(scroll down for english version)

Heute gibt es die zweite Single von „Flok“, dem kommenden Album von Kjell Braaten.
„Pine“ / „Gran“ ist nach „Solace“ der nächste Song, der schon einmal einen Ausblick auf das Album „Flok“ gibt, das im Sommer herauskommen wird.

Kjell Braaten ist Komponist und Spezialist für nordische Instrumente. Er war an Bands wie NEBALA, WARDRUNA und EHWAZ beteiligt und hat mit vielen anderen Künstlern und Projekten wie z.B. Christine Kammerer oder NEMUER zusammengearbeitet. Sein musikalisches Spektrum umfasst auch Sounddesigns und Musik für Filme (z.B. wie für die Serie „Vikings Valhalla“).

Kjell Braaten spielt u.a. auf Rekonstruktionen von Instrumenten, die der Zeit um 600 n. Chr. bzw. der Wikingerzeit und dem Mittelalter zugeordnet werden. Neben Trommeln und Hörnern sind es Leiern, die den Klang seiner Musik prägen.

Alte Strukturen moderne Klänge

So erhält „Pine“ seinen besonderen Klang durch die Sutton Hoo Leier, einer Leier aus dem frühen 7. Jahrhundert, die bei Ausgrabungen eines Schiffes gefunden wurde. Es ist eine große aus Ahorn gefertigte Leier, deren Saiten wie bei einer Gitarre parallel zu einem Resonanzboden verlaufen.
Die Bespannung aus Rosshaar ermöglicht einen organischen, warmen und vollen Klang.

In dem Song „Pine“ begleitet aber nicht nur die Sutton Hoo Leier den Gesang, sondern auch das Organistrum, eine frühe Form der Drehleier, sowie Schlagzeug und Bassgitarre.
Und so verbinden sich zeitlos-historische Klänge und Strukturen mit modernen Folk-Elementen

Wie Kjell über das kommende Album „Flok“ sagt: „Die Platte wird ganz anders sein als das, was ich in den letzten Jahren gemacht habe, aber mehr zurück zu dem, wo ich angefangen habe, nur mit einem anderen Ansatz. Eine Art Brücke zwischen dem, wo ich begonnen habe, und dem, wo ich jetzt bin. Die Lieder handeln vom Leben, von der Natur und von alten Traditionen und Gedanken. Sie werden immer noch hauptsächlich auf altnordischen Instrumenten wie Organistrum, Kravikslyre, Moraharpa und dergleichen gespielt.“

„Pine“ / „Gran“– die Fichte aus mythologischer Perspektive

Die Fichte als immergrüner Baum wird traditionell als Symbol für Langlebigkeit und Beständigkeit gesehen.  In den dunklen Wintermonaten war sie auch immer ein Sinnbild für die Hoffnung auf den Frühling und Überleben der dunklen Zeit.
In manchen Überlieferungen wird die Fichte auch als Symbol für das kosmische Gleichgewicht und als Schutz gehen Dunkelheit und Chaos gesehen.

„Pine“ betrachtet die Fichte sowohl aus dieser mythologischen Perspektive als auch mit den Augen eines Kindes, das unter den Zweigen Trost sucht.
Die Wurzeln reichen tief, das Moos ist weich und die Tränen werden von der Erde aufgenommen.
Mir gefällt der poetische irgendwie tröstliche Text von Tove Hassel, den Carina Dulea ins Englische übertragen hat. (So wie bereits „Solace“ gibt es „Pine“ auch in einer Version mit dem ursprünglichen Text.)

Das Cover (bearbeitet von Fatima Akerson) ist auch wieder für sich genommen ein schönes Bild.

„Pine“ / „Gran“ findet ihr auch bei allen Streamingdiensten.

Kjell Braaten releases “Pine”, the second song from the upcoming album

Today we have the second single from “Flok”, the upcoming album by Kjell Braaten.

After “Solace”, “Pine” is the next song that gives a preview of the album “Flok”, which will be released this summer.

Kjell Braaten is a composer and specialist for Nordic instruments. He has been involved in bands such as NEBALA, WARDRUNA and EHWAZ and has worked with many other artists and projects such as Christine Kammerer and NEMUER. His musical spectrum also includes sound design and music for films (e.g. for the series “Vikings Valhalla”).

Kjell Braaten plays, among other things, reconstructions of instruments from the period around 600 AD, the Viking Age and the Middle Ages. In addition to drums and horns, it is lyres that characterize the sound of his music.

Ancient structures modern sounds

“Pine” gets its special sound from the Sutton Hoo lyre, a lyre from the early 7th century that was found during the excavation of a ship. It is a large lyre made of maple, with strings running parallel to a soundboard like a guitar.
The horsehair strings produce an organic, warm and full sound.

In the song “Pine”, however, it is not only the Sutton Hoo lyre that accompanies the vocals, but also the organistrum, an early form of hurdy-gurdy, as well as drums and bass guitar.
And so timeless, historical sounds and structures are combined with modern folk elements

What Kjell says about the upcoming album “Flok”: „The record will be quite different from what I have done in recent years but will return more to where I started—just with a different approach. A kind of bridge between where I began and where I am now. The songs are about life, nature and old traditions and thoughts. They are still mainly played on old Norse instruments such as organistrum, kravikslyre, moraharpa and the like“. 

“Gran” /“Pine” from a mythological perspective

As an evergreen tree, the spruce is traditionally seen as a symbol of longevity and constancy.  In the dark winter months, it has always been a symbol of hope for spring and survival of the dark times.
In some traditions, the spruce is also seen as a symbol of cosmic balance and protection against darkness and chaos.

“Pine” looks at the tree both from this mythological perspective and through the eyes of a child seeking solace under its branches.

The roots reach deep, the moss is soft and the tears are absorbed by the earth.

I like the poetic, somehow comforting text by Tove Hassel, which Carina Dulea has translated into English. (Like “Solace”, “Pine” is also available in a version with the original lyrics).

The cover (designed by Fatima Akerson) is also a beautiful image in its own right.

You can also find “Pine” / “Gran” on all streaming services.

