Genre: Melodic Death Metal

Release: 21.02.2025

Label: Bleeding Nose Records

Ist schon ein Weilchen her, dass ich von NACHTSCHATTEN etwas gehört habe. Es war im Jahr 2020, als ich die EP „Leuchtfeuer“ rezensierte (Review). Doch jetzt melden sie sich wieder zurück und haben bereits einige Singles veröffentlicht. Die Besonderheit an NACHTSCHATTEN ist, dass sie deutschsprachigen Melodic Death Metal machen.

NACHTSCHATTEN sind für ihren knallharten Sound bekannt, dessen Strukturen nicht immer super eingängig ins Ohr gehen. Es ist ein Sound mit Ecken und Kanten, sowie einer rohen groben Textur. Die Songtexte haben Niveau und es lohnt sich durchaus dem Inhalt des Konzeptalbums Aufmerksamkeit zu schenken. Ich zitiere mal aus dem Pressetext:

Elf Songs, verteilt auf fünf Akte, entwickeln die tragische Geschichte des Falls und Wiederaufstiegs der Göttin Polaris. Folgt ihren Jüngern auf dem eisigen Pfad durch ein Labyrinth aus Verblendung, Flucht, Zweifel und Verlust. Jeder Song ist ein Kapitel, musikalisch inszeniert und ausgearbeitet, um den Hörer immer tiefer in den Bann dieses eindringlichen Dramas zu ziehen. POLARIS ist die Geschichte von grenzenloser Macht, die sich aus Hoffnung und Furcht schürt, es ist die Erzählung von blinder Liebe und brennendem Hass und nicht zuletzt ist es die Reise in die Abgründe der menschlichen Seele.

Die Songstrukturen kann man als komplex bezeichnen und der Sound nimmt im Zuge dessen monumentale Ausmaße an. Es passiert allerlei in der musikalischen Geschichte von „Polaris“. Nach wie vor sind die finsteren Vocals von Daniel einwandfrei zu verstehen, so dass man der Geschichte ohne Probleme folgen kann. Das ist ein großer Pluspunkt. Cleaner Gesang ist weiterhin (fast) nicht zu finden. Wie eindrucksvoll und mächtig die neuen Songs klingen, wird umgehend beim Opener „Mutter der Galaxie“ herausgestellt.

Dabei hat man am grundlegenden Soundkonzept nichts geändert, aber sehr wohl an manchen Stellschrauben gedreht und justiert. Der Sound ist mit mehr Feinheiten ausgestattet worden, so dass die einzelnen Songs stärker individuelle Charakteristika aufweisen. Ich empfinde ebenfalls, dass die Komponenten im Sound besser aufeinander abgestimmt sind, was mir trotz der harten Ausrichtung ein harmonischeres Hörgefühl beschert. Der Gesang ist variabler aus ausdrucksstärker geworden und die Refrains sind besser herausgearbeitet.

NACHTSCHATTEN drücken eigentlich nicht so sehr auf’s Tempo, aber „Eden“ legt schon ein gutes Tempo vor. Ein Song mit einem komplexen Aufbau, was für viele musikalische Eindrücke sorgt. Und daran hat die Band wirklich gut gearbeitet. Man ist progressiver geworden. „Herz“ kann z.B. mit einem außergewöhnlichen Instrumentalpart aufwarten. Genau passend schließt sich kurze Zwischenspiel „Niedergang“ an, dass einen schönen atmosphärischen Akzent setzt.

Dann folgt ein echtes Highlight mit dem Song mit dem Song „Ablass“. Brettharte Riffs treffen auf lebendige Drums und orchestrale Klänge sorgen für die atmosphärische Tiefe. Der äußerst kraftvolle Chorus ist umwerfend und auch sonst haben NACHTSCHATTEN mit starken Ideen nicht gegeizt. So hat mir der Part ab Minute 02:50 sehr gut gefallen, der zunächst die Vehemenz rausnimmt, aber immer noch eine unheilvolle Stimmungs erzeugt. Nach und nach wird es wieder intensiver, bis der Song wieder mit voller Wucht zuschlägt.

Die zweite Hälfte des Albums hält das Niveau und die Spannung aufrecht. „Verehrung“ startet relaxed mit einer akustischen Gitarre, bevor der eindringlich harte Sound wieder Einzug erhält. Der Song ist aber zwischendurch mit schönen melodischen Momenten gespickt. „Purpur“ tritt weiterhin martialisch auf und kommt noch aggressiver daher.

Anschließend folgt mit dem Song „Spuren“ der wohl ungewöhnlichste Song auf dem Album. Mit einer überraschend ruhigen Darbietung geht man hier einen ganz anderen Weg. Dies betrifft auch die Vocals. Hier werden zum Teil Textzeilen in cleaner Form erzählerisch dargeboten. Die Ruhe wird ab und an mit markigen Ausbrüchen unterbrochen. Klingt interessant, allerdings konnte ich persönlich mit diesem Song irgendwie nicht so ganz warm werden.

„Im Eis“ lässt es wieder krachen und NACHTSCHATTEN bestechen mit ihrem brachialen düsteren Sound. Es brodelt dem Untergang entgegen. Mit erbarmungslose Härte nimmt die Geschichte ihren Lauf. „Polaris“ trägt das Finale zunächst in stürmischen Gewässern aus. Doch der Song erfährt eine Wandlung und zum Ende der zweiten Minute beginnt der Übergang in einen ergreifenden Part, der als episches Ende noch mal einen Höhepunkt setzt, wozu auch die wundervolle melodische Gitarrenarbeit beiträgt.

Fazit

NACHTSCHATTEN begeistern auf „Polaris“ mit einer großen Geschichte, die mit großartigen Songs erzählt wird. Die niveauvollen deutschen Texte, welche ausdrucksstark dargeboten werden, sind ein charakteristisches Feature, das man nicht oft in diesem Genre findet. Es ist ein Sound mit Ecken und Kanten, sowie einer rohen groben Textur. Die Band hat sich in allen Bereichen weiterentwickelt. Dies betrifft sowohl das aufregende komplexe Songwriting, als auch die anspruchsvolle technische Umsetzung des Ganzen.

english review

Genre: Melodic Death Metal

Release: 21.02.2025

Label: Bleeding Nose Records

It’s been a while since I’ve heard from NACHTSCHATTEN. It was in 2020 when I reviewed the EP „Leuchtfeuer“. But now they’re back and have already released a few singles. The special thing about NACHTSCHATTEN is that they play melodic death metal with german lyrics.

NACHTSCHATTEN are known for their hard-hitting sound, whose structures are not always super catchy. It’s a sound with rough edges and a raw, coarse texture. The lyrics are on a high level and it is well worth paying attention to the content of the concept album. Let me quote from the press text:

Eleven songs, spread over five acts, develop the tragic story of the fall and rise of the goddess Polaris. Follow her disciples on the icy path through a labyrinth of delusion, escape, doubt and loss. Each song is a chapter, musically orchestrated and crafted to draw the listener deeper and deeper into the spell of this haunting drama. POLARIS is the story of boundless power fueled by hope and fear, it is the tale of blind love and burning hatred and, last but not least, it is the journey into the abysses of the human soul.

press text

The song structures can be described as complex and the sound takes on monumental areas. All sorts of things happen in the musical story of „Polaris“. Daniel’s sinister vocals are still easy to understand, so you can follow the story without any problems. That’s a big plus point. Clean vocals are still (almost) nowhere to be found. Just how impressive and powerful the new songs sound is immediately emphasized in the opener „Mother of the Galaxy“.

The basic sound concept has not been changed, but some adjustments have been made. The sound has been equipped with more subtleties so that the individual songs have more individual characteristics. I also feel that the components in the sound are better coordinated, which gives me a more harmonious listening experience despite the hard focus. The vocals have become more variable and expressive and the choruses have been worked out better.

NACHTSCHATTEN don’t really push the tempo that much, but „Eden“ sets a good pace. A song with a complex structure, which makes for many musical impressions. And the band has worked really well on this. They have become more progressive. „Herz“, for example, has an unusual instrumental part. The short interlude „Niedergang“ sets a beautiful atmospheric accent.

This is followed by a real highlight with the song „Ablass“. Hard-hitting riffs meet lively drums and orchestral sounds provide the atmospheric depth. The extremely powerful chorus is stunning and NACHTSCHATTEN have not been stingy with other strong ideas either. I really liked the part from minute 02:50 onwards, which initially takes out the vehemence but still creates an ominous atmosphere. It gradually becomes more intense again until the song strikes again with full force.

The second half of the album maintains the level and the tension. „Verehrung“ starts relaxed with an acoustic guitar before the hauntingly hard sound returns. However, the song is peppered with beautiful melodic moments in between. „Purpur“ continues to be martial and is even more aggressive.

This is followed by the song „Spuren“, probably the most unusual song on the album. With a surprisingly calm performance, the band takes a completely different approach here. This also applies to the vocals. Here, some of the lyrics are presented in a clean, narrative form. The calm is occasionally interrupted by pithy outbursts. Sounds interesting, but even after listening to it several times, it’s not my cup of tea.

„Im Eis“ lets it rip again and NACHTSCHATTEN captivate with their brute, dark sound. It seethes towards doom. The story takes its course with merciless harshness. „Polaris“ carries out the finale in stormy waters. But the song undergoes a transformation and at the end of the second minute the transition into a moving part begins, which once again sets a climax as an epic ending, to which the wonderful melodic guitar work also contributes.

Conclusion

NACHTSCHATTEN inspire on „Polaris“ with a great story that is told with great songs. The sophisticated German lyrics, which are delivered expressively, are a characteristic feature not often found in this genre. It’s a sound with rough edges and a raw, coarse texture. The band has evolved in all areas. This applies to the exciting complex songwriting as well as the sophisticated technical execution of it all.

Genre: Symphonic Melodic Death Metal

Release: 27.12.2024

Label: self release

AdvenA (Facebook/Homepage) aus Süddeutschland haben sich viel vorgenommen, denn die EP „Edens Hide“ soll nur einen kleinen Vorgeschmack auf das kommende Album „Amygdala“ sein, welches für Ende 2025 geplant ist. Es handelt sich um ein Großprojekt im wahrsten Sinne des Wortes handelt. Die Arbeiten an diesem Album begannen bereits 2022. Sage und schreibe 19 Songs mit zwei Stunden Spielzeit soll das Opus umfassen. Dafür wurde eigens ein Kurzroman geschrieben, auf dem die Lyrics basieren.

Kolossal & Imposant

Wie kann man sich den Sound nun vorstellen? Damit man sich schon einmal einen Eindruck verschaffen kann, hat man sich entschieden die EP „Edens Hide“ vorab als Appetizer zu präsentieren. Und tatsächlich sind schon die ersten Augenblicke nach der kurzen „Bad News“-Einleitung beeindruckend.

