Heute gibt es mal wieder einen gemischten Newsbeitrag mit einer Ladung neuer Musik diverser Stilrichtungen für eure Ohren. Wir von metal-heads.de sind ja stets bemüht, euch mit frischem Material zu versorgen. Melodisch und doch kraftvoll starten wir in diese News mit dem Video zu „Restistance unchained“ von ERUDICA. Die brasilianische Melodic Death Metal Band zeigt damit die verschiedenen Trademarks ihres Musikstils auf:

IRON SAVIOR haben sich der Popmusik der 80er-Jahre gewidmet. Man haut ja mal einen Coversong raus, aber der deutsche Metal Vierer hat gleich 17 Stücke auf einen Silberling gepackt. Der erscheint am 27.03.2026 über PERCEPTION. Einen Song aus der Sammlung unter dem Titel „Awesome anthems of the galaxy“ gibt es schon jetzt mit dem entsprechenden Video. Es ist der A-HA-Klassiker „Take on me“. Könnt ihr euch an das „gezeichnete“ Video erinnern? Das greift man auch optisch auf…aber hört und schaut doch selbst:

Mit einer amtlichen Ladung Metalcore von MISS MAY I geht es weiter. Der Vierer aus Ohio hat mit „Die on the vine“ einen neuen Song am Start. Das dazugehörige Video zeigen wir euch natürlich. Das sind doch mal erfreuliche Aussichten für das neue Jahr. Da kommt doch bestimmt noch mehr, vielleicht sogar eine ganze Langrille. Warten wir mal ab:

Ihr mögt es nicht so gradlinig und es darf auch mal technisch und vertrackt sein? Gesang ist auch nicht unbedingt nötig? Dann seid ihr bei den Herrschaften von POLY-MATH an der richtigen Adresse. Checkt mal den Track „The universe as an engine“ aus und wenn ihr dann Lust bekommt, könnt ihr direkt Tickets für April ordern. Da wird es bestimmt Songs vom am 10.04.2026 erscheinenden Album „Something deeply hidden“ zu hören geben:

16.04.2026, MusikBunker – Aachen

17.04.2026, Neue Zukunft – Berlin

18.04.2026, Secret location – Leipzig

20.04.2026, Live at Rama Studio – Mannheim

23.04.2026, Kuba – Jena

25.04.2026, Kunsthalle Im Kalkwerk – Limburg

MISS MAY I, POLY-MATH, VENUES & mehr

Zehn Stücke wollen FROM SHEEP TO WOLVES auf ihr mit „Ephemeris“ betiteltes Album packen. Am 27.02.2026 kommt die Langrille heraus und als Kostprobe stellen wir euch den Song „Submission“ des Trios schon jetzt einmal mit dem dazugehörigen Video vor: 

Einen Monat später erscheint das zweite Studiowerk der Band WHITE SKIES. Die Scheibe trägt den Titel „Shouting at the hurricane“. Der Fünfer hat vorab schon mal die Single namens „If this is it (get ready)“ für unsere Ohren. Video ab:

Metalcore aus Deutschland? Ja, das geht durchaus. Den Beweis treten die Vier von VENUES an. Ganz aktuell tun sie dies mit ihrer brandneuen Single, die schlicht „Hollow walls“ heißt. Wir stellen euch das dazugehörige Video vor. Ist das der Vorbote auf ein kommendes Studioalbum? Wer weiß?

VANSIND sind eine 7-köpfige Formation aus Dänemark. Die Folk Metaller wollen am 01.05.2026 ihr neues Studioalbum „Hævnen“ herausbringen. „Det Sidste Nådeskys“ ist einer der sieben enthaltenen Songs und den spielen wir euch mit dem Video gleich mal vor:

Aus dem kalifornischen Los Angeles stammen HOLY WARS. Das Quartett hat seine neue Single „Ceremony“ im Gepäck und will uns damit auf den kommenden Longplayer „Shadow work/light work“ einstimmen. Der erscheint am 24.04.2026 und ist mit einem Dutzend Tracks beladen. Der erste Eindruck ist schon mal stark – checkt es aus:

Genre: Folk Viking Metal

Release: 29.08.2025

Label: Napalm Records

MÅNEGARM (Facebook) haben mit ihrem Album „Ynglingaättens Öde“ (Review) im Jahr 2022 eindrucksvoll abgeliefert. Es war ein rundum gelungenes ausgefeiltes Album, das abwechslungsreich und stimmungsvoll auftrat. Ich erinnere nur mal an den 10-minütigen Opener „Freyrs Blod“ oder den ungewöhnlichen Song „„En snara av guld“, bei dem Erik Grawsiös Tochter Lea Grawsiö Lindström zu hören ist. Nun wollen sie mit dem neuen Album „Edsvuren“ daran anschließen und feiern mit ihrem elften Album „EDSVUREN“ gleichzeitig 30-jähriges Bestehen.

Der Einstieg mit „I Skogsfruns Famn“ offenbart direkt den typischen MÅNEGARM-Sound mit den scharfen Riffs und den harschen Vocals. Aber das ist ja nicht alles, was die Band ausmacht. Alsbald bekommt man beschwingte folkische Klänge und cleane Vocals zu hören. Sie spielen eben auch gerne mit gegensätzlichen Schwingungen bzw. Stimmungen. MÅNEGARM haben in den Opener wirklich fast alle Zutaten ihrer Musik reingepackt, um einen mächtigen Opener mit sowohl kraftvoller als auch epischer Attitüde zu erschaffen. Inhaltlich handelt der Song von einer Saga, in der ein verführerischere Waldgeist Wanderer in die Irre führt.

„Lögrinns Värn“ zieht das Tempo an und zeigt sich mehr von der kämpferischen Seite, wobei man dem Song ein wirklich sehr schönes ausgiebiges Gitarrensolo geschenkt hat. Anschließend drücken MÅNEGARM mit „En Blodvittneskrans“ noch mehr aufs Tempo und besingen Opfermut und Märtyertum. Hier reiten die Mannen auf wilden Winden und der Track birgt eine Mischung aus harschen Vocals und heroischem Chorus. Im Hintergrund hört man Martin Björklund mit seiner Violine, die man aber fast nur erahnen kann. Diese hätte etwas mehr in den Vordergrund rücken dürfen.

Zeit für eine Pause mit „Rodhins Hav“, der rein akustischer Natur ist und wo zum ersten Mal zarte weibliche Gesänge die Ohren verwöhnen. Sie bestreiten den Song in einem Duett mit männlichem Gesang. Alles wird von einer akustischen Gitarre und einer zauberhaften Violine begleitet. Ein Song zum Träumen.

Sodann findet ein sanfter Übergang in einen kraftvollere Richtung statt. Das hat man sehr geschickt angestellt, denn vom Stil her bleibt es weiter akustisch, aber der Song „Till Gudars Följe“ besitzt viel mehr Power und Tempo. Es ist ein Song voller Pathos und Hingabe. Auch hier brilliert Geiger Martin Björklund mit seinem Instrument.

Doch dann hält wieder aggressive Härte Einzug. Die starke Power-Ballade „En Nidings Dåd“ thematisiert Verrat und Hinterhältigkeit und klingt dementsprechend düster, aber auch mit tollen Chören. Es wird eine stimmige und dichte Atmosphäre gewoben, die diesen Song zu einem großartigen Erlebnis werden lässt. Auch hier gesellt sich ein schönes Gitarrensolo dazu und die klangvolle Violine darf auch nicht fehlen. Von diesem wundervollen Instrument hat man auf diesem Album ausgiebig Gebrauch gemacht, was ich durchaus begrüße, da die Violine ein sehr stimmungsvolles Instrument ist und den folkischen Anteil immer aufwertet.

„Hör Mit Kall“ beginnt als klassischer einfach strukturierter Midtempo-Stampfer, aber ab der zweiten Minute wird es dann doch noch martialisch und das Finale ist ein echter Höhepunkt. Also hört den Song bitte komplett durch. Es lohnt sich!

„I Runor Ristades Orden“ webt wieder mit mystischen akustischen Fäden, aus dem eine anschmiegsame Decke entsteht, unter der man wunderbar ins Träumen geraten kann. Darauf folgt der mit sieben Minuten der längste Track des Albums. „Skild Från Hugen“ stürmt gnadenlos voran und strotzt nur so vor Kraft und mitreißender Energie. Es ist eine Symbiose aller Stärken von MÅNEGARM, die hier sogar noch eindrucksvoller zusammengeführt werden als beim Opener.

Der Song beweist einmal mehr, dass die Band auch fantastische Songs, die über eine lange Spielzeit gehen. Man bindet in dem Song auch ab der dritten Minute einen wundervollen balladesken Part mit ein, in dem der Hörer mit feinem Frauengesang verwöhnt wird, nur um dann mit zerstörerischen unheilvollen Riffs aufzutreten, die dann wieder in einen druckvollen und temporeichen Part überzugehen.

Hart und schmutzig geht es weiter. Auf „Likgökens Fest“ krachen die Blastbeats und es kommen iin diesen Momenten leichte Black-Metal-Feelings auf. Im Kontrast dazu stehen die melodischen Chöre, was zu einer interessanten Mixtur führt, bevor das Album rein akustisch mit dem Titeltrack „Edsvuren“ (erstmals mit Sängerin Liv Hope Lenard), und „Ofredsfylgjor“ beseelt zum Ende geführt wird.

Fazit

MÅNEGARM liefern mit „Edsvuren“ ein fantastisches Album zu ihrem 30-jährigen Bestehen ab. Es ist ein ausgewogenes Album geworden, dass mehr akustische Erfahrungen bereithält als noch auf dem letzten Album und auch darf man sich über ein ausgiebiges grandioses Violinenspiel erfreuen. All dies führt zu einer Steigerung der folkischen Intensität, die sowohl im Einklang als auch im Wechselspiel mit dem gewohnt harten und kraftvollen Sound ein hochatmosphärisches Erlebnis liefern, das ein hohes Maß an Faszination offenbart. Es ist ein episches Album geworden, dessen Geschichten am besten von vorne bis hinten gehört werden wollen, aber die Tracks sind auch für sich alleine ein kraftvolle Präsenz können auch bestens für sich alleine stehen.

english review

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Genre: Folk Viking Metal

Release: 29.08.2025

Label: Napalm Records

MÅNEGARM (Facebook) delivered impressively with their album „Ynglingaättens Öde“ (Review) in 2022. It was an all-round successful, polished album that was varied and atmospheric. Just think of the 10-minute opener „Freyrs Blod“ or the unusual song „En Snara Av Guld“, which features Erik Grawsiö’s daughter Lea Grawsiö Lindström. Now they want to follow this up with the new album „Edsvuren“ and are also celebrating their 30th anniversary with their eleventh album „EDSVUREN“.

The opening track „I Skogsfruns Famn“ immediately reveals the typical MÅNEGARM sound with its sharp riffs and harsh vocals. But that’s not all that the band has to offer. You soon hear lilting folk sounds and clean vocals. MÅNEGARM like to play with contrasting sounds and moods. MÅNEGARM have really packed almost all the ingredients of their music into the opener to create a powerful opener with both a powerful and epic attitude. In terms of content, the song is about a saga in which a seductive forest spirit leads wanderers astray.

„Lögrinns Värn“ picks up the tempo and shows a more aggressive side, with a really beautiful, extensive guitar solo. MÅNEGARM then push the tempo even further with „En Blodvittneskrans“, singing about sacrifice and martyrdom. Here, the men ride the wild winds and the track contains a mixture of harsh vocals and heroic chorus. In the background you can hear Martin Björklund with his violin, which you can almost only guess at. It could have been placed a little more in the foreground.

Time for a break with „Rodhins Hav“, which is purely acoustic in nature and where delicate female vocals pamper the ears for the first time. They perform the song in a duet with male vocals. Everything is accompanied by an acoustic guitar and an enchanting violin. A song for dreaming.

Then there is a gentle transition into a more powerful direction. This has been done very skillfully, because the style remains acoustic, but the song „Till Gudars Följe“ has much more power and tempo. It is a song full of pathos and devotion. Here, too, violinist Martin Björklund shines with his instrument.

But then the aggressive heaviness returns. The strong power ballad „En Nidings Dåd“ deals with betrayal and deviousness and sounds correspondingly dark, but also with great choirs. A harmonious and dense atmosphere is woven that makes this song a great experience. There is also a beautiful guitar solo here and the sonorous violin is not to be missed. This wonderful instrument has been used extensively on this album, which I definitely welcome, as the violin is a very atmospheric instrument and always enhances the folk part.

„Hör Mit Kall“ begins as a classic, simply structured mid-tempo stomper, but from the second minute onwards it becomes martial and the finale is a real highlight. So please listen to the song all the way through. It’s worth it!

„I Runor Ristades Orden“ weaves again with mystical acoustic threads, creating a cozy blanket under which you can wonderfully daydream. This is followed by the longest track on the album at seven minutes. „Skild Från Hugen“ storms forward mercilessly and is bursting with power and rousing energy. It is a symbiosis of all of MÅNEGARM’s strengths, which are brought together even more impressively here than on the opener.

The song proves once again that the band can also write fantastic songs that go on for a long time. The song also includes a wonderful ballad-like part from the third minute onwards, in which the listener is treated to fine female vocals, only to be followed by destructive, ominous riffs, which then transition back into a powerful and fast-paced part.

It continues hard and dirty. On „Likgökens Fest“ the blast beats crash and there is a slight black metal feel to these moments. The melodic choirs contrast with this, resulting in an interesting mixture, before the album is brought to a purely acoustic close with the title track „Edsvuren“ (featuring singer Liv Hope Lenard for the first time) and „Ofredsfylgjor“.

Conclusion

With „Edsvuren“, MÅNEGARM deliver a fantastic album to mark their 30th anniversary. It has become a well-balanced album that offers more acoustic experiences than on the last album and you can also enjoy extensive, grandiose violin playing. All this leads to an increase in folk intensity, which, both in harmony and in interplay with the usual hard and powerful sound, delivers a highly atmospheric experience that reveals a high degree of fascination. It has become an epic album whose stories are best listened to from front to back, but the tracks are also a powerful presence on their own.

Genre: Progressive Folk Death Metal

Release: 11.07.2025

Label: Season Of Mist

Auf diese Review habe ich mich besonders gefreut, denn ich liebe es, wenn folkloristische Elemente mit Metal ein Symbiose eingehen. Es gibt viele Bands, die dies auf verschiedene Weise umsetzen. Doch was die Band IMPUREZA (Facebook) hier zum Besten gibt, habe ich so noch nie gehört. Denn sie kombinieren spanische Klänge, welche aus der andalusischen Kultur stammen und vom Flamenco inspiriert sind, mit dem brutalen Sound des Extreme Metal.

Spanisches Gitarrenspiel im Flamenco Stil hört sich wunderbar an, ist aber zugleich technisch höchst anspruchsvoll. Ich liebe das feurige energiegeladene Gitarrenspiel und bin daher Feuer und Flamme und hoffe, dass IMPUREZA dieses Konzept eindrucksvoll umgesetzt haben. 2004 legte Gitarrist Lionel Cano Muñoz den Grundstein für dieses innovative Projekt und man erregte viel Aufsehen mit dem individuellen Sound. Leider bin ich erst jetzt auf IMPUREZA aufmerksam geworden.