(for english version scroll down)

Heute sind es schon drei Jahre, seitdem Putins Russland in die Ukraine einmarschierte und den Krieg begann. Drei Jahre Schrecken, Flucht, Zerstörung und Tod.
Und nun ein amerikanischer Präsident, der die Tatsachen verdreht oder ignoriert und der Ukraine die Schuld für diesen Krieg gibt und einen ‚Frieden‘ ohne Beteiligung der Ukraine aushandeln will.

Für die, die unter der Machtgier anderer zu leiden haben

Zu diesem dritten Jahrestag veröffentlicht Kjell Braaten, der als Spezialist für nordische Instrumente u.a. an Bands wie WARDRUNA und NEBALA beteiligt war, das Lied „Solace“ („Trøyst“), das er für Freunde und alle Menschen in der Ukraine geschrieben hat.

Er wird dabei besonders an das „Konon Rocks“ – Filmteam gedacht haben, mit dem zusammen mit Darstellern aus der Ukraine das Video zu „Laþu“ von NEBALA entstanden ist. Aus dieser Zusammenarbeit heraus sind freundschaftliche und kreative Beziehungen entstanden. Aber die Pläne für eine weitere Zusammenarbeit wurden durch den russischen Angriffskrieg vereitelt. Zu Beginn der russischen Invasion arbeitete das ukrainische Filmteam zusammen mit Vertretern der ausländischen Presse daran, die Schrecken des Krieges zu dokumentieren.

„Solace“  ist bereits im letzten Jahr bereits auf Norwegisch unter dem Titel „Trøyst“ erschienen.

Trost – die Suche nach Sicherheit und Vertrauen

Für „Solace“ ist der Text von Tove Hasselt nun in einer Übertragung (von Carina Dulea) ins Englische zu hören.

Ich habe Kjell gefragt, weshalb es ihm wichtig ist, den Song jetzt auch auf Englisch zu veröffentlichen.
Er sagte dazu: „Seit der Invasion der Ukraine am 24.02.2022 sind drei Jahre vergangen, und hoffentlich kann das Lied jetzt in einer Sprache, die auch diejenigen verstehen, um die es geht und für die es geschrieben wurde, an schwierigen Tagen in einer schwierigen Zeit etwas Trost spenden.“
Er möchte außerdem, dass noch mehr Menschen die Botschaft verstehen können, um die es in dem Lied geht. Und das sei mit einem englischen Text einfacher, da mehr Menschen Englisch verstehen als Norwegisch.

Den Text hat Tove Hassel kurz nach Beginn des Ukraine-Krieges geschrieben. Es geht dabei aber nicht nur um diesen Krieg, sondern um all die Menschen, die aufgrund der Machtgier anderer unter unerträglichen Bedingungen leben.
Doch der Text beschreibt nicht nur das Furchtbare eines Krieges, sondern erinnert auch daran, wie das Leben eigentlich sein sollte.

A time once meant for blooming flowers
marks instead a battle’s spring….

….While night falls, in blazing heavens
traced by endless lights of loss

aus „Solace“

Die Art und Weise, wie Kjell Braaten dies in Musik gefasst hat und so verhalten und verletzlich wie er den Text singt, berührt angesichts der Bilder, wie wir sie aus der Ukraine und anderen Kriegsgebieten kennen.In den Passagen, in denen es darum geht, wie die Welt sein könnte und sein sollte, wird seine Stimme fest und bestimmt. Tröstlich klingt das Zwischenspiel mit der Leier und auch der sehnsüchtige und zugleich hoffnungsvolle Refrain.
Wunsch und Realität, Wut, Trauer aber auch Sehnsucht und Ruhe stellen sich ein, wenn man sich auf die Musik und den Text einlässt. Kjell Braaten gelingt es immer wieder, den Zuhörer allein mit der Stimme in seinen Bann zu ziehen, und mit der zurückhaltenden Begleitung dennoch ganz eindringlich Trauer, Sehnsucht und Hoffnung auszudrücken.

Neues Album noch in diesem Sommer

„Trøyst“ / „Solace“ sollte ursprünglich im Herbst letzten Jahres erscheinen und die erste Single eines neuen Albums werden. Doch aufgrund von vielen Tourneen und aus verschiedenen anderen Gründen war es nicht möglich, das Album bereits im Herbst fertigzustellen.
Das neue Album soll im Sommer erscheinen.
Und um die Wartezeit zu verkürzen, wird es nach „Trøyst“ / „Solace“ noch zwei weitere Singles geben.

Kjell zum neuen Album: „Die Platte wird ganz anders sein als das, was ich in den letzten Jahren gemacht habe, aber mehr zurück zu dem, wo ich angefangen habe, nur mit einem anderen Ansatz. Eine Art Brücke zwischen dem, wo ich angefangen habe, und dem, wo ich jetzt bin. Die Lieder handeln vom Leben, von der Natur und von alten Traditionen und Gedanken. Sie werden immer noch hauptsächlich auf altnordischen Instrumenten wie Organistrum, Kravikslyre, Moraharpa und dergleichen gespielt.“

Heute ist der dritte Jahrestag des Krieges in der Ukraine. Und „Solace“ kann Momente des Innehaltens begleiten.

„Solace“ findet ihr auch auf allen Streaming Plattformen: https://kjellbraaten.hearnow.com/solace

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„Solace“ – A Song (Not Just) for Friends in Ukraine

Today marks three years since Putin’s Russia invaded Ukraine and started the war. Three years of terror, displacement, destruction, and death. And now, an American president who distorts or ignores the facts, blames Ukraine for this war, and seeks to negotiate a ‘peace’ without Ukraine’s involvement. 

For Those Who Suffer Under the Greed for Power 

“Solace” was originally released last year in Norwegian under the title “Trøyst”. 

On this third anniversary, Kjell Braaten, who has contributed to bands such as WARDRUNA and NEBALA as a specialist in Nordic instruments, releases the song “Solace” (“Trøyst”), which he wrote for friends and all people in Ukraine. 

He likely had the Konon Rocks – film team particularly in mind. Together with actors from Ukraine, they created the video for “Laþu” by NEBALA. From this collaboration, friendships and creative relationships developed. However, plans for further work together were hindered by Russia’s war of aggression. At the start of the Russian invasion, the Ukrainian film team worked alongside international journalists to document the horrors of war. 

