Genre: Black Metal

Release: 31.10.’25

Label: ROAR/RPM

MYSTIC CIRCLE (Facebook) gehen auf ihrem Album „Hexenbrand 1486“ dem „Bösen“ auf den Grund. In zehn düsteren Kapiteln widmet man sich nicht nur dem Thema „Hexenverfolgung“, sondern greift verschiedene Themen menschlicher, aber besonders religiöser Abgründe auf. Hier sind die Texte nicht nur bloßes Beiwerk, sondern ein unheimlich wichtiger Bestandteil in einem tiefgründigen Album, was ein grundsätzliches moralisches Dilemma schmerzhaft offenlegt.

Es lohnt sich hier durchaus unter die Oberfläche zu schauen, denn die Lyrics sind wohldurchdacht und deutungsintensiv. Ich (als Atheist) habe versucht die Songs für mich auch inhaltlich einzuordnen und meine rein persönlichen Gedanken dazu niederzuschreiben, so dass das Review relativ lang geworden ist und über die musikalische Betrachtungsweise hinausgeht. Also wer nur ein kurzes Fazit brauchen sollte, der kann direkt zum Ende springen.

Der Lichtbringer

MYSTIC CIRCLE positionieren sich bereits mit dem Opener „Luciferian“ unmissverständlich: Gottesfürchtige Christen werden sich mit Schrecken abwenden, wenn der teuflische Lobgesang erklingt. In provozierender und bewusst überzeichneter Art und Weise findet hier eine Umkehr christlicher Rituale und Dogmen statt; fast wie ein „Vater unser“ für den Teufel, der hier als Lichtbringer bzw. Erlöser inszeniert wird.

Doch hinter der martialischen Fassade steckt mehr als bloße Provokation. Der Song wirkt wie ein rituelles Manifest, das die religiöse Ordnung nicht nur ablehnt, sondern als gescheitert entlarvt. Die Zeile „The children of god have failed“ lässt sich als düstere Bestandsaufnahme lesen, sozusagen als Warnung, dass die Hölle auf Erden längst Realität geworden ist. Diese Ambivalenz zwischen Rebellion und Resignation zieht sich wie ein roter Faden durch den Song und das Album. „Luciferian“ ist nicht nur ein musikalischer Paukenschlag, sondern ein ideologischer Auftakt. Er ist ein Spiegel für eine Welt, die ihre eigenen Werte verraten hat.

Musikalisch bieten Mystic Circle hier großes Kino. In cineastischer Manier entfaltet sich extremer Metal auf teuflisch hohem Niveau: epische Gitarrenläufe begleiten prasselnde Blastbeats, während orchestrale Elemente wie dunkelschwarze Schwaden die Atmosphäre verdichten.

Besonders eindrucksvoll ist der Mittelteil: ein ruhiger, melodischer Einschub mit einem Gitarrensolo, das zunächst melancholisch fließt, dann eruptiv zu einem ekstatischen Feuer auflodert. Es ist, als würde sich Schmerz in Triumph verwandeln. Darauf folgt eine Stimme, die die Zeile „Down down down into the abyss I fall“ singt und dabei beinahe versöhnlich klingt, fast wie in einem Gebet. Die anschließenden Chöre wirken in ihrer Ehrerbietung gegenüber dem Teufel nicht bedrohlich, sondern erlösend. Der Song schließt sich wie ein Ritualkreis und endet infernal, einer Art Befreiungsschlag.

Die Hure Babylon

„The Scarlet Queen Of Chaos“ tanzt zwischen apokalyptischer Zerstörung und epischer hinreißender Entfaltung, die sich vor allem im eindringlichen Refrain entlädt. Auch hier wird christliche Symbolik aufgegriffen, hierbei eine Episode aus der Offenbarung des Johannes. Dort ist von der „Hure Baylon“ die Rede, welche auf einem roten, dämonischen Wesen reitet. Diese sitzt auf einem roten, monsterartigen Wesen. Sinnbildlich verkörpert sie dort die Sünden und Verführungen der Welt. Letztlich wird sie durch ein göttliches Gericht besiegt.

MYSTIC CIRLCLE transformieren diese biblische Allegorie: Die ‚Scarlet Queen Of Harlots‚ ist nicht bloß Sünderin, sondern Botin der Apokalypse; eine metaphysische Existenz, die in jedem Menschen lauert. Sie wartet in einem dunklen Versteck des Geistes, bereit, den Menschen mit Lug und Trug zu bösen Taten zu verführen. Die Apokalypse wird demnach nicht als äußeres Strafgericht inszeniert, sondern als innerer Zusammenbruch und als Konfrontation mit den eigenen Schatten.

„Boogeyman“

Wer hat Angst vorm „Schwarzen Mann“? In der jungen Generation ist er nicht mehr so bekannt, aber der älteren Generation ist dieser Mythos wohl noch sehr bekannt. In unzähligen Adaptionen wurde dies mystische Figur in diversen Horrorfilmen oder in Büchern umgesetzt. Diese Figur war nicht klar definiert, sondern wurde als metaphysisches Wesen erschaffen, um Angst zu verbreiten. Und mit Angst gewinnt man Kontrolle. Daher wurde es auch bei den Kindern gerne als Erziehungsmethode missbraucht. Die Methode der Angst wirkt aber auch wunderbar bei Erwachsenen. Dazu kommen wir später noch.

Die Liebe von MYSTIC CIRCLE zu 80’er Jahre Synths, wie man sie von den einschlägigen Horrorfilmen dieses Jahrzehnts kennt, wird auf dem ganzen Album deutlich; nicht als prägendes Element, sondern vielmehr als coole atmosphärische Zutat. So erfährt auch „Boogeyman“ eine mystische Einleitung. Danach greifen die Black-Metal-Geister an und schmettern modernen melodischen Metal mit infernalischer Inbrunst. Der von MYSTIC CIRCLE gebotene Mix ist sicherlich nichts für Puristen, denn die Songs sind ein kreativer Mix, welcher zu einem eindrucksvollen homogenen Gesamtkonzept verschmolzen wurde.

„In The Year Of The Goat“

Eine lediglich oberflächliche Betrachtung des Albums würde diesem nicht gerecht werden. Ich persönlich sehe darin mehr. Denn meiner Meinung nach wird das Böse hier nicht als reale fremde Macht inszeniert, sondern als Teil der menschlichen Realität. Die dämonischen Bilder sind Projektionsflächen für das, was wir selbst entfesseln: in Kriegen, in Fanatismus, in der Gier nach Macht und Kontrolle. „In The Sign Of The Goat“ ist damit nicht nur ein okkulte Fiktion, sondern eine düstere Allegorie auf den Zustand der Welt.

Scharfe Riffs schneiden sich durch Vocals, die quasi ausgespien werden, während die Drums unheilvolle Donnerschläge produzieren, wie Vorboten eines apokalyptischen Sturms. Dann wird der Wind stärker, baut sich zu einem Sturm auf, bis plötzlich der melodische Refrain mit engelsgleicher Stimme erklingt. Diese bewusst gewählte Dissonanz, zwischen Brutalität und Schönheit, wirkt gleichzeitig faszinierend und verstörend, besonders wenn man das Thema des Songs im Hinterkopf behält.

Erwähnenswert ist auch der Part ab der dritten Minute: Mit old school Vibes entsteht ein außergewöhnliches Zwischenspiel, das wie ein Ritual wirkt; mechanisch, hypnotisch, fast sakral. Danach prasselt das Trommelgewitter nieder und begleitet den blutigen Regen des Untergangs. Es ist, als würde der Song selbst zur apokalyptischen Vision werden, musikalisch wie inhaltlich.

