Rammstein – Live in Mexico City

Mexikanische Metal-Fans kennen keine halben Sachen. Sie singen, schreien, springen – und verwandeln Konzerte in kollektive Ausnahmezustände. Für Rammstein ist das keine Nebensache. Als die sechs Deutschen im Foro Sol in Mexiko-Stadt auf die Bühne kommen, treffen sie auf 65.000 Menschen, die jeden Ton kennen und jede Geste erwidern. Hier muss niemand Stimmung erzeugen. Das Publikum liefert sie gleich mit. Genau diese Verbindung zwischen Band und Fans macht RAMMSTEIN – LIVE IN MEXICO CITY zu mehr als einem weiteren Konzertmitschnitt. Drei ausverkaufte Abende – am 1., 2. und 4. Oktober 2022 – bilden die Grundlage des neuen Konzertfilms. 23 Songs führen durch die gesamte Karriere, von „Armee der Tristen“ bis „Te quiero puta!“. Über zwei Stunden lang entfaltet Rammstein jene gigantische Stadioninszenierung, die längst zum Markenzeichen der Band gehört. Schon die nackten Zahlen der Show sind eindrucksvoll: 60 Meter misst die Bühne in der Breite, 30 Meter in der Tiefe und 36 Meter in der Höhe. 265 Crewmitglieder bauen das Spektakel innerhalb von vier Tagen auf. 90 Trucks schleppen 1.350 Tonnen Material heran. 1.070 Scheinwerfer, 586 Einzeleffekte und 36 Nebelmaschinen verwandeln das Stadion in eine gigantische Theatermaschine. Dazu kommen 1.000 Liter Flüssigflammen und 170 LA12X-Verstärker mit einer Gesamtleistung von 2.040.000 Watt.

Regisseur Paul Dugdale musste diese Dimensionen nicht einfach dokumentieren, sondern in Bilder übersetzen. Der vierfach für einen GRAMMY nominierte und zweifache Primetime-Emmy-Gewinner, zu dessen bisherigen Arbeiten The Rolling Stones, Taylor Swift, Elton John und Adele zählen, setzt dafür auf maximale Dynamik. Monumentale Totalen wechseln mit hautnahen Handkamera-Bildern und intimen Nahaufnahmen. Eben noch blickt man aus der Vogelperspektive auf das brennende Stadion, im nächsten Moment steht man direkt vor der Bühne. Die Kamera rückt sogar so dicht an die Musiker heran, dass man Richard Z. Kruspe beim Gitarrenwechsel praktisch über die Schulter schaut. Olsen Involtini, Co-Produzent der letzten beiden Rammstein-Alben, kümmert sich als Audio-Supervisor um die akustische Wucht. Dabei lebt der Film nicht nur von Feuer, Licht und gewaltigen Bühnenaufbauten. Rammstein setzt auf seine stärksten visuellen Höhepunkte: das brennende Herz in „Mein Herz brennt“, den Feuerbogen bei „Du riechst so gut“, die Raketen über dem Stadion bei „Du hast“, die Schaumschlacht von „Pussy“, den überdimensionierten Kinderwagen und das Monsterkind aus „Puppe“ sowie Kochtopf und Flammenwerfer bei „Mein Teil“. Bei „Rammstein“ feuern Rucksack und Gitarren um die Wette. Selbst ein kurzer Schnitt auf ein Kind, das mit seinem Tablet offenbar weit Wichtigeres zu tun hat, lockert die bombastische Inszenierung auf.

Bereits LIVE AUS BERLIN (1999), VÖLKERBALL (2006), RAMMSTEIN IN AMERIKA (2015) und RAMMSTEIN: PARIS (2017) hielten verschiedene Phasen dieser Entwicklung fest. Lateinamerika betrat Rammstein erstmals 1999 während der SEHNSUCHT-Tour. 2022 führte die Stadiontournee die Band erneut dorthin. Zuvor hatte sie in Europa und den USA bereits Millionen Fans erreicht und bis zum Mexiko-Konzert vor mehr als 2,1 Millionen Menschen in 17 Ländern gespielt. Doch Mexiko-Stadt setzt seinen eigenen Akzent. „Ausländer“ liefert den Moment, in dem Richard und Paul sich küssen. „Sonne“ verwandelt das Feuer in ein detonierendes Element. „Ich will“ und „Du hast“ machen aus 65.000 Stimmen einen einzigen Chor. Die eigentliche Größe dieser drei Abende bildet sich deshalb nicht aufgrund von Millionen von Watt oder überbordender Technik. Sie entsteht zwischen sechs Musikern und einem Publikum, das der Band mit derselben Leidenschaft begegnet, die es von der Band bekommt. Darum passt auch der letzte Gruß des Films perfekt: Er gehört den Fans. Nach mehr als zwei Stunden Feuer, Kraft und Herzblut bleibt vor allem diese Verbindung. Mexiko liefert die Energie – Rammstein macht daraus eine Explosion.

Live in Mexico City – Blu-Ray, CD, Vinyl und Fanboxen

Erhältlich sind eine Doppel-CD, eine Blu-ray, eine 4-LP-Vinylbox, eine 4-LP-Box mit farbigem Vinyl, limitiertes White-Label-Vinyl sowie eine großformatige Fotobuch-Edition mit beinahe 300 Seiten. Sie enthält zahlreiche bislang unveröffentlichte Fotografien aus fünf Jahren Stadiontournee sowie eine Doppel-CD und eine Blu-ray. Hinzu kommt eine limitierte Lucha-Libre-Fanbox. Jede Fanbox enthält eine von sechs lebensgroßen Kunstharz-Repliken des Kopfes eines Bandmitglieds. Jede Replik basiert auf einem 3D-Scan und trägt eine maßgefertigte mexikanische Lucha-Libre-Maske. Außerdem enthält jede Fanbox ein Blu-ray-/Doppel-CD-Kombiset.

