Mit der Nyckelharpa als zentralem Instrument verbindet JOHN STENERSEN alte nordische Traditionen mit einer ausgesprochen dunklen, atmosphärischen Klangsprache. Bekannt durch seine Arbeit mit WARDRUNA und GÅTE, verfolgt er nun seit vielen Jahren ein eigenes Solo-Projekt, in dem traditionelle Melodien auf Drone-Flächen, historische Instrumente und moderne Klangwelten treffen. Beim Midgardsblót–Festival präsentierte er sein Projekt erstmals live – allein auf der Bühne, aber begleitet von einer Welt aus Klängen und Bildern.

Wie klingt norwegische Tradition, wenn man sie durch eine dunkle, moderne Klangästhetik betrachtet? Im Gespräch erzählt John Stenersen von seiner Faszination für die Nyckelharpa, den Anfängen des Solo-Projekts, der besonderen Atmosphäre des Midgardsblót-Festivals und davon, warum jetzt der richtige Moment ist, seine Musik mit einem größeren Publikum zu teilen.

Das Interview

Kommst du aus einer musikalischen Familie, in der traditionelle Musik eine Rolle spielt? Oder anders gefragt: Wie bist du zum ersten Mal mit traditioneller Musik in Berührung gekommen?
John: Nein, ich komme nicht aus einer musikalischen Familie. Niemand außer mir spielt ein Instrument – ich bin die Einzige.

Gab es einen bestimmten Moment, in dem du dachtest: Diese Musik möchte ich selbst spielen?
Mein Interesse an Musik begann schon früh. Im Fernsehen habe ich Konzerte und Auftritte von Geigern und Rockbands gesehen. Mich haben die Bühne und die Musik schon immer fasziniert und angezogen. Ich glaube, mein erster Kontakt mit Folkmusik war durch Annbjørg Lien und ihr Album „Prisme“.

Die Nyckelharpa scheint inzwischen dein Instrument zu sein – schließlich steht sie im Mittelpunkt deines Soloprojekts. Wie bist du dazu gekommen, dieses Instrument zu spielen? Hattest du Unterricht oder einen Lehrer? Ich habe gelesen, dass du dir das Spielen selbst beigebracht hast.
Ich wollte eigentlich schon immer Geige spielen, aber ich habe nie einen Lehrer gefunden. Und es war ziemlich schwierig, mir das Instrument anhand von Büchern selbst beizubringen, weil man bei einem leeren Griffbrett schließlich nicht weiß, wohin mit den Fingern. Heute ist das dank YouTube und Markierungen auf dem Griffbrett viel einfacher, aber damals gab es so etwas für mich nicht.
2008 war ich auf einem Festival und traf dort einen Schweden, der mir von der Nyckelharpa erzählte. Ich wusste zunächst überhaupt nicht, was das für ein Instrument war. Also zeigte er mir ein Foto. Und in dem Moment, als ich es sah, wusste ich: Das kann ich mir selbst beibringen.
Ich suchte anschließend auf YouTube danach und fand ein Video von einer Frau, die Nyckelharpa spielte. Ich war sofort begeistert von ihrem Klang, weil er wie eine tiefe, dunkle Hardangerfiedel klingt.

Du hast dich also auf Anhieb in den Klang verliebt. Wie ging es danach weiter?
Zwei Wochen später fuhr ich nach Uppsala, um mir eine zu kaufen. Dort bekam ich etwa 15 Minuten Unterricht. Er zeigte mir, wie man das Instrument und den Bogen hält, erklärte mir die Stimmung und zeigte mir eine Tonleiter. Danach klopfte er mir auf die Schulter und sagte: „Viel Glück!“
Ich fuhr zurück nach Norwegen und begann zu üben. Es dauerte ein paar Jahre, bis ich das Gefühl hatte, wirklich sagen zu können, dass ich Nyckelharpa spielen kann. Aber irgendwann hatte ich es geschafft – mit sehr viel Übung.

Du arbeitest offenbar schon seit 15 Jahren an deinem Soloprojekt. Wie entstand die Idee zu einem Soloalbum? Hat das auch mit dem Instrument selbst zu tun, das traditionell eher solistisch oder zur Begleitung von Gesang gespielt wird?
Als ich 2007 meine erste Band BERGTATT gründete, haben wir immer Instrumentalstücke gespielt. Ich habe außerdem schon immer komponiert. Deshalb hatten wir bereits auf unserer ersten Sommertour 2009 einige Instrumentalstücke im Programm, bei denen die Nyckelharpa das Hauptinstrument war.
Damals entstand zum ersten Mal der Gedanke, etwas als Soloprojekt zu machen. Bei jedem Stück, das ich lernte oder selbst komponierte, hatte ich dieses Projekt im Hinterkopf. Seitdem habe ich immer wieder daran gearbeitet. Wenn ich darüber nachdenke, sind es inzwischen tatsächlich 17 Jahre.

„Tronsgårdhallingen“ – Wurzeln in der traditionellen Musik

Inzwischen hast du das Projekt abgeschlossen, und der erste veröffentlichte Song war „Tronsgårdhallingen“. Warum hast du gerade dieses Stück ausgewählt, um dein Projekt vorzustellen? Verbindest du etwas Besonderes damit?
Ich kenne das Stück schon seit vielen Jahren, und es bringt die Menschen eigentlich immer in Bewegung. Sie stampfen mit den Füßen, tanzen oder bewegen sich einfach irgendwie zur Musik. Ich hatte es allerdings noch nie in einem dunklen Arrangement gehört – und genau das wollte ich ausprobieren. Das ist etwas, das ich mit all meinen Songs mache.
Ich wollte mein Projekt mit diesem Stück beginnen, weil es eine bekannte traditionelle Melodie aus Norwegen ist. Mir war wichtig, zunächst meine Wurzeln zu zeigen und die Tradition zu würdigen, indem ich meine eigene Version dieses Stücks präsentiere, bevor ich meine eigenen Kompositionen veröffentliche.

Das Midgardsblót-Festival ist ein ziemlich besonderes Festival – zumindest aus meiner Sicht. Ist es für dich ebenfalls etwas Besonderes? Du hast dort ja auch schon mit WARDRUNA und KALANDRA gespielt.
Midgardsblót ist mein liebstes norwegisches Festival. Es herrscht dort einfach eine unglaublich gute Atmosphäre. Ich habe schon viele Male dort gespielt. Im ersten Jahr war ich mit BERGTATT dort, später noch einmal, und außerdem habe ich dort mit WARDRUNA und KALANDRA gespielt.
Dort habe ich auch Einar [Selvik, Gründer von Wardruna] zum ersten Mal getroffen. Ich hatte WARDRUNA dort sogar schon gesehen, bevor ich selbst Teil der Band wurde.

Was bedeutet es dir, dein Soloprojekt ausgerechnet dort zu präsentieren?
Ich habe mich dafür entschieden, mein Soloprojekt beim Midgardsblót zu veröffentlichen, weil es für mich der perfekte Ort dafür war. Ich wusste, dass dort viele Menschen sein würden, die sich für diese Art von Musik interessieren. Und ich bin unglaublich glücklich über die Reaktion.
Die Menschen standen teilweise über eine Stunde lang Schlange, um hineinzukommen. Sie tanzten, stampften mit den Füßen und klatschten zu den Songs mit. Das war ein unglaubliches Gefühl! Es lief genauso gut, wie ich gehofft hatte, und ich habe danach sehr viele positive Rückmeldungen bekommen.

Klangwelt und Bilder und ein begeistertes Publikum

Wie war es für dich, ganz allein auf der Bühne zu stehen?
Bei „Tronsgårdhallingen“ spielst du zusätzliche Instrumente. Wie hast du das bei der Show umgesetzt? Hast du mit Backing-Tracks gearbeitet? In den kurzen Videoclips ist das nicht zu hören. Und was war in diesem Moment die größte Herausforderung für dich?
Allein auf der Bühne zu stehen, ist etwas völlig anderes, als mit einer Band aufzutreten, weil man niemanden hat, an dem man sich orientieren oder auf den man sich verlassen kann.
Bei dieser Show habe ich mit Backing-Tracks gearbeitet. Das einzige Instrument, das live gespielt wurde, war meine Nyckelharpa. Die Backing-Tracks hatte ich mit Drehleier, Moraharpa, Tagelharpa, Harmonium, Synthesizer, Rahmentrommeln sowie Percussion aus Stöcken, Steinen, Knochen und Hörnern erstellt.
Außerdem habe ich ein Video produziert, das mit den Backing-Tracks synchronisiert war und auf einer Leinwand hinter mir lief. Da ich allein auf der Bühne stand, war es mir wichtig, auch visuell etwas zu bieten und die Show für das Publikum abwechslungsreicher zu gestalten.
Das Video besteht hauptsächlich aus Drohnenaufnahmen von Landschaften und Natur, die ein Freund für mich gemacht hat. Und es hat tatsächlich sehr gut funktioniert! Ich habe gesehen, dass viele Menschen immer wieder auf die Leinwand geschaut haben – das hat mich sehr gefreut.

Du trittst normalerweise mit Bands auf und hast deshalb einen direkten Vergleich. Was ist für dich der größte Unterschied? Gab es etwas, das dich überrascht hat?
Der größte Unterschied ist, dass man niemanden hat, an dem man sich festhalten kann. Wenn irgendetwas passiert, ist niemand neben einem. Man ist vollkommen auf sich allein gestellt und trägt die Verantwortung für alles.

Wie hast du die Reaktion des Publikums erlebt? Was hat dich besonders gefreut oder beeindruckt?
Ich habe mich unglaublich gefreut, als ich gesehen habe, wie sich die Menschen zur Musik bewegen. Und als sie angefangen haben zu klatschen, hatte ich das Gefühl, dass ich sie wirklich erreicht habe.

Wie du bereits erwähnt hast, lief im Hintergrund ein Video. Oder gibt es für jeden Song ein eigenes Video? Welche Funktion hat es? Was wird darin gezeigt oder erzählt, und welchen Aspekt der Musik beziehungsweise der Songs möchtest du damit hervorheben?
Ja, für jeden Song gibt es ein eigenes Video, das mit meinem Backing-Track synchronisiert ist. Es handelt sich hauptsächlich um Drohnenaufnahmen aus der Natur, aber es gibt auch Ausschnitte aus kommenden Musikvideos.
Manche Videos zeigen ausschließlich Natur, andere erzählen eine Geschichte. Mehr dazu werde ich später verraten, wenn weitere Singles veröffentlicht werden.

Ein paar Geheimnisse

Gibt es etwas, das du bei zukünftigen Shows grundsätzlich anders machen möchtest?
Ich habe diesbezüglich ein paar Geheimnisse, die ich später enthüllen werde.

Geheimnisse – jetzt bin ich natürlich neugierig. Du hast sehr lange an diesem Projekt gearbeitet. Wie hat es sich im Laufe der Jahre entwickelt? Und wie nah ist das, was du jetzt präsentierst, an deiner ursprünglichen Idee?
Ich arbeite schon sehr lange daran, und tatsächlich entspricht es zu 100 Prozent der ursprünglichen Idee. Das Projekt war bereits vor vielen Jahren fertig. Es lag einfach in einer Schublade und wartete auf den richtigen Zeitpunkt für die Veröffentlichung.

Was war letztlich der entscheidende Faktor dafür, dass du das Projekt gerade jetzt einem Publikum präsentieren wolltest? Hat dabei auch dein Erfolg mit WARDRUNA und GÅTE eine Rolle gespielt? Jetzt war einfach der perfekte Zeitpunkt. Viele Menschen kennen mich inzwischen durch diese Bands. Dadurch ist es heute viel leichter, Aufmerksamkeit für meine eigene Musik zu bekommen als noch vor 15 Jahren.

Leider kenne ich bisher nur einen der Songs. Wovon handeln die anderen Stücke, die du bereits gespielt hast und die auf dem Album erscheinen werden?
Alle Songs sind instrumental. Zunächst werde ich einige traditionelle Stücke veröffentlichen, um meine Wurzeln und meine Herkunft zu zeigen. Danach werde ich beginnen, meine eigene Musik herauszubringen.
Ich komponiere bereits seit meinem 14. Lebensjahr auf unterschiedliche Weise Musik für verschiedene Instrumente. Deshalb habe ich eine ganze Menge Material, aus dem ich auswählen kann.

Diese traditionellen Stücke wurden über lange Zeit hinweg weitergegeben, schlicht indem sie immer wieder gespielt wurden – und jeder Musiker hat sie dabei ein wenig verändert. Was hast du an ihnen verändert? Was ist dein eigener Beitrag, deine persönliche Interpretation? Vielleicht kannst du auch ein wenig beschreiben, was den Charakter der Stücke ausmacht, welche Instrumente du eingesetzt hast und wie du ihren besonderen Klang erzeugst.
Die meisten dieser Stücke bestehen aus zwei oder drei Themen. Ich habe einige eigene Themen hinzugefügt und rund um die Melodien ein dunkles Arrangement entwickelt.Das Arrangement basiert hauptsächlich auf alten nordischen Instrumenten, ergänzt durch einen tiefen, dunklen Synthesizer. Über die Stücke hinweg gibt es vor allem einen dunklen Drone aus Drehleier, Harmonium und Synthesizer. Der Puls kommt von einer Rahmentrommel, während der Backbeat aus einer Mischung von Moraharpa, Tagelharpa und Nyckelharpa besteht. Als Percussion kommen ein Holz-Shaker, Stöcke, Steine, Knochen und Hörner zum Einsatz.
All diese Instrumente und Klänge schaffen eine dunkle Atmosphäre rund um die Nyckelharpa.

