Epic Metal aus Griechenland mit Triumpher

Im Bereich Epic Metal tut sich ja bedauerlicherweise seit geraumer Zeit sehr wenig. Die (zumindest noch bei einigen) vorhandene Hoffnung, dass beispielsweise MANOWAR nochmal neues Material veröffentlichen, schwindet von Monat zu Monat. Mit der 2020 von Sänger Mars Triumph in der griechischen Hauptstadt Athen gegründeten Formation TRIUMPHER hat sich eine Band aufgemacht, das Erbe des True Metal zu bewahren. Ihr drittes Album ist mein Erstkontakt mit der Band und so war ich gespannt, wie sie sich hierbei schlagen.

Wuchtiger (und gelungener) Auftakt

Mit dem überaus wuchtigem und epochalem „Black Blood“ gelingt den Griechen der Auftakt schon einmal sehr vielversprechend. Hiervon dürft ihr euch gleichmal selber überzeugen.

Mit dem schnellen und brutalem „Destroyer“ folgt eine musikalische Abrissbirne, die zudem mit einem starken Gitarrensolo überzeugt. Spätestens bei den Bassläufen von „The Mountain Throne“ sind dann Ähnlichkeiten zu MANOWAR unverkennbar. Auch diesen starken Track haben wir für euch parat.

Powerballade und monumetaler Abschluss

Die Powerballade „Ithaca (Return Of The Eternal King)“ kann ebenso überzeugen wie das epische Metalmonster „The Flaming Sword“. Seinen eindrucksvollen Abschluss findet „Piercing The Heart Of The World“ mit dem nahezu 10-minütigem Epos „Naus Apidalia“. HIer hauen die Hellenen noch einmal alles raus, was in ihnen steckt.

Epic Metal lebt dank Triumpher

Mit „Piecing The Heart Of The World“ ziegen die Griechen, dass der Epic Metal noch lange nicht verloren ist und sie durchaus in der Lage sind, die Nachfolge von Bands wie MANOWAR oder VIRGIN STEELE anzutreten. Dabei orientieren sie sich eher an MANOWAR Frühwerken wie „Hail To England“ oder den VIRGIN STEELE-Klassikern wie „Invictus“, was ganz klar als Kompliment anzusehen ist. Mars Triumph verfügt vielleicht nicht ganz über die Klasse eines Eric Adams, aber er schafft es, die Songs in durchaus überzeugender Manier darzubieten. Ein absolut gelungenes Album und ich würde mich wirklich freuen, die Band hierzulande einmal live erleben zu dürfen.

10 Jahre nach „Alice In Hell“

Hach, damals, es war das Jahr 1989. Und wir erinnern uns an die friedliche Revolution in der DDR sowie an den Durchbruch von Annihilator mit der Scheibe „Alice In Hell“ . Genau 10 Jahre später – Ja, ihr Schlaumeier – wir meinen das Jahr 1999 – erschien dann „Criteria For A Black Widow“ von, mit und um Annihilator-Masterind Jeff Waters.

Zwei Jahre später erblickte „Carnival Diablos“ im Jahr 2001 das Heavy-Metal-Licht der Welt.

Zwischenzeitliches Chaos

Zwischen 1989 und 1999 ging es derweil äußerst turbulent zu bei der Band. Zig Wechsel im Line-Up, experimentelle Werke wie das – bereits ebenfalls neu aufgelegte und hier bei uns auf metal-heads.de vorgestellte – Album „Remains“ . Dazu waren allerhand interner Krach und Turbulenzen bei Annihilator an der Tagesordnung. Aber Jeff Waters hat dies alles überstanden und tobt heute noch fröhlich und gekonnt über die Bühnenbretter dieser Welt.

Annihilator mit Criteria For A Black Widow

1999 führte ausgerechnet der Besuch eines kleinen Club-Gigs bei den Kollegen von Slayer für Bandgründer Jeff zu der Erkenntnis, sich besser wieder seinen musikalischen Wurzeln zu widmen und sich auf die eigenen Stärken zu besinnen. Härte, Geschwindigkeit und vor allen Dingen echte Drums statt Schlagzeug-Sound aus der Konserve. Und so suchte Waters eine neue Bandformation. Und fand mit Randy Rampage (Gesang), Ray Hartmann (Drums) sowie Dave Davis an der Gitarre drei Strategen, mit denen er „Criteria For A Black Widow“ aufnahm. Und jetzt – wir schreiben das Jahr 2026 – kommt eben dieses Werk zum allerersten Mal frisch gemastert und in 45 RPM aufgenommen als Doppel-Vinyl daher. Und wie schön es klingt, wenn die Plattennadel über die Langrille fährt und der Opener „Bloodbath“ aus den Boxen dröhnt. Gemeinhin ein All-Time-Favorite ist auch der Song „Back To The Palace“ . Beides dann auch unsere Anspiel-Tipps bei „Criteria For A Black Widow“ . Endlich wieder Thrash Metal. Endlich wieder explosive Riffs. Und natürlich endlich wieder ein cooles Album-Cover im Regal. Was braucht man mehr?