All das jetzt schon im Pre-Order auf der bandeigenen Homepage.

In eigener Sache

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Verstärkung gesucht

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Wir sind ein Team von rd. 20 Leuten aus dem Raum Duisburg und haben uns die Förderung der harten Klänge durch unsere Berichterstattung zum Ziel gesetzt. Während wir mit Fotografen quantitativ und qualitativ bestens ausgestattet sind, könnten wir bei der schreibenden Zunft Verstärkung vertragen.

Wer daran Interesse hat, unser Team zu verstärken, um News, Reviews und Konzertberichte zu schreiben, kann sich gerne unter post@metal–heads.de melden. Weitere Infos über unsere Organisationsform und was wir bieten und erwarten, bekommst du dann persönlich von uns.

Spaß statt Kohle

Eine wichtige Info aber vorweg: eine Entlohnung in finanzieller Form darfst du bei uns nicht erwarten, dafür aber eine Truppe äußerst cooler Mädels und Jungs !

Feature mit Nicol Hofmanová (STELLVRIS) setzt ein starkes Zeichen im Modern-Metal 2026.

Ein Release, das die Szene bewegt

Mit „Orange Silence“ veröffentlichen GHOSTHER ein neues Video, das die aktuelle Modern-Metal-Landschaft präzise trifft: atmosphärisch, druckvoll, emotional aufgeladen und visuell klar inszeniert. Die Band bleibt ihrem charakteristischen Sound treu – einer Mischung aus melodischer Intensität, modernen Riffs und der unverwechselbaren Stimme von Frontfrau Jenny – und erweitert ihn zugleich um neue, kraftvolle Nuancen.

Der Track ist ein Statement. Kein Zwischenrelease, kein Lückenfüller, sondern ein bewusst gesetzter Akzent in der laufenden Entwicklung der Band. „Orange Silence“ zeigt GHOSTHER als wachsende, fokussierte Formation, die ihre musikalische Vision mit Präzision und Selbstbewusstsein umsetzt.

Das Video: klare Bildsprache, starke Atmosphäre

Die visuelle Umsetzung von „Orange Silence“ folgt einer klaren Linie: reduzierte, aber eindringliche Szenen, eine Farbwelt, die den Titel aufgreift, und eine Inszenierung, die die emotionale Spannung des Songs konsequent trägt. Die Produktion wirkt hochwertig, ohne steril zu werden – ein Balanceakt, den GHOSTHER seit Jahren beherrschen. Die Bildsprache bleibt nah an der Band, nah an der Emotion, nah am Kern des Songs.

GHOSTHER – Orange Silence (feat. Nicol Hofmanová) – Video

Nicol Hofmanová (STELLVRIS): ein Feature mit Gewicht

Mit Nicol Hofmanová holt sich die Band eine Stimme ins Boot, die international für Aufmerksamkeit sorgt. Die STELLVRIS-Frontfrau ergänzt Jenny’s Vocals nicht nur, sie kontrastiert und erweitert sie. Die beiden Sängerinnen schaffen eine Dynamik, die den Song auf ein neues Level hebt: mal harmonisch, mal spannungsgeladen, immer intensiv.

Dieses Feature ist mehr als ein Gastauftritt – es ist ein Zeichen für die Stärke und Vernetzung der modernen Female-Fronted-Metal-Szene. Zwei starke Stimmen, zwei eigenständige Künstlerinnen, ein gemeinsamer Ausdruck.

Musikalische Entwicklung mit klarer Handschrift

„Orange Silence“ zeigt GHOSTHER als Band, die ihren Weg kennt. Die Produktion ist modern, die Komposition durchdacht, die emotionale Wirkung unmittelbar. Der Song fügt sich nahtlos in die aktuelle Phase der Band ein und markiert gleichzeitig einen Schritt nach vorne – musikalisch wie visuell.

Fazit: Ein Song der Bock auf mehr macht

Mit „Orange Silence“ liefern GHOSTHER eine Veröffentlichung, die sowohl Fans als auch Szene-Beobachter überzeugt. Das Video ist stark, das Feature hervorragend gewählt, die musikalische Ausrichtung klar und zeitgemäß. Ein Release, der die Position der Band im modernen Metal weiter festigt – und zeigt, dass GHOSTHER 2026 mit voller Kraft unterwegs sind.

Nützliche GHOSTHER-Links

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Die STELLVARIS-Links

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Zum Jubiläum erfüllt sich die Band einen Traum und ruft zum Abriss in der Westfalenhalle.

Vom Proberaum ins Rampenlicht: Ein Vierteljahrhundert SONDASCHULE

SONDASCHULE machen keine Faxen: Zum 25-jährigen Bandjubiläum hauen die Ruhrpott-Ska-Punker richtig einen raus. Am 11. Dezember 2027 übernehmen sie die legendäre Westfalenhalle Dortmund – und wollen sie in den „MEGA CIRCLE POTT“ verwandeln. Wenn alles läuft wie erhofft, erlebt der Pott an diesem Abend den größten Circle Pit seiner Geschichte.

25 Jahre SONDASCHULE – vom Jugendzentrum in die Westfalenhalle

Ein Vierteljahrhundert Bandgeschichte, das nur eine Richtung kannte: bergauf. Was damals in kleinen Jugendzentren zwischen Mülheim, Oberhausen und Essen begann, ist heute Kult im ganzen Revier. Und jetzt steht der nächste Hammer an: eine eigene Headline-Show in der traditionsreichsten Konzerthalle, die der Pott zu bieten hat.

Für die Band ist das mehr als nur ein Jubiläum. SONDASCHULE haben selbst unzählige Male in der Westfalenhalle gestanden, Bier in der Hand, Augen auf die Bühne, Herz im Takt. Und jetzt – 25 Jahre später – stehen sie selbst da oben. Ein Moment, den man sich schöner kaum ausmalen kann.