Eine dunkle Atmosphäre – so möchte ich diese Musik hören

„Tronsgårdhallingen“ wurde und wird traditionell auf der Geige gespielt. In der Bearbeitung für Nyckelharpa verändert sich jedoch der Klang und damit auch der Gesamteindruck. Die Musik wirkt dunkler und düsterer. Eine solche dunkle Atmosphäre zu erzeugen, gehört ja auch zu deinen erklärten Zielen.Warum findest du, dass diese Klangästhetik besonders gut zu dem Stück passt? Was macht die dunklere Atmosphäre für dich so stimmig?
Ich höre selbst schon immer gern dunkle Musik, deshalb fühlte es sich für mich ganz natürlich an, solche Musik zu machen. Außerdem habe ich diese Stücke noch nie auf diese Weise gehört. Genau so möchte ich diese Musik selbst hören. Deshalb wollte ich die Version dieser Stücke erschaffen, die mir persönlich am besten gefällt.

Wie gelingt es dir, die Tradition zu bewahren und gleichzeitig authentisch zu bleiben – also in dem Sinne, dass daraus deine Musik wird?
Oder anders gefragt: Sind Lieder, die über viele Generationen weitergegeben wurden, gerade deshalb zeitlos, weil ihre grundlegende Struktur erhalten bleibt, während jede Generation sie auf ihre eigene Weise interpretiert und damit den jeweiligen Zeitgeist widerspiegelt?
Ich denke, jeder, der diese Lieder spielt und mit ihnen arbeitet, ist ein Bewahrer der Tradition. Jeder trägt dazu bei, diese Lieder und die Tradition lebendig zu halten.
Ich hoffe, diese Musik über die Grenzen Norwegens hinaus bekannt zu machen und den Menschen in Europa die Möglichkeit zu geben, diese Lieder und diese Tradition zu entdecken.

Ausblick auf die Tour 2027

Du wirst mit dem Projekt auch auf Tour gehen. In welchen Ländern und Städten wirst du auftreten?
Ich plane, 2027 auf Tour zu gehen. Welche Länder und Städte es genau sein werden, werde ich später bekannt geben.

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With the nyckelharpa at the heart of his music, JOHN STENERSEN combines ancient Nordic traditions with a distinctly dark and atmospheric sound. Known for his work with WARDRUNA and GÅTE, he has been developing his own solo project for many years, bringing traditional melodies together with drone textures, historical instruments and modern soundscapes. At the Midgardsblót-Festival, he presented the project live for the first time — alone on stage, but surrounded by a world of sounds and images.

What does Norwegian tradition sound like when viewed through a dark, modern sonic aesthetic? In this interview, he talks about his fascination with the nyckelharpa, the origins of his solo project, the unique atmosphere of Midgardsblót, and why now feels like the right moment to share his musical vision with a wider audience.

The Interview

Do you come from a (musical) family in which traditional music plays a role, or how did you first come into contact with traditional music?
No, I don’t come from a musical family. No one but me in my family plays an instrument, I’m the only one.

So was there a particular moment when you thought: I would like to play this music, too?
The interest for music started from a young age when I saw concerts and performances on TV of fiddlers and rock bands. I’ve always been drawn to the stage and music, I’ve always found that very intriguing. I think my first contact with folk music was through Annbjørg Lien and her album “Prisme”. 

The nyckelharpa seems to be your instrument, as you have put it at the forefront of your solo project.
How did you come to play the instrument?  Did you have lessons or a teacher? I read somewhere that you taught yourself to play the instrument.
I always wanted to play the fiddle, but I never found a teacher and it was too hard teaching myself that instrument from books, not knowing where to put your finger on a blank fretboard. It’s easier now with YouTube and stickers for your fretboard telling you where to put your finger, but back then I had nothing like that. I was at a festival in 2008 and there I met this Swedish man who talked about the nyckelharpa and I did not quite understand what it was, so he showed me a photo of it and the moment I saw that photo I knew that I can teach myself that instrument. So I searched it up on YouTube and I found one video of a woman playing the nyckelharpa and I loved the sound, because it sounds like a deep and dark Hardanger Fiddle.

So you fell in love with the sound. What happened next?
Two weeks later I drove to Uppsala to buy one. I got 15 minutes of instruction where he showed me how to hold the instrument and the bow, told me how it was tuned and showed me a scale. Then I got a pat on the shoulder and a “Good luck!”. I drove back to Norway and started practicing. It took a few years before I felt like I could say that I could play the nyckelharpa, but I got there in the end with a lot of practice. 

You have apparently been working on your solo project for 15 years. How did the idea of developing a solo album come about? Does it have something to do with the instrument, given that it is traditionally played more as a solo instrument or accompanied by singing?
When I started my first band BERGTATT back in 2007 we always did instrumental songs, and I have always been composing so even on our first summer tour in 2009 we included some instrumental songs with the nyckelharpa as the main instrument. So that was when the thought of doing something solo started. So for every song I learned or every song I composed I always had the solo project in the back of my mind and I’ve been working on it on and off since then actually so it’s actually 17 years now that I think about it. 

‘Tronsgårdhallingen’ – Roots in traditional music

You’ve now completed the project and the first song you released was “Tronsgårdhallingen”. Why did you choose this particular song to introduce your project? Do you have a special connection to it?
It’s a song I’ve heard for many years and it always makes people move. Either stomping their feet, dancing or in some way moving to the song, but I’ve never heard it in a dark arrangement, so I wanted to make that. That’s what I do with all my songs. I chose to start with this because it’s a well known traditional tune from Norway and I wanted to start my project with first showing my roots and honor the tradition by making my own version of this before releasing my own compositions.

The Midgardsblót-Festival is quite a special festival (at least from my perspective). Is it special for you as well? You have played there with WARDRUNA and KALANDRA, too, haven’t you?
Midgardsblót is my favourite Norwegian festival, it has such a good vibe. I have played there many times. I played there the first year with BERGTATT and again another year, and I’ve also played there with WARDRUNA and KALANDRA. This is also where I met Einar [Selvik, founder of Wardruna] for the first time, and I’ve also seen WARDRUNA play there before I joined the band. 

A world of sound and images, and an enthusiastic audience

What does it mean to you to present your solo project there in particular?
I chose to release my solo project at Midgardsblót because it was the perfect spot for me to do it. I knew there were going to be a lot of people who were interested in this kind of music there, and I’m so happy about the response. There were people standing in line for over an hour waiting to get in. People were dancing, stomping their feet and clapping along to the songs so that was an amazing feeling! It went as well as I had hoped for! I got so many positive comments afterwards!

What was it like to stand on stage alone? You play additional instruments on “Tronsgårdhallingen”. How did you handle that during the show? Did you use backing tracks? What was the biggest challenge for you in that moment?
Standing alone on stage is something completely different than being on stage with a band, because you have no one to lean on. When I played this show I used backing tracks, so the only thing that was live was my nyckelharpa. I had created backing tracks with hurdy-gurdy, moraharpa, tagelharpa, harmonium, synth, frame drums and percussion from sticks, stones, bones and horns. I also created a video that’s synched to the backing tracks playing on a screen behind me. Because I’m only one person on stage it was important for me to have video to make it more interesting for the audience. It’s mainly drone shots of nature that a friend of mine made for me, and it really worked! I saw a lot of people watching the video so that was great! 

You normally play in bands, so you have a direct comparison. From your experience, what is the biggest difference? Was there anything you hadn’t expected?
The biggest difference is that you have no one to lean on. No one is there with you if anything happens. You’re completely alone and you’re responsible for everything. 

How did you perceive the audience’s reaction? What pleased or impressed you the most?
I was so happy when I saw people move to the music, and when people started clapping I felt I had reached them. 

As you said, there was a video in the background. What role does it play? What is being shown, and which aspect of the music is it intended to emphasise?
Yes, there’s a video for every song synched to my backing track. It’s mainly drone shots of nature, but there are also some snippets of upcoming music videos. Some of them are only nature, and some of them tell a story. I will reveal more of that later as more singles are being released. 

A few secrets

Is there anything you would fundamentally do differently in future shows?
I have a few secrets around this I’ll reveal later.

Secrets – I’m curious to see what they are. You have worked on the project for quite a long time. How has it developed over the years? How close is what you have presented now to the original idea? Yes, I’ve been working on it for a very long time and it’s 100% as the original idea. This project has been ready for many years, just laying in a drawer waiting for the right time to be released. 

What was the decisive factor in making you take the project to an audience now, at this particular point in time? Did your success with WARDRUNA and GÅTE play a role in this?
Now was the perfect time as a lot of people now know me from these bands, so it’s much easier to get some attention around my music now compared to 15 years ago. 

Unfortunately, I only know one of the songs so far. What are the other songs you performed and that will be on the album about?
All songs are instrumental. I’ll first release some traditional songs to show my roots and where I come from, and then I’ll start releasing my own music. As I’ve been composing music in some way on different instruments since I was 14 years old, I have a lot of music to choose from. 

These traditional songs were passed down over a long period of time simply by being played, and each musician changed them a little. What have you changed? What is your contribution, your interpretation? Perhaps you could describe a little here what defines the songs, which instruments you have used, and how you create their distinctive sound.
Most of these songs have 2-3 themes. I have made a few themes myself to add to the songs and I have made a dark arrangement around the melodies. This arrangement consists mainly of old nordic instruments, but I’ve also added a deep dark synth. It’s mainly a dark drone throughout the songs consisting of Hurdy-gurdy, harmonium and synth. The pulse is a frame drum and the backbeat is a mix of moraharpa, tagelharpa and nyckelharpa. The percussion is a wooden shaker, sticks, stones, bones and horns. All of these instruments and sounds create a dark atmosphere around the nyckelharpa. 

A sombre atmosphere – that’s how I’d like to listen to this music

“Tronsgårdhallingen” was and is traditionally played on the fiddle in folk music. When adapted for the nyckelharpa, the sound and the overall impression change. The music sounds darker and more sombre. One of your aims is also to convey a dark atmosphere. Why do you feel this suits the song better? Why does a darker atmosphere feel more appropriate to you?
I listen to dark music, I always have, so it felt very natural to me to create dark music. I also have never heard these songs this way before. This is the way I want to hear these songs myself, so I wanted to create the version of these songs that I like best. 

How do you manage to preserve the tradition while also remaining authentic? Authentic in the sense that it is your music. Or, put another way: are songs that have been passed down through many generations timeless precisely because their basic structure remains intact, while each generation “colours” them in a way that reflects its own spirit of the age?
I think everyone who plays and uses these songs are tradition keepers. They all help keep these songs and the tradition alive. I hope to bring this music out of Norway and let the people of Europe discover these songs and this tradition. 

A look ahead to the 2027 tour

You will be going on tour. Which countries/cities will you be performing in?
I plan to go on tour in 2027 and I’ll reveal the countries and cities later. 

John Stenersen startet sein Soloprojekt mit „Tronsgårdhallingen“

Der norwegische Musiker John Stenersen, den viele von euch wahrscheinlich als Moraharpa-Spieler bei WARDRUNA kennen, hat am 5.August 2026 mit „Tronsgårdhallingen“ sein Soloprojekt vorgestellt.
Er hat etwa 15 Jahre damit verbracht, dieses Projekt und einen neuen, unverwechselbaren Klang zu entwickeln.

Die Idee hinter dem Projekt ist es, traditionelle nordische Volksmusik mit modernen Arrangements zu verbinden, um sie auf die moderne Tanzfläche zu bringen und damit auch ein alternatives Crossover-Publikum anzusprechen.

Für die erste Veröffentlichung wählte er eine der bekanntesten Melodien zu dem traditionellen Halling. Der Halling ist ein Tanz mit verschiedenen festgelegten Schrittfolgen, in die die Tänzer teilweise athletische Einlagen einfügen.
Die Ursprünge des Stücks „Tronsgårdhallingen“ geht auf Thorvald Tronsgård zurück, einem bekannten und angesehenen Fiedelspieler aus Folldal. Folldal liegt in der Nähe des Rondane-Massivs in der Hochebene Südnorwegens. Tronsgårds Musik prägte seine Heimatregion fast ein Jahrhundert lang, und „Tronsgårdhallingen“ gilt als die berühmteste Melodie, die er hinterlassen hat.

Den traditionellen Kern bewahrt und neu interpretiert

John Stenersen hat die Melodie beibehalten und sie mit einer anderen Instrumentierung neu interpretiert. Während das Stück ursprünglich mit einer Fiedel gespielt wurde, spielt John Stenersen die Melodie auf der Nyckelharpa, wodurch sich der Klang deutlich verändert.
Denn bei der Fiedel verändert sich die Tonhöhe, indem die Finger des Spielers die Saiten direkt auf dem Griffbrett verkürzen. Bei der Nyckelharpa hingegen wird die Tonhöhe durch Tasten verändert.
Die Töne wirken prägnanter, da ihre Tonhöhen durch die Tasten eindeutig festgelegt werden. Einen wesentlichen Teil ihres charakteristischen Klangs erhält die Nyckelharpa zudem durch die Resonanzsaiten. Diese werden nicht direkt mit dem Bogen gestrichen, sondern durch die Schwingungen der gespielten Töne zum Mitschwingen angeregt, wodurch ein kontinuierlicher ‚Drone-Effekt‘ entsteht.

