, and this curiosity can only be satisfied by playing this music. Then came the moment when I wondered what would happen if I played these songs on the violin. And the moment I decided to do it, I knew something unpredictable and surprising would occur.

And what you played became the songs on „Shamanviolin“?

Yes, and I also delved into the ethnomusicological aspects. I transcribed the songs and read everything I could find about them. Unfortunately, there isn’t much knowledge about the songs themselves or the lyrics, most of which were lost. Only the lyrics of „Farewell Song of the Kamass“ remains.

Regarding what you mentioned earlier, that „Shamanviolin“ was an unusual combination, I didn’t initially want to use that name. But when I got booked for the first show, there was no name for it yet. And simply saying „Tuomas Rounakari plays the violin“ wouldn’t have conveyed what it was about.

Do you have a better name for it now?

Not really. „Shamanviolin“ was initially the name of my performance and then became the name of my first album. What people didn’t understand is that even a solo musician can have a „band name“. So, I ended up being called the „Shaman-Violinist“, which is something else. I didn’t like it, but I couldn’t stop it. Unfortunately, it took 12 more years until the next solo album. Perhaps if the second album had come out sooner, it would have been clearer that it’s about my way of playing.

Maybe that will change with the current album, „Bear Awakener“.

Yes, or maybe people will call me the ‚Bear Awakener‘ (laughs).

The poetry of Karelian lament songs

I’d like to talk about another project that seems important to you. You mentioned that you taught Karelian lament songs at the Kajaani Poetry Festival. Could you briefly explain what they are, where they come from, and what role they play?

Lament songs are universal and are mostly associated with various funeral rituals. Someone once said that laments are „songs in transitional rites“. They are a form of dialogue with the deceased, accompanying them on their journey to another world.

But they also help the living, don’t they?

Yes, because lament songs also accompany living through a new situation without the person who has passed away. For example, when someone dies in a family, that family is no longer the same. The family itself is in transition and becomes something else.

Expressing grief, through lamentation, is no longer widely accepted in our society and is rather seen as embarrassing. We also have fewer rituals, especially for transitional situations.

And we suffer because of that. In one workshop, someone said, „My mother died ten years ago, but I haven’t been able to cry about it until now“. The Karelian community wouldn’t allow someone to continue living with unresolved grief. They had lament songs to ensure that everyone could appropriately address their grief. They could release it and transform it.

And that is the reason for the workshops? That people can develop their own laments?

As a musician, I’m primarily interested in musical ideas. I learned about these songs through a Karelian elder, Martta Kuikka. I learned a lot from her about these songs and realized that she shared the same knowledge as the shamans regarding communication and the relationship with the environment.

Weeping with the Voice

What makes Karelian lament songs special?

Karelian lament songs have an incredibly rich poetic form of lamentation. The workshops are about experiencing something exciting, something new with this poetry. Based on the reactions of participants from the first workshops, it was clear that engaging with the art of poetry and music was beneficial for them. It may be that practising this art is also healing.

Lament songs are associated with permission to express grief and sorrow, to weep.

That’s right. I believe the most important thing I do is to give others permission to show these emotions. And to do so in a community because humans are social beings. It’s essential that the emotions they experience are also seen by others. In this way, they are supported by the community.

For me, certain forms of metal music also provide a way to express emotions that are otherwise considered „undesirable,“ such as anger, fear, and sorrow.

Exactly. Metal, in its best form, is an outburst of anger in response to inequality, malevolence in the world, power imbalances, and what else is destructive. Therefore, metal is an anger lament that is both healing and empowering.

Metal as an anger lament

Not many people view metal in that way – as an anger lament.

Metal portrays the darker side, the demonic side, and in a sense, it is shamanistic. The beauty of metal still lies in its ability to attract people who are dissatisfied with the current situation and critical of existing norms. It’s a shame that we have lost some of that. We now have some metal that is more like pop music. I’m not talking about the songs themselves, but the mentality behind them. Metal should push boundaries, deal with diversity, and engage with the current state of affairs.

When and how did you get in touch with metal music?

When I switched from classical music to improvisation. I wanted to develop playing styles that went beyond the expected and accepted norms. I loved NAPALM DEATH. They are fantastic, and they have a healing humour that transcends boundaries.

I appreciate their critical lyrics.

Yes, the social criticism they convey also offers a vision for something bigger. And they communicate this in unexpected ways. Hence, their music became an energetic outburst full of freedom in expression for me. We then had a trio that played songs inspired by NAPALM DEATH using acoustic instruments. The essence was that the raw energy of the songs wasn’t achieved through volume or electronics; it had to come from within.

So, it was about becoming aware of and giving form to those raw, unfiltered energies?