„Mega Circle Pott“ – mehr als ein Konzert

Der Titel ist nicht einfach ein Name, sondern eine klare Ansage: Die Westfalenhalle soll zu einem einzigen, gigantischen Circle Pit werden. Keine halben Sachen, kein Rumstehen, kein „Ich guck mal“. Hier wird ein Abend vorbereitet, der musikalisch wie emotional richtig reinknallt.

Und mal ehrlich: Wer SONDASCHULE kennt, weiß, dass die Jungs exzessiv und kompromisslos feiern. Dieses Jubiläum wird kein normales Konzert – das wird ein Abend, über den man im Pott noch lange quatschen wird.

Der Vorverkauf startet jetzt!

Der exklusive Vorverkauf startet heute (26.03.26) um 12Uhr im Bandshop und bei Eventim! Die Support-Bands werden noch bekanntgegeben – und die Latte dürfte hoch liegen. Aber egal, wer am Ende mit auf der Bühne steht: Wer dabei sein will, sollte sich direkt Tickets sichern! Alle nützlichen Links zur Band und zur Veranstaltung findet ihr wie gewohnt weiter unten! Lass´ jucken Kumpel!

Nützliche Sondaschule-Links

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Ralf Richter liest aus Peavys Biographie

Als Bonus zur ursprünglichen Ankündigung wird jetzt noch Ralf Richter dabei sein, der zu Beginn aus Peavys Biographie „Soundchaser – Lebenslänglich Heavy Metal. Mein Leben mit Rage“ lesen wird. Und das lohnt sich auf jeden Fall. Wer das Buch noch nicht kennt, dem sei es hier noch einmal wärmstens empfohlen und auf unser Review hier verwiesen. Auch danach wird Ralf Richter noch weiter mit von der Partie sein und durch den gesamten Abend begleiten.

Orphaned Land mit Orchester

Nicht nur Rage werden zusammen mit dem Orchester spielen, sondern auch Orphaned Land spielen ihre erste Show mit Orchester überhaupt in Europa. Orphaned Land sind mit eine der interessantesten Bands im Heavy Metal Circus und stehen wie kaum eine andere für Toleranz und Völkerverständigung. Und leider scheint das immer wichtiger zu werden. Aber freuen wir uns einfach dass sie dabei sind und wir auch in den Genuss ihrer Orchestershow kommen.

Geoff Tate spielt Operation Mindcrime

Eigentlich sind Orchester Shows mit Rage und Orphaned Land schon mehr als Grund genug. Aber Lucky Bob haben sich gedacht aller guten Dinge sind Drei und haben kurzerhand noch Geoff Tate dazu gepackt, der das legendäre QUEENSRŸCHE Album „OPERATION: MINDCRIME“ in voller Länge aufführen wird. Erschienen 1988 erreichte es Platin in den USA was mehr als eine Millionen Albumverkäufe bedeutet und es gilt zurecht als eines der Alben die den Progressive Rock geprägt haben. Und um die Vorfreude noch zu steigern hier „Eyes Of A Stranger“ performed live beim letztjährigen Rock Hard Festival.

Tri State Corner, Broken Fate und Mission In Black

Mit Tri State Corner, Broken Fate und Mission In Black runden drei weitere Bands aus dem Lucky Bob Kosmos den Abend ab. Und alle drei stehen für hervorragende Live-Shows. Tri State Corner mit Lucky am Mikro begeistern mit ihrem Bouzouki Rock und haben auch schon das Rage Against Racism gerockt. Gleiches gilt für Mission In Black um Frontfrau Steffi Stuber die 2023 dort so begeistert haben, dass der Merch restlos verkauft wurde. Und wer Broken Fate noch nicht gesehen hat, darf sich auf eine ganz böööse Show der Schweizer freuen.

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Tombola für den guten Zweck

„Was mehr als zweimal stattfindet, ist Tradition“, so heißt es im Rheinland. Und nach dieser Sichtweise können wir mit Fug und Recht behaupten, dass die Weihnachtstombola von metal-heads e.V. eine echte Tradition darstellt. Zum wiederholten Mal konnten wir nämlich dank großzügiger Sachspenden die Verlosung zu Gunsten eines guten Zwecks durchführen. So wurden am Samstag, den 24.01.2026 in Duisburg nicht nur viele redaktionelle Dinge besprochen, organisatorische Angelegenheiten geklärt und (vorwiegend) musikalische Pläne geschmiedet, sondern auch Lose an die Redaktionsmitglieder verkauft, um Gewinne an die Frau/an den Mann zu bringen und den Erlös einer gemeinnützigen Organisation zu Gute kommen zu lassen.

Spende an die Musikschule Duisburg

Da wir uns als metal-heads der Musik verpflichtet fühlen und zudem eng mit der Stadt Duisburg verbunden sind, fiel in diesem Jahr die Auswahl zum Erhalt der Spendensumme auf die Musikschule Duisburg. Durch den Losverkauf konnten wir schließlich einen Betrag von 210 € dem Förderverein der Musikschule Duisburg zukommen lassen!!!

Großes Dankeschön

Wir möchten uns an dieser Stelle bei folgenden Firmen für die Beiträge zur Tombola bedanken:

Semper Idem Underberg AG
Starkult
CMM Marketing
Sure Shot Worx
Flying Dolphin Entertainment
HEAD OF PR

Wir hoffen, dass wir niemanden in der Aufzählung vergessen haben (ansonsten entschuldigen wir uns vorsorglich hier schon einmal ) und dürfen schon jetzt darauf hinweisen, dass wir natürlich auch für dieses Jahr die Tradition fortsetzen werden und uns über Spenden für den guten Zweck immer sehr freuen!!!