Schon dies trägt dazu bei, dass „Tronsgårdhallingen“ voll und dunkel klingt. Die Nyckelharpa wird zudem von Tagelharpa und Harmonium begleitet, was für noch mehr Volumen sorgt. Rahmentrommel und diverse weitere Perkussionsinstrumente sowie das Tempo sorgen sowohl für die rhythmischen Akzente, die das Stück tanzbar machen.

Von der Tradition zum Nordic-Folk

„Tronsgårdhallingen“ ist in dieser Form sowohl eine Interpretation als auch ein Stück Nordic Folk.

Die Wiederholungen der einzelnen Melodiezeilen, die Untermalung durch Synthesizer, der Bordun-Ton der Nyckelharpa und die tiefen Schläge der Rahmentrommel geben dem Stück einen dunklen und hypnotischen Charakter.
Steine, Stöcke und Knochen als Perkussionsinstrumente fügen etwas Archaisches hinzu.
Gleichzeitig klingt das Stück modern und ist durch das dynamische Tempo sicher ebenso tanzbar wie das Original.

Zu dem Stück gibt es auch ein Video, das nicht nur die Gegend zeigt, aus der das Original stammt und die ‚nordische‘ Atmosphäre des Stückes unterstreicht.

Mir gefällt der Ansatz, wie John Stenersen dieses traditionelle Tanzstück interpretiert hat, sehr gut und ich bin gespannt auf weitere Stücke.

„Tronsgårdhallingen“ ist ja nur der Auftakt. Auf dem Midgardsblot-Festival wird John Stenersen das Stück zum ersten Mal live spielen. Er wird dann weitere Songs veröffentlichen und im Frühjahr und Sommer 2027 auf Europa-Tournee gehen.

“Tronsgårdhallingen” by John Stenersen

John Stenersen launches his solo project with “Tronsgårdhallingen”

The Norwegian musician John Stenersen, whom many of you will probably know as a moraharpa player with WARDRUNA, unveiled his solo project on 5 August 2026 with “Tronsgårdhallingen”.
He has spent around 15 years developing this project and creating a new and distinctive sound.

The idea behind the project is to combine traditional Nordic folk music with modern arrangements, bringing it to the contemporary dance floor while also appealing to an alternative crossover audience.
For his first release, he chose one of the best-known melodies associated with the traditional Halling dance. The Halling is a dance featuring various established sequences of steps, with dancers sometimes incorporating highly athletic movements into their performances.

The origins of “Tronsgårdhallingen” can be traced back to Thorvald Tronsgård, a well-known and highly respected fiddler from Folldal. Folldal lies near the Rondane mountain range in the highlands of southern Norway. Tronsgård’s music shaped his home region for almost a century, and “Tronsgårdhallingen” is regarded as the most famous melody he left behind.

Preserving the traditional core while reinterpreting it

John Stenersen has retained the melody and reinterpreted it with a different instrumentation. While the piece was originally performed on a fiddle, Stenersen plays the melody on the nyckelharpa, giving it a distinctly different sound.
On a fiddle, the pitch is altered by the player’s fingers shortening the strings directly against the fingerboard. On the nyckelharpa, by contrast, the pitch is changed using keys.
The notes sound more defined, as their pitches are precisely determined by the keys. The nyckelharpa also owes much of its characteristic sound to its sympathetic strings. These are not played directly with the bow; instead, they are set into vibration by the notes being played, creating a continuous “drone effect”.

This alone contributes to the full, dark sound of “Tronsgårdhallingen”. The nyckelharpa is also accompanied by tagelharpa and harmonium, adding even greater depth and volume. A frame drum and various other percussion instruments, together with the tempo, provide the rhythmic accents that make the piece suitable for dancing.

From tradition to Nordic folk

In this form, “Tronsgårdhallingen” is both an interpretation of the traditional piece and a ‘Nordic folk’- track in its own right. The repetition of individual melodic phrases, the atmospheric layers of synthesiser, the drone of the nyckelharpa and the deep beats of the frame drum give the piece a dark and hypnotic character.
Stones, sticks and bones used as percussion instruments add an archaic quality.
At the same time, the track sounds modern and, thanks to its dynamic tempo, is surely just as danceable as the original.

There is also a video accompanying the track. It not only showcases the landscape from which the original piece originates but also reinforces the track’s distinctly ‘Nordic’ atmosphere.

I really like the way John Stenersen has approached and interpreted this traditional dance tune, and I am looking forward to hearing more from the project.

“Tronsgårdhallingen” is only the beginning. At the Midgardsblot Festival, John Stenersen will perform the piece live for the first time. He will then release further songs and embark on a European tour in spring and summer 2027.

(english version below)

John Stenersen, den viele von euch wahrscheinlich als Moraharpa-Spieler bei WARDRUNA kennen, stellt am 5.August 2026 mit „Tronsgårdhallingen“ sein Soloprojekt vor. Die offizielle Live-Premiere und Release-Show folgt am 13. August beim Midgardsblot Festival im norwegischen Borre.

Die meisten kennen John Stenersen durch seine Arbeit mit WARDRUNA. Seine musikalische Arbeit reicht jedoch weit darüber hinaus. Er stand auch mit GÅTE auf der Bühne, als die Band Norwegen beim Eurovision Song Contest vertrat, und war die treibende Kraft hinter BERGTATT, einem Projekt, das Folk mit rockigen Einflüssen verbindet. Im Laufe der Jahre arbeitete Stenersen mit Künstlern unterschiedlichster musikalischer Ausrichtungen zusammen – unter anderem mit KALANDRA – und komponierte zudem Musik für Filme und Videospiele.

Zuletzt habe ich das Debütalbum „I“ von THE THIRD CIRCLE vorgestellt, das ebenfalls die Verbindung von nordischer Folk-Tradition und modernen Klangwelten sucht. Ähnlich wie dort bilden Instrumente wie Nyckelharpa, Moraharpa, Tagelharpa und Drehleier die Grundlage eines Sounds, der gleichermaßen organisch, atmosphärisch und episch wirkt.

Tradition modern interpretiert

Jetzt gibt es also mit „Tronsgårdhallingen“ das erste Stück seines Solprojektes.

John sagt dazu:

Das ist eines meiner absoluten Lieblingsstücke! Es handelt sich um einen alten Halling, der in den nebelverhangenen Bergen des Rondane-Massivs im Herzen Norwegens entstanden ist. Ich habe keinerlei Hinweise darauf gefunden, dass diese Melodie jemals zuvor auf der Nyckelharpa aufgenommen wurde. Deshalb bin ich überzeugt, dass diese Veröffentlichung eine Weltpremiere ist.

Das Stück ist eine der bekanntesten Melodien zu dem traditionellen Halling. Der Halling ist ein Tanz mit verschiedenen festgelegten Schrittfolgen, in die die Tänzer teilweise athletische Einlagen einfügen.
Die Ursprünge des Stücks „Tronsgårdhallingen“ geht auf Thorvald Tronsgård zurück, einem bekannten und angesehenen Fidelspieler aus Folldal. Folldal liegt in der Nähe des o.g. Rondane-Massivs. Tronsgårds Musik prägte seine Heimatregion fast ein Jahrhundert lang, und „Tronsgårdhallingen“ gilt als die berühmteste Melodie, die er hinterlassen hat.

Wie viele Melodien der nordischen Volksmusik wurde auch dieses Stück über Jahrhunderte durch das wiederholte Spielen von Generation zu Generation weitergegeben und bewahrt. Der Musiker, der die Melodie spielte, prägte sie durch seine eigene Interpretation und Kreativität.
Diese Tradition greift John Stenersen mit seiner Interpretation auf. Sein Anliegen ist es, den ursprünglichen Charakter der Melodie zu erhalten und ihr dennoch seine Klangfarbe zu geben.
Neben Rahmentrommeln kommen dabei auch Stöcke, Steine und sogar Knochen zum Einsatz. Man kann sich vorstellen, dass so ein Klangbild entsteht, das archaisch, organisch und zugleich episch wirkt. Damit knüpft er an ursprüngliche Formen von Rhythmus, Melodie und Geschichtenerzählen an. Man kann sich gut vorstellen, dass sie dabei zu organischen Klängen verschmelzen.

Die Idee hinter dem Projekt

Das Ziel ist es, diese alten nordischen Folk-Songs auf die moderne Tanzfläche zu bringen, ein alternatives Crossover-Publikum anzusprechen und den ganzen Raum in Bewegung zu versetzen

„Tronsgårdhallingen“ soll der Auftakt zu einem Projekt sein, dass traditionelle nordische Volksmusik mit modernen Arrangements verbindet und sie einem neuen Publikum zugänglich machen möchte.
Nach der Show auf dem Midgardsblot-Festival wird John Stenersen weitere Songs veröffentlichen und im Frühjahr und Sommer 2027 auf Europa-Tournee gehen.

John Stenersen Launches Solo Project with Debut Single „Tronsgårdhallingen“

Many of you will probably know John Stenersen as the Moraharpa player of WARDRUNA.
On August 5, 2026, he will unveil his solo project with the release of „Tronsgårdhallingen“. The official premiere and release show will take place on August 13, 2026, at the Midgardsblot Festival in Borre, Norway.

While many fans know John Stenersen through WARDRUNA, his musical journey extends far beyond the band. He also performed with GÅTE during the group’s appearance as Norway’s representative at the Eurovision Song Contest and was the driving force behind BERGTATT, a project that fused traditional folk with a rock-based sound. Throughout his career, John Stenersen has collaborated with artists from a wide range of musical backgrounds, including KALANDRA, while also composing music for films and video games.

Most recently, I featured the album „I“ by THE THIRD CIRCLE, whose unique approach combines folk traditions with modern elements. Their use of ancient Nordic instruments—such as the nyckelharpa, moraharpa, tagelharpa, and hurdy-gurdy—creates a sound that is at once organic, experimental, and epic.

Contemporary Music Reinterpreting Traditional Elements

Now, with „Tronsgårdhallingen,“ John presents the first release from his solo project.

John says:

This is one of my absolute favourite tunes! It’s an old halling that originated in the mist-covered mountains of the Rondane massif in the heart of Norway. I haven’t found any evidence that this melody has ever been recorded on the nyckelharpa before. That’s why I’m convinced this release is a world premiere.

The tune is one of the best-known melodies associated with the traditional halling, a Norwegian folk dance featuring a series of established steps, often enhanced with impressive athletic movements performed by the dancers.
The origins of „Tronsgårdhallingen“ can be traced back to Thorvald Tronsgård, a well-known and highly respected fiddler from Folldal, a village located near the Rondane massif. For nearly a century, Tronsgård’s music shaped the musical traditions of his home region, and „Tronsgårdhallingen“ is regarded as the most famous melody he left behind.

Like much traditional folk music, halling tunes were originally passed down orally through repeated performance, preserving them from one generation to the next. Each musician who played the melody contributed their own interpretation and creativity, allowing the music to evolve while maintaining its core identity.
John Stenersen embraces this tradition with his own interpretation. His goal is to preserve the original character of the melody while giving it his own distinctive sonic identity.
To achieve this, he combines traditional instruments—including the nyckelharpa, tagelharpa, hurdy-gurdy and harmonium—with synthesizers, jaw harp and an extensive range of percussion. Alongside frame drums, he also incorporates sticks, stones and even bones, reconnecting with some of humanity’s oldest forms of rhythm and storytelling. The result is a sound that feels earthy, immersive and cinematic in equal measure.

The Philosophy Behind the Project

John Stenersen describes the philosophy behind the project as follows:

The goal is to bring these ancient Nordic folk songs onto the modern dance floor, reach an alternative crossover audience, and get the whole room moving.

„Tronsgårdhallingen“ marks the beginning of a project that aims to combine traditional Nordic folk music with contemporary arrangements, introducing these timeless melodies to a new audience.

Following the release show at the Midgardsblot Festival, he plans to release additional songs before embarking on a European tour in the spring and summer of 2027.

Am 22. März 2026 wird wieder der Spellemannspris (das norwegische Pendant zu den Grammys) verliehen.
Diesmal gibt es zwei Nominierungen von Bands, über die ich im letzten Jahr berichtet habe:

WARDRUNA sind in der Kategorie „Internationaler Erfolg des Jahres“ nominiert und AFARGANG in der Kategorie „Hard Rock/Metal“.

WARDRUNA

WARDRUNA haben sich der Verbindung uralter Klänge, nordischen Traditionen und modernen Klängen verschrieben. Eine wichtige Grundlage ist der Gedanke, dass vergangene, naturnahe Traditionen auch heute noch relevant sind. Sie greifen daher Gedanken und Ideen dieser Traditionen auf, um neue musikalische Ideen zu entwickeln. Dabei nutzen sie historische Instrumente und die Natur als Klangquelle, um Musik zu schaffen, die sowohl auf dem Alten als auch auf zeitgenössischen Erfahrungen und Möglichkeiten aufbaut. Die Texte beschäftigen sich mit der Welt altnordischer Mythologien und Naturzyklen.
WARDRUNA wurden 2003 gegründet und haben seitdem sieben Alben veröffentlicht. Zuletzt erschien 2025 das Album „Birna“.