Opulente orchestrale Klänge zaubern sich vehement ins Ohr, die mit inbrünstiger instrumentaler Begleitung in Form von angriffslustigen Drums und starken Gitarrenriffs verstärkt werden. Ein angenehm knackiger Bass sorgt ebenfalls für Power. Und wenn dann noch die harschen Growls erklingen, dann ist der Auftritt vollkommen gelungen.

Ich fühlte mich beim Sound z.B. an die Band ‚Ex Deo‘ erinnert. Ein gehaltvoller druckvoller Sound, der wie eine Welle über dich hereinbricht. AdvenA gehen die Sache nur noch progressiver an. So geht z.B. der Opener „Peripety“ fast acht Minuten, wobei man erwartungsgemäß von einigen Wendungen überrascht wird, unter anderem mit cleanen Vocals (übrigens die einzigen auf der EP, abgesehen von dem Chor im Song „Voltar“) und einem coolen Basssolo ab Minute 06:30.

Der zweite Song „A’treyos Domain“ bläst dann zur Jagd und rennt mit rasantem Tempo voran. Hier werden keine Gefangenen gemacht. Wirklich schön anzuhören sind die Drums mit ihren fließenden Rhythmuswechseln, aber auch alles andere wird technisch auf hohem Niveau dargeboten. Das macht schon echt was her und wenn dann ab 03:45 zwischendurch mit viel Alarm der Nachbrenner gezündet wird, dann bin ich ebenfalls Feuer und Flamme.

„Voltar“ als kürzester Song mit einer Spielzeit von 03:45 setzt die Show nicht weniger imposant fort und macht richtig Dampf und die eingebundenen Chöre sind ein interessanter Effekt. „Edens Hide“ ist die letzte Welle und sie türmt sich noch einmal mächtig auf, um alles durcheinanderzuwirbeln. Durchaus beeindruckend, aber hier hätte ich mir im Verlauf überraschende Wendungen gewünscht, die den Song deutlicher charakterisieren und hervorstechen lassen würden. In der Hinsicht hatte mich der Opener mehr überzeugt.

Fazit

Man muss AdvenA zugestehen, dass die Kompositionen durchdacht sind und imposant klingen. Das hört sich wirklich nicht nach Underground an, sondern nach einer reifen professionellen Produktion. Absolut hochklassig! Der Sound ist durchweg kolossal und wuchtig, was auf dieser EP mit der einer Spielzeit von 23 Minuten wunderbar funktioniert. Doch ich wäre auch offen für ungewöhnlichere Songverläufe. Der Sound könnte noch progressiver sein.

Ich bin jedenfalls gespannt, wie man das Konzept auf dem Album „Amygdala“ mit 19 Songs realisieren wird. Es wäre für mich zu viel, wenn man diesen krassen Sound über zwei Stunden um die Ohren geballert bekommt. Ich hoffe daher, dass das Konzept auch einige „Ruhepausen“ gönnt oder man andere kreative (gerne auch außergewöhnliche) Ideen einbringt, damit man der Geschichte so lange aufmerksam folgen kann und sich auch als Band mehr abhebt.

Im Ergebnis haben die Männer auf ihrer EP „Edens Hide“ super Songs abgeliefert und das muss man dementsprechend honorieren. Das ist mir fette 8 Punkte wert, die eine deutliche Tendenz zu 9 Punkte aufweisen.

english review

Genre: Symphonic Melodic Death Metal

Release: 27.12.2024

Label: self release

AdvenA (Facebook/Homepage) from southern Germany have big plans, because the EP „Edens Hide“ is just a small foretaste of the upcoming album „Amygdala“, which is planned for the end of 2025. It is a huge project in the truest sense of the word. Work on the album began back in 2022 and the opus is planned with 19 songs over a playing time of two hours. A short novel was written especially for it, on which the lyrics are based.

Kolossal & Imposant

How can you imagine the sound now? To give you an impression, we have decided to present the EP „Edens Hide“ in advance as an appetizer. And indeed, the first few moments after the short „Bad News“ introduction are impressive.

Powerful orchestral sounds conjure up vehemently in the ear, which are reinforced with fervent instrumental accompaniment in the form of aggressive drums and strong guitar riffs. A pleasantly crisp bass also provides power. And when the harsh growls are comingg in, the performance is a complete success.

The sound reminded me of the band ‚Ex Deo‘, for example. A rich, powerful sound that crashes over you like a wave. AdvenA just take a little more progressive approach. For example, the opener „Peripety“ lasts almost eight minutes and, as expected, you are surprised by a few twists and turns, including clean vocals (incidentally the only ones on the EP, apart from the choir in the song „Voltar“) and a cool bass solo from minute 06:30.

The second song „A’treyos Domain“ then sets off on the hunt and races ahead at breakneck speed. No prisoners are taken here. The drums with their flowing rhythm changes are really nice to listen to, but everything else is also presented at a high technical level. It’s really something and when the afterburner is ignited from 03:45 onwards, I’m also on fire.

„Voltar“, the shortest song with a playing time of 03:45, continues the show no less impressively and really picks up the pace and the integrated choirs are an interesting effect. „Edens Hide“ is the last wave and it piles up once again to swirl everything around. Quite impressive, but I would have liked some surprising twists in the course of the song that would have characterized it more clearly and made it stand out. In this respect, I was more convinced by the opener.

Conclusion

You have to admit that AdvenA’s compositions are well thought out and sound impressive. It really doesn’t sound like underground, but like a mature professional production. Absolutely top class! The sound is consistently colossal and powerful, which works wonderfully on this EP with a playing time of 23 minutes. But I would also be open to more unusual song progressions. The sound could be even more progressive.

In any case, I’m curious to see how the concept will be realized on the album „Amygdala“ with 19 songs. It would be too much for me to have this blatant sound blasted around my ears for over two hours. I therefore hope that the concept also allows for a few „calmer or atmospheric moments“ or that other creative (and unusual) ideas are introduced so that the story can be followed attentively for so long and the sound of the band stands out more from the masses.

As a result, the men have delivered great songs on their EP „Edens Hide“ and that has to be honored accordingly. That’s worth a big 8 points to me, with a clear tendency towards 9 points.

Genre: Melodic Death Metal

Release: 06.09.’24

Label: Reigning Phoenix Music 

Die finnische Band WOLFHEART (Homepage, Facebook) hat sich im Jahr 2012 gegründet. Sie haben meiner Meinung nach bisher kein schlechtes Album abgeliefert. Ihre Entwicklung gipfelte für mich im Album „King Of The North“. Mir schien es, als ob WOLFHEART damit ihren Sound perfektioniert hatten, wenn man dieses Wort überhaupt so wählen sollte. Der Sound hatte eine monumentale Größe erreicht, wobei aggressive dunkle nordische Härte sich mit epischen Eskapaden paarte.

„Draconian Darkness“

führt diese Reise fort und wer das letzte Album mochte, der wird sich auch auf der neuen Reise umgehend wohlfühlen. Das Niveau der Songs ist auf dem gleichen Level angesiedelt. Und das ist völlig ausreichend, denn „King Of The North“ hatte hier seinerzeit bei ‚metal-heads.de‘ die Höchstpunktzahl erhalten.

Ich starte mal mit der ersten Single „Grave“, welche vor etwas zwei Monaten veröffentlicht wurde. Dort meine ich rauszuhören, dass die orchestralen Elemente noch etwas ausgefeilter bzw. hochwertiger erscheinen und stellenweise deutlicher zum Vorschein kommen. Dabei legen WOLFHEART immer noch Wert darauf, dass die epischen Symphonien nicht ständig erklingen. Die Dosierung ist meiner Meinung nach optimal gewählt, so dass der kontrastierende Sound nach wie vor mit einer unglaublichen Vehemenz auftritt, die WOLFHEART gewohnt eindrucksvoll zum Besten geben. „Grave“ ist einer dieser unglaublich gewaltigen Monstersongs! Aber hört selbst!

„Grave“war der erste Song, der für das Album geschrieben wurde und wurde zum Leuchtturm, der die gesamte Produktion des Albums leitete. Wir haben die dunklen Elemente noch weiter vom Licht weggedrückt, um einen maximalen Kontrast zu den Melodien und großen Refrains zu schaffen. Von jedem Album haben wir klare Favoriten für Livesongs, und Grave steht unangefochten auf dem Podium.

WOLFHEART auf ‚YouTube‘

Imposant

Beim Opener „Ancient Cold“ zeigt sich bereits während der Einleitungsphase besonders deutlich, dass WOLFHEART mittlerweile gerne mit imposanten orchestralen Elementen arbeiten, die dem Ganzen eine gigantische erhabene Ausstrahlung verleihen. Doch wie ich bereits erwähnt habe, verlassen sich WOLFHEART nicht nur darauf. Die Größe der Songs ist auch anderen Qualitätsmerkmalen zu verdanken. Da wären z.B. der Mix aus vernichtenden Growls und cleanen Vocals. Natürlich ist das mittlerweile ein sehr häufig genutztes Stilmittel, aber ich finde, dass WOLFHEART es sehr gut umsetzen, da sie das Konzept methodisch variabel in den Sound einbringen. So werden unterschiedliche Stimmungen erzeugt ohne das Monotonie Einzug erhält.

„Trial By Fire“ wird beispielsweise von den markigen Growls dominiert. Und auch der mehrstimmige Chorus bleibt dunkel und kraftvoll. So behält der Song seine bedrohliche Ausstrahlung. Allerdings stört mich eine kleine Sache an dem Song. Ich hätte mir ein besseres Finale des Songs vorstellen können. Hätte man den Song ohne das Gitarrensolo auslaufen lassen, hätte mich das gar nicht gestört. Aber am Ende startet Vageliss Karzis ein scharfes Gitarrensolo, doch da wird die Lautstärke schon langsam runtergefahren. Warum? Das hätte man doch noch ein wenig weiter ausbauen können und hätte damit dem Song noch mal nen coolen Effekt sehenken können.

Auch mal old school

Möchte man einen Song benennen, der die andere Seite von WOLFHEART aufzeigt, dann wäre „Scion Of The Flame“ wohl eine vortreffliche Wahl. Der Song ist relativ progressiv angehaucht. Gerade gesanglich wird hier das Komplettpaket geboten und es ist sogar Platz für eine kurze Einlage mit sanften cleanen Vocals, die nach dem massiven Intro erklingen. Der Song reift im Verlauf zu einer beeindruckenden kraftstrotzenden Hymne.

„Evenfall“ startet wild, lässt dann mal den starken Bass von Lauri Silvonen deutlicher hervortreten. Es ist ein Song, der auf symphonische pompöse Ausflüge verzichtet und einen eher geradlinigen „old school“ Weg beschreitet. Allerdings sorgt eine kleine akustische folkloristisch angehauchte Einlage für einen originellen Touch.