Kadavar verbinden alt und neu

Los geht es mit einem metallisch-doomigen Riff und dann dröhnt „Lies“ herrlich rockig-psychedelisch aus den Boxen. Verdammt starker Auftakt. „Heartache“ dann zeigt, dass das neue Album eine direkte Fortführung von „I Just Want To Be A Sound“ ist, denn da hätte dieser Song auch problemlos einen Platz gefunden. Ich mag das, zeigt es doch wie vielfältig das Kadavar Universum ist. „Explosions In The Sky“ fragt zurecht was zurzeit in der Welt abgeht und baut mit viel Fuzz die Brücke zu den Anfängen von Kadavar. „The Corner of E 2 & Robert Martinez“ ist nur ein kurzes hörspielartiges Zwischenstück was ich im Kontext der Platte aber sehr mag und leitet über in „Stick It“ welches eher fröhlich-rockig rüberkommt und sehr gut zum neu etablierten Sound passt.

Kadavar sind einfach vielfältig gut

„You Me Apocalypse“ ist erst einmal ein grandioser Titel und klingt wie die frühen Kadavar. Aber jetzt als Quartett und relaxter, einfach in sich ruhend. Ich persönlich bin ein Fan von Intros bei Songs und so mag ich auch „The Children“ was eben mit singenden Kindern beginnt und dann in einem Song mündet der sich nicht um Genregrenzen schert und einfach überzeugt. Und ja, vielleicht sollten wir alle wieder etwas von der kindlichen Unbekümmertheit zurückgewinnen: „Children keep on seeking, they don’t mind if they fall„. Der Titeltrack „K.A.D.A.V.A.R“ bringt wieder viele Elemente zusammen: Fette Riffs, psychedelische- krautrockige Atmosphäre und metallisch-rockige Attitüde. Gefällt mir sehr gut. Zum Ende wartet dann die größte Überraschung mit „Total Annihilation“. Was für ein Brett! 80er Thrash Metal made in Germany lässt grüßen. Der wohl härteste Song im Kadavar Universum und auch live ein absoluter Kracher, wie ich zum Glück schon erleben durfte. Ich bin überrascht aber auch happy was Kadavar uns dieses Jahr beschert haben. Zwei Alben die für sich genommen großartig sind, aber auch verschieden sind. Jedoch ohne sich zu negieren. Ganz im Gegenteil, so baut „Kids Abandoning Destiny Among Vanity And Ruin“ auf „I Just Want To Be A Sound“ auf und führt dieses nahtlos fort. Das eine kann ohne das andere nicht existieren. Und wie ich gehört habe, soll schon bald Album Nummer Drei folgen und die Reise fortführen. Ich bin gespannt und kann es kaum erwarten.

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Mehr zu Kadavar gibt es auf der Homepage oder bei Facebook. Natürlich gibt es noch viele weitere News, Reviews und Live-Berichte aus der Szene der harten Töne bei uns. Um ja nichts zu verpassen, abonniert ihr am besten unseren kostenlosen Newsletter oder folgt uns bei Facebook. Die besten Bilder findet ihr dann bei Instagram und unser YouTube Channel hält schon jetzt einiges bereit. Schaut mal rein.

Genre: Heavy Metal

Release: 31.10.’25

Label: Fetzner Death Records

TALES OF MIKE (Facebook) ist ein Projekt, dass seinen Ursprung in einer tragischen Geschichte hat. Es war der Verlust des Bruders von Michael „Mike“ Heß, Gründer und Mastermind von TALES OF MIKE. Wir empfehlen euch unser Review von der ersten EP „Lands Of Sorrow“ durchzulesen, um gewisse Hintergründe zu erfahren, die helfen, das ganze Projekt besser zu verstehen. Es ist ein extrem persönliches Unterfangen, welches auf eigenen Lebenserfahrungen basiert.

Diese persönliche Emotionalität, welche das ganze Album prägt, wird noch intensiver, wenn man bedenkt, dass die Lyrics wieder von Tochter Shannon Heß verfasst wurden. Ich bewundere die innige Bindung zwischen Vater und Tochter, denn ohne diese wäre eine solches Unterfangen wohl nicht möglich. Die lyrischen tiefgründigen und symbolträchtigen Texte sind Zeugnis davon und machen dieses ganze Thema noch viel greifbarer.

„Nevermore“

ist der Opener nach dem interessant gestalteten Intro „Nomen Est Omen“ und setzt direkt ein deutliches Statement: TALES OF MIKE lassen sich Zeit, um Spannung aufzubauen. Der über einminütige Instrumentalauftakt ist kein bloßes Vorspiel, sondern ein gezielter Aufbau, wo fetzige Gitarrenriffs wie dunkle Blitze durch den Nebel schneiden. Der Bass pulsiert druckvoll darunter, während die Drums zunächst ein marschartiges Tempo vorgeben, das sich bald in ein treibendes Gewitter verwandelt.

Gesanglich liefert Gonzalo Civita eine volle Breitseite: Mit scharfer Melodieführung und einem schmutzigen Timbre bringt er die Lyrics von Shannon Heß mit glaubwürdiger Wucht rüber. Es ist kein glattpolierter Gesang, sondern einer, der kratzt, beißt und lebt. Das passt zu der vorherrschenden düsteren Grundstimmung des Albums. Die Zeile „Nevermore“ wird nicht einfach gesungen, sie wird ausgestoßen wie ein innerer Schwur, womit die Message des Songs quasi unwiderruflich ist und keinen Widerspruch zulässt. „Aufgeben ist keine Option!“ Lasst euch nicht von negativen Dingen bzw. Menschen runterkriegen. Nehmt den Kampf auf, seid stark und lasst sie nicht in eure Herzen.

Das verspielte Gitarrensolo in „Nevermore“ bekommt ein ganz eigenes Kapitel im Song. Henrik Schaller setzt hier nicht nur auf Geschwindigkeit, sondern auf emotionale Nuancierung. Es ist ein Solo, das nicht nur zeigt, was die Finger können, sondern was das Herz fühlt.