Annihilator mit Carnival Diablos

Gute zwei Jahre später nahm der Annihilator-Express noch mehr Fahrt auf. Denn bei „Carnival Diablos“ (2001) mischte nunmehr Joe Comeau (ex-Overkill) mit. Das Ergebnis war damals wie heute deutlich hörbar, einfach eine zusätzliche Dynamik. Schön, dass auch diese Platte im Jahr 2026 in neuem Gewand erneut das Licht der Welt erblickt. Ein Muss für jeden Vinyl-Sammler und Fan dieser großartigen Band. Erhältlich sind beide Doppel-Vinyl-Scheiben (oder CD-Digipack-Editionen) über diese beiden Links via EarMusic: Einmal „Criteria For A Black Widow“ (klick) und dann „Carnival Diablos“ (klick) . Aus der Duisburger Redaktion gibt es ein Doppel-Daumen-Hoch für die beiden hochwertig neu aufgelegten Doppel-Vinyl-Alben.

Mehr Infos zu Annihilator findet ihr auch auf deren Homepage.

20 Jahre RPWL

Herzlichen Glückwunsch den beiden Frauen und fünf Männern aus dem bayrischen Freising zu 20 Jahren erfolgreicher Bandgeschichte! Mit 11 Studioalben und 9 Live-Platten haben sich RPWL – der Name leitet sich übrigens aus den Anfangsbuchstaben von den Nachnamen der vier Gründungsmitglieder ab – in diesem Zeitraum einen großen Bekanntheitsgrad im deutschen Prog- bzw. Artrock-Markt erspielt. Grund genug, dies ordentlich zu feiern.

Das neue Live-Album

Und am besten geht dies natürlich mit einer neue Scheibe und sich anschließender Tournee. Am 01. Mai 2026 erscheint daher „World Through My Eyes“ live. Quasi als dritter Streich im Nachgang zum damals 4. Studioalbum aus dem Jahr 2005, das bereits 2025 neu abgemischt als remasterte Studioversion erneut veröffentlicht wurde. Neben den 11 Songs vom Original (inklusive des Bonus-Tracks „New Stars Are Born“ ) gibt es auf Disc 2 (wir hatten für unser Review die CD-Version zur Verfügung gestellt bekommen) 7 weitere Hits aus dem umfangreichen Repertoire dieser umtriebigen Band.

Umtriebige Gründungsmitglieder

Denn die beiden verbliebenen Gründungs-Mitglieder Yogi Lang (Gesang, Keyboards) sowie Kalle Wallner (Gitarre) sind echte Vollblut-Musiker. Die Tausendsassa schafften es, sich so ganz nebenbei noch mit dem eigenen Tonstudio (Yogi betreibt die Farm Studios) oder Nebenprojekten (Kalle mit Blind Ego) ein zweites. Standbein aufzubauen. Irgendwie hatte offenbar jeder Tag für das Gründungs-Duo in den vergangenen 20 Jahren mehr als 24 Stunden…Hier für euch Foto der aktuellen Band-Besetzung. Das aktuellen Line-Up von RPWL besteht aus den Sängerinnen Caroline von Brünken und Carmen Tannich, Sänger/Keyboarder Yogi Lang, Gitarrist Kalle Wallner, Bassist Markus Grützner, Drummer Marc Turiaux sowie Keyboarder Butsch Keys :

Mitschnitt vom Jubiläums-Konzert

Aber zurück zur neuen Platte. Diese wurde im Oktober 2025 anlässlich der Jubiläums-Tournee mitgeschnitten. Und die Tour geriet zu einer Erfolgsgeschichte mit unzähligen ausverkauften Hallen Und jetzt gibt es 18 Hits, verteilt auf zwei Vinyl bzw. CD-Scheiben ab dem 01.05.2026 für euch im Fachhandel. Schlagt zu, wenn ihr auf Artrock steht. Und euch geringfügige Abweichungen zu den Studioaufnahmen der Original-Version aus 2005 nicht stören. Klassiker wie „World Through My Eyes“ sind live 20 Sekunden kürzer als das Studio-Original geraten, andere Tracks wie „Wasted Land“ dafür satte 55 Sekunden länger. Und einfach dramatischer, weil live. Man spürt diese besondere Energie, die durch die Band zu ihren Fans und zurück fließt. Kein Wunder, dass bei dem einen oder anderen Gitarrensolo frenetischer Applaus aufbrandet. Hier könnt ihr das Album bereits pre-saven. Und hier vorbestellen.

Der Trailer zum neuen Album von RPWL

Wer von euch weniger Text lesen und dafür mehr hören möchte, für den haben wir hier noch den offiziellen Live-Album-Trailer:

Die Single-Auskopplung „Start The Fire (Live)“

Und wer sich von euch lieber einen kompletten Song zu Gemüte möchte, für den haben wir Track Nr.2 des Live-Albums, „Start The Fire“ nämlich, herausgesucht:

Die Tourdates von RPWL

An folgenden Terminen habt ihr die Chance, die Songs vom neuen Album „World Through My Eyes (Live)“ selbst live zu erleben:

17.05.2026 – München, The Ancestry Progfest

29.05.2026 – Isernhagen, Blues Garage

30.05.2026 – Helmond (NL) De Cacaofabriek

31.05.2026 – Reichenbach, Neuberinhaus „Rock trifft Klassik“ (gemeinsam mit dem Freisinger Symphonie-Orchester):

25.-27.09.2026 – Freising, Luitpoldhalle

Mehr Infos zur Band RPWL sowie zu den Live-Konzerten findet ihr auch auf deren Internetseite.

Einstieg mit Atmosphäre – und direkt in den Abgrund

Der Hör-Tatort beginnt stark: Ein scheinbar beiläufiges Gespräch über Zombie-Filme kippt abrupt, als bei der Kripo Verden das Telefon klingelt. Wenige Sekunden später befinden wir uns mitten in einem Ritual-Doppelmord auf hoher See. Dieser direkte Übergang funktioniert hervorragend, weil er das Hörspiel sofort auf Spannung zieht, ohne lange Exposition.