„Ghost Of The White Chapel“

Kommen wir nun zu einem Song, der sich zwar ebenfalls mit dem Bösen beschäftigt, aber in anderer Art und Weise. Hier entfällt jeglicher gesellschaftskritischer oder metaphysischer Ansatz, den hier geht es um das reale menschliche Böse in individueller Form, nämlich um den weltberühmten Serienkiller Jack the Ripper aus London. Seine Opfer waren überwiegend Prostituierte und die Morde zeichneten sich durch extreme Brutalität aus. Aufgeschlitzte Kehlen, Verstümmelungen und teilweise Entnahme innerer Organe sollen zum Modus Operandi gezählt haben. Doch die wahre Identität des Täters wurde nie zweifelsfrei geklärt, was zur Legendenbildung und zahllosen Spekulationen geführt hat.

Der Song wirkt wie ein stoischer Monolog eines psychisch gestörten Menschen, niedergeschrieben in Form eines Briefes an einen fiktiven Adressaten. Die Nüchternheit, mit der er seine unmenschlich brutalen Taten schildert, macht das Ganze umso abscheulicher. Es ist gerade die emotionslose Sprache, die den Horror verstärkt: Keine Reue, keine Reflexion! Nur die kalte Beschreibung des Grauens. Diese Form der Darstellung entzieht sich jeder moralischen Einordnung. Der Song steht in seiner unfassbaren Grausamkeit einfach für sich, wie ein literarisches Fragment aus einem dunklen Tagebuch.

Schon fast tragisch ironisch, dass der Song mit gesprochenen Textzeilen beginnt, die von einer Frau vorgetragen werden. Insgesamt fällt der Song sehr hart aus. Metzelndes Riffing bestimmt den Song und das Solo setzt noch einen drauf, welches in seinem ekstatischen Ausbruch den Wahnsinns des Mörders bei der Tat widerspiegelt.

Institoris (Heinrich Kramer)

Nun beginnt das zentrale Thema des Albums, welches ungeschönt in all seiner Grausamkeit beschrieben in der zweiten Hälfte behandelt wird. Dazu wird zunächst die Person Heinrich Kramer in einem Intro eingeführt. Dieser Heinrich Kramer (auch bekannt als Henricus Institoris) war ein deutscher Dominikanermönch, Theologe und Inquisitor, der im späten 15. Jahrhundert eine zentrale Rolle in der Geschichte der europäischen Hexenverfolgung spielte. Sein Manifest war der „Hexenhammer“, welches als Grundlage für die zielgerichtete und systematischen Hexenverfolgung in Europa herangezogen wurde.

Die Kirche schürte Angst bei der Bevölkerung, indem man unschuldige Menschen der Hexerei bezichtigte und sie mit dunklen Mächten bis hin zum Teufel persönlich in Verbindung brachte. Sie war politische Autorität, moralischer Richter und soziale Kontrollinstanz. Indem sie das Unsichtbare – den Teufel, die Hexe, die Sünde – zur greifbaren Bedrohung machte, schuf sie ein System, in dem Zweifel, Abweichung und Individualität gefährlich wurden. So legitimierte die Kirche ihre Daseinsberechtigung und abscheuliche Vorgehensweise, denn es ging doch um den Schutz des Glaubens im Namen Gottes und damit um die Rettung der Menschheit. Angst schüren mit nicht greifbaren Dingen ist noch in der heutigen Zeit ein probates Mittel der Kontrolle und Machtausübung, nicht nur in der Religion.

Heute gilt Kramer als Symbolfigur für religiösen Fanatismus und die dunkle Seite kirchlicher Macht. Unfassbare Greueltaten wurden im Namen der Kirche begangen. Was lehrt uns das? Teufel oder Gott? Wo liegt angesichts solcher Verbrechen der Unterschied? Eine grundsätzliche Frage, die das Dilemma von Religionen aufzeigt und zum Nachdenken anregt. Denn wurden die grausamsten Verbrechen in der Menschheitsgeschichte nicht aufgrund verschiedener Glaubensrichtungen verübt, die für sich jeweils einen Absolutheitsanspruch hegen bzw. die Anhänger dies so fordern? Religion kann einerseits Trost, Sinn und Gemeinschaft stiften, aber auch für Angst, Kontrolle, Gewalt und Vernichtung missbraucht werden.

Der Hexenhammer

Eine orchestrale Einleitung in die Person Kramer wird durch den Track „Institoris“ durchgeführt. Diese Einleitung ist schon recht beeindruckend inszeniert, bevor der Song „The Bible Of White Chase“ sich explizit mit dem „Hexenhammer“ befasst. Es ist ein feuriger treibender Heavy Metal Song, der mit doomigen Passagen gespickt ist, die das Leid buchstäblich fühlbar machen. Dazu hat man sogar noch Schmerzensschreie im Hintergrund eingespielt, was das Ganze noch intensiver gestaltet. Und geradezu anklagend wird die Textzeile „You’re the Devil“ gesungen. „The Bible of Witch Chase“ verwandelt den Hexenhammer in ein Symbol für das, was geschieht, wenn Glaube zur Waffe wird und Wahrheit im Feuer verbrennt.

„Blutschande, Unzucht, Sodomie“

Diese Anklage befasst sich weiter mit den Greueltaten der kirchlichen Inquisition. Unter anderem mit den im Songtitel genannten absurden Vorwürfe wurden die sogenannten Hexen überzogen. Es war nur ein Vorwand, eine willkürliche Stigmatisierung, um Andersdenkende, Andershandelnde oder Andersaussehende festzusetzen. Im Anschluss wurden von den Opfern dieser Verfolgung abstruse Geständnisse mit grausamer Folter erzwungen, nur um dann diese Menschen zu töten, mitunter sogar öffentlichkeitswirksam auf einem brennenden Scheiterhaufen. Der Song ist somit eine schonungslose Abrechnung mit den unmenschlichen Machenschaften der Kirche und genauso klingt er auch.

Nach einer melodischen melancholischen Einleitung zeigt der Song seine unbändige zornige Energie. Blastbeats sorgen für unablässige Prügel, wobei wieder geschickte Stimmungswechsel eingewoben werden. Keifende Screams in den rasenden Parts und unheilvolle Growls geben sich hier die Hand. Aber das ist noch nicht alles, denn in über sechs Minuten Spielzeit gibt es noch andere Überraschungen, wie z.B. der mittig angesiedelte synthieträchtige Part.

Walpurgisnacht

„Dance On The Wings Of Black Magic“ zelebriert das Ritual der Walpurgisnacht in einem finalen Höhepunkt des Albums und facht das dämonische Feuer noch heftiger an. Der Song ist schlichtweg pure Energie, ein verzehrendes Feuer, dass sich unaufhaltsam seinen entlarvenden und reinigenden Weg sucht. Das Ritual der Walpurgisnacht stammt übrigens aus einer vorchristlichen Zeit und hat daher eher heidnische Wurzeln. Germanische und keltische Völker feierten damals dieses Fest mit Feuer, Tanz und Masken, um damit die bösen Geister zu vertreiben. Ein zentraler Anlaufpunkt war übrigens der Broken im Harz (höchster Berg im Mittelgebirge), der auch volkstümlich Blocksberg genannt wird.

Ab dem Spätmittelalter wurde die Walpurgisnacht jedoch durch die Kirche zunehmend mit Hexenversammlungen und Teufelspakten assoziiert. Der ‚Hexenhammer‘ und die Inquisition trugen dazu bei, dass die Nacht als Zeit des Bösen galt. Nach dem das Feuer mit „Dance On The Wings Of Black Magic“ gewütet hat, findet das Album ein ruhiges Ende, in dem noch einmal mit starken Worten die Verachtung für Heinrich Kramer zum Ausdruck gebracht wird, stellvertretend für alle Unmenschen, die solche Gedanken hegen und sich solcher Methoden bedienen.