Die Gier

Der dritte Track „Money Tree“ ist ein echter Adrenalinschub, Thrash-Metal-Vibes inklusive. Mit hohem Grundtempo und energetischem Drive prescht der Song nach vorn, als wolle er sämtliche Maskeraden der Menschheit niederreißen. Die Gitarren sägen, die Drums peitschen, der Bass rollt wie ein Panzer durch die Strophen. Die Stimme von Gonzalo geht wirklich durch Mark und Bein. Seine Stimme ist roh, intensiv, fast gequält, als würde er die Gier persönlich aus seinem Innersten herausbrüllen. Hier wird die unermessliche Gier nach Geld und damit nach Macht als Wurzel vielen Übels als toxisches Gift im weltumfassenden Kollektiv an den Pranger gestellt. Es ist eine bitterböse, fast satirische Abrechnung mit Konsum, Kapitalismus und sozialer Entfremdung.

Ein hässlicher Maskenball

„Human Masquerade“ ist kein Song, der bittet….er fordert! Es ist eine gnadenlose Abrechnung mit all jenen, die sich hinter freundlichen Fassaden verstecken, nur um irgendwann ihr fieses, wahres Gesicht zu zeigen. Die Welt, so scheint es, ist oft ein hässlicher Maskenball. Und TALES OF MIKE reißen die Masken herunter, ohne Rücksicht.

Der Song lebt von Wut und Enttäuschung, aber auch von Klarheit. Die Lyrics von Shannon Heß treffen ins Schwarze: Sie benennen den Neid und die Missgunst im Menschen, selbst sogar in denen, die man einst als Freunde betrachtete. Es ist diese Erkenntnis, die dem Song seine kompromisslose Stringenz verleiht: Kein Platz für Verklärung, kein Raum für Versöhnung, nur der Hammer der Wahrheit und Erkenntnis, der im Chorus mit voller Wucht ausholt und die Masken zerschlägt. Wer schon ein wenig lebensälter ist, der wird solche Erfahrungen sicherlich auch schon gemacht haben. Wahre Freunde findet man selten! Deswegen sind so verdammt wertvoll!

Abgründe und Hoffnung

Wenn ich mich an die erste Single „Landscape Of Sorrow“ erinnere, dann habe ich einen sehr düsteren doomigen Song im Kopf. Mit diesem Song fing alles an. „Ancient Mirror“ ist eine Rückbesinnung darauf. Gonzalo Civita taucht hier gesanglich in die tiefsten Untiefen ein: Seine Stimme ist nicht nur Ausdruck, sondern Instrument der Dunkelheit. Mal flüstert sie wie ein Echo aus der Vergangenheit, mal brüllt sie wie ein Dämon, der sich aus dem Spiegel erhebt. Es ist eine Performance, die nicht nur transportiert, sondern konfrontiert. Der Song bewegt sich einem dunklen Meer von Gothic, Doom und psychologischem Horror.

Die Lyrics erinnern mich an das Märchenmotiv von Schneewittchen auf, doch statt Schönheit zu preisen, zeigt der Spiegel hier Sünde, Täuschung und Verfall. Der Refrain wirkt wie ein beschwörender Zauberspruch, der die Dämonen auf dem Maskenball entlarvt.

Das Gitarrensolo ist erneut ein erzählerisches Element – kein Fremdkörper, sondern Teil der Dramaturgie. Zu Beginn klingt es wie Schreie aus dem Untergrund, dissonant, gequält, fast geisterhaft. Doch dann wandelt es sich: Die Töne werden melodischer, fast versöhnlich, aber ohne das Drama zu verlieren.

Die Zeit läuft

„Hourglass“ ist der unerwartete Hoffnungsschimmer auf „Human“. Ein Song, der mit einer Prügelorgie beginnt, als wolle er die Welt in Stücke reißen, nur um dann in eine groovige Leichtigkeit zu kippen, die überrascht und berührt. Der abrupte Stimmungswechsel ist kein Bruch, sondern eine bewusste Perspektivänderung: Die Zeit läuft ab, aber du kannst entscheiden, wie du sie nutzt, auch wenn es das Schicksal mal nicht gut mir dir meint.

Beim Solo lässt Henrik einfach die Sau raus, ohne Rücksicht auf Verluste werden die Saiten zum glühen gebracht und lassen den Song brennen. Es ist ein Moment der Befreiung, der den Song nicht nur musikalisch, sondern auch thematisch zum Brennen bringt.

„Abandoned“ ist ein monolithischer Brocken auf „Human“. Die dämonische Dunkelheit, die bereits in „Ancient Mirror“ spürbar war, kehrt hier wieder zurück. Über sechs Minuten lang, hochatmosphärisch, tiefschwarz; eine Mischung aus existenziellem Schmerz, Verlassenheit und radikaler Selbstkonfrontation. Es ist eine Mahnung, dass man sich in schlechten Zeiten nicht derart im Strudel der Verbitterung verliert, weshalb man nicht mehr zwischen Freund und Feind unterscheidet und alles um einen herum „tötet“. Dies führt letztlich zu einer Isolation und damit zur Selbstzerstörung.

Gonzalo Civita spielt mit seinen Vocals wie ein Schauspieler mit zwei Rollen. In den tiefen, gequälten Passagen klingt er wie ein verlorener Geist, der durch die Schatten irrt, doch dann wechseln die Farben: klarere, fast hymnische Linien brechen durch, als würde ein Lichtstrahl den Nebel durchdringen. Es ist wie eine Erlösung, aber nicht triumphal, sondern fragil und flüchtig.