Exactly. And through that, reaching a different state of consciousness that can be similar to the trance states that can occur while playing or listening to shamanic songs.

The culture of marginalized people: Nothing about them without them

You have not only worked as a musician but also as an ethnomusicologist on songs of marginalised peoples. I could list several projects on this as well, but today I’ll highlight your work with the Ruska Ensemble. The preparation for the play „Last Morning Star“ based on the work of Khanty author Jeremei Aipin, fascinated me. You visited him to learn more about him and the book, but you didn’t just „take“ the story to present it elsewhere; you brought it back.

That has mainly ethical reasons. When it comes to indigenous peoples, the principle is „Nothing about them, without them.“ It means not writing thoughts about their culture or showing anything from their culture without getting feedback from them. And, as you said, usually, people come back to Europe, perform the play, and forget the rest. But it was important for us to bring the play back to the Khanty so that they could value what we had done, whether we had understood it correctly.

That wasn’t theatre; that was life

How did they react?

We expected that there would be many things we didn’t understand correctly and that they would correct us. But something entirely different happened: one audience member, who was the nephew of a person mentioned in the play, stood up and said, „That wasn’t theatre; that was life.“

So, it was essential for them that a group of Europeans had „understood“ their story?

Yes, we can achieve so much together when we listen to each other and respect one another.

Listening and respect enable collaboration.

In this context, there’s also a discussion about „cultural appropriation“.

The way cultural appropriation is often understood worries me as an artist. The foundation of the work of the Ruska Ensemble and my work as a musician is solidarity. I’m concerned that this is now breaking down. Unfortunately, not everyone approaches these encounters with respect. This can be seen, for instance, in politics or tourism. For example, when faked Sami clothing is sold. Artists are mostly criticized in this regard. Artists, for the most part, treat other cultures with respect. But perhaps it’s easier to criticize artists than the tourism industry.

Nothing about them without them

It’s like this: when we listen and respect, many things become possible. New things because we can develop something together. And by picking up something from another culture, I can show how I understood it.

That’s precisely what I do as a musician.

When I learn something from another culture, I can also use it in communication with them.

That was the case when I was with the Khanty. They respected me and saw me as an ambassador. I could talk about them and their culture in places they couldn’t visit.

How it will continue and wishes for our readers

During your travels and interactions with people from different cultures, you must have received many inspirations. Will there be a new album soon?

Right now, I’m busy finishing my dissertation. It occupies my mind so much that I hardly think about anything else at the moment.

Otherwise, I hope to play the „Bear Awakener“ songs internationally, outside of Scandinavia. There are plans for North America and Japan. But it’s not easy to find agencies that promote this niche music.

Thank you for the interview and the insight into the background of your projects. To wrap up, is there anything you’d like to share with our readers?

I wish everyone the experience of being completely alone in nature. To find a place there and listen. And also, to experience moments of anxiety, like the ones we have in new situations. Going through these moments can bring a good feeling.

We are addicted to immediate results and experiences. But there are so many beautiful things in the world that develop slowly. And some of them arise after those moments of anxiety or concern. Therefore, embrace the world!

HERE you come to the songs of „Shamanviolin“ and „Bear Awakener“.

Auch in diesem Jahr durften die Metal-Heads wieder für euch den steilen Dongberg erklimmen und wie immer haben wir eine Menge Fotos und Stimmung im Gepäck. Und tatsächlich ist das Festival schon in seine 18. Auflage gegangen und damit endlich den Kinder- bzw Jugendschuhen entwachsen. Und man muss sagen, so hat der Besuch sich auch angefühlt…das war eine runde Sache, ein „erwachsenes“ Festival, das mit einem tollen Bandmix und einer einmaligen Location zu überzeugen weiß.

Hier gibt es schon einmal einige Eindrücke vom Festival in Form einer Bilderserie:

Visigoth

Mit einem Opener sollte es losgehen, der es in sich hatte. Normalerweise füllt sich das Dongzelt eher langsam, die Besucher genießen das Wetter und die kleineren Bands in den frühen Slots kämpfen daher schon mal ein wenig um Zuschauer. Nicht so Visigoth…ok, die sind halt auch nicht wirklich der typische Opener und das merkt man sofort. Der Sound stimmte direkt und kam massiv aus den Lautsprechern, dazu die geniale Stimme von Sänger Jake. Der fünfer aus Salt Lake City wusste seine Zuschauer mit True Metal zu begeistern und wurde von den Gästen dementsprechend gefeiert. Ein Start ins Programm, der keine Wünsche offen lies.