Solace – The Search for Security and Trust 

For “Solace”, the lyrics by Tove Hassel have now been adapted (by Carina Dulea) into English. 

I asked Kjell why it was important to him to release the song in English now. 
He said: “Three years have passed since the invasion of Ukraine on 24 February 2022, and hopefully, the song can now bring some comfort during difficult days in difficult times—especially in a language that those it was written for can understand.” 
He also wants more people to grasp the message of the song. And this is easier with English lyrics, as more people understand English than Norwegian. 

Tove Hassel wrote the lyrics shortly after the war in Ukraine began. However, they are not only about this war but about all those, who live under unbearable conditions because of others’ greed for power. 
Yet, the lyrics do not just describe the horrors of war—they also remind us of how life should be. 

A time once meant for blooming flowers 
marks instead a battle’s spring…
… While night falls, in blazing heavens 
traced by endless lights of loss 

from „solace“

The way, Kjell Braaten has set this to music, and the way he sings the lyrics so gently and vulnerably, is deeply moving – especially remembering the images from Ukraine and other war zones. 
Within parts of the lyrics reflecting on how the world could and should be,his voice grows strong and resolute. 
The interlude featuring the lyre, as well as the longing yet hopeful chorus, sounds comforting. 

By immersing oneself in the music and lyrics, one experiences a mix of yearning and serenity, alongside anger, grief, and hope. Kjell Braaten has an extraordinary ability to captivate listeners with his voice alone, while the subtle accompaniment powerfully conveys sorrow, longing, and hope. 

New Album Coming This Summer 

“Trøyst”/”Solace” was originally meant to be released last autumn as the first single from a new album. However, due to extensive touring and various other reasons, it was not possible to complete the album by then. 
The new album is now set for release this summer. 

To shorten the wait, there will be two more singles following “Trøyst” / “Solace”. 

Kjell on the new album: „The record will be quite different from what I have done in recent years but will return more to where I started—just with a different approach. A kind of bridge between where I began and where I am now.“ 

The songs are about life, nature, and ancient traditions and thoughts. They will still primarily be played on Old Norse instruments such as the organistrum, Kravik lyre, Moraharpa, and similar.” 

Today marks the third anniversary of the war in Ukraine. And „Solace“ can accompany moments of reflection. 

And You can listen to the song on all streaming platforms: https://kjellbraaten.hearnow.com/solace

Nach meinen Alben des Jahres, dem Rückblick auf Konzerte und Interviews, jetzt noch ein paar Alben und Lieder, die ich immer wieder höre:

Februar
Mit dem Album „I Fjellets Hastighet“ des norwegischen Ambient-Künstlers SYSSELMANN (Thomas Narverud) konnte ich in intensive, experimentelle und oft surreale Klänge eintauchen. Seine Klangkonstruktionen stehen in Wechselwirkung mit der Natur. Dies nicht nur durch die Verwendung von Aufnahmen in der Natur, sondern da sich die Klänge oder auch Geräusche der Umgebung, in der man seine Musik hört, in diese einfügen. Wie z.B. ein nächtlicher Wald oder auch eine Sauna.

Man kann „I Fjellet Hastighet“ als Musik hören, die eine besondere Klangumgebung schafft, oder in ihr die Resonanz der Elemente der Natur erleben. Ich finde, dass das Album ein großartiges Stück Dark Ambient Musik ist, da SYSSELMANN mit den Klanglandschaften atmosphärische Texturen gestaltet, die beruhigend, meditativ und anregend zugleich sind.

Mai
GÅTE, „Ulveham“ und der Eurovision Song Contest
Die norwegische Folk-Rock-Band GÅTE hat mit ihrem Song „Ulveham“ am Eurovision Song Contest 2024 teilgenommen.
Ulveham“, der Song, mit dem sie angetreten sind, ist von der EP „Vandrar“. „Ulveham“ erzählt die Geschichte eines jungen Mädchens, dem eine Reihe von Ungerechtigkeiten widerfahren. Dennoch tritt sie weiterhin für Güte und Gerechtigkeit ein. Und damit besteht sie harte Prüfungen und triumphiert über böse Mächte. Am Ende kann sie den Fluch, der über ihr lag, brechen. Der Song basiert auf einem mittelalterlichen Text und einem Lied der 1975 verstorbenen Volkssängerin Marit Jensen Lillebuen, deren Melodien für viele Musiker eine Inspiration waren. Um den ESC-Regeln zu entsprechen, mussten sie den Text überarbeiten.
Das ESC-Publikum konnten sie letztlich nicht überzeugen. Dafür aber das Publikum auf ihrer Tour zum Jahresende, die sie durch mehrere europäische Länder führte.

Juni
Im Juni hat Ron Merz mit seinem Black-Metal-Projekt URTHUM die EP „Aeon“ veröffentlicht. Drei abwechslungsreiche Songs mit einigen Überraschungen und einer dunklen Atmosphäre. „Aeon“ ist eine fette Produktion, die sich eine raue Ästhetik bewahrt hat. Die Integration von melodischen Parts in das schnelle und aggressive Drumming hält die Spannung bis zum letzten Moment.

August

Kurz nach Beginn des Krieges in der Ukraine hat Tove Hasselt den Text zu geschrieben, dem Kjell Braaten in dem Lied „Trøyst“ eine Melodie und seine Stimme gegeben hat.
„Trøyst“ ist ein Lied für die Menschen, die aufgrund der Machtgier anderer unter unerträglichen Bedingungen leben. Beschrieben wird das Erschreckende, Furchterregende, aber es geht auch darum, wie man sich das Leben wünscht, wie es eigentlich sein sollte.
Die Art und Weise, wie Kjell Braaten dies in Melodien gefasst hat und  er die Worte singt, löst ganz unterschiedliche Emotionen aus. Von beängstigend über sehnsüchtig bis hoffnungsvoll. Auch wenn in diesem Lied Verlust, Täuschung und Furcht beklagt werden, ist es keine Anklage. Doch gerade durch die Art, wie Realität und Wunsch miteinander in Verbindung gebracht werden, stellen sich Trauer, Wut aber auch Sehnsucht und Ruhe ein, wenn man Musik und Text auf sich wirken lässt.