Fazit

WOLFHEART setzen ihre Reise mit „Draconian Darkness“ absolut eindrucksvoll fort. Sie zeigen überhaupt keine Schwächen, sondern liefern nur hochklassige Songs. Damit zeigen sie weiterhin eindeutig, dass sie zu den Besten in diesem Genre zählen. Es ist wieder ein durchgängig exzellentes Album, weswegen ich keinen Grund sehe einen Punkt abzuziehen.

English review

Genre: Melodic Death Metal

Release: 06.09.’24

Label: Reigning Phoenix Music 

The Finnish band WOLFHEART (Homepage, Facebook) was founded in 2012. In my opinion, they haven’t delivered a bad album so far. For me, their development culminated in the album „King Of The North“. It seemed to me that WOLFHEART had perfected their sound, if you can use this term in that case. The sound had reached monumental proportions, combining aggressive dark Nordic heaviness with epic escapades.

„Draconian Darkness“

continues this journey and anyone who liked the last album will immediately feel at home on the new one. The level of the songs is on the same level. And that’s quite enough, because „King Of The North“ received full score here at ‚metal-heads.de‘. (Review)

I’ll start with the first single „Grave“, which was released about two months ago. I think I can hear that the orchestral elements seem a bit more sophisticated and of higher quality and that they come to the fore more clearly in places. At the same time, WOLFHEART still emphasise that the epic symphonies don’t sound all the time. In my opinion, the dosage is optimally chosen, so that the contrasting sound still appears with an incredible vehemence, which WOLFHEART perform impressively as usual. „Grave“ is one of those incredibly powerful monster songs! But listen for yourself!

„‚Grave‘ was the first song that was written for the album and became the beacon that was leading the whole production of the album. Push the dark elements even further from the light to give maximum contrast to the melodies and huge choruses. From every album, we have clear favourites for live songs, and Grave stands on the podium unchallenged.

WOLFHEART at ‚YouTube‘

Striking

During the opening track ‘Ancient Cold’, it becomes particularly clear that WOLFHEART meanwhile like to work with impressive orchestral elements that give the whole thing a gigantic, sublime aura. But as I have already mentioned, WOLFHEART do not rely on this alone. The greatness of the songs is also due to other quality features. There is, for example, the mix of crushing growls and clean vocals. Of course, this has become a very frequently used stylistic device, but I think that WOLFHEART realise it very well, as they methodically incorporate the concept into the sound in a variable way. In this way, different moods are created without monotony setting in.

„Trial By Fire“, for example, is dominated by the pithy growls. And the polyphonic chorus also remains dark and powerful. The song thus retains its menacing aura. However, there is one small thing that bothers me about the song. I could have imagined a better finale to the song. If the song had ended without a guitar solo, it wouldn’t have bothered me at all. But at the end, Vageliss Karzis starts a cool guitar solo, but the volume is already turned down and the song runs out. Why? This could have been extended a little further and would have given the song a cool effect.

old school reminder

If you wanted to name a song that shows the other side of WOLFHEART, then „Scion Of The Flame“ would probably be an excellent choice. The song has a relatively progressive flavour. Vocally in particular, it offers the complete package and there is even room for a short interlude with soft clean vocals after the massive intro. As the song progresses, it matures into an impressive, powerful anthem.

„Evenfall“ starts wildly, then lets Lauri Silvonen’s strong bass come to the fore. It is a song that dispenses with symphonic, pompous excursions and follows a more straightforward „old school“ path. However, a small acoustic folkloristic interlude provides an original touch.

Conclusion

WOLFHEART continue their journey with „Draconian Darkness“ in an absolutely impressive way. They show no weaknesses at all, but deliver nothing but top-class songs. They continue to clearly show that they are among the best in this genre. It’s another consistently awesome album, which is why I see no reason to deduct a point.

Genre: Symphonic Melodic Death Metal

Release: 18.01.2024

Label: Independent Release

DARK OATH (Facebook/Homepage) kommen aus Portugal und haben 2016 ihr Debütalbum „When Fire Engulfs The Earth“ veröffentlicht. Dort hatten sie sich mit den nordischen Mythen beschäftigt, insbesondere mit der apokalyptischen Geschichte von Ragnarök. Das Album war und ist immer noch ein echter Knaller. Nun wendet sich das neue Album „Ages Of Man“ der griechischen Mythologie zu. Es geht um den Aufstieg und Fall der Menschheit, basierend auf den Erzählungen vom Dichter Hesiod. Dessen Erzählungen gründen auf verschiedenen Zeitalter, und zwar das Goldene, Silberne, Bronzene, Heroische und Eiserne.

„Gold I (Dawn Of Time)“ war die erste Singleauskopplung. Ein langweilige Geschichtssunde hat die Band jedenfalls erwartungsgemäß nicht zu bieten. Sängerin Sara Leitão haut die Lyrics durchweg mit aller Gewalt raus, so dass keine cleanen Vocals auf diesem Album zu finden sind. Hier gibt es die volle Ladung aggressive Screams! Dementsprechend macht der Sound auch keine Kompromisse und bietet harten Stoff. DARK OATH haben dazu leichte folkloristische Einschläge, wovon man sich hier ab Minute 02:20 überzeugen kann, wo der Song sich mal kurz ein wenig zurücknimmt. In der Kombination mit den orchestralen Zutaten entstehen natürlich epische Momente.

Veränderungen zum Debüt

Im Vergleich zum genialen Debüt sind Veränderungen festzustellen. Dort waren die Spielzeiten üppiger, besonders bei den zwei monumentalen Songs „Last Of Orus“ und „Brothers Fall“. Und sonst ging kein Song unter fünf Minuten. Die Spielzeiten sind auf „Ages Of Man“ kürzer geworden und bewegen sich fast alle im Bereich zwischen vier und fünf Minuten.

Auch das Soundkonzept hat sich verändert. Nachdem ich nun das ganze Album „Ages If Man“ mehrmals gehört habe, würde ich mal sagen, dass die ersten beiden Singles den neuen Sound sehr gut repräsentieren. Es ist bombastischer geworden. Ein wilder Sturm rollt über den Hörer hinweg. Das macht zwar richtig Eindruck, aber auf der gesamten Albumdistanz hatte ich das Gefühl, als ob der Sound dann nicht doch an manchen Stellen etwas überladen ist. Ich hätte mir hier und da einen differenzierten feineren Sound gewünscht, der z.B. mehr (unterschiedliche) folkische Elemente eingebunden hätte. Das hätte der Atmosphäre und dem individuellen Erkennungswert einzelner Songs meiner Meinung nach sicherlich gut getan.

Ein heftiger Sturm

Wer im Vergleich das Album „When Fire Engulfs The Earth“ hört, wird erkennen, dass dort das ganze Gitarrenspiel anders und variabler zum Ausdruck kommt. Das Gitarrenspiel ist auf dem Debüt deutlich verspielter. Ich konnte es differenzierter wahrnehmen, was auch daran lag, dass die Gitarren präsenter waren. Auf dem neuen Album finden sich auch keine Gitarrensolos. DARK OATH legen nun mehr Wert auf die Drums und die orchestralen Synhties, die sehr dominant und wuchtig auftreten. Darüber fegt Sängerin Sara Leitão mit ihren vernichtenden Screams hinweg.

In diesem Sturm gerät das Gitarrenspiel für mich zu sehr in den Hintergrund. Der Sound ist dadurch zwar opulenter, aber auch gleichförmiger geworden, so dass mir die Unterscheidung verschiedener Songs schwerfällt. Ich habe mich beim Hören ab und zu gefragt, bei welchem Song ich eigentlich gerade bin. Eine Unterscheidung der verschiedenen Zeitalter hätte sich vielleicht auch musikalischer deutlicher niederschlagen können.

Der Sound auf dem neuen Album ist zweifellos imponierend, nur eben etwas anders ausgelegt. Der letzte Song „Iron-Through The Veil Of Night“ zeigt dann eine interessante Facette, die ich sehr begrüßt habe. Gastsänger Paolo Rossi von ‚Fleshgod Apocalypse“ sorgt hier im Duett mit Sängerin Sara für einen super starken Chorus. Dies ist ein besonderes Element, dass einem sofort auffällt und hängenbleibt. Für mich gehört dieser Song zu den besten auf diesem Album.

Fazit

Auf dem neuen Album „Ages Of Man“ entfesseln DARK OATH einen wahren Sturm, der ohne Frage überwältigend ist. Der Sound und die Produktion sind eine Wucht. Das Debüt gefällt mir persönlich von seiner Art her zwar immer noch besser, aber trotzdem ist „Ages Of Man“ sehr beeindruckend geworden und hat eine gute Bewertung mehr als verdient. DARK OATH sind eine verdammt starke Band und ich würde mir wünschen nicht wieder sieben Jahre auf das nächste Album warten zu müssen.

English review

Genre: Symphonic Melodic Death Metal

Release: 18.01.2024

Label: Independent Release

DARK OATH (Facebook/Homepage) are from Portugal and released their debut album „When Fire Engulfs The Earth“ in 2016. On it, they explored Norse myths, in particular the apocalyptic story of Ragnarök. The album was and still is a real hit. Now the new album „Ages Of Man“ turns to Greek mythology. It is about the rise and fall of mankind, based on the stories of the poet Hesiod. His stories are based on different ages, namely the Golden, Silver, Bronze, Heroic and Iron Ages.

„Gold I (Dawn Of Time)“ was the first single release. The band certainly doesn’t have a cozy history lesson to offer. Singer Sara Leitão belts out the lyrics with brute force. There are no clean vocals to be found on this album. There are only aggressive screams here! Accordingly, DARK OATH makes no compromises and offers hard stuff. They also have slight folk influences, which you can hear for yourself from minute 02:20, where the song takes a step back for a moment. In combination with the orchestral ingredients, epic moments naturally arise.

Changes compared to the debut

Compared to the brilliant debut, there have been some changes. There, the playing times were longer, especially on the two monumental songs „Last Of Orus“ and „Brothers Fall“. And no other song was under five minutes. On „Ages Of Man“ the playing times have become shorter and are almost all between four and five minutes.

The sound has changed. After listening to the whole album „Ages If Man“ several times now, I would say that the first two singles represent the new sound very well. It has become more bombastic. A wild storm rolls over the listener. That makes a good impression, but over the whole distance I had the impression that the sound was a bit overloaded in some places. I would have liked a more differentiated, finer sound here and there, which would have incorporated more (different) folk elements, for example. That would certainly have been good for the atmosphere and the individual recognition value of individual songs.