Ich bin auf IMPUREZA aufmerksam geworden, als ich ihre Single „Pestilencia“ hörte, welche vor einigen Wochen veröffentlicht wurde. Schon als die ersten Flamenco Gitarrenklänge ertönten, war ich verliebt und ultragespannt auf das, was da noch folgen würde. Es folgte eine atemberaubende Performance und eine außerordentlich kunstvolle Darbietung des extremen Metals. Technisch auf einem absolut meisterhaften Zauberniveau wird eine magische Verschmelzung der musikalischen Elemente dargeboten, die einem den Mund offenstehen lässt. „Pestilencia“ ist nichts weniger als ein Meisterwerk der musikalischen Kunst, welches den Hörer geradezu herausfordert und dazu zwingt diesen Song gleich mehrmals zu hören. Denn der Song hat feine Details und Eindrücke in Hülle und Fülle zu bieten, von denen sich von mal zu mal mehr offenbaren.

So genial war mein erster Eindruck der Band. Ich springe jetzt aber erst einmal kurz an den Anfang der Platte. Das Intro „Verdiales“ leitet das Thema mit seinem reinen Folkloreklängen und ein wenig Hintergrundsynthies perfekt ein. Ich könnte stundenlang zuhören. Es ist faszinierend diesem technisch so anspruchsvollen Gitarrenspiel zuzuhören. Das Intro „Verdiales“ leitet das Thema mit seinem reinen Folkloreklängen und ein wenig Hintergrundsynthies perfekt ein. Ich könnte stundenlang zuhören. Es ist faszinierend diesem technisch so anspruchsvollen Gitarrenspiel zuzuhören.

Und dann knallt es mit „Bajo Las Tizonas De Toledo“! Genial, wie am Anfang der spanische Flair auch mit harten Riffs rüberkommt. Anschließend verlässt man die spanischen Welten und widmet sich purer Raserei. Wie ein Sturm fegen IMPUREZA alles hinweg. Es ist der Wahnsinn, mit was für einer Dynamik und Energie die Männer alles zerlegen und es dennoch schaffen in diesem Wahnsinn immer neue Impressionen zu erzeugen.

Ich empfinde das Gleichgewicht zwischen der spanischen Folklore und der puren Zerstörungswut und wütenden Aggression des Extreme Metal perfekt ausbalanciert. Man bedient sich zudem einiger symphonischer Klänge, um das Klangbild stellenweise noch opulenter werden zu lassen und die Atmosphäre zu vertiefen bzw. greifbarer zu gestalten. Größtenteils sind die Vocals von gutturalem Gesang geprägt, aber es finden sich auch wunderbare Chöre in den Songs, welche ebenfalls für ganz besondere Akzente sorgen. Ihr merkt schon, dass ich nur voll des Lobes für diese Band bin. Daran ändert auch der Song „La Orden Del Yelmo Negro“ nichts, der nicht minder eindrucksvoll die unglaublichen Fähigkeiten der Band demonstriert.

Dann komme ich noch auf ein kleines, aber feines Detail zu sprechen, wie man es z.B. beim Instrumentaltrack „Ruina Del Alcázar“ schön heraushören kann, nämlich das warme gefühlvolle Bassspiel, welches immer wieder auf dem gesamten Album inmitten der brutalen Eskapaden zu hören ist.

Jeder Song ist ein Abenteuer, das entdeckt und erlebt werden will. Es ist unglaublich, aber die Spannung wird mit keinem musikalischen Akt weniger. Und wenn ich Flamenco tanzen könnte, dann würde ich mich wohl unter anderem beim Song „Reconquistar Al-Ándalus“ hinreißen lassen, wenn ab Minute 02:45 die Folklore Einzug erhält oder auch beim instrumentalen Zwischenspiel „Murallas“, der sich in der Mitte des Album voll und ganz dem Flamenco hingibt. In Ich habe so eine Kombination noch nie gehört. Es ist der Wahnsinn.

Fazit

IMPUREZA ist mit „Alcázares“ ein Meisterwerk gelungen. Sie brillieren mit einem innovativen Sound, der spanische Folklore (Flamenco) mit brutalen Metal-Eskapaden in einer hochspannenden Symbiose vereint. Technisch agieren IMPUREZA in allen Belangen auf höchstem Niveau, doch darüber hinaus gelingt es ihnen aufregende Geschichten zu musizieren. Auf „Alcázares“ ist alles super durchdacht und bis ins Kleinste detailverliebt ausgearbeitet. Trotz der progressiven Ausrichtung ist der Sound relativ eingängig und nachvollziehbar. So bietet sich dem Hörer ein maximal beeindruckendes Abenteuer!

Für mich gehört „Alcázares“ auf jeden Fall zu den besten Alben des Jahres 2025 und sicherlich gilt es auch als Anwärter auf die Krone.

english review

Genre: Progressive Folk Death Metal

Release: 11.07.2025

Label: Season Of Mist

I was particularly looking forward to this review because I love it when folkloristic elements enter into a symbiosis with metal. There are many bands that do this in different ways. But what the band IMPUREZA (Facebook) are doing here is something I’ve never heard before. They combine Spanish sounds, which originate from Andalusian culture and are inspired by flamenco, with the brutal sound of extreme metal.

Spanish guitar playing in the flamenco style sounds wonderful, but is at the same time technically highly demanding. I love the fiery, energetic guitar playing and am therefore on fire and hope that IMPUREZA have realized this concept impressively. In 2004, guitarist Lionel Cano Muñoz laid the foundations for this innovative project and they caused quite a stir with their individual sound. Unfortunately, I have only just become aware of IMPUREZA.

I became aware of IMPUREZA when I heard their single „Pestilencia“, which was released a few weeks ago. As soon as the first flamenco guitar sounds rang out, I was enamored and ultra-excited about what was to follow. What followed was a breathtaking performance and an extraordinarily artful display of extreme metal.
Technically at an absolutely masterful level of magic, a magical fusion of musical elements is presented that will leave you open-mouthed. „Pestilencia“ is nothing less than a masterpiece of musical art that virtually challenges the listener and forces them to listen to this song several times. The song has a wealth of fine details and impressions to offer, which reveal themselves in various forms.

That was my first fantastic impression of the band. But let me jump back to the beginning of the record. The intro „Verdiales“ introduces the theme perfectly with its pure folk sounds and a little background synth. I could listen to it for hours. It’s fascinating to listen to this technically sophisticated guitar playing.

And then it bangs with „Bajo Las Tizonas De Toledo“! It’s brilliant how the Spanish flair comes across with hard riffs at the beginning. Then they leave the Spanish worlds and devote themselves to pure fury. IMPUREZA sweep everything away like a storm. It’s madness, the dynamics and energy with which the men tear everything apart and still manage to create new impressions within this madness.

Ich empfinde das Gleichgewicht zwischen der spanischen Folklore und der puren Zerstörungswut und wütenden Aggression des Extreme Metal perfekt ausbalanciert. Man bedient sich zudem einiger symphonischer Klänge, um das Klangbild stellenweise noch opulenter werden zu lassen und die Atmosphäre zu vertiefen bzw. greifbarer zu gestalten.

Most of the vocals are characterized by guttural singing, but there are also great choirs in the songs, which also provide very special accents. As you can see I am full of praise for this band. The song „La Orden Del Yelmo Negro“, which demonstrates the band’s incredible abilities just as impressively, does nothing to change this.

Then I come to a small but fine detail, as you can hear in the instrumental track „Ruina Del Alcázar“, for example, namely the warm, soulful bass playing, which can be heard again and again throughout the album in the midst of the brutal escapades.

Every song is an adventure to be discovered and experienced. It’s incredible, but the excitement never diminishes with each musical act. And if I could dance flamenco, then I would probably get carried away with the song „Reconquistar Al-Ándalus“, when folklore enters from minute 02:45, or with the instrumental interlude „Murallas“, which gives itself over completely to flamenco in the middle of the album. I have never heard such a combination before. It’s madness.

Conclusion

IMPUREZA have created a masterpiece with „Alcázares“. They shine with an innovative sound that combines Spanish folklore (Flamenco) with brutal metal escapades in a highly fascinating symbiosis. Technically, IMPUREZA perform at the highest level in all respects, but they also succeed in creating exciting stories. Everything on „Alcázares“ is well thought out and elaborated down to the smallest detail. Despite the progressive orientation, the sound is relatively catchy and comprehensible. The listener is treated to a highly impressive adventure!

For me, „Alcázares“ is definitely one of the best albums of 2025 and is certainly a contender for the crown.

Genre: Folk Melodic Death Metal

Release: 25.04.’25

Label: Nuclear Blast

ELUVEITIE (Facebook) haben sich ganz sechs Jahre Zeit gelassen, um nach dem letzten Album „Ategnatos“ endlich ihr neues Werk zu präsentieren. Im Dezember wurde die erste Single „Premonition“ veröffentlicht und diese Single lies die Ungeduld nur noch mehr anwachsen und die Neugier größer werden, ob „Ànv“ die hohen Erwartungen erfüllen würde.

„Premonition“ ist ein großartiger Song, der alle Stärken von ELUVEITIE in Perfektion widerspiegelt und somit eine hervorragende Ankündigung bzw. Empfehlung für das neuen Album gewesen ist. Wunderschöne Melodien messen sich mit harschen Klängen, vereinigen sich dabei auf spektakuläre Weise und alles entwickelt sich zu einem epischen Erlebnis. Dabei kann auch das gewohnte Wechselspiel zwischen männlichen brutalen Vocals und der melodischen weiblichen Stimme völlig überzeugen. Wer diesen Song toll findet, der wird auch vom Rest des Albums begeistert sein.

Aber springen wird doch erst einmal zum Beginn des Albums, welches mit einem instrumentalen Track beginnt. Dieser ist zwar nicht so dermaßen spektakulär, ist aber mit seinem wunderbaren folkischen Touch eine schöne Einleitung für den darauf folgenden Song „Taranoías“, der sodann nicht lange zaudert und alsbald mit voller Wucht einschlägt.

Mit „The Prodigal Ones“ bleibt es hart und es ist ein Tanz zwischen Himmel und Hölle. Dafür folgt mit „Ànv“ eine feinfühlige Darbietung von Sängerin Fabienne, welche einen spirituellen Vibe versprüht. Hört sich jedenfalls wunderbar an. Mit dem schroffen „Premonition“ wird danach allerdings ein sehr scharfer Schnitt gemacht. Ich hätte da als Folgesong zunächst „Awen“ bevorzugt, der eine sanftere Ausstrahlung besitzt und einen bezaubernden Refrain offenbart. Erst später bekommt der Song seinen dunklen Touch, wenn die schroffen Vocals Einzug erhalten und die Riffs mächtiger werden.

ELUVEITIE verstehen es in ihren Songs eine vielschichtige Atmosphäre zu erzeugen, die auch immer einen Hang zur Epik enthüllt und mitunter auch einen spirituellen Hauch aufkommen lässt. Es ist bemerkenswert mit welcher Kunstfertigkeit ELUVEITIE scheinbar mühelos musikalische Gegensätze fantasievoll in sich vereinigen, um auf „Ànv„ ein außergewöhnliches und ausgewogenes Erlebnis zu erschaffen, in dem viele prächtige Momente geschenkt werden. „Ànv“ ist ein imposantes Album!

English review

Genre: Folk Melodic Death Metal

Release: 25.04.’25

Label: Nuclear Blast

ELUVEITIE (Facebook) have taken a whole six years to finally present their new work after their last album „Ategnatos“. The first single „Premonition“ was released in December and this single only increased the impatience and curiosity as to whether „Ànv“ would fulfill the high expectations.

„Premonition“ is a great song that reflects all of ELUVEITIE’s strengths to perfection, making it an excellent announcement and recommendation for the new album. Beautiful melodies compete with harsh sounds, unite in a spectacular way and everything develops into an epic experience. The usual interplay between brutal male vocals and the melodic female voice is also completely convincing. If you like this song, you will also love the rest of the album.

But let’s jump to the beginning of the album, which starts with an instrumental track. It may not be that spectacular, but with its wonderful folky touch it is a nice introduction to the following song „Taranoías“, which then doesn’t hesitate for long and immediately hits with full force.

With „The Prodigal Ones“, things remain tough and it is a dance between heaven and hell. This is followed by „Ànv“, a sensitive performance by singer Fabienne, which exudes a spiritual vibe. It certainly sounds wonderful. However, a very sharp cut is then made with the rugged „Premonition“. I would have preferred „Awen“ as the next song, which has a softer vibe and a charming chorus. Later does the song get its dark touch, when the gruff vocals enter and the riffs become more powerful.

ELUVEITIE know how to create a multi-layered atmosphere in their songs, always revealing a tendency towards the epic and sometimes even a spiritual touch. It is remarkable with what skill ELUVEITIE seemingly effortlessly unite musical contrasts in an imaginative way to create an extraordinary and balanced experience on „Ànv“, in which many splendid moments are given. „Ànv“ is an impressive album!

Genre: Indian Folk Metal

Release: 21.03.’25

Label: Fearless Records /Concord

BLOODYWOOD (Facebook) aus Indien sind echte Shooting Stars und haben sich sehr schnell eine riesige Fanbase erspielt. Wir von metal-heads.de begleiten die Band nun schon eine ganze Weile. Das Debüt “Rakshak” war ein mega Knaller (Review). Da waren wir natürlich Feuer und Flamme, als wir die Möglichkeit bekamen ein Interview mit BLOODYWOOD zu machen.

Der Titeltrack „Nu Delhi“ vom jetzigen Album war wieder sehr spektakulär und das Thema sehr ungewöhnlich, denn es ging um die Liebe zur indischen Küche. Das Video dazu ist so wild und bunt, wie man es schon von anderen Videos der Band kennt. Dasselbe gilt für den Sound. Typisch BLOODYWOOD eben. Ihren einzigartigen unverwechselbaren Mix erkennt man sofort. Die Rap-Parts mit den martialischen Ausbrüchen in Verbindung mit den traditionellen indischen Instrumenten gibt es eben nur bei BLOODYWOOD.

Natürlich ist der Überraschungseffekt musikalisch nicht mehr so gegeben wie beim Debüt, aber man ist trotzdem sehr gespannt mit welchen Ideen sie diesmal auftreten. Und der Sound geht nach wie vor durch Mark und Bein. Kommen wir vom letzten Song zum Opener des Spektakels. „Hall Bol“ fängt sehr mysteriös und bedrohlich mit sakralen Gesängen an, bevor es wild wird. Der Song ist eine Feuersbrunst, die alles niederbrennt. In über fünf Minuten fackeln BLOODYWOOD alles ab, was das Repertoire hergibt und machen unmissverständlich klar, die man sie nicht überhören kann. Es könnte sogar der wildeste Song bisher von BLOODYWOOD sein.

Wer sich die Videos anshieht, wird feststellen, dass die Band eine große Portion Verrücktheit in sich tragen und diese auch gerne offen zur Schau stellen. Musikalisch gibt es auf diesem Album eine ganz verrückte Kombination, die das ganze noch steigert und sehr speziell ist. Niemals wäre mir in den Sinn gekommen, dass BLOODYWOOD und die japanische Band BABYMETAL sich gemeinsam auf zerstörerische Mission begeben. Zugegeben bin ich kein Fan von BABYMETAL, aber bei diesem Song passt es irgendwie zusammen, so dass ein ziemlich ungewöhnlicher irrer Song dabei herausgekommen ist. Das macht schon Spaß!