Die Inszenierung der Morde selbst ist visuell gedacht – obwohl es sich um ein reines Audioformat handelt. Die Tatorte erinnern deutlich an ikonische Metal-Artworks, insbesondere aus dem Umfeld von Iron Maiden und Dio. Das ist nicht nur ein netter Fanservice, sondern trägt auch zur Ästhetik des Falls bei: Überzeichnung, Symbolik und eine gewisse theatralische Brutalität.

Ermittlungen zwischen Szene-Nähe und Ironie

Das Ermittlerteam besteht aus drei Figuren, von denen eine undercover als Die-Hard-Metal-Fan an Bord geht. Diese Konstellation erzeugt einen doppelten Effekt: Einerseits entsteht situativer Humor – etwa wenn die Teammitglieder mit der plötzlichen Szene-Expertise ihrer Mitstreiterin überfordert sind. Andererseits erlaubt genau diese Figur einen glaubwürdigen Zugang zur Metal-Community auf dem Schiff.

Und hier punktet das Hörspiel besonders: Die Darstellung der Szene ist erstaunlich differenziert. Statt plumper Klischees gibt es liebevoll eingestreute Insider – von subtilen Anspielungen bis hin zu Fachbegriffen wie „Depressive Suicidal Black Metal“. Dass solche Details sitzen, deutet darauf hin, dass die Autorin entweder tief in der Materie steckt oder sehr präzise recherchiert hat.

Gleichzeitig nimmt sich die Szene auch selbst nicht zu ernst. Wenn die Ermittlerin auf alte Bekannte trifft und mit einem erleichterten „endlich normale Leute“ kommentiert, ist das augenzwinkernd – und trifft dennoch einen Kern dessen, was viele Szenemitglieder empfinden.

Mehr als nur Mord: Sozialkritik unter Deck

Bemerkenswert ist die sozialkritische Ebene des Hörspiels. Die Opfer sind philippinische Seeleute – ein Umstand, der von den Ermittelnden explizit thematisiert wird. Sätze wie „Die dritte Welt schuftet, während die erste Welt feiert“ oder „Hier schlafen also die Sklaven…“ verschieben den Fokus kurzzeitig weg vom Kriminalfall hin zu globalen Ungleichheiten.

Das wirkt nicht aufgesetzt, sondern integriert sich organisch in das Setting einer Kreuzfahrt, die per se ein Mikrokosmos sozialer Hierarchien ist. Gerade im Kontext von Metal-Kreuzfahrten – die oft als eskapistische Erlebnisräume funktionieren – entsteht hier ein spannender Kontrast.

Komplexität im kompakten Format

Mit rund 50 Minuten Laufzeit bleibt der narrative Raum naturgemäß begrenzt. Dennoch versucht „Vollmetallkreuz“, mehrere Themenstränge zu verbinden: Satanismus, Drogen, Eifersucht, gebrochene Beziehungen. Das führt in der Mitte der Handlung zu einer gewissen Verdichtung, die fast schon an die Grenzen des Formats stößt.

Große Twists bleiben aus – was aber weniger als Schwäche denn als bewusste Entscheidung wirkt. Statt auf überraschende Wendungen setzt das Hörspiel stärker auf Tonalität, Dialogwitz und eine gewisse Selbstironie. Gerade diese ironischen Brechungen geben der Geschichte Luft und verhindern, dass sie sich in ihrer eigenen Komplexität verliert.

Metal im Hörspiel: Zwischen Anspruch und Realität

Ein kleiner Wermutstropfen bleibt die musikalische Umsetzung. Während Fernseh-Metal-Krimis wie zum Beispiel beim Tatort oder der SOKO Wismar oft stark mit Soundtracks arbeiten, bleibt der Einsatz von Musik hier eher zurückhaltend. Immerhin blitzen mit „Welcome to the Jungle“ von Guns N‘ Roses und „Holy Diver“ von Dio zwei Klassiker kurz auf, ergänzt durch vereinzelte Gitarrenriffs und atmosphärische Konzertmomente.

Das reicht, um das Setting zu verorten – hätte aber durchaus noch konsequenter genutzt werden können, um die Atmosphäre zu steigern.

Fazit: Ein Hörspiel mit Szeneverständnis und Augenzwinkern

„Vollmetallkreuz – Mörderische Metal-Kreuzfahrt“ ist ein kurzweiliger, gut inszenierter Radio-Tatort, der vor allem durch seine Nähe zur Metal-Szene überzeugt. Statt plumper Klischees gibt es Insiderwissen, Selbstironie und eine glaubwürdige Darstellung der Community. Die sozialkritischen Untertöne geben dem Ganzen zusätzliche Tiefe, ohne den Unterhaltungswert zu schmälern.

Für ein allgemeines Publikum funktioniert der Fall als solider Krimi. Für Metal-Fans – und insbesondere für jene, die sich für das noch junge Phänomen der Festivalkreuzfahrten interessieren – ist er jedoch deutlich mehr: ein liebevoll gemachtes Hörspiel, das zeigt, dass Metal und Festivalkreuzfahrten auch im öffentlich-rechtlichen Radio angekommen sind.

Kurz gesagt: Kein Pflichttermin – aber ein verdammt gutes Schmankerl für alle, die wissen, warum „endlich normale Leute“ mehr ist als nur ein Satz.

