Zum Jubiläum erfüllt sich die Band einen Traum und ruft zum Abriss in der Westfalenhalle.

Vom Proberaum ins Rampenlicht: Ein Vierteljahrhundert SONDASCHULE

SONDASCHULE machen keine Faxen: Zum 25-jährigen Bandjubiläum hauen die Ruhrpott-Ska-Punker richtig einen raus. Am 11. Dezember 2027 übernehmen sie die legendäre Westfalenhalle Dortmund – und wollen sie in den „MEGA CIRCLE POTT“ verwandeln. Wenn alles läuft wie erhofft, erlebt der Pott an diesem Abend den größten Circle Pit seiner Geschichte.

25 Jahre SONDASCHULE – vom Jugendzentrum in die Westfalenhalle

Ein Vierteljahrhundert Bandgeschichte, das nur eine Richtung kannte: bergauf. Was damals in kleinen Jugendzentren zwischen Mülheim, Oberhausen und Essen begann, ist heute Kult im ganzen Revier. Und jetzt steht der nächste Hammer an: eine eigene Headline-Show in der traditionsreichsten Konzerthalle, die der Pott zu bieten hat.

Für die Band ist das mehr als nur ein Jubiläum. SONDASCHULE haben selbst unzählige Male in der Westfalenhalle gestanden, Bier in der Hand, Augen auf die Bühne, Herz im Takt. Und jetzt – 25 Jahre später – stehen sie selbst da oben. Ein Moment, den man sich schöner kaum ausmalen kann.

„Mega Circle Pott“ – mehr als ein Konzert

Der Titel ist nicht einfach ein Name, sondern eine klare Ansage: Die Westfalenhalle soll zu einem einzigen, gigantischen Circle Pit werden. Keine halben Sachen, kein Rumstehen, kein „Ich guck mal“. Hier wird ein Abend vorbereitet, der musikalisch wie emotional richtig reinknallt.

Und mal ehrlich: Wer SONDASCHULE kennt, weiß, dass die Jungs exzessiv und kompromisslos feiern. Dieses Jubiläum wird kein normales Konzert – das wird ein Abend, über den man im Pott noch lange quatschen wird.

Der Vorverkauf startet jetzt!

Der exklusive Vorverkauf startet heute (26.03.26) um 12Uhr im Bandshop und bei Eventim! Die Support-Bands werden noch bekanntgegeben – und die Latte dürfte hoch liegen. Aber egal, wer am Ende mit auf der Bühne steht: Wer dabei sein will, sollte sich direkt Tickets sichern! Alle nützlichen Links zur Band und zur Veranstaltung findet ihr wie gewohnt weiter unten! Lass´ jucken Kumpel!

Nützliche Sondaschule-Links

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5: Spotify

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Ralf Richter liest aus Peavys Biographie

Als Bonus zur ursprünglichen Ankündigung wird jetzt noch Ralf Richter dabei sein, der zu Beginn aus Peavys Biographie „Soundchaser – Lebenslänglich Heavy Metal. Mein Leben mit Rage“ lesen wird. Und das lohnt sich auf jeden Fall. Wer das Buch noch nicht kennt, dem sei es hier noch einmal wärmstens empfohlen und auf unser Review hier verwiesen. Auch danach wird Ralf Richter noch weiter mit von der Partie sein und durch den gesamten Abend begleiten.

Orphaned Land mit Orchester

Nicht nur Rage werden zusammen mit dem Orchester spielen, sondern auch Orphaned Land spielen ihre erste Show mit Orchester überhaupt in Europa. Orphaned Land sind mit eine der interessantesten Bands im Heavy Metal Circus und stehen wie kaum eine andere für Toleranz und Völkerverständigung. Und leider scheint das immer wichtiger zu werden. Aber freuen wir uns einfach dass sie dabei sind und wir auch in den Genuss ihrer Orchestershow kommen.

Geoff Tate spielt Operation Mindcrime

Eigentlich sind Orchester Shows mit Rage und Orphaned Land schon mehr als Grund genug. Aber Lucky Bob haben sich gedacht aller guten Dinge sind Drei und haben kurzerhand noch Geoff Tate dazu gepackt, der das legendäre QUEENSRŸCHE Album „OPERATION: MINDCRIME“ in voller Länge aufführen wird. Erschienen 1988 erreichte es Platin in den USA was mehr als eine Millionen Albumverkäufe bedeutet und es gilt zurecht als eines der Alben die den Progressive Rock geprägt haben. Und um die Vorfreude noch zu steigern hier „Eyes Of A Stranger“ performed live beim letztjährigen Rock Hard Festival.

Tri State Corner, Broken Fate und Mission In Black

Mit Tri State Corner, Broken Fate und Mission In Black runden drei weitere Bands aus dem Lucky Bob Kosmos den Abend ab. Und alle drei stehen für hervorragende Live-Shows. Tri State Corner mit Lucky am Mikro begeistern mit ihrem Bouzouki Rock und haben auch schon das Rage Against Racism gerockt. Gleiches gilt für Mission In Black um Frontfrau Steffi Stuber die 2023 dort so begeistert haben, dass der Merch restlos verkauft wurde. Und wer Broken Fate noch nicht gesehen hat, darf sich auf eine ganz böööse Show der Schweizer freuen.

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Tombola für den guten Zweck

„Was mehr als zweimal stattfindet, ist Tradition“, so heißt es im Rheinland. Und nach dieser Sichtweise können wir mit Fug und Recht behaupten, dass die Weihnachtstombola von metal-heads e.V. eine echte Tradition darstellt. Zum wiederholten Mal konnten wir nämlich dank großzügiger Sachspenden die Verlosung zu Gunsten eines guten Zwecks durchführen. So wurden am Samstag, den 24.01.2026 in Duisburg nicht nur viele redaktionelle Dinge besprochen, organisatorische Angelegenheiten geklärt und (vorwiegend) musikalische Pläne geschmiedet, sondern auch Lose an die Redaktionsmitglieder verkauft, um Gewinne an die Frau/an den Mann zu bringen und den Erlös einer gemeinnützigen Organisation zu Gute kommen zu lassen.

Spende an die Musikschule Duisburg

Da wir uns als metal-heads der Musik verpflichtet fühlen und zudem eng mit der Stadt Duisburg verbunden sind, fiel in diesem Jahr die Auswahl zum Erhalt der Spendensumme auf die Musikschule Duisburg. Durch den Losverkauf konnten wir schließlich einen Betrag von 210 € dem Förderverein der Musikschule Duisburg zukommen lassen!!!

Großes Dankeschön

Wir möchten uns an dieser Stelle bei folgenden Firmen für die Beiträge zur Tombola bedanken:

Semper Idem Underberg AG
Starkult
CMM Marketing
Sure Shot Worx
Flying Dolphin Entertainment
HEAD OF PR

Wir hoffen, dass wir niemanden in der Aufzählung vergessen haben (ansonsten entschuldigen wir uns vorsorglich hier schon einmal ) und dürfen schon jetzt darauf hinweisen, dass wir natürlich auch für dieses Jahr die Tradition fortsetzen werden und uns über Spenden für den guten Zweck immer sehr freuen!!!

Kadavar verbinden alt und neu

Los geht es mit einem metallisch-doomigen Riff und dann dröhnt „Lies“ herrlich rockig-psychedelisch aus den Boxen. Verdammt starker Auftakt. „Heartache“ dann zeigt, dass das neue Album eine direkte Fortführung von „I Just Want To Be A Sound“ ist, denn da hätte dieser Song auch problemlos einen Platz gefunden. Ich mag das, zeigt es doch wie vielfältig das Kadavar Universum ist. „Explosions In The Sky“ fragt zurecht was zurzeit in der Welt abgeht und baut mit viel Fuzz die Brücke zu den Anfängen von Kadavar. „The Corner of E 2 & Robert Martinez“ ist nur ein kurzes hörspielartiges Zwischenstück was ich im Kontext der Platte aber sehr mag und leitet über in „Stick It“ welches eher fröhlich-rockig rüberkommt und sehr gut zum neu etablierten Sound passt.

Kadavar sind einfach vielfältig gut

„You Me Apocalypse“ ist erst einmal ein grandioser Titel und klingt wie die frühen Kadavar. Aber jetzt als Quartett und relaxter, einfach in sich ruhend. Ich persönlich bin ein Fan von Intros bei Songs und so mag ich auch „The Children“ was eben mit singenden Kindern beginnt und dann in einem Song mündet der sich nicht um Genregrenzen schert und einfach überzeugt. Und ja, vielleicht sollten wir alle wieder etwas von der kindlichen Unbekümmertheit zurückgewinnen: „Children keep on seeking, they don’t mind if they fall„. Der Titeltrack „K.A.D.A.V.A.R“ bringt wieder viele Elemente zusammen: Fette Riffs, psychedelische- krautrockige Atmosphäre und metallisch-rockige Attitüde. Gefällt mir sehr gut. Zum Ende wartet dann die größte Überraschung mit „Total Annihilation“. Was für ein Brett! 80er Thrash Metal made in Germany lässt grüßen. Der wohl härteste Song im Kadavar Universum und auch live ein absoluter Kracher, wie ich zum Glück schon erleben durfte. Ich bin überrascht aber auch happy was Kadavar uns dieses Jahr beschert haben. Zwei Alben die für sich genommen großartig sind, aber auch verschieden sind. Jedoch ohne sich zu negieren. Ganz im Gegenteil, so baut „Kids Abandoning Destiny Among Vanity And Ruin“ auf „I Just Want To Be A Sound“ auf und führt dieses nahtlos fort. Das eine kann ohne das andere nicht existieren. Und wie ich gehört habe, soll schon bald Album Nummer Drei folgen und die Reise fortführen. Ich bin gespannt und kann es kaum erwarten.

In eigener Sache

Mehr zu Kadavar gibt es auf der Homepage oder bei Facebook. Natürlich gibt es noch viele weitere News, Reviews und Live-Berichte aus der Szene der harten Töne bei uns. Um ja nichts zu verpassen, abonniert ihr am besten unseren kostenlosen Newsletter oder folgt uns bei Facebook. Die besten Bilder findet ihr dann bei Instagram und unser YouTube Channel hält schon jetzt einiges bereit. Schaut mal rein.

Genre: Heavy Metal

Release: 31.10.’25

Label: Fetzner Death Records

TALES OF MIKE (Facebook) ist ein Projekt, dass seinen Ursprung in einer tragischen Geschichte hat. Es war der Verlust des Bruders von Michael „Mike“ Heß, Gründer und Mastermind von TALES OF MIKE. Wir empfehlen euch unser Review von der ersten EP „Lands Of Sorrow“ durchzulesen, um gewisse Hintergründe zu erfahren, die helfen, das ganze Projekt besser zu verstehen. Es ist ein extrem persönliches Unterfangen, welches auf eigenen Lebenserfahrungen basiert.