Blessed by Rhenus

Danach sollte es mit einer Band weiter gehen, die so ein Festival für mich ausmachen. Ich kannte Blessed by Rhenus vorher nicht, freue mich aber immer, Bands aus der näheren Umgebung live zu sehen. Die 5 Jungs aus Düsseldorf legten sich gewaltig ins Zeug und lieferten einen wilden Genre Mix, den ich immer noch nicht so richtig zuordnen kann. Irgendwas zwischen Alternative und Melodic Death Metal steht im Programmheft und das könnte auch irgendwie passen. Mühelos wechselte Sänger Carsten zwischen Growls und cleanem Gesang und wusste seine Zuhörer zum Kopfwackeln zu bewegen.

Scardust

Scardust aus Tel Aviv / Israel sind wieder so eine typische Dong-Band. Das Festival haut, neben lokalen Newcomern auch immer wieder Bands aus allen Teilen der Welt raus, von denen Du noch nie was gehört hast. Aber auch dieses mal war der Booker treffsicher, Sängerin Noa bot eine tolle Show und wusste die Symphonic Metal Songs gekonnt vorzutragen. Während die anderen Bandmitglieder sich eher vornehm im Hintergrund hielten, ließen sie ihrer Frontfrau die Show und das mit gutem Grund.

Night in Gales

Mit Night in Gales sollten alte Bekannte die Bühne betreten, die wir in letzter Zeit des öfteren Live begleiten durften. Sei es ihre CD Release Party oder der Auftritt zuletzt beim Rage Against Racism Festival , wir waren am Start und durften miterleben, wie die fünf sich bei jedem Auftritt gesteigert haben. Und so sollte es auch diesmal sein, noch ein bißchen besser als zuvor. Sänger Christian Müller begeisterte mit seiner bekannten Stimmlage beim Growlen, die sehr an At the Gates erinnert. Basser Tobbe enterte, wie gewohnt, bestens gelaunt die Bühne und Trommler Adriano spielte routiniert wie immer sein Set. Eingerahmt wurde das Ganze von den Gitarren der Basten Brüder Frank und Jens. Das Publikum lies sich problemlos vom Melodic Death Gewitter anstecken und es sollte sich der erste richtige Pit des Tages gründen, in dem gemosht und gepogt wurde, was das Zeug hielt.

Blaze Bayley

Der zwischenzeitliche Iron Maiden Sänger (1994 – 1999) Blaze Bayley ist mit seiner Band der nächste, der die Bühne des Dong Open Air 2018 entert. Der gute Blaze ist ja nicht der allerschlankeste , was seinem Bewegungsdrang auf der Bühne jedoch keinesweg schadet. Stimmlich zeigt sich der Frontmann in sehr guter Verfassung und auch seine Band zeigt sich äußerst spielfreudig. Mit dem sehr an seine ehemalige Kapelle erinnernden Sound im Stil der NWOBHM kann die Truppe die Fans auf dem Dong begeistern. Nicht nur die Songs aus seiner Maiden-Phase kommen beim Publikum richtig gut an. Ein wirklich gelungener Auftritt.

Destruction

Die deutsche Thrash-Metal Institution Destruction ist jetzt an der Reihe. Als wir Bandfronter und Bassist Schmier vor dem Auftritt alles Gute wünschen und ihn fragen, ob er noch eine Weißweinschorle möchte (Anmerkung: Eine Anspielung auf eine kleine Anekdote aus dem Backstage-Bereich des diesjährigen Rage Againsts Racism Festivals), zeigt er sich gut gelaunt und optimistisch. Dazu hat er auch allen Grund, denn das mit Gitarrist Michael „Mike“ Sifringer Trio und Schlagzeuger Wawrzyniec „Vaaver“ Dramowicz komplettierte Trio nutzt den Platz, den die große Bühne auf dem Dong bietet, reichlich aus. Ein ungemein starker Live-Auftritt wird uns hier geboten und die Stimmung auf dem Dong Open Air 2018 erreicht erstmals den Siedepunkt. Schmier hat die Fans im Griff und die Moshpits häufen sich, bis die Band unter tosendem Applaus verabschiedet wird.

Korpiklaani

Die finnischen Folk-Metaller von Korpiklaani sind als nächstes an der Reihe und bieten schon optisch einen großen Kontrast zu Destruction. Aber auch das zeichnet das Dong-Festival aus. Die Finnen werden mit ihren in finnischer und englischer Sprache vorgetragenen Songs ebenfalls abgefeiert, auch wenn der stilistische Unterschied zu den vorherigen Bands gewaltig ist. Die bunte Mischung kommt beim Publikum sehr gut an. Sicher, der eine oder andere nutzt den Set von Korpiklaani, um einen der zahlreichen Essens- oder Bierstände zu besuchen (Rinderwahn ist das diesjährige Festivalbier!), dafür gesellen sich andere Zuschauer vor die Bühne. Die Finnen zeigen sich jedenfalls von den Fanreaktionen begeistert. (Anmerkung: leider hatten wir beim Auftritt von Korpiklaani etwas mit dem Licht zu kämpfen, so dass die Fotos qualitativ abfallen. Wir bitten um Entschuldigung!)