Ein Gedanke zum Einstieg: Vielleicht braucht es genau für Bands wie GRAVE INTENTIONS eine ganz neue Schublade – nennen wir sie mal als Arbeitsbegriff „Melodic Brutal Death Metal“.
Was zunächst wie ein Widerspruch klingt, bekommt auf „Call Of The Void“ plötzlich Substanz. GRAVE INTENTIONS liefern hier ein Klangbild, das diese beiden Pole nicht nur verbindet, sondern regelrecht neu denkt – nicht als Kompromiss, sondern als konsequentes Konzept.

Melodie trifft maximale Härte

GRAVE INTENTIONS schaffen auf „Call Of The Void“ etwas, das viele Bands versuchen, aber nur wenige wirklich überzeugend hinbekommen: melodische Eingängigkeit mit kompromissloser Brutalität zu verbinden, ohne dass eines das andere verwässert.

Das Fundament ist klar im Melodic Death Metal verankert – doch darüber hinaus passiert deutlich mehr. Eine durchgehende Thrash-Schlagseite sorgt für Tempo und Druck, während einzelne Momente – etwa bei „Tides“ (Anspieltipp Nr. 1!) – in Richtung Blackened Death tendieren. Dazu kommt ein spürbarer Groove, der die Songs erdet und live zünden dürfte (Anspieltipp Nr. 2: „Succession“).

Oder anders gesagt: Das Ding wird mit all diesen feinen Zutaten bei Höllenhitze 37 Minuten lang durch den Ofen gejagt – und kommt perfekt gegart wieder raus.

Kein Einheitsbrei, sondern Struktur und Idee

Was besonders auffällt: Trotz der Härte bleibt das Album klar strukturiert und differenziert. Die Songs leben von Breaks, Dynamikwechseln und vor allem vom kreativen Gitarrenriffing. Hier wird nicht einfach durchgeprügelt, sondern bewusst gestaltet.

Das Ergebnis ist kein breiiger Soundteppich, sondern ein Album, das präzise, abwechslungsreich und durchdacht wirkt – ohne dabei an Wucht zu verlieren.

Haltung statt hohler Posen

GRAVE INTENTIONS sind dabei nicht nur musikalisch interessant. Inhaltlich lässt sich das, was sie tun, durchaus als eine Form von „linkem Death Metal“ beschreiben: gesellschaftskritisch, reflektiert und mit klarer Haltung.

Gerade im Kontext von Veranstaltungen wie dem Rage Against Racism entfaltet das eine zusätzliche Ebene – weil Botschaft und musikalische Energie hier ineinandergreifen.

Frontfrau Jana als Fixpunkt

Seit 2021 steht Sängerin Jana am Mikro – und die Frontfrau hat sich längst als prägende Figur der Band etabliert. Was auf Platte schon überzeugt, hat sie live bereits eindrucksvoll bestätigt: Die Bühne ist ihr Höllenthron.

Ihre brutalen Growls geben dem Sound eine zusätzliche Tiefe und Aggressivität, ohne die melodischen Elemente zu überdecken – genau dieser Balanceakt macht den Reiz der Band aus. (Anspieltipp Nr. 3: „Heresy“)

Fazit: Zeit für ein neues Genre-Label?

Ob man es nun wirklich „Melodic Brutal Death Metal“ nennen will oder nicht – GRAVE INTENTIONS liefern mit „Call Of The Void“ ein Album ab, das genau diese Lücke füllt: Brutal, melodisch, durchdacht – und mit Haltung. Der Sieg beim Slot Battle kommt also alles andere als überraschend.

Wer sich live selbst ein Bild machen will, bekommt in den kommenden Monaten gleich mehrere Gelegenheiten:

• 25.04. – Ruhrpit, Waltrop
• 16.05. – Charity Unleashed, Oberhausen
• 06.06. – Rage Against Racism Festival
• 10./11.07. – Lünen (Alternative Stage, tba)
• 17.07. – Slumcult, FZW

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Iron Savior bewegen sich zurück in die 80’er Jahre

Wie es dazu kam, dass sich die Metaller bekannten Rock- und Popsongs der 80’er Jahre angenommen haben, erläutert Bandboss Piet Sielck wie folgt:

Nach dem großen Erfolg des 2002er Condition Red-Bonustracks ‚Crazy‘ (Seal), der sogar in einer HBO-Serie verwendet wurde, haben uns Fans und Medien immer wieder gefragt, ob wir nicht ein komplettes Coveralbum machen würden. Und jetzt, zwei Jahrzehnte später, ist es dann auch tatsächlich soweit! „Awesome Anthems“ setzt die Umgestaltung von Pop zu Metal im typischen Iron-Savior-Stil fort, wie sie schon mit Seals Crazy und den Eurythmics’ Sweet Dreams begann. Wir sind unglaublich stolz auf das Ergebnis – die Songs haben alle weiterhin ihren ursprünglichen Vibe, sind aber zu 100 % Iron Savior. Hört am besten selbst rein – ich garantiere ein breites Grinsen an so manchen Stellen :-)!

Iron Savior beweisen Geschmack

Zunächst einmal muss man festhalten, dass Iron Savior bei der Songauswahl einen wirklich guten Geschmack bewiesen haben. Denn die Songs (siehe Tracklist weiter unten) gehören sämtlich zu den echten Klassikern der 80’er Jahre und sind unabhängig vom Stil einfach tolle Musikstücke. Die Band hat es zudem geschafft, den Tracks ihrem Musikstil entsprechend anzupassen und in ein metallisches Gewand zu verpacken. In Form des Videos zu „Maniac“ dürft ihr euch einen eigenen Eindruck verschaffen.