Fazit

MYSTIC CIRCLE haben mit „Hexenbrand 1486“ ein Meisterwerk erschaffen, dass nicht nur musikalisch völlig überzeugt, sondern auch lyrisch tiefgründig gestaltet ist. Die behandelten Themen wie z.B. Hexenverfolgung und religiöser Fanatismus sind zwar nicht neu, aber deren Aufarbeitung ist wohldurchdacht und in ihrer Herangehensweise sind MYSTIC CIRLCE absolut schonungslos, sowohl in lyrischer Form als auch in der musikalischen Herangehensweise.

Auf „Hexenbrand 1486“ existieren Lyrics und Musik nicht nebeneinander, vielmehr verschmelzen sie zu einer Einheit, die den Hörer nicht nur erreicht, sondern mit starker Intensität durchdringt. Die musikalische Sprache ist brutal, episch und okkult, die Texte sind tiefgründig, historisch fundiert und zugleich erschreckend aktuell.

Der von MYSTIC CIRCLE gebotene musikalische Mix ist nichts für Puristen, aber genau die Vielschichtigkeit macht es so faszinierend. „Hexenbrand 1486“ ist aus einem kreativen Schmelztiegel entstanden, so dass es sich zu einem homogenen Gesamtkonzept modernen Black Metals verdichtet. Jedes Kapitel trägt zur Dramaturgie bei, ohne an Spannung oder Atmosphäre zu verlieren. Kein Pathos! Kein Trost! Nur die nackte Wahrheit im Gewand des Black Metal. „Hexenbrand 1486“ ist kein Album, das man nur hört. Man erlebt es!

Rasender Black Metal trifft auf infernalischen Heavy Metal, durchzogen von doomigen Passagen und mystischen Synthiewelten, die wie dunkle Nebelschwaden durch das Klangbild ziehen. Erzählerische Einschübe verdichten die Geschichten, ohne den Fluss zu brechen. Ebenso hervorzuheben sind die Gastbeiträge von Sängerin Sarah Jezebel Deva und Sänger Karo Hafke, so wie Sprecherin Natalie Ostermaier, Autorin und Illustratorin des Buches „Kramer“.

Epilog

Wenn man sich mit dem Album „Hexenbrand 1486“ auseinandersetzt, stellt sich mir folgende essentielle Frage: Was ist das „Böse“? Werden offensichtlich faktisch böse und schändliche Handlungen wie beispielsweise das Quälen und Töten von Menschen besser, wenn man es durch etwas rechtfertigt? Etwa durch das Vorantreiben oder den Schutz einer vermeintlich guten Sache? Jeder wird zustimmen, dass Jack The Ripper ein böser Mann mit perversen Neigungen war, getrieben von Lust, Gewalt und Wahnsinn. In seinem unmenschlichen Tun war er dennoch ehrlich und handelte nicht unter Vortäuschung eines selbsterklärten höheren Ziels.

Doch sind seine Handlungen moralisch mehr zu verurteilen als Greueltaten, die angeblich im Namen einer guten und gerechten Sache gemacht wurden? Denn das Dilemma daran ist, dass jeder eine „gute“ oder „gerechte“ Sache für sich selbst definieren kann oder Gruppen dies für sich festlegen. Daher ist eine stetige und gründliche Abwägung des eigenen Wertekomplexes und daraus resultierenden Handlungskonzepts dringend geboten und sollte im Rahmen der Selbstrechtfertigung immer gründlich hinterfragt und auf den Prüfstand gestellt werden. Denn die Geschichte zeigt uns: Das Böse trägt viele Masken! Es kommt nicht immer offensichtlich mit Hörnern und Flammen, sondern tarnt sich oft unter dem Deckmantel einer ideologischen Überzeugung mit Absolutheitsanspruch.

„Hexenbrand 1486“ wirft uns genau in diesen Abgrund:
Es konfrontiert uns mit der Frage, ob das Böse nicht dort beginnt, wo Selbstrechtfertigung jede moralische Prüfung ersetzt. Wo das eigene Wertekonzept nicht mehr hinterfragt, sondern als Dogma verteidigt wird, ist die Hölle nicht mehr weit, in der Angst, Schuld und Macht sich zu einer Flamme vereinen und Menschen darin verbrannt werden.

english review

Genre: Black Metal

Release: 31.10.’25

Label: ROAR/RPM

MYSTIC CIRCLE (Facebook) explore the depths of “evil” on their album “Hexenbrand 1486„. In ten gloomy chapters, they not only address the topic of „witch hunts“ in the middle ages, but also take up various themes of human, but especially religious abysses. Here, the lyrics are not just an accessory, but an incredibly important part of a profound album, which painfully reveals a fundamental moral dilemma.

It’s definitely worth looking beneath the surface here, because the lyrics are well thought out and rich in meaning. I (as an atheist) have tried to classify the songs for myself in terms of content and write down my purely personal thoughts on them, so the review has become relatively long and goes beyond the musical perspective. So if you just need a quick summary, you can skip straight to the end.

The lightbringer

MYSTIC CIRCLE make their position clear right from the start with the opener “Luciferian”: devout Christians will turn away in horror when the devilish hymn begins to play. In a provocative and deliberately exaggerated manner, Christian rituals and dogmas are reversed here; almost like a “Our Father” for the devil, who is portrayed here as a bringer of light or savior.

But behind the martial face, there’s more than just provocation. The song feels like a ritual manifesto that not only rejects religious order but also shows it as a failure. The line “The children of god have failed” can be seen as a dark take on the situation, like a warning that hell on earth has already become a reality. This ambivalence between rebellion and resignation runs like a thread through the song and the album. “Luciferian” is not only a musical bombshell, but also an ideological prelude. It is a mirror for a world that has betrayed its own values.

Musically, Mystic Circle offer a spectacular show. In cinematic fashion, extreme metal unfolds at a devilishly high level: epic guitar riffs accompany crackling blast beats, while orchestral elements thicken the atmosphere like dark black clouds.

The middle section is particularly impressive: a calm, melodic interlude with a guitar solo that initially flows melancholically, then erupts into an ecstatic blaze. It is as if pain is turning into triumph. This is followed by a voice singing the line “Down down down into the abyss I fall”, sounding almost conciliatory, almost like a prayer. The subsequent choirs, in their reverence for the devil, do not seem threatening, but rather redeeming. The song closes like a ritual circle and ends infernally, a kind of liberating blow.

The „Whore Babylon“

“The Scarlet Queen Of Chaos” dances between apocalyptic destruction and epic, captivating unfolding, which is particularly evident in the haunting chorus. Christian symbolism is also taken up here, in this case an episode from the Revelation of John. It tells of the “Whore of Babylon” riding on a red, demonic creature. Symbolically, she embodies the sins and temptations of the world. Ultimately, she is defeated by divine judgment.

MYSTIC CIRCLE transforms this biblical allegory: The ‘Scarlet Queen Of Harlots’ is not merely a sinner, but a messenger of the apocalypse; a metaphysical existence that lurks within every human being. She waits in a dark hiding place of the mind, ready to seduce people into evil deeds with lies and deceit. The apocalypse is thus not staged as an external judgment, but as an inner collapse and a confrontation with everyone’s own shadows.

„Boogeyman“

This mystical figure has been adapted countless times in various horror films and books. This character was not clearly defined, but was created as a metaphysical being to spread fear. And fear is a way to gain control. That is why it was often misused as a method of disciplining children. But the fear tactic also works with adults. I‘ ll come back to that later.