Der Dunkelheit entfliehen

Der letzte Track „Swan Song“ scheint, als ob er der Dunkelheit entfliehen will. Er klingt entschlossen, dabei ganz und gar nicht resignierend oder bedrückend. Es finden sich auflockernde Harmonien im Song, wie z.B. der einfühlsame Refrain, der ohne Verbitterung das Ende einer Reise beschreibt. Was zu sagen war, wurde gesagt! Man hat mit den bösen Geistern der Vergangenheit abgeschlossen und sie begraben. Doch sollte man Vergangenes nicht komplett vergessen, vielmehr aus ihr lernen. So erzeugt der Song mehr eine Aufbruchstimmung, einen Neubeginn.

Fazit

Mit „Human“ legen TALES OF MIKE ein kompromissloses Konzeptalbum vor, das sich durch düstere Klanglandschaften, lyrische Tiefenschärfe und eine klare narrative Struktur auszeichnet. Die Songs kreisen um Themen wie Täuschung, Selbstverlust, Vergänglichkeit und Erlösung. Dementsprechend herrscht eine düstere Grundstimmung vor, aber das Album lässt den Hörer nicht hoffnungslos zurück.

Die Mischung aus unheimlichem Doom und schnellen wütenden Metal-Attacken in Verbindung mit psychologischem Horror bringt schonungslose Wahrheiten ans Licht. Jedoch lässt das Album den Hörer nicht verloren in der Dunkelheit zurück. „Human“ ist eine emotionale Herausforderung!

english review

Genre: Heavy Metal

Release: 31.10.’25

Label: Fetzner Death Records

TALES OF MIKE (Facebook) is a project that has its origins in a tragic story. It was the loss of the brother of Michael “Mike” Hess, founder and mastermind of TALES OF MIKE. We recommend reading our review of the first EP, “Lands Of Sorrow,” to learn more about the background of the project and better understand it. It is an extremely personal endeavor based on personal life experiences.

This personal emotionality, which characterizes the entire album, becomes even more intense when you consider that the lyrics were once again written by his daughter Shannon Hess. I admire the close bond between father and daughter, because without it, such an undertaking would probably not be possible. The lyrical, profound, and symbolic texts are testimony to this and make the whole theme even more tangible.

„Nevermore“

is the opener after the interestingly designed intro “Nomen Est Omen” and makes a clear statement right from the start: TALES OF MIKE take their time to build up tension. The instrumental intro, which lasts over a minute, is not just a prelude, but a deliberate build-up, where rousing guitar riffs cut through the fog like dark flashes of lightning. The bass pulsates powerfully underneath, while the drums initially set a march-like tempo that soon turns into a driving thunderstorm.

Vocally, Gonzalo Civita delivers a full broadside: with sharp melodies and a dirty timbre, he conveys Shannon Hess‘ lyrics with credible force. It’s not smooth, polished singing, but rather singing that scratches, bites, and lives. This fits in well with the prevailing dark mood of the album. The line “Nevermore” is not simply sung, it is uttered like an inner vow, making the message of the song virtually irrevocable and leaving no room for contradiction. “Giving up is not an option!” Don’t let negative things or people get you down. Take up the fight, be strong, and don’t let them into your heart.

The playful guitar solo in “Nevermore” gets its own chapter in the song. Henrik Schaller focuses not only on speed, but also on emotional nuance. It is a solo that shows not only what the fingers can do, but also what the heart feels.

Greed

The third track, “Money Tree”, is a real adrenaline rush, complete with thrash metal vibes. With a fast tempo and energetic drive, the song rushes forward as if it wants to tear down all of humanity’s masquerades. The guitars saw, the drums whip, the bass rolls through the verses like a tank. Gonzalo’s voice really pierces you to the core. His voice is raw, intense, almost tortured, as if he were personally roaring greed from the depths of his soul. Here, the immeasurable greed for money and thus for power is pilloried as the root of many evils, as a toxic poison in the global collective. It is a bitterly angry, almost satirical reckoning with consumerism, capitalism, and social alienation.

horror masquerade

„Human Masquerade“ is not a song that asks for ….! It is a merciless reckoning with all those who hide behind friendly facades, only to show their nasty, true face at some point. The world, it seems, is often a horror masquerade. And TALES OF MIKE tear down the masks, regardless.

The song thrives on anger and disappointment, but also on clarity. Shannon Hess‘ lyrics hit the nail on the head: they name the envy and resentment in people, even in those who were once considered friends. It is this realization that gives the song its uncompromising stringency: no room for idealization, no room for reconciliation, only the hammer of truth and insight, which swings with full force in the chorus and smashes the masks. Anyone who is a little older will certainly have had such experiences. True friends are rare! That’s why they are so damn valuable!

Abysses and hope

When I think back to the first single „Landscape Of Sorrow“, I remember a very dark, doom-laden song. That song started it all. “Ancient Mirror” is a return to that. Gonzalo Civita dives into the deepest depths vocally here: his voice is not only an expression, but an instrument of darkness. Sometimes it whispers like an echo from the past, sometimes it roars like a demon rising from the mirror. It is a performance that not only transports, but confronts. The song moves through a dark sea of gothic, doom, and psychological horror.

The lyrics remind me of the fairy tale motif of Snow White, but instead of praising beauty, the mirror here reveals sin, deception, and decay. The chorus seems like an incantation that exposes the demons at the masquerade.

The guitar solo is once again a narrative element—not a foreign body, but part of the dramaturgy. At first, it sounds like cries from underground, dissonant, tortured, almost ghostly. But then it changes: the notes become more melodic, almost conciliatory, but without losing the drama.

The clock is ticking

“Hourglass” is the unexpected ray of hope on “Human”. A song that begins with a barrage of blows, as if it wants to tear the world apart, only to then tip into a groovy lightness that surprises and moves you. The abrupt change in mood is not a break, but a conscious change of perspective: time is running out, but you can decide how to use it, even if fate is not kind to you.

During the solo, Henrik simply lets loose, playing the strings with abandon and setting the song on fire. It is a moment of liberation that sets the song ablaze, not only musically but also thematically.

