Am 22. März 2026 wird wieder der Spellemannspris (das norwegische Pendant zu den Grammys) verliehen.
Diesmal gibt es zwei Nominierungen von Bands, über die ich im letzten Jahr berichtet habe:

WARDRUNA sind in der Kategorie „Internationaler Erfolg des Jahres“ nominiert und AFARGANG in der Kategorie „Hard Rock/Metal“.

WARDRUNA

WARDRUNA haben sich der Verbindung uralter Klänge, nordischen Traditionen und modernen Klängen verschrieben. Eine wichtige Grundlage ist der Gedanke, dass vergangene, naturnahe Traditionen auch heute noch relevant sind. Sie greifen daher Gedanken und Ideen dieser Traditionen auf, um neue musikalische Ideen zu entwickeln. Dabei nutzen sie historische Instrumente und die Natur als Klangquelle, um Musik zu schaffen, die sowohl auf dem Alten als auch auf zeitgenössischen Erfahrungen und Möglichkeiten aufbaut. Die Texte beschäftigen sich mit der Welt altnordischer Mythologien und Naturzyklen.
WARDRUNA wurden 2003 gegründet und haben seitdem sieben Alben veröffentlicht. Zuletzt erschien 2025 das Album „Birna“.

Einar Selvik (Sänger, Komponist) sagt zur Nominierung: „Unsere allererste Spellemann-Nominierung war eine sehr angenehme Überraschung. Seit vielen Jahren liegt unser Fokus auf dem Ausland, und wir hatten die Möglichkeit, international viele spannende Projekte mit Musik zu realisieren, die sich nicht immer eindeutigen Genre-Kategorien zuordnen lässt. Dass dies nun auch hierzulande Anerkennung findet, bedeutet uns sehr viel.“

AFARGANG

AFARGANG wurde mit dem Album „Andvake“ in der Kategorie „Hard Rock/Metal“ nominiert.
AFARGANG ist das Projekt von Olav Luksengård Mjelva, der nicht nur ein (auch über Norwegen hinaus) bekannter Hardanger-Fidel-Spieler ist, sondern – wie er mit dem Album „Andvake“ zeigt, auch ein Metalhead.
Zu AFARGANG gehören ansonsten Stian Kårstad (Gitarre), der sonst u.a. bei GOD SEED und TRELLDOM spielt, Jon Even Schärer, der bei GÅTE trommelt sowie Sindre Bråthen Tjørswaag (Bass) und Haldor Bromstad (Growls).

Auch AFARGANG knüpfen an das kulturelle Erbe ihrer Heimat Norwegen an und verbinden dieses mit Metalstrukturen. Olav Mjelva hat die vielseitigen Möglichkeiten seiner Hardanger-Fiedel, die klanglich den roten Faden durch das Album zieht, zusammen mit den Metal-Strukturen für ungewohnte, organische und dynamische Klänge genutzt.
Das Album „Andvake“ ist ein melancholisches Album, bei dem die Folk-Anteile genauso prägend sind wie die Black Metal Strukturen. Zusammen mit Alternative-Elementen sind spannungsreiche Klanglandschaften und gleichzeitig harte Songs entstanden.

Olav Mjelvas Kommentar zur Nominierung: „Es ist eine unglaubliche Ehre, für den Spellemann-Preis nominiert zu sein! Ich habe enorm viel Arbeit in „Andvake“ gesteckt, und es war ein langer Prozess – mehrere Jahre der Suche nach der richtigen Richtung, dem richtigen Ausdruck und der richtigen Besetzung. Ich bin sehr froh, dass ich die Chance ergriffen und es gewagt habe. Ich bin dankbar, dass alle Beteiligten zugesagt haben, uns auf dieser Reise zu begleiten, und wir hatten außerdem das große Glück, By Norse mit an Bord zu haben. Wir schreiben bereits Musik für das Nachfolgealbum und suchen nach Möglichkeiten, live aufzutreten.“

Toller Erfolg für das Label By Norse Music

AFARGANG sowie ANDVAKE sind beide bei By Norse Music unter Vertrag.

By Norse Music ist ein Label und eine Plattform, die sich hauptsächlich der norwegischen Musik widmet.
Sie haben Bands und Musiker wie WARDRUNA, ENSLAVED, SOWULO, KALANDRA, NEBALA, LINDY-FAY HELLA & DEI FARNE, Kjell Braaten und Mari Boine unter Vertrag.

Der Spellemannspris wird am 22. März 2026 in der Norwegischen Oper (Oslo) vergeben. Die Veranstaltung wird auch im Norwegischen Fernsehen übertragen.

(scroll down for english version)

Heute gibt es die zweite Single von „Flok“, dem kommenden Album von Kjell Braaten.
„Pine“ / „Gran“ ist nach „Solace“ der nächste Song, der schon einmal einen Ausblick auf das Album „Flok“ gibt, das im Sommer herauskommen wird.

Kjell Braaten ist Komponist und Spezialist für nordische Instrumente. Er war an Bands wie NEBALA, WARDRUNA und EHWAZ beteiligt und hat mit vielen anderen Künstlern und Projekten wie z.B. Christine Kammerer oder NEMUER zusammengearbeitet. Sein musikalisches Spektrum umfasst auch Sounddesigns und Musik für Filme (z.B. wie für die Serie „Vikings Valhalla“).

Kjell Braaten spielt u.a. auf Rekonstruktionen von Instrumenten, die der Zeit um 600 n. Chr. bzw. der Wikingerzeit und dem Mittelalter zugeordnet werden. Neben Trommeln und Hörnern sind es Leiern, die den Klang seiner Musik prägen.

Alte Strukturen moderne Klänge

So erhält „Pine“ seinen besonderen Klang durch die Sutton Hoo Leier, einer Leier aus dem frühen 7. Jahrhundert, die bei Ausgrabungen eines Schiffes gefunden wurde. Es ist eine große aus Ahorn gefertigte Leier, deren Saiten wie bei einer Gitarre parallel zu einem Resonanzboden verlaufen.
Die Bespannung aus Rosshaar ermöglicht einen organischen, warmen und vollen Klang.

In dem Song „Pine“ begleitet aber nicht nur die Sutton Hoo Leier den Gesang, sondern auch das Organistrum, eine frühe Form der Drehleier, sowie Schlagzeug und Bassgitarre.
Und so verbinden sich zeitlos-historische Klänge und Strukturen mit modernen Folk-Elementen

Wie Kjell über das kommende Album „Flok“ sagt: „Die Platte wird ganz anders sein als das, was ich in den letzten Jahren gemacht habe, aber mehr zurück zu dem, wo ich angefangen habe, nur mit einem anderen Ansatz. Eine Art Brücke zwischen dem, wo ich begonnen habe, und dem, wo ich jetzt bin. Die Lieder handeln vom Leben, von der Natur und von alten Traditionen und Gedanken. Sie werden immer noch hauptsächlich auf altnordischen Instrumenten wie Organistrum, Kravikslyre, Moraharpa und dergleichen gespielt.“

„Pine“ / „Gran“– die Fichte aus mythologischer Perspektive

Die Fichte als immergrüner Baum wird traditionell als Symbol für Langlebigkeit und Beständigkeit gesehen.  In den dunklen Wintermonaten war sie auch immer ein Sinnbild für die Hoffnung auf den Frühling und Überleben der dunklen Zeit.
In manchen Überlieferungen wird die Fichte auch als Symbol für das kosmische Gleichgewicht und als Schutz gehen Dunkelheit und Chaos gesehen.

„Pine“ betrachtet die Fichte sowohl aus dieser mythologischen Perspektive als auch mit den Augen eines Kindes, das unter den Zweigen Trost sucht.
Die Wurzeln reichen tief, das Moos ist weich und die Tränen werden von der Erde aufgenommen.
Mir gefällt der poetische irgendwie tröstliche Text von Tove Hassel, den Carina Dulea ins Englische übertragen hat. (So wie bereits „Solace“ gibt es „Pine“ auch in einer Version mit dem ursprünglichen Text.)

Das Cover (bearbeitet von Fatima Akerson) ist auch wieder für sich genommen ein schönes Bild.

„Pine“ / „Gran“ findet ihr auch bei allen Streamingdiensten.

Kjell Braaten releases “Pine”, the second song from the upcoming album

Today we have the second single from “Flok”, the upcoming album by Kjell Braaten.

After “Solace”, “Pine” is the next song that gives a preview of the album “Flok”, which will be released this summer.

Kjell Braaten is a composer and specialist for Nordic instruments. He has been involved in bands such as NEBALA, WARDRUNA and EHWAZ and has worked with many other artists and projects such as Christine Kammerer and NEMUER. His musical spectrum also includes sound design and music for films (e.g. for the series “Vikings Valhalla”).

Kjell Braaten plays, among other things, reconstructions of instruments from the period around 600 AD, the Viking Age and the Middle Ages. In addition to drums and horns, it is lyres that characterize the sound of his music.

Ancient structures modern sounds

“Pine” gets its special sound from the Sutton Hoo lyre, a lyre from the early 7th century that was found during the excavation of a ship. It is a large lyre made of maple, with strings running parallel to a soundboard like a guitar.
The horsehair strings produce an organic, warm and full sound.

In the song “Pine”, however, it is not only the Sutton Hoo lyre that accompanies the vocals, but also the organistrum, an early form of hurdy-gurdy, as well as drums and bass guitar.
And so timeless, historical sounds and structures are combined with modern folk elements

What Kjell says about the upcoming album “Flok”: „The record will be quite different from what I have done in recent years but will return more to where I started—just with a different approach. A kind of bridge between where I began and where I am now. The songs are about life, nature and old traditions and thoughts. They are still mainly played on old Norse instruments such as organistrum, kravikslyre, moraharpa and the like“. 

“Gran” /“Pine” from a mythological perspective

As an evergreen tree, the spruce is traditionally seen as a symbol of longevity and constancy.  In the dark winter months, it has always been a symbol of hope for spring and survival of the dark times.
In some traditions, the spruce is also seen as a symbol of cosmic balance and protection against darkness and chaos.

“Pine” looks at the tree both from this mythological perspective and through the eyes of a child seeking solace under its branches.

The roots reach deep, the moss is soft and the tears are absorbed by the earth.

I like the poetic, somehow comforting text by Tove Hassel, which Carina Dulea has translated into English. (Like “Solace”, “Pine” is also available in a version with the original lyrics).

The cover (designed by Fatima Akerson) is also a beautiful image in its own right.

You can also find “Pine” / “Gran” on all streaming services.