Es ist und bleibt Geschmackssache

Was für Musik im Allgemeinen gilt, gilt bei Cover-Versionen im Besonderen. Es ist einfach immer Geschmackssache, ob einem die neue Version besser als das Original gefällt. Dabei ist es insbesondere bei guten Originalversionen natürlich äußerst schwer, diese zu erreichen oder gar zu übertrumpfen. Ich persönlich finde die Versionen von Iron Savior allesamt gut gelungen, kann aber leider von keinem Titel behaupten, dass es das Original übertrifft. Dennoch gefällt mir das Album gut und es weckt bei mir Erinnerungen an die „guten alten Zeiten“. Iron Savior haben mit diesem Werk ganz sicher keinen Fehler begangen, dennoch freue ich mich darauf, hoffentlich bald wieder neues eigenens Material (in Form eines Nachfolgers von „Firestar“) von ihnen präsentiert zu bekommen.

Album Track Listing:

01. Fame
02. All I Need Is A Miracle
03. When The Rain Begins To Fall
04. Maniac
05. Take On Me
06. Relax
07. What A Feeling
08. Against All Odds
09. Separate Ways
10. Suburbia
11. Here Comes The Rain Again
12. She’s Like The Wind
13. (I Just) Died In Your Arms Tonight
14. Forever Young
15. Since You Been Gone
16. Call Me
17. Catch Me I’m Falling

Es ist jammerschade. Die Heavy Progger von GODSTICKS haben schon Einiges an hörenswerter Musik abgeliefert. Aber leider hat man bisher nicht die verdiente Aufmerksamkeit bekommen. Dabei reden wir beim vor wenigen Tagen erschienenen Album „VOiD“ vom bereits siebten Studioalbum der britischen Formation. Zehn Songs haben den Weg auf den neuen Silberling gefunden und wir wollen uns das neue Material einmal näher betrachten.

Der Opener hat es schon gleich in sich…ohne Umschweife legt man los. Eindringlicher Gesang, powernde Drums und dazu die Herren an der Saitenfront. Direkt mal ein amtlicher Einstieg in das neue Album. Wir zeigen euch gleich mal das passende Video dazu – bitte sehr:

„Hold back“ beginnt nur für wenige Sekunden zurückhaltend. Dann bekommen wir ordentliche Gitarrenriffs und auch das Schlagzeug treibt den Song voran. Die progressiven Beats interagieren mit ansprechenden Melodien auf der E-Gitarre. Die Vocals von Darran Charles (Sänger und Gitarrist) verbreiten eine etwas klagende Stimmung. Aber dieser Track ist ansonsten im letzten Drittel über eine längere Strecke instrumental aufgebaut. Unter anderem gibt es flinke Finger auf dem Griffbrett der E-Gitarre. Yes. Die dritte Nummer auf dem Silberling hat einen leicht orientalischen Unterton. In punkto Härte geht es etwas gemäßigter zu. Musikalisch ist mir das Ganze ein bisschen zu simpel gestrickt. Es plätschert teils eher vor sich hin. Nach etwa drei Minuten ist der Spuk dann auch vorbei.

GODSTICKS – „VOiD“ (VÖ: 27.03.2026)

Leichtfüßig empfangen uns dezente Schlagzeugsounds und ein zurückhaltender Gesang. Verspielte Melodie und im Verlauf frischt es etwas auf, ohne zu aufdringlich zu werden. Die Gitarrenarbeit hat eine leicht bluesige Note. „Torn again“ proggt dann wieder direkt ordentlich los. Die Progressivität geht von Drummer Tom Price aus. Aber auch Gitarrist Gavin Bushell und Francis George am Bass schlagen in die selbe Kerbe. Stimmlich geht es recht variabel zu. Damit wird es musikalisch interessanter in diesem längsten Track auf dem Release. Die E-Gitarren verbreiten phasenweise schon eine deutlich Heavyness…jedoch ohne irgendwie aufdringlich zu wirken.

Frisch und unverbraucht legt man beim nachfolgenden Song los. Präzises Drumming und die nötige Prog-Attitüde. Dazu die anderen Instrumente und die Gesangsarbeit des Frontmanns. Zwischendurch hält man ein wenig inne. Aber ansonsten hat das Energie. Phasenweise steht der Gitarrist schon deutlich im Fokus. Wir stellen euch den Track mit dem Lyric Video vor:

Weiter geht es mit „Ruthless coward“. Packende Gitarrenriffs, proggige Schlagzeugbeats. Auch der Melodieanteil kommt nicht zu kurz. Die Vocals greifen die Schwingungen der Songstruktur auf und ergänzen die Instrumente in gelungener Weise. Das achte Stück auf „VOiD“ serviert uns leicht spacige Klänge und auch hier fügt sich die Stimme in das Gesamtbild ein und greift den Vibe auf. Zur Mitte des Songs wird es teils noch gemäßigter…irgendwie zieht sich das Ganze ein bisschen…

Dann kommt Teil II. Etwas düster bis mysteriös legt man los, ansonsten ist der Zusammenhang zum vorherigen Track schon nachvollziehbar. Wobei ich diese Nummer schon spürbar lebendiger finde. Und damit auch deutlich kurzweiliger als Teil I. Damit sind wir auch schon beim letzten Song des Albums angelangt. Auch dieser „Rausschmeißer“ kommt sehr gemäßigt daher. Irgendwie konnte man die kraftvolle und etwas härtere Spielweise der ersten Hälfte (das klingt wie ein Satz aus dem Kommentar zu einem Fußballspiel, oder?) nicht aufrechterhalten. Eine variantenreiche Mischung an Kompositionen ist ja ok, aber hier ist es über das Album gesehen etwas ungleich verteilt und daher zieht es sich zum Ende etwas…

Das Fazit zum siebten Album von GODSTICKS

Welches Fazit ziehen wir also zum aktuellen Album der 4 Herren von GODSTICKS? Die Formation präsentiert sich mit einer härteren Gangart, obwohl man stets im Rahmen bleibt. Die Dosis an Progressivität variiert. Mir persönlich gefällt die erste Hälfte des Releases besser. Nachher wird es mir teils etwas zu langatmig und schwergängig. Aber insgesamt bekommt ihr auf jeden Fall eine ordentliche Prog Rock Scheibe. Unbedingt anchecken!