Einar Selvik (Sänger, Komponist) sagt zur Nominierung: „Unsere allererste Spellemann-Nominierung war eine sehr angenehme Überraschung. Seit vielen Jahren liegt unser Fokus auf dem Ausland, und wir hatten die Möglichkeit, international viele spannende Projekte mit Musik zu realisieren, die sich nicht immer eindeutigen Genre-Kategorien zuordnen lässt. Dass dies nun auch hierzulande Anerkennung findet, bedeutet uns sehr viel.“

AFARGANG

AFARGANG wurde mit dem Album „Andvake“ in der Kategorie „Hard Rock/Metal“ nominiert.
AFARGANG ist das Projekt von Olav Luksengård Mjelva, der nicht nur ein (auch über Norwegen hinaus) bekannter Hardanger-Fidel-Spieler ist, sondern – wie er mit dem Album „Andvake“ zeigt, auch ein Metalhead.
Zu AFARGANG gehören ansonsten Stian Kårstad (Gitarre), der sonst u.a. bei GOD SEED und TRELLDOM spielt, Jon Even Schärer, der bei GÅTE trommelt sowie Sindre Bråthen Tjørswaag (Bass) und Haldor Bromstad (Growls).

Auch AFARGANG knüpfen an das kulturelle Erbe ihrer Heimat Norwegen an und verbinden dieses mit Metalstrukturen. Olav Mjelva hat die vielseitigen Möglichkeiten seiner Hardanger-Fiedel, die klanglich den roten Faden durch das Album zieht, zusammen mit den Metal-Strukturen für ungewohnte, organische und dynamische Klänge genutzt.
Das Album „Andvake“ ist ein melancholisches Album, bei dem die Folk-Anteile genauso prägend sind wie die Black Metal Strukturen. Zusammen mit Alternative-Elementen sind spannungsreiche Klanglandschaften und gleichzeitig harte Songs entstanden.

Olav Mjelvas Kommentar zur Nominierung: „Es ist eine unglaubliche Ehre, für den Spellemann-Preis nominiert zu sein! Ich habe enorm viel Arbeit in „Andvake“ gesteckt, und es war ein langer Prozess – mehrere Jahre der Suche nach der richtigen Richtung, dem richtigen Ausdruck und der richtigen Besetzung. Ich bin sehr froh, dass ich die Chance ergriffen und es gewagt habe. Ich bin dankbar, dass alle Beteiligten zugesagt haben, uns auf dieser Reise zu begleiten, und wir hatten außerdem das große Glück, By Norse mit an Bord zu haben. Wir schreiben bereits Musik für das Nachfolgealbum und suchen nach Möglichkeiten, live aufzutreten.“

Toller Erfolg für das Label By Norse Music

AFARGANG sowie ANDVAKE sind beide bei By Norse Music unter Vertrag.

By Norse Music ist ein Label und eine Plattform, die sich hauptsächlich der norwegischen Musik widmet.
Sie haben Bands und Musiker wie WARDRUNA, ENSLAVED, SOWULO, KALANDRA, NEBALA, LINDY-FAY HELLA & DEI FARNE, Kjell Braaten und Mari Boine unter Vertrag.

Der Spellemannspris wird am 22. März 2026 in der Norwegischen Oper (Oslo) vergeben. Die Veranstaltung wird auch im Norwegischen Fernsehen übertragen.

(scroll down for english version)

Heute gibt es die zweite Single von „Flok“, dem kommenden Album von Kjell Braaten.
„Pine“ / „Gran“ ist nach „Solace“ der nächste Song, der schon einmal einen Ausblick auf das Album „Flok“ gibt, das im Sommer herauskommen wird.

Kjell Braaten ist Komponist und Spezialist für nordische Instrumente. Er war an Bands wie NEBALA, WARDRUNA und EHWAZ beteiligt und hat mit vielen anderen Künstlern und Projekten wie z.B. Christine Kammerer oder NEMUER zusammengearbeitet. Sein musikalisches Spektrum umfasst auch Sounddesigns und Musik für Filme (z.B. wie für die Serie „Vikings Valhalla“).

Kjell Braaten spielt u.a. auf Rekonstruktionen von Instrumenten, die der Zeit um 600 n. Chr. bzw. der Wikingerzeit und dem Mittelalter zugeordnet werden. Neben Trommeln und Hörnern sind es Leiern, die den Klang seiner Musik prägen.

Alte Strukturen moderne Klänge

So erhält „Pine“ seinen besonderen Klang durch die Sutton Hoo Leier, einer Leier aus dem frühen 7. Jahrhundert, die bei Ausgrabungen eines Schiffes gefunden wurde. Es ist eine große aus Ahorn gefertigte Leier, deren Saiten wie bei einer Gitarre parallel zu einem Resonanzboden verlaufen.
Die Bespannung aus Rosshaar ermöglicht einen organischen, warmen und vollen Klang.

In dem Song „Pine“ begleitet aber nicht nur die Sutton Hoo Leier den Gesang, sondern auch das Organistrum, eine frühe Form der Drehleier, sowie Schlagzeug und Bassgitarre.
Und so verbinden sich zeitlos-historische Klänge und Strukturen mit modernen Folk-Elementen

Wie Kjell über das kommende Album „Flok“ sagt: „Die Platte wird ganz anders sein als das, was ich in den letzten Jahren gemacht habe, aber mehr zurück zu dem, wo ich angefangen habe, nur mit einem anderen Ansatz. Eine Art Brücke zwischen dem, wo ich begonnen habe, und dem, wo ich jetzt bin. Die Lieder handeln vom Leben, von der Natur und von alten Traditionen und Gedanken. Sie werden immer noch hauptsächlich auf altnordischen Instrumenten wie Organistrum, Kravikslyre, Moraharpa und dergleichen gespielt.“

„Pine“ / „Gran“– die Fichte aus mythologischer Perspektive

Die Fichte als immergrüner Baum wird traditionell als Symbol für Langlebigkeit und Beständigkeit gesehen.  In den dunklen Wintermonaten war sie auch immer ein Sinnbild für die Hoffnung auf den Frühling und Überleben der dunklen Zeit.
In manchen Überlieferungen wird die Fichte auch als Symbol für das kosmische Gleichgewicht und als Schutz gehen Dunkelheit und Chaos gesehen.

„Pine“ betrachtet die Fichte sowohl aus dieser mythologischen Perspektive als auch mit den Augen eines Kindes, das unter den Zweigen Trost sucht.
Die Wurzeln reichen tief, das Moos ist weich und die Tränen werden von der Erde aufgenommen.
Mir gefällt der poetische irgendwie tröstliche Text von Tove Hassel, den Carina Dulea ins Englische übertragen hat. (So wie bereits „Solace“ gibt es „Pine“ auch in einer Version mit dem ursprünglichen Text.)

Das Cover (bearbeitet von Fatima Akerson) ist auch wieder für sich genommen ein schönes Bild.

„Pine“ / „Gran“ findet ihr auch bei allen Streamingdiensten.

Kjell Braaten releases “Pine”, the second song from the upcoming album

Today we have the second single from “Flok”, the upcoming album by Kjell Braaten.

After “Solace”, “Pine” is the next song that gives a preview of the album “Flok”, which will be released this summer.

Kjell Braaten is a composer and specialist for Nordic instruments. He has been involved in bands such as NEBALA, WARDRUNA and EHWAZ and has worked with many other artists and projects such as Christine Kammerer and NEMUER. His musical spectrum also includes sound design and music for films (e.g. for the series “Vikings Valhalla”).

Kjell Braaten plays, among other things, reconstructions of instruments from the period around 600 AD, the Viking Age and the Middle Ages. In addition to drums and horns, it is lyres that characterize the sound of his music.

Ancient structures modern sounds

“Pine” gets its special sound from the Sutton Hoo lyre, a lyre from the early 7th century that was found during the excavation of a ship. It is a large lyre made of maple, with strings running parallel to a soundboard like a guitar.
The horsehair strings produce an organic, warm and full sound.

In the song “Pine”, however, it is not only the Sutton Hoo lyre that accompanies the vocals, but also the organistrum, an early form of hurdy-gurdy, as well as drums and bass guitar.
And so timeless, historical sounds and structures are combined with modern folk elements

What Kjell says about the upcoming album “Flok”: „The record will be quite different from what I have done in recent years but will return more to where I started—just with a different approach. A kind of bridge between where I began and where I am now. The songs are about life, nature and old traditions and thoughts. They are still mainly played on old Norse instruments such as organistrum, kravikslyre, moraharpa and the like“. 

“Gran” /“Pine” from a mythological perspective

As an evergreen tree, the spruce is traditionally seen as a symbol of longevity and constancy.  In the dark winter months, it has always been a symbol of hope for spring and survival of the dark times.
In some traditions, the spruce is also seen as a symbol of cosmic balance and protection against darkness and chaos.

“Pine” looks at the tree both from this mythological perspective and through the eyes of a child seeking solace under its branches.

The roots reach deep, the moss is soft and the tears are absorbed by the earth.

I like the poetic, somehow comforting text by Tove Hassel, which Carina Dulea has translated into English. (Like “Solace”, “Pine” is also available in a version with the original lyrics).

The cover (designed by Fatima Akerson) is also a beautiful image in its own right.

You can also find “Pine” / “Gran” on all streaming services.

(for english version scroll down)

Heute sind es schon drei Jahre, seitdem Putins Russland in die Ukraine einmarschierte und den Krieg begann. Drei Jahre Schrecken, Flucht, Zerstörung und Tod.
Und nun ein amerikanischer Präsident, der die Tatsachen verdreht oder ignoriert und der Ukraine die Schuld für diesen Krieg gibt und einen ‚Frieden‘ ohne Beteiligung der Ukraine aushandeln will.

Für die, die unter der Machtgier anderer zu leiden haben

Zu diesem dritten Jahrestag veröffentlicht Kjell Braaten, der als Spezialist für nordische Instrumente u.a. an Bands wie WARDRUNA und NEBALA beteiligt war, das Lied „Solace“ („Trøyst“), das er für Freunde und alle Menschen in der Ukraine geschrieben hat.

Er wird dabei besonders an das „Konon Rocks“ – Filmteam gedacht haben, mit dem zusammen mit Darstellern aus der Ukraine das Video zu „Laþu“ von NEBALA entstanden ist. Aus dieser Zusammenarbeit heraus sind freundschaftliche und kreative Beziehungen entstanden. Aber die Pläne für eine weitere Zusammenarbeit wurden durch den russischen Angriffskrieg vereitelt. Zu Beginn der russischen Invasion arbeitete das ukrainische Filmteam zusammen mit Vertretern der ausländischen Presse daran, die Schrecken des Krieges zu dokumentieren.

„Solace“  ist bereits im letzten Jahr bereits auf Norwegisch unter dem Titel „Trøyst“ erschienen.

Trost – die Suche nach Sicherheit und Vertrauen

Für „Solace“ ist der Text von Tove Hasselt nun in einer Übertragung (von Carina Dulea) ins Englische zu hören.

Ich habe Kjell gefragt, weshalb es ihm wichtig ist, den Song jetzt auch auf Englisch zu veröffentlichen.
Er sagte dazu: „Seit der Invasion der Ukraine am 24.02.2022 sind drei Jahre vergangen, und hoffentlich kann das Lied jetzt in einer Sprache, die auch diejenigen verstehen, um die es geht und für die es geschrieben wurde, an schwierigen Tagen in einer schwierigen Zeit etwas Trost spenden.“
Er möchte außerdem, dass noch mehr Menschen die Botschaft verstehen können, um die es in dem Lied geht. Und das sei mit einem englischen Text einfacher, da mehr Menschen Englisch verstehen als Norwegisch.

Den Text hat Tove Hassel kurz nach Beginn des Ukraine-Krieges geschrieben. Es geht dabei aber nicht nur um diesen Krieg, sondern um all die Menschen, die aufgrund der Machtgier anderer unter unerträglichen Bedingungen leben.
Doch der Text beschreibt nicht nur das Furchtbare eines Krieges, sondern erinnert auch daran, wie das Leben eigentlich sein sollte.

A time once meant for blooming flowers
marks instead a battle’s spring….

….While night falls, in blazing heavens
traced by endless lights of loss

aus „Solace“

Die Art und Weise, wie Kjell Braaten dies in Musik gefasst hat und so verhalten und verletzlich wie er den Text singt, berührt angesichts der Bilder, wie wir sie aus der Ukraine und anderen Kriegsgebieten kennen.In den Passagen, in denen es darum geht, wie die Welt sein könnte und sein sollte, wird seine Stimme fest und bestimmt. Tröstlich klingt das Zwischenspiel mit der Leier und auch der sehnsüchtige und zugleich hoffnungsvolle Refrain.
Wunsch und Realität, Wut, Trauer aber auch Sehnsucht und Ruhe stellen sich ein, wenn man sich auf die Musik und den Text einlässt. Kjell Braaten gelingt es immer wieder, den Zuhörer allein mit der Stimme in seinen Bann zu ziehen, und mit der zurückhaltenden Begleitung dennoch ganz eindringlich Trauer, Sehnsucht und Hoffnung auszudrücken.

Neues Album noch in diesem Sommer

„Trøyst“ / „Solace“ sollte ursprünglich im Herbst letzten Jahres erscheinen und die erste Single eines neuen Albums werden. Doch aufgrund von vielen Tourneen und aus verschiedenen anderen Gründen war es nicht möglich, das Album bereits im Herbst fertigzustellen.
Das neue Album soll im Sommer erscheinen.
Und um die Wartezeit zu verkürzen, wird es nach „Trøyst“ / „Solace“ noch zwei weitere Singles geben.