A violent storm

If you listen to the album „When Fire Engulfs The Earth“ in comparison, you will recognize that the whole guitar playing is expressed differently and more variably there. The guitar playing on the debut is more playful. I could perceive it in a more differentiated way, which was also due to the fact that the guitars were more present. There are no guitar solos on the new album. DARK OATH now place more emphasis on the drums and the orchestral sounds, which are very dominant and powerful. Singer Sara Leitão sweeps over them with her devastating screams.

In this storm, the guitar playing takes too much of a back seat for me. The sound has become more opulent as a result, but also more uniform, so that I find it difficult to distinguish between different songs. When I listened to the album several times, I asked myself from time to time which song I was actually listening to. A differentiation between the eras could perhaps have been reflected more clearly in the music.

These are my personal impressions and assessments. „Ages Of Man“ is not a bad album at all, of course. The sound on the new album is impressive, just different from the debut. The last song „Iron-Through The Veil Of Night“ shows an interesting facet, which I very much welcomed. Guest vocalist Paolo Rossi from ‚Fleshgod Apocalypse“ provides a super strong chorus in a duet with singer Sara. This is a special element that immediately catches your attention and sticks with you. For me, this song is one of the best on this album.

Conclusion

On their new album „Ages Of Man“, DARK OATH unleash a veritable wild storm that is unquestionably overwhelming. The sound and the production are a brutal. Personally, I still like the debut better in terms of its style, but „Ages Of Man“ is still very impressive and deserves a good rating. DARK OATH are a damn strong band and I wish I didn’t have to wait another seven years for the next album.

Genre: Melodic (Symphonic) Death Metal

Release: 08.12.2023

Label: Eclipse Records

GENUS ORDINIS DEI (Facebook/Homepage) aus Italien haben sich 2011 gegründet. Sie erzählen große Geschichten, die einen Hang zu mystischen religiösen bzw. okkulten Dingen haben. Das erste Album „The Middle“ erschien 2015 und die Songs waren sehr keybordlastig, was dem Soundmix trotz guter Ansätze meiner Meinung nach nicht so sehr zugute kam. Auf dem folgenden Album „Great Olden Dynastie“ im Jahr 2017 klang das alles schon erheblich ausgereifter. Die (symphonischen) Keys wurden gehaltvoller bzw. authentischer, wurden aber auch reduzierter eingesetzt. Stattdessen legte man mehr wert auf das Riffing und dynamische Drums. Insgesamt wirkte es härter, aber auch harmonischer.

Mit dem Album „Glare Of Deliverance“ setzte man 2020 diesen Sound fort und erzählte die mittelalterliche Geschichte einer jungen Frau namens Eleanor, welche von der Heiligen Inquisition verfolgt wird. Zudem schlug man mit diesem Album einen neuen Weg ein. Man hatte für jedes Kapitel ein aufwendiges Video gedreht. Wahnsinn! Ein echtes Mammutprojekt. Solltet Ihr Euch auf jeden Fall mal reinziehen. Es lohnt sich!

The Beginning

ist nun ein weiteres sehr ambitioniertes Projekt der epischen Geschichtenerzähler GENUS ORDINIS DEI. Das gesamte Album hat mit einer Spielzeit von fast 60 Minuten, die sich über 12 Tracks erstrecken, wobei es zwei kürzere instrumentale Zwischenspiele gibt. Es wird die Geschichte zweier Geschwister erzählt, die in prähistorischer Zeit einem Stamm von Kannibalen angehören und nach der Wahrheit über ihre Religion, Gott und die Ursprünge der Existenz der Menschheit suchen. Aber die Songtexte offenbaren neben diesem geschichtlichen Aufhänger noch ganz andere Geheimnisse und Verknüpfungen.

Meinen ersten Eindruck bekam ich mit dem Videosingle „Changing Star“ vor etwa zwei Monaten. Mir ist direkt die aufwendige Inszenierung äußerst positiv aufgefallen. Zwei Protagonisten aus einem alten vergangenen Zeitalter zu Beginn der Menschheit befinden sich inmitten beeindruckender Natur. Doch es deutet sich schon in den ersten Momenten eine (blutige) Düsternis an. Die gezeigte Natur ist zwar beeindruckend, zeigt sich aber auch von der dunklen und bizarren Seite. In kurzen Sequenzen fließt sogar Blut über helles Gestein. Im weiteren Verlauf wird diese Bedrohlichkeit in brutalster Form überaus drastisch dargestellt, wenn eine Gruppe von Menschen bei einem kannibalistischen Ritual in grausamer Deutlichkeit gezeigt werden. Ich möchte diese symbolträchtigen Videos schon als (extreme) Kunst bezeichnen.

Das Video wurde an vielen Orten gedreht, und es war ein echtes Abenteuer, mit dem Team all diese Kilometer zu fahren. Vor allem der Dreh der Kannibalismus-Szene war eine Mischung aus Emotionen und starken Gefühlen. Wir haben buchstäblich den ganzen Berg mit Kunstblut übergossen und wundern uns immer noch, dass die Einheimischen, als sie dort ankamen, nicht anfingen, einen Serienmörder zu jagen. Ha ha ha! Dann die Erfahrung auf dem Pordoi-Pass in 3000 Metern Höhe, halbnackte Szenen in dieser Mondlandschaft zu drehen, war wie ein absurder Traum. Zu unserem Glück hatten wir milde und sonnige Tage, sonst hätten wir die Höllenqualen der Kälte erleiden müssen. Die Vorsehung küsst die Mutigen!

Band im Pressetext über PressThisMusicPR

ENUS ORDINIS DEI erzählen eine epische Geschichte

und „Changing Star“ war der Anfang einer vierteiligen Videoserie.

Die oben genannte Intention spiegelt sich auch in der musikalischen Gestaltung wieder. Neben der melodischen mystischen Ausstrahlung, was mitunter durch Chorgesang intensiviert wird, alterniert der Song mit extremeren Phasen, in denen es auch gesanglich heftiger und brutaler zugeht. Es ist die Coexistenz von beeindruckender Herrlichkeit und gnadenloser Brutaliät, die sich nach wie vor in der gesamten Welt zeigt.

Symbolisch gesehen ist die Parallele eindeutig. Wir sehen einen Stamm wilder Menschen am Anfang der Existenz, die uns in ihrer Leidenschaft, Körperlichkeit und ihrem natürlichen Hang zur Gewaltverherrlichung erschreckend ähnlich sind. Thematisch gesehen zeigt uns Genus Ordinis Dei ganz deutlich, dass Brutalität das Lebenselixier der Gesellschaft ist, da wir uns selbst immer noch auf so ironische Weise mit sorgfältig ausgearbeiteten sozialen Konstruktionen täuschen.

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Der Sound wendet sich auf dem neuen Album mehr in die dunkle Richtung und klingt schroffer bzw. rauer, wobei der Gesang auf seine spezielle brutale Art noch emotionaler und vielschichtiger wirkt. Die cineastische Theatralik haben sich GENUS ORDINIS DEI bewahrt, nur in etwas anderer Form!

Unsterblich

So lautet übersetzt das lateinische Wort „Aeternus“, womit der Opener des Albums betitelt wurde. Der epische 7-Minuten-Klopper ist sozusagen der Prolog für die kommende epische Geschichte.

Es ist Zeit, über mich zu sprechen, dies ist meine Geschichte
Ich bin der Erstgeborene, das Kind, das verlor, die Gnade und die Herrlichkeit.

Ich bin der Eine, ich bin der Stern, der sein Feuer verbreitete.
Ich bin der Sohn, der betrog; ein Feigling und Lügner.

Lyrics von „Aeternus“

Der düstere Song geht sehr massiv und fordernd in die Vollen. Die sehr mystischen Klänge ab Minute 02:32 sorgen für eine unheimliche Atmosphäre und sind sehr gut in den Song eingebunden worden. Alles in allem eine imponierende Einführung in die Geschichte. Der Sound von GENUS ORDINIS DEI hat sich ein wenig gewandelt. „Glare Of Deliverance“ war noch sehr von symphonischen Elementen geprägt, so dass der Sound einen sehr orchestralen Charakter mit sakraler majestätischer Ausstrahlung besaß. Auf „The Beginning“ kommen diese Elemente nicht mehr ganz so dominant zum Einsatz, sondern erzeugen mehr im Hintergrund eine geheimnisvolle mystische Stimmung mit einem anderen Wirkungsgrad.

Auf „Changing Star“ folgt „Genesis“.

Das Geschwisterpaar geht weiter seinen Weg. Unter einem imposanten Wasserfall (Valbondione-Wasserfall in Italien mit einer Höhe von 315 Metern) erfolgt ein rätselhaftes Ritual, wo ein Schamane und eine andere mysteriöse Gestalt (Gottheit???) eine Rolle spielen. Den Sinn dieses Rituals erschließt sich mir nicht so richtig. Es findet eine Wandlung bei den Beteiligten statt. Erleuchtung, Unterwerfung, Befreiung??? Ich kann das nicht eindeutig interpretieren. Der Song ist mit verdammt kraftvollen Chören, machtvollen Drums und Riffs, ebenfalls eine imposante Erscheinung.

„Genesis“ stellt uns eine neue Figur vor.’The Fallen‘, der Bruder und Schwester eine neue Wahrheit lehrt. Symbolisch gesehen ist das Wasser ein lebendiges Wesen, das eine Kaskade von Gefahr und Schicksal im Wasserfall und unsere tragische Tendenz, falschen Göttern zu folgen, repräsentiert, während The Sister liebevoll die Reptilienhaut des Flusses streichelt. Musikalisch lassen Hoffnung und Angst unsere Herzen rasen, während die Band uns an einen gefährlichen Ort führt, an dem beide Gefühle eins werden.

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Der Kampf gegen das Böse

ist ein fortwährend extrem schwieriges Unterfangen und fordert immer Opfer. Ich hatte bereits die emotionale Komponente im Gesang erwähnt. Am deutlichsten wird dies wohl bei dem Song „For A New God“, dem tragischsten Song in der ganzen Geschichte. Die Geschwister treffen wieder auf die wilden Kannibalen und diesmal kommt zu einem grausamen Kampf. Die Kannibalen versuchen die Schwester an sich zu reißen. Der Bruder geht beherzt dazwischen und nimmt es mit einem der Kannibalen auf. In einem dramatischen Verlauf droht er zu verlieren, doch seine Schwester rettet ihn mit einer aufopfernden Aktion. Tragischerweise verliert sie auch ihr Leben und der Bruder muss diesen tragischen Verlust verarbeiten. Zudem bittet ihn die Schwester um einen letzten grausamen Akt…

Es war eine fantastische Erfahrung, einen Kampf mit bloßen Fäusten zu filmen, der die ganze Kraft und Macht eines Aufeinandertreffens von Männern simuliert, die eher wilden Bestien als zivilisierten Menschen ähneln.