Oktober: 1349 bewahren mit einer alchemistischen Altegorie das Erbe des Black Metal
1349 gehört zu den Bands, die auch mit ihrem am 4.Oktober 2024 erschienenen achten Album „The Wolf and The King“ sich selbst, ihren Themen und ihrer Vision, das Erbe des Black Metal zu bewahren, treu geblieben sind.
Der Albumtitel verweist auf ein alchemistisches Bild: Der Wolf verschlingt den König, wird selbst von Flammen verzehrt, und aus der Asche steigt ein neuer König auf. Es ist auch eine Metapher für Veränderung und Entwicklung.
Mit „The Wolf and the King“ haben 1349 ein Werk abgeliefert, das die Essenz des Black Metal zelebriert und zugleich neue kreative Pfade beschreitet.
Ihr gradliniger und donnernder, klassischer Black Metal mit modernem Sound, der die Vielfalt der Riff und des Drummings sowie die Variationen der Vocals noch unterstreicht, gefällt mir auch nach mehrmaligem Hören noch.

November
SÓLSATIFR veröffentlichten ihr 8. Album „Hin helga kvöl“. Auf diesem Album verbinden SÓLSTAFIR ihre Black-Metal-Wurzeln mit melodischem Rock und atmosphärischen Klängen. Das Album ist emotional, geprägt von intensiven Rhythmen und abwechslungsreichen Arrangements.
Besonders gut hat mir Hallgrímur Jón Hallgrímssons Schlagzeugspiel mit seinen Nuancen, manchmal unerwarteten Taktwechseln und der unglaublich kraftvollen Dynamik gefallen.

Natürlich gab es auch in den anderen Monaten weitere Veröffentlichungen und Neuigkeiten. Das ist meine Auswahl der Dinge, die auf die eine oder andere Weise ‚herausragend‘ waren.

„Serendipitous Meeting“ ist der Titel des Albums mit Liedern, die einer traditionellen Form des Gesangs – den Sutartinės – folgen. Sie wurden von einer Gruppe litauischer Frauen (STUBA) zusammen mit Skaidra Jančaitė und Kjell Braaten aufgenommen.
Die Frauen haben sich vor ca. 10 Jahren zusammengefunden, um die Sutartinės und das Singen wieder in den Alltag zu bringen.
Skaidra Jančaitė ist Sängerin und Chorleiterin und hat sich mit Folklore und Oper aber auch mit experimenteller Musik beschäftigt.
Kjell Braaten ist Experte für alte skandinavische Instrumente, Komponist und Produzent. Er hat mehre Alben veröffentlicht.

Die Sutartinės sind eine alte Form mehrstimmiger Musik, die 2010 auf die Liste der immateriellen Kulturgüter der UNESCO aufgenommen wurde. Sie werden in der Regel von zwei, drei oder vier Sängerinnen vorgetragen.
Die Texte der Sutartinės erzählen von Dingen des Alltags, von Festen und von den Sorgen und Gedanken, die das Leben mit sich bringt. Oft werden dabei menschliche Eigenschaften oder Emotionen durch Elemente der Natur ausgedrückt. (Mehr zu Sutartinės)

„Serendipitous Meeting“ entstand im Anschluss an einen Workshop über Sutartinės und ein Konzert im litauischen Gemeindehaus in Hommersåk, Norwegen.  Bei einem Treffen in seinem Haus nahm Kjell Braaten einige Lieder in verschiedenen Variationen auf und gab ihnen einen warmen und vollen Klang.

Workshop und Wohnzimmerkonzert

So ist dieses Album in mehrfacher Hinsicht eine Besonderheit: einmal, weil es mit den Sutartinės eine besondere Form des Gesangs vorstellt, und zum anderen durch den Weg, wie es entstanden ist. (s. auch Interview)
Das Besondere an den Sutartinės ist, dass die Lieder aus zwei Melodien und zwei Texten bestehen: einem Haupttext, der das Thema beinhaltet und einem Refrain, der oft keine (semantische) Bedeutung hat, wenn er durch Silbengruppen und nicht durch Wörter gebildet wird. Daiva Vaišnorienė, eine der Sängerinnen, bezeichnet sie als „magische Wörter“.
Die einzelnen Melodien und Texte sind dabei gleichberechtigt. D.h. keine Gesangsstimme ist wichtiger als die andere. Das ist bei allen Liedern gut zu hören, auch bei der Variation von „Turėjo liepa“, in der Skaidra Jančaitė ein Solo singt.

Lieder wie die Brandung und fließender Stoff im Wind

„Turėjo Liepa“ besingt die Linde und deren Zweige, die symbolisch für die Mutter bzw. ihre Töchter steht. Das Lied erzählt von dem Wunsch der Mutter, dass wenigstens eine ihrer Töchter bei ihr bleibt, um sich um sie zu kümmern oder später um sie zu trauern. „Turėjo Liepa“ beginnt mit dem Klang der Kravik-Lyra: sanft, ätherisch, melancholisch und zugleich lebhaft. Dann setzt ein klarer und nachdrücklicher Gesang ein. So wird die erste Strophe gesungen, auf die der Refrain aus Lautmalereien, den ‚magischen Wörtern‘ folgt. Gleichzeitig wird durch den Rhythmus, der durch die Verteilung der langen und kurzen Silben der Wörter, sowie die ‚eingeworfenen‘ Laute des männlichen Gesangs und durch die Begleitung der Kravik-Lyra entsteht, eine Bewegung erzeugt, die wie Wellen in der Brandung an den Strand rollen.
In weiteren Variationen werden einmal die rhythmischen Elemente verstärkt und durch die Solostimme Wunsch und Traurigkeit noch spürbarer.

„Judabra“ beschreibt die Mühen, die eine Frau auf sich nimmt, um eine ‚Krone‘ (einen Blumenkranz) zu flechten. Hier kann man das Prinzip nachvollziehen, wie diese Lieder aufgebaut sind. Wie nach und nach die Stimmen hinzukommen, die Melodie aufgreifen und sich die Elemente ähnlich einem Kanon zusammenfügen und sich die Melodien zu einem Klanggewebe verbinden, das sich wie ein Stoff in sanftem Wind bewegt.