Kjell zum neuen Album: „Die Platte wird ganz anders sein als das, was ich in den letzten Jahren gemacht habe, aber mehr zurück zu dem, wo ich angefangen habe, nur mit einem anderen Ansatz. Eine Art Brücke zwischen dem, wo ich angefangen habe, und dem, wo ich jetzt bin. Die Lieder handeln vom Leben, von der Natur und von alten Traditionen und Gedanken. Sie werden immer noch hauptsächlich auf altnordischen Instrumenten wie Organistrum, Kravikslyre, Moraharpa und dergleichen gespielt.“

Heute ist der dritte Jahrestag des Krieges in der Ukraine. Und „Solace“ kann Momente des Innehaltens begleiten.

„Solace“ findet ihr auch auf allen Streaming Plattformen: https://kjellbraaten.hearnow.com/solace

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„Solace“ – A Song (Not Just) for Friends in Ukraine

Today marks three years since Putin’s Russia invaded Ukraine and started the war. Three years of terror, displacement, destruction, and death. And now, an American president who distorts or ignores the facts, blames Ukraine for this war, and seeks to negotiate a ‘peace’ without Ukraine’s involvement. 

For Those Who Suffer Under the Greed for Power 

“Solace” was originally released last year in Norwegian under the title “Trøyst”. 

On this third anniversary, Kjell Braaten, who has contributed to bands such as WARDRUNA and NEBALA as a specialist in Nordic instruments, releases the song “Solace” (“Trøyst”), which he wrote for friends and all people in Ukraine. 

He likely had the Konon Rocks – film team particularly in mind. Together with actors from Ukraine, they created the video for “Laþu” by NEBALA. From this collaboration, friendships and creative relationships developed. However, plans for further work together were hindered by Russia’s war of aggression. At the start of the Russian invasion, the Ukrainian film team worked alongside international journalists to document the horrors of war. 

Solace – The Search for Security and Trust 

For “Solace”, the lyrics by Tove Hassel have now been adapted (by Carina Dulea) into English. 

I asked Kjell why it was important to him to release the song in English now. 
He said: “Three years have passed since the invasion of Ukraine on 24 February 2022, and hopefully, the song can now bring some comfort during difficult days in difficult times—especially in a language that those it was written for can understand.” 
He also wants more people to grasp the message of the song. And this is easier with English lyrics, as more people understand English than Norwegian. 

Tove Hassel wrote the lyrics shortly after the war in Ukraine began. However, they are not only about this war but about all those, who live under unbearable conditions because of others’ greed for power. 
Yet, the lyrics do not just describe the horrors of war—they also remind us of how life should be. 

A time once meant for blooming flowers 
marks instead a battle’s spring…
… While night falls, in blazing heavens 
traced by endless lights of loss 

from „solace“

The way, Kjell Braaten has set this to music, and the way he sings the lyrics so gently and vulnerably, is deeply moving – especially remembering the images from Ukraine and other war zones. 
Within parts of the lyrics reflecting on how the world could and should be,his voice grows strong and resolute. 
The interlude featuring the lyre, as well as the longing yet hopeful chorus, sounds comforting. 

By immersing oneself in the music and lyrics, one experiences a mix of yearning and serenity, alongside anger, grief, and hope. Kjell Braaten has an extraordinary ability to captivate listeners with his voice alone, while the subtle accompaniment powerfully conveys sorrow, longing, and hope. 

New Album Coming This Summer 

“Trøyst”/”Solace” was originally meant to be released last autumn as the first single from a new album. However, due to extensive touring and various other reasons, it was not possible to complete the album by then. 
The new album is now set for release this summer. 

To shorten the wait, there will be two more singles following “Trøyst” / “Solace”. 

Kjell on the new album: „The record will be quite different from what I have done in recent years but will return more to where I started—just with a different approach. A kind of bridge between where I began and where I am now.“ 

The songs are about life, nature, and ancient traditions and thoughts. They will still primarily be played on Old Norse instruments such as the organistrum, Kravik lyre, Moraharpa, and similar.” 

Today marks the third anniversary of the war in Ukraine. And „Solace“ can accompany moments of reflection. 

And You can listen to the song on all streaming platforms: https://kjellbraaten.hearnow.com/solace

Eine Reise jenseits des Alltäglichen

Anders Odden (s. CADAVER, CELTIC FROST) ist Mitbegründer von THE THIRD CIRCLE, einem Trio, zu dem noch John Stenersen (WARDRUNA u.a.) und Birger Mistereggen gehören.
Sie haben im November 2024 ihre Debüt-EP „I“ veröffentlicht haben.
Als Anders Odden 2020 lebensbedrohlich erkrankte, entwickelte er eine neue Beziehung zur Musik. Er experimentierte mit analogen Synthesizern und sammelte Naturklänge, indem er Aufnahmen insbesondere im Wald machte. Er wollte Musik machen, die persönlich, meditativ und sogar therapeutisch sein sollte.
Wie dies mit THE THIRD CIRCLE umgesetzt wurde, was diese Musik mit psychedelischen Erfahrungen mit Pilzen zu tun hat, welche Rolle die (norwegische) Natur dabei spielt sowie über den Einfluss der ‚modernen Welt‘ war Thema im Interview mit ihm.

Eine andere Beziehung zur Musik

Hey Anders, ich freue mich, dass du mir heute Fragen zu THE THIRD CIRCLE und der Musik beantworten willst. Wie ich in der Review zu der EP „I“ geschrieben habe, habt ihr Drei doch recht unterschiedliche musikalische Hintergründe.
Wo habt ihr euch kennengelernt?
John und ich wurden 2023 beim Inferno Festival einander vorgestellt. Wir hatten uns vorher nie getroffen, und das brachte uns auf die Idee, gemeinsam zu jammen.

Wie habt ihr herausgefunden, dass ihr gemeinsam (musikalische) Ideen entwickeln könnt?
Einen Monat nach unserem ersten Treffen organisierten wir eine Jam-Session in meinem Studio. Wir experimentierten mit ein paar losen Ideen, bevor wir herausfanden, wie wir gemeinsam Musik machen konnten. Vorher hatte ich eine grobe Idee für ein organisches Ambient-Projekt, aber die Klänge, die John mitbrachte, machten diese Idee erst möglich.

Was hat dazu beigetragen, dass ihr „Ernst gemacht“, dies so weit verfolgt habt, dass THE THIRD CIRCLE, die EP „I“ und weitere Songs dabei herausgekommen sind?
Wir haben 10–11 verschiedene Jams aufgenommen, die wir dann zu Songs strukturierten, und haben eine Weile gebraucht, um den perfekten Sound zu finden. Anfangs hatten wir einfache elektronische Beats, die alles zusammenhielten, aber als der Percussionist und Multiinstrumentalist Birger Mistereggen dazukam, fügte sich alles zusammen. Wir verwenden organische Klänge für alle Percussion-Elemente, und es entstand das Gefühl, dass es gleichzeitig alt und modern klingt.

Der perfekte Soundtrack für einen Pilztrip

THE THIRD CIRCLE – was bedeutet der Name für euch?
Der Name bedeutet totale Freiheit, die Musik zu machen, die wir wollen.

Wie seid ihr auf diesen Namen gekommen?
Es war der Name des Tracks, der uns zu unserem Sound führte.

Wie würdest du eure Musik beschreiben? Bzw.: welche Wirkung erhofft ihr euch beim Hörer?
Unsere Musik wurde ursprünglich als der perfekte Soundtrack für eine psychedelische Erfahrung mit Pilzen konzipiert. Wenn man alle drei EPs zusammen abspielt, soll es sich wie ein riesiges Musikstück anfühlen, zu dem man meditieren kann. Diese Musik ist für Menschen, die Zeit haben, Musik in Form längerer Sücke zu hören und eine innere Reise weg von der modernen Welt zu unternehmen

Was macht es in der modernen Welt notwendig, von Zeit zu Zeit davon abzulassen oder zumindest Abstand zu schaffen?
Die Welt der Technologie, die unsere Aufmerksamkeit auf das Leben aller anderen lenkt, anstatt unser eigenes Leben zu leben, ist die Ablenkung, von der wir uns alle mehr trennen müssen. Ich bin ganz für Technologie und sehe die Vorteile auf jeden Fall, aber der gesamte Social Media Bereich ist jetzt zur Falle für den Verstand geworden. Ich erinnere mich an eine Zeit, in der wir nie Likes, Fans, Streams usw. gezählt haben, um den Wert von Kunst zu beurteilen. Das ist der Feind der Kreativität. Sie an Dingen zu messen, die mehr Aufmerksamkeit bekommen.

Ihr verwendet sowohl moderne als auch alte/traditionelle Instrumente. Was wurde dadurch möglich? Ich denke, dass die Verbindung von ‚alten‘ und modernen Instrumenten bei euch nicht nur ein Stilelement ist oder ein Element, um einen besonderen Klang zu schaffen.
Das Ziel ist, Musik zu machen, die ich gerne höre. Was ich benutze, um solch ein Ergebnis zu erreichen, hängt davon ab, was der Track braucht. Wir haben keine festen Regeln, aber der Kern sollte organisch klingen. Trotzdem sind wir keine Traditionalisten. Wir haben nicht die Absicht, irgendein spezielles musikalisches Dogma zu bedienen, sondern schaffen unsere eigene Klangwelt.

Müdigkeit über Modernität und Einfluss der Natur

Was denkst du: hat das zunehmende Interesse an Rock-, Folk- und auch Metal-Musik, in der alte Instrumente verwendet werden, auch mit etwas wie einer Müdigkeit über die Modernität zu tun?
Ich weiß es nicht. Ich suche nie bei anderen nach Inspiration. Ich interessiere mich nur für Klänge, die in meinen Ohren großartig klingen. Ich denke nicht darüber nach, was sonst noch passiert, da ich Musik auf diese Weise nicht betrachte.

Wenn es um Musik aus dem Norden geht, wird häufig die Frage danach gestellt, welchen Einfluss die Natur auf die Musik hat. Ich frage, weil es in den Liedern auch Naturaufnahmen gibt. Welche Rolle spielen diese Aufnahmen für die Lieder und für das, was ihr dem Hörer ermöglichen wollt?Unsere Musik ist das Ergebnis unseres norwegischen Erbes. Die natürlichen Klänge von Regen, Bächen, Vögeln, Wind usw. sind Teil unserer Musik. Das Gefühl von Einsamkeit ist wichtiger als die Natur selbst. Wir werden allein geboren und sterben allein. Es ist eine Reflexion über das Leben auf diesem verrückten Planeten.

Kannst du sagen, in welcher Weise Natur/Erlebnisse in der Natur dich beeinflusst haben und welche Auswirkungen dies auf die Art und Weise hat, wie du Musik komponierst? Im Vergleich zur menschengemachten Umgebung.
Wie gesagt, Einsamkeit ist der Hauptgrund und die Motivation für diese Musik. Wir wollen widerspiegeln, was in allen Menschen steckt, und der Naturaspekt ist einfach das, wo wir leben – im kalten Regenwald des Nordens.

Konzentration auf das, was zum eigenen Leben passt

Eine lebensbedrohliche Erkrankung hat dich aus den ‚normalen‘, gewohnten Abläufen gerissen und dir – wie du einmal gesagt hast – einen neuen Blick eröffnet.Worauf hat sich dein Blick mehr – oder vielleicht auch neu – gerichtet?
Ich konzentriere mich darauf, was für mich funktioniert und was ich zu 100 % in meinem Leben machen möchte, ohne darauf zu achten, was sonst passiert. Ich brauche keine Szene oder Menschen, die mir Rückmeldungen zu meiner Musik geben, um glücklich zu sein. Früher dachte ich, es sei wichtig, die Welt zu bereisen und Musik live zu spielen, aber der kreative Teil im Studio ist jetzt mein wichtigstes Ventil.

Inwiefern drückst du dies in der Musik aus?
Der Mensch ist fragil und die Art, wie ich jetzt Musik mache, zielt nicht darauf ab, ihn zu perfektionieren, sondern ihn zu finden. Wenn ich die Musik finde, die ich ausdrücken möchte, bin ich glücklich.

Überlässt du es dem Zufall, ob du etwas findest oder was du findest? Oder findest du die Sachen, weil du neugierig bist und Dinge ausprobierst?Letzteres.

Was ist Perfektion in der Musik für dich? Es klingt, als ob Perfektion oder der Prozess der Perfektion dich daran hindert, die Musik zu finden, mit der du dich ausdrücken möchtest.
Es gibt keine wahren Regeln in der Musik. Wenn Sie sich von dem Versuch befreien, technisch perfekt zu sein, und sich darauf konzentrieren, an den Stimmungen zu arbeiten, die Sie ausdrücken möchten, werden Sie etwas Interessanteres zum Anhören finden.

Hat dir TTC neue, weitere Möglichkeiten eröffnet?
Ja. Die Tatsache, dass Birger Mistereggen ein Cousin meines Vaters ist, macht dieses Projekt sehr besonders. Ich hatte noch nie eine Band mit einem Verwandten, und das fühlt sich großartig an.

Wichtiges im Moment finden

„I“ ist für mich Musik, die den alltäglichen Lärm durchbricht und in der es Wiederholungen, Zyklen gibt. Welche Rolle spielen Zyklen für dich?Früher lebte ich in den Zyklen: Alben machen, auf Tour gehen und dann neue Alben machen. Jetzt bin ich frei, einfach nur Musik zu machen, ohne Businesspläne, und das ist viel besser. Ich versuche, mehr im Moment zu leben und alle langfristigen Pläne loszulassen. Nichts ist wichtig genug, um danach zu streben, wenn man es nicht im Moment finden kann.