Diese persönliche Emotionalität, welche das ganze Album prägt, wird noch intensiver, wenn man bedenkt, dass die Lyrics wieder von Tochter Shannon Heß verfasst wurden. Ich bewundere die innige Bindung zwischen Vater und Tochter, denn ohne diese wäre eine solches Unterfangen wohl nicht möglich. Die lyrischen tiefgründigen und symbolträchtigen Texte sind Zeugnis davon und machen dieses ganze Thema noch viel greifbarer.

„Nevermore“

ist der Opener nach dem interessant gestalteten Intro „Nomen Est Omen“ und setzt direkt ein deutliches Statement: TALES OF MIKE lassen sich Zeit, um Spannung aufzubauen. Der über einminütige Instrumentalauftakt ist kein bloßes Vorspiel, sondern ein gezielter Aufbau, wo fetzige Gitarrenriffs wie dunkle Blitze durch den Nebel schneiden. Der Bass pulsiert druckvoll darunter, während die Drums zunächst ein marschartiges Tempo vorgeben, das sich bald in ein treibendes Gewitter verwandelt.

Gesanglich liefert Gonzalo Civita eine volle Breitseite: Mit scharfer Melodieführung und einem schmutzigen Timbre bringt er die Lyrics von Shannon Heß mit glaubwürdiger Wucht rüber. Es ist kein glattpolierter Gesang, sondern einer, der kratzt, beißt und lebt. Das passt zu der vorherrschenden düsteren Grundstimmung des Albums. Die Zeile „Nevermore“ wird nicht einfach gesungen, sie wird ausgestoßen wie ein innerer Schwur, womit die Message des Songs quasi unwiderruflich ist und keinen Widerspruch zulässt. „Aufgeben ist keine Option!“ Lasst euch nicht von negativen Dingen bzw. Menschen runterkriegen. Nehmt den Kampf auf, seid stark und lasst sie nicht in eure Herzen.

Das verspielte Gitarrensolo in „Nevermore“ bekommt ein ganz eigenes Kapitel im Song. Henrik Schaller setzt hier nicht nur auf Geschwindigkeit, sondern auf emotionale Nuancierung. Es ist ein Solo, das nicht nur zeigt, was die Finger können, sondern was das Herz fühlt.

Die Gier

Der dritte Track „Money Tree“ ist ein echter Adrenalinschub, Thrash-Metal-Vibes inklusive. Mit hohem Grundtempo und energetischem Drive prescht der Song nach vorn, als wolle er sämtliche Maskeraden der Menschheit niederreißen. Die Gitarren sägen, die Drums peitschen, der Bass rollt wie ein Panzer durch die Strophen. Die Stimme von Gonzalo geht wirklich durch Mark und Bein. Seine Stimme ist roh, intensiv, fast gequält, als würde er die Gier persönlich aus seinem Innersten herausbrüllen. Hier wird die unermessliche Gier nach Geld und damit nach Macht als Wurzel vielen Übels als toxisches Gift im weltumfassenden Kollektiv an den Pranger gestellt. Es ist eine bitterböse, fast satirische Abrechnung mit Konsum, Kapitalismus und sozialer Entfremdung.

Ein hässlicher Maskenball

„Human Masquerade“ ist kein Song, der bittet….er fordert! Es ist eine gnadenlose Abrechnung mit all jenen, die sich hinter freundlichen Fassaden verstecken, nur um irgendwann ihr fieses, wahres Gesicht zu zeigen. Die Welt, so scheint es, ist oft ein hässlicher Maskenball. Und TALES OF MIKE reißen die Masken herunter, ohne Rücksicht.

Der Song lebt von Wut und Enttäuschung, aber auch von Klarheit. Die Lyrics von Shannon Heß treffen ins Schwarze: Sie benennen den Neid und die Missgunst im Menschen, selbst sogar in denen, die man einst als Freunde betrachtete. Es ist diese Erkenntnis, die dem Song seine kompromisslose Stringenz verleiht: Kein Platz für Verklärung, kein Raum für Versöhnung, nur der Hammer der Wahrheit und Erkenntnis, der im Chorus mit voller Wucht ausholt und die Masken zerschlägt. Wer schon ein wenig lebensälter ist, der wird solche Erfahrungen sicherlich auch schon gemacht haben. Wahre Freunde findet man selten! Deswegen sind so verdammt wertvoll!

Abgründe und Hoffnung

Wenn ich mich an die erste Single „Landscape Of Sorrow“ erinnere, dann habe ich einen sehr düsteren doomigen Song im Kopf. Mit diesem Song fing alles an. „Ancient Mirror“ ist eine Rückbesinnung darauf. Gonzalo Civita taucht hier gesanglich in die tiefsten Untiefen ein: Seine Stimme ist nicht nur Ausdruck, sondern Instrument der Dunkelheit. Mal flüstert sie wie ein Echo aus der Vergangenheit, mal brüllt sie wie ein Dämon, der sich aus dem Spiegel erhebt. Es ist eine Performance, die nicht nur transportiert, sondern konfrontiert. Der Song bewegt sich einem dunklen Meer von Gothic, Doom und psychologischem Horror.

Die Lyrics erinnern mich an das Märchenmotiv von Schneewittchen auf, doch statt Schönheit zu preisen, zeigt der Spiegel hier Sünde, Täuschung und Verfall. Der Refrain wirkt wie ein beschwörender Zauberspruch, der die Dämonen auf dem Maskenball entlarvt.

Das Gitarrensolo ist erneut ein erzählerisches Element – kein Fremdkörper, sondern Teil der Dramaturgie. Zu Beginn klingt es wie Schreie aus dem Untergrund, dissonant, gequält, fast geisterhaft. Doch dann wandelt es sich: Die Töne werden melodischer, fast versöhnlich, aber ohne das Drama zu verlieren.

Die Zeit läuft

„Hourglass“ ist der unerwartete Hoffnungsschimmer auf „Human“. Ein Song, der mit einer Prügelorgie beginnt, als wolle er die Welt in Stücke reißen, nur um dann in eine groovige Leichtigkeit zu kippen, die überrascht und berührt. Der abrupte Stimmungswechsel ist kein Bruch, sondern eine bewusste Perspektivänderung: Die Zeit läuft ab, aber du kannst entscheiden, wie du sie nutzt, auch wenn es das Schicksal mal nicht gut mir dir meint.

Beim Solo lässt Henrik einfach die Sau raus, ohne Rücksicht auf Verluste werden die Saiten zum glühen gebracht und lassen den Song brennen. Es ist ein Moment der Befreiung, der den Song nicht nur musikalisch, sondern auch thematisch zum Brennen bringt.

„Abandoned“ ist ein monolithischer Brocken auf „Human“. Die dämonische Dunkelheit, die bereits in „Ancient Mirror“ spürbar war, kehrt hier wieder zurück. Über sechs Minuten lang, hochatmosphärisch, tiefschwarz; eine Mischung aus existenziellem Schmerz, Verlassenheit und radikaler Selbstkonfrontation. Es ist eine Mahnung, dass man sich in schlechten Zeiten nicht derart im Strudel der Verbitterung verliert, weshalb man nicht mehr zwischen Freund und Feind unterscheidet und alles um einen herum „tötet“. Dies führt letztlich zu einer Isolation und damit zur Selbstzerstörung.

Gonzalo Civita spielt mit seinen Vocals wie ein Schauspieler mit zwei Rollen. In den tiefen, gequälten Passagen klingt er wie ein verlorener Geist, der durch die Schatten irrt, doch dann wechseln die Farben: klarere, fast hymnische Linien brechen durch, als würde ein Lichtstrahl den Nebel durchdringen. Es ist wie eine Erlösung, aber nicht triumphal, sondern fragil und flüchtig.

Der Dunkelheit entfliehen

Der letzte Track „Swan Song“ scheint, als ob er der Dunkelheit entfliehen will. Er klingt entschlossen, dabei ganz und gar nicht resignierend oder bedrückend. Es finden sich auflockernde Harmonien im Song, wie z.B. der einfühlsame Refrain, der ohne Verbitterung das Ende einer Reise beschreibt. Was zu sagen war, wurde gesagt! Man hat mit den bösen Geistern der Vergangenheit abgeschlossen und sie begraben. Doch sollte man Vergangenes nicht komplett vergessen, vielmehr aus ihr lernen. So erzeugt der Song mehr eine Aufbruchstimmung, einen Neubeginn.

Fazit

Mit „Human“ legen TALES OF MIKE ein kompromissloses Konzeptalbum vor, das sich durch düstere Klanglandschaften, lyrische Tiefenschärfe und eine klare narrative Struktur auszeichnet. Die Songs kreisen um Themen wie Täuschung, Selbstverlust, Vergänglichkeit und Erlösung. Dementsprechend herrscht eine düstere Grundstimmung vor, aber das Album lässt den Hörer nicht hoffnungslos zurück.

Die Mischung aus unheimlichem Doom und schnellen wütenden Metal-Attacken in Verbindung mit psychologischem Horror bringt schonungslose Wahrheiten ans Licht. Jedoch lässt das Album den Hörer nicht verloren in der Dunkelheit zurück. „Human“ ist eine emotionale Herausforderung!

english review

Genre: Heavy Metal

Release: 31.10.’25

Label: Fetzner Death Records

TALES OF MIKE (Facebook) is a project that has its origins in a tragic story. It was the loss of the brother of Michael “Mike” Hess, founder and mastermind of TALES OF MIKE. We recommend reading our review of the first EP, “Lands Of Sorrow,” to learn more about the background of the project and better understand it. It is an extremely personal endeavor based on personal life experiences.

This personal emotionality, which characterizes the entire album, becomes even more intense when you consider that the lyrics were once again written by his daughter Shannon Hess. I admire the close bond between father and daughter, because without it, such an undertaking would probably not be possible. The lyrical, profound, and symbolic texts are testimony to this and make the whole theme even more tangible.

„Nevermore“

is the opener after the interestingly designed intro “Nomen Est Omen” and makes a clear statement right from the start: TALES OF MIKE take their time to build up tension. The instrumental intro, which lasts over a minute, is not just a prelude, but a deliberate build-up, where rousing guitar riffs cut through the fog like dark flashes of lightning. The bass pulsates powerfully underneath, while the drums initially set a march-like tempo that soon turns into a driving thunderstorm.

Vocally, Gonzalo Civita delivers a full broadside: with sharp melodies and a dirty timbre, he conveys Shannon Hess‘ lyrics with credible force. It’s not smooth, polished singing, but rather singing that scratches, bites, and lives. This fits in well with the prevailing dark mood of the album. The line “Nevermore” is not simply sung, it is uttered like an inner vow, making the message of the song virtually irrevocable and leaving no room for contradiction. “Giving up is not an option!” Don’t let negative things or people get you down. Take up the fight, be strong, and don’t let them into your heart.

The playful guitar solo in “Nevermore” gets its own chapter in the song. Henrik Schaller focuses not only on speed, but also on emotional nuance. It is a solo that shows not only what the fingers can do, but also what the heart feels.