Also wenn man sich das Album so anhört, muss man schon sagen, dass BLOODYWOOD ihren Sound noch mehr mit irren Ideen und Effekten ausgestattet haben. Der Sound hat trotz der Einbindung der Folkinstrumente eine sehr moderne Ausstrahlung. Es passiert eine Menge im Sound und oft wird man von der Vehemenz erschlagen, mit der BLOODYWOOD unbarmherzig zuschlagen. Aber BLOODYWOOD schaffen es dabei den Überblick zu behalten und schwingen nicht nur die schwere Metal-Keule. Sie lassen auch mal Frieden einkehren und unterhalten mit exotischen Folkpassagen, was die musikalischen Erdbeben noch gewaltiger wirken lässt.

Fazit

BLOODYWOOD legen nach dem verdammt starken Debüt mit „Nu Delhi“ noch mal eine Schüppe drauf und bieten noch mehr verrückte Ideen und irrwitzige Spielfreude. So werden die Songs zu einem unglaublichen und unvergesslichen Erlebnis mit Suchtfaktor. BLOODYWOOD leben ihren Sound und geben immer Vollgas. Es ist wie ein erderschütternder Vulkanausbruch. Faszinierend und maximal eindrucksvoll, aber auch im gleichen Maße zerstörerisch in seiner Auswirkung. Ich wüsste nicht wie man indischen Folk Metal imposanter einschlagen lassen könnte, weshalb ich hier gerne volle 10 Punkte ausschenke.

(BLOODYWOOD sind auch auf Tour. Das solltet ihr euch nicht entgehen lassen. Unten seht ihr das Tourplakat.)

ENGLISH REVIEW

BLOODYWOOD “Nu Delhi”

Genre: Indian Folk Metal

Release: 21.03.’25

Label: Fearless Records /Concord

BLOODYWOOD (Facebook) from India are real shooting stars and have quickly gained a huge fanbase. We at metal-heads.de have been following the band for quite a while now. Their debut „Rakshak“ was a huge hit (review). So of course we were thrilled when we got the opportunity to do an interview with BLOODYWOOD.

The title track “Nu Delhi” from the current album was again very spectacular and the theme was very unusual, as it was about the love of Indian cuisine. The video for it is as wild and colorful as you would expect from other videos by the band. The same goes for the sound. Typical BLOODYWOOD. Their unmistakable sound is immediately recognizable. The rap parts with the martial outbursts in combination with the traditional Indian instruments are unique to BLOODYWOOD.

Of course, the surprise effect of their sound is not so strong as it was on their debut, but it is still very exciting to see what ideas they come up with this time. And the sound still rattle your bones. Let’s move on from the last song to the opener of the show. „Hall Bol“ begins very mysteriously and menacingly with sacred chants before it gets wild. The song is a conflagration that burns everything down. In over five minutes, BLOODYWOOD torch everything the repertoire has to offer and make it unmistakably clear that they cannot be ignored. It might even be BLOODYWOOD’s wildest song yet.

If you watch the videos, you will realize that the band have a large portion of craziness and are eager to show it. Musically, there is a very crazy combination on this album, which enhances the whole thing and is very special. It would never have occurred to me that BLOODYWOOD and the Japanese band BABYMETAL would embark on a destructive mission together. Admittedly, I’m not a fan of BABYMETAL, but with this song it fits together, resulting in a pretty unusual, crazy song. That’s a lot of fun!

When you listen to the album, you have to say that BLOODYWOOD have added even more crazy ideas and effects to their sound. Despite the inclusion of folk instruments, the sound has a very modern feel. There is a lot going on in the sound and you are often overwhelmed by the vehemence with which BLOODYWOOD strike mercilessly. But BLOODYWOOD manage to keep an overview and don’t just swing the hard way. They also allow some calmer moments and reign and entertain with exotic folk passages, which makes the musical earthquakes even more powerful.

Conclusion

BLOODYWOOD have gone one better with „Nu Delhi“ after their damn strong debut and offer even more crazy ideas in their sound. The songs become an incredible and unforgettable experience with an addictive factor. BLOODYWOOD throw everything into their sound. It’s like an earth-shaking volcanic eruption. Fascinating and maximally impressive, but also equally destructive in its impact. I don’t know how you could make Indian folk metal sound more impressive, which is why I’m happy to give it full 10 points.

(BLOODYWOOD are also on tour. You shouldn’t miss out on this. Below you can see the tour poster.)

Genre: Folk Metal

VÖ: 26.05.2023

Label: Mighty Music

Es ist wieder Zeit für eine zünftige Trollparty und dazu laden TROLD herzlich ein. Nach ihrem sehr gelungenen Einstieg mit „De Var Engang“ (Review) wollen euch TROLD mit ihrem neuen Album „I Skovens Rige“ in den Wald locken. Ob ihnen das so gut gelingt wie auf ihrem Debüt, will ich nun herausfinden. Also schnell den Wanderstock geschnappt, Stimmungsgebräu eingepackt und los geht’s.

Bevor die Party steigt, wird erst einmal eine Willkommensrede am plätschernden Bach gehalten. Witzigerweise beginnt diese Rede in deutscher Sprache, wechselt dann aber in die dänische Heimatsprache. Alle Lieder handeln in irgendeiner Form vom Wald und bieten euch einige tolle Geschichten.

So richtig los geht es dann mit „Med Høtyv Og Fakkel“ (Mit Mistgabel und Fackel) und wie bereits vom Debüt gewohnt, geht es bei TROLD nicht gerade zimperlich zur Sache. Die Band hat sich die knackige Härte bewahrt und lässt es wieder einmal gehörig krachen, aber nicht ohne eine gute Dosis von Spaß und Humor. Der Sound vermittelt eben wieder die typische TROLL Atmosphäre und kommt mit haufenweise starken Melodien daher. Und es gibt wieder genügend Gelegenheit zum kräftigen Mitsingen und den Nacken in Wallung zu bringen. In den speedigen Angriffen ist auch eine dringende Einladung zum wilden Trollpit enthalten.

Jetzt, wo man sich schon mal aufgewärmt hat, wird mit „Troldmanden“ (Zauberer) noch mal ein Gang hochgeschaltet. Hui… Da gibt es echt kein Halten mehr und ich bin bereits voll im TROLD-Fieber. Herrlich fies und finster grollt sich Sänger Allan Madsen durch die Songs. Eine Spur fröhlicher geht es bei „Til Gilde Under Bøgen“ (An die Gilde unter der Buche) zu. Also bis jetzt macht das Album wirklich ne Menge Spaß. Hoffentlich können TROLD das Niveau halten.

TROLD finden immer einen Weg die Songs interessant zu gestalten. So birgt das schwere kraftvolle „Tusind År I Dvale“ einige Überraschungen in sich, z.B. ein nettes Gitarrensolo und einen kleinen leichten Akustikpart.

Apropos leicht und beflügelnd. Davon gibt es gleich beim nächsten Track „Vår“ eine Extraportion, wo TROLD sogar rein instrumental überzeugen können. Kein bisschen langweilig und astreine Unterhaltung. Auch wenn TROLD den schnellen nackbrechenden Tanz bevorzugen, so gibt es auch langsamere Songs wie „Mod Den Endeløse Skov“ (Auf dem Weg zum unendlichen Wald), die schon fast zum gemütlichen Schunkeln einladen.

Es geht aber auch genau in die andere Richtung. „Bødlen“ vereint einige Stimmungen in sich und ist zeigt wie detailverliebt TROLD die Songs gestalten. Es ist immer faszinierend, was man so für Instrumente zwischendurch vernimmt. Man mag es zunächst nicht vermuten, aber der Song wird euch echt was abverlangen. Dabei fängt es noch recht harmlos an, doch wehe, wenn der Sturm losbricht und euch hinwegfegen will. Da muss man sich gut festhalten!

TROLD ziehen ihr Ding bis zum Ende durch, wobei der letzte Track „Tudseleg“ (Krötenspiel) der ganzen Party ein grandios fröhliches Ende bietet, aber gleichzeitig dazu animiert weiterzufeiern und das Album gleich wieder von vorne zu beginnen.

Fazit

TROLD schenken ihrem schon sehr gelungenen Debüt einen mehr als würdigen Nachfolger. „I Skovens Rige“ besticht weiterhin durch vielseitige Stimmungskracher, die keine Wünsche offen lassen. Knallharter Folk Metal, der fies reinknallt, aber auch Frohsinn bietet. Alles in allem bietet das Album eines: Spaß!

english review

Genre: Folk Metal

VÖ: 26.05.2023

Label: Mighty Music

It’s time again for a proper troll party and TROLD (Facebook) cordially invite you to join them. After their very successful debut „De Var Engang“ (review), TROLD want to lure you into the forest with their new album „I Skovens Rige“. Now I want to find out if they succeed as well as on their debut. So grab your beer and let’s party!

Before the ceremony begins, a welcoming speech is given while the small river babbles.All the songs are about the forest in one way or another and offer you some great stories.

Things really get going with „Med Høtyv Og Fakkel“ and, as usual from their debut, TROLD are not exactly squeamish. The band has retained the crisp heaviness and once again lets it rip, but not without a good dose of fun and humor. The sound once again conveys the typical TROLL atmosphere and comes with plenty of strong melodies. And there’s plenty of opportunity to sing along and get your neck moving. The speedy attacks also include an urgent invitation to a wild trollpit.

Now that we’ve warmed up, we shift up a gear again with „Troldmanden“. Wow… There’s really no holding back and I’m already in full TROLD fever. Singer Allan Madsen growls his way through the songs in a wonderfully nasty and sinister manner. „Til Gilde Under Bøgen“ is a bit more cheerful. So far, the album has been a lot of fun. Hopefully TROLD can keep up the level.

TROLD always find a way to make the songs interesting. For example, the heavy, powerful „Tusind År I Dvale“ has a few surprises in store, e.g. a nice guitar solo and a short, light acoustic part.

The next track, „Vår“, provides an extra dose of light melodies, where TROLD even manage to convince purely instrumentally. Not a bit boring and pure entertainment. Even if TROLD prefer the fast, naked-breaking dance, there are also slower songs like „Mod Den Endeløse Skov“, which almost invite you to sway.

But it also goes in exactly the other direction. „Bødlen“ combines several moods and shows how much attention to detail TROLD put into the songs. It’s always fascinating what kind of instruments you hear in between. You might not expect it at first, but the song will really get you by the balls. It starts off quite harmlessly, but woe betide you when the storm breaks loose and wants to sweep you away. You have to hold on tight!

TROLD do their thing right to the end, with the last track „Tudseleg“ offering the whole party a grandly cheerful ending, but at the same time encouraging you to start the album all over again.

Conclusion

TROLD give their already very successful debut a worthy successor. „I Skovens Rige“ continues to impress with its versatile, atmospheric hits that give you a hell of a party. Hard-hitting folk metal that is nasty but also cheerful. All in all, the album offers exactly one thing: fun!

Es begab sich 2022, als ich ihr Debüt „Rakshak“ zu hören bekam. Das Ding hat mich auf Anhieb umgehauen. So einen Sound hatte ich bis dato noch nicht gehört. Das Review könnte ihr hier nachlesen. Dort habe ich meine Eindrücke ausführlich geschildert. Außerdem haben sich die Jungs netterweise erklärt uns ein Interview zu geben, welches ihr hier nachlesen könnt.

Mir war damals schon klar, dass BLOODYWOOD durchstarten werden wie eine Überschallrakete. Der Sound ist nicht nur originell, sondern auch absolut durchschlagend und mitreißend. Daher bin ich so was von happy, dass die indischen Shooting Stars euch bald ein neues Album auf die Ohren geben werden.

„Nu Delhi“ wird am 21. März erscheinen

01 – „Halla Bol“- 02 – „Hutt“ – 03 – „Dhadak“ – 04 „Bekhauf“ – 05 – „Kismat“ – 06 „Daggebaaz“ – 7 – „Tadka“ – 08 – „Nu Delhi“

Vorbestellung könnt ihr hier tätigen:

BLOODYWOOD „Nu Delhi“

Das die Band auch eine Menge Humor vorzuweisen hat, kann man nicht nur an dem Bandnamen erkennen, der aus einer Abwandlung vom Begriff ‚Bollywood‘ stammt, der bekanntermaßen die indische Filmindustrie beschreibt.

Und nun gibt es die Metal-Hymne „Tadka“,

welche als eine Art Liebeserklärung für die indische Kochkunst zu verstehen ist. Es ist ein schmackhafter Appetizer für das kommende Album. Die Band beschreibt folgende Motivation, die sie zu dem Thema angetrieben hat.

Das Lied hebt das facettenreiche Chaos indischer Küchen hervor, die täglich die Aufgabe haben, jahrhundertealte Rezepte perfekt auszuführen, und die immense Freude, die sie den meisten Menschen bereiten. Dies ist eine unendliche Liebesgeschichte, die eine ganze Nation verbindet. Von den schicksten Gourmetrestaurants bis hin zum einfachsten Straßenstand bringt jeder etwas Magisches auf den Tisch, aber der unangefochtene Champion der Küche ist die indische Haushaltsküche. Wenn man diese Rezepte und Techniken mit der Liebe einer indischen Familie verbindet, ist das Ergebnis unschlagbar.

BLOODYWOOD im Pressetext

BLOODYWOOD Tour

Termine für Deutschland/Österreich

28.02.2025 Berlin, Huxleys
02.03.2025 Hamburg, Docks
06.03.2025 Köln, Live Music Hall
07.03.2025 Frankfurt, Batschkapp
08.03.2025 Stuttgart, Longhorn
09.03.2025 Leipzig, Täubchenthal
12.03.2025 München, Backstage Werk
14.03.2025 Wien, Gasometer
16.03.2025 Zürich, Komplex 457

Genre: Folk Metal

Release: 20.09.’24

Label: Self Release

BATTLE TALES (Facebook) sind für mich eine der geilsten Überraschungen des Jahres. Sie haben es geschafft, dass ich ein Instrument lieben gelernt habe, welches bisher nicht zu meinen Favoriten der klassischen Instrumentierung gehörte: Die Flöte! BATTLE TALES haben mich eines besseren belehrt und sie werden auch euch überzeugen. Da bin ich mir sicher.

BATTLE TALES sind schon seit einigen Wochen regelmäßig mit ihren Songs zu Gast bei unserer Playlist ‚METALHEADs new stuff‘. Der Grund dafür ist klar: Es sind einfach geniale Songs! Diese Songs erzählen tatsächlich eine große Geschichte, die mit dem ersten Album „The Ire Of The Condemned“ begann. Im Grunde geht es um eine Flöte, welche mit einem schrecklichen Fluch belegt ist. Böse Geister sorgen dafür, dass die Flöte für lauter grauenhaftes Unheil sorgt. Wer sich genauer für die Geschichte interessiert, der möge sich am Ende des Reviews nach der Bewertung die ausführliche Geschichte durchlesen. Dort gibt es die Zusammenfassung der Vorgeschichte und Song für Song die Erläuterung von der Reise auf dem neuen Album, die uns freundlicherweise seitens der Band zur Verfügung gestellt wurde.

„Greed Of A King“

kommt nun nach langen sechs Jahren als Fortsetzung der Geschichte, welche mit „The Ire Of The Condemned“ begann. Die Songs auf dem Vorgängeralbum waren schon ziemlich ansprechend und hatten durchaus ihren Charme. Doch wirkte der Sound auf dem Vorgänger „The Ire Of The Condemned“ noch ein wenig dünnhäutig. Dies hat sich auf dem neuen Album „Greed Of The King“ wesentlich zum positiven verändert. Die Songs dröhnen auf dem neuen Album schon erheblich druckvoller und satter in den Ohren. An der Gestaltung der Songs hat sich nichts verändert. Man bleibt sich treu und doch erscheint auch das Songwriting ausgereifter und kann mit noch mehr Ideen begeistern.