Sind natürliche Zyklen etwas, worauf wir als Menschen wieder mehr achten sollten? Ich habe den Eindruck, dass sich auch in Norwegen wieder mehr Menschen mit Zyklen in der Natur, im alltäglichen Leben beschäftigen.
Wir leben in einem Teil der Welt, in dem die Jahreszeiten sehr ausgeprägt sind. Ich denke, das schafft viel Identität, und wir schätzen jede Jahreszeit mehr als Menschen, die in konstant angenehmen Wetterbedingungen leben.

Die Titel der Stücke von „I“ lassen bezüglich des Inhalts alles offen, da sie die Lieder lediglich durchnummerieren. Weshalb habt ihr das so gemacht und euch auch gegen Lyrics entschieden?.
Wenn man jemals einen Pilztrip erlebt hat, versteht man, dass gesprochene Worte Aufmerksamkeit auf den Kontext erfordern und die Stimmung vorgeben. Wenn man sie weglässt, bleibt nur das Gefühl – und das ist der Schlüssel, um es universell zu machen.

Geht es darum, die Klänge wirken zu lassen und dem Hörer die Möglichkeit zu geben, sich ganz auf die Klänge einlasen zu können? Den Gedanken oder dem Erleben wird ja keine Richtung vorgegeben
Ja, genau darum geht es.

Eine solche Erfahrung ist auch ohne einen Pilztrip möglich, oder?
Ja, es ist möglich, eine innere Reise ohne den Einsatz von Medikamenten zu unternehmen, aber genau das ist die Herausforderung. Sich ganz in die Musik zu vertiefen, ohne abgelenkt zu werden. Der meiste Musikkonsum läuft jetzt im Hintergrund ab, es sei denn, er ist sehr laut. Wenn Sie sich bei dieser Musik einfach nur entspannen möchten, ist das auch in Ordnung.

Ein Nischenprojekt für eine spezifische Zielgruppe

Du hast eine psychedelische Therapie gemacht und deshalb nach einem passenden Soundtrack dafür gesucht. Was ermöglicht die Musik? Ist sie etwas, an dem du dich „festhalten“ kannst? Wie ein „Anker“, damit du dich in dieser Bewusstseinserweiterung nicht verlierst?
Dieses Thema ist schwer zu erklären. Ich schlage vor, dass sich jeder, der neugierig darauf ist, einfach über das Thema informiert und schaut, ob es Ihnen in irgendeiner Weise helfen kann.

Die Musik von TTC sollte meditativer und auch therapeutisch sein. Welche Rolle spielen Tempo, Melodie und Rhythmus dabei? Worauf habt ihr im Hinblick auf dieses Ziel geachtet?
Als ich nach überstandener Krebserkrankung meinen Weg zurück ins Leben fand, habe ich die Form einer psychedelischen Therapie genutzt. Während dieser Erfahrung suchte ich nach dem perfekten Soundtrack und erkannte, dass ich diesen selbst schaffen musste. Daraus entstand dieses Projekt – perfekt für mich und andere mit derselben Einstellung. Es ist ein Nischenprojekt mit einer sehr spezifischen Zielgruppe, aber genau das war der Auslöser für alles.

In manchen Momenten fühlte es sich so an, als ob die Musik in Klänge zerfließt. Und gleichzeitig war da der Eindruck, dass es auch etwas Konstantes, Kontinuierliches gibt. Sind der Grundton, die Wiederholung, der spiralartige Aufbau etwas, das die Musik dem Zerfließen, Vergehen entgegensetzt?
Ja, so ist es.

Weiter EPs werden folgen

Wenn ich es richtig verstanden habe, dann wird es noch weitere EPs geben. Weshalb die Aufteilung und nicht direkt ein Album mit allen Stücken?Wenn es nach mir ginge, hätten wir die gesamte Musik als ein großes Album veröffentlicht – und vielleicht endet es auch so. Aber die Länge der Songs passt nicht zu den Hörgewohnheiten des Publikums von heute.

Werdet ihr auch Konzerte spielen?
Das würde ich gerne tun, aber das ist letztlich eine Frage des Musikgeschäfts. Wir sind keine Entertainer, also müssen wir ein Publikum finden, das bereit ist, Geld auszugeben, um uns spielen zu hören. Ich komme aus der Welt des Metals, wo das einzige Geschäft darin besteht, laut und lärmend zu sein. Diese Musik ist nicht für diese Art von Kreislauf gemacht und ich habe keine Ahnung, wo ich überhaupt anfangen soll, herauszufinden, wo ich spielen soll.  Mein Ziel ist es, mehr Musik für die wenigen zu machen, die den gleichen Trip brauchen wie ich, und die wenigen, die es mögen, einfach glücklich sein zu lassen. 

Oh, ich glaube, viele Leute werden dir nicht zustimmen. Du hast in verschiedenen Bands gespielt: CADAVER, ORDER, ULVEHUNGER und live mit SYTYRICON, CELTIC FROST. Es ging um mehr als nur laut und lärmend zu sein, oder?
Ich denke, das ist eine Frage der Perspektive. Metal-Musik hat keinen meditativen Wert als solchen, aber ein Gefühl von Mysterium und Aufregung in der Musik der Bands, mit denen ich gearbeitet habe, ist ein roter Faden, ja.

Das letzte Wort gehört an dieser Stelle dir: gibt es noch etwas, das du hinzufügen oder den Lesern mit auf den Weg geben möchtest?
Die ersten drei EPs sind nur der Anfang einer längeren Reise. Stay tuned and trip out.
Und vielen Dank, dass ihr euch die Zeit genommen habt, mehr über die Musik von THE THIRD CIRCLE zu erfahren.

english-original

A journey beyond the ordinary

Anders Odden (known from CADAVER, CELTIC FROST) is a co-founder of THE THIRD CIRCLE, a trio completed by John Stenersen (WARDRUNA, among others) and Birger Mistereggen.
In November 2024, they released their debut EP, „I“
When Anders Odden became critically ill in 2020, it changed his relationship with music. He began working with analogue synthesisers and started recording natural sounds, particularly in the forest. His goal was to create music that felt deeply personal, meditative, and even therapeutic.

In our interview, Anders shared how these ideas took shape with THE THIRD CIRCLE, how their music connects to psychedelic experiences with mushrooms, the role of (Norwegian) nature in the process, and how the ‘modern world’ has influenced it all.

A different relationship to music

Hey Anders, thanks for taking the time to talk to me today about THE THIRD CIRCLE and your music. As I mentioned in the review of “I”, the three of you have quite different musical backgrounds.
Where did you meet?
John and I was introduced to each other at the Inferno Festival in 2023. We had never met before this and that kicked us into the idea of having a jam together. 

How did you discover that you could develop (musical) ideas together?  
We organised a jam in my studio a month after the initial meeting and we just experimented with some loose ideas before we cracked the code on how to make music together. Prior to this I had a loose idea of an organic ambient project, but the sounds that John brought with him made this idea possible. 

What made you to take it seriously enough to create THE THIRD CIRCLE, the EP “I”, and further songs?  
We recorded 10-11 different jams that we then organised into songs and we spent a while trying to find the perfect sound. In the beginning we had some simple electronic beats holding it all together, but when percussionist and multi instrumentalist Birger Mistereggen joined everything just came together. We use organic sound for all the percussion and the feeling of this being old but modern came together. 

The perfect sound for a mushroom trip

THE THIRD CIRCLE  – what does the name mean for you?  
The name means total freedom to make the music we want. 

How did you come up with it?  
It was the name of the track that lead us to our sound. 

How would you describe your music? Or rather:  what effect do you hope it will have on the listener?  
Our music was initially made to be the perfect soundtrack to a mushroom trip. When you get all the three EPs playing together this is meant to fell like one huge piece of music that you can meditate to. This music is for people who have time to listen to music in long form and create an inner travel away form modern world.

What in the modern world makes it necessary to leave it from time to time or at least create distance?
The world of technology that keep our attention to everybody else’s life instead of living our own lives is the distractions we all need to unplug from more. I am all for technology and see the benefits for sure, but SoMe has become the trap for your mind now. I recall a time where we never counted likes, fans, streams etc to judge value in art. This is the enemy of being creative. To measure it against other things that get more attention by more people.

You use both modern and old/traditional instruments. What has this made possible? I think that in your case, combining ‘old’ and modern instruments isn’t just a stylistic choice or a way to create a special sound.  
The aim here is to make music I like to listen to. What I use to come to the end result is a matter of what the track needs. We have no rules as such, but it should sound organic at core, but we are not traditionalist. We have no intention of pleasing any special dogma of music listener, but create our own world of sounds.

Tired of modernity and nature’s influence

What do you think: does the growing interest in rock, folk, and even metal music that incorporates old instruments stem from something like fatigue with modernity?
I dont know. I never look to others for inspiration. I am just interested in what sounds great to my ears. I never think of what else is going on as I do not pay attention to music in that way. 

When it comes to music from the North, people often ask about the influence of nature. I’m asking because there are also natural sound recordings in your songs. What role do these recordings play in your songs and in what you aim to offer the listener?  
Our music is the result of our heritage coming from Norway. The natural sound of rain, streams, birds, wind etc is in our music. The feeling of solitude is more important than the nature itself. We are born alone and die alone. It’s a reflection of life on this crazy planet. 

Can you describe how nature/experiences in nature have influenced you and affected the way you compose music? Compared to man-made environments.  
As I said, solitude is the prime reason and motivation for this music. We aim to reflect what is inside all humans and the nature part of it is just where we live – in the cold rainforest of the north. 

Focus on what suits your own life

A life-threatening illness disrupted your ‘normal’ routines and gave you – as you once said – a new perspective. What did this new perspective focus on?  
I focus on what works for me and what I wanna do in life 100% without looking to what else is going on. I dont need a scene of people giving me feedback on my music to be happy. I used to think it was important to travel the world and play music for a live audience, but the creative part of being in the studio making the music is now my most important outlet. 

How do you express this in your music?
The human condition is fragile and the way I make music now is not to perfect it, but to find it. If I find the music I want to express I am happy. 

Do you leave it to chance whether you find something or what you find? Or do you find because you are curious and try things out?
The latter.

What is perfection in music for you? It sounds as if perfection or the process of perfection prevents you from finding the music you want to express yourself with.
There are no true rules in music. If you free yourself from trying to be technical pitch perfect and lean towards working on the moods you try to express you will find something more interesting to listen to.

Has THE THIRD CIRCLE given you new or other opportunities? 
Yes. The fact that Birger Mistereggen is my fathers cousin makes this project very special. I have never had a band with a relative before and that feels great. 

Finding what is important at the moment

“I” feels like music that breaks through everyday noise, with cycles and repetitions.What role do cycles play for you?  
I used to live in cycles of making albums, going on tour and then making new albums. Now I am free to just make music without any business plans and that is much better. I try to live in the moment more and let all long term plans be whatever they may be. Nothing is important enough to aim for that you cannot find in the moment. 

Are natural cycles something we as humans should pay more attention to? I get the impression that also in Norway, more people are reconnecting with cycles in nature and daily life.  
We live in a part of the world where the seasons are very distinct. I think this create its of identity and we treasure each season more than people who live in constant pleasant weather conditions. 

The track titles on “I” leave the content completely open, as the songs are only numbered.   Why did you choose to do this and decide against including lyrics?  
If you have ever experienced a mushroom session you would understand as words in a language requires attention to context and decide the mood for you. If you strip it away all you have left if the feeling and that is the key to make it universal. 

Is it about letting the sounds speak for themselves, allowing the listener to immerse themselves fully in the music? No specific thoughts or experiences are suggested, leaving it entirely open.  
You get it. 

Such an experience is possible without a mushroom session, right?
Yes, its possible to make an inner journey without the usage of medicine, but that is the challenge. To let yourself immerse entirely into the music without distraction. Most music consummation is in the background now unless its very loud. If you just want to relax with this music that’s all good too.

A niche project for a specific target group

You used psychedelic therapy and were therefore looking for a suitable soundtrack for it.
What does the music make possible? Is it something you can ‚hold on to‘? Like an ‚anchor‘ so you don’t get lost in the expansion of consciousness?
This topic is hard to explain. I suggest that anyone who is curious about this just get themselves educated in the topic and see if it can help you in any way

THE THIRD CIRCLE’s music aims to be meditative and even therapeutic.
What role do tempo, melody, and rhythm play in achieving this? What did you focus on to reach this goal?  
When I found my way back to life after surviving cancer I used psychedelic therapy. Through this experience I was looking for the perfect sound track and realised I had to make this myself. Here we are with this project which is perfect for this, for me, and others with the same mindset. This is a niche and very specific target, but it’s what sparked the whole project. 

At times, the music felt as if it melt into sounds. At the same time, there was a sense of something constant and continuous. Are the drone tone, repetition, and spiral-like structure elements that counteract the dissolution or fading away of the music?  
Yes!

Further Eps will follow

If I’ve understood correctly, there will be more EPs to come. Why did you divide them like this instead of releasing an album with all the songs?  
If it was up to me we would have released all the music as one big album and that is maybe what this ends up to be, but the length of the songs are not compatible with the way an audience get music nowadays. The music should have been released as a podcast instead maybe. 

Will you also be performing live?  
I would love to, but this is also just a music business matter. We are not entertainers so we would have to find an audience who want to spend money to listen to us playing. I come from the world of metal where the only trade is to be noisy and loud. This music is not made for that kind of circuit and I have no idea where to even begin to find out where to play.  I aim to create more trippy music for the few that needs the same kind of trip as me (and us) and just let the few that like it be happy. 