MYSTIC CIRCLE’s love for 80s synths, as heard in the horror films of that decade, is evident throughout the album; not as a defining element, but rather as a cool atmospheric ingredient. Thus, “Boogeyman” also gets a mystical introduction. Then the black metal spirits attack and blast modern melodic metal with infernal fervor. The mix offered by MYSTIC CIRCLE is certainly not for purists, as the songs are a creative blend that has been fused into an impressive, homogeneous overall concept.

„In The Year Of The Goat“

A merely superficial examination of the album would not do it justice. Personally, I see more in it than that. In my opinion, evil is not portrayed here as a real external force, but as part of human reality. The demonic images are projections of what we ourselves unleash: in wars, in fanaticism, in the greed for power and control. “In The Sign Of The Goat” is thus not just occult fiction, but a dark allegory on the state of the world.

Sharp riffs cut through vocals that are practically spat out, while the drums produce ominous thunderclaps, like harbingers of an apocalyptic storm. Then the wind picks up, building into a storm, until suddenly the melodic chorus rings out with an angelic voice. This deliberate dissonance between brutality and beauty is both fascinating and disturbing, especially when you keep the song’s theme in mind.

The part starting at the third minute is also interesting: old school vibes create an extraordinary interlude that feels like a ritual; mechanical, hypnotic, almost sacred. Then the drum thunderstorm crashes down and accompanies the bloody rain of doom. It’s as if the song itself becomes an apocalyptic vision, both musically and lyrically.

„Ghost Of The White Chapel“

Let’s now turn to a song that also deals with evil, but in a different way. There is no social criticism or metaphysical approach here; this song is about real human evil in its individual form, namely the world-famous serial killer Jack the Ripper from London. His victims were predominantly prostitutes, and the murders were characterized by extreme brutality. Slashed throats, mutilation, and in some cases the removal of internal organs are said to have been part of his modus operandi. However, the true identity of the perpetrator was never conclusively established, which led to the creation of legends and countless speculations.

The song comes across as the stoic monologue of a mentally disturbed person, written in the form of a letter to a fictional addressee. The sobriety with which he describes his inhumanly brutal deeds makes the whole thing all the more abhorrent. It is precisely the emotionless language that intensifies the horror: no remorse, no reflection! Just a cold description of the atrocities. This form of presentation defies any moral classification. In its incomprehensible cruelty, the song simply stands on its own, like a literary fragment from a dark diary.

It is almost tragically ironic that the song begins with spoken lines recited by a woman. Overall, the song comes across as very harsh. Slaughtering riffs dominate the song, and the solo takes it up a notch, reflecting the murderer’s madness during the crime in its ecstatic outburst.

Institoris (Heinrich Kramer)

Now begins the central theme of the album, which is described in all its cruelty in the second half. First, Heinrich Kramer is introduced in an intro. Heinrich Kramer (also known as Henricus Institoris) was a German Dominican monk, theologian, and inquisitor who played a central role in the history of European witch hunts in the late 15th century. His manifesto was the “Malleus Maleficarum”, which was used as the basis for the targeted and systematic persecution of witches in Europe.

The Christian church instilled fear in the population by accusing innocent people of witchcraft and associating them with dark forces, even the devil himself. It was a political authority, moral judge, and social control organ. By making the invisible—the devil, witches, sin—a tangible threat, it created a system in which doubt, deviation, and individuality became dangerous. In this way, the Church legitimized its raison d’être and abhorrent practices, because it was all about protecting the faith in the name of God and thus saving humanity. Fostering fear with intangible things is still an effective means of control and exercising power today, not only in religion.

Today, Kramer is regarded as a symbol of religious fanaticism and the dark side of ecclesiastical power. Inconceivable atrocities were committed in the name of the church. What does this teach us? Devil or God? In light of such crimes, what is the difference? This is a fundamental question that highlights the dilemma of religion and encourages reflection. After all, weren’t the most cruel crimes in human history committed on the basis of different beliefs, each of which claims to be absolute or whose followers demand this? On the one hand, religion can provide comfort, meaning, and community, but it can also be misused for fear, control, violence, and destruction.

„Malleus Maleficarum“

A dark orchestral introduction to Kramer is provided by the track “Institoris.” This is quite impressively staged before the song “The Bible Of White Chase” explicitly deals with the „Malleus Maleficarum“. It is a fiery, driving heavy metal song peppered with doomed passages that make the suffering literally palpable. Real cries of pain can be heard in one passage. And the line “You’re the Devil” is sung in an almost accusatory manner. “The Bible of Witch Chase” transforms the Malleus Maleficarum into a symbol of what happens when faith becomes a weapon and truth burns in the fire.

“Incest, fornication, sodomy”

“Incest, fornication, sodomy” as charges continues to deal with the atrocities of the ecclesiastical Inquisition. Among other things, the absurd accusations mentioned in the song title were levelled at the so-called witches. It was just a pretext, an arbitrary stigmatisation, to imprison those who thought differently, acted differently or looked different. Subsequently, abstruse confessions were extracted from the victims of this persecution through cruel torture, only to then kill these people, sometimes even publicly burned at a stake. The song is thus a relentless reckoning with the inhuman machinations of the church, and that’s exactly how it sounds.

After a melodic, melancholic intro, the song reveals its unbridled, angry energy. Blast beats provide relentless punishment, with clever mood changes woven in again. Shrill screams in the frenzied parts and ominous growls go hand in hand here. But that’s not all, because in over six minutes of playing time there are other surprises, such as the synth-heavy part in the middle.

Walpurgis Night

“Dance On The Wings Of Black Magic” celebrates the ritual of Walpurgis Night in a final climax of the album and fans the demonic fire even more fiercely. The song is pure energy, a consuming fire that inexorably seeks its revealing and cleansing path. Incidentally, the ritual of Walpurgis Night dates back to pre-Christian times and therefore has rather pagan roots. Germanic and Celtic peoples celebrated this festival with fire, dance, and masks to drive away evil spirits.

From the late Middle Ages onwards, however, Walpurgis Night became increasingly associated by the Church with witch gatherings and pacts with the devil. The „Malleus Maleficarum“ and the Inquisition contributed to the night being regarded as a time of evil. After the fire has raged with “Dance On The Wings Of Black Magic,” the album comes to a quiet end, once again expressing contempt for Heinrich Kramer in strong words, representing all inhumane people who harbor such thoughts and use such methods.

Conclusion

With “Hexenbrand 1486,” MYSTIC CIRCLE have created a masterpiece that is not only musically compelling, but also lyrically profound. The topics covered, such as witch hunts and religious fanaticism, are not new, but their treatment is well thought out and MYSTIC CIRCLE’s approach is absolutely relentless, both in terms of lyrics and music.

On “Hexenbrand 1486,” lyrics and music do not exist side by side, but rather merge into a unity that not only reaches the listener, but penetrates them with intense power. The musical language is brutal, epic, and occult, while the lyrics are profound, historically grounded, and at the same time frighteningly relevant.

The musical mix offered by MYSTIC CIRCLE is not for purists, but it is precisely this complexity that makes it so fascinating. “Hexenbrand 1486” was born out of a creative melting pot, resulting in a homogeneous overall concept of modern black metal. Each chapter contributes to the dramaturgy without losing any of the tension or atmosphere. No pathos! No consolation! Just the naked truth in the guise of black metal. “Hexenbrand 1486” is not an album you just listen to. You feel it!

Frenzied black metal meets infernal heavy metal, interspersed with doom-laden passages and mystical synthscapes that drift through the soundscape like dark wisps of fog. Narrative interludes condense the stories without breaking the flow. Also noteworthy are the guest appearances by singer Sarah Jezebel Deva and singer Karo Hafke, as well as narrator Natalie Ostermaier, author and illustrator of the book “Kramer.”