Und ich finde es phänomenal, dass BATTLE TALES sich die Mühe gemacht haben, die ganze Geschichte in Videos zu präsentieren. Das bedeutet einen Riesenaufwand. Und die meisten Videos sind wirklich gut gemacht. Manche sind sehr aufwendig produziert worden und bieten wunderbare Impressionen. Daher habe ich mich in diesem Fall entschieden die ganze Serie der Videos der Reihe nach zu präsentieren. Sogar das instrumentale Intro „Scholar’s Ouverture“ wurde dabei bedacht. Hier wird man auch direkt mit der Flöte bekannt gemacht.

„The Seawind Whispere“

setzt nahtlos am ersten an und spielt ebenfalls an der imposanten Küstenlandschaft. Die Flöte macht gleich zu Beginn einen starken Auftritt und wird dabei wuchtig von der instrumentalen Front begleitet. Ich bin angesichts des ersten Albums überrascht, dass Sänger Romaric hier ausschließlich von seiner cleanen melodischen Stimme Gebrauch macht. Aber das macht überhaupt nix, denn es klingt echt ausgezeichnet. Bin jedoch gespannt, wann er sich von seiner anderen Seite zeigen wird.

„Greed Of A King“

als Titelsong verschärft das Tempo und wirbelt geradezu stürmisch umher. Es gibt fließende Tempiwechsel, die erst gar nicht das Gefühl von Monotonie aufkommen lassen. Bassliebhaber kommen im Instrumentalpart auf ihre Kosten. Doch ich warte immer noch auf die extremen Vocals, die auf dem Vorgänger sehr häufig zu hören waren.

Es wird böse

Hossa, da sind sie ja. Plötzlich bricht die extreme böse Seite hervor. Hätte ich bei dem sehr symphonischen Beginn vom Song „Malice of Sands“ gar nicht so erwartet. Doch nun lässt Sänger die Sau raus und zeigt uns, aus welchem extremen Holz er geschnitzt ist. Die fiesen Vocals hören sich nämlich genauso gut an wie die melodischen cleanen Gesänge. Hier kann man sich an beiden Varianten erfreuen. Das Ganze harmoniert nämlich vorzüglich. Nur das Video zu dem starken Song ist etwas langweilig geworden.

„The Curse in the Chest“ schraubt den Härtegrad etwas zurück und den melodischen Anteil nach oben. Ein guter Folk-Power-Metal Song auf hohem Niveau mit epischer Ausstrahlung, aber ohne große Überraschungen.

„The Ire Unleashed“

startet fulminant majestätisch. Bin sehr neugierig wie sich das entwickeln wird. Nun, Sänger Romaric flötet erst einmal fröhlich drauflos, während der Song flott und kräftig nach vorne sprintet. Ich hätte mir hier allerdings einen härteren Verlauf besser vorstellen können, aber sehr zu meiner Freude werden in den letzten zwei Minuten der Song noch einige herbere Töne rausgehauen. Somit bin ich wieder versöhnt.

Eine Schlachtplatte

erwartet uns beim nächsten Song „Banquet Hall Massacre“. Statt friedvoller Tischgebete und gemütlichen Beisammenseins gibt es eine derbe Ansprache vom König. Letztlich wird es ein sehr blutiges Mahl werden. Inmitten der eisenharten Darbietung weiß sich nicht nur die Flöte meisterhaft zu behaupten, die Romaric hier wie im Rausch bespielt. Auch ein schönes Gitarrensolo sorgt für besondere Momente.

Der Wahnsinn regiert

„Doom Has Come To The Realm“ lässt mal wieder die dunkle Seite auferstehen und dem Wahnsinn freien Lauf. Es ist ein epischer Midtempo-Song mit einem kontrastreichen Aufbau, der wunderbar funktioniert. Knackige finstere Härte paart sich mit melodischem Folk und lässt wieder einmal eine außergewöhnliche Magie entstehen.

Des Königs Ende

„To the Gallow“ startet sehr verhalten und klingt ein wenig traurig. Das ist passend angesichts der Thematik. Der König sitzt im Kerker und wartet auf seinen Tod. Da er nicht mehr unter dem Fluch der Flöte steht, wird er sich seiner Greueltaten bewusst. Doch sein Schicksal ist besiegelt.

Somit ist die Geschichte dieses Albums fast zu Ende. Es folgen noch zwei schöne komponierte Instrumentalstücke, die man sich gut anhören kann, bevor es zum Cliffhanger des Albums kommt. „The Bard’s Epilogue“ ist der letzte Song des Albums und da geht es noch einmal heftig zur Sache. Es bleibt die Frage, ob die Geschichte der Flöte damit wirklich ein Ende hat. Ich denke nicht!

Fazit

Eines ist sicher! BATTLE TALES haben ein Meisterwerk des Folk-Metal erschaffen. So viel steht für mich jedenfalls fest. Ein Album, dass in der Bestenliste 2024 erscheinen wird. Mir fällt spontan kein Folk-Metal Album ein, was diese Thematik dieses Jahr bisher besser umgesetzt hätte. Ich bin hellauf begeistert von diesem Album. Das ausgeklügelte Songwriting mit einer fabelhaften Ausgewogenheit des melodischen Folk und der harten Metal-Elemente ist beeindruckend, sowohl instrumental als auch gesanglich. Dazu kommt noch das geniale Flötenspiel, das herrlich mit dem Sound harmoniert und grandiose Akzente setzt. Wenn ich das gesamte musikalische Paket betrachte und dazu noch die aufwendige Umsetzung dieser großen Geschichte mit den Videos, dann kann ich nur die volle Punktzahl vergeben.

Was bisher geschah…

Vor langer Zeit wurde in einem sehr puritanischen und religiösen Dorf ein Mann zum Tode verurteilt, der der böse Hexerei bezichtigt wurde. Es war Brauch Hexen und Hexer an einer großen alten Eiche mit einem Strick aufzuknüpfen. Der Hexer konnte zwar sein Schicksal nicht abwenden, aber um sich im Nachhinein zu rächen, verfluchte er den Baum. Alle Seelen der am Baum Gehängten sollen an diesem gebunden bleiben, so dass das Holz dieses Baumes von Bosheit und Tod durchtränkt sei. Es begab sich viele viele Jahre später, dass jemand aus dem Holz dieses Baumes eine Flöte schnitzte, unwissend darüber dass dieser verflucht war. Die Flöte geht aber verloren und wird nie gespielt bis sie irgendwann von einem jungen Barden gefunden wird.

Er spielt die Flöte und so wird der Fluch freigesetzt. Er findet heraus, dass der Klang der Flöte Menschen in einen mörderischen Wahnsinn treibt. Er selber kann sich dem Fluch aber nicht entziehen und wird von den Geistern genötigt durch die Lande zu ziehen und die Flöte zu spielen, um möglichst viel Unheil anzurichten. Er landet in der Armee, wo er Zeuge von Schlachten wird und den Fluch noch mehr verbreitet.
Müde und verzweifelt darüber, so viel Tod verursacht zu haben, versucht der Barde, gegen seine Besessenheit anzukämpfen, und schafft es, einen Hafen zu erreichen. Er hofft, dort jemanden zu finden, der ihn nach Übersee bringen kann, weit weit weg von jeglicher Zivilisation, wo der Fluch der Flöte niemandem mehr schaden kann.

Unglücklicherweise hat eine Bande Piraten von der Geschichte der seltsamen Flöte gehört und sie wollen die Flöte dem Barden wegnehmen und sie als „magische Waffe“ benutzen, um noch mächtigere Piraten zu werden. Um ihre Absichten zu verbergen, bieten sie dem Barden, der niemanden gefunden hat, der ihm helfen kann, die Reise an.
Auf hoher See fesseln sie den Barden an den Schiffsrumpf und stehlen ihm die Flöte. In Unkenntnis der
des Fluches spielt einer der Piraten auf dem Instrument, was zum Tod der gesamten Mannschaft. Der Barde ist nun allein auf dem Schiff. Später kommt ein Sturm auf, der das Schiff derart beschädigt, dass der Barde seinen Fesseln entkommen kann. Aber die Gewalt des Meeres lässt das Schiff langsam sinken. Der Barde findet die Flöte wieder und beschließt, mit dem Boot und der Flöte zu sinken und den Fluch mit in die Tiefe des Ozeans zu nehmen, um dem Ganzen ein Ende zu setzen.

Die Geschichte von „Greed Of The King“ Song für Song

„Scholar’s Ouverture“ & „The Seawind Whispere“

Ein alter und weiser Gelehrter, der an der Küste in einem winzigen Holzhaus in der Nähe eines alten Leuchtturms lebt, erfährt von Fischern, dass sich ein Schiffbruch irgendwo an der Küste ereignet hat.
Fasziniert wandert der alte Mann an den Klippen entlang, um die Überreste des Wracks zu finden. Er findet dort die Überreste des Bootes, in das der Barde gebracht wurde. Er findet keine Leiche, aber er stolpert über
die verfluchte Flöte. Da er die Geschichten über eine böse Flöte kennt, die Tod und Wahnsinn verbreitet, erkennt er die Gefahr und schafft es, dem Einfluss des Instruments zu widerstehen. Der alte Mann
versiegelt sie in einer Truhe in seinem Haus, um sie vor jedem zu schützen, der sie finden oder benutzen will.

„Greed of a King“

Der König des Reiches, in dem der Sholar lebt, ist ein gieriger Mann, der sein Territorium erweitern möchte. Seine Truppen sind jedoch nicht so gut wie die seines Rivalen. Er bittet seine Beraterin, eine kluge und bösartige Frau aus dem Süden, eine andere Lösung zu finden, die weniger militärischer, sondern mehr magischer Natur wäre.

„Malice of Sands“

Die Frau, die in der Wahrsagerei (und insgeheim auch in der Nekromantie) bewandert ist, benutzt eine Methode aus ihrer Heimat, um die Geister der Toten nach etwas zu fragen, das ihrem König helfen könnte (und ihr auf diese Weise auch Macht bringen könnte). Natürlich sind die Geister, zu denen sie Kontakt aufnehmen kann, böse und sehen eine gute Gelegenheit, den Fluch der Flöte zu lösen. Sie schlagen der Hexenberaterin vor, den König zum Haus des alten Mannes zu schicken, um die Flöte zurückzubekommen. Die Hexe erzählt dem König von der Flöte, lügt ihn aber an, indem sie ihm weismacht, dass er mit dem Instrument die Menschen kontrollieren kann (ziemlich nützlich, um mehr Macht zu erlangen und seine Rivalen zu unterwerfen).

„The Curse in the Chest“

Der König, getrieben von seiner Machtgier, geht zum Haus des Gelehrten, um die Flöte und ihre Kräfte für sich zu bekommen. Der alte Mann versucht, ihn vor dem Fluch zu warnen und weigert sich, die Flöte seinem König zu überlassen, um ihn und sein Reich vor dem sicheren Untergang zu bewahren. Doch der König, der zu gierig ist, um das zu begreifen, und überzeugt, dass der Gelehrte die Macht für sich behalten will, bedroht den alten Mann. Er wird zurückkommen und sich überzeugender zeigen.

„The Ire Unleashed“

Tage später kehrt der König mit seinem Sohn und vier Rittern in das Haus am Ufer zurück. Er bedroht den alten Mann erneut und zieht seine Schwerter, hart entschlossen, die Flöte zu nehmen, koste es, was es wolle. Der Gelehrte, der sich der totalen Dummheit des Königs bewusst ist, sieht in den Kräften der Flöte die einzige Möglichkeit, den König loszuwerden oder ihn zumindest von der Bösartigkeit der Instrumente zu überzeugen. Der alte Mann beginnt zu spielen. Natürlich wird es sehr grausam, als der Fluch wieder ausgelöst wird und der Sohn des Königs die Ritter angreift und sofort von ihnen getötet wird. Der König, der ebenfalls unter dem Bann steht, enthauptet den alten Gelehrten und rächt seinen Sohn, indem er die Ritter tötet.

„Banquet Hall Massacre“

Der König kehrt allein in sein Schloss zurück, verrückt geworden durch den Zauber der Flöte. Um sein neues Spielzeug seinem Hofstaat zu zeigen, veranstaltet er ein großes Bankett, zu dem alle Adligen eingeladen werden. Niemand weiß von dem Fluch, als sie an den Tischen Platz nehmen, aber alle werden wütend und blutrünstig in dem Moment als der verrückte König auf der Flöte spielt, um seinen Hofstaat zum Tanzen zu bringen und glücklich zu machen, wie er anfangs denkt. Zur Überraschung des Königs fangen alle auf dem Bankett an, sich gegenseitig umzubringen. Einige Leute wenden sich gegen den König, der daraufhin gezwungen ist, aus seinem Schloss zu fliehen. Sein ganzer Hofstaat ist dazu verdammt, bei dem Bankett umzukommen.

„Doom Has Come To The Realm“

Der König wird als Verräter angesehen, der dem Wahnsinn verfallen ist. Man denkt, dass er alle Adligen auf magische Weise getötet hat. Der König flieht in den Wald, gejagt vom Volk und den Wächtern seines eigenen Reiches. Noch immer unter dem Bann der Flöte stehend, ist sein einziger Wunsch in diesem Moment, seine Rivalen und ihre Königreiche zu Fall zu bringen. Er versteckt sich und streift durch seine Ländereien, bis er schließlich die Grenzen seines Reiches erreicht und es ihm gelingt, in die Hauptstadt seines größten Rivalen zu gelangen.

Dort versucht er in einem letzten Moment des Stolzes, absichtlich auf der Flöte zu spielen, um Wahnsinn und Tod um sich herum heraufzubeschwören, in der törichten Überzeugung, dass er sein rivalisierendes Königreich zu Fall bringen könnte. Doch dieses Mal scheinen die Geister der Flöte auf andere Weise mit ihm spielen zu wollen und arbeiten mit einem ehrgeizigeren und böseren Subjekt zusammen. Die Flöte gibt nur noch einen lächerlichen Ton von sich, und die Leute und Wachen beginnen, den König seltsam anzuschauen. Dummerweise wissen die Wachen der Stadt, wer dieser seltsame Landstreicher mit der Flöte ist, nämlich der verrückte König, der sein Reich ins Chaos gestürzt hat. Sie nehmen ihm die Flöte ab, nehmen ihn gefangen und sperren ihn in eine Kerkerzelle, wo der König tagelang allein bleiben muss.

„To the Gallow“

Der König hatte Zeit, seine Gedanken zu ordnen, da er nicht mehr unter dem Bann der Flöte stand. Er fühlt sich verzweifelt und schämt sich für die schrecklichen Dinge, die er im Namen seiner Gier und seines Stolzes getan hat. Er akzeptiert sein tödliches Schicksal. Eines Tages kommen die Wachen zurück und bringen ihn durch die Straßen der Stadt nach draußen. Er wird zu einem überfüllten Platz gebracht, wo ein Galgen steht. Er denkt, dass er sein Schicksal verdient hat, aber er fragt sich, warum diese Leute, denen er nichts getan hat, ihn hier hinrichten, außerhalb seines Königreichs, wo er all diese schrecklichen Dinge getan hat. Kurz bevor er gehängt wird, sieht er seine Beraterin an einem Fenster, von dem aus er die Szene überblickt, Flöte spielen. Er begreift nun, dass sie wahrscheinlich all dies geplant hatte und dass sie nun böse und mächtig genug war, um die Flöte und ihre Kräfte zu ihrem eigenen Vorteil zu nutzen. Dies ist das Ende der Geschichte des Königs.