Die Apokalyptischen Reiter

Um den bunt gemischten ersten Tag des Dong Open Air 2018 gebührend zu beschließen, sind Die Apokalyptischen Reiter bestens geeignet. Die Thüringer sind mit ihrer Mischung aus Black-, Death-, Thrash- und Power Metal sowie Rock und Folk quasi die Essenz des ersten Festivaltages. Der bunte Stilmix mit englischen und deutschen Texten zieht die Fans in Scharen vor die Bühne und von Ermüdungserscheinungen kann beim Publikum keine Rede sein. Die Reiter geben mächtig Gas und sorgen dafür, das der erste Tag des Dong 2018 einen würdigen Abschluss findet. Ihrer Rolle als Headliner des ersten Tages wird die Band vollauf gerecht.

Das war der Bericht zu Tag 1 des Dong Open Air 2018. Schon bald präsentieren wir euch den Bericht von Tag 2. Versäumt es also nicht regelmäßig bei metal-heads.de vorbei zu schauen.

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Seit dem Album Noita sind mehr als zwei Jahre vergangen. Aber jetzt hat das Warten für die KORPIKLAANI Fans ein Ende. Also zumindest ist jetzt klar, dass das neue Album am 7.September 2018 via Nuclear Blast erscheinen soll. Das sind zwar noch vier Monate, aber die Wartezeit kann man mit der Live-DVD vom Masters Of Rock – Festival in Vizovice, Tschechien vertreiben. Mehr dazu weiter unten.

Kulkija heißt Wanderer

Das zehnte Studioalbum soll keine Ansammlung von Songs sein, sondern ein Album mit einer Atmosphäre, die den Hörer begleitet.

Dazu Bandgründer Jonne Järvelä:

Wir waren mit einem Endergebnis noch nie so zufrieden, wie wir es jetzt mit »Kulkija« sind. Wir haben versucht, alles so natürlich wie möglich klingen zu lassen. Das werdet Ihr auch schon bald selbst hören können. Wie der Titel bereits vermuten lässt, stellt diese Platte eine Art Reise dar, die einem einfach ein gutes Gefühl verleihen soll. Seid gespannt!

Alle Songs standen bereits komplett, als die Band ins Studio ging, wie Sami Perttula (Akkordeon) berichtet. Daher musste im Studio dann nichts mehr arrangiert werden. Sami und Tuomas Rounakari (Violine) konnten die Folk-Parts in aller Ruhe einspielen und hatten viel Raum, sich zu entfalten.

Tuomas meint, dass das Album wie KORPIKLAANI klingen und sich auch so anfühlen wird. Er betrachtet es als eine direkte Fortsetzung des Weges von Manala (2012) über Noita (2015). Welchen Weg die Wanderer von KORPIKLAANI gegangen sind, werden wir im September erfahren.

Es soll ein Wohlfühl-Album werden

Es geht um die Geschichten, die die Songs erzählen und um ein mehr natürliche Musik und weniger um eine perfekte Produktion. Tuomas meint, dass viele Alben überproduziert sind und die Musik dann nicht mehr leben kann.

Das Album-Cover ist Jan Yrlund, der bereits sämliche Artworks der vorherigen Alben gestaltet hat, auch wieder gut gelungen.

Mit dem neuen Album gehen KORPIKLAANI auf eine Release-Tour durch Russland. Sie werden dort innerhalb von 16 Tagen in 13 Städten auftreten.

Außerdem werden KORPIKLAANI auf folgenden Festivals spielen:

09.06.18 │ CH Interlaken – Greenfield Festival

06.07.18 │ E Barcelona – Rock Fest

12.07.18 │  Neukirchen-Vluyn – Dong Open Air

15.07.18 │ CZ Vizovice – Masters of Rock

03.08.18 │ Wacken – Wacken Open Air

16. – 18.08.18 │Dinkelsbühl – Summer Breeze

Live at Masters of Rock

Wie oben schon erwähnt, kann die Wartezeit mit der Live-DVD Live at Masters of Rock verkürzt werden. Die DVD  kann HIER bestellt werden.

Live at Masters of Rock wurde beim gleichnamigen Festival in Vizovice aufgenommen. Das Paket enthält nicht nur die Show von 2016, sondern als Bonus auch die komplette Show von 2014. Beim Auftritt 2016 waren Tero Hyväluoma als zusätzlicher Violinist und Toni Perttula, Samis Zwillingsbruder, als zusätzlicher Akkordeonist mit von der Partie. Für Mix und Produktion von »Live At Masters Of Rock« war Frontmann Jonne Järvelä verantwortlich, das Mastering übernahm Svarte Forsbäck (u.a. RAMMSTEIN).