Epilog

When considering the album “Hexenbrand 1486,” the following essential question arises: What is “evil”? Do obviously evil and shameful acts, such as torturing and killing people, become better if they are justified by something? For example, by promoting or protecting a supposedly good cause? Everyone will agree that Jack the Ripper was an evil man with perverse tendencies, driven by lust, violence, and madness. In his inhuman actions, however, he was honest and did not act under the pretense of a self-declared higher goal.

But are his actions morally more reprehensible than atrocities allegedly committed in the name of „good“ and „justice“? The dilemma here is that everyone can define „good” or “justice” cause for themselves, or groups can determine this for themselves. Therefore, it is imperative to constantly and thoroughly weigh the own set of values and the resulting course of action, which should always be thoroughly questioned and scrutinized in the context of self-justification. For history shows us that evil wears many masks! It does not always come obviously with horns and flames, but often disguises itself under the cloak of an ideological conviction with a claim to absoluteness.

“Hexenbrand 1486” throws us right into this abyss: It confronts us with the question of whether evil begins where self-justification replaces all moral scrutiny. Where one’s own concept of values is no longer questioned, but defended as dogma, hell is not far away, where fear, guilt and power unite to form a flame and people are burned in it.

Genre: Power Metal

Label: Rock Of Angels Records

VÖ: 12.01.2024

SCANNER (Facebook/Homepage) haben mich bereits in meiner Jugendzeit begleitet, denn die Erstformation fand sich 1986 zusammen. Letztendlich ist aber nur Axel Julius nach einigen Besetzungswechseln von der damaligen Originalformation übrig geblieben. Nach dem Album „Hypertrace“ im Jahr 2016 starten sie nun mit „The Cosmic Race“ neu durch.

Der Opener „The Earth Song“ wurde als erste Single ausgewählt. Keine schlechte Wahl, denn der Song geht direkt in die Vollen mit Flitzefingern an den Gitarren, die mit fetzigen Leads den Song anzünden und zum brennen bringen. Anschließend brennt das Feuer heiß und fegt wie ein Feuersturm voran. Dazu gesellen sich noch nette Spielereien, so dass die fast 6 Minuten Spielzeit im Fluge vergehen. Ein deutscher Sprechpart kommt überraschend. Er stört glücklicherweise nicht, aber so richtig Sinn macht er irgendwie auch nicht. Die Einbindung von dezenten indigenen Gesängen sind allerdings stimmig und ein cooles Feature. Sie bringen noch mal eine gelungene Abwechslung ins Spiel.

„Space Battalion“

stellt ein ähnliches großes Kaliber dar, das ebenfalls mächtig einschlägt. Chöre leiten den Song ein, bevor Riffs und Drums den Ton angeben. Es mischt sich ein kurzes Gitarrensolo ein und dann geht es ab. Auch sonst sorgt die Leadgitarre zwischendurch für coole Akzente. Die Übergänge zwischen den verschiedenen Rhythmusregionen laufen flüssig ineinander. Nur mittig im Song ist der Wechsel härter, wenn der Song in einen Marschrhythmus übergeht. Ein Part, der geradezu einlädt live das Publikum gesanglich zu integrieren. Insgesamt überbrückt der Song die 06:45 Minuten Spielzeit mit einem ereignisreichen Songverlauf.

Songs wie beispielsweise „Face The Fight“, „Farewell To The Sun“ oder auch „A New Horizon“ können allerdings im direkten Vergleich das Topniveau der Highlights nicht halten und fallen etwas zurück. Dies bedeutet jedoch nicht, dass es schlechte Songs wären, die man sofort überspringen müsste. Denn auf dem Album gibt es keine schlechten Songs. Die Bandbreite reicht von gut bis absolut top.

Als weiteres Highlight wäre auf jeden Fall ebenfalls „Dance Of The Dead“ zu nennen. Alleine schon durch seinen dunklen massiven Doom-Sound fällt er aus dem üblichen Soundkonzept des Albums. Der Song macht deutlich, dass man nicht immer aufs Tempo drücken muss, um einen starken Song zu erschaffen. Herrlich düster und schwerfällig knallt es aus den Boxen. Ich mag gut gemachte Überraschungen auf einem Album. Und SCANNER schaffen es diesen Song trotzdem nicht als Fremdkörper wirken zu lassen. Echt stark!

Fazit

SCANNER liefern mit „The Cosmic Race“ Anfang dieses noch jungen Jahres das erste Sahnestück im Power Metal ab. Alles wird in hochklassiger Qualität präsentiert. Von guten Songs bis zu absoluten Highlights reicht die Palette, so dass man das Album wunderbar durchhören kann. Für Fans des Power Metal jedenfalls der erste Pflichtkauf des Jahres.

english review

Genre: Power Metal

Label: Rock Of Angels Records

VÖ: 12.01.2024

SCANNER (Facebook/Homepage) have been with me since my youth, as the first formation came together in 1986. In the end, however, only Axel Julius remained from the original line-up after a few line-up changes. After the album „Hypertrace“ in 2016, they are now taking off again with „The Cosmic Race“.

The opener „The Earth Song“ was chosen as the first single. Not a bad choice, because the song goes straight ahead with lightning fingers on the guitars, which set the song on fire with burning leads. Then the fire burns hot and sweeps forward like a firestorm. There are also some nice gimmicks, so that the almost 6-minute playing time flies by. A German speaking part comes as a surprise. Fortunately, it doesn’t get in the way, but somehow it doesn’t really make sense for me. The inclusion of subtle indigenous chants is, however, coherent and a cool feature. They add a nice change of pace to the music.

„Space Battallion“

is of a similar caliber and also packs a powerful punch. Choirs introduce the song before riffs and drums set the tone. A short guitar solo joins in and then the mighty spaceship goes off. The lead guitar also provides cool action. The transitions between the different rhythm regions run smoothly into each other. Only in the middle of the song is the change harder, when the song switches into a marching rhythm. A part that virtually invites the audience to join in vocally at a live gig. Overall, the song bridges the 06:45 minute playing time with an eventful song concept.

However, songs such as „Face The Fight“, „Farewell To The Sun“ or „A New Horizon“ cannot maintain the top level of the highlights in direct comparison. However, this does not mean that they’re bad songs that should be skipped immediately. Because there are no bad songs on the album. The spectrum ranges from good to top class.

Another highlight is definitely „Dance Of The Dead“. Its dark, massive doom sound alone makes it stand out from the album’s usual sound concept. But SCANNER has managed to incorporate this particular song into the whole story without it appearing as a foreign element in the overall picture. The song makes clear that you don’t always have to gain the tempo to create a strong song. It bangs out of the speakers in a wonderfully dark and ponderous way. I like well-crafted surprises on an album. Great!

Conclusion

With „The Cosmic Race“, SCANNER deliver the first high class power metal album at the beginning of this young year. Everything is presented in top-class quality. The album ranges from good songs to absolute highlights, making it a wonderful listen. For fans of power metal, it’s definitely the first must-buy of the year.

Power Metal

BLACK & DAMNED (Facebook/Homepage) haben im Januar 2021 quasi aus dem Nichts in kürzester Zeit ihr Debütalbum „Heavenly Creatures“ in die Metalwelt geboren. Das Album hatte nicht nur mich überzeugt, sondern wurde allgemein in den Medien sehr wohlwollend aufgenommen.