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Die Verbindung von visueller und musikalischer Darbietung

eröffnet ein unheimlich intensives Erlebnis! Hier muss man sowohl den Darstellern und allen Beteiligten hinter den Kulissen ein Riesenkompliment machen. Die Drehorte, die filmische Umsetzung, das Make Up, die Effekte und die beeindruckende schauspielerische Leistung der Darsteller verstärken die Atmosphäre des Songs ungemein und heben ihn auf ein neues Level. Zusätzlich spürt man den Schmerz und die verzweifelnde ausweglose Wut durch den wahnsinnig intensiven dargebotenen Gesang selber in jeder Faser der Seele.

Ein monumentales Szenario

eröffnet sich bei dem fast 60-minütigen Epos. Musikalisch nimmt es cineastische Ausmaße an. Auch wenn man sich nach wie vor (orchestraler) Synthies bedient, nehmen diese keine vordergründige Rolle ein. Der Sound alterniert zwischen unheimlicher sakraler Ästhetik und drastischen theatralischen Momenten, die hauptsächlich mit kraftvollem Metal geschmettert werden. Als Synonym für diesen Sound steht für mich der geniale Song „We Are Strangers“, der einen besonders geheimnisvollen Eindruck macht, dem aber auch verdammt viel Kraft innewohnt. Der gewaltige Refrain ist eine Offenbarung. Einer der mächtigsten Songs auf dem Album.

Dazu zählt sicherlich auch der finale Track „The Fortress Without Gates“ als monumentaler Abschluss, der es noch mal in sich hat und an überschwenglicher Dramatik kaum zu überbieten ist. Ein Kampf zwischen Hoffnung und Verderben, zwischen Gut und Böse! Was wird obsiegen? Findet es selber heraus!

Fazit

GENUS ORDINIS DEI haben ihre Musik zu einer Kunstform erhoben, die zusammen mit der lyrischen und visuellen Gestaltung ein Meisterstück ergibt. „The Beginning“ bereitet eine harte Reise durch mystische Welten, bei der man von hervorragenden Songs begleitet wird, die sich kraftvoll emotional erheben und euch mit ihrer machtvollen Energie niederschmettern werden. Es ist eine brutal emotionale Erfahrung. So haben GENUS ORDINIS DEI mit „The Beginning“ ein Epos in die Welt geboren, dass mit einer imponierenden Darbietung niemanden unbeeindruckt zurücklässt und nicht zuletzt durch seine lyrische Gestaltung zum Nachdenken anregt. Ein Album, dem man sich unbedingt widmen sollte.

Ein wenig mehr Hintergrund

Die Texte auf „The Beginning“ sind sehr mystisch gehalten. Hier geht es um mehr als die Geschichte der Geschwister. In den Texten ist von den ersten Engeln die Rede, wobei unter anderem Uriel, Raphael und auch Michael namentlich genannt werden. Ein Song heißt auch „The Divine Order“ (Die göttliche Ordnung) oder ein anderer „The Dragon And The Sword“(Der Drache und das Schwert). Erzengel Michael gilt in vielen Schriften als Bezwinger Luzifers bzw. des Teufels beschrieben. Mit seinem Schwert tritt er den Kampf gegen die bösen Mächte an, wobei der Teufel in Gestalt eines mächtigen Drachen agiert. Der Engel Michael als mächtigster Krieger Gottes wird mit vielen Taten in Verbindung gebracht. So soll er unter anderem Adam und Eva aus dem Paradies vertrieben haben, Moses im brennenden Busch erscheinen sein und spielt eine besondere Rolle beim jüngsten Gericht, wo er mit einer Posaune die Toten aus den Gräbern erweckt und es zum letzten Showdown kommt.

In diesem Zusammenhang seien auch die apokryphen Schriften genannt, welche sich mit göttlichen Ordnung und Geschichte als Thema beschäftigen, aber nie „offizieller Teil“ der Bibel geworden sind, aber nicht minder interessant, auch wenn man nicht gläubig ist. Manche Geschichten sind nämlich schon sehr spannend.

english review

Genre: Melodic Death Metal

Release: 08.12.2023

Label: Eclipse Records

GENUS ORDINIS DEI (Facebook/Homepage) from Italy were founded in 2011. They tell huge stories that have a tendency towards mystical religious or occult things. The first album „The Middle“ was released in 2015 and the songs were very keyboard-heavy, which in my opinion didn’t benefit the sound mix that much, despite good approaches. On the following album „Great Olden Dynasty“ in 2017, everything sounded much more mature. The (symphonic) keys became more substantial and authentic, but were also used less. Instead, more emphasis was placed on the riffing and dynamic drums. Overall, it seemed heavier, but also more harmonious.

The album „Glare Of Deliverance“ continued this sound in 2020 and told the medieval story of a young woman named Eleanor who is persecuted by the Holy Inquisition. They also broke new ground with this album. An elaborate video was shot for each chapter. Outstanding!You should definitely check it out. It’s worth it!

The Beginning

is another very ambitious project from the epic storytellers GENUS ORDINIS DEI. The entire album has a playing time of almost 60 minutes, spanning 12 tracks, with two shorter instrumental interludes. It tells the story of two siblings who belong to a tribe of cannibals in prehistoric times and search for the truth about their religion, God and the origins of mankind’s existence. But the song lyrics reveal completely different secrets and connections in addition to this historical hook.

I got my first impression with the video single „Changing Star“ about two months ago. I immediately noticed the elaborate production in an extremely positive light. Two protagonists from a bygone age at the dawn of humanity find themselves surrounded by wonderful nature. However, a (bloody) gloom is already apparent in the first few moments. Although the nature is impressive, it also shows its dark and bizarre side. In short sequences, blood even flows over light-colored rocks. Later on, this menace is depicted in the most brutal and drastic form, when a group of savages are shown performing a horrible cannibalistic ritual. I would describe these highly symbolic videos as (extreme) art.

The video was shot in many locations and traveling with the team for all these kilometers was a real adventure. In particular, shooting the cannibalism scene was a mix of emotions and strong sensations. We literally doused the whole mountain with fake blood, still wondering how the local community, once they got there, didn’t start chasing a serial killer. Ha ha ha! Then the experience on the Pordoi Pass at 3000 meters, shooting half-naked scenes in this lunar landscape was like living an absurd dream. Luckily for us we found mild and sunny days, otherwise we would have suffered the pains of hell from the cold!

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GENUS ORDINIS DEI tell an epic story

and „Changing Star“ was the beginning of a four-part video series.

The aforementioned intention is also reflected in the musical design. In addition to the melodic mystical aura, which is sometimes intensified by choral singing, the song alternates with more extreme phases, in which the vocals are also more violent and brutal. It is the coexistence of impressive splendor and merciless brutality that is still evident throughout the world.

We are watching exquisite savages at the dawn of existence, who are shockingly similar to us in terms of their passion, physicality, and natural tendencies toward glorified violence. More thematically, Genus Ordinis Dei shows us quite clearly that brutality is the lifeblood of society, as we still so ironically fool ourselves with carefully crafted social constructs.

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On the new album, the sound turns more in the dark direction and sounds rougher and harsher, whereby the vocals are even more emotional and multi-layered in their special brutal way. GENUS ORDINIS DEI have retained their cinematic theatricality, just in a slightly different form!

Immortal

This is the translation of the Latin word „Aeternus“, which is the title of the album’s opener. The epic 7-minute clunker is the prologue to this epic journey.

It’s time to talk about me, this is my story.
I’m that first born, child who lost, grace and the glory I am the one, I’m the star, who spread his fire.
I am the son, who betrayed, coward and liar.

Lyrics „Aeternus“

The dark song is very massive and demanding. Mystical sounds from minute 02:32 onwards create an eerie atmosphere and are very well integrated into the song. All in all, an impressive introduction to the story. The sound of GENUS ORDINIS DEI has changed a little. „Glare Of Deliverance“ was still very much characterized by symphonic elements, so that the sound had a very orchestral character with a sacred, majestic aura. On „The Beginning“, these elements are no longer used quite so dominantly, but rather create a mysterious, mystical atmosphere in the background with a different degree of impact.

„Changing Star“ is followed by „Genesis“.

The brother and sister continue on their way. A mysterious ritual takes place under an impressive waterfall (the Valbondione waterfall in Italy is 315 meters high), in which a shaman and another mysterious figure (deity???) play a role. The meaning of this ritual is not really clear to me. The participants undergo a transformation. Enlightenment, submission, liberation??? I can’t interpret it clearly. The song is also impressive with its damn powerful choirs, powerful drums and riffs.

„Genesis“ introduces us to a new character, ‚The Fallen‘, who teaches the Brother and Sister, a new truth. Symbolically, the water is a live being, representing a cascade of danger and fortune in the waterfall, and our tragic tendencies to follow false Gods, as The Sister lovingly caresses the reptilian skin of the river. Musically, hope and fear make our hearts race as the band takes us to a dangerous place where both emotions become one.

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The battle against evil

is always an extremely difficult undertaking and always demands sacrifices. I already mentioned the emotional component in the vocals. This is probably most evident in the song „For A New God“, the most tragic song in the whole story. The siblings meet the wild cannibals again, and now the cannibals try to seize the sister. The brother bravely intervenes and takes on one of the cannibals in a fight to death. He is in danger of losing, but his sister saves him with a self-sacrificing act. Tragically, she also loses her life and the brother has to come to terms with this tragic loss. In addition, the sister asks him to perform one last cruel act…

It was a fantastic experience to film a bare-knuckle fight, simulating all the strength and power of a clash between men who are more like wild beasts than civilized humans.

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The combination of visual and musical performance

opens up an incredibly intense experience! A huge compliment must be paid to the actors and everyone involved behind the scenes. The locations, the cinematic realization, the make-up, the effects and the impressive acting of the performers enhance the atmosphere of the song immensely and raise it to a new level. In addition, you can feel the pain and the desperate, hopeless rage in every fiber of your soul thanks to the insanely intense vocals.

A monumental scenario

opens up in this almost 60-minute epic. Musically, it takes on cinematic proportions. Even though (orchestral) synths are still used, they do not play a prominent role. The sound alternates between eerie sacred aesthetics and drastic theatrical moments, which are mainly blasted with powerful metal. Synonymous with this sound for me is the brilliant song „We Are Strangers“, which makes a particularly mysterious impression, but also has a hell of a lot of power. The powerful chorus is a revelation. One of the most powerful songs on the album.

This certainly includes also the final track „The Fortress Without Gates“ as a monumental conclusion, which has it all again and can hardly be surpassed in terms of exuberant drama. A battle between hope and doom, between good and evil! Which will prevail? Find out for yourself!