(for english version scroll down)

Heute sind es schon drei Jahre, seitdem Putins Russland in die Ukraine einmarschierte und den Krieg begann. Drei Jahre Schrecken, Flucht, Zerstörung und Tod.
Und nun ein amerikanischer Präsident, der die Tatsachen verdreht oder ignoriert und der Ukraine die Schuld für diesen Krieg gibt und einen ‚Frieden‘ ohne Beteiligung der Ukraine aushandeln will.

Für die, die unter der Machtgier anderer zu leiden haben

Zu diesem dritten Jahrestag veröffentlicht Kjell Braaten, der als Spezialist für nordische Instrumente u.a. an Bands wie WARDRUNA und NEBALA beteiligt war, das Lied „Solace“ („Trøyst“), das er für Freunde und alle Menschen in der Ukraine geschrieben hat.

Er wird dabei besonders an das „Konon Rocks“ – Filmteam gedacht haben, mit dem zusammen mit Darstellern aus der Ukraine das Video zu „Laþu“ von NEBALA entstanden ist. Aus dieser Zusammenarbeit heraus sind freundschaftliche und kreative Beziehungen entstanden. Aber die Pläne für eine weitere Zusammenarbeit wurden durch den russischen Angriffskrieg vereitelt. Zu Beginn der russischen Invasion arbeitete das ukrainische Filmteam zusammen mit Vertretern der ausländischen Presse daran, die Schrecken des Krieges zu dokumentieren.

„Solace“  ist bereits im letzten Jahr bereits auf Norwegisch unter dem Titel „Trøyst“ erschienen.

Trost – die Suche nach Sicherheit und Vertrauen

Für „Solace“ ist der Text von Tove Hasselt nun in einer Übertragung (von Carina Dulea) ins Englische zu hören.

Ich habe Kjell gefragt, weshalb es ihm wichtig ist, den Song jetzt auch auf Englisch zu veröffentlichen.
Er sagte dazu: „Seit der Invasion der Ukraine am 24.02.2022 sind drei Jahre vergangen, und hoffentlich kann das Lied jetzt in einer Sprache, die auch diejenigen verstehen, um die es geht und für die es geschrieben wurde, an schwierigen Tagen in einer schwierigen Zeit etwas Trost spenden.“
Er möchte außerdem, dass noch mehr Menschen die Botschaft verstehen können, um die es in dem Lied geht. Und das sei mit einem englischen Text einfacher, da mehr Menschen Englisch verstehen als Norwegisch.

Den Text hat Tove Hassel kurz nach Beginn des Ukraine-Krieges geschrieben. Es geht dabei aber nicht nur um diesen Krieg, sondern um all die Menschen, die aufgrund der Machtgier anderer unter unerträglichen Bedingungen leben.
Doch der Text beschreibt nicht nur das Furchtbare eines Krieges, sondern erinnert auch daran, wie das Leben eigentlich sein sollte.

A time once meant for blooming flowers
marks instead a battle’s spring….

….While night falls, in blazing heavens
traced by endless lights of loss

aus „Solace“

Die Art und Weise, wie Kjell Braaten dies in Musik gefasst hat und so verhalten und verletzlich wie er den Text singt, berührt angesichts der Bilder, wie wir sie aus der Ukraine und anderen Kriegsgebieten kennen.In den Passagen, in denen es darum geht, wie die Welt sein könnte und sein sollte, wird seine Stimme fest und bestimmt. Tröstlich klingt das Zwischenspiel mit der Leier und auch der sehnsüchtige und zugleich hoffnungsvolle Refrain.
Wunsch und Realität, Wut, Trauer aber auch Sehnsucht und Ruhe stellen sich ein, wenn man sich auf die Musik und den Text einlässt. Kjell Braaten gelingt es immer wieder, den Zuhörer allein mit der Stimme in seinen Bann zu ziehen, und mit der zurückhaltenden Begleitung dennoch ganz eindringlich Trauer, Sehnsucht und Hoffnung auszudrücken.

Neues Album noch in diesem Sommer

„Trøyst“ / „Solace“ sollte ursprünglich im Herbst letzten Jahres erscheinen und die erste Single eines neuen Albums werden. Doch aufgrund von vielen Tourneen und aus verschiedenen anderen Gründen war es nicht möglich, das Album bereits im Herbst fertigzustellen.
Das neue Album soll im Sommer erscheinen.
Und um die Wartezeit zu verkürzen, wird es nach „Trøyst“ / „Solace“ noch zwei weitere Singles geben.

Kjell zum neuen Album: „Die Platte wird ganz anders sein als das, was ich in den letzten Jahren gemacht habe, aber mehr zurück zu dem, wo ich angefangen habe, nur mit einem anderen Ansatz. Eine Art Brücke zwischen dem, wo ich angefangen habe, und dem, wo ich jetzt bin. Die Lieder handeln vom Leben, von der Natur und von alten Traditionen und Gedanken. Sie werden immer noch hauptsächlich auf altnordischen Instrumenten wie Organistrum, Kravikslyre, Moraharpa und dergleichen gespielt.“

Heute ist der dritte Jahrestag des Krieges in der Ukraine. Und „Solace“ kann Momente des Innehaltens begleiten.

„Solace“ findet ihr auch auf allen Streaming Plattformen: https://kjellbraaten.hearnow.com/solace

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„Solace“ – A Song (Not Just) for Friends in Ukraine

Today marks three years since Putin’s Russia invaded Ukraine and started the war. Three years of terror, displacement, destruction, and death. And now, an American president who distorts or ignores the facts, blames Ukraine for this war, and seeks to negotiate a ‘peace’ without Ukraine’s involvement. 

For Those Who Suffer Under the Greed for Power 

“Solace” was originally released last year in Norwegian under the title “Trøyst”. 

On this third anniversary, Kjell Braaten, who has contributed to bands such as WARDRUNA and NEBALA as a specialist in Nordic instruments, releases the song “Solace” (“Trøyst”), which he wrote for friends and all people in Ukraine. 

He likely had the Konon Rocks – film team particularly in mind. Together with actors from Ukraine, they created the video for “Laþu” by NEBALA. From this collaboration, friendships and creative relationships developed. However, plans for further work together were hindered by Russia’s war of aggression. At the start of the Russian invasion, the Ukrainian film team worked alongside international journalists to document the horrors of war. 

Solace – The Search for Security and Trust 

For “Solace”, the lyrics by Tove Hassel have now been adapted (by Carina Dulea) into English. 

I asked Kjell why it was important to him to release the song in English now. 
He said: “Three years have passed since the invasion of Ukraine on 24 February 2022, and hopefully, the song can now bring some comfort during difficult days in difficult times—especially in a language that those it was written for can understand.” 
He also wants more people to grasp the message of the song. And this is easier with English lyrics, as more people understand English than Norwegian. 

Tove Hassel wrote the lyrics shortly after the war in Ukraine began. However, they are not only about this war but about all those, who live under unbearable conditions because of others’ greed for power. 
Yet, the lyrics do not just describe the horrors of war—they also remind us of how life should be. 

A time once meant for blooming flowers 
marks instead a battle’s spring…
… While night falls, in blazing heavens 
traced by endless lights of loss 

from „solace“

The way, Kjell Braaten has set this to music, and the way he sings the lyrics so gently and vulnerably, is deeply moving – especially remembering the images from Ukraine and other war zones. 
Within parts of the lyrics reflecting on how the world could and should be,his voice grows strong and resolute. 
The interlude featuring the lyre, as well as the longing yet hopeful chorus, sounds comforting. 

By immersing oneself in the music and lyrics, one experiences a mix of yearning and serenity, alongside anger, grief, and hope. Kjell Braaten has an extraordinary ability to captivate listeners with his voice alone, while the subtle accompaniment powerfully conveys sorrow, longing, and hope. 

New Album Coming This Summer 

“Trøyst”/”Solace” was originally meant to be released last autumn as the first single from a new album. However, due to extensive touring and various other reasons, it was not possible to complete the album by then. 
The new album is now set for release this summer. 

To shorten the wait, there will be two more singles following “Trøyst” / “Solace”. 

Kjell on the new album: „The record will be quite different from what I have done in recent years but will return more to where I started—just with a different approach. A kind of bridge between where I began and where I am now.“ 

The songs are about life, nature, and ancient traditions and thoughts. They will still primarily be played on Old Norse instruments such as the organistrum, Kravik lyre, Moraharpa, and similar.” 

Today marks the third anniversary of the war in Ukraine. And „Solace“ can accompany moments of reflection. 

And You can listen to the song on all streaming platforms: https://kjellbraaten.hearnow.com/solace

Eine Reise jenseits des Alltäglichen

Anders Odden (s. CADAVER, CELTIC FROST) ist Mitbegründer von THE THIRD CIRCLE, einem Trio, zu dem noch John Stenersen (WARDRUNA u.a.) und Birger Mistereggen gehören.
Sie haben im November 2024 ihre Debüt-EP „I“ veröffentlicht haben.
Als Anders Odden 2020 lebensbedrohlich erkrankte, entwickelte er eine neue Beziehung zur Musik. Er experimentierte mit analogen Synthesizern und sammelte Naturklänge, indem er Aufnahmen insbesondere im Wald machte. Er wollte Musik machen, die persönlich, meditativ und sogar therapeutisch sein sollte.
Wie dies mit THE THIRD CIRCLE umgesetzt wurde, was diese Musik mit psychedelischen Erfahrungen mit Pilzen zu tun hat, welche Rolle die (norwegische) Natur dabei spielt sowie über den Einfluss der ‚modernen Welt‘ war Thema im Interview mit ihm.

Eine andere Beziehung zur Musik

Hey Anders, ich freue mich, dass du mir heute Fragen zu THE THIRD CIRCLE und der Musik beantworten willst. Wie ich in der Review zu der EP „I“ geschrieben habe, habt ihr Drei doch recht unterschiedliche musikalische Hintergründe.
Wo habt ihr euch kennengelernt?
John und ich wurden 2023 beim Inferno Festival einander vorgestellt. Wir hatten uns vorher nie getroffen, und das brachte uns auf die Idee, gemeinsam zu jammen.

Wie habt ihr herausgefunden, dass ihr gemeinsam (musikalische) Ideen entwickeln könnt?
Einen Monat nach unserem ersten Treffen organisierten wir eine Jam-Session in meinem Studio. Wir experimentierten mit ein paar losen Ideen, bevor wir herausfanden, wie wir gemeinsam Musik machen konnten. Vorher hatte ich eine grobe Idee für ein organisches Ambient-Projekt, aber die Klänge, die John mitbrachte, machten diese Idee erst möglich.