„The Bard’s Epilogue“

Während dieser Zeit wacht der Barde am Ufer einer kleinen, kargen Insel auf. Der Sturm wütet immer noch. Er stellt fest, dass die Flöte nicht mehr bei ihm ist, und hofft, dass der Fluch nun auf dem Grund des Ozeans liegt. Der Barde schafft es, bis zum Ende des Sturms zu überleben, und schöpft wieder Hoffnung, als sich das Wetter beruhigt und Berge am Horizont auftauchen. Der Musiker verbringt Wochen damit, ein kleines Floß zu bauen, mit dem er das vermeintliche Festland erreichen kann. Nachdem er das Meer überquert hat, kommt er in der Nähe des Hauses des Gelehrten an, wo er die vom König zurückgelassenen Leichen findet. In diesem Moment spürt er den bösen Einfluss der Flöte in der Luft. Da er selbst unter dem Bann stand, weiß er, dass der Fluch auf eine neue und schreckliche Art und Weise ausgelöst wurde, während von Süden her langsam Sand ins Land strömt und die Stimmen der Toten im Wind über ihn zu lachen scheinen.

English review

Genre: Folk Metal

Release: 20.09.’24

Label: Self Release

BATTLE TALES (Facebook) are one of the great surprises of the year for me. They have managed to make me love an instrument that was previously not one of my favourites in classical instrumentation: the flute! BATTLE TALES have taught me better and they will convince you too. I’m sure of it.

sind für mich eine der geilsten Überraschungen des Jahres. Sie haben es geschafft, dass ich ein Instrument lieben gelernt habe, welches bisher nicht zu meinen Favoriten der klassischen Instrumentierung gehörte: Die Flöte! BATTLE TALES haben mich eines besseren belehrt und sie werden auch euch überzeugen. Da bin ich mir sicher.

BATTLE TALES have been a regular guest on our ‚METALHEADs new stuff‘ playlist for several weeks now. The reason for this is clear: The songs are amazing! These songs actually tell a great story that began with the first album „The Ire Of The Condemned“. Basically, it’s about a flute that is cursed with a terrible curse. Evil spirits make sure that the flute causes a lot of horrible mischief. If you are interested in the story in more detail, please read the detailed story at the end of the review after the rating. There you will find a summary of the prehistory and a song-by-song explanation of the journey on the new album, which was kindly made available to us by the band.

„Greed Of A King“

„Greed Of A King“ now comes after a long six years as a continuation of the story that began with „The Ire Of The Condemned“. The songs on the previous album were already quite appealing and certainly had their charm. However, the sound on the predecessor „The Ire Of The Condemned“ still seemed a little thin-skinned. This has changed significantly for the better on the new album „Greed Of The King“. The songs on the new album are much more powerful and fuller in the ears. Nothing has changed in the arrangement of the songs. They remain true to themselves and yet the songwriting seems more mature and can inspire with even more ideas.

And I think it’s phenomenal that BATTLE TALES have gone to the trouble of presenting the whole story in videos. That means a huge effort. And most of the videos are really well done. Some are very elaborately produced and offer wonderful impressions. So in this case I decided to present the whole series of videos one after the other. Even the instrumental intro „Scholar’s Ouverture“ has been included. Here you are also introduced directly to the flute.

„The Seawind Whispere“

continues seamlessly from the first and also plays on the imposing coastal landscape. The flute makes a strong appearance right at the beginning and is accompanied by a powerful instrumental front. In view of the first album, I’m surprised that singer Romaric only uses his clean melodic voice here. But that doesn’t matter at all, because it sounds really excellent. However, I am curious to see when he will show his other dark side.

„Greed Of A King“

as the title track, steps up the tempo and whirls around in a stormy fashion. There are flowing tempo changes that don’t give rise to a feeling of monotony. Bass lovers will like the instrumental part. But I’m still waiting for the extreme vocals that were frequently heard on the previous album.

It gets evil

Hossa, there they are. Suddenly the extreme evil side comes out. I wouldn’t have expected that from the very symphonic beginning of the song „Malice of Sands“. But now the singer lets loose and shows us what hard wood he’s made of. The nasty vocals sound just as good as the melodic clean vocals. You can enjoy both versions here. The whole thing harmonises excellently. Only the video for this strong song has become a bit boring.

„The Curse in the Chest“ reduces the heaviness somewhat and increases the melodic element. A good folk power metal song at a high level with an epic aura.

„The Ire Unleashed“

gets off to a brilliantly majestic start. I’m very curious to see how this will develop. Well, singer Romaric starts off with a cheerful flute, while the song sprints forward briskly and powerfully. However, I could have imagined a heavier progression here, but much to my delight, the last two minutes of the song are filled with a few more harsh tones. So I’m reconciled.

A bloody meal

awaits us with the next song „Banquet Hall Massacre“. Instead of peaceful grace and a cosy get-together, there is a crude speech from the king. In the end, it will be a very bloody meal. Amidst the iron-hard performance, it is not only the flute that knows how to assert itself masterfully, which Romaric plays here as if in a frenzy. A beautiful guitar solo also provides special moments.

Madness reigns

„Doom Has Come To The Realm“ once again brings out the dark side and gives free rein to the madness. It is an epic mid-tempo song with a high-contrast structure that works wonderfully. Crisp, dark heaviness is paired with melodic folk and once again creates an extraordinary magic.

The king’s end

„To the Gallow“ starts very cautiously and sounds a little sad. This is fitting given the subject matter. The king sits in the dungeon and waits for his death. As he is no longer under the curse of the flute, he realises his atrocities. But his fate is sealed.

This almost brings the story of this album to an end. Two beautifully composed instrumental pieces follow, which are great to listen to, before the album’s cliffhanger. „The Bard’s Epilogue“ is the last song on the album and it gets down to business once again. The question remains as to whether the story of the flute has really come to an end. I don’t think so!

Conclusion

One thing is for sure! BATTLE TALES have created a masterpiece of folk metal. That’s for sure for me anyway. An album that will appear in the best of 2024. Off the top of my head, I can’t think of a folk-metal album that has realised this theme better so far this year. I am absolutely thrilled with this album. The sophisticated songwriting with a fabulous balance of melodic folk and harsh metal elements is impressive, both instrumentally and vocally. Added to this is the ingenious flute playing, which harmonises wonderfully with the sound and sets magnificent accents. When I consider the entire musical package and the elaborate realisation of this great story with the videos, then I can only award full marks.

What has happened so far…

A long time ago, in a very puritanical and religious village, a man accused of witchcraft was sentenced to death. It was customary to hang witches and sorcerers with a rope from a large old oak tree. The witch could not avert his fate, but to avenge himself afterwards, he cursed the tree. All the souls of those hanged on the tree were to remain bound to it, so that the wood of this tree would be soaked with evil and death. Many, many years later, someone carved a flute from the wood of this tree, unaware that it was cursed. However, the flute was lost and never played until it was found by a young bard.

He plays the flute and the curse is released. He finds out that the sound of the flute drives people into a murderous madness. However, he himself cannot escape the curse and is forced by the spirits to travel through the countryside playing the flute to cause as much mischief as possible. He ends up in the army, where he witnesses battles and spreads the curse even further. Tired and distraught at having caused so much death, the bard tries to fight his obsession and manages to reach a harbour. He hopes to find someone there who can take him overseas, far away from any civilisation, where the curse of the flute can no longer harm anyone.

Unfortunately, a band of pirates has heard of the story of the strange flute and they want to take the flute away from the bard and use it as a „magic weapon“ to become even more powerful pirates. To conceal their intentions, they offer the journey to the bard, who has found no one who can help him. On the high seas, they tie the bard to the ship’s hull and steal his flute. Unaware of the curse, one of the pirates plays the instrument, resulting in the death of the entire crew. The bard is now alone on the ship. Later, a storm arises which damages the ship to such an extent that the bard is able to escape his bonds. But the force of the sea slowly sinks the ship. The bard finds the flute again and decides to sink with the boat and the flute, taking the curse with him into the depths of the ocean to put an end to it all.

The story of „Greed Of The King“ song by song

„Scholar’s Ouverture“ & „The Seawind Whispere“

An old and wise scholar, who lives on the coast in a tiny wooden house near an old lighthouse, learns from fishermen that a shipwreck has occurred somewhere on the coast. Intrigued, the old man wanders along the cliffs to find the remains of the wreck. There he finds the remains of the boat into which the bard was taken. He doesn’t find a body, but he does stumble across the cursed flute. Knowing the stories about an evil flute that spreads death and madness, he recognises the danger and manages to resist the instrument’s influence. The old man seals it in a chest in his house to protect it from anyone who wants to find or use it.

„Greed of a King“

The king of the kingdom where the Sholar lives is a greedy man who wants to expand his territory. However, his troops are not as good as those of his rival. He asks his counsellor, a clever and vicious woman from the south, to find another solution that would be less military and more magical.

„Malice of Sands“

The woman, who is skilled in divination (and secretly also in necromancy), uses a method from her homeland to ask the spirits of the dead for something that could help her king (and in this way also bring her power). Of course, the spirits she is able to contact are evil and see a good opportunity to release the curse of the flute. They suggest to the witch counsellor that she send the king to the old man’s house to get the flute back. The witch tells the king about the flute, but lies to him, making him believe that he can use the instrument to control people (quite useful for gaining more power and subduing his rivals).

„The Curse in the Chest“

The king, driven by his lust for power, goes to the scholar’s house to get the flute and its powers for himself. The old man tries to warn him of the curse and refuses to give the flute to his king in order to save him and his kingdom from certain doom. But the king, who is too greedy to realise this and convinced that the scholar wants to keep the power for himself, threatens the old man. He will come back and be more convincing.

„The Ire Unleashed“

Days later, the king returns to the house on the shore with his son and four knights. He threatens the old man again and draws his swords, determined to take the flute, whatever the cost. The scholar, aware of the king’s utter stupidity, sees the powers of the flute as the only way to get rid of the king or at least convince him of the evilness of the instruments. The old man begins to play. Of course, things get very cruel when the curse is triggered again and the king’s son attacks the knights and is immediately killed by them. The king, who is also under the spell, beheads the old scholar and avenges his son by killing the knights.

„Banquet Hall Massacre“

The king returns to his castle alone, driven mad by the magic of the flute. To show off his new toy to his court, he organises a grand banquet to which all the nobles are invited. Nobody knows about the curse as they take their seats at the tables, but everyone becomes furious and bloodthirsty the moment the mad king plays the flute to make his court dance and make them happy, as he initially thinks. To the king’s surprise, everyone at the banquet starts killing each other. Some people turn against the king, who is then forced to flee his castle. His entire court is condemned to perish at the banquet.

„Doom Has Come To The Realm“

The king is seen as a traitor who has gone mad. It is thought that he has magically killed all the nobles. The king flees into the forest, hunted by the people and the guards of his own kingdom. Still under the spell of the flute, his only wish at this moment is to bring down his rivals and their kingdoms. He hides and roams his lands until he finally reaches the borders of his kingdom and manages to get to the capital of his greatest rival.

There, in a final moment of pride, he attempts to deliberately play the flute to conjure up madness and death around him, foolishly convinced that he could bring down his rival kingdom. But this time the spirits of the flute seem to want to play with him in a different way, working with a more ambitious and evil subject. The flute now only makes a ridiculous sound, and the people and guards begin to look at the king strangely. Unfortunately, the town’s guards know who this strange vagrant with the flute is, namely the mad king who has plunged his kingdom into chaos. They take the flute from him, capture him and lock him up in a dungeon cell, where the king has to stay alone for days.

„To the Gallow“

The king had time to organise his thoughts now that he was no longer under the spell of the flute. He feels desperate and ashamed of the terrible things he has done in the name of his greed and pride. He accepts his deadly fate. One day, the guards come back and take him outside through the city streets. He is taken to a crowded square where a gallows stands. He thinks he deserves his fate, but he wonders why these people, whom he has done nothing to, are executing him here, outside his kingdom, where he has done all these terrible things. Just before he is hanged, he sees his counsellor playing the flute at a window overlooking the scene. He now realises that she had probably planned all this and that she was now evil and powerful enough to use the flute and its powers to her own advantage. This is the end of the King’s story.

„The Bard’s Epilogue“

During this time, the bard wakes up on the shore of a small, barren island. The storm is still raging. He realises that the flute is no longer with him and hopes that the curse is now at the bottom of the ocean. The bard manages to survive until the end of the storm and regains hope when the weather calms down and mountains appear on the horizon. The musician spends weeks building a small raft with which he can reach the supposed mainland. After crossing the sea, he arrives near the scholar’s house, where he finds the bodies left behind by the king. At this moment, he senses the evil influence of the flute in the air. Having been under the spell himself, he knows that the curse has been triggered in a new and terrible way, while sand slowly flows into the land from the south and the voices of the dead seem to laugh at him in the wind.

METALHEADs Toplist 2023-Finale:Folk Metal HEIDEVOLK, STORM SEEKER, FIDDLER’S GREEN, TROLD, CRUACHAN!

HEIDEVOLK

HEIDEVOLK (Facebook) aus den Niederlanden gingen dieses Jahr mit ihrem Album „Wederkeer“ an den Start.  Auch wenn der Opener „Hagalaz“ instrumental noch nicht so die Folk Vibes verbreitet, so ist der doch schon mal eine gute Einstimmung auf das Album. Der Song rockt in guter alter Pagan-Metal-Manier.

Der zweite Song „Drink Met De Goden“ fängt mich sofort ein. Hier pumpt umgehend die folkische Ader und die Atmosphäre lässt mich frohlocken. Und dann ertönt dieser epische Refrain, der für Stimmung sorgt. Da erhebe ich doch gerne mein Methorn oder meinen Bierhumpen und lasse es krachen. Anschließend schunkel ich zu den geilen Chöre und den später einsetzenden stimmungsvollen Streichern.

Einen besonderen Charme versprühen altertümliche Gesänge mit entsprechender traditioneller akustischer Instrumentierung. „Schildenmuur“ ist das erste Zwischenspiel dieser Art mit von Trommeln begleitetem Chorgesang. Solche Klänge hätte ich mir auch gerne mehr in den anderen Songs gewünscht. Gerade der Schlusstrack „Zomervuur“ liefert einen traumhaften Abschluss, der den Focus auf den Gesang und die Streicher legt während leise Trommeln und eine Akustikgitarre einen schönen Klangteppich erzeugen.

HEIDEVOLK lassen mit ihrem Album „Wederkeer“ das erste Folk-Metal-Highlight dieses Jahres erklingen. Die gelungene Mischung zwischen Folk und Heavy Metal macht schon was her. Euch erwarten allerlei knackige Lieder, die den Folk kräftig einatmen. Interessant sind die kontrastierenden akustischen Zwischenspiele. Auf weiten Strecken schmettern die Männer schroffen melodischen Heavy Viking Metal.