Die Band hatte bereits 2025 auf der Tour ein anstehendes Album angekündigt. Jetzt ist es endlich soweit. „Closer to the sun“ ist seit Freitag im Handel erhältlich. Und wir wollen uns das Material mal anschauen. Schon der Opener der neuen Scheibe ist ein starker Hardrock-Song. Harmonische Vocals von Frontmann Danny Vaughn, powernde Drums und dazu ordentliche Gitarrenriffs. Zwischenzeitlich hält man ein bisschen inne, um dann wieder weiter zu rocken. Ein feiner Einstieg. Checkt das Video dazu an:

„Starts with an feeling“ lebt von melodischen E-Gitarren, nachdem es sanft akustisch losging. Dann dominiert zunächst die warme Stimme des Sängers und gibt der Nummer eine emotionale Note. Später sorgt dann auch das Schlagzeug für ein bisschen mehr Drive. Aber es bleibt eher gefühlvoll. Weiter geht es mit einem Rocker: powernde Drums im Zusammenspiel mit den E-Gitarren warten auf den Einsatz des Shouters. Das groovt und packt einen schon irgendwie beim Zuhören. Der Sänger weiß seine Stimme variabel einzusetzen und damit die Stimmung zu beeinflussen.

Den Song „We rise“ hatten wir euch bereits hier vorgestellt. Im etwas ungewöhnlichen Setting vor einem komplett weißen Hintergrund performt die Band hier. So bekommen wir ein schlichtes schwarz-weiß-Produkt. Amerikanischer Hardrock der besseren Sorte. Gitarrensolo, rockende Drums, Backgroundgesang der gesamten Band und das Keyboard spielt sich auch teils mal deutlich in den Vordergrund. Eine stimmungsvolle Sache. Wie kommt man auf die Idee, ein Lied „Donnowhuddidis“ zu nennen? Bei der fünften Nummer auf dem Silberling legt der Sänger direkt selbst los. Zwischendurch klingen Pianoklänge durch, ansonsten bleibt es musikalisch eher unspektakulär und ich muss sagen, ich hätte den Song nicht vermisst…nicht schlecht, aber auch ein bisschen nichtssagend.

TYKETTO – „Closer to the sun“ (VÖ: 20.03.2026)

Weiter geht es mit dem Titeltrack, den wir euch ja hier schon vor kurzem vorgespielt haben. Leichtfüßig kommen TYKETTO hier daher. Akustikgitarren, dazu der gefühlvolle Gesang. Das stimmt nachdenklich. Dazu stimmt das Schlagzeug mit ein und verleiht dem Ganzen noch etwas mehr Energie. Aber insgesamt bleibt es eher seicht und stimmungsvoll. Was erwartet man, wenn man einen Titel wie „Harleys & indians (Riders in the sky)“ hört? Jedenfalls geht es direkt mit Gitarrenriffs los, basale Drumbeats sorgen für die rhythmische Grundlage. Der Sänger bringt wieder ordentlich Stimmung rein. Irgendwie gibt es hier einen besonderen Vibe, auch zum Beispiel durch die Mundharmonika transportiert. Gut gemacht.

„Hit me where it hurts“ rockt direkt amtlich und ohne Umschweife los. Treibende Beats vom Schlagzeug und der kraftvolle Gesang von Mr. Vaughn. Dazu verleihen die Gitarren dem Song noch eine extra rockige Note. Yeah. Dann wird es mit dem neunten Stück auf dem Studiowerk ruhiger und nachdenklich. Sanfte Gitarren und eine gefühlvolle Stimme lassen uns nachdenklich werden. Auch wenn es dann nach etwa einer Minute etwas rockiger wird und der Drummer und auch die E-Gitarre etwas mehr Power reinbringen, so bleibt es doch eher gemäßigt. Aber der Song hat was. Der vorletzte Song empfängt uns mit Akustikgitarren und der Stimme des Sängers. Ja, auch dezentes Schlagzeugspiel kommt noch hinzu. Aber sonst plätschert das Ganze so vor sich hin. Das hätte es für mich nicht gebraucht. Und ich habe echt nichts gegen ruhigere Songs oder mal eine feine Ballade.

Auf in die letzte Runde mit „The brave“. Auch hier geht es wieder gemäßigt zur Sache. Die Gitarren kommen anfangs recht flott daher, bevor man sich zurücknimmt. Das Schlagzeug ist eher dezent unterwegs. So konzentriert sich das Ohr am ehesten auf den Gesang. Der versprüht teils ordentlich Energie, aber überwiegend ist die Nummer sehr getragen. Auch wenn man auf dem Album ein paar ordentliche Rocksongs untergebracht hat, so wurde es gerade zum Ende der Scheibe merklich ruhiger und seichter. Das ist ja auch erst einmal nicht schlimm, wenn die Mischung stimmt.