Greed

The third track, “Money Tree”, is a real adrenaline rush, complete with thrash metal vibes. With a fast tempo and energetic drive, the song rushes forward as if it wants to tear down all of humanity’s masquerades. The guitars saw, the drums whip, the bass rolls through the verses like a tank. Gonzalo’s voice really pierces you to the core. His voice is raw, intense, almost tortured, as if he were personally roaring greed from the depths of his soul. Here, the immeasurable greed for money and thus for power is pilloried as the root of many evils, as a toxic poison in the global collective. It is a bitterly angry, almost satirical reckoning with consumerism, capitalism, and social alienation.

horror masquerade

„Human Masquerade“ is not a song that asks for ….! It is a merciless reckoning with all those who hide behind friendly facades, only to show their nasty, true face at some point. The world, it seems, is often a horror masquerade. And TALES OF MIKE tear down the masks, regardless.

The song thrives on anger and disappointment, but also on clarity. Shannon Hess‘ lyrics hit the nail on the head: they name the envy and resentment in people, even in those who were once considered friends. It is this realization that gives the song its uncompromising stringency: no room for idealization, no room for reconciliation, only the hammer of truth and insight, which swings with full force in the chorus and smashes the masks. Anyone who is a little older will certainly have had such experiences. True friends are rare! That’s why they are so damn valuable!

Abysses and hope

When I think back to the first single „Landscape Of Sorrow“, I remember a very dark, doom-laden song. That song started it all. “Ancient Mirror” is a return to that. Gonzalo Civita dives into the deepest depths vocally here: his voice is not only an expression, but an instrument of darkness. Sometimes it whispers like an echo from the past, sometimes it roars like a demon rising from the mirror. It is a performance that not only transports, but confronts. The song moves through a dark sea of gothic, doom, and psychological horror.

The lyrics remind me of the fairy tale motif of Snow White, but instead of praising beauty, the mirror here reveals sin, deception, and decay. The chorus seems like an incantation that exposes the demons at the masquerade.

The guitar solo is once again a narrative element—not a foreign body, but part of the dramaturgy. At first, it sounds like cries from underground, dissonant, tortured, almost ghostly. But then it changes: the notes become more melodic, almost conciliatory, but without losing the drama.

The clock is ticking

“Hourglass” is the unexpected ray of hope on “Human”. A song that begins with a barrage of blows, as if it wants to tear the world apart, only to then tip into a groovy lightness that surprises and moves you. The abrupt change in mood is not a break, but a conscious change of perspective: time is running out, but you can decide how to use it, even if fate is not kind to you.

During the solo, Henrik simply lets loose, playing the strings with abandon and setting the song on fire. It is a moment of liberation that sets the song ablaze, not only musically but also thematically.

“Abandoned” is a monolithic chunk on “Human.” The demonic darkness that was already palpable in “Ancient Mirror” returns here. Over six minutes long, highly atmospheric, pitch black; a mixture of existential pain, abandonment, and radical self-confrontation. It is a warning not to lose oneself in the vortex of bitterness in bad times, which blurs the distinction between friend and foe and causes one to “kill” everything around them. This ultimately leads to isolation and thus to self-destruction.

Gonzalo Civita plays with his vocals like an actor playing two roles. In the deep, tormented passages, he sounds like a lost spirit wandering through the shadows, but then the colors change: clearer, almost hymnal lines break through, as if a ray of light were piercing the fog. It is like redemption, but not triumphant, rather fragile and fleeting.

Escaping the darkness

The last track, “Swan Song”, seems as if it wants to escape the darkness. It sounds determined, yet not at all resigned or depressing. There are lighthearted harmonies in the song, such as the sensitive chorus, which describes the end of a journey without bitterness. What needed to be said has been said! The evil spirits of the past have been dealt with and buried. But we should not completely forget the past; rather, we should learn from it. Thus, the song creates more of a spirit of optimism, a new beginning.

Conclusion

With “Human,” TALES OF MIKE presents an uncompromising concept album characterized by dark soundscapes, lyrical depth, and a clear narrative structure. The songs revolve around themes such as deception, loss of self, transience, and redemption. Accordingly, a dark mood prevails, but the album does not leave the listener feeling hopeless.

The mixture of eerie doom and fast, furious metal attacks combined with psychological horror brings relentless truths to light. However, the album does not leave the listener lost in darkness. “Human” is an emotional challenge!

Genre: Horror Punk Rock

Release: 31.10.2025

Label: Fiend Force Records

THE OTHER (Facebook) kehren nach fünf Jahren Pause mit ihrem Album „Alienated“ zurück. Als Horror-Punk-Band natürlich stilecht zu Halloween am 31.Oktober. Frisches Blut und auch die Rückkehr von Gründungsmitglied Andy Only wollen den Spirit der 80’er wieder aufleben lassen. Es ist oft eine spannende Geschichte, wenn Retrosound im modernem Sound-Gewand gekleidet einen zeitgemäßen Auftritt hinlegt. Vom Albumtitel „Alienated“ lässt sich ableiten, dass in den Songs um Verlorenheit bzw. Entfremdung in seinem Gesamtkontext geht.

Die erste Single „I Give You Creeps“ ist ein unfassbar starker Ohrwurm, der einem gar nicht mehr aus dem Kopf geht. Wunderbar eingängig ohne schmalzig oder kitschig zu wirken. Er entfesselt einfach ein erhebendes belebendes Gefühl mit einem kleinen Spritzer eingängiger hypnotischer Melancholie. Ausgezeichnete Melodieführung, die durch einen fabelhaften Gesang begleitet wird. Rod Usher phrasiert mit einem faszinierenden Charme, was den Song zwischen Bedrohung und Euphorie schweben lässt. Man kann gar nicht anders, als mitzusingen und den Song immer wieder und wieder von vorne erklingen zu lassen.

Ohrwürmer sind wirklich das Ding für THE OTHER.

Davon gibt es etliche auf dem Album und sie sind perfekt geeignet für Live-Gigs. Schon der Opener „Hellfire“ zündet und stimmt den Hörer standesgemäß auf die Horror-Punk-Party ein. Mit ‚Hier Sein‘ beweisen THE OTHER erneut, dass sie auch in ihrer Muttersprache glänzen. Dabei fragt man sich, warum es immer traditionell nur bei einem Song in deutscher Sprache bleibt. Gerade diese Stücke haben das Potenzial, die emotionale Wucht ihrer Musik noch direkter zu transportieren. Ein Ausbau dieser Tradition würde niemanden enttäuschen. Ganz im Gegenteil! Es könnte die Band noch unverwechselbarer machen.

Auf der Hälfte des Albums gönnen THE OTHER uns die Ballade „In The End„, dem thematisch düstersten Auftritt auf „Alienated“. Inhaltlich erzählt der Song von dem Tod, der Menschen am Sterbebett begleitet, ohne ihnen verraten zu dürfen, was kommt. Damit offenbaren THE OTHER, dass sie mehr als Horror-Punk-Partygaranten produzieren können. Die Ballade ist ein emotionaler Höhepunkt voller traumhaft melancholischer Melodien und Gesangslinien. Rod brilliert hier mit einer versöhnlichen Wärme. Ein Song, der zu Herzen geht.

Ein gehaltvoller Stimmungscoctail!

Wo meistens die Melancholie in den Songs von THE OTHER mitschwingt, so wird man diese bei der Gute-Laune-Nummer „Witch From Outa Space“ vergeblich suchen. Swingende Rhythmen, federnde Gitarren und ein fast tanzbarer Groove prägen das Geschehen. Der Song nimmt sich nicht zu ernst. THE OTHER sorgen mit einem Rockabilly-Augenzwinkern für ausgelassene Stimmung. Der Song versprüht Leichtigkeit und besonderen Charme, ohne ins Banale abzurutschen und unterstreicht damit die Vielseitigkeit einer Band.

Den Geist der 80’er Jahre wird ganz direkt mit dem Song „A Ghost From The 80s“ heraufbeschworen, der ebenfalls zu den ganz großen Highlights des Albums zählt. Es ist eine Hommage an die Teenie-Gruselklassiker der Videotheken-Ära. Mit Wave-Atmosphäre, 80s-Keyboards und einer kreativ amüsanten Story gelingt THE OTHER ein Song, der Horror-Punk mit Popkultur verschmilzt und dabei gleichermaßen charmant wie hymnisch wirkt.

Fazit

Mit „Alienated“ liefern THE OTHER ein Album, das Entfremdung in Energie verwandelt. Hymnische Ohrwürmer wie „I Give You The Creeps“ oder der Opener „Hellfire“ sind wie gemacht für die Bühne, während die Ballade „In The End“ beweist, dass die Band auch im leiseren Stil emotionale Hits schreiben kann. Mit dem augenzwinkernden Rockabilly-Ausflug ‚Witch From Outa Space‘ erweitern sie ihr Spektrum, ohne ihre Horror-Punk-Wurzeln zu verleugnen. So entsteht ein Werk, das gleichermaßen nostalgisch wie frisch wirkt. Es ist ein Manifest des Andersseins, das THE OTHER als vielseitiger und lebendiger denn je zeigt.

english review

Genre: Horror Punk

Release: 31.10.2025

Label: Fiend Force Records

THE OTHER (Facebook) are returning after a five-year hiatus with their album “Alienated„. As a horror punk band, they are naturally releasing it in style on Halloween, October 31. Fresh blood and the return of founding member Andy Only aim to revive the spirit of the 80s. It is often an exciting story when retro sound, dressed in modern garb, makes a contemporary appearance. From the album title “Alienated,” it can be deduced that the songs are about lostness or alienation in their overall context.

The first single, “I Give You Creeps,” is an incredibly catchy tune that sticks in your head. It’s wonderfully catchy without being cheesy or corny. It simply unleashes an uplifting, invigorating feeling with a dash of catchy, hypnotic melancholy. Excellent melody accompanied by fabulous vocals. Rod Usher phrases with a fascinating charm, which leaves the song hovering between menace and euphoria. You can’t help but sing along and play the song over and over again.

Earworms are truly the thing for THE OTHER.

There are quite a few of these on the album, and they are perfect for live gigs. The opener “Hellfire” sets the tone and gets the listener in the mood for the horror punk party. With “Hier Sein,” THE OTHER prove once again that they also shine in their native language. This makes you wonder why they traditionally only ever include one song in German. These songs in particular have the potential to convey the emotional power of their music even more directly. Expanding on this tradition would not disappoint anyone. Quite the contrary! It could make the band even more distinctive.

Halfway through the album, THE OTHER treat us to the ballad “In The End„, the darkest track on “Alienated” in terms of subject matter. The song tells the story of death accompanying people on their deathbeds without being allowed to tell them what is coming. With this song, THE OTHER reveal that they are capable of producing more than just horror punk party anthems. The ballad is an emotional highlight full of dreamy, melancholic melodies and vocal lines. Rod shines here with a conciliatory warmth. A song that touches the heart.