Nun wird Euch in naher Zukunft das neue Album „Servants Of The Devil“ heimsuchen, genauer gesagt am 28.04.2023. Bevor ich mir die Songs auf die Ohren gegeben habe, ist mir erst einmal das geile Cover Artwork aufgefallen, dass sehr eindrucksvoll gestaltet wurde. Ein sehr erhabenes Bild mit vielen kleinen Details, dass eine perfekte visuelle Einladung für den musikalischen Inhalt darstellt. Gleichwohl ist eine Empfehlung für die limitierte Vinyl-Ausgabe, damit man das Cover im Großformat bewundern kann. Zudem kann die Vinyl-Edition noch mit zwei Bonus-Songs aufwarten kann, die auf der CD nicht enthalten sind.

Imposanter Einstieg

Sodann erklingt der Opener „Hyena’s Call“ und der legt die Messlatte direkt sehr hoch. Mit der Speerspitze voran ballert der Song nach vorne weg, aber nicht stumpf und ungestüm. Es ist ein feines scharfes Schwert, das mit einer melodischen Schärfe geschwungen wird. Umgehend wird deutlich, dass sich nicht nur die Produktion weiter verbessert hat. Es sind noch einige andere Dinge, die einen großen Schritt nach vorne gemacht haben. Alles wirkt noch pompöser, die Gitarren klingen noch spielfreudiger und fetter. Darüber hinaus hat Sänger Roland seinem Gesang einige feine Schliffe mehr verpasst. „Hyenas Call“ zeigt dies sehr deutlich und macht keine Kompromisse. Der Track zeigt sich als perfekter Power Metal Kracher, der einen förmlich überwältigt.

Machtvolle Kompositionen

Wer jetzt denkt (so wie ich), dass BLACK & DAMNED nun mit den anderen Songs genauso stringent nach vorne geht, der liegt völlig daneben. Zwar hauen BLACK & DAMNED noch flotte Knaller raus, aber im Großen und Ganzen spielen die Songs im Midtempobereich. Das erste Midtempo-Biest wird sogleich mit dem zweiten Song „Rise To Rise“ losgelassen. Mit geilen Riffs und mächtigen Drums wird der Song eingeleitet. Der Song ist durch schöne Melodien geprägt und der Refrain macht es sich umgehend im Kopf gemütlich. Die Krönung ist ein kleines cooles Keybordsolo, das mich geflasht hat. Das sind atmosphärische Elemente, die den Unterschied ausmachen.

Fliegende Hymnen

„Golden Wings“ wird zwar keinen Preis für innovative Lyrics gewinnen, denn auf goldenen Schwingen sind schon so einige durch die Lüfte geflogen. Doch was soll’s, wenn der Flug einfach Spaß macht, denn der Song ist eine astreine klassische Hymne wie sie im Buche steht. Der Song zieht das Tempo wieder an und liefert einen catchigen Refrain, der nicht düster, sondern eher hoffnungsvoll und bestärkend daherkommt. Das hochmelodische Gitarrensolo ist wunderbar eingewoben und verstärkt diesen Effekt.

„Black & Damned“ lässt mal wieder die Peitsche knallen und galoppiert flott durch die Ohren. Die fetzigen Leads im Beginn, welche durch die dunklen massiven Riffs schneiden, lassen es direkt krachen. Schade, dass man diese geilen Leads nicht noch mal im Verlauf des Songs eingebaut hat. Insgesamt wird der Song aber super geschmettert und lässt es schön krachen.

Eine Monsterballade

findet sich mit „Inside“. Hier offenbart sich sehr deutlich die stimmliche Entwicklung von Sänger Roland, der hier mal andere Wege beschreitet. So eine Ballade hätte er auf dem letzten Album wohl eher nicht gesungen. Der Refrain ist einfach zum Dahinschmelzen. Dies ist ein Song der Kategorie, die man sich sofort mehrmals anhören muss, weil er so schön ist. Dies ist eine Ballade, die Potenzial hat, um Massen zu begeistern. Nicht zu schleimig, um auszurutschen, aber trotzdem wunderbar emotional, um ins Herz zu gehen und dort zu verbleiben. Fantastisch!

„King And Allies“ ist gleichfalls eine Powerballade, aber mit einem anderen Ansatz. Sie wird mit einem tollen Gitarrenspiel eingeleitet. Im Gesamtbild wirkt sie schwerer und dunkler. Auch das mutige Zwischenspiel mit dem gesprochenen Text ab Minute 02:30 h kontrastiert mit den ansonsten melodisch fließenden Melodiebögen und intensiviert diese Atmossphäre.

Mit dem Abschlusstrack „Servants Of The Devil“ hat man sich wieder für eine Midtempo-Nummer entschieden, der natürlich wiederum mächtig auftrumpft, aber hier spätestens hätte ich mir noch mal nen Song oder ne Passage gewünscht, die tempomäßig mehr abgeht. So hätte man noch mal den Kreis zum übermächtigen Opener schließen können, um dem Album einen krachenden Abschied zu verpassen.

Fazit

Insgesamt wirkt „Servants Of The Devil“ homogener als das letzte bereits tolle Album „Heavenly Creatures“, wo die Band sich hier und da noch ein wenig ausprobiert hat. Das Album macht einiges anders als der ohnehin schon potente Vorgänger. Die Atmosphäre ist außerdem etwas düsterer geworden. Dabei hat man es sich zur Aufgabe gemacht die Arrangements noch stimmiger zu gestalten und mit mehr Details zu versehen. Hierbei fällt mir z.B. das Gitarrenspiel auf, dass hier immer wieder mit kleinen, aber feinen Akzenten für das gewisse Etwas sorgt. Immer wieder schießt die Gitarre neben den rassigen Riffs mit spritzigen Leads hervor. Der Gesang hat sich ebenfalls verbessert und mich hat Sänger Roland mit seiner Leistung völlig überrascht, und zwar in sehr positivem Sinne. Die gewaltigen Refrains verwöhnen die Ohren.

BLACK & DAMNED holen tief Luft, atmen den Power Metal ganz intensiv ein und pusten mit aller Kraft das erhabene Album „Servants Of The Devil“ raus. Die Band hat einen langen Atem, so dass sich eine beachtliche Sammlung großer Metal-Hymnen auf dem Album präsentieren. Nicht nur die treibenden Songs sind von einer kraftvollen Aura umgeben. Die Band versteht sich auch hervorragend darin, mächtige Midtempo-Hymnen zu erschaffen. Alles in allem wird „Servants Of The Devil“ von Euch Besitz ergreifen und Euch nicht mehr loslassen!

Ende

English review

Power Metal

BLACK & DAMNED gave birth to their debut album „Heavenly Creatures“ in January 2021 out of nowhere in a very short time into the Metal world. The album had not only convinced me, but was generally very well received in the media.

Now the new album „Servants Of The Devil“ will be coming to you in the near future, more precisely on 28.04.2023. Before I listen to the songs, I first noticed the awesome cover artwork that was very impressively designed. A very sublime image with many small details that is a perfect visual invitation for the musical content. Nevertheless, a recommendation for the limited vinyl edition, so you can admire the cover in large format. In addition, the vinyl edition can still come up with two bonus songs that are not included on the CD.

Imposing entry

The opener „Hyena’s Call“ directly sets the bar very high. With the spearhead ahead, the song bangs away to the front, but not blunt and impetuous. It’s a fine sharp sword wielded with a melodic edge. Immediately it becomes clear that it’s not just the production that has continued to improve. There are several other things that have taken a big step forward. Everything seems even more pompous, the guitars sound even more playful and singer Roland has given his vocals a few more fine polishes. „Hyenas Call“ shows this very clearly and makes no compromises. The track shows itself as a perfect power Metal banger that literally overwhelms you.

The video for the song will be released on 03.03.’23 and will be posted here immediately.