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AMORPHIS arbeiten also an einem neuem Studioalbum

Fast drei Jahre ist es her, dass die Melancholic Progressiv Metaller von AMORPHIS ihr Album „Under The Red Cloud“ herausbrachten.Mit diesem Album gelang ihnen zum ersten Mal eine Platzierung in die deutschen Top 10. Auch in anderen Ländern konnten AMORPHIS ihre bis dahin höchsten Charteinstiege verzeichnen.

2017 gab es dann die „Under The Red Cloud – Tour Edition“ die neben dem kompletten Album noch zwei Bonus-Songs sowie die Liveaufnahmen der „An Evening With Friends“ – Show enthielt.

AMORPHIS versprechen Überraschungen

Für das neue Album haben sich die Finnen Zeit gelassen, um sich mehr auf Details konzentrieren zu können. Außerdem soll es einige Überraschungen geben: wie zum Beispiel komplexe Orchesterarrangements und Chorparts.

Da darf man gespannt sein, wie nicht nur Flöten und Streicher, sondern auch der Klang eines ganzen Orchesters den Sound von AMORPHIS ‚unterstreichen‘ werden.
Zudem wird der Texter von AMORPHIS, Pekka Kainulainen, mit einer Rede auf dem Album zu hören sein. Produziert wurde die neue Scheibe wieder von Jens Bogren (AMON AMARTH, OPETH; KATATONIA u.v.m.). Sobald es neue Informationen zum neuen Album gibt, werden wir euch hier auf metal-heads.de informieren. Bis das neue Album fertig ist könnt ihr AMORPHIS live u.a. an folgenden Orten erleben:

21. – 23.06. D St. Goarshausen – RockFels
22. – 24.06. F Clisson – Hellfest
23. – 07.07. D Ballenstedt – Rockharz Open Air
24. – 14.07. D Balingen – Bang Your Head!!!
25. – 15.07. CZ Vizovice – Masters of Rock
26. – 04.08. D Wacken – Wacken Open Air

Die finnische Band KHIRAL veröffentlich ihr erstes Album

Die Death/Thrash – Metaller von KHIRAL sind mit ihrem ersten Full length – Album am Start.

Die CD trägt den Titel „Chained“. Daraus sind bereits die Singles „Orphanage“ und „UltravioleNt“ veröffentlicht.

KHIRAL gibt es seit 2008. Es brauchte ein paar Jahre, einige Wechsel im Line Up und die Weiterentwicklung ihres Stils, bis es im Jahr 2016 zur Veröffentlichung der oben genannten Singles kam. Das Album „Chained“ zeigt die Entwicklung der Band von einer hardcore-inspirierten Rockband bis zu ihrer ganz eigenen Mischung aus Death, Thrash und Black Metal-Elementen. Eingängige Rhythmen stehen bei ihnen aber weiterhin im Mittelpunkt.

Das Jahr 2017 war ein wichtiges Jahr für die Band: sie konnten sich im Finale des finnischen Emergenza-Band-Wettbewerbs zum ersten Mal einem größeren Publikum präsentieren, hatten ihre erste Show in Deutschland und nahmen als krönenden Abschluss ihr erstes Album auf.
„Chained“ zeigt die Entwicklung der Band. Auch wenn die rockigen Elemente der ersten Zeit Vergangenheit sind, zeigen die hardcore-inspirierten Breakdowns und Rhythmen was der Motor für die Entwickllung war.

Hier könnt ihr das Album anhören.

Khiral sind:

Joni Öhman – bass,

Matti Hämäläinen – guitars,

Tuomo Vänskä – vocals,

Jouni Tuovinen – guitars,

Markus Lehto – drums

Mehr Informationen über die Band findet hier  und dort.

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Darin sind sie sich treu geblieben und machen doch alles anders.

Das war zumindest mein Eindruck beim ersten Reinhören. Was ich gehört habe, hat mir gut gefallen. Und das ist auch nach mehrmaligem Hören so geblieben.

ARKONA machen mehr als „angeschwärzten“ Pagan Metal

ARKONA und besonders Sängerin Masha Arkhipova als Komponistin und Texterin haben immer schon eine eigene bis eigenwillige Interpretation des Genres „Pagan-Metal“ gezeigt. Mit dem neuen Album setzen sie dies fort. Dabei der slawischen Mystik treu bleibend, sind Musik und Text deutlich spiritueller als noch bei „Yav“.  Wieder geht es um ihre Betrachtung der Situation der Menschen in der heutigen Welt.