An entertaining atmospheric cocktail!

While melancholy usually resonates in THE OTHER’s songs, you’ll search in vain for it in the upbeat number “Witch From Outa Space„.Swinging rhythms, bouncy guitars, and an almost danceable groove characterize the song. It doesn’t take itself too seriously. THE OTHER create an exuberant mood with a rockabilly wink. The song exudes lightness and a special charm without slipping into banality, thus underlining the versatility of the band.

The spirit of the 80s is evoked directly with the song “A Ghost From The 80s”, which is also one of the album’s biggest highlights. It is a tribute to the teen horror classics of the video store era. With a wave atmosphere, 80s keyboards, and a creatively amusing story, THE OTHER has succeeded in creating a song that blends horror punk with pop culture and is both charming and anthemic.

Conclusion

With “Alienated,” THE OTHER deliver an album that transforms alienation into energy. Anthemic earworms like “I Give You The Creeps” and the opener ‘Hellfire’ are tailor-made for the stage, while the ballad “In The End” proves that the band can also write emotional hits in a calmer style. With the tongue-in-cheek rockabilly excursion “Witch From Outa Space,” they expand their spectrum without denying their horror punk roots. The result is a work that feels both nostalgic and fresh. It is a manifesto of otherness that shows THE OTHER to be more versatile and vibrant than ever.

Surrender The Crown

Kompromissloser Heavy Rock sympathisch präsentiert, so könnte man es auf einen Nenner bringen. Aber das fasst es doch nicht ganz. Auf jeden Fall hat es nicht nur uns Spaß gemacht. Die Menge im Kubana ging gut mit und feierte die Band ab. Highlight war natürlich als Rage Drummer Lucky bei einem der Songs als Gastsänger auf die Bühne kam. Das neue Album „Travails“ erscheint am 18. Oktober 2025 und Fans des Genre können da bedenkenlos zugreifen. Hier und heute haben Surrender The Crown definitiv überzeugt.

Mission In Black

Wer Mission In Black noch nicht kannte, war mit Sicherheit überrascht als Frontfrau Steffi mit ihren brutalen Growls loslegte. Aber auch wenn die Band damit ein wenig aus dem Rahmen fiel, wussten sie das Kubana schnell auf ihre Seite zu ziehen. Tight und voller Energie und ansatzlosen Wechsel zwischen Klargesang und tiefen Growls rockten Mission In Black die Bühne und begeisterten hier und heute alle.

Rage legen furios los

Angesagt von Ralf Richter legten Rage nach einem kurzen Intro furios los. „Innovation“ vom aktuellen Album ist wie erwartet ein richtiger Live Kracher und legte den Grundstein für eine tolle Show. Peavy, Jean und Lucky hatten beste Laune und versprühten Spielfreude ohne Ende. Nicht anders war es im Publikum. Das Kubana nahm die Energie von der Bühne auf und gab sie verstärkt zurück. Alte und neue Songs wurden begeistert abgefeiert. Klassiker wie „Don’t Fear The Winter“ und natürlich „Higher Than The Sky“ wurden aus voller Kehle mitgesungen und waren wie immer ein Highlight. Auch wenn ich Rage jetzt seit über dreißig live verfolge, bin ich jedes Mal aufs Neue begeistert. Und ich sage es immer wieder gerne: Rage in diesem Line-Up sind einfach der Hammer!

Rage – die Fotos

Mission In Black – die Fotos

Surrender The Crown – die Fotos

In eigener Sache

Mehr zu Rage gibt es auf der Homepage oder bei Facebook. Natürlich gibt es noch viele weitere News, Reviews und Live-Berichte aus der Szene der harten Töne bei uns. Um ja nichts zu verpassen, abonniert ihr am besten unseren kostenlosen Newsletter oder folgt uns bei Facebook. Die besten Bilder findet ihr dann bei Instagram und unser YouTube Channel hält schon jetzt einiges bereit. Schaut mal rein.

Genre: Heavy/Speed Metal

Release: 31.10.2025

Label: Listenable Records

REDSHARK (Facebook) verzichten auf jede Form von Einleitung. Kein Intro, keine Zündschnur. Stattdessen: sofortiger Einschlag. „Sudden Impact“ macht seinem Namen alle Ehre, denn die Songs explodieren ohne Vorwarnung. Die Band feuert aus allen Rohren, und die Einschläge sind schnell, hart und präzise.

Instrumental agieren REDSHARK hochdynamisch und aggressiv: messerscharfe Riffs, peitschende Drums und ein Sound, der sich kompromisslos seinen Weg bahnt. Das Klangbild ist knackig, scharf und voller metallischer Energie. Sänger Pau Correas bringt mehr als genug Power mit, um sich in diesem musikalischen Sturm zu behaupten, doch er tut weit mehr als das: Mit seiner energischen Power-Stimme treibt er die Songs voran, peitscht sie an, verleiht ihnen zusätzliche Schärfe und Wucht. Seine Performance ist kein bloßes Überleben im Sturm, sondern ein aktiver Angriff. Kraftvoll, kontrolliert, und voller Feuer!

Wenn es um Geschwindigkeit geht, kennen REDSHARK keine Gnade. „Sudden Impact“ macht seinem Namen alle Ehre – und neben dem Titeltrack feuert die Band eine ganze Batterie von Hochgeschwindigkeits-Geschossen ab, die mit Überschallkraft ins Hirn rasen. Einer dieser Volltreffer ist „Beware Of The Shark“.

Der Song ist klar strukturiert, ohne Umwege, ohne Schnörkel. REDSHARK setzen hier auf kompromisslose Direktheit: ein pulsierender Rhythmus, aggressive Riffs und eine Gesangsleistung, die wie ein elektrischer Schlag wirkt. Kein Schnickschnack, keine Spielereien. Es ist pure, mitreißende Energie, die sich ungebremst entfaltet.

Doch REDSHARK sind nicht nur auf Hochgeschwindigkeit gepolt. Sie beherrschen auch die Kunst der Variation. Das Songmaterial auf „Sudden Impact“ zeigt, dass die Band mehr kann als Vollgas: Sie versteht sich ebenso auf melodische Gassenhauer, die atmosphärisch Tiefe entfalten und Raum für Emotion lassen. Ein Paradebeispiel dafür ist „The Chase“. Hier treten die aggressiven Riffs zeitweise in den Hintergrund, machen Platz für melodische Linien und harmonische Spannungsbögen. In diesen Momenten zeigt Sänger Pau Correas, dass seine Stimme mehr ist als ein metallisches Geschoss. Er nimmt die Schärfe heraus, singt mit kontrollierter Wärme und verleiht dem Song eine epische Note.

„Hypnotized“ schlägt, wie andere Songs auf dem Album, eine andere Richtung ein. Es ist kein Bruch, sondern eine stilvolle Erweiterung des Konzepts. REDSHARK drosseln das Tempo, ohne die Energie zu verlieren. Der Song bewegt sich in einem kontrollierten Midtempo, das Raum für Groove und Atmosphäre schafft. Die Riffs sind weniger rasend, dafür rhythmisch pointiert, fast tänzelnd. Es ist kein Bruch mit der Gesamtästhetik, sondern eine bewusste Erweiterung.

Hier zeigen REDSHARK, dass sie nicht nur stürmen können, sondern auch in ruhigeren Winden bestehen und dabei ihre Intensität nicht verlieren, sondern neu definieren. Die melodischen Elemente wirken nicht weichgespült, sondern fokussiert.

Fazit

Mit „Sudden Impact“ liefern REDSHARK ein Album, das seinem Titel alle Ehre macht: kompromisslos, direkt und voller metallischer Wucht. Doch wer nur Speed erwartet, unterschätzt die Band. REDSHARK beherrschen nicht nur das Hochtempo, sondern auch die Kunst der Variation – zwischen aggressiven Riffsalven und melodischer Tiefe.

Sie haben keine Mühe gnadenlosen Angriffe voranzutreiben, die mit Präzision und Energie einschlagen, können aber genauso in mehr kontrollierten Phasen überzeugen, die mit Groove, Atmosphäre und epischer Note auftrumpfen. Sänger Pau Correas erweist sich als zentrale Kraft: ob peitschend oder harmonisch, seine Stimme trägt das Album durch alle Dynamikphasen. „Sudden Impact“ ist kein Retro-Trip, sondern eine moderne Interpretation klassischer Speed-Metal-Tugenden: roh, fokussiert und überraschend vielseitig.

REDSHARK beweisen, dass man auch im Sturm differenziert agieren kann. „Sudden Impact“ ist ein Album, das nicht nur einschlägt, sondern nachhallt.

english review

Genre: Heavy/Speed Metal

Release: 31.10.2025

Label: Listenable Records

REDSHARK (Facebook) verzichten auf jede Form von Einleitung. Kein Intro, keine Zündschnur. Stattdessen: sofortiger Einschlag. „Sudden Impact“ macht seinem Namen alle Ehre, denn die Songs explodieren ohne Vorwarnung. Die Band feuert aus allen Rohren, und die Einschläge sind schnell, hart und präzise.

Instrumental agieren REDSHARK hochdynamisch und aggressiv: messerscharfe Riffs, peitschende Drums und ein Sound, der sich kompromisslos seinen Weg bahnt. Das Klangbild ist knackig, scharf und voller metallischer Energie. Sänger Pau Correas bringt mehr als genug Power mit, um sich in diesem musikalischen Sturm zu behaupten, doch er tut weit mehr als das: Mit seiner energischen Power-Stimme treibt er die Songs voran, peitscht sie an, verleiht ihnen zusätzliche Schärfe und Wucht. Seine Performance ist kein bloßes Überleben im Sturm, sondern ein aktiver Angriff. Kraftvoll, kontrolliert, und voller Feuer!

Wenn es um Geschwindigkeit geht, kennen REDSHARK keine Gnade. „Sudden Impact“ macht seinem Namen alle Ehre – und neben dem Titeltrack feuert die Band eine ganze Batterie von Hochgeschwindigkeits-Geschossen ab, die mit Überschallkraft ins Hirn rasen. Einer dieser Volltreffer ist auch „Beware Of The Shark“.

Der Song ist klar strukturiert, ohne Umwege, ohne Schnörkel. REDSHARK setzen hier auf kompromisslose Direktheit: ein pulsierender Rhythmus, aggressive Riffs und eine Gesangsleistung, die wie ein elektrischer Schlag wirkt. Kein Schnickschnack, keine Spielereien. Es ist pure, mitreißende Energie, die sich ungebremst entfaltet.

But REDSHARK aren’t just focused on high speed. They’ve also mastered the art of variation. The songs on “Sudden Impact” show that the band can do more than just go full throttle: they’re just as skilled at creating melodic hits that unfold atmospheric depth and leave room for emotion.

A prime example of this is “The Chase.” Here, the aggressive riffs occasionally fade into the background, making room for melodic lines and harmonic tension. In these moments, singer Pau Correas shows that his voice is more than just a metallic projectile. He takes the edge off, sings with controlled warmth, and gives the song an epic touch.