Conclusion

GENUS ORDINIS DEI have elevated their music to a level that, together with the lyrical and visual design, creates a true work of art. „The Beginning“ prepares a hard journey through mystical worlds, accompanied by outstanding songs that will rise up powerfully and smash you down with their harsh energy. It is a brutally emotional experience. With „The Beginning“, a real epic has been born into the world that leaves no one unimpressed with its impressive performance and, not least, its lyrical design is thought-provoking. An album that should definitely be listened to.

A little more background

The lyrics on „The Beginning“ are very mystical. It is about more than the story of the siblings. The lyrics talk about the first angels, with Uriel, Raphael and Michael, among others, being mentioned by name. One song is also called „The Divine Order“ or another „The Dragon And The Sword“. Archangel Michael, God’s most powerful warrior, is described in many traditions as the conqueror of Lucifer or the devil. With his sword, he takes up the fight against the evil forces, with the devil acting in the form of a mighty dragon. Michael is associated with many deeds. For example, he is said to have driven Adam and Eve out of paradise, appeared to Moses in the burning bush and plays a special role in the Last Judgement, where he raises the dead from their graves with a trumpet and the final showdown takes place.

In this context, the apocryphal writings should also be mentioned, which deal with divine order and history as a theme, but never became an „official part“ of the Bible, but are no less interesting, even if you are not a believer. Some of the stories are very exciting.

Symphonic Death Metal

AEPHANEMER (Facebook) sind ein Quartett aus Toulouse in Frankreich und bewegen sich im zur Zeit sehr belebten Meer des Symphonic Metal. Ein Glück, dass die Erscheinungsformen der klassischen Musik sehr mannigfaltig sind. Denn so ergeben sich quasi unendlich viele Möglichkeiten den symphonischen Metal ganz individuell und unterschiedlich zu interpretieren. Das Album „A Dream Of Wilderness“ kommt diese Woche Freitag am 19.11.2021 auf den Markt.

Jedenfalls dürfte das Cover das erste seiner Art im Bereich Death Metal sein, welches ein Wildschwein darstellt. Die Darstellung in seiner speziellen abstrakten Gestaltung unterstreicht die künstlerische Freiheit, die sich letztlich auch in der Musik abzeichnet.

Besonderheiten

Ein charakteristisches Merkmal bei AEPHANEMER ist die knurrende gutturale Stimme von Sängerin Marion Bascoul, die die alleinige Gesangshoheit innehat. Die Growls bewegen sich im höheren Tonbereich. Abweichungen in andere Gesangsbereiche sind eher die Ausnahme. Manche wird dies freuen, doch bin ich der Meinung, dass ein wenig mehr Abwechslung diesbezüglich der Band super zu Gesicht stehen würde. Dies Abwechslung blitzt hin und wieder kurz in manchen Songs auf. Was ich damit meine, zeigen AEPHANEMER z.B. in der ersten Single „Panta Rhei“.

Hochmelodisch, aber auch wild und ungestüm

wirbeln sie mit ihrer Musik umher und setzen damit ihren Albumtitel „A Dream Of Wilderness“ passend um. Die Melodik entsteht nicht nur aus den symphonischen Elementen, sondern entspringen zum größten Teil aus dem Zusammenspiel der beiden Gitarren. Hier wird Euch eine fingerfertige Kunstform dargeboten, die man getrost als höchst professionell bezeichnen kann. Bemerkenswert ist dabei, dass Marion als Sängerin auch noch eine der beiden Gitarre bespielt. Sie hat also ordentlich zu tun. Wie außergewöhnlich hochwertig das Gitarrenspiel funktioniert, zeigen AEPHANEMER gleich zu Beginn von „Pantha Rhei“, wo einem die flinken Leads von Martin Hamiche direkt durch die Ohren fliegen. Wunderbar gemacht!

Was mir bei diesem Song zudem sehr gut gefällt, sind eben die kleinen gesanglichen Überraschungen in Form von cleanen Vocals. Marion sagte mal in einem Interview, dass die cleanen Vocals für sie eine größere Herausforderung bedeuten würden. Aber ich finde, dass sie in diesem Bereich ihre Sache ebenfalls sehr gut macht. So einen eingestreuten lieblichen Part, der in Minute 02:39 ganz kurz aufblitzt, finde ich eine feine Sache und hätte sogar noch einige Momente länger dauern können. Auch die Doppelung von Marions Stimme im Chorus kommt echt gut rüber.

Imponierend

ist das Ganze auf jeden Fall und die Songs sind allesamt sehr dynamisch umgesetzt.

„Strider“ ist einer der Songs mit vielen Orchesteranteilen, wodurch er seinen sehr epischen Touch bekommt. Bei diesem Song übernehmen die Synthies in einer ausgedehnten Sequenz auch mal ganz allein das Ruder. Das hört sich schon schön an, aber die symphonischen Samples könnten auf dem Album insgesamt noch organischer klingen. Ein echtes Orchester würde dem Sound noch mehr Seele verleihen. Vielleicht wird das zukünftig mal eine Option bei AEPHANEMER.

Titeltrack „A Dream Of Wilderness“ auf, bei dem eine solche Sequenz ebenfalls eingebaut wurde. Ansonsten besticht auch der Titeltrack durch eine tolle Dynamik mit einem spannenden Songaufbau.

„La Radeau de la Méduse“ zeigt auch mal wieder den Einsatz anderer Vocals. Zudem hat der Song tolle Rhythmuswechsel zu verzeichnen und überdies ist der Part mit dem Blastbeatgewitter im Zusammenspiel mit der zarten cleanen Voice von Marion sehr erfrischend. Exzellenter Song!

Kommen wir zu der zweiten Single „Antigone“, die gleichfalls mit schnellen Leads einen fulminanten Einstieg bietet. Insgesamt bietet auch dieser Song eine hervorragende Demonstration von der fantastischen Gitarrenarbeit. Da haben sich AEPHANEMER definitiv sehr weiterentwickelt.

Fazit

AEPHANEMER zelebrieren auf ihrem Album “ A Dream Of Wilderness“ furiosen Death Metal, der mit melodischer Wildheit begeistert. Alles in allem eine beachtliche Vorstellung, die die hohen Qualitätsansprüche der Band hervorhebt. Das neue Album ist der Sprung auf die nächste Stufe. Ich bin mir allerdings sicher, dass AEPHANEMER ihr Potential noch lange nicht ausgeschöpft haben und so werden AEPHANEMER garantiert noch andere Ebenen der musikalischen Kunst erklimmen.

English review

Symphonic Death Metal

AEPHANEMER (Facebook) are a quartet from Toulouse in France and move in the currently very busy sea of symphonic metal. Fortunately, the manifestations of classical music are very diverse. Because so there are almost infinite possibilities to interpret the symphonic metal very individually and differently. The album „A Dream Of Wilderness“ will be available next Friday, November 19.

In any case, the cover may be the first of its kind in the field of Death Metal, which depicts a wild boar. The representation in its special abstract design underlines the artistic freedom, which is ultimately also evident in the music.

Characteristics

A characteristic feature of AEPHANEMER is the growling guttural voice of singer Marion Bascoul, who holds the sole vocal authority. The growls are in the higher tonal range. Deviations into other vocal ranges are rather the exception. Some will be happy about this, but I think that a little more variety in this respect would be great for the band. This variety flashes now and then briefly in some songs. What I mean by this, AEPHANEMER show for example in the first single „Panta Rhei“.

Highly melodic, but also wild and impetuous

they swirl around with their music and thus appropriately implement their album title. The melodicism not only arises from the symphonic elements, but mostly from the interplay of the two guitars. Here you are presented with a dexterous art form that must confidently be called highly professional. It is remarkable that Marion, as the singer, also sets the tone on the rhythm guitar. So she has a lot to do. AEPHANEMER show how exceptionally high quality guitar playing works right at the beginning of „Pantha Rhei“, where the nimble leads of Martin Hamiche fly impressively through your ears. Wonderfully done!

What I also like very much about this song is the little vocal surprise of clean vocals. Marion once said in an interview that the clean vocals are a bigger challenge for her. But I think that she does a good job there as well. Such an interspersed sweet part, which flashes very briefly in minute 02:39, is fine and could even have lasted a few moments longer. Also the doubling of Marion’s voice in the chorus comes across really well.

Impressive

is the whole thing in any case and all the songs are all very dynamically implemented.

„Strider“ is one of the songs with many orchestral parts, which gives it a very epic touch. In this song, the synths take over all by themselves in an extended sequence. It sounds nice, but the symphonic samples could sound more organic on the album as a whole. A real orchestra would give the sound even more soul. Maybe this will be an option for AEPHANEMER in the future.

Title track „A Dream Of Wilderness“, where such a sequence was also incorporated. Otherwise, the title track also impresses with a great dynamic with an exciting song structure.

„La Radeau de la Méduse“ also shows the use of other vocals again. In addition, the song has great rhythm changes and moreover, the part with the blastbeat thunderstorm in interaction with the delicate clean voice of Marion is very refreshing. Excellent song!

Let’s move on to the second single „Antigone“, which also offers a brilliant introduction with burning finger leads. Overall, the song offers an excellent demonstration of the fantastic guitar work. There AEPHANEMER have definitely developed very much.

Conclusion

AEPHANEMER celebrate on their album “ A Dream Of Wilderness“ furious Death Metal, which inspires with melodic ferocity. Especially fans who could not do so much with clean vocals, may be pleased. All in all, a remarkable performance that highlights the band’s high quality standards. The new album is the leap to the next level. However, I am sure that AEPHANEMER have by no means exhausted their potential and so AEPHANEMER are guaranteed to climb other levels of musical art.

Melodic-Death-Metal

von der kanadischen Band EX DEO (Facebook) hat einen guten Wiedererkennungswert, was hauptsächlich ihrem typischen symphonischen bombastischen Erscheinungsbild zu verdanken ist, welches mit der markanten Stimme von Sänger Maurizio Iacono gekrönt wird.

EX DEO haben immer gut bis sehr gut abgeliefert. „Caligvla“ aus dem Jahr 2012 war für mich der Höhepunkt ihrer Diskografie…bisher. Allerdings ähnelte sich das Songmaterial für meinen Geschmack manchmal zu sehr und ich hätte mir etwas frischen Wind im Sound gewünscht. Nun steigt das neue Album „The Thirteen Years Of Nero“ (VÖ 27.08.2021) aus den brennenden Ruinen Roms empor. Bin ich mal gespannt, auf welchem Level sich das neue Album bewegt.