Was hat dazu beigetragen, dass ihr „Ernst gemacht“, dies so weit verfolgt habt, dass THE THIRD CIRCLE, die EP „I“ und weitere Songs dabei herausgekommen sind?
Wir haben 10–11 verschiedene Jams aufgenommen, die wir dann zu Songs strukturierten, und haben eine Weile gebraucht, um den perfekten Sound zu finden. Anfangs hatten wir einfache elektronische Beats, die alles zusammenhielten, aber als der Percussionist und Multiinstrumentalist Birger Mistereggen dazukam, fügte sich alles zusammen. Wir verwenden organische Klänge für alle Percussion-Elemente, und es entstand das Gefühl, dass es gleichzeitig alt und modern klingt.

Der perfekte Soundtrack für einen Pilztrip

THE THIRD CIRCLE – was bedeutet der Name für euch?
Der Name bedeutet totale Freiheit, die Musik zu machen, die wir wollen.

Wie seid ihr auf diesen Namen gekommen?
Es war der Name des Tracks, der uns zu unserem Sound führte.

Wie würdest du eure Musik beschreiben? Bzw.: welche Wirkung erhofft ihr euch beim Hörer?
Unsere Musik wurde ursprünglich als der perfekte Soundtrack für eine psychedelische Erfahrung mit Pilzen konzipiert. Wenn man alle drei EPs zusammen abspielt, soll es sich wie ein riesiges Musikstück anfühlen, zu dem man meditieren kann. Diese Musik ist für Menschen, die Zeit haben, Musik in Form längerer Sücke zu hören und eine innere Reise weg von der modernen Welt zu unternehmen

Was macht es in der modernen Welt notwendig, von Zeit zu Zeit davon abzulassen oder zumindest Abstand zu schaffen?
Die Welt der Technologie, die unsere Aufmerksamkeit auf das Leben aller anderen lenkt, anstatt unser eigenes Leben zu leben, ist die Ablenkung, von der wir uns alle mehr trennen müssen. Ich bin ganz für Technologie und sehe die Vorteile auf jeden Fall, aber der gesamte Social Media Bereich ist jetzt zur Falle für den Verstand geworden. Ich erinnere mich an eine Zeit, in der wir nie Likes, Fans, Streams usw. gezählt haben, um den Wert von Kunst zu beurteilen. Das ist der Feind der Kreativität. Sie an Dingen zu messen, die mehr Aufmerksamkeit bekommen.

Ihr verwendet sowohl moderne als auch alte/traditionelle Instrumente. Was wurde dadurch möglich? Ich denke, dass die Verbindung von ‚alten‘ und modernen Instrumenten bei euch nicht nur ein Stilelement ist oder ein Element, um einen besonderen Klang zu schaffen.
Das Ziel ist, Musik zu machen, die ich gerne höre. Was ich benutze, um solch ein Ergebnis zu erreichen, hängt davon ab, was der Track braucht. Wir haben keine festen Regeln, aber der Kern sollte organisch klingen. Trotzdem sind wir keine Traditionalisten. Wir haben nicht die Absicht, irgendein spezielles musikalisches Dogma zu bedienen, sondern schaffen unsere eigene Klangwelt.

Müdigkeit über Modernität und Einfluss der Natur

Was denkst du: hat das zunehmende Interesse an Rock-, Folk- und auch Metal-Musik, in der alte Instrumente verwendet werden, auch mit etwas wie einer Müdigkeit über die Modernität zu tun?
Ich weiß es nicht. Ich suche nie bei anderen nach Inspiration. Ich interessiere mich nur für Klänge, die in meinen Ohren großartig klingen. Ich denke nicht darüber nach, was sonst noch passiert, da ich Musik auf diese Weise nicht betrachte.

Wenn es um Musik aus dem Norden geht, wird häufig die Frage danach gestellt, welchen Einfluss die Natur auf die Musik hat. Ich frage, weil es in den Liedern auch Naturaufnahmen gibt. Welche Rolle spielen diese Aufnahmen für die Lieder und für das, was ihr dem Hörer ermöglichen wollt?Unsere Musik ist das Ergebnis unseres norwegischen Erbes. Die natürlichen Klänge von Regen, Bächen, Vögeln, Wind usw. sind Teil unserer Musik. Das Gefühl von Einsamkeit ist wichtiger als die Natur selbst. Wir werden allein geboren und sterben allein. Es ist eine Reflexion über das Leben auf diesem verrückten Planeten.

Kannst du sagen, in welcher Weise Natur/Erlebnisse in der Natur dich beeinflusst haben und welche Auswirkungen dies auf die Art und Weise hat, wie du Musik komponierst? Im Vergleich zur menschengemachten Umgebung.
Wie gesagt, Einsamkeit ist der Hauptgrund und die Motivation für diese Musik. Wir wollen widerspiegeln, was in allen Menschen steckt, und der Naturaspekt ist einfach das, wo wir leben – im kalten Regenwald des Nordens.

Konzentration auf das, was zum eigenen Leben passt

Eine lebensbedrohliche Erkrankung hat dich aus den ‚normalen‘, gewohnten Abläufen gerissen und dir – wie du einmal gesagt hast – einen neuen Blick eröffnet.Worauf hat sich dein Blick mehr – oder vielleicht auch neu – gerichtet?
Ich konzentriere mich darauf, was für mich funktioniert und was ich zu 100 % in meinem Leben machen möchte, ohne darauf zu achten, was sonst passiert. Ich brauche keine Szene oder Menschen, die mir Rückmeldungen zu meiner Musik geben, um glücklich zu sein. Früher dachte ich, es sei wichtig, die Welt zu bereisen und Musik live zu spielen, aber der kreative Teil im Studio ist jetzt mein wichtigstes Ventil.

Inwiefern drückst du dies in der Musik aus?
Der Mensch ist fragil und die Art, wie ich jetzt Musik mache, zielt nicht darauf ab, ihn zu perfektionieren, sondern ihn zu finden. Wenn ich die Musik finde, die ich ausdrücken möchte, bin ich glücklich.

Überlässt du es dem Zufall, ob du etwas findest oder was du findest? Oder findest du die Sachen, weil du neugierig bist und Dinge ausprobierst?Letzteres.

Was ist Perfektion in der Musik für dich? Es klingt, als ob Perfektion oder der Prozess der Perfektion dich daran hindert, die Musik zu finden, mit der du dich ausdrücken möchtest.
Es gibt keine wahren Regeln in der Musik. Wenn Sie sich von dem Versuch befreien, technisch perfekt zu sein, und sich darauf konzentrieren, an den Stimmungen zu arbeiten, die Sie ausdrücken möchten, werden Sie etwas Interessanteres zum Anhören finden.

Hat dir TTC neue, weitere Möglichkeiten eröffnet?
Ja. Die Tatsache, dass Birger Mistereggen ein Cousin meines Vaters ist, macht dieses Projekt sehr besonders. Ich hatte noch nie eine Band mit einem Verwandten, und das fühlt sich großartig an.

Wichtiges im Moment finden

„I“ ist für mich Musik, die den alltäglichen Lärm durchbricht und in der es Wiederholungen, Zyklen gibt. Welche Rolle spielen Zyklen für dich?Früher lebte ich in den Zyklen: Alben machen, auf Tour gehen und dann neue Alben machen. Jetzt bin ich frei, einfach nur Musik zu machen, ohne Businesspläne, und das ist viel besser. Ich versuche, mehr im Moment zu leben und alle langfristigen Pläne loszulassen. Nichts ist wichtig genug, um danach zu streben, wenn man es nicht im Moment finden kann.

Sind natürliche Zyklen etwas, worauf wir als Menschen wieder mehr achten sollten? Ich habe den Eindruck, dass sich auch in Norwegen wieder mehr Menschen mit Zyklen in der Natur, im alltäglichen Leben beschäftigen.
Wir leben in einem Teil der Welt, in dem die Jahreszeiten sehr ausgeprägt sind. Ich denke, das schafft viel Identität, und wir schätzen jede Jahreszeit mehr als Menschen, die in konstant angenehmen Wetterbedingungen leben.

Die Titel der Stücke von „I“ lassen bezüglich des Inhalts alles offen, da sie die Lieder lediglich durchnummerieren. Weshalb habt ihr das so gemacht und euch auch gegen Lyrics entschieden?.
Wenn man jemals einen Pilztrip erlebt hat, versteht man, dass gesprochene Worte Aufmerksamkeit auf den Kontext erfordern und die Stimmung vorgeben. Wenn man sie weglässt, bleibt nur das Gefühl – und das ist der Schlüssel, um es universell zu machen.

Geht es darum, die Klänge wirken zu lassen und dem Hörer die Möglichkeit zu geben, sich ganz auf die Klänge einlasen zu können? Den Gedanken oder dem Erleben wird ja keine Richtung vorgegeben
Ja, genau darum geht es.

Eine solche Erfahrung ist auch ohne einen Pilztrip möglich, oder?
Ja, es ist möglich, eine innere Reise ohne den Einsatz von Medikamenten zu unternehmen, aber genau das ist die Herausforderung. Sich ganz in die Musik zu vertiefen, ohne abgelenkt zu werden. Der meiste Musikkonsum läuft jetzt im Hintergrund ab, es sei denn, er ist sehr laut. Wenn Sie sich bei dieser Musik einfach nur entspannen möchten, ist das auch in Ordnung.

Ein Nischenprojekt für eine spezifische Zielgruppe

Du hast eine psychedelische Therapie gemacht und deshalb nach einem passenden Soundtrack dafür gesucht. Was ermöglicht die Musik? Ist sie etwas, an dem du dich „festhalten“ kannst? Wie ein „Anker“, damit du dich in dieser Bewusstseinserweiterung nicht verlierst?
Dieses Thema ist schwer zu erklären. Ich schlage vor, dass sich jeder, der neugierig darauf ist, einfach über das Thema informiert und schaut, ob es Ihnen in irgendeiner Weise helfen kann.

Die Musik von TTC sollte meditativer und auch therapeutisch sein. Welche Rolle spielen Tempo, Melodie und Rhythmus dabei? Worauf habt ihr im Hinblick auf dieses Ziel geachtet?
Als ich nach überstandener Krebserkrankung meinen Weg zurück ins Leben fand, habe ich die Form einer psychedelischen Therapie genutzt. Während dieser Erfahrung suchte ich nach dem perfekten Soundtrack und erkannte, dass ich diesen selbst schaffen musste. Daraus entstand dieses Projekt – perfekt für mich und andere mit derselben Einstellung. Es ist ein Nischenprojekt mit einer sehr spezifischen Zielgruppe, aber genau das war der Auslöser für alles.

In manchen Momenten fühlte es sich so an, als ob die Musik in Klänge zerfließt. Und gleichzeitig war da der Eindruck, dass es auch etwas Konstantes, Kontinuierliches gibt. Sind der Grundton, die Wiederholung, der spiralartige Aufbau etwas, das die Musik dem Zerfließen, Vergehen entgegensetzt?
Ja, so ist es.