STORM SEEKER

STORM SEEKER (Facebook/Homepage) haben die Segel gesetzt und die neue Reise mit „Nautic Force“ gestartet. Die Band hat feinsten Seemansgarn gesponnen und lassen die Kanonen 11 mal zünden, um euch mit schönen Folk aus den sieben Weltmeeren zu versorgen. Die Songs sind recht einfach gehalten, gehen aber dadurch wunderbar ins Ohr und sorgen für gute Laune und ich würde sogar behaupten, dass sie wunderbar tanzbar sind. Die Vocals passen hervorragend zum Konzept und lassen Piratenfeeling aufkommen.

Highlights für mich sind die traditionellen Instrumente, wenn Tim „Ughar der schrecklich Durstige“ Braatz mit seinem Akkordeon erklingt oder Fabienne mit der Drehleier. Das sorgt für besonderes Feeling, denn wann hört man schon mal im Metal solche Klänge. Auch die Flötentöne machen echt was her und fügen sich perfekt ein (z.B. „Rolling Home“). Richtig abfeiern kann man also spätestens dann, wenn solche Songs wie „Bottom Up“ erklingen. Da schmeißt man die Ruder weg, geht an Deck und öffnet die Fässer. Danach lässt es sich am besten schunkeln es sich beim Song „Rolling Home“. Der macht einfach süchtig und man könnte sich das in Dauerschleife anhören. Und wie durstig das alles macht…ehe man sich versieht, hat man die Kanne geköpft und gönnt sich einen großen Schluck.

Also wer auf der nächsten Party für richtig Stimmung sorgen will, der sollte sich dieses Album auf jeden Fall zulegen. Und das gilt auch für die nächste Empfehlung.

FIDDLERS GREEN

Hui… jetzt werden viel aufschreien und rufen: Hey, das ist doch kein Metal!

Ja, das mag sein. Ist mir aber egal, denn das Album ist einfach klasse und so was von purer Folk-Spaß. Genau deswegen ist es in dieser Liste. Wer nicht drauf steht (was ich mir eigentlich nicht vorstellen kann, wenn man Folkmusik mag), der kann direkt zur nächsten Band switchen. Da geht es wieder hart zur Sache.

Alle anderen werden sich an dem authentischen Irish-Folk-Flair erfreuen und es richtig abfeiern. Das Violinenspiel ist ein großes Highlight im Sound von FIDDLERS GREEN. Was andere mit großartigen Gitarrensolos abliefern, wird hier in bester Manier an der Violine abgefeiert. Ich möchte hier aus dem Review meines Kollegen ‚Kelle‘ zitieren, die man sich durchlesen sollte, wenn man noch mehr interessante Eindrücke und Hintergründe über das Album erfahren möchte.

Man merkt auch wieder, welch großartige Stimme Ralf Albers hat. Aber auch Tobias Heindl (Geige, Gesang) gibt hier sein ganzes können preis. einfach genial wie er mit der Geige umgeht. Jeder der Fiddler’s schon einmal Live gesehen hat weiß was ich meine.

Review ‚metal-heads.de‘ von Kelle (29.12.2023)

Aber man nutzt hier nicht nur die Violine, um folkischen Flair zu erzeugen. Es ist ein höchst kreatives Gesamtkonzept aus allen Elementen, die diesen einmaligen Flair entstehen lassen. Es wird euch begeistern, auf wie vielfältige Weise hier hochkarätige Songs beste stimmungsvolle Unterhaltung bieten.

Und verpasst nicht das ausführliche Review meines Kollegen ‚Kelle‘, der dort noch interessante Hintergründe für euch parat hat.

TROLD

TROLD bieten eine Märchenstunde der anderen Art. Wir gehen jetzt wieder eindeutig in Richtung Metal, denn die Trolle spielen einen verdammt harten Stiefel. Nach dem Intro ‚De Var Engang‘ stürmt die Trollhorde ohne Aufwärmprogramm mit Vollgas zum Beutezug. Es werden keine Gefangenen gemacht. Mein lieber Scholli… Das nenne ich mal ne Sause. Es fliegen die Fetzen. Die fiesen extremen Vocals von Sänger Astór Palsson (nicht mehr im aktuellen Kader) prägen den Sound. Wow! Da haben mich TROLD einfach mal überrannt und platt gemacht!

Zum Glück kann ich mich beim nächsten Track ‚Udyrets Grab‘ ein wenig erholen. Die TROLD-Horde nimmt ein wenig Fahrt raus und lässt einen beschwingten melodischen Hammer kreisen. Der Folklorepart klingt ganz wunderbar und fügt sich einwandfrei ein.Man merkt schon, dass TROLD Wert auf gute Laune und eine Menge Humor legen. Der nächste Track ‚Roveren‘ bringt das sehr gut zum Ausdruck. Die Einleitung des Songs ist skuril und leitet die Party skuril und amüsant ein. Sodann darf geschunkelt und die Methörner gehoben werden. Und in die Chöre kann man wunderbar mit einsteigen. Was will man mehr, um in gute Stimmung zu gelangen und nebenbei noch die Nackenmuskelatur zu stärken.

TROLD geizen nicht mit fabelhaften Melodien, was der Song ‚Sensommerballett‘ eindrucksvoll zur Schau stellt. Dabei macht der Chorus eine besonders starke Figur und ist das Sahnehäubchen.

TROLD zeigen mit ‚De Var Engang‘ eindrucksvoll wie man eine zünftige Trollparty feiert. Das Album macht Stimmung und fabriziert mit viel Humor gute Laune. Der authentische Folk ist genauso essentieller Bestandteil wie die skrupellose Vehemenz gepaart mit eingängigen tragenden Melodien. Die Verbindung zwischen fiesen Tönen und mitreißenden Rhythmen ist super gelungen.

CRUACHAN

CRUACHAN (Facebook) haben eine lange Tradition, denn sie musizieren seit 1992 und wie man sich vorstellen kann, hat die Band viel durchgemacht. Viele Höhen, aber auch einige Tiefpunkte. Am Ende stand Gründer Keith Fay in der Corona-Pandemie fast allein dar. Doch als Kämpfer gibt man nicht auf! (Interview)

Und nur deshalb dürfen wir uns an dem genialen Album „The Living and The Dead“ erfreuen. Es ist mein Album des Jahres 2023, welches im März veröffentlicht wurde. Danach kamen noch viel sehr starke Alben, aber letztlich habe ich diesem Album mein Herz und den Titel „Album des Jahres“ geschenkt. Der Grund ist recht simpel. Dieses Album verkörpert für mich die

perfekte Symbiose von Folk und Heavy Metal!

Die hier gebotenen Eindrücke sind so vielfältig, dass ich sie hier an dieser Stelle nicht noch einmal im Detail wie in meinem Review beschreiben kann, weil es zu sehr ausufern würde. Als ein hervorragendes Beispiel für die Bandbreite der musikalischen Ausgestaltung sei hier der Song „The Queen“ genannt, bei dem man sogar von progressiven Strukturen sprechen kann.

Alle Stimmungen fließen ineinander und finden sich harmonisch zusammen. Dabei führt der Fluß durch unterschiedliche Welten, so dass „The Queen“ an sich schon eine epische Reise vollzieht. Deshalb bin ich hier am Beginn des Albums schon total überwältigt angesichts der vielen verschiedenen musikalischen Ufern und Orten, an denen ich vorbeitreibe. Es startet beschwingt und fröhlich, wobei es nicht lange dauert bis Sänger Keith seine fiesen Vocals rauslässt.

Dann folgt eine toller melodischer reiner Folkpart mit passendem klassischen Gesang. Anschließend ergießt sich ein epischer Instrumentalpart mit sehr atmosphärischer Ausstrahlung, in dem man sich wunderbar verlieren kann. Einfach nur schön! Ein fließender Übergang geleitet den Hörer wieder in den gitarrenlastigen treibenden Part und der Song gewinnt wieder an Kraft und Masse mit einem krachenden Finale, der kein Stein auf dem anderen lässt. 

Was für ein monumentales Erlebnis!

Einen weiteren Song möchte ich dennoch erwähnen. „The Reaper“ ist ein sehr persönlicher Song, denn er wurde geschrieben, als der Vater von Keith verstarb. Ihm ist dieser Song gewidmet. Dieser Song hat mich mit seiner Intensität berührt (schon bevor ich den Hintergrund kannte). Eingeleitet mit einem fetten schweren Bass erklingt dieser majestätische Brecher. Der eingestreute Chorus, welcher nur mit der Violine begleitet wird, kontrastiert mit den schweren Strophen. Und was sich dann im instrumentalen Zwischenspiel eröffnet, ist eine emotional epische Offenbarung, die das Herz mit Emotionen flutet. Ich bekomme jedesmal wieder Gänsehaut. Dieser Song vereint zwei verschiedene Welten in sich. Ein Meisterwerk!

CRUACHAN haben mit „The Living and The Dead“ ein Meisterwerk des Folk Metal erschaffen. Die Fusion von Folk und Metal ist phänomenal gelungen. Dieses Album ist sozusagen ein Schwert, das aus Damast-Stahl geschmiedet wurde. Es besteht aus vielen verschiedenen Schichten, die am Ende eine hartes scharfes Schwert liefern, aber gleichzeitig ist es mit diversen Maserungen kunstvoll verziert.

Das Album ist so abwechslungsreich und zugleich unterhaltsam gestaltet, dass nicht ein Moment der Langeweile aufkommt. Ganz im Gegenteil! Man ist schier überwältigt von den genial komponierten Songs. Dazu kommen die hochprofessionellen Musiker, die dem ganzen Sound die Seele verleihen, durch die diese Musik zum Leben erwacht. Die klassischen Instrumente werden vortrefflich dargeboten und perfektionieren den Folk Faktor. Die Violine ist ein wahrgewordener Traum und schenkt den Songs immer wieder die passende Atmosphäre. Wahnsinn! Es gibt keine schwachen Songs! Man merkt jedem Song das Herzblut und die Liebe an, mit dem er komponiert und gespielt wurde. Jeder Song ist eine Wucht!

BEST ALBUM OF THE YEAR 2023

CRUACHAN

english version

METALHEADs Toplist 2023-Finale:Folk Metal HEIDEVOLK, STORM SEEKER, FIDDLER’S GREEN, TROLD, CRUACHAN!

HEIDEVOLK

HEIDEVOLK (Facebook) from the Netherlands launched their album „Wederkeer“ this year. Even if the opener „Hagalaz“ doesn’t quite spread the folk vibes instrumentally, it’s a good introduction to the album and rocks a wild Pagan Metal style.

The second song „Drink Met De Goden“ captures me immediately. The folk vein is pumping immediately and the atmosphere creates a happy mood. This is also ensured by the beautiful chorus. I’m forced to raise my methorn or beer mug. Then I sway to the great choirs and the joyful strings that kick in later.

Ancient chants with corresponding traditional acoustic instrumentation exude a special charm. „Schildenmuur“ is the first interlude of this kind with choral singing accompanied by drums. I would have liked to hear more sounds like this in the other songs. The final track „Zomervuur“ in particular provides a dreamlike conclusion, focusing on the vocals and strings while soft drums and an acoustic guitar create a beautiful soundscape.

HEIDEVOLK’s album „Wederkeer“ was the first Folk Metal highlight of the year. The mixture between Folk and Heavy Pagan Metal turned out very good. You can expect crisp songs contrasting to acoustic interludes.

STORM SEEKER

STORM SEEKER (Facebook/Homepage) have set sail and started their new voyage with „Nautic Force“ this year. They have a lot of bangers on board and let the cannons fire 11 times to provide you with beautiful Folk from the seven seas. The songs are kept quite simple, but are wonderfully catchy and put you in a good mood, and I would even say that they are danceable. The vocals fit the concept perfectly and create a pirate feeling.

Highlights for me are the traditional instruments, when Tim „Ughar the terribly thirsty“ Braatz plays his accordion or Fabienne with the hurdy-gurdy. This creates a special feeling, because when do you ever hear such sounds in metal? The flute sounds are also really impressive and fit in perfectly (e.g. „Rolling Home“). You can really party at the latest when songs like „Bottom Up“ are played. You throw away the oars, go on deck and open the barrels. After that, the song „Rolling Home“ is the best way to sway with your mates. It’s simply addictive and you could listen to it on a continuous loop. And you become really thirsty while hearing to this music. Before you know it, you’ve opened the barrel and treated yourself to a big gulp.

Also wer auf der nächsten Party für richtig Stimmung sorgen will, der sollte sich dieses Album auf jeden Fall zulegen. Und das gilt auch für die nächste Empfehlung.

FIDDLERS GREEN

I know that many people will shout: Hey, that’s not metal!

Yes, that may be. But I don’t care, because the album is simply awesome and so much pure Folk fun. That’s exactly why it’s on this list. If you don’t like it (which I can’t really imagine if you like folk music), you can switch straight to the next band.

Everyone else will also enjoy the authentic Irish Folk flair and really party to it. The violin playing is a major highlight in the sound of FIDDLERS GREEN. What others deliver with great guitar solos is celebrated here in the best way on the violin. I would like to quote here from the review by my colleague ‚Kelle‘, which you should read through if you want to find out more interesting impressions and background information about the album.

Once again you realize what a great voice Ralf Albers has. But Tobias Heindl (violin, vocals) also reveals all his skills here. simply brilliant how he handles the violin. Anyone who has ever seen Fiddler’s live knows what I mean.

Review ‚metal-heads.de‘ von Kelle (29.12.2023)

But it is not just the violin that is used here to create folk flair. It is a highly creative overall concept consisting of all the elements that create this unique flair. You will be amazed at the many ways in which top-class songs provide the best atmospheric entertainment.

And don’t miss the detailed review (only German) by my colleague ‚Kelle‘, who has some interesting background information for you.

TROLD

TROLD (Facebook) offer a fairytales of a different kind. We are now clearly heading in the direction of Metal again, because the trolls play damn hard. After the intro ‚De Var Engang‘ the troll horde storms full throttle to the foray. No prisoners are taken. What the hell… That’s what I call a party. The shreds fly. The nasty, extreme vocals fit perfectly with the wild sound. Wow! TROLD simply overran me and flattened me!

Fortunately, I can recover a little with the next track ‚Udyrets Grab‘. The TROLD horde picks up a little speed and the folk part sounds great and fits in succesfully. And you can tell that TROLD value a good mood and a lot of humor. The next track ‚Roveren‘ expresses this very well. The introduction to the song is quirky and gets the party started in a bizarre and amusing way. Then it’s time to sway and raise your horns. And you can join in wonderfully with the choruses. What more could you want to get into a good mood and strengthen your neck muscles at the same time?

TROLD are not stingy with fabulous melodies, as the song ‚Sensommerballett‘ impressively demonstrates. The chorus cuts a particularly strong figure and is the icing on the cake.

TROLD show with ‚De Var Engang‘ spectacular how to celebrate a troll party. This album makes really fun and shines with a lot of humor. The authentic folk is just as essential as the scupulous vehemence paired with catchy supporting melodies. The connection between nasty tones and rousing rhythms is quite successful.

CRUACHAN

CRUACHAN (Facebook) have a long tradition, because they have been making music since 1992 and as you can imagine, the band has been through a lot. Many highs, but also some lows. Then founder Keith Fay is left almost alone in the Corona pandemic, having already written songs for the new album. But as a fighter you never give up! (interview)

And that’s the only reason we can enjoy the brilliant album „The Living and The Dead“. It is my album of the year 2023, which was released in March. After that came a lot of very strong albums, but in the end I gave this album my heart. The reason is quite simple. For me, this album embodies the

perfect symbiosis of folk and heavy metal!