Das Fazit zum neuen TYKETTO-Album

Das Fazit zu „Closer to the sun“ lautet dann auch folgendermaßen: TYKETTO haben eine neue Scheibe an den Start gebracht, die sich in der Hardrock-Szene nicht zu verstecken braucht. Die Stimme des sympathischen Frontmanns Danny Vaughn steht öfter im Mittelpunkt, aber auch musikalisch ist das ganze Werk stimmig. Der eine oder andere Song wäre für mich verzichtbar gewesen, aber es gibt auch ein paar richtig gut gelungene, starke Tracks auf der Scheibe. Insgesamt hat man qualitativ ordentlich abgeliefert. Wer sich TYKETTO mal live anschauen möchte – und das kann ich nach mehreren Konzerten der Band in den letzten Jahrzehnten empfehlen – findet hier die Tourdaten 2026.

Schon der Rahmen vor Ort macht deutlich, worum es hier eigentlich geht: Szene trifft Szene. Im traditionsreichen Kino kamen nach der 109-minütigen Vorführung zahlreiche Personen aus regionalen Strukturen zusammen – darunter Vertreter des Förderverein Rockmusik Gladbeck e.V. sowie der Interessengemeinschaft kulturschaffender Musikerinnen und Musiker in Gelsenkirchen e.V. Auf dem Podium wurde das Thema Ehrenamt anschließend weiter verhandelt, flankiert von Musikeracts aus der Region und mit prominenter Beteiligung von Tom Angelripper als zugkräftigem Szenevertreter.

Vereinsstrukturen als Rückgrat der Szene

Was der Film – bewusst oder unbewusst – sehr klar zeigt, lässt sich auch wissenschaftlich einordnen: Gerade in der Metal- und Alternativszene übernehmen Vereine eine zentrale organisatorische Funktion. Sie agieren nicht nur als Veranstaltende, sondern als institutionelle Klammer für Szenen, die andernfalls lose und informell organisiert wären. Das zeigte u.a. die Dissertation von Petra Kunzendorf aus dem Jahr 2007.

Der Film illustriert damit ein bekanntes Muster: Vereine fungieren als Institutionalisierungsinstanzen. Sie schaffen Verbindlichkeit, Rechtssicherheit und Kontinuität – und ermöglichen dadurch überhaupt erst regelmäßige Konzert- und Festivalformate. Insbesondere in ländlichen Räumen, in denen kommerzielle Angebote fehlen, übernehmen sie eine strukturierende Rolle und sichern kulturelle Infrastruktur langfristig ab.

Das Gezeigte passt damit nahezu lehrbuchhaft zu dem, was die Forschung seit Jahren beschreibt: Zwischen DIY-Ethos und professionellem Eventmanagement entsteht eine hybride Organisationsform, die nicht primär profitorientiert ist, sondern aus gemeinschaftlichem Engagement heraus agiert – und genau dadurch eine enorme Bedeutung für die Vielfalt der Festivallandschaft entwickelt.

Der Film: Chronik eines Festivals – und seiner Macher

Inhaltlich folgt EHRENAMT der Entwicklung des Metal Diver Festivals über ein Jahrzehnt. Episodisch aufgebaut, arbeitet sich der Film Jahr für Jahr durch Interviews und Archivmaterial. Das sorgt für Nähe und Authentizität – gleichzeitig aber auch für Schwächen in der Dramaturgie.

Mit einer Laufzeit von 109 Minuten wirkt das Format spürbar überdehnt. Wiederholungen schleichen sich ein, und die inhaltliche Fokussierung auf ein einzelnes Festival führt dazu, dass das übergeordnete Thema „Ehrenamt“ nur begrenzt kontextualisiert wird. Der Film bleibt konsequent im eigenen Kosmos.

Diese Perspektive ist auch deshalb bemerkenswert, weil Regisseur Daniel Hofmann (auf den Fotos) gleichzeitig maßgeblich am Metal Diver Festival beteiligt ist. Das Ergebnis ist ein Film, der weniger beobachtet als vielmehr erzählt – und zwar aus einer klar subjektiven Innenperspektive. Eine journalistisch- oder wissenschaftlich-objektive Einordnung von außen fehlt.

Fehlende Einordnung – und blinde Flecken

Gerade hier verschenkt der Film Potenzial: Wie unterscheidet sich ehrenamtliche Vereinsarbeit im ländlichen Raum von Volunteer-Strukturen auf großen, kommerziellen Festivals? Welche Rolle spielen solche Modelle im gesamtdeutschen Festivalkontext? Und wie bewerten externe Instanzen – etwa aus Wissenschaft oder Musikjournalismus – diese Entwicklungen?

All diese Fragen bleiben offen.

Hinzu kommen deutliche Leerstellen in der Darstellung: Frauen oder gar FLINTA+-Personen kommen praktisch nicht vor – mit einer kurzen Ausnahme durch Britta Görtz (HIRAES, vormals CRIPPER). Angesichts aktueller Debatten um Diversität und Repräsentation wirkt das nicht nur unausgewogen, sondern schlicht nicht mehr zeitgemäß. Ähnliches gilt für die unreflektierte Inszenierung von Alkoholkonsum, die in Kombination mit einer FSK-12-Freigabe zumindest irritiert.

Stärken: Wenn der Film zum Zeitdokument wird

Seine stärksten Momente hat EHRENAMT dort, wo er über sich selbst hinausweist – insbesondere in den Passagen zur Corona-Pandemie. Hier entwickelt der Film seine dokumentarische Wucht.