Weiter EPs werden folgen

Wenn ich es richtig verstanden habe, dann wird es noch weitere EPs geben. Weshalb die Aufteilung und nicht direkt ein Album mit allen Stücken?Wenn es nach mir ginge, hätten wir die gesamte Musik als ein großes Album veröffentlicht – und vielleicht endet es auch so. Aber die Länge der Songs passt nicht zu den Hörgewohnheiten des Publikums von heute.

Werdet ihr auch Konzerte spielen?
Das würde ich gerne tun, aber das ist letztlich eine Frage des Musikgeschäfts. Wir sind keine Entertainer, also müssen wir ein Publikum finden, das bereit ist, Geld auszugeben, um uns spielen zu hören. Ich komme aus der Welt des Metals, wo das einzige Geschäft darin besteht, laut und lärmend zu sein. Diese Musik ist nicht für diese Art von Kreislauf gemacht und ich habe keine Ahnung, wo ich überhaupt anfangen soll, herauszufinden, wo ich spielen soll.  Mein Ziel ist es, mehr Musik für die wenigen zu machen, die den gleichen Trip brauchen wie ich, und die wenigen, die es mögen, einfach glücklich sein zu lassen. 

Oh, ich glaube, viele Leute werden dir nicht zustimmen. Du hast in verschiedenen Bands gespielt: CADAVER, ORDER, ULVEHUNGER und live mit SYTYRICON, CELTIC FROST. Es ging um mehr als nur laut und lärmend zu sein, oder?
Ich denke, das ist eine Frage der Perspektive. Metal-Musik hat keinen meditativen Wert als solchen, aber ein Gefühl von Mysterium und Aufregung in der Musik der Bands, mit denen ich gearbeitet habe, ist ein roter Faden, ja.

Das letzte Wort gehört an dieser Stelle dir: gibt es noch etwas, das du hinzufügen oder den Lesern mit auf den Weg geben möchtest?
Die ersten drei EPs sind nur der Anfang einer längeren Reise. Stay tuned and trip out.
Und vielen Dank, dass ihr euch die Zeit genommen habt, mehr über die Musik von THE THIRD CIRCLE zu erfahren.

english-original

A journey beyond the ordinary

Anders Odden (known from CADAVER, CELTIC FROST) is a co-founder of THE THIRD CIRCLE, a trio completed by John Stenersen (WARDRUNA, among others) and Birger Mistereggen.
In November 2024, they released their debut EP, „I“
When Anders Odden became critically ill in 2020, it changed his relationship with music. He began working with analogue synthesisers and started recording natural sounds, particularly in the forest. His goal was to create music that felt deeply personal, meditative, and even therapeutic.

In our interview, Anders shared how these ideas took shape with THE THIRD CIRCLE, how their music connects to psychedelic experiences with mushrooms, the role of (Norwegian) nature in the process, and how the ‘modern world’ has influenced it all.

A different relationship to music

Hey Anders, thanks for taking the time to talk to me today about THE THIRD CIRCLE and your music. As I mentioned in the review of “I”, the three of you have quite different musical backgrounds.
Where did you meet?
John and I was introduced to each other at the Inferno Festival in 2023. We had never met before this and that kicked us into the idea of having a jam together. 

How did you discover that you could develop (musical) ideas together?  
We organised a jam in my studio a month after the initial meeting and we just experimented with some loose ideas before we cracked the code on how to make music together. Prior to this I had a loose idea of an organic ambient project, but the sounds that John brought with him made this idea possible. 

What made you to take it seriously enough to create THE THIRD CIRCLE, the EP “I”, and further songs?  
We recorded 10-11 different jams that we then organised into songs and we spent a while trying to find the perfect sound. In the beginning we had some simple electronic beats holding it all together, but when percussionist and multi instrumentalist Birger Mistereggen joined everything just came together. We use organic sound for all the percussion and the feeling of this being old but modern came together. 

The perfect sound for a mushroom trip

THE THIRD CIRCLE  – what does the name mean for you?  
The name means total freedom to make the music we want. 

How did you come up with it?  
It was the name of the track that lead us to our sound. 

How would you describe your music? Or rather:  what effect do you hope it will have on the listener?  
Our music was initially made to be the perfect soundtrack to a mushroom trip. When you get all the three EPs playing together this is meant to fell like one huge piece of music that you can meditate to. This music is for people who have time to listen to music in long form and create an inner travel away form modern world.

What in the modern world makes it necessary to leave it from time to time or at least create distance?
The world of technology that keep our attention to everybody else’s life instead of living our own lives is the distractions we all need to unplug from more. I am all for technology and see the benefits for sure, but SoMe has become the trap for your mind now. I recall a time where we never counted likes, fans, streams etc to judge value in art. This is the enemy of being creative. To measure it against other things that get more attention by more people.

You use both modern and old/traditional instruments. What has this made possible? I think that in your case, combining ‘old’ and modern instruments isn’t just a stylistic choice or a way to create a special sound.  
The aim here is to make music I like to listen to. What I use to come to the end result is a matter of what the track needs. We have no rules as such, but it should sound organic at core, but we are not traditionalist. We have no intention of pleasing any special dogma of music listener, but create our own world of sounds.

Tired of modernity and nature’s influence

What do you think: does the growing interest in rock, folk, and even metal music that incorporates old instruments stem from something like fatigue with modernity?
I dont know. I never look to others for inspiration. I am just interested in what sounds great to my ears. I never think of what else is going on as I do not pay attention to music in that way. 

When it comes to music from the North, people often ask about the influence of nature. I’m asking because there are also natural sound recordings in your songs. What role do these recordings play in your songs and in what you aim to offer the listener?  
Our music is the result of our heritage coming from Norway. The natural sound of rain, streams, birds, wind etc is in our music. The feeling of solitude is more important than the nature itself. We are born alone and die alone. It’s a reflection of life on this crazy planet. 

Can you describe how nature/experiences in nature have influenced you and affected the way you compose music? Compared to man-made environments.  
As I said, solitude is the prime reason and motivation for this music. We aim to reflect what is inside all humans and the nature part of it is just where we live – in the cold rainforest of the north. 

Focus on what suits your own life

A life-threatening illness disrupted your ‘normal’ routines and gave you – as you once said – a new perspective. What did this new perspective focus on?  
I focus on what works for me and what I wanna do in life 100% without looking to what else is going on. I dont need a scene of people giving me feedback on my music to be happy. I used to think it was important to travel the world and play music for a live audience, but the creative part of being in the studio making the music is now my most important outlet. 

How do you express this in your music?
The human condition is fragile and the way I make music now is not to perfect it, but to find it. If I find the music I want to express I am happy. 

Do you leave it to chance whether you find something or what you find? Or do you find because you are curious and try things out?
The latter.

What is perfection in music for you? It sounds as if perfection or the process of perfection prevents you from finding the music you want to express yourself with.
There are no true rules in music. If you free yourself from trying to be technical pitch perfect and lean towards working on the moods you try to express you will find something more interesting to listen to.

Has THE THIRD CIRCLE given you new or other opportunities? 
Yes. The fact that Birger Mistereggen is my fathers cousin makes this project very special. I have never had a band with a relative before and that feels great. 

Finding what is important at the moment

“I” feels like music that breaks through everyday noise, with cycles and repetitions.What role do cycles play for you?  
I used to live in cycles of making albums, going on tour and then making new albums. Now I am free to just make music without any business plans and that is much better. I try to live in the moment more and let all long term plans be whatever they may be. Nothing is important enough to aim for that you cannot find in the moment. 

Are natural cycles something we as humans should pay more attention to? I get the impression that also in Norway, more people are reconnecting with cycles in nature and daily life.  
We live in a part of the world where the seasons are very distinct. I think this create its of identity and we treasure each season more than people who live in constant pleasant weather conditions. 

The track titles on “I” leave the content completely open, as the songs are only numbered.   Why did you choose to do this and decide against including lyrics?  
If you have ever experienced a mushroom session you would understand as words in a language requires attention to context and decide the mood for you. If you strip it away all you have left if the feeling and that is the key to make it universal. 

Is it about letting the sounds speak for themselves, allowing the listener to immerse themselves fully in the music? No specific thoughts or experiences are suggested, leaving it entirely open.  
You get it. 

Such an experience is possible without a mushroom session, right?
Yes, its possible to make an inner journey without the usage of medicine, but that is the challenge. To let yourself immerse entirely into the music without distraction. Most music consummation is in the background now unless its very loud. If you just want to relax with this music that’s all good too.

A niche project for a specific target group

You used psychedelic therapy and were therefore looking for a suitable soundtrack for it.
What does the music make possible? Is it something you can ‚hold on to‘? Like an ‚anchor‘ so you don’t get lost in the expansion of consciousness?
This topic is hard to explain. I suggest that anyone who is curious about this just get themselves educated in the topic and see if it can help you in any way

THE THIRD CIRCLE’s music aims to be meditative and even therapeutic.
What role do tempo, melody, and rhythm play in achieving this? What did you focus on to reach this goal?  
When I found my way back to life after surviving cancer I used psychedelic therapy. Through this experience I was looking for the perfect sound track and realised I had to make this myself. Here we are with this project which is perfect for this, for me, and others with the same mindset. This is a niche and very specific target, but it’s what sparked the whole project. 

At times, the music felt as if it melt into sounds. At the same time, there was a sense of something constant and continuous. Are the drone tone, repetition, and spiral-like structure elements that counteract the dissolution or fading away of the music?  
Yes!

Further Eps will follow

If I’ve understood correctly, there will be more EPs to come. Why did you divide them like this instead of releasing an album with all the songs?  
If it was up to me we would have released all the music as one big album and that is maybe what this ends up to be, but the length of the songs are not compatible with the way an audience get music nowadays. The music should have been released as a podcast instead maybe. 

Will you also be performing live?  
I would love to, but this is also just a music business matter. We are not entertainers so we would have to find an audience who want to spend money to listen to us playing. I come from the world of metal where the only trade is to be noisy and loud. This music is not made for that kind of circuit and I have no idea where to even begin to find out where to play.  I aim to create more trippy music for the few that needs the same kind of trip as me (and us) and just let the few that like it be happy. 

Oh, I think a lot of people will disagree with you. You have played in various bands such as CADAVER, ORDER, ULVEHUNGER and live with SATYRICON, CELTIC FROST, was about more than being loud and noisy, wasn’t it?
I guess that is a matter of perspective. There is not meditative value as such in metal music, but a sense of mystery and excitement in the music of the bands I have worked with is a read thread, yes.

The last word belongs to you at this point: is there anything else you would like to add?