The impressions offered here are so varied that I can’t describe them in detail here as I did in my review, because it would get too out of hand. The song „The Queen“ is an excellent example of the wide range of musical arrangements, where you can even speak of progressive structures.

All the moods flow into one another and come together harmoniously. The river leads through different worlds, so that „The Queen“ is an epic journey in itself. That’s why, at the beginning of the album, I’m already totally overwhelmed by the many different musical shores and places I drift past. It starts off upbeat and cheerful, and it doesn’t take long for singer Keith to let out his nasty vocals.

This is followed by an epic instrumental part with a very atmospheric vibe in which you can lose yourself wonderfully. Simply beautiful! A flowing transition leads the listener back into the guitar-heavy, driving part and the song gains strength and mass again with a crashing finale that leaves no stone unturned.

What a monumental experience!

However, I would like to mention one more song. „The Reaper“ is a very personal song, because it was written when Keith’s father passed away. This song is dedicated to him. It touched me with its intensity (even before I knew the background). This majestic crusher begins with a fat, heavy bass. The interspersed chorus, which is only accompanied by the violin, contrasts with the heavy verses. And what then opens up in the instrumental interlude is an emotionally epic revelation that floods the heart with emotion. I get goosebumps every time. This song unites two different worlds. A masterpiece!

CRUACHAN have created a masterpiece of folk metal with „The Living and The Dead“. The fusion of Folk and Metal is phenomenally successful. This album is, so to speak, a sword forged from Damascus steel. It consists of many different layers, which in the end provide a hard, sharp sword, but at the same time it is artfully decorated with various grains.

The album is so varied and entertaining that there is never a moment of boredom. Quite the opposite! You are almost overwhelmed by the brilliantly composed songs. Added to this are the highly professional musicians who give the whole sound the soul that brings this music to life. The classical instruments are performed excellently and perfect the folk factor. The violin is a dream come true and always gives the songs the right atmosphere. Wow! There are no weak songs! You can feel the passion and love that went into composing and playing each song. Every song is a stunner!

BEST ALBUM OF THE YEAR 2023

CRUACHAN

Die irische Band CRUACHAN (Facebook) haben mit „The Living and The Dead“ dieses Jahr ein grandioses Album veröffentlicht (Review). Für mich ist dieses Album die Krönung der langen Schaffensphase einer Band, die bereits seit 1992 musiziert. Es war mir deshalb eine Ehre und ein Vergnügen mit Gründer und Frontmann Keith ein Interview zu führen. Und ihr könnt mir glauben, dass Keith eine Menge interessanter Dinge zu erzählen hat.

Interview

MH: Hallo Keith. Vielen Dank für die Gelegenheit mit Dir ein Interview führen zu dürfen! Es ist nun schon eine Weile her, dass das Album „The Living and The Dead“ veröffentlicht wurde. Wie hast Du die Reaktionen der Leute auf die einzelnen Singles und letztendlich auf das ganze Album erlebt? Zumindest die Kritiken in einschlägigen Magazinen haben nur lobende Worte für das Album übrig.

Keith: Hallo, es ist mir wie immer ein Vergnügen. Ja, es war ziemlich erstaunlich, die Reaktionen und die Wertschätzung für das Album zu sehen. Nach all dieser Zeit ist es großartig, die Bestätigung von Gleichgesinnten zu bekommen, von Leuten, die Folk Metal lieben, dass ich immer noch etwas richtig mache. Man kann mit Fug und Recht behaupten, dass dies das bisher am besten rezensierte Cruachan-Album ist, und diese Art von Lob zu sehen, spornt mich nur an, weiterzumachen und immer mehr großartige Musik zu machen.

Schwere Zeiten

MH: Es sollte nicht vergessen werden, dass es eine Zeit gab, in der nicht klar war, ob CRUACHAN weitermachen würde, nicht wahr?  Woher hast du die Kraft genommen, weiterzumachen?

Keith: Nun, das ist nicht ganz richtig! Ich habe definitiv in einigen Interviews oder Facebook-Posts gesagt, dass, als einige Mitglieder Cruachan verließen, viele Leute darüber nachgedacht haben, aufzuhören und die Band zu beenden. Aber das waren tatsächlich nicht meine Gedanken! Ich würde Cruachan niemals auflösen! Selbst wenn ich nur mit einer Gitarre in der Hand, einer Bassdrum auf dem Rücken und einer Mundharmonika im Mund dastehe, werde ich immer weitermachen.

Kraft durch gute Freunde

MH: Welche Rolle hat Joe Farrell dabei gespielt? Ich glaube, er ist ein sehr guter Freund von dir, nicht wahr? Hat er dir geholfen, CRUACHAN am Leben zu erhalten? 

Keith: Joe war und ist eine große Unterstützung und ein wirklich guter Freund von mir. Letztendlich hat er Joe Eric Fletcher ersetzt. Wir hatten einen Bassisten in der Band nach Eric, aber es hat nicht funktioniert und er wurde gebeten, 2020 zu gehen. Da kam Joe ins Spiel. Im Sommer, als John Ryan und Kieran Ball die Band aus eigenen Gründen und wegen eines Streits über „The Hawthorn“ verließen, war Joe zur Unterstützung da.

Das Personalkarussel

MH: Wie schwierig war es, die Band von Grund auf aufzubauen? Hattet ihr zu diesem Zeitpunkt schon bestimmte Musiker im Kopf oder wie gestaltete sich die Suche?

Keith: Es war nicht gerade ein Aufbau von Grund auf. Joe stieß Anfang 2020 wieder zur Band, zu dieser Zeit hatten Mauro und seine Familie die Entscheidung getroffen, nach Schweden zu ziehen, aber Covid verzögerte den Umzug, so dass Mauro bei uns blieb, während wir nach einem neuen Schlagzeuger suchten und auch bei den Aufnahmen von ‚The Hawthorn‘ mitspielen konnte, schließlich fanden wir Tom, der als Schlagzeuger einstieg.

Nach der Veröffentlichung von „The Hawthorn“ verließen John und Kieran die Band, so dass die Suche nach einem Geigenspieler Priorität hatte. Ich suchte auf Facebook nach einem Folk-Instrumentalisten. Ein paar Leute meldeten sich, aber es war Audrey, die herausstach. Sie ist ein phänomenales Talent, also nahmen wir sie an Bord. Seitdem sind wir zu viert, und ehrlich gesagt bin ich im Moment mit den Dingen zufrieden, so dass wir vielleicht zu viert bleiben werden.

Träume als Teenager

MH: Eure Band gibt es schon seit 1992, und eine so lange Karriere bringt normalerweise Höhen und Tiefen mit sich. Mit welchen Vorstellungen und Erwartungen habt ihr die Band damals gegründet? Hat die Realität deine Träume sehr schnell eingeholt oder warst du mit allem zufrieden?

Keith: Ich war noch ein junger Teenager, als ich die Band gründete, aber ich war und bin ein Träumer. Vor Cruachan war ich in einer Death-Metal-Band namens Crypt. Ich war 12 Jahre alt, der Rest der Band war im späten Teenageralter (kam mir aber wie ein alter Mann vor, haha).

Ich wollte ständig neue Dinge ausprobieren. Als ich sah, wie beliebt Nocturnus mit ihrem ‚Death Metal mit Keyboards‘ waren, war ich hin und weg und versuchte verzweifelt, die Jungs davon zu überzeugen, Keyboards hinzuzufügen, aber es funktionierte nicht. Letztendlich verließ ich Crypt, da ich mein eigenes Ding machen wollte, und so wurde Cruachan geboren.

Zu dieser Zeit begann ich, viel irische Folkmusik zu hören, und kam auf die Idee, diese mit Metal zu kombinieren. Ich wusste schon als Kind, dass dies eine bahnbrechende Sache in der Metalwelt sein würde. Und ich glaubte, ich würde einen Plattenvertrag bekommen und Cruachan würde das nächste große Ding werden. Ich habe den Plattenvertrag bekommen und ich habe geholfen, das Folk-Metal-Genre zu begründen. Darüber bin ich mehr als glücklich.

Die Realität holte mich allerdings ein,

als ich merkte, dass ich einen Tagesjob brauche. Rückblickend bin ich glücklich. Viele Bands, die heute als erfolgreich gelten, mussten große Opfer bringen, um dorthin zu gelangen. Cruachan sind respektiert und bekannt, und ich musste weder meine eigene Karriere noch meine Familie aufgeben, um das zu erreichen. Natürlich denke ich daran, wie viel erfolgreicher wir hätten sein können, wenn ich meine Arbeit aufgegeben und mich ausschließlich auf die Band konzentriert hätte. Ich musste es z.B. ablehnen, Alestorm auf einer Europatournee zu supporten und Arkona auf einer USA-Tournee, weil ich einfach wegen meines Berufs nicht so viel Zeit aufbringen kann. Trotz allem bin ich glücklich mit meinem Platz in der Musikwelt.

Kein Gewinn

MH: Ich habe einmal in einem Beitrag auf Ihrer Facebook-Seite gelesen, dass Ihr sehr lange Zeit keinen Cent Gewinn machen konnten. Das hätte sich erst jetzt geändert. Wie kann so etwas sein?

Keith: Ja, das ist sehr wohl wahr! In unserer gesamten Zeit bei Hammerheart Records haben wir nichts verdient. Auch heute noch machen wir sehr wenig. Es ist eindeutig etwas falsch daran, wenn man mit all den Hammerheart-Alben keinen Penny verdient, aber ich hatte nie die Energie oder das Interesse, das legal zu verfolgen. Ja, ich weiß, dass Leute mit dieser Art von Plattenfirmen Millionäre geworden sind, während ihre eigenen Bands sich abmühen. Ich wünschte, das wäre nicht der Fall, aber es ist, wie es ist. Ich weiß nicht genug über all das, um zu sagen, dass diese Leute schlecht oder falsch sind, aber ich weiß, dass es falsch ist, dass ihre Bands nichts verdienen. Tourneen und Merchandise sind es, wo das Geld herkommt.

DESPOTZ RECORDS

MH: Ihr habt jetzt bei Despotz Records unterschrieben. Läuft die Zusammenarbeit jetzt besser? Was würdet ihr neuen Bands raten? Label ja oder nein? Heutzutage ist es dank der fortschreitenden Technologie nicht mehr notwendig, ein Label zu haben, um ein Album oder ein Video zu produzieren.

Keith: Despotz ist das beste Label, bei dem wir je waren. Sie sind kleiner als einige der größeren Labels, mit denen wir gearbeitet haben (Candlelight, AFM usw.), aber sie sind so engagiert, ehrlich und arbeiten hart.

Gründer Omer hat einen unternehmerischen Geist. Er will Erfolg haben! Er will der Beste sein! Aber er will das nicht um den Preis! Er zieht seine Bands nicht über den Tisch. Deshalb besitzt er das größte Alt-Label in Schweden. Respekt für seine Bands muss man ihm zollen, und das tut er auch, das ist es, was bei unseren früheren Labels fehlte (nicht alle, Trollzorn zum Beispiel wurde von absolut anständigen und guten Leuten geführt).

LABEL- Ja oder Nein?

Was die Frage angeht, ob man bei einem Label sein sollte oder nicht, weiß ich es nicht, ich weiß es wirklich nicht. Ich persönlich ziehe es vor, da ich außerhalb der Musik eine sehr umfangreiche und intensive Karriere habe. Ich könnte nicht so viel Zeit und Energie in die Arbeit mit einem Label stecken. Wenn du zu Hause aufnimmst, kannst du vielleicht großartige Musik machen, aber du wirst höchstwahrscheinlich nicht über das umfassende Wissen, die Erfahrung und die vertrauenswürdigen Kontakte verfügen, die eine etablierte Plattenfirma hat. Sie werden es schwer haben, gehört zu werden. Ich werde immer sagen, dass Ihr euch an die Labels wenden solltet, wenn eure Band gut genug ist oder euer Ruf stark genug ist, dass ein Plattenlabel mit euch arbeiten möchte.

Das ist nämlich eine andere Sache … einige Bands müssen auch selbst arbeiten, weil sie beschissene Musik machen und es nicht merken. Sie reden immer wieder davon, dass sie kein Plattenlabel brauchen, aber die Realität ist, dass ein Plattenlabel sie in einer Million Jahren nicht anfassen würde.

Die Szene im Wandel

MH: Wie hast du den Wandel der Musikszene im Laufe der Jahre erlebt und empfunden?

Keith: Wenn ich speziell über Folk Metal spreche, dann hat es einen solchen Wandel gegeben. Als Cruachan anfingen, gab es nur uns und Skyclad. Ein Jahr später hatten wir Waylander, Bran Barr … ein paar andere, aber die Szene war nicht cool und sehr unterirdisch. Eine Sache zu den Bands, die ich erwähnt habe: Sie sind alle Folk-Metal …., aber sie sind nicht diese weit verbreitete „Party-Time“-„Lasst uns trinken, bis wir umfallen“-Art von Folk-Metal, die in den 00er Jahren so beliebt wurde. Das war die Folk-Metal-Explosion. Es war interessant zu sehen, wie populär das Genre wurde, aber ich glaube, es war die falsche Art von Folk Metal, die populär wurde und deshalb gezüchtigt und beschimpft wurde.

Dieser lustige Stil war einfach nicht das, was eine irische Folkband sein konnte. Folk-Musik ist nicht lustig, sicher gibt es einige lustige Seiten. Ein Jig wird immer fröhlich und unnahbar sein, aber dann gibt es noch die vielen anderen Facetten – die langsamen Airs, die traurigen, melancholischen und eindringlichen Lieder. In Irland erzählt die Folk-Musik die traurige Geschichte unseres Landes, und Irish Folk ist wohl die populärste Folk-Musik der Welt, so dass wir nie dieser alberne Party-Stil sein würden, der in Skandinavien so hochgekocht ist. Trotzdem bin ich froh, dass das passiert ist, denn dadurch haben viel mehr Leute Cruachan gehört.

Das Album „The Living and The Dead“

MH: Kommen wir zurück zum Jetzt! Das Album „The Living and The Dead“ ist sehr abwechslungsreich geworden. Es werden viele Stimmungen erzeugt, wobei auch verschiedene Emotionen eine Rolle spielen.

In welcher Zeitspanne sind die Songs entstanden? Kannst du ein paar Songs herausgreifen und kurz erklären, warum dir bestimmte Lieder aus persönlichen Gründen besonders am Herzen liegen?

Als ich mit dem Schreiben begann, wollte ich ein Album machen, das verschiedene Geschichten über das Leben in Irland in den Jahren 1600 und 1700 erzählt. Das ist eine wirklich interessante Zeit, ein sehr katholisches Land, aber immer noch ein sehr heidnisches Land. Viele Bräuche und Überzeugungen aus viel älteren Zeiten waren in dieser Zeit noch präsent und weit verbreitet.

„The Changeling“ und „The Harvest“ repräsentieren diese Zeit, aber ich habe viele der lyrischen Themen geändert, als der Bericht über die Mutter- und Babyheime in Irland veröffentlicht wurde. Bitte googeln Sie danach, um mehr darüber zu erfahren. Ich habe schon immer von diesen Heimen gewusst, von den Magdelin-Wäschereien, von dem insgesamt entsetzlichen Verhalten der katholischen Kirche hier.