Der Albumtitel „Khram“ bezeichnet einen mystischen Tempel, der uns allen offen steht und in dem die Seele, die Zeit und das Universale ihren Wohnort haben.

Mantra mit schamanischem Gesang

Sieben Lieder werden von einem Mantra umklammert, das sowohl das Intro als auch das Outro bilden.

An schamanische Gesänge erinnernd beginnt das Mantra mit Trommel und Maultrommel, beschwörenden Worten, die zu den Toren des Tempels locken und führen sollen. Und dann bricht mit „Shtorm“ ein wahrer Sturm los: zunächst treibt die Bass-Drum die Gitarren vor sich her, bis sich der Wind dreht und die Gitarren die treibende Rolle haben. Kehliger und klarer Gesang im Wechselspiel, dann Beruhigung durch die Melodie der Sackpfeifen.

Gänsehautmomente

Dann folgt „Tseluya zhizn'“ das mit 17:11 Minuten längste Stück. Hier setzt sich fort, was sich bei „Shtorm“ schon angedeutet hat: die düstere Grundstimmung wird durch gefühlvollen Gesang und Instrumentierung immer wieder aufgelöst. Spätestens, wenn dann nach der Vorbereitung durch die Trommel, die Sackpfeife einsetzt, gibt es den ersten Gänsehautmoment.

ARKONA haben die Möglichkeiten, die lange Songs bieten, gut ausgenutzt: zum einen bieten die Wiederholungen von Themen und rhythmischen Elementen die Möglichkeit, sich mit ihnen vertraut zu machen, zum anderen werden diese Themen in einem Spannungsbogen variiert. Immer wieder wird die Kraft und Energie, die in dieser Musik steckt, spürbar und lässt einen nicht so schnell wieder los.

Tatsächlich ist es Arkona gelungen, den Spannungsbogen sowohl bei „Tseluya zhizn'“ als auch bei „Rebionok bez imeni“ über die gesamte Länge aufrecht zu erhalten.

Mein Tempel ist der Wohnsitz der Seele

Der Titelsong „Khram“ stellt für mich musikalisch wie inhaltlich den Mittelpunkt, das Zentrum des Albums dar.

Beginnend mit für ARKONA eher untypischen breiten Gitarrenklängen und Mashas tiefer Stimme folgt eine Phase der Beunruhigung. Double-Pedal-Passagen und Blastbeats bieten den Untergrund für einen Wettstreit zwischen Gitarren und Bass, die das Chaos nach außen tragen, von dem im Text die Rede ist.

Die Dunkelheit folgt den Spuren des Lichts

Dies wird musikalisch umgesetzt, wenn die folgenden Songs „V pogonie za beloj ten’yu“ und „V ladonyah bogov“ mit Klavier bzw. Akustikgitarre beginnen und dann von den harschen Tönen und harten Rhythmen der anderen Instrumente eingeholt und übertönt werden.

Masha Arkhipova hat hier wieder einmal gezeigt, wie facettenreich ihre Stimme ist, wobei es mich besonders anspricht, wenn sie diese im tiefen Bereich nutzt.

Aber sie sieht, wie ihre Söhne leben und atmen

„Volchitsa“ ist mein Lieblingsstück dieses Albums. Ich sehe die alte Wölfin, die über ihre Aufgabe als Rudelführerin alt und müde geworden ist, vor mir. Wie sie dem Tod entgegensehend auf ihre Söhne schaut.

Mit „Khram“ ist ARKONA ein ausgereiftes, konsequent durchkomponiertes Album gelungen, das die Grenzen des Pagan-Metal an vielen Stellen auflöst. Die Lieder wirken atmosphärisch dichter und dennoch differenzierter als auf dem Vorgängeralbum, bieten viele Überraschungen durch Details sowie den Einsatz von Sackpfeife, Flöten, Klavier, Cello und akustischer Gitarre.

Wenn ihr jetzt hoffentlich neugierig geworden seid oder euch einen ersten Eindruck verschaffen wollt, dann schaut euch das Video zu „Shtorm“ an, das wir von metal-heads euch natürlich nicht vorenthalten wollen.

Ein Blick auf Text und Artwork von „Rotten Fantom“

Ich hoffe, dass es die Texte zumindest in englischer Sprache in allen Ausgaben geben wird, da das Zusammenspiel von Musik und Text die Intensität der Aussagen verstärkt.

Außerdem lohnt sich ein Blick auf das Coverartwork von „Rotten Fantom“. Sie haben auch hier wieder mit der für sie typischen dot-work-Technik gearbeitet, die es ihnen möglich macht, die dargestellten Elemente präzise darzustellen und dennoch einen fast nebelhaften Eindruck zu erzeugen. Ihr Hauptthema ist der nie endende Kreislauf der Natur. Damit wird auch klar, weshalb Arkona gut daran getan haben, das Artwork von „Rotten Fantom“ gestalten zu lassen.