The first 3 EPs will only be the beginning of a longer trip. Stay tuned and trip out.
And thank you for taking the time to tell us more about the music of THE Third CIRCLE.

Thank you for taking the time to tell us more about the music of THE Third CIRCLE.

Nachdem WARDRUNA im Januar 2021 das Album „Kvitravn“ veröffentlichten und es online mit einem Studiokonzert unter dem Titel „First Flight of the Whtie Raven“ präsentierten, habe ich mich gefragt, in welche Richtung sie gehen und ob sie den animistischen Grundlagen noch mehr Raum geben werden.

In ihrer zwischen 2009 und 2016 veröffentlichten „Runaljód“ Trilogie, bei der sie jeder der 24 Runen des älteren Futhark ein Lied gewidmet und die poetische Tradition aufgegriffen haben, folgte 2018 „Skald“: akustisch, minimalistisch, mit Einar Selviks Stimme im Mittelpunkt. Ein poetisches Album, das sich respektvoll der alten Geschichten annimmt und etwas Neues daraus macht.

Von der poetischen Runentradition zu den Zyklen der Natur

Bei „Kvitravn“ haben sie mit einer Symbolik gearbeitet, die auf animistischen Traditionen basiert. Der weiße Rabe als prophetischer Bote, der Erneuerung bringt und Welten verbindet.

Und nun haben sie ihr Album „Birna“ (Bärin) gewidmet. In der nordischen Mythologie und Kultur spielt der Bär eine bedeutende Rolle. Er symbolisiert nicht nur Stärke und Wildheit, sondern auch Schutz und Verbindung zur Göttlichkeit. Er wird mit den Zyklen des Lebens, mit Wiedergeburt und Erneuerung in Verbindung gebracht. Während der Bär eher als ein wildes und in seiner Einsamkeit starkes Tier dargestellt wird, ist die Bärin ein Symbol für Wiedergeburt, Erneuerung und Fürsorge.
Der Rückzug in den Winterschlaf, in die Dunkelheit wird häufig mit dem Tod in Verbindung gebracht, und das Erwachen im Frühjahr mit Wiedergeburt und Erneuerung.Dieser zyklische Prozess des Bären spiegelt sich in der Natur in den Jahreszeiten und der damit verbundenen Erneuerung des Lebens wider.
Und in vielen Kulturen der Welt ist der Bär auch ein himmlisches Wesen (s. Sternbild) und der Hüter des Waldes. All dies haben WARDRUNA aufgegriffen und dem Bären eine Stimme geben.

Der Bär – ein kraftvolles, zyklisches Wesen

Das Album wird mit „Hertan“ eröffnet. Es geht um den Herzschlag, den Rhythmus des Lebens, seine konkrete Bedeutung als Ursprung aller lebenserhaltenden Funktionen, aber auch um die abstrakte Bedeutung als Lenker unserer Wünsche, unserer Entscheidungen und unseres Handelns.

„Hertan“ beginnt mit dem Rhythmus des Herzschlags, der von Trommeln geprägt wird. Sie erhöhen das Tempo, bis sich der klare Rhythmus in Atemlosigkeit auflöst. Der Atem ist neben dem Herzschlag das zweite Element, das dazu beiträgt, dass einem dieser Song so nah kommt.  Der Atem ist in vielen Songs von WARDRUNA ein verstärkendes, akzentuierendes und strukturierendes Element. Beides zusammen, Atem und Herzschlag durch Trommel und Stimme, haben beim Hören des Liedes eine unmittelbare Wirkung auf den eigenen Herzschlag. Verstärkt wird das Ganze noch dadurch, dass der Gesang von Lindy-Fay Hella das Pulsieren spürbar macht, in dem die zentralen Aussagen des Textes mehrmals wiederholt werden.

Einar Selvik hat auch im Text zu „Hertan“ erneut Erzähl- und Reimstrukturen der skaldischen Dichtung aufgegriffen. Einige der Metaphern haben die Form von Rätseln, wie wir sie aus Märchen kennen: es ist aus Gold oder Stein, es tanzt wild ohne Füße, es bricht, ohne zu zerbrechen – was ist das wohl?
Andere Zeilen des Textes stellen die Beziehung zum Zyklus der Natur her. Es ist ein atmosphärisch dichter Einstieg ins Album.

Das folgende Lied „Birna“ lässt uns ein wenig zur Ruhe kommen. Lindy-Fay Hellas ätherischer Gesang schwebt über den Trommeln. Die mächtige Präsenz einer Bärin wird durch die Bronseluren unterstrichen. Der Herzschlag der Natur zieht sich durch das Lied und die ganze Stimmung lässt Kommendes erwarten.

Wenn die Kraft der Sonne nachlässt, werden auch die Lieder leiser

„Ljos til jord“ beginnt mit dem Fließen des Wassers. Dann setzt ein Frauenchor ein und der tiefe Gesang von Einar Selvik verbindet sich mit der Melodie der Flöte und den Trommeln zu einem dynamischen, schwungvollen Lied über den Kreislauf der Natur, die Kraft der Sonne und das Dunkel des Winters.

Das folgende „Dvaledraumar“ ist mit gut 15 Minuten das längste Stück. Es lässt sich viel Zeit, in der die Naturaufnahmen und die Klänge der Instrumente einen meditativen Rahmen schaffen. Einar Selvik erzählt in der Art der Skalden vom Hirten, der auf einem Bett aus Moos schläft und vom Sommer träumt.
Die Töne der Harfe und der aus der Ferne herüberwehende weibliche Gesang werden von den langsamen Herzschlägen des Schlafenden begleitet.

In „Jord til ljos“ gefällt mir die Flöte sehr gut. Sie klingt munter und bringt Bewegung in das Lied. Lure, Gesang, Saiteninstrument fügen sich währenddessen zu einem tiefen Grundklang zusammen.

Schritt für Schritt durch Dunkelheit und Licht

„Himinndotter“ ist ein bewegendes Lied, das mit einem Frauenchor (ganz wunderbar: KORET ARTEMIS) beginnt, der von der Suche nach der Bärenschwester und dem Bärenbruder singen. Zu den Trommelklängen ist wieder Lindy-Fay Hellas Stimme zu hören, die beschwörend singt. Ein Lied voller Gänsehautmomente.

Und dann folgt „Hibjørnen“ (der Bär, der Winterschlaf hält). Nur Einars Gesang, den er mit der Kraviklyra begleitet. Er greift die Erzählung aus „Dvaledraumar“ wieder auf und erzählt sie weiter: wie die Sonne sich ihren Weg bahnt, die Tage wieder länger werden und die Amsel den Sonnenaufgang besingt.

„Skuggehesten“ das Schattenpferd galoppiert federnd und rastlos durch das energische und dynamische Lied.

„Steh still und schlag Wurzeln“

„Tretale“ baut sich langsam auf. Hier spielt die Wiederholung eine wichtige Rolle dabei, die Intensität des Liedes immer weiter zu steigern, wobei eine enorme Spannung entsteht. Eine Stimme, die aus den Wurzeln kommt: die Stimme der Bäume. Mit Wurzeln, die Halt geben, wenn der Wind tobt. Einar Selvik betrachtet Wurzeln als essentiell für ein authentisches, bewusstes und mit der Umgebung verbundenes Leben. Sie geben Halt und wenn man sich mit den eigenen Wurzeln beschäftigt, kann man ein besseres Verständnis für sich selbst in seiner Umwelt entwickeln.

Das Album endet mit hypnotisch-meditativen „Lyfjaberg“. Das altnordische Wort ‚Lyfjaberg‘ bedeutet „Heilungsberg“. Lyfjaberg ist in der nordischen Mythologie ein Ort des Trostes und der Heilung von Krankheit und Sorge für die bringt, denen es gelingt, den Berg zu besteigen. Die Stimmung des Liedes macht die Anstrengung deutlich, die man braucht, wenn man einen Berg – ob nun konkret oder im übertragenen Sinne, hinaufsteigt.
Mit „Dieser Berg heilt alle, die ihn erklimmen“ enden Lied und Album

Fazit

Mit „Birna“ haben WARDRUNA wieder Geschichten über das Leben erzählt. Auch wenn sie traditionelle Elemente und Mythen aufgreifen, sind die Gedanken darin etwas, das jeden beschäftigt: Geschichten über Wiederkehrendes und Erneuerung, über unseren Platz in der Welt.

Mir hat gut gefallen, wie sie das Zyklische in der Musik umgesetzt haben. Sei es durch Wiederholungen, die immer eine gewisse Varianz haben, durch das Auf- und Abschwellen der Klänge. Aber auch wie „Ljos til jord“ und „Jord til ljos“ das Lied „Dvaledraumur“ einbinden und der Text dann bei „Hibjørnen“ fortgesetzt wird.

Der KORET ARTEMIS bringt neue Klänge mit hinein und die Naturklänge vervollständigen das (Klang)Bild.

WARDRUNA haben ihre Wurzeln in der Geschichte und in Traditionen, aber übersetzen sie in Konzepte wie die Beziehung des Menschen zur Natur und die Bedeutung von Zyklen in diesem Verhältnis und dem Leben im Allgemeinen. Einar Selvik hat sich immer wieder für die Bewahrung von Traditionen eingesetzt.
Bewahren heißt hier: eine Verbindung zu den Geschichten, Traditionen und Spiritualität unserer Vorfahren herstellen, damit diese zum Verständnis für die eigenen Identität wird und dabei hilft, die Gegenwart zu gestalten.
Neben der sowohl mächtigen, dynamischen als auch meditativen Musik haben mir die Texte gut gefallen (im Booklet gibt es auch eine englische Übersetzung). Die Erzähl- und Reimstrukturen wie in skaldischen Texten aber auch die oft unvollständigen Sätze und Andeutungen, die noch einmal zeigen, dass es WARDRUNA nicht darum geht, zu überzeugen, sondern ein Angebot zu machen und anzuregen.

Es gibt nur wenige Tiere, die so deutlich in Mythen und Traditionen präsent sind, wie der Bär. Wir Menschen haben in der Geschichte eine durchaus herausfordernde Beziehung zu ihm. Diese Geschichte haben WARDRUNA mit „Birna“ noch einmal anders erzählt.