Like other songs on the album, “Hypnotized” takes a different direction. It’s not a break, but a stylish extension of the concept. REDSHARK slow down the tempo without losing energy. The song moves at a controlled mid-tempo, creating space for groove and atmosphere. The riffs are less frantic, but rhythmically pointed, almost dancing. It is not a break with the overall aesthetic, but a conscious extension.

Here, REDSHARK show that they can not only storm ahead, but also hold their own in calmer winds, not losing their intensity, but redefining it. The melodic elements don’t come across as watered down, but focused.

Conclusion

With “Sudden Impact,” REDSHARK delivers an album that lives up to its title: uncompromising, direct, and full of metal power. But anyone who expects only speed is underestimating the band. REDSHARK not only masters high speed, but also the art of variation—between aggressive riffs and melodic depth.

They have no trouble driving forward relentless attacks that strike with precision and energy, but they are equally convincing in more controlled phases that boast groove, atmosphere, and epic touches. Singer Pau Correas proves to be a central force: whether whipping or harmonious, his voice carries the album through all its dynamic phases. “Sudden Impact” is not a retro trip, but a modern interpretation of classic speed metal virtues: raw, focused, and surprisingly versatile.

REDSHARK prove that it is possible to act in a differentiated manner even in a storm. “Sudden Impact” is an album that not only hits hard, but also resonates.

Genre: Black Metal

Release: 31.10.’25

Label: ROAR/RPM

MYSTIC CIRCLE (Facebook) gehen auf ihrem Album „Hexenbrand 1486“ dem „Bösen“ auf den Grund. In zehn düsteren Kapiteln widmet man sich nicht nur dem Thema „Hexenverfolgung“, sondern greift verschiedene Themen menschlicher, aber besonders religiöser Abgründe auf. Hier sind die Texte nicht nur bloßes Beiwerk, sondern ein unheimlich wichtiger Bestandteil in einem tiefgründigen Album, was ein grundsätzliches moralisches Dilemma schmerzhaft offenlegt.

Es lohnt sich hier durchaus unter die Oberfläche zu schauen, denn die Lyrics sind wohldurchdacht und deutungsintensiv. Ich (als Atheist) habe versucht die Songs für mich auch inhaltlich einzuordnen und meine rein persönlichen Gedanken dazu niederzuschreiben, so dass das Review relativ lang geworden ist und über die musikalische Betrachtungsweise hinausgeht. Also wer nur ein kurzes Fazit brauchen sollte, der kann direkt zum Ende springen.

Der Lichtbringer

MYSTIC CIRCLE positionieren sich bereits mit dem Opener „Luciferian“ unmissverständlich: Gottesfürchtige Christen werden sich mit Schrecken abwenden, wenn der teuflische Lobgesang erklingt. In provozierender und bewusst überzeichneter Art und Weise findet hier eine Umkehr christlicher Rituale und Dogmen statt; fast wie ein „Vater unser“ für den Teufel, der hier als Lichtbringer bzw. Erlöser inszeniert wird.

Doch hinter der martialischen Fassade steckt mehr als bloße Provokation. Der Song wirkt wie ein rituelles Manifest, das die religiöse Ordnung nicht nur ablehnt, sondern als gescheitert entlarvt. Die Zeile „The children of god have failed“ lässt sich als düstere Bestandsaufnahme lesen, sozusagen als Warnung, dass die Hölle auf Erden längst Realität geworden ist. Diese Ambivalenz zwischen Rebellion und Resignation zieht sich wie ein roter Faden durch den Song und das Album. „Luciferian“ ist nicht nur ein musikalischer Paukenschlag, sondern ein ideologischer Auftakt. Er ist ein Spiegel für eine Welt, die ihre eigenen Werte verraten hat.

Musikalisch bieten Mystic Circle hier großes Kino. In cineastischer Manier entfaltet sich extremer Metal auf teuflisch hohem Niveau: epische Gitarrenläufe begleiten prasselnde Blastbeats, während orchestrale Elemente wie dunkelschwarze Schwaden die Atmosphäre verdichten.

Besonders eindrucksvoll ist der Mittelteil: ein ruhiger, melodischer Einschub mit einem Gitarrensolo, das zunächst melancholisch fließt, dann eruptiv zu einem ekstatischen Feuer auflodert. Es ist, als würde sich Schmerz in Triumph verwandeln. Darauf folgt eine Stimme, die die Zeile „Down down down into the abyss I fall“ singt und dabei beinahe versöhnlich klingt, fast wie in einem Gebet. Die anschließenden Chöre wirken in ihrer Ehrerbietung gegenüber dem Teufel nicht bedrohlich, sondern erlösend. Der Song schließt sich wie ein Ritualkreis und endet infernal, einer Art Befreiungsschlag.

Die Hure Babylon

„The Scarlet Queen Of Chaos“ tanzt zwischen apokalyptischer Zerstörung und epischer hinreißender Entfaltung, die sich vor allem im eindringlichen Refrain entlädt. Auch hier wird christliche Symbolik aufgegriffen, hierbei eine Episode aus der Offenbarung des Johannes. Dort ist von der „Hure Baylon“ die Rede, welche auf einem roten, dämonischen Wesen reitet. Diese sitzt auf einem roten, monsterartigen Wesen. Sinnbildlich verkörpert sie dort die Sünden und Verführungen der Welt. Letztlich wird sie durch ein göttliches Gericht besiegt.

MYSTIC CIRLCLE transformieren diese biblische Allegorie: Die ‚Scarlet Queen Of Harlots‚ ist nicht bloß Sünderin, sondern Botin der Apokalypse; eine metaphysische Existenz, die in jedem Menschen lauert. Sie wartet in einem dunklen Versteck des Geistes, bereit, den Menschen mit Lug und Trug zu bösen Taten zu verführen. Die Apokalypse wird demnach nicht als äußeres Strafgericht inszeniert, sondern als innerer Zusammenbruch und als Konfrontation mit den eigenen Schatten.

„Boogeyman“

Wer hat Angst vorm „Schwarzen Mann“? In der jungen Generation ist er nicht mehr so bekannt, aber der älteren Generation ist dieser Mythos wohl noch sehr bekannt. In unzähligen Adaptionen wurde dies mystische Figur in diversen Horrorfilmen oder in Büchern umgesetzt. Diese Figur war nicht klar definiert, sondern wurde als metaphysisches Wesen erschaffen, um Angst zu verbreiten. Und mit Angst gewinnt man Kontrolle. Daher wurde es auch bei den Kindern gerne als Erziehungsmethode missbraucht. Die Methode der Angst wirkt aber auch wunderbar bei Erwachsenen. Dazu kommen wir später noch.

Die Liebe von MYSTIC CIRCLE zu 80’er Jahre Synths, wie man sie von den einschlägigen Horrorfilmen dieses Jahrzehnts kennt, wird auf dem ganzen Album deutlich; nicht als prägendes Element, sondern vielmehr als coole atmosphärische Zutat. So erfährt auch „Boogeyman“ eine mystische Einleitung. Danach greifen die Black-Metal-Geister an und schmettern modernen melodischen Metal mit infernalischer Inbrunst. Der von MYSTIC CIRCLE gebotene Mix ist sicherlich nichts für Puristen, denn die Songs sind ein kreativer Mix, welcher zu einem eindrucksvollen homogenen Gesamtkonzept verschmolzen wurde.

„In The Year Of The Goat“

Eine lediglich oberflächliche Betrachtung des Albums würde diesem nicht gerecht werden. Ich persönlich sehe darin mehr. Denn meiner Meinung nach wird das Böse hier nicht als reale fremde Macht inszeniert, sondern als Teil der menschlichen Realität. Die dämonischen Bilder sind Projektionsflächen für das, was wir selbst entfesseln: in Kriegen, in Fanatismus, in der Gier nach Macht und Kontrolle. „In The Sign Of The Goat“ ist damit nicht nur ein okkulte Fiktion, sondern eine düstere Allegorie auf den Zustand der Welt.

Scharfe Riffs schneiden sich durch Vocals, die quasi ausgespien werden, während die Drums unheilvolle Donnerschläge produzieren, wie Vorboten eines apokalyptischen Sturms. Dann wird der Wind stärker, baut sich zu einem Sturm auf, bis plötzlich der melodische Refrain mit engelsgleicher Stimme erklingt. Diese bewusst gewählte Dissonanz, zwischen Brutalität und Schönheit, wirkt gleichzeitig faszinierend und verstörend, besonders wenn man das Thema des Songs im Hinterkopf behält.

Erwähnenswert ist auch der Part ab der dritten Minute: Mit old school Vibes entsteht ein außergewöhnliches Zwischenspiel, das wie ein Ritual wirkt; mechanisch, hypnotisch, fast sakral. Danach prasselt das Trommelgewitter nieder und begleitet den blutigen Regen des Untergangs. Es ist, als würde der Song selbst zur apokalyptischen Vision werden, musikalisch wie inhaltlich.

„Ghost Of The White Chapel“

Kommen wir nun zu einem Song, der sich zwar ebenfalls mit dem Bösen beschäftigt, aber in anderer Art und Weise. Hier entfällt jeglicher gesellschaftskritischer oder metaphysischer Ansatz, den hier geht es um das reale menschliche Böse in individueller Form, nämlich um den weltberühmten Serienkiller Jack the Ripper aus London. Seine Opfer waren überwiegend Prostituierte und die Morde zeichneten sich durch extreme Brutalität aus. Aufgeschlitzte Kehlen, Verstümmelungen und teilweise Entnahme innerer Organe sollen zum Modus Operandi gezählt haben. Doch die wahre Identität des Täters wurde nie zweifelsfrei geklärt, was zur Legendenbildung und zahllosen Spekulationen geführt hat.

Der Song wirkt wie ein stoischer Monolog eines psychisch gestörten Menschen, niedergeschrieben in Form eines Briefes an einen fiktiven Adressaten. Die Nüchternheit, mit der er seine unmenschlich brutalen Taten schildert, macht das Ganze umso abscheulicher. Es ist gerade die emotionslose Sprache, die den Horror verstärkt: Keine Reue, keine Reflexion! Nur die kalte Beschreibung des Grauens. Diese Form der Darstellung entzieht sich jeder moralischen Einordnung. Der Song steht in seiner unfassbaren Grausamkeit einfach für sich, wie ein literarisches Fragment aus einem dunklen Tagebuch.

Schon fast tragisch ironisch, dass der Song mit gesprochenen Textzeilen beginnt, die von einer Frau vorgetragen werden. Insgesamt fällt der Song sehr hart aus. Metzelndes Riffing bestimmt den Song und das Solo setzt noch einen drauf, welches in seinem ekstatischen Ausbruch den Wahnsinns des Mörders bei der Tat widerspiegelt.