Bombastisch

brechen EX DEO wie gewohnt hervor. Der Opener „The Fall Of Claudius“ ist einer der geilsten Songs, die ich bisher von EX DEO gehört habe. Ein Windzug von düsterem Black Metal hält Einzug, wenn Sänger Maurizio mit seinen fiesen hohen Screams loslegt. Zudem gesellen sich schräge Gitarrenriffs dazu, die geradezu verstörend zerstörend wirken und dem Song eine ganz besondere Aura des Wahnsinns verpassen. In Verbindung mit dem grundlegend gewohnt massiven Riffing, dem fundamentalen Drumming und dem einnehmenden Bass entsteht ein unheimliche und zermalmende Soundwalze, die es in sich hat. Ein beeindruckendes Opening!

Lasset den Imperator sprechen!

Kommen wir zu der ersten Video-Single des neuen Albums. „Imperator“. Der setzt die Geschichte nicht weniger eindrucksvoll wie der Opener fort. Ein gewaltiges Erdbeben, was nicht nur die Boxen erschüttern lässt. Das ist kolossaler Metal, der Eure Leiber zum Beben bringt. Die orchestralen Elemente verstärken diesen Effekt sehr gekonnt und sind perfekt vom niederländischen Keyborder Clemens Wijers (CARACH ANGREN, LINDEMANN) eingesetzt. Ja, ich muss zugeben. Das Album gefällt mir immer besser. Gönnen wir uns eine Lesepause und schauen uns das recht schonungslose Video an, welches tatsächlich nicht mir rotem Saft geizt. Guten Appetit!

Machtvoll und majestätisch

geht es weiter voran. „The Head Of The Snake“ zeigt noch mal mehr, dass EX DEO mit diesem Album etwas weitergehen. Das macht richtig Bock! “ The Head Of The Snake“ schaltet in imponierenden Vollgaspassagen auf Frontalangriff. Die Tempiwechsel und die im Hintergrund erklingenden sakralen Chöre erzeugen eine mystische Atmosphäre. Beeindruckend auch hier wieder die famosen orchestralen Elemente.

Man merkt den Songs auch an, dass man insgesamt mehr Wert auf Abwechslung gelegt hat. Und genau das wertet die Songs unheimlich auf. So ist auch der stimmungsvolle weibliche Gastgesang beim Song „Boudicca (Queen Of The Iceni)“ von Brittney Slayes (UNLEASH THE ARCHERS) sehr willkommen und sorgt für spezielle Momente. Ich erinnere mich auch gerne zurück an den genialen Song „Divede Et Impera“ vom Album „Caligvla“.

In dem epischen rein akustischen Intermezzo „Trial Of The Gods“ zeigt Keyborder Clemens Wijers eindrucksvoll, was es heißt atmosphärische orchestrale Soundlandschaften zu erschaffen. Der ultimative Einstieg in dem unheilvollen Midtempo-Brecher „The Fiddler & The Fire“, der es mir auch besonders angetan hat. Dies liegt vor allem an dem traumhaften Refrain, der von einem Streicherensemble getragen und von einem Trommelgewitter durch Jeramie Kling (Venom Inc.) befeuert wird. Über allem thront dann die Stimme von Maurizio. Gänsehaut! Zudem bedient man sich der exotischen Töne einer Harfe. Solche kleinen Besonderheiten gefallen mir immer ganz gut.

Fazit

EX DEO haben mit “ The Thirteen Years Of Nero“ ein mächtig imposantes Album hervorgebracht. Die fette druckvolle Produktion ist für den EX DEO-Sound wie geschaffen und steigert den ohnehin schon kolossalen Charakter der Songs zu einem brutalen Erdbeben. Die Atmosphäre ist noch dichter geworden und die Abwechslung bzw. der Mut im Songwriting ist deutlich spürbar, könnte meiner Meinung nach aber noch ein wenig mutiger und ausgefallener ( wie z.B. im ersten Song „The Fall Of Claudius“) ausfallen. Die imposanten Songkohorten des Albums kämpfen sich unerschrocken in die Oberliga des Melodic-Death-Metal. So viel ist sicher! Eine imponierende Geschichtsstunde, die man so schnell nicht vergessen wird und bleienden Eindruck hinterlässt. So kann es weitergehen!

English Review

Melodic-Death-Metal

by the Canadian band EX DEO (Facebook) has a certain recognition value, which is mainly due to their typical symphonic bombastic appearance, topped with the distinctive voice of singer Maurizio Iacono.

EX DEO have always delivered good to very good. „Caligvla“ from 2012 was for me the highlight of their discography…so far. However, the song material was sometimes too similar for my taste and I would have liked some fresh wind in the sound. Now the new album „Thirteen Years Of Nero“ (VÖ 27.08.2021) rises from the burning ruins of Rome. I’m curious to see on what level the new album moves.

Bombastic

EX DEO burst out as usual. The opener „The Fall Of Claudius“ is one of the most awesome songs I’ve heard from EX DEO so far. A breeze of gloomy Black Metal takes hold when singer Maurizio starts with his nasty high screams. In addition, weird guitar riffs join in, which are almost disturbingly destructive and give the song a very special aura of madness. In conjunction with the fundamentally usual massive riffing, the massive drumming and the engaging bass creates an eerie and crushing sound wall. An impressive opening!

Let the Imperator speak!

Let’s move on to the first video single of the new album. „Imperator“ continues the story no less impressively than the opener. A huge earthquake, which not only makes the boxes shake. This is colossal metal that will make your bodies shake. The orchestral elements enhance this effect very skillfully and are perfectly used by Dutch keyboarder Clemens Wijers (CARACH ANGREN, LINDEMANN). Yes, I have to admit. I like the album more and more. Let’s take a break from reading and have a look at the quite ruthless video, which indeed does not stingy with red „color“. Bon appetite!

Powerful and majestic

it goes further ahead. „The Head Of The Snake“ shows once again that EX DEO develope a step further. That´s really impressive! “ The Head Of The Snake“ switches to frontal attack in impressive full throttle passages. The tempo changes and the sacral choirs sounding in the background create a mystical atmosphere. Impressive here again the awesome orchestral elements.

You can also tell that the songs have been given more emphasis on variety. And exactly this enhances the songs enormously. So the atmospheric female guest vocals on the song „Boudicca (Queen Of The Iceni)“ by Brittney Slayes (UNLEASH THE ARCHERS) is very welcome and provides special moments. I also fondly remember the brilliant song „Divede Et Impera“ from the album „Caligvla“.

In the epic purely acoustic intermezzo „Trial Of The Gods“ keyboarder Clemens Wijers impressively shows what it means to create atmospheric orchestral soundscapes. The ultimate introduction in the ominous midtempo-breaker „The Fiddler & The Fire“, which I also like very much. This is mainly due to the dreamlike chorus, which is carried by a string ensemble and fueled by a drum storm of Jeramie Kling (Venom Inc.). Maurizio’s voice then towers over everything. Goosebumps! In addition, the exotic sounds of a harp are used. Such small peculiarities always please me quite well.

Result

EX DEO have produced a mighty imposing album with „Thirteen Years Of Nero“. This fat powerful production is perfectly made for the EX DEO sound and increases the already colossal character of the songs to a brutal earthquake. The atmosphere has become even denser and the variety or courage in the songwriting is clearly noticeable, but in my opinion could still be a little bolder and more unusual ( such as in the first song „The Fall Of Claudius“). The imposing song cohorts of the album fight their way fearlessly into the upper league of Melodic-Death-Metal. That is for sure! An impressive history lesson that will not be forgotten so quickly and leaves a lasting impression. It can go on like this!

Melodic-Symphonic-Death-Metal

Man kann schon an der Kategorisierung erkennen, dass GHOSTS OF ATLANTIS (Facebook ) ein Menge in sich vereinen. Ihr Debütalbum mit dem geheimnisvollen Titel „3.6.2.4“ erscheint am 26.03.2021. Der Inhalt des Albums verwebt die Mythologie rund um die sagenumwobene Stadt Atlantis mit Bezügen zur aktuellen Zeit, fiktiven Geschehnissen und will den Hörer auf eine fantastische Reise mitnehmen. Der Titel mit der Zahlenfolge „3.6.2.4“ erklärt sich erst einmal nicht und die Band hilft auch nicht weiter, denn diese ruft absichtlich zum Rätselraten auf, was den Titel des Albums angeht. Vielleicht bringt das anstehende Interview hier auf `metal-heads.de´ mehr Licht ins Dunkel.

Bombast pur

Den Song „The Third Pillar“ habe ich als ersten Song auf YouTube entdeckt und ich war total begeistert . Der Song ist genial! Der Melodic-Death-Metal ist symphonisch aufgepeppt und erzeugt einen monumentalen Sound. Die epische Komponente bekommt noch zusätzlichen Schub durch den sakralen majestätischen Chorus.
„The Third Pillar“ ist eine eindrucksvolle Demonstration von imposantem Bombast!
Trotz aller Härte legen GHOSTS OF ATLANTIS viel Wert auf Harmonien und einer Portion Theatralik. Höret und sehet selbst.

Poseidon

als mächtiger Gott des Meeres hätte an diesem intensiven vor Kraft strotzenden Sound seine helle Freude. Der Sound vermittelt mitunter pures heroisches Feeling. Dabei entwickelt er eine Intensität wie ein ausbrechender unterirdischer Vulkan, der das Meer zum Beben bringt und riesige Flutwellen aufleben lässt. Hierbei sei passenderweise der Song „Poseidons Bow“ hervorzuheben, der mit seiner ungeheuren Präsenz und Power besticht. Der Song ist ein wahres Füllhorn von musikalischen Eindrücken. Exemplarisch genannt seien hier die schnellen dramatischen Gitarrenleads in den Strophen und das hervorstechende Gitarrensolo. Auch der Chorus mit den beiden Stimmen kann voll und ganz überzeugen. Sänger Phil Primmer shoutet düster aggressiv, wohingegen Colin Parks immer wieder wohlklingende cleane Gesangslinien einstreut. Dies passt sehr gut zum musikalischen Stil, vor allem deswegen, weil das kontrastierende Konzept nicht immer einem bestimmten Schema folgt, sondern individuell den Songs angepasst und ihrer Ausstrahlung dienlich ist. Das sorgt für

Spannung und Aufregung.

Man wird von der gewaltigen Soundkulisse förmlich überwältigt. GHOSTS OF ATLANTIS kreieren reichhaltige Soundlandschaften gleich einem pompösen Kinoblockbuster. Alles wirkt wohldurchdacht, abwechslungsreich und doch homogen. Es ist eine interessante Mischung, mit der GHOSTS OF ATLANTIS meiner Meinung nach eine eigene Nische gefunden haben. Elemente des Sounds finden sich hier und da bei anderen Bands, aber in der Form vereint kenne ich zur Zeit zumindest keine andere Band, die das so praktiziert. (Wenn man Vergleiche sucht, dann könnte man DIMMU BORGIR oder EX DEO anführen.)