„Ką bice“ ist eines der Lieder, das auf jeden Fall auch einmal mit Kopfhörern gehört werden sollte. Denn dann ist das Hin- und Hergeben der Klänge noch intensiver zu hören. In der alternativen Version sind dann auch die Bienen gut zu hören, um die es in diesem Lied geht.

Bei „Kas tTar teka per dvarelį“ hüpft die Melodie wie eine Murmel, die einen Waldweg hinunterrollt.

„Žilvitis žaliavo čiūto rūto“ besingt mit einer sehnsuchtsvollen Melodie die Korbweide. Durch die Begleitung mit der Kravik-Lyra klingt das Lied beschwingt. Wie aus der Ferne ruft uns eine Stimme etwas zu.

Die Magie der Wörter, die Poesie des Alltags und die Kreisläufe des Lebens

So unterschiedlich die Lieder sind, gemeinsam ist ihnen Melancholie, ein Auf und Ab von Freude und Traurigkeit.
Es sind die eng miteinander verwobenen Klänge, die mal  wie das Wasser, das eilig in einem Bach über die Steine fließt und mal wie Sonnenstrahlen, die durch Wolken blitzen, sind, die einen zuhören und hinhören lassen.
Die Texte der Sutartinės erzählen eben nicht nur vom Alltäglichen. Sie machen die Kreisläufe des Lebens deutlich, die in der Wiederholung und Neuformation der Klänge in den Liedern dargestellt werden. Die Lieder berühren damit auch so etwas wie unklare Erinnerungen.

Die Sutartinės wurden über Generationen weitergegeben. Deshalb können wir sie jetzt noch hören, genießen und danach schauen, was sie uns heute sagen oder geben können.Es sind solche Lieder, die nicht nur die Musik, sondern auch die Geschichten, von denen sie handeln, in ein Kontinuum stellen, in dem auch wir stehen.

Die Aufnahme von „Turėjo liepa“ vom Konzert in der alten Kirche von Riske, Norwegen zeigt all dies.

Das Album erhaltet ihr HIER.

Und jetzt hört „Judabra“ an:

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„Serendipitous meeting“ by STUBA, Skaidra Jančaitė & Kjell Braaten

“Serendipitous Meeting” is the title of the album with songs that follow a traditional form of singing – the Sutartinės. They were recorded by a group of Lithuanian women (STUBA) together with Skaidra Jančaitė and Kjell Braaten.
The women came together about 10 years ago to bring the Sutartinės and singing back into everyday life.
Skaidra Jančaitė is a singer and choir director who has worked with folklore, opera, and experimental music.
Kjell Braaten is an expert on old Scandinavian instruments, composer and producer. He has released several albums.

The Sutartinės are an ancient form of polyphonic music that was added to the UNESCO list of intangible cultural heritage in 2010. They are usually performed by two, three or four singers.
Sutartinės‘ lyrics tell of everyday things, celebrations and the worries and thoughts that life brings with it. Human characteristics or emotions are often expressed through elements of nature. (More about Sutartinės)

„Serendipitous Meeting“ was created following a workshop on Sutartinės and a concert at the Lithuanian community centre in Hommersåk, Norway. At a meeting in his house, Kjell Braaten recorded some songs in different variations and gave them a warm and full sound.

Workshop and living room concert

This album is special in several ways: firstly, because it presents a special form of singing with the Sutartinės, and secondly because of the way it came about. (see also interview)

What is special about the Sutartinės is that the songs consist of two melodies and two texts: a main text that contains the theme and a refrain that often has no (semantic) meaning if it is formed by groups of syllables rather than words. Daiva Vaišnorienė, one of the singers, calls them “magic words”.
The individual melodies and texts are given equal status. That is, no singing voice is more important than the other. This can be heard clearly in all songs, including the variation of “Turėjo liepa”, in which Skaidra Jančaitė sings a solo.

Songs like the surf and flowing fabric in the wind

„Turėjo Liepa“ sings about the linden tree and its branches, which symbolises the mother or her daughters. The song tells of the mother’s wish that at least one of her daughters would stay with her to look after her or  mourn her later. „Turėjo Liepa“ begins with the sound of the Kravik lyre: gentle, ethereal, melancholic and at the same time lively. Then a clear and emphatic singing begins. This is how the first verse is sung, followed by the chorus of onomatopoeia, the ‚magic words‘.
At the same time, the rhythm created by the distribution of the long and short syllables of the words, as well as the ‚thrown in‘ sounds of the male singing and the accompaniment of the Kravik lyre, creates a movement that rolls onto the beach like waves in the surf. In further variations, the rhythmic elements are strengthened and the solo voice makes desire and sadness even more tangible.

„Judabra“ describes the effort a woman makes to weave a ‚crown‘ (a flower wreath). Here you can understand the principle of how these songs are constructed. How the voices gradually come in, pick up the melody and the elements come together like a canon and the melodies combine to form a sound fabric that moves like fabric in a gentle wind.

„Ką bice“ is one of the songs that should definitely be listened to with headphones. Because then the back and forth of the sounds can be heard even more intensely. In the alternative version, the bees that this song is about can also be heard clearly.

In „Kas tTar teka per dvarelį“ the melody bounces like a marble rolling down a forest path.

“Žilvitis žaliavo čiūto rūto” sings about the basket willow with a longing melody. The accompaniment of the Kravik lyre makes the song sound lively. A voice calls out to us as if from far away.

The magic of words, the poetry of everyday life and the cycles of life

As different as the songs are, they all have melancholy in common, an up and down of joy and sadness.
It is the closely interwoven sounds, which are sometimes like water flowing quickly over the stones in a stream and sometimes like rays of sun flashing through clouds, that make you listen and pay attention.
The Sutartinės‘ lyrics don’t just tell of everyday things. They make the cycles of life clear, which are represented in the repetition and re-formation of the sounds in the songs. The songs thus also touch on something like unclear memories.

The Sutartinės were passed down through generations. That’s why we can still listen to them, enjoy them and see what they can tell us or give us today.
It is songs like these that place not only the music, but also the stories they are about, in a continuum in which we too stand.

The recording of “Turėjo liepa” from the concert in the old church in Riske, Norway shows all this.