Tour mit KORPIKLAANI, HEIDEVOLK und TROLLFEST

Ab Februar sind ARKONA mit KORPIKLAANI, HEIDEVOLK & TROLLFEST auf Tour.

U.a. sind sie hier zu sehen:

15.02.2018 – BE – Antwerpen / Trix

16.02.2018 – DE – Hamburg / Markthalle

17.02.2018 – DE – Oberhausen / Turbinenhalle 2

18.02.2018 – NL – Amsterdam / Melkweg

27.02.2018 – DE – Aschaffenburg / Colos-Saal

28.02.2018 – DE – Berlin / Columbia Theater

02.03.2018 – DE – München / Backstage

03.03.2018 – DE – Stuttgart / LKA

04.03.2018 – CH – Pratteln / Z7

07.03.2018 – AT – Graz / Orpheum

08.03.2018 – AT – Vienna / SIMM City

09.03.2018 – DE – Leipzig / Hellraiser

10.03.2018 – DE – Geiselwind / Musichall

11.03.2018 – DE – Hannover / Capitol

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Damit die Erinnerung an die unvergessenen Songs nicht erlischt, haben Metalville und Rough Trade einen wirklich guten Sampler mit dem Titel „Snaggletöoth – A Tribute To Lemmy“ zusammengestellt. Die Compilation, auf der namenhafte Bands aus der internationalen Metal-Szene vertreten sind, erscheint am 28.10.2016.

Altbewährte Recken sorgen für kurzweiligen Hörgenuss

Bands wie Overkill, Destruction, Monster Magnet, Onslaught, und Korpiklaani präsentieren auf dieser Tribiute-Scheibe ihre persönlichen Favoriten. Dabei handelt es sich um ältere Aufnahmen, die den Weg auch schon auf andere Tonträger als Bonustracks von limitierten CDs, B-Seiten von Maxi-Singles oder Best-Of-Scheiben gefunden. Hervorzuheben sind hier die eigenwillige Version von „Iron Fist“ die von Korpiklaani eingespielt wurde sowie der von Monster Magnet interpretierte Hawkwind Klassiker „Brainstorm“. Und wer könnte „Overkill“ besser covern als Overkill? Destruction und Onslaught liefern dem Hörer solide Versionen von „We Are The Roadcrew“ und „Bomber“.

Neues und Exklusives!

Es gibt aber auch viel Neues zu hören. Ugly Kid Joe beispielsweise, spielten zusammen mit Phil Campbell eine energiegeladene, rotzige Version von „Ace Of Spades“ erster Kajüte ein. Exclusive Tracks sind ebenfalls auf „Snaggletöoth“ vertreten. Die Deutsch-Rocker Kärbholz trauen sich an „Killed By Death“ heran und machen dabei eine gute Figur ebenso wie Perzonal War die eine thrashige Version von „Burner“ liefern.

Anhand des Release-Videos zu „Snaggletöoth“ könnt ihr euch schon einmal Bild von „Burner“ in der Perzonal War gespielten Version machen.

 Lemmy ist dreimal vertreten

Natürlich ist auch der viel zu früh verstorbene Altmeister himself auf dem Album vertreten und das gleich dreifach. Zusammen mit Doro Pesch wird mit der Hammer-Ballade „Love Me Forever“ Gänsehaut beim Hörer erzeugt, bevor Lemmy eine in Motörhead-Manier inszenierte Version des Queen Klassikers „Tie Your Mother Down“ darbringt. Spannend und interessant ist auch die Kolaboration zwischen Lemmy und Richard Kruspe von Rammstein, die das treibende „Rock City Night“ vorstellen.

Und da wir alle noch ein wenig unsere Trauer verabeiten müssen könnt ihr euch an dieser Stelle „Love Me Forever“ ansehen und anhören.

Zum Ende des Samplers sorgen die Schweden Black Explosion mit der von Hawkwind inspirierten Eigenkomposition „Location 9“ für einen ungewöhnlichen Abschluss. Für meinen Geschmack stellt der Song den einzigen wirklichen Schwachpunkt dar, nicht unbedingt weil er schlecht ist, sondern weil er irgendwie am Thema vorbei schießt und meiner Meinung nicht ins Konzept passt. Ansonsten haben wir es hier mit einem richtig geilem Tribute-Album zu tun, welches vor allem beim Auto fahren Spass macht. Besorgt euch das Ding und macht ein selber ein Bild. Es wird nicht euer Schaden sein…

Cover und Tracklist:

01. Overkill – Overkill
02. Bomber – Onslaught
03. Love Me Forever – Doro & Lemmy
04. Ace Of Spades – Ugly Kid Joe & Phil Campbell
05. Tie Your Mother Down – Lemmy Kilmister
06. Killed By Death – Kärbholz
07. Rock City Night – Lemmy & Richard Kruspe
08. We Are The Road Crew – Destruction
09. Burner – Perzonal War
10. Iron Fist – Korpiklaani
11. Brainstorm – Monster Magnet
12. Location 9 – Black Explosion

Wertvolle und interessante Informationen zu Lemmy und Motöthead findet ihr auch auf deren Homepage.