Keine Schwäche

Es fällt schwer einzelne Song rauszupicken und herauszustellen, denn es sind allesamt hochwertige Songs, denen es an nichts mangelt. Man nehme z.B. den ruhigen Zwischenpart mit cleanem Gesang beim Song „Gardens Of Athena“! Wow, was für eine Stimme! In der ganzen Gewaltigkeit glänzt Colin mit einer gefühlvollen Einlage und erzeugt damit eine ganz magische Atmosphäre. Überragend!

In all der ganzen opulenten Darbietung ist mir persönlich besonders auch Drummer Rob Garner aufgefallen. Er zeigt meiner Meinung nach wirklich eine außergewöhnliche Leistung. Ich war begeistert von seiner variantenreichen und zugleich druckvollen Spielweise. Achtet mal auf die die häufigen Wechsel beim Tempo und Rhythmus! Das ist sehr beachtlich und die Songs erlauben Rob immer wieder, es auch in schnellen Passagen granatenmäßig krachen zu lassen. Dies kann man auch beim Track „When The Tridents Fall“ bewundern, der zwischen hochmelodischen Refrains und rasenden Ausbrüchen alterniert, denen sich ebenfalls die Gitarren anpassen und sogar einen Flair von Black Metal versprühen.

„The Lost Compass“ als letzter Song macht dabei ebenso keine Ausnahme. Ein episches Finale, dass keine Wünsche offen lässt und traumhafte Hooklines aufweist. Der hochmelodische Chorus ist zum Niederknien.Das Zusammenspiel der beiden Sänger ist wieder und wieder bemerkenswert.

Fazit

GHOSTS OF ATLANTIS schmettern den Dreizack mit aller Gewalt in die Erde und lassen die Welt, einem gewaltigen Seebeben gleich, erzittern. „3.6.2.4“ ist ein mächtiges kolossales Album, dass Euch garantiert beindrucken wird . Es ist mit so viel Kunstfertigkeit erschaffen worden, so dass es total ausgereift wirkt. Es gibt auf dem Album keine Ausfälle, nur Monstertracks.

Stellt sich nun die Frage nach der punktemäßigen Bewertung. Ein Debütalbum mit 10 Punkten? Geht so was überhaupt? Kann man so einen Katapultstart hinlegen? Ja, kann man! GHOSTS OF ATLANTIS haben es mit ihrem Kracheralbum „3.6.2.4“ bewiesen. Das hat schlussendlich natürlich auch etwas damit zu tun, dass sich bei GHOSTS OF ATLANTIS professionelle Musiker mit langjähriger Erfahrung zusammengefunden haben, um dieses fantastische Projekt auf die Beine zu stellen. Wer auf modernen melodischen hochatmosphärischen Death-Metal mit symphonischer Prägung und einem Flair von Black-Metal steht, der muss dieses Album haben. Werdet ein Geist von Atlantis!

Review english

Melodic-Symphonic-Death-Metal

You can already tell by the categorisation that GHOSTS OF ATLANTIS (Facebook ) unites a lot in their music. Their debut album with the mysterious title „3.6.2.4“ will be released on 26.03.2021. The content of the album interweaves the mythology around the legendary city of Atlantis with references to current times, fictional events and wants to take the listener on a fantastic journey. The title „3.6.2.4“ doesn’t explain itself at first and the band doesn’t help either, because they deliberately call for guesswork regarding the title of the album.

Bombast

The first song „The Third Pillar“ was released as the first single. And they did exactly the right thing with it. The song is brilliant! The melodic death metal is spiced up symphonically and creates a monumental sound. This epic component gets an extra boost from the sacred majestic chorus.
„The Third Pillar“ is an impressive demonstration of imposing bombast!
Despite all the harshness, GHOSTS OF ATLANTIS put a lot of emphasis on harmonies and a portion of theatricality. Listen and see for yourself.

Poseidon

as the mighty god of the sea would be delighted with this bombastic sound, bursting with power and conveying a heroic feeling through and through. The sound is like an erupting subterranean volcano that makes the sea tremble and brings tidal waves to life. „Poseidon’s Bow“ is a fitting example of this, captivating with its immense presence and power. This song is a veritable cornucopia of musical impressions, including an outstanding guitar solo. The chorus with the two voices is also completely convincing. Singer Phil Primmer shouts darkly aggressive, whereas Colin Parks intersperses clean vocal lines again and again. This fits the musical style very well, especially because the concept does not always follow a certain scheme, but is individually adapted to serve the songs and their charisma. This creates

tension and excitement

One is literally overwhelmed by the powerful soundscape. GHOSTS OF ATLANTIS create rich soundscapes like a pompous cinema blockbuster. Everything seems well thought out and homogeneous. It is an interesting mixture with which GHOSTS OF ATLANTIS have found their own niche in my opinion. Elements of the sound can be found here and there in other bands, but united in this form I don’t know any other band at the moment that practices this. (If you look for comparisons, you could cite DIMMU BORGIR or EX DEO.).

No weakness

It’s hard to pick out individual songs and single them out, because they are all high-quality songs that lack nothing. Take, for example, the quiet interlude with clean vocals in the song „Gardens Of Athena“! Wow, what a voice! In all the violence, Colin shines with a soulful interlude, creating a quite magical atmosphere. Outstanding!

In all the opulent performance, drummer Rob Garner in particular stood out to me personally. He really shows an extraordinary performance in my opinion. I was thrilled by his varied and at the same time powerful playing. Really strong! Pay attention to the frequent changes in tempo and rhythm! This is very remarkable and the songs allow Rob to let it rip again and again, even in fast passages. This can also be admired on the track „When The Tridents Fall“, which alternates between highly melodic choruses and frenzied outbursts to which the guitars also adapt and even exude a flair of black metal.

„The Lost Compass“ as the last song is no exception. An epic finale that leaves nothing to be desired and features dreamlike hooklines. The highly melodic chorus is to die for. The interplay between the two singers is remarkable again and again.

Result

GHOSTS OF ATLANTIS smash the trident into the earth with all their might and make the world tremble like a mighty seaquake. „3.6.2.4“ is a mighty colossal album that is guaranteed to impress you. It has been created with so much artistry that it seems totally mature. There are only monster tracks!

The question now is how to score it. A debut album with 10 points? Is that even possible? Can GHOSTS OF ATLANTIS get off to such a catapult start? Yes, they can! GHOSTS OF ATLANTIS have proven it with their smash album „3.6.2.4“. Ultimately, of course, this also has something to do with the fact that GHOSTS OF ATLANTIS are professional musicians with many years of experience who have come together to put this fantastic project together. If you like modern melodic death metal with a symphonic touch and a flair of Black-Metal, this album is a must have. Become a ghost of Atlantis!

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Bei uns landen eine ganze Menge Mails im Newspostfach. Und manchmal ist auch eine dabei, wo ich hellhörig werde. So erging es mir, als Aephanemer uns bzgl. ihres neuen Albums Prokopton anschrieben. Hab ich vorher noch nie gehört, ich denke, da geht es einigen von euch nicht anders. Wen ich aber sehr wohl kannte, war derjenige, der das Album gemixt hat. Kein geringerer als die Melodic Death Metal Legende Dan Swanö hatte seine Finger mit im Spiel. Und da muss man einfach um eine CD bitten und diese reviewen…geht gar nich´ anders.

Die Band

Widmen wir uns ganz fix den harten Fakten…gegründet wurde die französische Band im Jahr 2014. Nach einer EP erschien im Jahr 2016 das erste Album „Memento Mori“. Klanglich wird hier typisch skandinavischer Death Metal mit klassischer Musik garniert. Passend dazu haben wir es hier mit einer Sängerin zu tun, was ja im Melo Death Bereich nicht sooo häufig vor kommt.

Das Album

Prokopton begrüßt uns mit einem einfachen, aber trotzdem schön gestaltetem Cover. 8 Songs finden sich auf dem Silberling wieder, wobei es sich beim ersten Song direkt um den Titeltrack „Prokopton“ handelt. Diesmal nicht wie so oft ein instrumentales Intro, sondern ein vollwertiges Lied. Melodische Gitarrenparts untermalt von Schlagzeugspiel stimmen eine Minute lang, bevor es dann mit mehr Tempo zur Sache geht. Sofort hab ich das Gefühl, ich höre Symphonic Metal mit etwas mehr Speed als normal. Die einsetzenden Growls der Sängerin passend ganz hervorragend zur eingängigen Melodie. Die Melodie ist mir insgesamt vielleicht etwas zu verspielt, aber die Growls sind richtig gut, wow. Das folgende „The Sovereign“ macht dann auch direkt in dem Stil weiter. Gitarren geben den Rhythmus vor, das Schlagzeug ist etwas zurückhaltender. Dazu die Vocals on Point. Das passt.

Glasklar produziert…

…und auf gutem Niveau kommt das Album daher. „Dissonance Within“ stellt wieder schön die Vocals von Shouterin Marion in den Vordergrund. Es mischen sich auch immer mal wieder Folk-Elemente in die Songs, die durchaus gut dazu passen.

Etwas Geigenspiel beschert uns „Snowblind“ zur Einstimmung, bevor das Schlagzeug mal etwas mehr Tempo vorgibt. Von derartigen Stellen hätte ich mir insgesamt etwas mehr gewünscht, die harten Passagen kommen mir zu kurz. Das wird aber mein persönlicher Geschmack sein und macht das Album jetzt auf keinen Fall schlecht. Zum Ende des Songs gibt es sogar mal Klargesang im Wechsel mit Growls, der ebenfalls sehr gelungen ist und dem Ganzen noch mehr Folkcharakter gibt. „At Eternity’s Gate“ startet beinahe in Blind Guardian Manier und entpuppt sich als rein instrumentales Lied.

Dem Ende entgegen

Mit „Back Again“ kommt dann wieder ein wenig mehr Tempo ins Geschehen. Insgesamt vielleicht das flotteste Lied bisher. Das über 8 Minuten lange „Bloodline“ bringt dann nochmal ein wenig mehr Power mit…der Drummer darf sich etwas mehr ausleben und hier kommen auch mal etwas häufiger Melo Death typische Blast Beats zum Tragen.

Zum Abschluss kommt auch bei „If I Should Die“ das bewährte Konzept zum Tragen.

Fazit

Insgesamt handelt es sich bei „Prokopton“ um ein solides Album. Wir haben hier eine tolle Produktion, stimmige Growls, insgesamt einen schönen Stilmix. Was mir nicht so gefällt…es fehlen etwas die Hooks bei den Gitarren und es fehlt ein wenig an Abwechslung. Mehr Härte hätte dem Album nicht geschadet. Vermutlich höre ich in letzter Zeit einfach zu viel Death Metal Wer mit weiblichen Growls und Symphonic Melodic Death Metal etwas anfangen kann, der hat hier eine klare Kaufempfehlung, ohne wenn und aber.

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