You can get the album HERE.

And now listen to “Judabra”:

(The interview was conducted in English. Scroll down for the original)

Vor ein paar Tagen ist das Album „Serendipitous Meeting“ von STUBA, Skaidra Jančaite und Kjell Braaten erschienen.

Das Album ist nach einem Workshop zu Sutartinės, den traditionellen litauischen Gesängen entstanden. Im Wohnzimmer von Kjell Braaten wurden Mikrophone aufgestellt und die Sutartinės in verschiedenen Variationen gesungen. (Mehr zum Album demnächst hier.)

Der Name „Sutartinės“ stammt von sutarti (in Übereinstimmung sein bzw. etwas gemeinsam ausdrücken). Sie sind eine sehr alte Form mehrstimmiger Musik, die 2010 auf die Liste der immateriellen Kulturgüter der UNESCO aufgenommen wurde. Im Unterschied zu den meisten anderen traditionellen Liedformen, die eher von größeren Gruppen von Menschen gesungen werden, werden Sutartinės normalerweise von zwei, drei oder vier Sängerinnen vorgetragen. Mehr dazu HIER und DORT.

Mit Daiva Vaišnorienė, einer der Sängerinnen, habe ich mich über die Sutartinės, die besondere Form des Singens, die Entstehung des Albums, das Eingebundensein in Traditionen und vieles mehr unterhalten.

Sutartinės erzählen Geschichten

Hallo Daiva, ich freue mich, dass ich dir heute ein paar Fragen zu den Sutartinės und dem Album „Serendipitous Meeting“ stellen kann.
Wann und wo bist du zum ersten Mal mit den Sutartinės in Berührung gekommen?
Ich kannte Sutartinės schon seit meiner Kindheit. Ich weiß nicht mehr, wo ich sie gehört habe, aber es klang für mich wie Magie. Vor ungefähr 15-16 Jahren schloss ich mich dem Folklorekollektiv „Altonė“ in Zapyškis [Litauen] an, wo wir litauische Volkslieder sangen und auch versuchten, Sutartinės zu singen. Hier traf ich die wunderbaren Frauen Jūratė Sodeikienė, Rasa Markevičienė und Kristina Andrašiūtė, und wir begannen, Sutartinės für uns selbst zu singen. Ich glaube, Sutartinės wurden immer schon so in kleinen Frauenkreisen gesungen.

Was hat dir dann so gefallen, dass du dabeigeblieben bist?
Wie gesagt, Sutartinės haben ihren eigenen Charme und ihre eigene Magie. Entweder man mag sie oder nicht. Gleichgültigkeit gibt es nicht. Und ich habe mich in die Sutartinės verliebt.

Den anderen zuhören

Was ist für dich das Besondere an den Sutartinės und daran, sie zu singen?
Das Besondere für mich ist wohl einfach das Singen.  Mit meinen Freunden zu singen. Es ist eine besondere Form der Kommunikation. Wenn man auf diese Weise singt, ist es ganz wichtig, den anderen Stimmen zuzuhören. Heutzutage gibt es viele Leute, denen es darauf ankommt, sich selbst ausdrücken und gehört zu werden. Beim Singen von Sutartinės muss man in erster Linie zuhören. Das Wort Sutartinė stammt aus dem Litauischen und bedeutet „zusammen sein“, „im Einklang sein“. Zuhören, sich darauf einlasse, um die Worte und die Melodie weiterzugeben. Man muss den Leuten vertrauen. Die Verbindung zwischen singenden Menschen wird sehr eng.

Braucht man eine spezielle Gesangstechnik, um sie zu singen?
Ja und nein. Man muss sich darauf einlassen, die Stimme erklingen zu lassen, sie zu finden und sie zu akzeptieren.
Nächstes Jahr ist es 10 Jahre her, dass wir einen offenen Sutartinės-Workshop organisiert haben. Jeden letzten Sonntag im Monat laden wir die Leute ein, nach STUBA zu kommen – einem von uns geschaffenen Ort zum Singen. Dabei spielt es keine Rolle, ob es Anfänger oder professioneller Sänger sind. Die Hauptsache ist der Wunsch, Sutartinės zu singen. Die Leute können kommen und mitsingen oder den Klängen einfach nur zuhören.

Frauenstimmen

Sutartinės wurden ursprünglich nur von Frauen gesungen?
Ich bin mir nicht sicher, ob Sutartinės nur für Frauen gedacht waren. Es gibt einige Arten von Sutartinės, die auch von Männern gesungen werden können. In unserem Kreis kommen hauptsächlich Frauen zum Singen zusammen. Aber manchmal schließen sich auch Männer an.

Welchen Unterschied macht es, ob sie von Frauen oder von Männern gesungen werden?
Es gibt einige Nuancen dabei. Männer können Sutartinės mit Psalterium oder einigen Blasinstrumenten spielen. Jetzt gibt es viele Improvisationen mit elektronischen Musikinstrumenten. Wir haben das ja auch ausprobiert. Zusammen mit den großartigen Musikern Skaidra Jančaitė (Litauen) und Kjell Braaten (Norwegen) ist das Album „Serendipitous Meeting“ entstanden.
Aber noch einmal auf deine Frage nach der Gesangstechnik einzugehen: wenn man Sutartinė als eine Möglichkeit betrachtet, in Gemeinschaft zu sein, zu singen, ist der Wunsch zu singen und zuzuhören wichtiger als eine Gesangstechnik. Natürlich ist es wirklich wunderbar, wenn in Sutartinės offene und volle Stimmen erklingen.

Was meinst du: können bestimmte Themen oder Geschichten besser durch Frauenstimmen ausgedrückt werden?
Ich würde sagen, Geschichten werden durch Worte ausgedrückt. In Sutartinės werden schöne und auf sehr subtile Weise Worte verwendet, die traurige und lustige Geschichten erzählen. Sutartinės erzählen alles über das Leben.

Aber die Musik, der Klang ist wichtiger?
Ja, den größten Eindruck machen die in Sekunden aufeinanderfolgenden Klänge. Das ist das Besondere an den Sutartinės.