“Abandoned” is a monolithic chunk on “Human.” The demonic darkness that was already palpable in “Ancient Mirror” returns here. Over six minutes long, highly atmospheric, pitch black; a mixture of existential pain, abandonment, and radical self-confrontation. It is a warning not to lose oneself in the vortex of bitterness in bad times, which blurs the distinction between friend and foe and causes one to “kill” everything around them. This ultimately leads to isolation and thus to self-destruction.

Gonzalo Civita plays with his vocals like an actor playing two roles. In the deep, tormented passages, he sounds like a lost spirit wandering through the shadows, but then the colors change: clearer, almost hymnal lines break through, as if a ray of light were piercing the fog. It is like redemption, but not triumphant, rather fragile and fleeting.

Escaping the darkness

The last track, “Swan Song”, seems as if it wants to escape the darkness. It sounds determined, yet not at all resigned or depressing. There are lighthearted harmonies in the song, such as the sensitive chorus, which describes the end of a journey without bitterness. What needed to be said has been said! The evil spirits of the past have been dealt with and buried. But we should not completely forget the past; rather, we should learn from it. Thus, the song creates more of a spirit of optimism, a new beginning.

Conclusion

With “Human,” TALES OF MIKE presents an uncompromising concept album characterized by dark soundscapes, lyrical depth, and a clear narrative structure. The songs revolve around themes such as deception, loss of self, transience, and redemption. Accordingly, a dark mood prevails, but the album does not leave the listener feeling hopeless.

The mixture of eerie doom and fast, furious metal attacks combined with psychological horror brings relentless truths to light. However, the album does not leave the listener lost in darkness. “Human” is an emotional challenge!

Genre: Horror Punk Rock

Release: 31.10.2025

Label: Fiend Force Records

THE OTHER (Facebook) kehren nach fünf Jahren Pause mit ihrem Album „Alienated“ zurück. Als Horror-Punk-Band natürlich stilecht zu Halloween am 31.Oktober. Frisches Blut und auch die Rückkehr von Gründungsmitglied Andy Only wollen den Spirit der 80’er wieder aufleben lassen. Es ist oft eine spannende Geschichte, wenn Retrosound im modernem Sound-Gewand gekleidet einen zeitgemäßen Auftritt hinlegt. Vom Albumtitel „Alienated“ lässt sich ableiten, dass in den Songs um Verlorenheit bzw. Entfremdung in seinem Gesamtkontext geht.

Die erste Single „I Give You Creeps“ ist ein unfassbar starker Ohrwurm, der einem gar nicht mehr aus dem Kopf geht. Wunderbar eingängig ohne schmalzig oder kitschig zu wirken. Er entfesselt einfach ein erhebendes belebendes Gefühl mit einem kleinen Spritzer eingängiger hypnotischer Melancholie. Ausgezeichnete Melodieführung, die durch einen fabelhaften Gesang begleitet wird. Rod Usher phrasiert mit einem faszinierenden Charme, was den Song zwischen Bedrohung und Euphorie schweben lässt. Man kann gar nicht anders, als mitzusingen und den Song immer wieder und wieder von vorne erklingen zu lassen.

Ohrwürmer sind wirklich das Ding für THE OTHER.

Davon gibt es etliche auf dem Album und sie sind perfekt geeignet für Live-Gigs. Schon der Opener „Hellfire“ zündet und stimmt den Hörer standesgemäß auf die Horror-Punk-Party ein. Mit ‚Hier Sein‘ beweisen THE OTHER erneut, dass sie auch in ihrer Muttersprache glänzen. Dabei fragt man sich, warum es immer traditionell nur bei einem Song in deutscher Sprache bleibt. Gerade diese Stücke haben das Potenzial, die emotionale Wucht ihrer Musik noch direkter zu transportieren. Ein Ausbau dieser Tradition würde niemanden enttäuschen. Ganz im Gegenteil! Es könnte die Band noch unverwechselbarer machen.

Auf der Hälfte des Albums gönnen THE OTHER uns die Ballade „In The End„, dem thematisch düstersten Auftritt auf „Alienated“. Inhaltlich erzählt der Song von dem Tod, der Menschen am Sterbebett begleitet, ohne ihnen verraten zu dürfen, was kommt. Damit offenbaren THE OTHER, dass sie mehr als Horror-Punk-Partygaranten produzieren können. Die Ballade ist ein emotionaler Höhepunkt voller traumhaft melancholischer Melodien und Gesangslinien. Rod brilliert hier mit einer versöhnlichen Wärme. Ein Song, der zu Herzen geht.

Ein gehaltvoller Stimmungscoctail!

Wo meistens die Melancholie in den Songs von THE OTHER mitschwingt, so wird man diese bei der Gute-Laune-Nummer „Witch From Outa Space“ vergeblich suchen. Swingende Rhythmen, federnde Gitarren und ein fast tanzbarer Groove prägen das Geschehen. Der Song nimmt sich nicht zu ernst. THE OTHER sorgen mit einem Rockabilly-Augenzwinkern für ausgelassene Stimmung. Der Song versprüht Leichtigkeit und besonderen Charme, ohne ins Banale abzurutschen und unterstreicht damit die Vielseitigkeit einer Band.

Den Geist der 80’er Jahre wird ganz direkt mit dem Song „A Ghost From The 80s“ heraufbeschworen, der ebenfalls zu den ganz großen Highlights des Albums zählt. Es ist eine Hommage an die Teenie-Gruselklassiker der Videotheken-Ära. Mit Wave-Atmosphäre, 80s-Keyboards und einer kreativ amüsanten Story gelingt THE OTHER ein Song, der Horror-Punk mit Popkultur verschmilzt und dabei gleichermaßen charmant wie hymnisch wirkt.