Powerful compositions

Who now thinks (like me) that BLACK & DAMNED now stringently goes forward with the other songs, is completely wrong. Although BLACK & DAMNED still knock out snappy bangers, but on the whole the songs play in the midtempo range. The first midtempo beast is immediately unleashed with the second song „Rise To Rise“ with awesome riffs and powerful drums. „Rise To Rise“ is characterized by beautiful melodies and the chorus immediately makes itself comfortable in the head. The crowning glory is a small cool keyboard solo that completely flashed me. These are atmospheric elements that make the difference.

Flying hymn

„Golden Wings“ won’t win any prizes for innovative lyrics, because some people have already flown on golden wings. But that doesn’t matter if the flight is just fun, because the song is an fantastic classic anthem. The song picks up the pace again and delivers a catchy chorus that doesn’t come across as gloomy, but rather hopeful and encouraging. The highly melodic guitar solo is wonderfully woven in and reinforces this effect.

„Black & Damned“ cracks the whip again and gallops briskly through the ears. The groovy leads in the beginning, which cut through the dark massive riffs, let it hit directly. Too bad that they have not built these horny leads again in the course of the song. Overall, however, the song is super smashed.

A genius ballade

is found with „Inside“. Here is very clearly revealed the vocal development of singer Roland, who treads different paths here. Such a ballad he would probably not have sung on the last album. The chorus is simply to melt away. This is a song of the category that you immediately have to listen to several times because it is so beautiful. This is a ballad that has potential to thrill crowds. Not too slimy to slip, but still wonderfully emotional to go to the heart and stay there.

„King And Allies“ is also a power ballad, but with a different approach. It is introduced with some great guitar playing. In the overall picture it seems heavier and darker. Also the bold interlude with the spoken lyrics from minute 02:30 h contrasts with the otherwise melodic flowing melodic arcs and intensifies this atmosphere.

With the closing track „Servants Of The Devil“ they have again opted for a midtempo song, which of course trumps mightily, but here at the latest I would have liked another song or a passage that goes off with more speed. So one could have closed the circle to the overpowering opener again to give the album a crashing farewell.

Fazit

Overall, „Servants Of The Devil“ seems more homogeneous than the last already great album „Heavenly Creatures“, where the band still tried a little here and there. The album does some things differently than the already potent predecessor. The atmosphere has also become a bit darker. At the same time, they have made it their task to make the arrangements even more coherent and to provide them with more details. Here I notice, for example, the guitar playing that provides here again and again with small but fine accents for that certain something. Often the guitar shoots out next to the racy riffs with tangy leads. The vocals have also improved and I was completely surprised by singer Roland’s performance, in a very positive sense. The powerful choruses spoil the ears.

BLACK & DAMNED take a deep breath, inhale the power metal quite intensively and blow out the sublime album „Servants Of The Devil“ with all their might. The band has a long breath, so that a considerable collection of great metal anthems present themselves on the album. Not only the driving songs are surrounded by a powerful aura. The band also excels at creating powerful midtempo anthems. All in all, „Servants Of The Devil“ will take possession of you and won’t let you go!

Ende

Grave Digger – Rückkehr der Kreuzritter

Mit ihrem sage und schreibe 21. Studioalbum kehren Grave Digger zurück in die Zeit der Kreuzritter und schließen damit thematisch an das 1999’er Album „Knights Of The Cross“ an. Ob Sie damit die Qualität des sehr starken Vorgängerwerks „Fields Of Blood“ erreichen, erfahrt ihr im folgenden Beitrag.

Symbol Of Eternity – Start mit Kriegsschrei

Nach einem instrumentalen Intro starten die Totengräber mit einem fulminanten „Battle Cry“ und einem Riffgewitter in das neue Album. Ein aggressiver Song, der seinem Namen alle Ehre macht. „Hell Is My Purgatory“ ist melodiöser und wurde bereits vorab (z. B. HIER bei uns) vorgestellt. Auch zum nächsten Track „King Of The Kings“ gibt es ein Video, so dass ihr euch einen eigenen Eindruck verschaffen könnt.

Der Titelsong „Symbol Of Eternity“ ist ein Midtempo-Song mit interessanten Elementen und dann geht es leicht orientalisch weiter. Nach dem Intro „Saladin“ bietet „Nights Of Jerusalem“ etwas Abwechslung und kann mit seiner besonderen Note überzeugen.

Härte und Melodie

Auch bei den folgenden vier Songs steht das Motto „Härte und Melodie“ im Vordergrund. Mir persönlich gefällt „Sky Of Swords“ mit seinem eingängigen Refrain besonders gut. „The Last Crusade“ ist dann ein hervorragender Abschluss des regulären Albums und kann atmosphärisch begeistern.

Auf nach Hellas

Dann wird uns noch ein besonderes Schmankerl geboten. Der Bonustrack „Hellas Hellas“ entführt uns nach Griechenland. Es handelt sich um eine Coverversion eines Songs des griechischen Stars Vasilis Papakonstantinou. Die flotte und sehr gelunge Version bietet einige Überraschungen. Neben der fast schon fröhlichen Stimmung, die er verbreitet, sind es die Tatsachen, das Chris Boltendahl erstmals auf griechisch singt und die Mitwirkung von Vasilis himself als Gastsänger.

Qualität aus dem Hause Grave Digger

Zusammenfassend lässt sich festhalten, dass Grave Digger mit „Symbol Of Eternity“ erneut ein starkes Album geglückt ist. Die alten Herren um Reibeisenstimme Chris Boltendahl und Gitarrenhexer Axel Ritt beweisen Album für Album, dass sie nichts von ihren Qualitäten eingebüßt haben. Alle Fans der Totengräber dürfen das Album gerne HIER vorbestellen und machen unter Garantie nichts falsch damit!

Symbol Of Eternity – Tracklist

1. The siege of Akkon
2. Battle cry
3. Hell is my purgatory
4. King of the kings
5. Symbol of eternity
6. Saladin
7. Nights of Jerusalem
8. Heart of a warrior
9. Grace of God
10. Sky of swords
11. Holy warfare
12. The last crusade
13. Hellas Hellas
    

Grave Digger mit „King Of The Kings“

Der Track stammt aus dem kommenden Album „Symbol Of Eternity“, das am 26. August 2022 als CD, Vinyl, Boxset, Download und auf allen Streaming-Plattformen via ROAR! Rock Of Angels Records! erscheinen soll. HIER könnt ihr das Album bereits vorbestellen! Wir können euch schon einmal den Teaser zu neuen Single als Video vorstellen:

Symbol Of Eternity

Auf ihrem neuesten Album „Symbol of Eternity“ geht es weiter mit der Geschichte der Kreuzzüge, nachdem man sich bereits auf dem 1998’er Album „Knights of the Cross“ der Vergangenheit der Kreuzritter gewidmet hatte. Rasierklingenscharfe Riffs, opulente Chorarrangements und die einzigartige Stimme von Chris Boltendahl sind wesentliche Bestandteile des neuen Grave Digger-Werks. Alle Eigenschaften, die die Band seit über 4 Jahrzehnten bestimmen, sind vereint auf einem einzigen Album zu hören, einem originären und hartem Album, dem Album „Symbol of Eternity“. Hoffen wir, dass die Totengräber damit an das sehr starke „Fields Of Blood“ anknüpfen konnen!

Grave Digger auf dem Rock Hard Festival

Unser Chipsy durfe die Jungs kürzlich noch auf dem Rock Hard Festival 2022 live erleben. Von Ihrem Auftritt mit Trommlern und Dudelsack Spielern war er durchaus angetan. HIER könnt ihr den Bericht zum 2. Tag des Rock Hard Festivals (u.a. noch mit Asphyx und Blind Guardian) nachlesen und euch coole Fotos anschauen.