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Aufgrund des großen Erfolges ihrer letzten Europa-Tour haben sich die finnischen Superstars des Folk-Metal nun dazu entschlossen einen zweiten Abschnitt der Co-Headliner-Tour mit ihren Landsleuten Moonsorrow zum Ende des Jahres 2016 zu starten.  Beginnen wird die Tour am 24.10.2016 im polnischen Gdynia. Die Korpiklaani Fangemeinde hat nunmehr erneut die Gelegenheit, das aktuelle Album „Noita“ live dargeboten zu bekommen.

Skálmöld als Anheizer

Moonsorrow werden selbstverständlich ihr kürzlich veröffentlichtes Werk „Jumalten Aika“ mit im Gepäck haben. Bei den sogenannten Finnish Folk Metal Mafia-Shows werden diesmal die isländischen Folk-Metaller Skálmöld den Support für Korpiklaani und Moonsorrow übernehmen.

Tour im Zeichen der Landessprache

Die Europareise dieses Trios stellt ein wirklich einzigartiges Ereignis dar, da alle drei Bands in ihrer Heimatsprache zu singen pflegen. Korpiklaani und Moonsorrow sind zudem die Größten ihrer Zunft der auf finnisch singenden Bands, die außerhalb Finnlands auftreten. Lasst euch dieses interessannte Package also nicht entgehen. Die Tourdaten in unseren Gefilden findet ihr weiter unten.

Korpiklaani’s Jonne Järvelä gibt freudig zu Wort:
„Oh meine Götter, geht dieser Finnish Folk Metal Mafia-Wahnsinn mit MOONSORROW weiter? …und wir haben sogar noch eine weitere Band dabei? SKÁLMÖLD aus Island? Ihr solltet lieber vorbeikommen und das mit Euren eigenen Augen sehen, denn diese Tour wird etwas Besonderes! Wir sehen uns bald, Jungs und Mädels!“

Und Moonsorrow’s Ville Sorvali kommentiert:
„Die erste FFMM-Tour im April war ein derartiger Erfolg, dass wir wussten, dass wir einen zweiten Teil bestreiten müssen. Und diesmal mit ein paar Non-FFMM-Schurken aus Island als Special Guests – begrüßt SKÁLMÖLD an Bord und versucht durchzuhalten!“

Zu guter Letzt entgegnet Skálmöld’s Snæbjörn Ragnarsson:
„Versuchen durchzuhalten?! Herausforderung angenommen, mein Freund! Aber wow, nicht nur mit einer, sondern sogar mit ZWEI finnischen Bands auf Tour zu gehen, was kann da schon schiefgehen? Nein, allen Ernstes, ich weiß, dass diese Tour klasse wird. Großartige Bands, großartige Jungs und (großartiges) Bier, was will man mehr?“

Korpiklaani, Moonsorrow, Skálmöld:
30.10.2016 – A         Vienna – Szene
31.10.2016 – A          Graz – Explosiv
03.11.2016 – A          Innsbruck – Hafen
04.11.2016 – CH       Lausanne – Les Docks
05.11.2016 – CH       Solothurn – Kulturfabrik Kofmehl
06.11.2016 – CH       Winterthur – Salzhaus
07.11.2016 – D          Aschaffenburg – Colos-Saal
08.11.2016 – D          Lindau – Vaudeville
09.11.2016 – D          Nürnberg – Hirsch
10.11.2016 – D          Köln – Essigfabrik
11.11.2016 – NL        Zoetermeer – De Boerderij
12.11.2016 – D          Hannover – Musikzentrum
13.11.2016 – D          Hamburg – Klubsen

Weitere KORPIKLAANI-Termine:
09.07.2016 – D         Geiselwind – Out & Loud Festival
13.08.2016 – NL        Leeuwarden – Into The Grave
14.08.2016 – B           Kortrijk – Alcatraz Festival
20.08.2016 – D          Dinkelsbühl – Summer Breeze
26.08.2016 – D          Schleswig – Baltic Open Air

Weitere Infos zur Tour erhaltet ihr auf der Homepage von Korpiklaani oder bei Nuclear Blast.

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