Rolle der Frauen in der litauischen Kultur

Welche Bedeutung hatten und haben Frauenstimmen in den Liedern der litauischen Kultur?
In unserer Kultur waren Frauen immer starke, aber sanfte, eigenständige Personen. Nachdem Litauen 1918 unabhängig wurde, durften Frauen wählen und gewählt werden. Ich denke also, dass dieses Gefühl der Freiheit der Frauen, zusammen zu sein und gehört zu werden, auch beim Singen Spuren hinterlässt.

Hat sich etwas an der Rolle von Gesang und Liedern verändert?
Die litauische Geschichte ist sehr kompliziert. Ich denke, das Dorf als Struktur hat eine große Rolle dabei gespielt, die litauische Volkskultur, Lieder, Geschichten und Traditionen zu bewahren. Frauen spielten dabei eine wichtige Rolle. Sie haben gearbeitet, waren bei Treffen dabei. Und in allen Bereichen des täglichen Lebens haben sie gesungen. Alle Menschen sangen – auch in harten Zeiten.

Wie ist es dazu gekommen, dass ihr euch als Gruppe zusammengetan habt, um Sutartinės zu singen?
Wir betrachten uns nicht als Gruppe. Wir leben alle in derselben Gegend. Rasa und ich sind sehr enge Nachbarn, Kristina und Jūra leben etwas weiter weg, aber wir sind trotzdem Nachbarn. Wir sind Freunde. Eine weitere Freundin, Živilė [Živilė Muraskiene hat auch das Cover des Albums gestaltet] singt nicht, aber sie schmückt alles mit ihren eigenen Bildern. Wir singen als Freunde. Wir sind alle Teil von Stuba, der Organisation, die wir vor 10 Jahren gegründet haben.

[STUBA bedeutet Haus, Heim. Eine Gruppe von Frauen hat hier einen Raum für kreative Initiativen innerhalb der Gemeinde geschaffen. Eines der Ziele von STUBA ist es, dem Singen wieder einen Platz im täglichen Leben zu geben.]

Woher nehmt ihr die Lieder? Gibt es Archive dafür? Und wie entscheidet ihr, welche Lieder ihr singt?
Ja, es gibt Archive. Wir sind allen Sammlern, Bewahrern und Bewahrern von Sutartinės sehr dankbar.
Welche Sutartinė wir singen, ist abhängig von unserer Stimmung, der Melodie, der Geschichte, der Lebensphase oder der Jahreszeit.

Nach den Traditionen suchen

Ich denke, ihr seid nicht nur Interpreten von Liedern, sondern auch Bewahrer dieser Lieder und der damit verbundenen Kultur. Wie siehst du das?
Ja, da stimme ich dir zu. Im Grunde machen wir keine großen Sachen. Mein Wunsch ist es, die Sutartinės am Leben zu erhalten, indem meine Freunde und ich ein Beispiel geben, um vielen Leuten zu zeigen, dass sie sie auch singen können. Wenn es möglich ist, stellen wir Sutatinės ausländischen Zuhörern vor und laden sie ein, gemeinsam mit uns zu singen. Ich hoffe, dass wir auf diese Weise auch bei ihnen den Wunsch wecken können, nach den Volkstraditionen ihres Landes zu suchen. Ich denke, unsere Vorfahren haben die Traditionen nicht nur bewahrt, sondern auch am Leben erhalten. Wir setzen das fort und passen sie an die heutigen Bedingungen an.

D.h. ihr verändert auch etwas an den Liedern? Und achtet ihr auf ein Gleichgewicht zwischen Tradition und Innovation?
Normalerweise versuchen wir, sowohl die Originalversion als auch traditionelle Versionen zu singen. Aber manchmal machen wir auch Improvisationen.

Habt ihr schon einmal daran gedacht, selbst Sutartinės zu schreiben?
Nein (lacht).

Der Weg zum Album

Inzwischen ist das Album „Serendipitous Meeting“ erschienen. Wie seid ihr mit Kjell Braaten, der das Album aufgenommen und herausgebracht hat, in Kontakt gekommen?
Es kam zufällig Serendipitous beschreibt ja eine Situation, wenn man zufällig zur richtigen Zeit am richtigen Ort ist, wie zum Beispiel, wenn man an einem ungewöhnlichen Ort einen guten Freund trifft. Wir suchen manchmal nach Möglichkeiten, uns im Ausland umzusehen, wie wir unseren Gesang und unsere Sichtweise bereichern und neue Ideen bekommen können. Ich habe eine Bewerbung für Nordic Culture Point [eine Einrichtung des Nordischen Ministerrats zur Unterstützung der kulturellen Zusammenarbeit ihrer Länder] geschrieben und so bekamen wir die Möglichkeit, Norwegen und die litauischen Gemeinden dort zu besuchen. Wir wussten, dass Kjell eine Leidenschaft für alte skandinavische Musik hat. Auch die Künstlerin Skaidra Jančaitė hat sich uns angeschlossen. Wir wollten etwas zusammen entwickeln. Und so kam es letztlich zu dem Album „Serendipitous Meeting“.

Worum geht es in den Liedern, die auf dem Album sind?
Das erste Lied handelt von einem Lindenbaum und einer Parallele zu einer Mutter und einem jungen Mädchen, das heiraten wird. Ein Lindenbaum steht für die Mutter, die Zweige des Baumes für die Tochter.Das zweite Lied „Judabra“ ist ein Lied voller magischer Worte. Es ist auch eine Sutartinė für Hochzeiten. Es wird von den Anstrengungen eines jungen Mädchens erzählt, einen Kranz, eine Blumenkrone zu machen.Es gibt auch ein Lied über Bienen, über eine Weide und dem Respekt, den man einem Baum entgegenbringt, bevor man ihn fällt.

Klänge und ‚Zauberwörter‘

Einige der Texte bestehen aus „Wörtern“ ohne Bedeutung, wie es oft bei Volksliedern der Fall ist. In deutschsprachigen Liedern gibt es zum Beispiel oft so etwas wie „Tralalala“.
Ja, wir nennen sie Zauberworte, mächtige Wörter. Da gibt es „laduto tuto“, „siudija, siudijo, siudijula ​​tatato“, „lingo“, „čiuto rūto“ und viele mehr.