Es gab im Laufe der Jahre viele Bücher und Filme darüber, aber als dieser Bericht veröffentlicht wurde, hatte er eine Wirkung auf mich, und ich beschloss, ein paar Lieder über dieses Thema zu schreiben. Die Hälfte des Albums basiert also auf diesem Thema, aber alles ist in typischer Cruachan-Manier miteinander verknüpft, z.B. geht es in The Crow eindeutig um die toten Kinder durch die Hände dieser Nonnen, aber die Krähe in dem Lied ist The Morrigan.

Ein Lied, das mir sehr am Herzen liegt,

ist „The Reaper“. Dieses Lied hat ein ganz anderes Thema als alle anderen, denn ich habe es über meinen Vater geschrieben, als er krank war und sich nicht um sich selbst kümmern konnte. Es ist ein Lied, das aus Frustration geschrieben wurde.

MH: Wie war es, das aufwendige Video „The Reaper“ zu drehen und die Rollen der Krieger zu spielen? Wie ist die Idee zu diesem epischen Video entstanden?

Keith: Es war furchtbar, ich habe es gehasst, um ehrlich zu sein. Wir sind sehr stolz auf das fertige Video, aber der Weg dorthin war eine echte Qual. Es war eiskalt, wir waren zwei Tage lang 18 Stunden unterwegs, mussten viel laufen und eine Menge Ausrüstung tragen. Habe ich schon die Kälte erwähnt? Vielleicht war es nicht ganz so schlimm, wie ich sage, aber es war eine Menge Arbeit. Ich bin Olga und Alan von Record Replay Productions sehr dankbar für ihre harte Arbeit an diesem (und den beiden anderen Videos) sowie der Jofur Drenger Reenactment Group, die das Video zu etwas ganz Besonderem gemacht hat.

Der Text des Liedes handelt von der Frustration

darüber, dass mein Vater sich nicht um sich selbst gekümmert hat und er schließlich gestorben ist. Ich konnte das nicht realistisch in ein wirklich cooles Folk-Metal-Video packen, also kam ich auf die Idee für dieses Video, um sein Andenken zu ehren, aber es ist viel mehr als das, es ist ein Spiegel seines tatsächlichen Todes. Der Grund, warum ich in dem Video sterbe, ist, dass ich mein Vater bin, ich musste derjenige sein, der stirbt. Die Szene in der Höhle spiegelt die gleiche Szene in der Realität wider, als ich in dem Schlafzimmer war, in dem er starb. Er lag in seinem Bett, während ich mit meinem Bruder (der im Video auch in der Höhle steht) und meiner Schwester dastand und weinend auf unseren Vater starrte, der im Schlaf gestorben war.

MH: In dem Video „The Hawthorne“ geht es um den Glauben an alte Traditionen. Glaubst Du auch an höhere Mächte? Bist Du ein Freund von Religionen?

Keith: Ich habe mich viele Jahre lang als Heide betrachtet und das sehr genossen. Die meisten Heiden sind sehr unbekümmerte und unbeschwerte Menschen. Als ich älter wurde, wurde ich auch zynischer, vielleicht auch intelligenter, aber kurz gesagt, ich glaube nicht mehr an eine höhere Macht. Ich sehe keine Möglichkeit, dass das möglich wäre. Ich sage immer noch, dass ich ein wünschenswerter Agnostiker sein möchte, wenn jemand beweisen würde, dass es eine höhere Macht oder ein Leben nach dem Tod gibt, wäre ich sehr glücklich darüber.

Fan von Harry Potter

MH: Welche Art von Geschichten oder Themen faszinieren Sie? Sind es eher Fantasiegeschichten oder reale Geschichten?

Keith: Ich bin eigentlich ein besessener Fan von Harry Potter (und Videospielen). Ich liebe die Bücher, die Filme, die Geschichte selbst, das Setting. Einfach alles. Ich sammle auch eine Menge Harry-Potter-Zeug, helfe bei einer HP-Convention hier in Dublin und betreibe meinen eigenen YouTube-Kanal (the metalhead potterhead) rund um das Sammeln von HP-Zeug. Ich spiele auch ein bisschen auf youtube (cruachankeith), aber all das hat vor kurzem aufgehört, als ich umgezogen bin, und ich plane, bald wieder damit anzufangen.

MH: Auf welche Live-Gigs freust du dich dieses Jahr am meisten? Was ist generell für Konzerte geplant?

Keith: Ein Konzert, das nicht von Cruachan ist, auf das ich mich hier in Dublin wirklich freue, ist Sacred Reich. Ich bin ein großer Thrash-Fan, es ist wahrscheinlich mein Lieblingsgenre und ich habe diese Jungs noch nie live gesehen, also kann ich es kaum erwarten. Für Cruachan steht im Oktober eine große Show in Dublin an, um das neue Album zu feiern, also hoffe ich, dass so viele Fans wie möglich zu dieser Show kommen können.

english version

The Irish band CRUACHAN (Facebook) have released with „The Living and The Dead“ this year a terrific album (Review). This band exists since 1992 and for me, this album is the culmination of their career. Therefore it was an honor and a pleasure for me to do an interview with founder and frontman Keith. And you can believe me that Keith has a lot of interesting things to tell.

Interview

MH: Hello Keith. Thanks for having us! It’s been a little while now since the album „The Living and The Dead“ was released. How have you found people’s reactions to the individual singles and ultimately to the whole album? At least The reviews in relevant magazines have only praising words for the album.

Keith: Hi there, a pleasure as always. Yes it’s been pretty amazing to see the response and appreciation to the album. After all this time it is great to have the confirmation from my peers, from people that love folk metal, that I am still doing something right. It’s fair to say that this has been the best reviewed Cruachan album to date and seeing that kind of praise just want me to keep going and making more and more great music.

Bad times

MH: It should not be forgotten that there was a time when it wasn’t clear whether CRUACHAN would continue, was it?  Where did you get the strength to continue?Where did you get the strength to continue?

Keith: Well that’s not entirely true. I definintely did say in some interviews or facebook post that, when some members left Cruachan, a lot of people may have thought about calling it a day and ending the band, but that was not my thoughts. I would never end Cruachan. Even it’s just me with a guitar in hadn, bass drum on my back and a harmonica in my mouth, I will keep going on and on.

Great friends

MH: What role did Joe Farrell play in that? I think he’s a very good friend of yours, isn’t he? Did he help you keep CRUACHAN alive? 

Keith: Joe was and is a great support and is a really dear friend of mine. Ultimately Joe replaced Eric Fletcher, we did have a bass player in the band after Eric but it didn’t work out and he was asked to leave in 2020, that’s where Joe came in. It was during the summer when John Ryan and Kieran Ball left for their own reasons and an argument over ‚The Hawthorn‘ that Joe was there for support.

Search for musicians

MH: How hard was it to build the band from scratch? Did you already have certain musicians in mind at that time or how did the search turn out?

Keith: It wasn’t exaclty building from scratch. Joe re-joined in early 2020, around this time Mauro and his family had made the decision to move to Sweden but covid delayed their move so Mauro remained with is while we looked for a new drummer and was also able to play on the recording of ‚The Hawthorn‘, ultimtely we found Tom who came in on drums. After the release of ‚The Hawthorn‘ John and Kieran left, the priority then was to find a violin player.

I advertied on facebook for a folk instrumentalist, a few people got in touch but it was Audrey that stood out, she is a phenomenonal talent so we took her on board. We have been a four piece since then and honestly am happy with things right now so may remain a four piece.

Dreams as a teenager

MH: Your band has been around since 1992, and such a long career usually brings ups and downs. With which ideas and expectations did you found the band at that time? Did reality catch up with your dreams very fast or were you satisfied with everything?

Keith: I was just a young teenager when I started the band but I was, and am, a dreamer. Before Cruachan I was in a death metal band called Crypt. I was 12 years old, the rest of the band were in their late teens (but seemed like old men to me haha). I was constantly asking to try new things. When I seen how popular Nocturnus were with their ‚Death Metal with keyboards‘ I was blown away and desperately tried to convince the guys to add keyboards, it didn’t work. Ultimately I left Crypt as I wanted to do my own thing and that’s where Cruachan was born.

At the time I was starting to listen to a lot of Irish folk music and got the idea then to combine this with metal. I knew, even as a kid, that this would be a ground breaking thing to do in the metal world, and I think I believed I would get a record deal and Cruachan would be the next big thing. I did get the record deal and I did help found the folk metal genre so am happy about all of that.

Reality did catch up though

as I also realised I need a day job. Looking back I am happy. A lot of bands that would be considered succesful had to make huge sacrifices to get there. Cruachan are respected and well known and Ive not had to give up on my own career or family to make that happen. Of course I look at how much more succesful we could have been had I given up work and focused solely on the band. I;ve had to turn down supporting Alestorm on a European tour, supproting Arkona on a USA tour because I just cannot get that amount of time from work but all in all, I’m happy with my place in the music world.

No profit

MH: I once read in a post on your Facebook page that you could not make a penny profit for a very long time. This would have changed only now. How can such a thing be?

Keith: Yes it’s very true. In our entire time on Hammerheart records we made nothing. Still to this day we make very little. There is clearly something wrong with not making a penny from all those Hammerheart albums but I’ve never had the energy or interest to pursue it legally. Yes I know people have become millionaires with these type of record labels while their sigend bands struggle, I wish that was not the case but it is what it is. I don’t know enought about it all to even say these people are bad or wrong, but I know it’s wrong that their bands make nothing. Touring and merchandise is where the money comes from.

Despotz Records

MH: You have now signed with Despotz Records. Is the collaboration going better now? What would you advise new bands? Label yes or no? Nowadays, thanks to advancing technology, it is no longer necessary to have a label to produce an album or a video.

Keith: Despotz are the best label we have ever been on. They are smaller than some of the bigger labels we worked with (Candlelight, AFM etc) but are so commited, honest and hard working. Omer, the owner, has an entrepreneurial spirit, he wants to succeed, he wants to be the best but he does not want that at the cost of screwing his bands over. That’s why he own the biggest alt label in Sweden. Respect for your bands is free to give and he does that, that is what was missing on our previous labels (not all, Trollzorn, for example, were run by absolutely decent and good people).

Label- Yes or No?

As for whether or not to be on a label, I don’t know, I really don’t. Personally, I prefer it as I have a very full on and intense career outside of music. I could not put the amount of time and energy into doing the record label side of things. If you record at home, yes you may make some great music but you most likely won’t have the depth of knowledge, experience and trusted contacts that a well established record label has. You will struggle to get heard. I will always say look to the labels, if you’re band is good enough or your reputation is strong enough to warrant a record label wanting to work you.

That’s another thing … some bands also have to work on their own because they make shit music and don’t realise it. They go on and on about not needing a record labe but the reality is a record label wouldn’t touch them in a million years.

Changing of the musical world

MH: How did you experience and feel the change of the music scene over the years?

Keith: Talking specifically about Folk Metal, there has been such a change. When Cruachan started, there was only us and Skyclad. A year later we had Waylander, Bran Barr … a few others, but the scene was not cool and was very underground. One thing about the bands I mentioned, they are all folk metal …. but they are not that more prevalent ‚party time‘ ‚let’s drink till we fall over‘ type of folk metal that became so popular throughout the 00’s. That was the folk metal explosion. It was interesting to see just how popular the genre became but I feel it was the wrong type of folk metal that became popular, and therefor chastised and berated.

That funny style was just simply not a thing an Irish folk band could be. Folk music is not funny, sure there are some funny sides to it. A jig will always be lighthearted and aloof but then there are the many other facets – the slow airs, the sad, melancholy nad haunting songs. In Ireland, folk music tells the sad history of our country and Irish folk is arguably the most popular folk music on earth so we would never be that silly party style that blew up over in Scandinavia. Having said that, I’m glad that happened as it got a lot more people listening to Cruachan.

The album „The Living and The Dead“

MH: Let’s get back to now! The album „The Living and The Dead“ has become very varied. Many  moods are created, with different emotions also playing a role.

In which period of time did the songs come into being? Could you pick up a few songs and briefly explain why certain songs are particularly close to your heart for personal reasons?

Keith: The intention when I started writing was to have an album telling various tales of life in Ireland during the 1600’s and 1700’s. This is a really interesting time, a very Catholic country but still a very Pagan country. So many customs and beliefs from much older times were still present and very prevalent during this period. The Changeling and The Harvest represent this period but I changed a lot of the lyrical themes when the mother and baby homes report was published in Ireland. Please google that to find out more. I have always known about these homes, the Magdelin laundries, the overall horrendous behavior of the Catholic church here.

Close to the heart

There have been many books and movies about it over the years, but when this report was published, it had an effect on me and I decided to write a few songs on this subject. So half the album is based on this but all tied together in typical Cruachan fashion, for example The Crow is clearly about the dead children at the hands of these nuns but the crow in the song is The Morrigan. One song that is very close to my heart is The Reaper, this song has a very different theme to any other song as I wrote this about my father while he was ill and not taking care of himself. It’s a song written out of frustration.

MH: What was it like shooting the elaborate video „The Reaper“ and playing the roles of the warriors? How did the idea for this epic video come about?

Keith: It was awful, I hated it to be honest. We are very proud of the finished video but to get there was a real pain. It was freezing cold, we were out for 18 hours for two days, lots and lots of walking carrying lots and lots of gear and equipment. Did I mention the cold? Maybe it wasn’t quite as bad as I am saying but it was a lot of work. I am so grateful to both Olga and Alan at Record Replay Productions for their hard work on this (and the other two videos) as well as the Jofur Drenger re-enactment group for making the video so special.

The lyrics of „The Reaper“ are about the frustration

with my dad not taking care of himself, he eventually did die. I couldn’t realistically put that into a really cool folk metal video so came up with the idea for this video as a way to honour his memory but it’s a lot more than that, it’s a mirror of him actually dying. The reason I die in the video is because I am my father, I had to be the one to die. The scene in the cave mirrors the same scene in reality when I was in the bedroom he died in, he was lying in his bed while I stood there with my brother (also standing in that cave in the video) and my sister, in tears, staring at our father who had died in his sleep.

MH: The video „The Hawthorne“ is about the belief in ancient traditions. Do you also believe in higher powers? Are you a friend of religions?

Keith: For many years I considered myself a Pagan and really enjoyed this. Most pagans are very carefree and easy going people. As i got older I also got more cynical, more intelligent too maybe, but in short I no longer believe in any higher power. I see no way that it would be possible. I still say I want to be a wishful agnostic, if someone proved there was a higher power or life after death I would be very happy about that.

A big fan of Harry Potter

MH: What kind of stories or themes fascinate you? Are they more fantasy stories or real ones ?

Keith: I’m actually an obsessive fan of Harry Potter (and video games). I love the books, the movies, the story itself, the setting. Everything. I collect a lot of Harry Potter stuff too, help run a HP convention here in Dublin and do my own youtube channel (the metalhead potterhead) all around collecting HP stuff. I also do some gaming on youtube (cruachankeith) but all of this stopped recently while I was moving home and am planning to get back into it soon.

MH: Which live gigs are you looking forward to most this year? What is generally planned for concerts?

Keith: One non Cruachan gig I’m really looking forward to here in Dublin is Sacred Reich. I am a hugh Thrash fan, it’s probably my favourite genre and I;ve never seen these guys live so cannot wait for that. For Cruachan, we have a big Dublin show coming in October, celebrating the new album so hoping as many fans as possible can make it to that show.