Die Einblicke in organisatorische Brüche, finanzielle Unsicherheiten und langfristige Auswirkungen sind präzise und berührend eindrücklich. Für die Festivalbranche entsteht hier tatsächlich ein Stück Zeitgeschichte: nachvollziehbar, konkret und von hoher Relevanz.

Auch die Darstellung der praktischen Umsetzung eines gemeinnützigen Festivals mit rund 1000 Fans ist bemerkenswert detailliert. In diesen Momenten bekommt der Film beinahe didaktischen Charakter – ein inoffizielles Lehrstück darüber, wie ehrenamtlich getragene Veranstaltungen funktionieren.

Fazit

EHRENAMT ist kein neutraler Dokumentarfilm über die deutsche Festivallandschaft. Es ist ein Film aus der Szene über sich selbst – mit all den Stärken und Schwächen, die daraus resultieren.

Wer eine analytische Einordnung oder einen breiten Vergleich sucht, wird hier nicht fündig. Wer jedoch verstehen will, wie viel Leidenschaft, Manpower und Durchhaltevermögen hinter einem ehrenamtlich organisierten Festival steckt, bekommt einen authentischen, wenn auch einseitigen Einblick.

Gerade im Zusammenspiel mit der anschließenden Diskussion vor Ort entfaltet der Film seine Wirkung: als Impulsgeber für Austausch, Vernetzung und die Frage, wie Kultur im ländlichen Raum künftig organisiert werden kann.

Weitere Kinotermine

• 29.03. – Medebach
• 02.04. – Saalfeld
• 04.04. – Greiz
• 06.04. – Selb
• 07.04. – Nürnberg
• 08.04. – Bamberg

Der offizielle Kinostart ist für den 21.05. angesetzt.

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Grandioser Start von Crimson Glory im Jahr 1986

Es ist unglaubliche 40 Jahre her, dass Crimson Glory mit ihrem selbstbetitelten Album in der Metal-Szene einschlugen wie eine Bombe. Mit „Transcendence“ folgte ein zuweites Album mit unglaublich hoher Qualität. Die beiden Folgewerke konnten nicht ansatzweise an diese beiden grandiosen Werke heranreichen. Die Band löste sich schließlich auf, unternahm einige (erfolglose) Comebackversuche und schien für immer Geschichte zu sein, zumal Originalsänger Midnight im Jahr 2009 mit gerade einmal 47 Jahren auf tragische Weise verstarb.

Rückkehr einer Legende

Dass Crimson Glory noch einmal einen Comebackversuch in neuer Besetzung starten, ist ebenso erfreulich wie überraschend. Von der Gründungsformation sind mit Ben Jackson, Jeff Lords und Dana Burnell noch 3 Originalmitglieder vorhanden und wurden durch Sänger Travis Wills und Gitarrist Mark Borgmeyer verstärkt. Dann sind wir einmal gespannt, ob die Band mit „Chasing The Hydra“ an die Qualität ihrer Anfangsjahre heranreicht,

Chasing The Hydra

Die Stimme des charismatischen Sängers Midnight hat die Musik von Crimson Glory natürlich wesentlich geprägt. Travis Wills hat eine etwas andere Stimmfarbe, ist aber – soviel sei vorweg gesagt – auch ein außergewöhnlich guter Sänger. Mit dem richtig fetten „Redden The Sun“ steigen Crimson Glory wuchtig und perfekt in ihr neues Album ein. Mit dem Titelsong folgt die eingängigste Nummer des Albums. Hier haben wir das Lyric-Video für euch, damit ihr einen ersten Eindruck bekommt.

Absolut gelungenes Comeback

Es folgen sieben weitere Tracks, die den Eindruck vermitteln Crimson Glory wären nie weg gewesen. Die Nummern sind sämtlich sehr druckvoll und harmonisch. Die Progressivität, die Crimson Glory in ihren Anfangsjahren auszeichnete, ist wieder vorhanden. Die Songs sind allesamt abwechslungsreich und komplex und definitiv auf mehrfaches intensives Hören ausgelegt. Mit „Angel In My Nightmare“ haben wir ein weiteres Beispiel für euch.

Eine Rückkehr, die Lust auf mehr macht

Crimson Glory ist mit „Chasing The Hydra“ eine Rückkehr gelungen, die absolut Lust auf mehr macht. Ein sehr starkes Album, welches trotz neuen Sängers mehr an die ersten beiden Alben erinnert als die damaligen Nachfolger. Das darf durchaus als riesiges Kompliment verstanden werden. Alte Fans der Band dürften begeistert sein. Mit seinem klassischen und dennoch modernen Sound sollte es aber durchaus auch Fans finden, die bisher keine Berührungspunkte mit der Band hatten.

Zurück auf die Bühne

Beim Comeback von Crimoson Glory bleibt es nicht bei dem Album sondern man kehrt auch auf die Bühne zurück. Ich bin wirklich gespannt, ob die Truppe live ebenso überzeugen kann. Unser Chipsy war auf dem letztjährigem Rock Hard Festival jedenfalls schwer begeistert (HIER nachzulesen). Hier für euch die für uns relevanten Termine:

12. – 14.06. – Leeuwarden, Netherlands – Into the Grave Festival
29.07. – 01.08. – Wacken, Germany – Wacken Open Air
05.08. – Turock – Essen, Germany
06.08. – 09.08, – Kortrijk, Belgium – Alcatraz
08.08. – 09.08. – Geiselwind, Germany – Keep it True Legions