GRAVE DIGGER sind:

Chris Boltendahl – Vocals
Axel Ritt – Gitarre
Jens Becker – Bass
Marcus Kniep – Schlagzeug

KingCrown – Metal aus Frankreich

Metal Bands aus Frankreich sind ja bedauerlicherweise etwas rar gesäht. Umso schöner, dass uns KingCrown mit „Wake Up Call“ ihr neues Werk vorstellen. Nach dem 2019’er Longplayer „A Perfect World“ ist es bereits das zweite Album, welches sie unter diesem Namen veröffentlichen. Unter dem (glücklicherweise ausgetauschten ) Bandnamen Öblivïon hatten sie bereits ein Album mit dem Titel „Resilience“ auf den Markt gebracht. Aktuell besteht die Formation aus Sänger Joe Amore, den Gitarristen Bob Saliba und Ced Legger, Bassist Sebastien Chabot und Schlagzeuger David Amore. Was uns die Franzosen hier anzubieten haben, erfahrt ihr im folgenden Beitrag.

Wake Up Call – eingängiger Melodic Power Metal

KingCrown spielen lupenreinen Melodic Power Metal, der auch von einer US-Power Metal Band stammen könnte. Das liegt nicht zuletzt auch an Sänger Joe Amore, der sämtliche Songs völlig akzentfrei rüberbringt. Der Titelsong und Opener gibt gleich einmal einen guten Vorgweschmack auf das Album. Ein melodiöser und flotter Song, der die Richtung vorgibt. Bis auf die – etwas träge – Piano-Ballade „Gone So Long“ sind die übrigen Songs im ähnlichen Stil gehalten. Das starke „To The Sky And Back“ können wir euch hier als Video vorstellen.

Licht und Schatten

Es sind einige starke Tracks mit guten Soli, schönen Meldien, fetten Riffs und zum Mitsingen geeigneten Refrains auf dem Album vertreten. Als Beispiele seien hier besonders „Story Of Mankind“, „A New Dawn“ oder der abschließende Manowar-artige Stampfer „Fire Burns Again“ genannt. Aber wo Licht ist, ist bekanntlich meist auch Schatten. Wenn Sänger Joe Amore versucht seine grundsätzlich leicht raue und tiefe Stimme in höhere Lagen zu schrauben, wird sie leider etwas „quäkig“ und kann nicht mehr überzeugen. Dies fällt ganz besonders beim Song „The Awakening“ auf, der zu den Schwachpunkten des Albums gehört.

KingCrown – Band mit Potential

KingCrown beweisen auf „Wake Up Call“, dass sie durchaus einiges an Potential besitzen. Das Album gehört ganz sicher zu den stärkeren schwermetallischen Werken aus Frankreich. Wenn sich Sänger Joe Amore verstärkt darauf besinnt, dass seine Stimme in den tieferen Lagen einfach besser klingt, ist sicher noch eine weitere Steigerung drin. Aber auch so dürft ihr euch „Wake Up Call“ durchaus einmal zu Gemüte führen.

Tracklist Wake Up Call

1. Wake Up Call
2. The End Of The World
3. Story Of Mankind
4. Lost Foreigner
5. One With Earth
6. To The Sky And Back
7. The Awakening
8. A New Dawn
9. Gone So Long
10. City Light
11. Fire Burns Again

HIER findet ihr die Facebook-Seite der Band und HIER gibt es weitere interessante Reviews!

Enemy Inside und die sieben Todsünden

Der Albumtitel steht selbstredend nicht für die Diskographie, sondern für die sieben Todsünden und „Crystallize“ beschäftigt sich daher auch mit einer. Nämlich Trägheit, oder genauer der Trägheit des Herzens. Nicht umsonst heißt es im Song „I’m Cold As Ice“. Schöne Melodien, gute Riffs und eingängiger Refrain komplettieren den ersten Eindruck. Auch wenn der Titel anderes vermuten lässt, dreht sich „Alien“ um das Gefühl des anders sein, des nicht der Norm entsprechen. Leider nimmt der Song erst im letzten Drittel Fahrt auf. Davor kriegt er mich nicht so richtig. „Release Me“ ist ein schöner, moderner Metal Song wie ihr unten im Video sehen könnt. „Break Through“ beginnt als zuckersüße Ballade, überrascht dann aber mit heftigeren Riffs und einem gelungenen Gitarrensolo um dann wieder mit Pianoklängen zu enden. „In My Blood“ hat eine schöne Basslinie und ein paar Headbangermomente. Gefällt mir gut.

Enemy Inside covern Jennifer Paige

In der Mitte des Albums steht „Bulletproof“. Mir persönlich ist der Song etwas zu überladen, auch wenn er seine guten Momente hat. Der Titeltrack „Seven“ steht selbstredend an siebter Stelle und gefällt mir viel besser. Mehr Härte, eingestreute Growls, mehr Ecken und Kanten. Das mag ich. Der „Black Butterfly“ sortiert sich thematisch passend in der Dark Rock / Gothic Ecke ein und dazu gibt es ein schön visualisiertes Video. „Black And Gold“ ist eine Midtempo Nummer, bei der mir die Gitarrenarbeit von Evan zum wiederholten Male richtig gefällt. Und auch die Stimme von Nastassja passt hier perfekt. Mehr Tempo gibt es wieder bei „Dynamite“. Aber hier fehlt mir das letzte Quentchen Energie um mich richtig mitzureißen. Schade. Zum Abschluss covern Enemy Inside Jennifer Paige und präsentieren eine rockige Version des 1998er Hits „Crush“.

Für Fans von Evanescence und Co

Mit „Seven“ haben Enemy Inside ein durchaus gelungenes Album hingelegt. Fans von Evanescence und Co werden hier ihre helle Freude haben. Man kann die Platte gut an einem Stück durchhören. Mir persönlich ist es auf Dauer zu gefällig. Ich vermisse eine gewisse Rauheit und Schärfe. Das sie das können, zeigen Enemy Inside beispielsweise beim Titeltrack „Seven“. Gerne mehr davon. Davon würde ich mich auch gerne live überzeugen. Auch um Evan an der Gitarre zu sehen, der sein Können immer wieder aufblitzen lässt und mir richtig gut gefällt.

Enemy Inside – Line-Up und Kontakt

Nastassja Giulia – Vocals
Evan K – Lead Guitars
Dave Hadarik – Rhythm Guitars
Dominik Stotzem – Bass
Feli Keith – Drums

Mehr zu Enemy Inside gibt es auf der Homepage oder bei Facebook. Und natürlich gibt es noch viele weitere News, Reviews und Live-Berichte aus der Szene der harten Töne bei uns. Um ja nichts zu verpassen, abonniert ihr am besten unseren kostenlosen Newsletter oder folgt uns bei Facebook. Die besten Bilder findet ihr dann bei Instagram und unser YouTube Channel hält schon jetzt einiges bereit. Schaut mal rein und lasst uns mal ein paar Kommentare da.

Die neueste Single Black Butterfly

Die düstere Power-Ballade „Black Butterfly“ beginnt sanft, steigert sich aber gegen Ende drastisch mit einem satten Arrangement, genau wie die Ruhe vor dem Sturm. Die Geschichte des Songs handelt von zwei Personen, die eine tiefe Verbindung hatten. Mit der Zeit beginnt sich einer der beiden zu verändern, und plötzlich scheint der andere nicht mehr in ihre Welt zu passen, weil die Person nicht Teil ihres Glaubens ist. „Es geht um Verlassenheit, Trauer und Wut, aber auch ums Loslassen“, sagt Sängerin Nastassja Giulia. „Es ist hart, dass sich jemand, der einem wirklich nahe stand, plötzlich wie ein Fremder anfühlt.“

Enemy Inside – Line-Up und Kontakt

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