Institoris (Heinrich Kramer)

Nun beginnt das zentrale Thema des Albums, welches ungeschönt in all seiner Grausamkeit beschrieben in der zweiten Hälfte behandelt wird. Dazu wird zunächst die Person Heinrich Kramer in einem Intro eingeführt. Dieser Heinrich Kramer (auch bekannt als Henricus Institoris) war ein deutscher Dominikanermönch, Theologe und Inquisitor, der im späten 15. Jahrhundert eine zentrale Rolle in der Geschichte der europäischen Hexenverfolgung spielte. Sein Manifest war der „Hexenhammer“, welches als Grundlage für die zielgerichtete und systematischen Hexenverfolgung in Europa herangezogen wurde.

Die Kirche schürte Angst bei der Bevölkerung, indem man unschuldige Menschen der Hexerei bezichtigte und sie mit dunklen Mächten bis hin zum Teufel persönlich in Verbindung brachte. Sie war politische Autorität, moralischer Richter und soziale Kontrollinstanz. Indem sie das Unsichtbare – den Teufel, die Hexe, die Sünde – zur greifbaren Bedrohung machte, schuf sie ein System, in dem Zweifel, Abweichung und Individualität gefährlich wurden. So legitimierte die Kirche ihre Daseinsberechtigung und abscheuliche Vorgehensweise, denn es ging doch um den Schutz des Glaubens im Namen Gottes und damit um die Rettung der Menschheit. Angst schüren mit nicht greifbaren Dingen ist noch in der heutigen Zeit ein probates Mittel der Kontrolle und Machtausübung, nicht nur in der Religion.

Heute gilt Kramer als Symbolfigur für religiösen Fanatismus und die dunkle Seite kirchlicher Macht. Unfassbare Greueltaten wurden im Namen der Kirche begangen. Was lehrt uns das? Teufel oder Gott? Wo liegt angesichts solcher Verbrechen der Unterschied? Eine grundsätzliche Frage, die das Dilemma von Religionen aufzeigt und zum Nachdenken anregt. Denn wurden die grausamsten Verbrechen in der Menschheitsgeschichte nicht aufgrund verschiedener Glaubensrichtungen verübt, die für sich jeweils einen Absolutheitsanspruch hegen bzw. die Anhänger dies so fordern? Religion kann einerseits Trost, Sinn und Gemeinschaft stiften, aber auch für Angst, Kontrolle, Gewalt und Vernichtung missbraucht werden.

Der Hexenhammer

Eine orchestrale Einleitung in die Person Kramer wird durch den Track „Institoris“ durchgeführt. Diese Einleitung ist schon recht beeindruckend inszeniert, bevor der Song „The Bible Of White Chase“ sich explizit mit dem „Hexenhammer“ befasst. Es ist ein feuriger treibender Heavy Metal Song, der mit doomigen Passagen gespickt ist, die das Leid buchstäblich fühlbar machen. Dazu hat man sogar noch Schmerzensschreie im Hintergrund eingespielt, was das Ganze noch intensiver gestaltet. Und geradezu anklagend wird die Textzeile „You’re the Devil“ gesungen. „The Bible of Witch Chase“ verwandelt den Hexenhammer in ein Symbol für das, was geschieht, wenn Glaube zur Waffe wird und Wahrheit im Feuer verbrennt.

„Blutschande, Unzucht, Sodomie“

Diese Anklage befasst sich weiter mit den Greueltaten der kirchlichen Inquisition. Unter anderem mit den im Songtitel genannten absurden Vorwürfe wurden die sogenannten Hexen überzogen. Es war nur ein Vorwand, eine willkürliche Stigmatisierung, um Andersdenkende, Andershandelnde oder Andersaussehende festzusetzen. Im Anschluss wurden von den Opfern dieser Verfolgung abstruse Geständnisse mit grausamer Folter erzwungen, nur um dann diese Menschen zu töten, mitunter sogar öffentlichkeitswirksam auf einem brennenden Scheiterhaufen. Der Song ist somit eine schonungslose Abrechnung mit den unmenschlichen Machenschaften der Kirche und genauso klingt er auch.

Nach einer melodischen melancholischen Einleitung zeigt der Song seine unbändige zornige Energie. Blastbeats sorgen für unablässige Prügel, wobei wieder geschickte Stimmungswechsel eingewoben werden. Keifende Screams in den rasenden Parts und unheilvolle Growls geben sich hier die Hand. Aber das ist noch nicht alles, denn in über sechs Minuten Spielzeit gibt es noch andere Überraschungen, wie z.B. der mittig angesiedelte synthieträchtige Part.

Walpurgisnacht

„Dance On The Wings Of Black Magic“ zelebriert das Ritual der Walpurgisnacht in einem finalen Höhepunkt des Albums und facht das dämonische Feuer noch heftiger an. Der Song ist schlichtweg pure Energie, ein verzehrendes Feuer, dass sich unaufhaltsam seinen entlarvenden und reinigenden Weg sucht. Das Ritual der Walpurgisnacht stammt übrigens aus einer vorchristlichen Zeit und hat daher eher heidnische Wurzeln. Germanische und keltische Völker feierten damals dieses Fest mit Feuer, Tanz und Masken, um damit die bösen Geister zu vertreiben. Ein zentraler Anlaufpunkt war übrigens der Broken im Harz (höchster Berg im Mittelgebirge), der auch volkstümlich Blocksberg genannt wird.

Ab dem Spätmittelalter wurde die Walpurgisnacht jedoch durch die Kirche zunehmend mit Hexenversammlungen und Teufelspakten assoziiert. Der ‚Hexenhammer‘ und die Inquisition trugen dazu bei, dass die Nacht als Zeit des Bösen galt. Nach dem das Feuer mit „Dance On The Wings Of Black Magic“ gewütet hat, findet das Album ein ruhiges Ende, in dem noch einmal mit starken Worten die Verachtung für Heinrich Kramer zum Ausdruck gebracht wird, stellvertretend für alle Unmenschen, die solche Gedanken hegen und sich solcher Methoden bedienen.

Fazit

MYSTIC CIRCLE haben mit „Hexenbrand 1486“ ein Meisterwerk erschaffen, dass nicht nur musikalisch völlig überzeugt, sondern auch lyrisch tiefgründig gestaltet ist. Die behandelten Themen wie z.B. Hexenverfolgung und religiöser Fanatismus sind zwar nicht neu, aber deren Aufarbeitung ist wohldurchdacht und in ihrer Herangehensweise sind MYSTIC CIRLCE absolut schonungslos, sowohl in lyrischer Form als auch in der musikalischen Herangehensweise.

Auf „Hexenbrand 1486“ existieren Lyrics und Musik nicht nebeneinander, vielmehr verschmelzen sie zu einer Einheit, die den Hörer nicht nur erreicht, sondern mit starker Intensität durchdringt. Die musikalische Sprache ist brutal, episch und okkult, die Texte sind tiefgründig, historisch fundiert und zugleich erschreckend aktuell.

Der von MYSTIC CIRCLE gebotene musikalische Mix ist nichts für Puristen, aber genau die Vielschichtigkeit macht es so faszinierend. „Hexenbrand 1486“ ist aus einem kreativen Schmelztiegel entstanden, so dass es sich zu einem homogenen Gesamtkonzept modernen Black Metals verdichtet. Jedes Kapitel trägt zur Dramaturgie bei, ohne an Spannung oder Atmosphäre zu verlieren. Kein Pathos! Kein Trost! Nur die nackte Wahrheit im Gewand des Black Metal. „Hexenbrand 1486“ ist kein Album, das man nur hört. Man erlebt es!

Rasender Black Metal trifft auf infernalischen Heavy Metal, durchzogen von doomigen Passagen und mystischen Synthiewelten, die wie dunkle Nebelschwaden durch das Klangbild ziehen. Erzählerische Einschübe verdichten die Geschichten, ohne den Fluss zu brechen. Ebenso hervorzuheben sind die Gastbeiträge von Sängerin Sarah Jezebel Deva und Sänger Karo Hafke, so wie Sprecherin Natalie Ostermaier, Autorin und Illustratorin des Buches „Kramer“.

Epilog

Wenn man sich mit dem Album „Hexenbrand 1486“ auseinandersetzt, stellt sich mir folgende essentielle Frage: Was ist das „Böse“? Werden offensichtlich faktisch böse und schändliche Handlungen wie beispielsweise das Quälen und Töten von Menschen besser, wenn man es durch etwas rechtfertigt? Etwa durch das Vorantreiben oder den Schutz einer vermeintlich guten Sache? Jeder wird zustimmen, dass Jack The Ripper ein böser Mann mit perversen Neigungen war, getrieben von Lust, Gewalt und Wahnsinn. In seinem unmenschlichen Tun war er dennoch ehrlich und handelte nicht unter Vortäuschung eines selbsterklärten höheren Ziels.

Doch sind seine Handlungen moralisch mehr zu verurteilen als Greueltaten, die angeblich im Namen einer guten und gerechten Sache gemacht wurden? Denn das Dilemma daran ist, dass jeder eine „gute“ oder „gerechte“ Sache für sich selbst definieren kann oder Gruppen dies für sich festlegen. Daher ist eine stetige und gründliche Abwägung des eigenen Wertekomplexes und daraus resultierenden Handlungskonzepts dringend geboten und sollte im Rahmen der Selbstrechtfertigung immer gründlich hinterfragt und auf den Prüfstand gestellt werden. Denn die Geschichte zeigt uns: Das Böse trägt viele Masken! Es kommt nicht immer offensichtlich mit Hörnern und Flammen, sondern tarnt sich oft unter dem Deckmantel einer ideologischen Überzeugung mit Absolutheitsanspruch.

„Hexenbrand 1486“ wirft uns genau in diesen Abgrund:
Es konfrontiert uns mit der Frage, ob das Böse nicht dort beginnt, wo Selbstrechtfertigung jede moralische Prüfung ersetzt. Wo das eigene Wertekonzept nicht mehr hinterfragt, sondern als Dogma verteidigt wird, ist die Hölle nicht mehr weit, in der Angst, Schuld und Macht sich zu einer Flamme vereinen und Menschen darin verbrannt werden.

english review

Genre: Black Metal

Release: 31.10.’25

Label: ROAR/RPM

MYSTIC CIRCLE (Facebook) explore the depths of “evil” on their album “Hexenbrand 1486„. In ten gloomy chapters, they not only address the topic of „witch hunts“ in the middle ages, but also take up various themes of human, but especially religious abysses. Here, the lyrics are not just an accessory, but an incredibly important part of a profound album, which painfully reveals a fundamental moral dilemma.

It’s definitely worth looking beneath the surface here, because the lyrics are well thought out and rich in meaning. I (as an atheist) have tried to classify the songs for myself in terms of content and write down my purely personal thoughts on them, so the review has become relatively long and goes beyond the musical perspective. So if you just need a quick summary, you can skip straight to the end.

The lightbringer

MYSTIC CIRCLE make their position clear right from the start with the opener “Luciferian”: devout Christians will turn away in horror when the devilish hymn begins to play. In a provocative and deliberately exaggerated manner, Christian rituals and dogmas are reversed here; almost like a “Our Father” for the devil, who is portrayed here as a bringer of light or savior.