WARDRUNA sind:

Einar Selvik – Gesang, Taglharpa, Kravik Leier, Bukkehorn
Lindy-Fay Hella – Gesang
Arne Sandvoll – Percussion, Hintergrundgesang
Sondre Veland – Percussion, Hintergrundgesang
Eilif Gundersen – Bukkehorn, Lure, Flöte, Hintergrundgesang
HC Dalgaard – Schlagzeug, Percussion, Hintergrundgesang
John Stenersen – Moraharpa

Und hier „Birna“ mit einem eindrucksvollen Video:

Hier möchte ich nur drei Dinge erwähnen, auf die ich mich schon sehr freue:

1. NEBALA – „Rites of Passages“ wird kommen

Jonas Lorentzen (ex-HEILUNG) und Kreativer hinter NEBALA, hatte für das zweite Album, das den Titel „Rites of Passages“ tragen wird, eine Kickstarter-Kampagne gestartet, die erfolgreich verlaufen ist. Also wird es in 2025 ein neues Album von NEBALA geben.

Rites of Passage“ entspringt einer Idee, die Jonas Lorentzen bereits vor „Lustuz La​þ​u Wō​þ​uz Alu“, dem ersten Album von NEBALA hatte. Im Mittelpunkt steht die Bedeutung von Übergängen und Meilensteinen im Verlauf des Lebens. Es geht auch darum, die Riten, die ehemals solche Übergänge begleiteten, nicht nur als Tradition aufzufassen, sondern als eine Form der Gestaltung, die uns in der modernen Hektik wieder einen Rhythmus gibt und uns mit anderen und der Natur verbindet.

Ein weiterer besonderer Faktor ist, dass Christopher Juul von HEILUNG zusammen mit Jonas Lorentzen das Album fertigstellen und es produzieren wird.

2. NEXION haben „Gandr“ veröffentlicht

Im November haben NEXION (Black Metal aus Island) den Song „Gandr“ veröffentlicht, der mich sofort begeistert hat. Er ist unglaublich intensiv und dynamisch.
‚Gandr‘ bezeichnet u.a. eine magische oder schicksalhafte Kraft, einen Zauber, um eine Transformation hervorzurufen, oder auch einen „Geisterwolf“ beschreibt. Im englischen, erzählenden Text gibt es Passagen auf Altnordisch, die ein Anruf sind. Diese Worte sind von einer Inschrift aus der späten Wikingerzeit inspiriert.Das Original, das verschiedene ‚Geister‘ aufzulisten scheint, soll ein Schutzzauber gegen sie gewesen sein.Es ist jedoch auch eine alte Form nordischer ‚Magie‘, Geister gegen seine Feinde zu wenden.Die Inschrift musste nur ein wenig geändert werden, um von der Abwehr diese Wesenheiten zu ihrer Anrufung zu werden. Und das haben NEXION in „Gandr“ getan.
Da mir der Song so gut gefällt, hoffe ich, dass in 2025 ein Album folgen wird.

3. WARDRUNA haben „Birna“ angekündigt

Sicher ist, dass WARDRUNA am 24. Januar 2025 das Album „Birna“ veröffentlichen werden.

Die Songs „Hertan“, „Himinndotter“ und „Birna“ gibt es bereits zu hören und mit eindrucksvollen Videos zu sehen.

Seit 2003 interpretieren WARDRUNA nordische Mythen, Mythologie und Aspekte des Animismus. Sie verwenden dabei traditionelle Instrumente und nutzen in den Texten sowohl Altnordisch als auch Norwegisch. Sie entnehmen ihre Texte nicht aus der nordischen mythologischen Dichtung, sondern schreiben eigene Texte.
Die bisherigen Alben sind wesentlich von der Kultur der mündlichen Überlieferung geprägt.
Sie stellen damit Bezüge zur Vergangenheit her, die auch in der Gegenwart Einfluss haben. Dabei geht es ihnen nicht darum, die Vergangenheit zu (re)zitieren, sondern um die Bedeutung dieser Elemente für die aktuelle Situation jedes Einzelnen.

In „Hertan“ geht es um den Herzschlag, den Rhythmus des Lebens, seine konkrete Bedeutung als Ursprung aller lebenserhaltenden Funktionen, aber auch um die abstrakte Bedeutung als Lenker unserer Wünsche, unserer Entscheidungen und unseres Handelns.
„Himinndotter“ ist der Ruf nach der himmlischen Tochter, der Schwester im Wald, die uns den Weg zeigen soll, zu dem, was wir waren und sind.
„Birna“ illustriert einen Dialog zwischen Mensch und Bär und veranschaulicht die verschiedenen Eigenschaften und Fähigkeiten, die wir Menschen im Laufe der Geschichte von diesen bedeutenden Totemtieren versucht haben zu übernehmen.

Seit ihrer Gründung interpretieren WARDRUNA nordische Mythen und Aspekte des Animismus. Mit dem kommenden Album scheinen sie sich noch mehr an animistischen Vorstellungen und Erfahrungen orientieren.

So, das war ‚mein‘ musikalisches 2024 mit Ausblick auf 2025.

Ich wünsche euch allen einen guten Übergang, alles Gute für die kommende Zeit und dass die Musik in allen Situationen ein guter Begleiter für euch ist!

THE THIRD CIRCLE: „I“

THE THIRD CIRCLE haben am 15.November 2024 via ByNorse Music die Debüt-EP „I“ veröffentlicht

Das Trio THE THIRD CIRCLE besteht aus John Stenersen (WARDRUNA, GÅTE, BERGTATT), Anders Odden (CADAVER, CELTIC FROST) und Birger Mistereggen, also Musikern mit Erfahrungen in ganz unterschiedlichen musikalischen Richtungen.

Eine andere Beziehung zur Musik und eine Reise jenseits des Alltäglichen

Als Anders Odden 2020 lebensbedrohlich erkrankte, entwickelte er eine neue Beziehung zur Musik. Daraus ergab sich für ihn, dass er Musik machen wollte, die persönlich, meditativ und sogar therapeutisch sein sollte.

Er experimentierte mit analogen Synthesizern und sammelte Naturklänge, indem er Aufnahmen insbesondere im Wald machte.

Dann traf er John Stenersen, der in seinen Bands traditionelle Saiteninstrumente wie z.B. die Nyckelharpa spielt. Nun ging es um die Frage, wie analoge Synthesizer, Bass und Drehleier oder Nyckelharpa zusammenklingen.

Zuletzt kam Birger Mistereggen dazu, der auf nordische Folklore spezialisiert ist. Er fügte mit verschiedenen Perkussionsinstrumenten, insbesondere der Seiltrommel, Stimme und Maultrommel weitere Klänge und Rhythmen hinzu.

THE THIRD CIRCLE wollen ihre Musik als Anlass zum Innehalten, Nachdenken und Eintauchen in eine Reise jenseits des Alltäglichen verstanden wissen.

Und ich finde, dass es ihnen mit den drei Stücken auf der EP „I“ auch gelungen ist.

„I“ : Pulsierende Klanglandschaften

Die drei Stücke führen uns durch Landschaften aus alten und modernen Klängen, die ineinanderfließen, pulsieren, sich verdichten und dann hinwegschweben, um sich aufzulösen.

Aber sie kommen zurück und entwickeln sich zu neuen Formen. Es ist wie der Kreislauf des Wassers im Meer, das nach kraftvoller Bewegung verdunstet, um als Regen zurückzukommen und erneut Teil des Meeres zu werden.

Die Basis der Musikstücke bilden Bordun-Töne, die gleichzeitig beruhigen und Spannung aufbauen. Auf diese Grundresonanzen legen sich die Töne des analogen Synthesizers, die Rhythmen der verschiedenen Perkussionsinstrumente und dann die Klänge und Melodie der Nyckelharpa. Die Maultrommel verstärkt den Grundton oder blitzt an vielen Stellen aus dem breiten Gesamtklang hervor.

„The 1st“, The 2nd“ und „The 3rd“

„The 1st“ wird von einem Grundton durchzogen, über dem die Melodie der Nyckelharpa schwebt. Die Perkussionsinstrumente und der Bass bilden dagegen den festen Boden.
Die Instrumente sind im Dialog und manchmal klingt es, als wenn sie miteinander tanzen. Die Wiederholung, die in Schleifen und Kreisen die verschiedenen Elemente aufgreift und sie dadurch verändert, wird als wesentliches Element schon hier sehr deutlich.
Auf diese Weise baut sich der Track auf, bis es bei 5:30 zu einer dichten und intensiven Passage kommt.Dann wird die Melodie des Beginns wieder aufgegriffen. Es ist, als wenn sich der Klang noch einmal weit öffnet, bis er sich langsam im Rauschen des Regens auflöst.

Mit dem Geräusch des Regens, das von einem Bordun-Ton begleitet wird, beginnt das zweite Stück „The 2nd“. Auch diesmal baut sich der Klang langsam auf:
Die Melodie zieht sich wie ein roter Faden durch diese Passage und nach und nach kommen die anderen Instrumente hinzu.
Der Klang wird immer dichter und vibriert geradezu. Die verzerrten Klänge erweitern das Spektrum. Und diese Kombination aus alten, irgendwie vertrauten Melodien und verzerrten Klängen ist in dieser Form wirklich neu und ungewöhnlich.  

„The 3rd“ ist ein Stück, dass in seiner Ruhe zunächst meditativ ist. Für mich ist es das interessanteste Stück der EP, da mir die Dynamik der rhythmischen Elemente sehr gut gefällt und ich die Gleichzeitigkeit von Dissonanzen und warmen Klängen sehr spannend finde.

Eindringliche, spannende, erdige Klangspektren

„I“ ist eine in vielfältiger Hinsicht spannende EP. THE THIRD CIRCLE sind dem Anspruch, eindringliche und meditative Klanglandschaften entstehen zu lassen, gerecht geworden.

Mir gefällt insbesondere, in welcher Weise sie das Prinzip der Wiederholung und Variation nutzen. Die Klänge sind vibrierende Spiralen, die aufsteigen und sich kontinuierlich ausdehnen. Sei es, indem das Klangspektrum erweitert wird oder immer mehr rhythmische Elemente hinzukommen.
Und so nimmt auch die Spannung zu, die durch das Miteinander der erdigen Klänge der alten Instrumente und der elektronischen Synthesizer-Klängen entsteht. Großartig finde ich dabei, dass sowohl die Synthesizer erdverbunden als auch die alten Instrumente sphärisch und dissonant klingen.

Außerdem werde ich ab jetzt die Maultrommel als Instrument noch einmal anders hören. Denn hier ist sie virtuos gespielt, als Bordun-Ton oder als Akzent, der Leichtigkeit hineinbringt.

Modern, psychedelisch und dabei tief verwurzelt im Konkreten

Darüber hinaus hatte ich fast durchgehend den Eindruck, dass ich Musikern zuhöre, die ausprobieren und dabei der Musik bzw. den Klängen den Raum geben, sich wie von selbst zu entwickeln.
Es ist wie ein Austausch, ein Gespräch – nur eben ganz ohne Worte. Dadurch, dass es keine Texte gibt und auch die Titel keine Richtung für Gedanken vorgeben, hat man die Möglichkeit, die Klänge ganz frei auf sich wirken zu lassen.
Die Klänge der Instrumente und der Natur, die in die Stücke eingewoben sind, sind wie Erinnerungen an ferne Ereignisse und frühe Sehnsüchte, die man nicht wirklich greifen kann.