Oh, I think a lot of people will disagree with you. You have played in various bands such as CADAVER, ORDER, ULVEHUNGER and live with SATYRICON, CELTIC FROST, was about more than being loud and noisy, wasn’t it?
I guess that is a matter of perspective. There is not meditative value as such in metal music, but a sense of mystery and excitement in the music of the bands I have worked with is a read thread, yes.

The last word belongs to you at this point: is there anything else you would like to add?

The first 3 EPs will only be the beginning of a longer trip. Stay tuned and trip out.
And thank you for taking the time to tell us more about the music of THE Third CIRCLE.

Thank you for taking the time to tell us more about the music of THE Third CIRCLE.

Nachdem WARDRUNA im Januar 2021 das Album „Kvitravn“ veröffentlichten und es online mit einem Studiokonzert unter dem Titel „First Flight of the Whtie Raven“ präsentierten, habe ich mich gefragt, in welche Richtung sie gehen und ob sie den animistischen Grundlagen noch mehr Raum geben werden.

In ihrer zwischen 2009 und 2016 veröffentlichten „Runaljód“ Trilogie, bei der sie jeder der 24 Runen des älteren Futhark ein Lied gewidmet und die poetische Tradition aufgegriffen haben, folgte 2018 „Skald“: akustisch, minimalistisch, mit Einar Selviks Stimme im Mittelpunkt. Ein poetisches Album, das sich respektvoll der alten Geschichten annimmt und etwas Neues daraus macht.

Von der poetischen Runentradition zu den Zyklen der Natur

Bei „Kvitravn“ haben sie mit einer Symbolik gearbeitet, die auf animistischen Traditionen basiert. Der weiße Rabe als prophetischer Bote, der Erneuerung bringt und Welten verbindet.

Und nun haben sie ihr Album „Birna“ (Bärin) gewidmet. In der nordischen Mythologie und Kultur spielt der Bär eine bedeutende Rolle. Er symbolisiert nicht nur Stärke und Wildheit, sondern auch Schutz und Verbindung zur Göttlichkeit. Er wird mit den Zyklen des Lebens, mit Wiedergeburt und Erneuerung in Verbindung gebracht. Während der Bär eher als ein wildes und in seiner Einsamkeit starkes Tier dargestellt wird, ist die Bärin ein Symbol für Wiedergeburt, Erneuerung und Fürsorge.
Der Rückzug in den Winterschlaf, in die Dunkelheit wird häufig mit dem Tod in Verbindung gebracht, und das Erwachen im Frühjahr mit Wiedergeburt und Erneuerung.Dieser zyklische Prozess des Bären spiegelt sich in der Natur in den Jahreszeiten und der damit verbundenen Erneuerung des Lebens wider.
Und in vielen Kulturen der Welt ist der Bär auch ein himmlisches Wesen (s. Sternbild) und der Hüter des Waldes. All dies haben WARDRUNA aufgegriffen und dem Bären eine Stimme geben.

Der Bär – ein kraftvolles, zyklisches Wesen

Das Album wird mit „Hertan“ eröffnet. Es geht um den Herzschlag, den Rhythmus des Lebens, seine konkrete Bedeutung als Ursprung aller lebenserhaltenden Funktionen, aber auch um die abstrakte Bedeutung als Lenker unserer Wünsche, unserer Entscheidungen und unseres Handelns.

„Hertan“ beginnt mit dem Rhythmus des Herzschlags, der von Trommeln geprägt wird. Sie erhöhen das Tempo, bis sich der klare Rhythmus in Atemlosigkeit auflöst. Der Atem ist neben dem Herzschlag das zweite Element, das dazu beiträgt, dass einem dieser Song so nah kommt.  Der Atem ist in vielen Songs von WARDRUNA ein verstärkendes, akzentuierendes und strukturierendes Element. Beides zusammen, Atem und Herzschlag durch Trommel und Stimme, haben beim Hören des Liedes eine unmittelbare Wirkung auf den eigenen Herzschlag. Verstärkt wird das Ganze noch dadurch, dass der Gesang von Lindy-Fay Hella das Pulsieren spürbar macht, in dem die zentralen Aussagen des Textes mehrmals wiederholt werden.

Einar Selvik hat auch im Text zu „Hertan“ erneut Erzähl- und Reimstrukturen der skaldischen Dichtung aufgegriffen. Einige der Metaphern haben die Form von Rätseln, wie wir sie aus Märchen kennen: es ist aus Gold oder Stein, es tanzt wild ohne Füße, es bricht, ohne zu zerbrechen – was ist das wohl?
Andere Zeilen des Textes stellen die Beziehung zum Zyklus der Natur her. Es ist ein atmosphärisch dichter Einstieg ins Album.

Das folgende Lied „Birna“ lässt uns ein wenig zur Ruhe kommen. Lindy-Fay Hellas ätherischer Gesang schwebt über den Trommeln. Die mächtige Präsenz einer Bärin wird durch die Bronseluren unterstrichen. Der Herzschlag der Natur zieht sich durch das Lied und die ganze Stimmung lässt Kommendes erwarten.

Wenn die Kraft der Sonne nachlässt, werden auch die Lieder leiser

„Ljos til jord“ beginnt mit dem Fließen des Wassers. Dann setzt ein Frauenchor ein und der tiefe Gesang von Einar Selvik verbindet sich mit der Melodie der Flöte und den Trommeln zu einem dynamischen, schwungvollen Lied über den Kreislauf der Natur, die Kraft der Sonne und das Dunkel des Winters.

Das folgende „Dvaledraumar“ ist mit gut 15 Minuten das längste Stück. Es lässt sich viel Zeit, in der die Naturaufnahmen und die Klänge der Instrumente einen meditativen Rahmen schaffen. Einar Selvik erzählt in der Art der Skalden vom Hirten, der auf einem Bett aus Moos schläft und vom Sommer träumt.
Die Töne der Harfe und der aus der Ferne herüberwehende weibliche Gesang werden von den langsamen Herzschlägen des Schlafenden begleitet.

In „Jord til ljos“ gefällt mir die Flöte sehr gut. Sie klingt munter und bringt Bewegung in das Lied. Lure, Gesang, Saiteninstrument fügen sich währenddessen zu einem tiefen Grundklang zusammen.

Schritt für Schritt durch Dunkelheit und Licht

„Himinndotter“ ist ein bewegendes Lied, das mit einem Frauenchor (ganz wunderbar: KORET ARTEMIS) beginnt, der von der Suche nach der Bärenschwester und dem Bärenbruder singen. Zu den Trommelklängen ist wieder Lindy-Fay Hellas Stimme zu hören, die beschwörend singt. Ein Lied voller Gänsehautmomente.

Und dann folgt „Hibjørnen“ (der Bär, der Winterschlaf hält). Nur Einars Gesang, den er mit der Kraviklyra begleitet. Er greift die Erzählung aus „Dvaledraumar“ wieder auf und erzählt sie weiter: wie die Sonne sich ihren Weg bahnt, die Tage wieder länger werden und die Amsel den Sonnenaufgang besingt.

„Skuggehesten“ das Schattenpferd galoppiert federnd und rastlos durch das energische und dynamische Lied.

„Steh still und schlag Wurzeln“

„Tretale“ baut sich langsam auf. Hier spielt die Wiederholung eine wichtige Rolle dabei, die Intensität des Liedes immer weiter zu steigern, wobei eine enorme Spannung entsteht. Eine Stimme, die aus den Wurzeln kommt: die Stimme der Bäume. Mit Wurzeln, die Halt geben, wenn der Wind tobt. Einar Selvik betrachtet Wurzeln als essentiell für ein authentisches, bewusstes und mit der Umgebung verbundenes Leben. Sie geben Halt und wenn man sich mit den eigenen Wurzeln beschäftigt, kann man ein besseres Verständnis für sich selbst in seiner Umwelt entwickeln.

Das Album endet mit hypnotisch-meditativen „Lyfjaberg“. Das altnordische Wort ‚Lyfjaberg‘ bedeutet „Heilungsberg“. Lyfjaberg ist in der nordischen Mythologie ein Ort des Trostes und der Heilung von Krankheit und Sorge für die bringt, denen es gelingt, den Berg zu besteigen. Die Stimmung des Liedes macht die Anstrengung deutlich, die man braucht, wenn man einen Berg – ob nun konkret oder im übertragenen Sinne, hinaufsteigt.
Mit „Dieser Berg heilt alle, die ihn erklimmen“ enden Lied und Album

Fazit

Mit „Birna“ haben WARDRUNA wieder Geschichten über das Leben erzählt. Auch wenn sie traditionelle Elemente und Mythen aufgreifen, sind die Gedanken darin etwas, das jeden beschäftigt: Geschichten über Wiederkehrendes und Erneuerung, über unseren Platz in der Welt.

Mir hat gut gefallen, wie sie das Zyklische in der Musik umgesetzt haben. Sei es durch Wiederholungen, die immer eine gewisse Varianz haben, durch das Auf- und Abschwellen der Klänge. Aber auch wie „Ljos til jord“ und „Jord til ljos“ das Lied „Dvaledraumur“ einbinden und der Text dann bei „Hibjørnen“ fortgesetzt wird.

Der KORET ARTEMIS bringt neue Klänge mit hinein und die Naturklänge vervollständigen das (Klang)Bild.

WARDRUNA haben ihre Wurzeln in der Geschichte und in Traditionen, aber übersetzen sie in Konzepte wie die Beziehung des Menschen zur Natur und die Bedeutung von Zyklen in diesem Verhältnis und dem Leben im Allgemeinen. Einar Selvik hat sich immer wieder für die Bewahrung von Traditionen eingesetzt.
Bewahren heißt hier: eine Verbindung zu den Geschichten, Traditionen und Spiritualität unserer Vorfahren herstellen, damit diese zum Verständnis für die eigenen Identität wird und dabei hilft, die Gegenwart zu gestalten.
Neben der sowohl mächtigen, dynamischen als auch meditativen Musik haben mir die Texte gut gefallen (im Booklet gibt es auch eine englische Übersetzung). Die Erzähl- und Reimstrukturen wie in skaldischen Texten aber auch die oft unvollständigen Sätze und Andeutungen, die noch einmal zeigen, dass es WARDRUNA nicht darum geht, zu überzeugen, sondern ein Angebot zu machen und anzuregen.

Es gibt nur wenige Tiere, die so deutlich in Mythen und Traditionen präsent sind, wie der Bär. Wir Menschen haben in der Geschichte eine durchaus herausfordernde Beziehung zu ihm. Diese Geschichte haben WARDRUNA mit „Birna“ noch einmal anders erzählt.

WARDRUNA sind:

Einar Selvik – Gesang, Taglharpa, Kravik Leier, Bukkehorn
Lindy-Fay Hella – Gesang
Arne Sandvoll – Percussion, Hintergrundgesang
Sondre Veland – Percussion, Hintergrundgesang
Eilif Gundersen – Bukkehorn, Lure, Flöte, Hintergrundgesang
HC Dalgaard – Schlagzeug, Percussion, Hintergrundgesang
John Stenersen – Moraharpa

Und hier „Birna“ mit einem eindrucksvollen Video:

Hier möchte ich nur drei Dinge erwähnen, auf die ich mich schon sehr freue:

1. NEBALA – „Rites of Passages“ wird kommen

Jonas Lorentzen (ex-HEILUNG) und Kreativer hinter NEBALA, hatte für das zweite Album, das den Titel „Rites of Passages“ tragen wird, eine Kickstarter-Kampagne gestartet, die erfolgreich verlaufen ist. Also wird es in 2025 ein neues Album von NEBALA geben.

Rites of Passage“ entspringt einer Idee, die Jonas Lorentzen bereits vor „Lustuz La​þ​u Wō​þ​uz Alu“, dem ersten Album von NEBALA hatte. Im Mittelpunkt steht die Bedeutung von Übergängen und Meilensteinen im Verlauf des Lebens. Es geht auch darum, die Riten, die ehemals solche Übergänge begleiteten, nicht nur als Tradition aufzufassen, sondern als eine Form der Gestaltung, die uns in der modernen Hektik wieder einen Rhythmus gibt und uns mit anderen und der Natur verbindet.

Ein weiterer besonderer Faktor ist, dass Christopher Juul von HEILUNG zusammen mit Jonas Lorentzen das Album fertigstellen und es produzieren wird.

2. NEXION haben „Gandr“ veröffentlicht

Im November haben NEXION (Black Metal aus Island) den Song „Gandr“ veröffentlicht, der mich sofort begeistert hat. Er ist unglaublich intensiv und dynamisch.
‚Gandr‘ bezeichnet u.a. eine magische oder schicksalhafte Kraft, einen Zauber, um eine Transformation hervorzurufen, oder auch einen „Geisterwolf“ beschreibt. Im englischen, erzählenden Text gibt es Passagen auf Altnordisch, die ein Anruf sind. Diese Worte sind von einer Inschrift aus der späten Wikingerzeit inspiriert.Das Original, das verschiedene ‚Geister‘ aufzulisten scheint, soll ein Schutzzauber gegen sie gewesen sein.Es ist jedoch auch eine alte Form nordischer ‚Magie‘, Geister gegen seine Feinde zu wenden.Die Inschrift musste nur ein wenig geändert werden, um von der Abwehr diese Wesenheiten zu ihrer Anrufung zu werden. Und das haben NEXION in „Gandr“ getan.
Da mir der Song so gut gefällt, hoffe ich, dass in 2025 ein Album folgen wird.

3. WARDRUNA haben „Birna“ angekündigt

Sicher ist, dass WARDRUNA am 24. Januar 2025 das Album „Birna“ veröffentlichen werden.