But behind the martial face, there’s more than just provocation. The song feels like a ritual manifesto that not only rejects religious order but also shows it as a failure. The line “The children of god have failed” can be seen as a dark take on the situation, like a warning that hell on earth has already become a reality. This ambivalence between rebellion and resignation runs like a thread through the song and the album. “Luciferian” is not only a musical bombshell, but also an ideological prelude. It is a mirror for a world that has betrayed its own values.

Musically, Mystic Circle offer a spectacular show. In cinematic fashion, extreme metal unfolds at a devilishly high level: epic guitar riffs accompany crackling blast beats, while orchestral elements thicken the atmosphere like dark black clouds.

The middle section is particularly impressive: a calm, melodic interlude with a guitar solo that initially flows melancholically, then erupts into an ecstatic blaze. It is as if pain is turning into triumph. This is followed by a voice singing the line “Down down down into the abyss I fall”, sounding almost conciliatory, almost like a prayer. The subsequent choirs, in their reverence for the devil, do not seem threatening, but rather redeeming. The song closes like a ritual circle and ends infernally, a kind of liberating blow.

The „Whore Babylon“

“The Scarlet Queen Of Chaos” dances between apocalyptic destruction and epic, captivating unfolding, which is particularly evident in the haunting chorus. Christian symbolism is also taken up here, in this case an episode from the Revelation of John. It tells of the “Whore of Babylon” riding on a red, demonic creature. Symbolically, she embodies the sins and temptations of the world. Ultimately, she is defeated by divine judgment.

MYSTIC CIRCLE transforms this biblical allegory: The ‘Scarlet Queen Of Harlots’ is not merely a sinner, but a messenger of the apocalypse; a metaphysical existence that lurks within every human being. She waits in a dark hiding place of the mind, ready to seduce people into evil deeds with lies and deceit. The apocalypse is thus not staged as an external judgment, but as an inner collapse and a confrontation with everyone’s own shadows.

„Boogeyman“

This mystical figure has been adapted countless times in various horror films and books. This character was not clearly defined, but was created as a metaphysical being to spread fear. And fear is a way to gain control. That is why it was often misused as a method of disciplining children. But the fear tactic also works with adults. I‘ ll come back to that later.

MYSTIC CIRCLE’s love for 80s synths, as heard in the horror films of that decade, is evident throughout the album; not as a defining element, but rather as a cool atmospheric ingredient. Thus, “Boogeyman” also gets a mystical introduction. Then the black metal spirits attack and blast modern melodic metal with infernal fervor. The mix offered by MYSTIC CIRCLE is certainly not for purists, as the songs are a creative blend that has been fused into an impressive, homogeneous overall concept.

„In The Year Of The Goat“

A merely superficial examination of the album would not do it justice. Personally, I see more in it than that. In my opinion, evil is not portrayed here as a real external force, but as part of human reality. The demonic images are projections of what we ourselves unleash: in wars, in fanaticism, in the greed for power and control. “In The Sign Of The Goat” is thus not just occult fiction, but a dark allegory on the state of the world.

Sharp riffs cut through vocals that are practically spat out, while the drums produce ominous thunderclaps, like harbingers of an apocalyptic storm. Then the wind picks up, building into a storm, until suddenly the melodic chorus rings out with an angelic voice. This deliberate dissonance between brutality and beauty is both fascinating and disturbing, especially when you keep the song’s theme in mind.

The part starting at the third minute is also interesting: old school vibes create an extraordinary interlude that feels like a ritual; mechanical, hypnotic, almost sacred. Then the drum thunderstorm crashes down and accompanies the bloody rain of doom. It’s as if the song itself becomes an apocalyptic vision, both musically and lyrically.

„Ghost Of The White Chapel“

Let’s now turn to a song that also deals with evil, but in a different way. There is no social criticism or metaphysical approach here; this song is about real human evil in its individual form, namely the world-famous serial killer Jack the Ripper from London. His victims were predominantly prostitutes, and the murders were characterized by extreme brutality. Slashed throats, mutilation, and in some cases the removal of internal organs are said to have been part of his modus operandi. However, the true identity of the perpetrator was never conclusively established, which led to the creation of legends and countless speculations.

The song comes across as the stoic monologue of a mentally disturbed person, written in the form of a letter to a fictional addressee. The sobriety with which he describes his inhumanly brutal deeds makes the whole thing all the more abhorrent. It is precisely the emotionless language that intensifies the horror: no remorse, no reflection! Just a cold description of the atrocities. This form of presentation defies any moral classification. In its incomprehensible cruelty, the song simply stands on its own, like a literary fragment from a dark diary.

It is almost tragically ironic that the song begins with spoken lines recited by a woman. Overall, the song comes across as very harsh. Slaughtering riffs dominate the song, and the solo takes it up a notch, reflecting the murderer’s madness during the crime in its ecstatic outburst.

Institoris (Heinrich Kramer)

Now begins the central theme of the album, which is described in all its cruelty in the second half. First, Heinrich Kramer is introduced in an intro. Heinrich Kramer (also known as Henricus Institoris) was a German Dominican monk, theologian, and inquisitor who played a central role in the history of European witch hunts in the late 15th century. His manifesto was the “Malleus Maleficarum”, which was used as the basis for the targeted and systematic persecution of witches in Europe.

The Christian church instilled fear in the population by accusing innocent people of witchcraft and associating them with dark forces, even the devil himself. It was a political authority, moral judge, and social control organ. By making the invisible—the devil, witches, sin—a tangible threat, it created a system in which doubt, deviation, and individuality became dangerous. In this way, the Church legitimized its raison d’être and abhorrent practices, because it was all about protecting the faith in the name of God and thus saving humanity. Fostering fear with intangible things is still an effective means of control and exercising power today, not only in religion.

Today, Kramer is regarded as a symbol of religious fanaticism and the dark side of ecclesiastical power. Inconceivable atrocities were committed in the name of the church. What does this teach us? Devil or God? In light of such crimes, what is the difference? This is a fundamental question that highlights the dilemma of religion and encourages reflection. After all, weren’t the most cruel crimes in human history committed on the basis of different beliefs, each of which claims to be absolute or whose followers demand this? On the one hand, religion can provide comfort, meaning, and community, but it can also be misused for fear, control, violence, and destruction.

„Malleus Maleficarum“

A dark orchestral introduction to Kramer is provided by the track “Institoris.” This is quite impressively staged before the song “The Bible Of White Chase” explicitly deals with the „Malleus Maleficarum“. It is a fiery, driving heavy metal song peppered with doomed passages that make the suffering literally palpable. Real cries of pain can be heard in one passage. And the line “You’re the Devil” is sung in an almost accusatory manner. “The Bible of Witch Chase” transforms the Malleus Maleficarum into a symbol of what happens when faith becomes a weapon and truth burns in the fire.

“Incest, fornication, sodomy”

“Incest, fornication, sodomy” as charges continues to deal with the atrocities of the ecclesiastical Inquisition. Among other things, the absurd accusations mentioned in the song title were levelled at the so-called witches. It was just a pretext, an arbitrary stigmatisation, to imprison those who thought differently, acted differently or looked different. Subsequently, abstruse confessions were extracted from the victims of this persecution through cruel torture, only to then kill these people, sometimes even publicly burned at a stake. The song is thus a relentless reckoning with the inhuman machinations of the church, and that’s exactly how it sounds.

After a melodic, melancholic intro, the song reveals its unbridled, angry energy. Blast beats provide relentless punishment, with clever mood changes woven in again. Shrill screams in the frenzied parts and ominous growls go hand in hand here. But that’s not all, because in over six minutes of playing time there are other surprises, such as the synth-heavy part in the middle.

Walpurgis Night

“Dance On The Wings Of Black Magic” celebrates the ritual of Walpurgis Night in a final climax of the album and fans the demonic fire even more fiercely. The song is pure energy, a consuming fire that inexorably seeks its revealing and cleansing path. Incidentally, the ritual of Walpurgis Night dates back to pre-Christian times and therefore has rather pagan roots. Germanic and Celtic peoples celebrated this festival with fire, dance, and masks to drive away evil spirits.

From the late Middle Ages onwards, however, Walpurgis Night became increasingly associated by the Church with witch gatherings and pacts with the devil. The „Malleus Maleficarum“ and the Inquisition contributed to the night being regarded as a time of evil. After the fire has raged with “Dance On The Wings Of Black Magic,” the album comes to a quiet end, once again expressing contempt for Heinrich Kramer in strong words, representing all inhumane people who harbor such thoughts and use such methods.

Conclusion

With “Hexenbrand 1486,” MYSTIC CIRCLE have created a masterpiece that is not only musically compelling, but also lyrically profound. The topics covered, such as witch hunts and religious fanaticism, are not new, but their treatment is well thought out and MYSTIC CIRCLE’s approach is absolutely relentless, both in terms of lyrics and music.

On “Hexenbrand 1486,” lyrics and music do not exist side by side, but rather merge into a unity that not only reaches the listener, but penetrates them with intense power. The musical language is brutal, epic, and occult, while the lyrics are profound, historically grounded, and at the same time frighteningly relevant.

The musical mix offered by MYSTIC CIRCLE is not for purists, but it is precisely this complexity that makes it so fascinating. “Hexenbrand 1486” was born out of a creative melting pot, resulting in a homogeneous overall concept of modern black metal. Each chapter contributes to the dramaturgy without losing any of the tension or atmosphere. No pathos! No consolation! Just the naked truth in the guise of black metal. “Hexenbrand 1486” is not an album you just listen to. You feel it!

Frenzied black metal meets infernal heavy metal, interspersed with doom-laden passages and mystical synthscapes that drift through the soundscape like dark wisps of fog. Narrative interludes condense the stories without breaking the flow. Also noteworthy are the guest appearances by singer Sarah Jezebel Deva and singer Karo Hafke, as well as narrator Natalie Ostermaier, author and illustrator of the book “Kramer.”

Epilog

When considering the album “Hexenbrand 1486,” the following essential question arises: What is “evil”? Do obviously evil and shameful acts, such as torturing and killing people, become better if they are justified by something? For example, by promoting or protecting a supposedly good cause? Everyone will agree that Jack the Ripper was an evil man with perverse tendencies, driven by lust, violence, and madness. In his inhuman actions, however, he was honest and did not act under the pretense of a self-declared higher goal.

But are his actions morally more reprehensible than atrocities allegedly committed in the name of „good“ and „justice“? The dilemma here is that everyone can define „good” or “justice” cause for themselves, or groups can determine this for themselves. Therefore, it is imperative to constantly and thoroughly weigh the own set of values and the resulting course of action, which should always be thoroughly questioned and scrutinized in the context of self-justification. For history shows us that evil wears many masks! It does not always come obviously with horns and flames, but often disguises itself under the cloak of an ideological conviction with a claim to absoluteness.