Und ja, die Stücke sind durchaus psychedelisch, denn sie machen es möglich, dass die Grenzen zwischen dem eigenen Selbst und der Außenwelt verschwimmen. Dennoch ist die Verbundenheit mit der Natur, die Verwurzelung im Konkreten spürbar.

Das Video, das es zu dieser EP gibt, macht dies in anderer Form sichtbar.

Der EP „I“ werden weitere folgen. Ich bin gespannt, wie es weitergeht. Und ob wir THE THIRD CIRCLE bald auch live erleben können. Ich stelle mir dabei als idealen Ort eine Waldlichtung vor ….

So, und jetzt nehmt euch Zeit und taucht in das Video und vor allen Dingen die Musik ein!

THE THIRD CIRCLE released their debut EP „I“ on November 15, 2024 via ByNorse Music

The trio THE THIRD CIRCLE consists of Anders Odden (CADAVER, CELTIC FROST), John Stenersen (WARDRUNA, GÅTE, BERGTATT), and Birger Mistereggen, musicians with experience in very different musical directions.

A different relationship to music and a journey beyond the everyday

When Anders Odden became life-threatening ill in 2020, he developed a new relationship with music. This made him to want to make music personal, meditative and even therapeutic. He experimented with analogue synthesizers and collected natural sounds by making recordings, especially in the forest.

Then he met John Stenersen, who plays traditional string instruments such as the nyckelharpa in his bands. Now the question was how analogue synthesizers, bass and hurdy-gurdy or nyckelharpa sound together.

The last to join was Birger Mistereggen, who specializes in Nordic folklore. He added further sounds and rhythms with various percussion instruments, especially the rope drum, voice and jaw harp.

THE THIRD CIRCLE want their music to be understood as an opportunity to pause, reflect and immerse yourself in a journey beyond the everyday.And I think they have succeeded in doing this with the three pieces on the EP „I“.

„I“: Pulsating soundscapes

The three pieces lead us through landscapes of old and modern sounds that flow into one another, pulsate, condense and then float away to dissolve.
But they come back and develop into new forms. It is like the cycle of water in the sea, which evaporates after powerful movement, only to come back as rain and become part of the sea again.

The basis of the pieces of music is drone tones that simultaneously calm and build tension. The tones of the analogue synthesizer, the rhythms of the various percussion instruments and then the sounds and melody of the nyckelharpa are laid on these basic resonances.
The jawharp amplifies the basic tone or flashes out in many places from the broad overall sound.

“The 1st”, “The 2nd” and “The 3rd”

“The 1st” is permeated by a basic tone over which the melody of the nyckelharpa floats. The percussion instruments and the bass, on the other hand, form the solid ground.
The instruments are in dialogue and sometimes it sounds as if they are dancing with each other.

The repetition, which takes up the various elements in loops and circles and thereby changes them, is already very clear here as an essential element.The track builds up in this way until a dense and intense passage occurs at 5:30.
Then the melody from the beginning is taken up again. It is as if the sound opens up wide again until it slowly dissolves in the sound of the rain.

The second piece, “The 2nd”, begins with the sound of the rain, accompanied by a drone tone. This time too, the sound builds up slowly: the melody runs like a thread through this passage and the other instruments are gradually added.
The sound becomes denser and denser and almost vibrates. The distorted sounds expand the spectrum. And this combination of old, somehow familiar melodies and distorted sounds is really new and unusual in this form.

„The 3rd“ is a piece that is initially meditative in its calm. For me it is the most interesting piece on the EP because I really like the dynamics of the rhythmic elements and I find the simultaneity of dissonances and warm sounds very exciting.

Haunting, exciting, earthy sound spectra

„I“ is an exciting EP in many ways. THE THIRD CIRCLE have lived up to their claim of creating haunting and meditative soundscapes.I particularly like how they use the principle of repetition and variation. The sounds are vibrating spirals that rise and expand continuously. Be it by expanding the sound spectrum or by adding more and more rhythmic elements.
And so the tension increases, which is created by the interaction of the earthy sounds of the old instruments and the electronic synthesizer sounds. I think it’s great that both the synthesizers sound earthy and the old instruments sound spherical and dissonant.

From now on, I will also hear the jaw harp as an instrument in a different way. Because here it is performed with virtuosity, as a drone tone or as an accent that brings lightness.

Modern, psychedelic and yet deeply rooted in the concrete

Moreover, I almost always had the impression that I was listening to musicians who were trying things out and giving the music or the sounds the space to develop on their own. It’s like an exchange, a conversation – just without words.
Because there are no lyrics and the titles don’t give you any direction for thoughts, you have the opportunity to let the sounds affect you completely freely.

The sounds of the instruments and nature that are woven into the pieces are like memories of distant events and early longings that you can’t really grasp.

And yes, the pieces are definitely psychedelic, because they make it possible for the boundaries between yourself and the outside world to blur. Nevertheless, the connection with nature, the roots in the concrete, are noticeable.

The video that comes with this EP makes this visible in a different form.

There will be more EPs following the “I” EP. I am excited to see what happens next. And whether we will soon be able to see THE THIRD CIRCLE live. I imagine the ideal place to do this would be a clearing in the forest…

So, now take your time and immerse yourself in the video and, above all, the music!

Vor ein paar Tagen hat By Norse Music die Partnerschaft mit der norwegischen Gruppe THE THIRD CIRCLE bekanntgegeben. In ein paar Tagen soll das Album „I“ erscheinen.

THE THIRD CIRCLE besteht aus John Stenersen (WARDRUNA, GÅTE, BERGTATT), Anders Odden (CADAVER, CELTIC FROST) und Birger Mistereggen, also erfahrenen Musikern aus unterschiedlichen musikalischen Richtungen. Mit THE THIRD CIRCLE wollen sie Folk-Tradition mit modernen Elementen verbinden. Den Rahmen soll ein Minimalismus bilden, in dem eindringliche und meditative Klanglandschaften entstehen. Damit fügen sie sich in das Konzept zeitgenössischer nordischer Musik ein und erweitern das Spektrum der Folkmusik.

THE THIRD CIRCLE – wie klingen Drehleier, analoger Sythesizer und Kontrabass zusammen?

Beim Inferno-Festival in Oslo kamen John Stenersen und Anders Odden über unkonventionelle Instrumentierung ins Gespräch. Schon bald kam eine Idee auf: Wie würde es klingen, wenn man eine Drehleier, einen analogen Synthesizer und einen Kontrabass kombinieren würde?
Diese Frage schien sie so zu faszinieren, dass sie schon bald begannen, mit verschiedensten Instrumenten zu experimentieren. Sie nutzten Nyckelharpa, Moraharpa, und Drehleier und ließen Klanglandschaften mit Tiefe und Verzerrung entstehen.
Bald kam Perkussionist Birger Mistereggen dazu.
Allen gemeinsam ist die Liebe zu traditionellen, alten Klängen und Rhythmen.
Mit THE THIRD CIRCLE wollen sie traditionelle Elemente mit einem minimalistischen, meditativen und dunklen Sound verbinden.

Musik um der Reise und nicht um des Zieles willen

Eine besondere Rolle dürften dabei Erfahrungen gespielt haben, die Anders Odden machte: Als Pionier der norwegischen Black-Death-Metal-Szene tourte Anders über 25 Jahre lang um die Welt. Doch nach einer lebensbedrohlichen Krankheit im Jahr 2020 änderte sich seine Einstellung zum Leben und zur Musik dramatisch. Er wollte Musik machen, die persönlicher, meditativer, therapeutischer ist.
Ein Weg dazu ist das Minimalistische, traditionelle Elemente, Klänge der Natur. So sind ihre Instrumente aus Holz gefertigt und der Sound von THE THIRD CIRCLE im wörtlichen und übertragenen Sinne im Holz verwurzelt und von der norwegischen Landschaft inspiriert.

Und sie wollen ihre Musik als Aufruf und Anlass zum Innehalten, Nachdenken und Eintauchen in eine Reise jenseits des Alltäglichen verstanden wissen. Und das ist in der aktuellen Zeit, in der wir mit der Auseinandersetzung und Verarbeitung der vielen Informationen, die täglich auf uns einströmen, kaum nachkommen, sicher hilfreich.

Besetzung und Instrumente

Anders Odden: Elektrische Saiteninstrumente, Stimme, Samples und Produktion
Birger Mistereggen: Perkussion (Seiltrommel, Rahmentrommeln, Cajón, Holztrommeln, Shake Plates, Pandeiro, Tambourin, Laptop-Conga, Melodieglockenspiele und Becken), Weidenflöte, Maultrommeln und Stimme.
John Stenersen: Nyckelharpa, Mora-Harpa und Drehleier

Mehr zum Album in den nächsten Tagen hier auf metal-heads.de

Nach „Hertan“ zeigen sie nun mit „Himinndotter“ ein zweites Lied als Single und Video.

Von „Himinndotter“ bin ich überrascht, weil WARDRUNA damit musikalisch und auch inhaltlich einen neuen Schwerpunkt setzen. Es ist ein wunderschönes Lied und ein beeindruckendes Video geworden. Um so mehr bin ich auf das kommende Album gespannt.

„Himinndotter“ folgt dem Song „Hertan“, der im April 2024 veröffentlicht wurde, und bei dem es um den Herzschlag als Rhythmus des Lebens und im übertragenden Sinne um seine Bedeutung bei den Entscheidungen, die unser Handeln betreffen.

Seit der Gründung interpretieren WARDRUNA nordische Mythen und Aspekte des Animismus. Mit dem kommenden Album scheinen sie sich noch mehr an animistischen Vorstellungen und Erfahrungen orientieren.

„Himinndotter“

Doch zunächst zu „Himinndotter“ und dem Video, mit dem der Fotograf und Regisseur  Tuukka Koski die Stimmung des Liedes wieder in wunderschöne Bilder umgesetzt hat.

„Himinndotter“ beginnt mit einem Blick in eine karg erscheinende Landschaft, mit flechtenbewachsenen Steinen und Heidekraut. Und mittendrin eine einzelne Birke.

Zunächst sind nur die Frauenstimmen zu hören, die von der Suche nach der Bärenschwester und dem Bärenbruder singen. Schon in diesem Moment verbinden sich der Klang mit dem visuellen Eindruck und man wird in eine andere Welt hineingezogen.