Die Songs „Hertan“, „Himinndotter“ und „Birna“ gibt es bereits zu hören und mit eindrucksvollen Videos zu sehen.

Seit 2003 interpretieren WARDRUNA nordische Mythen, Mythologie und Aspekte des Animismus. Sie verwenden dabei traditionelle Instrumente und nutzen in den Texten sowohl Altnordisch als auch Norwegisch. Sie entnehmen ihre Texte nicht aus der nordischen mythologischen Dichtung, sondern schreiben eigene Texte.
Die bisherigen Alben sind wesentlich von der Kultur der mündlichen Überlieferung geprägt.
Sie stellen damit Bezüge zur Vergangenheit her, die auch in der Gegenwart Einfluss haben. Dabei geht es ihnen nicht darum, die Vergangenheit zu (re)zitieren, sondern um die Bedeutung dieser Elemente für die aktuelle Situation jedes Einzelnen.

In „Hertan“ geht es um den Herzschlag, den Rhythmus des Lebens, seine konkrete Bedeutung als Ursprung aller lebenserhaltenden Funktionen, aber auch um die abstrakte Bedeutung als Lenker unserer Wünsche, unserer Entscheidungen und unseres Handelns.
„Himinndotter“ ist der Ruf nach der himmlischen Tochter, der Schwester im Wald, die uns den Weg zeigen soll, zu dem, was wir waren und sind.
„Birna“ illustriert einen Dialog zwischen Mensch und Bär und veranschaulicht die verschiedenen Eigenschaften und Fähigkeiten, die wir Menschen im Laufe der Geschichte von diesen bedeutenden Totemtieren versucht haben zu übernehmen.

Seit ihrer Gründung interpretieren WARDRUNA nordische Mythen und Aspekte des Animismus. Mit dem kommenden Album scheinen sie sich noch mehr an animistischen Vorstellungen und Erfahrungen orientieren.

So, das war ‚mein‘ musikalisches 2024 mit Ausblick auf 2025.

Ich wünsche euch allen einen guten Übergang, alles Gute für die kommende Zeit und dass die Musik in allen Situationen ein guter Begleiter für euch ist!

THE THIRD CIRCLE: „I“

THE THIRD CIRCLE haben am 15.November 2024 via ByNorse Music die Debüt-EP „I“ veröffentlicht

Das Trio THE THIRD CIRCLE besteht aus John Stenersen (WARDRUNA, GÅTE, BERGTATT), Anders Odden (CADAVER, CELTIC FROST) und Birger Mistereggen, also Musikern mit Erfahrungen in ganz unterschiedlichen musikalischen Richtungen.

Eine andere Beziehung zur Musik und eine Reise jenseits des Alltäglichen

Als Anders Odden 2020 lebensbedrohlich erkrankte, entwickelte er eine neue Beziehung zur Musik. Daraus ergab sich für ihn, dass er Musik machen wollte, die persönlich, meditativ und sogar therapeutisch sein sollte.

Er experimentierte mit analogen Synthesizern und sammelte Naturklänge, indem er Aufnahmen insbesondere im Wald machte.

Dann traf er John Stenersen, der in seinen Bands traditionelle Saiteninstrumente wie z.B. die Nyckelharpa spielt. Nun ging es um die Frage, wie analoge Synthesizer, Bass und Drehleier oder Nyckelharpa zusammenklingen.

Zuletzt kam Birger Mistereggen dazu, der auf nordische Folklore spezialisiert ist. Er fügte mit verschiedenen Perkussionsinstrumenten, insbesondere der Seiltrommel, Stimme und Maultrommel weitere Klänge und Rhythmen hinzu.

THE THIRD CIRCLE wollen ihre Musik als Anlass zum Innehalten, Nachdenken und Eintauchen in eine Reise jenseits des Alltäglichen verstanden wissen.

Und ich finde, dass es ihnen mit den drei Stücken auf der EP „I“ auch gelungen ist.

„I“ : Pulsierende Klanglandschaften

Die drei Stücke führen uns durch Landschaften aus alten und modernen Klängen, die ineinanderfließen, pulsieren, sich verdichten und dann hinwegschweben, um sich aufzulösen.

Aber sie kommen zurück und entwickeln sich zu neuen Formen. Es ist wie der Kreislauf des Wassers im Meer, das nach kraftvoller Bewegung verdunstet, um als Regen zurückzukommen und erneut Teil des Meeres zu werden.

Die Basis der Musikstücke bilden Bordun-Töne, die gleichzeitig beruhigen und Spannung aufbauen. Auf diese Grundresonanzen legen sich die Töne des analogen Synthesizers, die Rhythmen der verschiedenen Perkussionsinstrumente und dann die Klänge und Melodie der Nyckelharpa. Die Maultrommel verstärkt den Grundton oder blitzt an vielen Stellen aus dem breiten Gesamtklang hervor.

„The 1st“, The 2nd“ und „The 3rd“

„The 1st“ wird von einem Grundton durchzogen, über dem die Melodie der Nyckelharpa schwebt. Die Perkussionsinstrumente und der Bass bilden dagegen den festen Boden.
Die Instrumente sind im Dialog und manchmal klingt es, als wenn sie miteinander tanzen. Die Wiederholung, die in Schleifen und Kreisen die verschiedenen Elemente aufgreift und sie dadurch verändert, wird als wesentliches Element schon hier sehr deutlich.
Auf diese Weise baut sich der Track auf, bis es bei 5:30 zu einer dichten und intensiven Passage kommt.Dann wird die Melodie des Beginns wieder aufgegriffen. Es ist, als wenn sich der Klang noch einmal weit öffnet, bis er sich langsam im Rauschen des Regens auflöst.

Mit dem Geräusch des Regens, das von einem Bordun-Ton begleitet wird, beginnt das zweite Stück „The 2nd“. Auch diesmal baut sich der Klang langsam auf:
Die Melodie zieht sich wie ein roter Faden durch diese Passage und nach und nach kommen die anderen Instrumente hinzu.
Der Klang wird immer dichter und vibriert geradezu. Die verzerrten Klänge erweitern das Spektrum. Und diese Kombination aus alten, irgendwie vertrauten Melodien und verzerrten Klängen ist in dieser Form wirklich neu und ungewöhnlich.  

„The 3rd“ ist ein Stück, dass in seiner Ruhe zunächst meditativ ist. Für mich ist es das interessanteste Stück der EP, da mir die Dynamik der rhythmischen Elemente sehr gut gefällt und ich die Gleichzeitigkeit von Dissonanzen und warmen Klängen sehr spannend finde.

Eindringliche, spannende, erdige Klangspektren

„I“ ist eine in vielfältiger Hinsicht spannende EP. THE THIRD CIRCLE sind dem Anspruch, eindringliche und meditative Klanglandschaften entstehen zu lassen, gerecht geworden.

Mir gefällt insbesondere, in welcher Weise sie das Prinzip der Wiederholung und Variation nutzen. Die Klänge sind vibrierende Spiralen, die aufsteigen und sich kontinuierlich ausdehnen. Sei es, indem das Klangspektrum erweitert wird oder immer mehr rhythmische Elemente hinzukommen.
Und so nimmt auch die Spannung zu, die durch das Miteinander der erdigen Klänge der alten Instrumente und der elektronischen Synthesizer-Klängen entsteht. Großartig finde ich dabei, dass sowohl die Synthesizer erdverbunden als auch die alten Instrumente sphärisch und dissonant klingen.

Außerdem werde ich ab jetzt die Maultrommel als Instrument noch einmal anders hören. Denn hier ist sie virtuos gespielt, als Bordun-Ton oder als Akzent, der Leichtigkeit hineinbringt.

Modern, psychedelisch und dabei tief verwurzelt im Konkreten

Darüber hinaus hatte ich fast durchgehend den Eindruck, dass ich Musikern zuhöre, die ausprobieren und dabei der Musik bzw. den Klängen den Raum geben, sich wie von selbst zu entwickeln.
Es ist wie ein Austausch, ein Gespräch – nur eben ganz ohne Worte. Dadurch, dass es keine Texte gibt und auch die Titel keine Richtung für Gedanken vorgeben, hat man die Möglichkeit, die Klänge ganz frei auf sich wirken zu lassen.
Die Klänge der Instrumente und der Natur, die in die Stücke eingewoben sind, sind wie Erinnerungen an ferne Ereignisse und frühe Sehnsüchte, die man nicht wirklich greifen kann.

Und ja, die Stücke sind durchaus psychedelisch, denn sie machen es möglich, dass die Grenzen zwischen dem eigenen Selbst und der Außenwelt verschwimmen. Dennoch ist die Verbundenheit mit der Natur, die Verwurzelung im Konkreten spürbar.

Das Video, das es zu dieser EP gibt, macht dies in anderer Form sichtbar.

Der EP „I“ werden weitere folgen. Ich bin gespannt, wie es weitergeht. Und ob wir THE THIRD CIRCLE bald auch live erleben können. Ich stelle mir dabei als idealen Ort eine Waldlichtung vor ….

So, und jetzt nehmt euch Zeit und taucht in das Video und vor allen Dingen die Musik ein!

THE THIRD CIRCLE released their debut EP „I“ on November 15, 2024 via ByNorse Music

The trio THE THIRD CIRCLE consists of Anders Odden (CADAVER, CELTIC FROST), John Stenersen (WARDRUNA, GÅTE, BERGTATT), and Birger Mistereggen, musicians with experience in very different musical directions.

A different relationship to music and a journey beyond the everyday

When Anders Odden became life-threatening ill in 2020, he developed a new relationship with music. This made him to want to make music personal, meditative and even therapeutic. He experimented with analogue synthesizers and collected natural sounds by making recordings, especially in the forest.

Then he met John Stenersen, who plays traditional string instruments such as the nyckelharpa in his bands. Now the question was how analogue synthesizers, bass and hurdy-gurdy or nyckelharpa sound together.

The last to join was Birger Mistereggen, who specializes in Nordic folklore. He added further sounds and rhythms with various percussion instruments, especially the rope drum, voice and jaw harp.

THE THIRD CIRCLE want their music to be understood as an opportunity to pause, reflect and immerse yourself in a journey beyond the everyday.And I think they have succeeded in doing this with the three pieces on the EP „I“.

„I“: Pulsating soundscapes

The three pieces lead us through landscapes of old and modern sounds that flow into one another, pulsate, condense and then float away to dissolve.
But they come back and develop into new forms. It is like the cycle of water in the sea, which evaporates after powerful movement, only to come back as rain and become part of the sea again.

The basis of the pieces of music is drone tones that simultaneously calm and build tension. The tones of the analogue synthesizer, the rhythms of the various percussion instruments and then the sounds and melody of the nyckelharpa are laid on these basic resonances.
The jawharp amplifies the basic tone or flashes out in many places from the broad overall sound.

“The 1st”, “The 2nd” and “The 3rd”

“The 1st” is permeated by a basic tone over which the melody of the nyckelharpa floats. The percussion instruments and the bass, on the other hand, form the solid ground.
The instruments are in dialogue and sometimes it sounds as if they are dancing with each other.

The repetition, which takes up the various elements in loops and circles and thereby changes them, is already very clear here as an essential element.The track builds up in this way until a dense and intense passage occurs at 5:30.
Then the melody from the beginning is taken up again. It is as if the sound opens up wide again until it slowly dissolves in the sound of the rain.

The second piece, “The 2nd”, begins with the sound of the rain, accompanied by a drone tone. This time too, the sound builds up slowly: the melody runs like a thread through this passage and the other instruments are gradually added.
The sound becomes denser and denser and almost vibrates. The distorted sounds expand the spectrum. And this combination of old, somehow familiar melodies and distorted sounds is really new and unusual in this form.

„The 3rd“ is a piece that is initially meditative in its calm. For me it is the most interesting piece on the EP because I really like the dynamics of the rhythmic elements and I find the simultaneity of dissonances and warm sounds very exciting.

Haunting, exciting, earthy sound spectra

„I“ is an exciting EP in many ways. THE THIRD CIRCLE have lived up to their claim of creating haunting and meditative soundscapes.I particularly like how they use the principle of repetition and variation. The sounds are vibrating spirals that rise and expand continuously. Be it by expanding the sound spectrum or by adding more and more rhythmic elements.
And so the tension increases, which is created by the interaction of the earthy sounds of the old instruments and the electronic synthesizer sounds. I think it’s great that both the synthesizers sound earthy and the old instruments sound spherical and dissonant.

From now on, I will also hear the jaw harp as an instrument in a different way. Because here it is performed with virtuosity, as a drone tone or as an accent that brings lightness.

Modern, psychedelic and yet deeply rooted in the concrete

Moreover, I almost always had the impression that I was listening to musicians who were trying things out and giving the music or the sounds the space to develop on their own. It’s like an exchange, a conversation – just without words.
Because there are no lyrics and the titles don’t give you any direction for thoughts, you have the opportunity to let the sounds affect you completely freely.

The sounds of the instruments and nature that are woven into the pieces are like memories of distant events and early longings that you can’t really grasp.

And yes, the pieces are definitely psychedelic, because they make it possible for the boundaries between yourself and the outside world to blur. Nevertheless, the connection with nature, the roots in the concrete, are noticeable.

The video that comes with this EP makes this visible in a different form.

There will be more EPs following the “I” EP. I am excited to see what happens next. And whether we will soon be able to see THE THIRD CIRCLE live. I imagine the ideal place to do this would be a clearing in the forest…

So, now take your time and immerse yourself in the video and, above all, the music!