“Hexenbrand 1486” throws us right into this abyss: It confronts us with the question of whether evil begins where self-justification replaces all moral scrutiny. Where one’s own concept of values is no longer questioned, but defended as dogma, hell is not far away, where fear, guilt and power unite to form a flame and people are burned in it.

Genre: Heavy Rock/Melodic Metal

Release: 24.10.2025

Label: Nauntown Music

Es ist das zweite Album von DREAM LEGACY (Facebook), welches am 24.10.’25 erscheinen wird. Einige Singles sind bereits erschienen und haben gezeigt, dass sich frei in den klassischen Rockgefilden herumtreiben. Mit einer Mischung aus Heavy Rock und Power Metal zeigen sie, dass sie wundervolle Hymnen erschaffen können.

Der Opener „The Anthem Of Surya“ eröffnet das musikalische Fest und offenbart nach den ersten Tönen eine sehr satte kraftvolle Produktion, die an sich schon eine gute Power reinbringt. Die Drums schlagen mächtig durch und die Riffs kommen fett rüber. Als ich die Band das erste Mal hörte, fiel mir direkt Sänger Dustin auf. Er hat eine sehr theatralische Art, die mich teilweise an einen Musicaldarsteller erinnert. Sehr klar im Ausdruck, hochemotional und technisch ausgereift. Die melodischen Gesangslinien beherrscht er sehr gut. Mir klingt er insgesamt etwas zu brav, wenn ich ehrlich bin. Aber das ist reine Geschmacksache. Ich finde, dass er ruhig mehr aus seinem Korsett ausbrechen könnte, um den ganzen mehr Würze zu verpassen. Aber mal abwarten…

Mitten im bisher dramaturgisch klar strukturierten Konzept der ersten Tracks überraschen DREAM LEGACY dann mit einem Song, der aus dem Rahmen fällt; und gerade deshalb hängen bleibt: „Der Kern“ ist nicht nur der einzige deutschsprachige Track, sondern auch kompositorisch ein radikaler Bruch. Statt hymnischer Rockformeln erwartet uns hier ein erzählerisches Fragment, das sich zwischen düsterem Theater und latentem Wahnsinn bewegt.

Sänger Dustin Hönes, bislang eher als emotionaler Erzähler mit musicalhafter Klarheit in Erscheinung getreten, zeigt hier eine völlig neue Facette. Seine Stimme geht in die Tiefe, verliert die glatte Oberfläche und gewinnt an Charakter. Man spürt die Reibung, die Unruhe. (Dabei frage ich mich unweigerlich, wie dieser Vortrag wohl mit einem Rammstein-Riff im Rücken geklungen hätte.)

Mit „Don’t Give Up“ liefert Dream Legacy einen Song, der sich atmosphärisch vom hymnischen Glanz anderer Albumtracks abhebt. Die düstere Grundstimmung, getragen von reduzierten melancholischen Passagen und subtiler Spannung, verleiht dem Stück in seinem Wechselspiel eine fast fragile Intensität. Aber genau darin liegt seine Kraft.

Sänger Dustin Hönes geht hier spürbar mehr aus sich heraus. Seine Stimme wirkt emotional aufgewühlter und es gibt Momente, in dem die glatte Oberfläche bricht und etwas Rohes durchscheint. Damit packt er mich. Unterstützt wird das später durch epische Chöre im Hintergrund, die dem Song eine fast sakrale Tiefe verleihen und ihn über das Persönliche hinaus ins Universelle heben. Das Gitarrensolo ist kurz, prägnant und auf den Punkt: kein ausuferndes Gefrickel, sondern ein gezielter Schlag ins emotionale Zentrum.

„Farewell For How“ startet mit scharfen Riffs und verspricht zunächst eine kraftvolle Rocknummer. Doch die melodisch-emotionalen Zwischenspiele bremsen den Drive spürbar aus. Kontraste sind zweifelsohne ein bewährtes Stilmittel. Doch hier wirken sie für mich eher wie ein stilistischer Widerspruch, der den Song aus dem Tritt bringt. Die düstere Energie des Intros hätte durchgehend getragen werden können. So bleibt „Farewell For Now“ ein Stück mit Potenzial, das sich selbst im Weg steht.

Die Ballade „Immortal Me“ will berühren, doch die Emotionen wirkt auf mich zu Beginn aber recht sperrig und zu kalkuliert. Der Flow wird zunehmend besser und mit dem Einsatz einer intensiveren Instrumentierung kommt der Song dann völlig bei mir an und erzeugt eine Menge Pathos. Da hätte ich mir noch als emotionales I-Tüpfelchen ein schönen emotionalen Gitarrensolo gewünscht.

Gerade die Refrains könnten mehr Wucht vertragen – mehr Kante, mehr Mut zur Unvollkommenheit. Der letzte Track „Hope Will Never Die“ verdeutlicht das: Ein kraftvoller, treibender Song mit starker Botschaft, der jedoch durch die sanfte Tonlage des Gesangs an Wirkung verliert. Erst ab Minute 02:10 bricht Dustin aus – ein Moment, der zeigt, was möglich wäre, wenn er sich häufiger aus dem emotionalen Sicherheitsmodus befreien würde.

Für meinen Geschmack ist Sänger Dustin zu sehr darauf bedacht seine Stimme zu kontrollieren. Viele Gesangslinien gefallen mir super, andere sind mir dann zu dünn und kraftlos, vor allem in den hohen Bereichen. Die Refrains könnten stellenweise mehr Durchschlagskraft gebrauchen. Der letzte Track „Hope Will Never Die“ verdeutlicht das. An sich ein kraftvoller treibender Song, der aber durch die sanfte gesangliche Tonlage zu wenig Power liefert. Ab Minute 02:10 kommt Dustin mal mehr aus sich heraus. Dies könnte man ruhig weiter ausbauen.

Fazit

„Immortal“ ist ein Album, das viel will und oft auch viel erreicht. Die Produktion ist klar, druckvoll und professionell inszeniert. DREAM LEGACY zeigen sich ambitioniert und überzeugen mit Songs, die überwiegend einen hymnenhaften Charakter tragen. Dabei prägt Sänger Dustin Hönes das Klangbild mit einer Stimme, die zwischen musicalhafter Klarheit und erzählerischer Tiefe pendelt und so ein Spannungsfeld erzeugt, das dem Album emotionale Weite verleiht.

Die Arrangements sind harmonisch und auf Wirkung bedacht, insbesondere im Gesang. Doch gerade dort, wo die Band stilistische Experimente wagt, etwa in „Der Kern“. Dort zeigt sich, wie viel Potenzial in Reibung und Grenzauslotung steckt. Diese Momente verleihen dem Album Profil und Tiefe, die über das rein Hymnische hinausgehen.

„Immortal“ ist damit nicht nur ein Statement der Beständigkeit, sondern auch eine Einladung zur Weiterentwicklung. Mehr Mut zur Unruhe, mehr Brüche im Glanz – das könnte Dream Legacy künftig noch spannender machen.

english review

Genre: Heavy Rock/Melodic Metal

Release: 24.10.2025

Label: Nauntown Music

It is the second album from DREAM LEGACY (Facebook), which will be released on 24.10.’25. Several singles have already been released and have shown that they are playing in the classic rock realm. With a mixture of heavy rock and power metal, they show that they can create wonderful anthems.

The opener „The Anthem Of Surya“ opens the musical feast and reveals a very rich, strong production, which in itself brings in a good amount of power. The drums hit hard and the riffs are powerful. When I heard the band for the first time, I immediately noticed singer Dustin. He has a very theatrical technique that sometimes reminds me of a musical performer. Very clear in expression, highly emotional and technically mature. He masters the melodic vocal lines very well. To be honest, he sounds a little too well-behaved for me. But that’s purely a matter of taste. I think he could break out of his corset more to give the whole thing more spice. But we’ll see…

In the middle of the dramaturgically clearly structured concept of the first tracks, DREAM LEGACY then surprise us with a song that is out of the ordinary; and that is precisely why it sticks with us: „Der Kern“ is not only the only German-language track, but also a radical break in terms of composition. Instead of anthemic rock formulas, a narrative fragment awaits us here that moves between dark theater and latent madness.

Singer Dustin Hönes, who has previously appeared more as an emotional narrator with musical clarity, shows a completely new facet here. His voice goes deep, loses the smooth surface and gains character. You can feel the friction, the restlessness. (I can’t help but wonder what this performance would have sounded like with a Rammstein riff).

With „Don’t Give Up“, Dream Legacy delivers a song that stands out atmospherically from the anthemic splendor of other album tracks. The dark basic mood, carried by reduced melancholic passages and subtle tension, lends the piece an almost fragile intensity in its interplay. But this is precisely where its power lies.

Singer Dustin Hönes comes out of his shell noticeably more here. His voice seems more emotionally agitated and there are moments when the smooth surface breaks and something raw shines through. He grabs me with that. This is later supported by epic choirs in the background, which give the song an almost sacred depth and lift it beyond the personal and into the universal. The guitar solo is short, concise and to the point: no excessive fiddling, but a targeted shot into the emotional center.

„Farewell For How“ starts with sharp riffs and initially promises to be a powerful rock number. However, the melodic-emotional interludes noticeably slow down the drive. Contrasts are undoubtedly a tried and tested stylistic device. But here they seem to me more like a stylistic contradiction that throws the song off course. The dark energy of the intro could have been carried throughout. As it is, „Farewell For Now“ remains a song with potential that gets in its own way.

The ballad „Immortal Me“ wants to be touching, but the emotions seem quite unwieldy and too calculated to me at the beginning. The flow gets better and better and with the use of more intense instrumentation, the song really gets to me and creates a lot of pathos. I would have liked a nice emotional guitar solo as the emotional icing on the cake.

For my taste, singer Dustin is too intent on controlling his voice. I really like the vocals, but sometimes they are too thin and weak, especially in the high ranges. So they could use more punch in places. The last track „Hope Will Never Die“ illustrates this. It’s a powerful, driving song in itself, but it doesn’t deliver enough power due to the soft vocal pitch. From minute 02:10, Dustin comes out of his shell more. This could be developed further.

Fazit

„Immortal“ is an album that wants to be huge and often achieves that. The production is clear, powerful and professionally staged. DREAM LEGACY are ambitious and impress with songs that are predominantly anthemic in character. Singer Dustin Hönes shapes the sound with a voice that oscillates between musical clarity and narrative depth, creating a field of tension that lends the album an emotional range.

The arrangements are harmonious and focused on impact, especially in the vocals. But it is precisely where the band dares to experiment stylistically, for example in „Der Kern“. This shows how much potential there is in friction and exploring boundaries. These moments give the album a profile and depth that goes beyond the purely anthemic.

„Immortal“ is therefore not only a statement of consistency, but also an invitation to further development. Exploring boundaries that could sometimes mean dark cracks in the harmonious glow could make DREAM LEGACY even more exciting in the future.