Dann sieht man die Sängerinnen, die mit Abstand zueinander, langsam über diese Heidelandschaft wandern. Und es wirkt tatsächlich so, als seien sie auf der Suche und wollten die Spuren, die sie sehen, nicht aus den Augen verlieren.

Einar Selvik kommt der Part zu, um Hilfe zu bitten. Er ruft nach ‚Himinndotter‘, der himmlischen Tochter, der Schwester im Wald, die ihm den Weg zeigen soll, zu dem, was er war und ist. Hier wird die Musik intensiver, die Trommel schlägt auch hier wie der Herzschlag und die Birkenluren schicken ihre Töne wie Rufe hinaus.

Die Energie des Tanzes

Und dann folgt für mich der ergreifendste Teil des Videos und auch des Liedes.

Lindy Fay Hella tanzt frei und beschwörend. Ihre Stimme nimmt einen archaischen, rauen Klang an, wenn sie „Birna“ ruft. Die Trommeln begleiten die Bewegungen, die diesen Song mit so viel Energie anreichern. (Das kann man immer wieder bei WARDRUNAs Shows sehen, wie Lindy Fay den Liedern mit dem Tanz eine weitere Dimension hinzufügt.) Die Momente, in denen sie zusammen mit den Wolken gezeigt wird, zeigen ihre Unabhängigkeit und die Natürlichkeit der Verbindung zu diesen himmlischen Elementen.

Sie ist hier mit ihrer Körperlichkeit und dem Rufen der feste Punkt – so wie auch die einzelne Birke – während die anderen unterwegs auf der Suche sind. Die anderen wandern weiter auf ihrer Suche.  
Die Musik ist energisch, imposant aber gleichzeitig sanft und hoffnungsvoll. Trotzdem bleibt das Ende offen. Dies geht unter die Haut.

Ich bin sehr gespannt auf die anderen Lieder, da „Himinndotter“ ein Teil einer sechs Lieder umfassenden „Erkundung des Bären“ ist, wie Einar Selvik sagt.
Der Bär spielt in vielen mythologischen und folkloristischen Geschichte eine Rolle. Und seine Bedeutung sowie die Vorstellung vom mythischen Ursprung des Bären als ein himmlisches Wesen wird auf dem Album „Birna“ (was das altnordische Wort für die Bärin ist) wohl eine zentrale Rolle spielen.

Im Video, das in Rondane, dem ältesten Nationalpark Norwegens gedreht wurde, ist der Frauenchor KORET ARTEMIS aus Oslo zu hören und zu sehen.

Und hier also „Himinndotter“

Am 11. September 2024 spielten KALANDRA im gut gefüllten Luxor (Köln). Es war der Start für ihre Herbst-Tour, die sie mit mehr als 30 Shows durch 15 Länder Europas bringen wird. Da zwei Tage später Start für das neue Album „A Frame of Mind“ war, war dieser Abend schon so etwas wie eine Release-Show.
Als Support ist die italienische Experimentalkünstlerin Lili Refrain dabei.

So wurde ein Bogen über zwei verschiedene musikalische Ansätze gespannt, denen die Schaffung von Klanglandschaften und das Geschichtenerzählen gemeinsam ist.
Und beiden ist es von Anfang an gelungen, das Publikum zu erstaunen und zu begeistern, mit in diese Geschichten und Landschaften zu nehmen.

Um es direkt zu sagen: es war ein toller Abend mit Klängen, Rhythmen, Themen und Ideen, die noch weit über den Abend hinaus wirken.

LILI REFRAIN

Lili Refrain verwendet auch bei ihren Live-Auftritten ausschließlich Real-Time-Loops. Es gbit keine vorher aufgenommenen Passagen.
Sie begann „Ichor“ mit zartem Geklingel des Schellenkranzes. Dann eine Glocke. Beide Schleifen laufen eine Weile, bis energisch und intensiv zunächst die Schläge auf der Stand-Tom hinzu kommen und dann Gitarrenriffs. So fügt sie Schicht auf Schicht und durchdringt das Ganze mit ihrem sirenenhaften, lyrischen Gesang.
Im Publikum stellt sich schon bald eine gespannte Aufmerksamkeit ein, da man nicht genau weiß, was als nächstes folgt.

Poetisch, unheimlich, komplex und schön

Uns so entstehen Stücke mit Klängen, die sich überschneiden, ineinander übergehen. Psychedelisches verbindet sich mit Rock, Folk, Metal und opernhaftem Gesang zu einem atmosphärischen, rituellen Ganzen.

Lili Refrain freut sich, wieder einmal in Köln zu spielen und dabei einige bekannte Gesichter zu sehen. Und auch darüber, dass sie ihr Ritual mit dem Publikum teilen kann.
Mit „Earthling“ endet ihr Set psychedelisch und nachdenklich ruhig.

Es war großartig mitzuerleben, wie Lili Refrain poetische, unheimliche und komplexe Strukturen voller Kraft geschaffen hat. Das Publikum hat dies mit viel Applaus bedacht.

Die intensive Stimmung wurde dann leider durch die eingespielte Musik recht abrupt beendet.

KALANDRA

KALANDRA spielten mit 15 Songs ein langes Set. Wie ich eingangs schon erwähnt habe, kam zwei Tage nach der Show das neue Album „A Frame of Mind“ heraus. Und KALANDRA spielten nicht nur Songs vom neuen Album, die bereits vorab erschienen sind, sondern weitere Lieder vom neuen Album.

Der erste Song nach dem Intro ist „I am“, der auch der Opener des Albums ist. Der Song hat viel von dem, was ich den Kern von KALANDRAs Musik nennen würde: Rock, durchzogen von nordischem Folk und orchestralen Strukturen. Der Song kam beim Publikum gut an und wurde mit viel Applaus bedacht.
Nach „The Waiting Game“ folgt ein weiter neuer Song: „The State of the World“ ist – wie Sängerin Katrine Stenbekk sagt: „A song about peace“. Ihre Überlegungen zum Zustand der Welt übermitteln sie mit einer wunderschönen Melodie, die von einigen im Publikum fast andächtig mitgesungen wird.
Hier ist mir wieder aufgefallen, wie Katrine mit ihren Händen und Fingern Melodie und Rhythmus aufnimmt und ihnen dadurch weitere Gestalt gibt. In diesen Momenten scheint sie ganz intensiv mit dem Song verbunden zu sein. Und im nächsten Moment ist sie wieder nah und aufmerksam beim Publikum.
Bei „Slow Motion“ geben KALANDRA dem Song viel Raum, sich zu entfalten und „Naive“ ist großartig mit seinem ruhigen Beginn und dem rockigen zweiten Teil.

Der Nachhall der Realität – es wagen, Frieden zu finden

Mit „Segla“ folgt wieder eines der neuen Lieder. Die Melancholie und Dramatik des Liedes geht direkt auf das Publikum über, das ruhig und aufmerksam zuhört und am Ende begeistert applaudiert.
Wie „Segla“ wird auch der folgende  Song „Virkelighetens Etterklang“ auf Neu-Norwegisch gesungen und mit Folkelementen durchzogen. Die akustische Gitarre (gespielt von Florian Winter) und der zarte Gesang fließen zu einem melancholischen Lied zusammen.
Und dann zeigt sich, dass das Widderhorn nicht nur zur Dekoration am Mikrofonständer hing. Während Katrine Stenbekk die Bühne verlässt, um ihrer Stimme nach der Hälfte des Sets ein wenig Ruhe zu gönnen, spielt Jogeir Daae Mæland das „Bukkehorn“.
„Ensom“ (einsam) oder wie wichtig ist, jemanden zu haben, mit dem man reden, etwas teilen kann hat, hat einen mächtigen Sound insbesondere beim Schlagzeug.
Der Song ist eines der Beispiele dafür, sie KALANDRA die instrumentalen Abschnitte und die Übergänge zum Gesang gestalten. Außerdem zeigt sich hier wieder, dass das Schlagzeug (Oskar Johnsen Rydh) den Songs nicht nur Struktur gibt, sondern sie auch dynamisch und klanglich mitgestaltet.

„It’s a little bit creepy“

Mit einem augenzwinkernden „It’s a little bit creepy“ kündigt Katrine „Are you ready“ an. Aus der enthusiastisch zustimmenden Reaktion des Publikums entnehme ich, dass etliche den Song und das Video zum Song bereits kennen. Denn auf das Video trifft die Beschreibung „a little bit creepy“ durchaus zu. Der Song selbst ist rockig, atmosphärisch angelegt und hat am Ende wieder einen großartigen Schlagzeugpart.
Ganz dem ruhigen und dabei sehr intensiven „It Gets Easier“ folgt das Cover des WARDRUNA-Songs „Helvegen“, durch das KALANDRA weitere Bekanntheit erreicht haben. Ich höre das Cover, mit dem sie diesem an sich schon wunderbaren Song eigene Facetten hinzugefügt haben, immer wieder gerne – vor allem live. Und nach der Reaktion der anderen Zuhörer zu urteilen, geht es diesen ähnlich.
„Brave New World“ hat wieder diesen wunderschön melancholischen Einstieg, baut sich aber durch das intensiver werdende Drumming immer weiter auf – bis er plötzlich zuende ist. Das abrupte Ende hat mich auch diesmal wieder überrascht.
Und dann folgte der letzte Song des Abends. „Bardaginn“ ist mein Lieblingssong vom neuen Album. Und daher habe ich mich sehr gefreut, dass KALANDRA ihn mit in ihr Set genommen haben. Ich finde, dass er durch die alt-nordischen Lyrics einen besonderen Klang hat.

Mit diesem kraftvollen Lied beenden sie den Abend und ein Set, einen umfassenden Einblick in die Musik, Bilder und Gedanken von KALANDRA gegeben hat.

Lili Refrain und KALANDRA haben uns einen großartigen Abend beschert

Dieser Abend war ein intensives Erlebnis, das noch lange nachhallen wird.

Zunächst die Performance von Lili Refrain, die mit minimalistischen Sequenzen und der Modulation ihrer Stimme mantraartige, zirkuläre Strukturen entwickelt, die einen unweigerlich in die Musik hineinziehen.

Und dann KALANDRA , die ein Set gespielt haben, das von Anfang bis zum Ende spannend und stimmig aufgebaut ist. So viele tolle Songs an einem Abend, die sie unglaublich dynamisch und intensiv rübergebracht haben.

Also lasst euch das nicht entgehen!

Folgende Möglichkeiten habt ihr noch

24.09.24 │ Wiesbaden (Kesselhaus)
25.09.23 │ München (Backstage)
12.10.24 │ Berlin (Hole)
13.10.24 │ Hamburg (Bahnhof St. Pauli)

(weitere Termine findet ihr HIER)