Fazit

Mit „Alienated“ liefern THE OTHER ein Album, das Entfremdung in Energie verwandelt. Hymnische Ohrwürmer wie „I Give You The Creeps“ oder der Opener „Hellfire“ sind wie gemacht für die Bühne, während die Ballade „In The End“ beweist, dass die Band auch im leiseren Stil emotionale Hits schreiben kann. Mit dem augenzwinkernden Rockabilly-Ausflug ‚Witch From Outa Space‘ erweitern sie ihr Spektrum, ohne ihre Horror-Punk-Wurzeln zu verleugnen. So entsteht ein Werk, das gleichermaßen nostalgisch wie frisch wirkt. Es ist ein Manifest des Andersseins, das THE OTHER als vielseitiger und lebendiger denn je zeigt.

english review

Genre: Horror Punk

Release: 31.10.2025

Label: Fiend Force Records

THE OTHER (Facebook) are returning after a five-year hiatus with their album “Alienated„. As a horror punk band, they are naturally releasing it in style on Halloween, October 31. Fresh blood and the return of founding member Andy Only aim to revive the spirit of the 80s. It is often an exciting story when retro sound, dressed in modern garb, makes a contemporary appearance. From the album title “Alienated,” it can be deduced that the songs are about lostness or alienation in their overall context.

The first single, “I Give You Creeps,” is an incredibly catchy tune that sticks in your head. It’s wonderfully catchy without being cheesy or corny. It simply unleashes an uplifting, invigorating feeling with a dash of catchy, hypnotic melancholy. Excellent melody accompanied by fabulous vocals. Rod Usher phrases with a fascinating charm, which leaves the song hovering between menace and euphoria. You can’t help but sing along and play the song over and over again.

Earworms are truly the thing for THE OTHER.

There are quite a few of these on the album, and they are perfect for live gigs. The opener “Hellfire” sets the tone and gets the listener in the mood for the horror punk party. With “Hier Sein,” THE OTHER prove once again that they also shine in their native language. This makes you wonder why they traditionally only ever include one song in German. These songs in particular have the potential to convey the emotional power of their music even more directly. Expanding on this tradition would not disappoint anyone. Quite the contrary! It could make the band even more distinctive.

Halfway through the album, THE OTHER treat us to the ballad “In The End„, the darkest track on “Alienated” in terms of subject matter. The song tells the story of death accompanying people on their deathbeds without being allowed to tell them what is coming. With this song, THE OTHER reveal that they are capable of producing more than just horror punk party anthems. The ballad is an emotional highlight full of dreamy, melancholic melodies and vocal lines. Rod shines here with a conciliatory warmth. A song that touches the heart.

An entertaining atmospheric cocktail!

While melancholy usually resonates in THE OTHER’s songs, you’ll search in vain for it in the upbeat number “Witch From Outa Space„.Swinging rhythms, bouncy guitars, and an almost danceable groove characterize the song. It doesn’t take itself too seriously. THE OTHER create an exuberant mood with a rockabilly wink. The song exudes lightness and a special charm without slipping into banality, thus underlining the versatility of the band.

The spirit of the 80s is evoked directly with the song “A Ghost From The 80s”, which is also one of the album’s biggest highlights. It is a tribute to the teen horror classics of the video store era. With a wave atmosphere, 80s keyboards, and a creatively amusing story, THE OTHER has succeeded in creating a song that blends horror punk with pop culture and is both charming and anthemic.

Conclusion

With “Alienated,” THE OTHER deliver an album that transforms alienation into energy. Anthemic earworms like “I Give You The Creeps” and the opener ‘Hellfire’ are tailor-made for the stage, while the ballad “In The End” proves that the band can also write emotional hits in a calmer style. With the tongue-in-cheek rockabilly excursion “Witch From Outa Space,” they expand their spectrum without denying their horror punk roots. The result is a work that feels both nostalgic and fresh. It is a manifesto of otherness that shows THE OTHER to be more versatile and vibrant than ever.

Surrender The Crown

Kompromissloser Heavy Rock sympathisch präsentiert, so könnte man es auf einen Nenner bringen. Aber das fasst es doch nicht ganz. Auf jeden Fall hat es nicht nur uns Spaß gemacht. Die Menge im Kubana ging gut mit und feierte die Band ab. Highlight war natürlich als Rage Drummer Lucky bei einem der Songs als Gastsänger auf die Bühne kam. Das neue Album „Travails“ erscheint am 18. Oktober 2025 und Fans des Genre können da bedenkenlos zugreifen. Hier und heute haben Surrender The Crown definitiv überzeugt.

Mission In Black

Wer Mission In Black noch nicht kannte, war mit Sicherheit überrascht als Frontfrau Steffi mit ihren brutalen Growls loslegte. Aber auch wenn die Band damit ein wenig aus dem Rahmen fiel, wussten sie das Kubana schnell auf ihre Seite zu ziehen. Tight und voller Energie und ansatzlosen Wechsel zwischen Klargesang und tiefen Growls rockten Mission In Black die Bühne und begeisterten hier und heute alle.

Rage legen furios los

Angesagt von Ralf Richter legten Rage nach einem kurzen Intro furios los. „Innovation“ vom aktuellen Album ist wie erwartet ein richtiger Live Kracher und legte den Grundstein für eine tolle Show. Peavy, Jean und Lucky hatten beste Laune und versprühten Spielfreude ohne Ende. Nicht anders war es im Publikum. Das Kubana nahm die Energie von der Bühne auf und gab sie verstärkt zurück. Alte und neue Songs wurden begeistert abgefeiert. Klassiker wie „Don’t Fear The Winter“ und natürlich „Higher Than The Sky“ wurden aus voller Kehle mitgesungen und waren wie immer ein Highlight. Auch wenn ich Rage jetzt seit über dreißig live verfolge, bin ich jedes Mal aufs Neue begeistert. Und ich sage es immer wieder gerne: Rage in diesem Line-Up sind einfach der Hammer!

Rage – die Fotos

Mission In Black – die Fotos

Surrender The Crown – die Fotos

In eigener Sache

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