Wie ist das heute: Zu welchen Anlässen singt man Sutartinės? Werden sie noch zu bestimmten Festen wie zum Beispiel Hochzeiten gesungen?
Wir versuchen, das Singen als Vergnügen für uns zu erhalten, als Entspannung, als Auszeit vom Alltag. Aber manchmal singen wir es für enge Freunde bei ihren Hochzeiten oder vor Beerdigungen, um die Seele nach dem Sterben zu begleiten. Wir nehmen auch an verschiedenen Sutartinė-Sängerfestivals in Litauen teil, wie „Sutartinių takas“ und anderen.

Vielen Dank für die Antworten und interessanten Informationen. Zum Schluss habe ich noch eine Frage: Habt ihr Nachwuchs? Gibt es junge Frauen, die die Tradition fortführen?
Es gibt junge Frauen, die zu unseren offenen Workshops kommen. Ich ermutige sie, nicht mit dem Singen aufzuhören und wünsche ihnen, dass sie weiterhin Freude daran haben.

Und ich wünsche euch, dass ihr weiterhin viel Freude am Singen der Sutartinės habt und mit dieser Freude andere anstecken könnte. Sei es nun, dass sie selbst mit dem Singen von Sutartinės anfangen oder die Freude durch das Hören des Albums haben!

Und jetzt einmal in die Klänge eintauchen: „Turėjo Liepa“ (Es gibt auch ein tolles Live-Video dazu, dass ihr über die Bandcamp-Seite sehen könnt)

The Interview about the album „Serendipitous Meeting“

A few days ago, the album “Serendipitous Meeting” by STUBA, Skaidra Jančaite and Kjell Braaten was released.The album was created after a workshop on Sutartinės, the traditional Lithuanian songs.
Microphones were set up in Kjell Braaten’s living room and Sutartinės were sung in various variations. (More about the album coming soon here.)

The name “Sutartinės” comes from sutarti (to be in agreement or to express something together). They are an ancient polyphonic music that was added to the UNESCO list of intangible cultural heritage in 2010. Unlike most other traditional song forms, which are sung by larger groups of people, Sutartinės are usually performed by two, three or four singers. More about that HERE and THERE.

I spoke to Daiva Vaisnoriene, one of the singers, about the Sutartinės, the special form of singing, the creation of the album, being involved in traditions and much more.

Sutartinės tell stories

Hello Daiva, I am glad that today I can ask you a few questions about the Sutartinės and the album “Serendipitous Meeting”. When and where did you first come into contact with the Sutartinės?
I knew Sutartinės since my childhood. I don’t remember where I heard them, but it sounded like magic to me. About 15-16 years ago I joined the folklore collective “Altonė” in Zapyškis [Lithuania], where we sang Lithuanian folk songs and also tried to sing Sutartinės. Here I met the wonderful women Jūratė Sodeikienė, Rasa Markevičienė and Kristina Andrašiūtė, and we started singing Sutartinės for ourselves. I think Sutartinės have always been sung like that in small women’s circles.

So what was it that made you like it so much that you stuck with it?
As I said, Sutartinės have their own charm and magic. You either like them or you don’t. There is no such thing as indifference. And I fell in love with the Sutartinės.

Listening to others

What do you think is special about Sutartinės and singing them?
For me, the special thing is simply singing. Singing with my friends. It is a special form of communication. When you sing like that, it is very important to listen to other voices. Nowadays, many people are interested in expressing themselves and being heard. When singing Sutartinės, you must first and foremost listen. The word Sutartinė comes from Lithuanian and means „to be together“, „to be in harmony“. Listen, get involved, to pass on the words and the melody. You must trust people. The connection between people singing becomes very close.

Do you need a special singing technique to sing them?
Yes and no. You have to get involved, to let the voice sound, to find it and to accept it.
Next year will be 10 years since we organized an open Sutartinės workshop. Every last Sunday of the month we invite people to come to STUBA – a place for singing that we created. It doesn’t matter if they are beginners or professional singers. The main thing is the desire to sing Sutartinės. People can come and sing along or just listen to the sounds.

Women’s voices

Sutartinės were originally sung only by women?
I’m not sure if sutartinės were intended only for women. There are some types of sutartinės that can also be sung by men. In our circle, mainly women come together to sing. But sometimes men join in too.

What difference does it make if they are sung by women or men?
There are some nuances. Men can play sutartinės with psaltery or some wind instruments. Now there is a lot of improvisation with electronic musical instruments. We tried that too. Together with the great musicians Skaidra Jančaitė (Lithuania) and Kjell Braaten (Norway) the album „Seredipitous Meeting“ was created.
But to answer your question about singing technique again: if you consider Sutartinė as a way of being in a community, of singing, the desire to sing and listen is more important than a singing technique. Of course, it is really wonderful when open and full voices sound in Sutartinės.

What do you think: can certain themes or stories be better expressed by women’s voices?
I would say stories are expressed through words. In Sutartinės, words are used beautifully and in a very subtle way, telling sad and funny stories. Sutartinės tell everything about life.

But the music, the sound is more important?
Yes, the biggest impression is made by the sounds that follow one another in seconds. That is what is special about Sutartinės.

Role of women in Lithuanian culture

What significance did and do women’s voices have in the songs of Lithuanian culture?
In our culture, women have always been strong but gentle, independent people. After Lithuania became independent in 1918, women were allowed to vote and be elected. So I think that this sense of women’s freedom to be together and to be heard leaves its mark in singing as well.

Has anything changed in the role of singing and songs?
Lithuanian history is very complicated. I think the village as a structure played a big role in preserving Lithuanian folk culture, songs, stories and traditions. Women played an important role in this. They worked, attended meetings. And in all areas of daily life, they sang. All people sang – even in hard times.

How did you come together as a group to sing Sutartinės?
We don’t consider ourselves a group. We all live in the same area. Rasa and I are very close neighbours, Kristina and Jūra live a little further away, but we are neighbours nonetheless. We are friends. Another friend, Živilė [Živilė Muraskiene also designed the album cover] does not sing, but she decorates everything with her own paintings. We sing as friends. We are all part of Stuba, the organization we founded 10 years ago.
[STUBA means house, home. A group of women has created a space here for creative initiatives within the community. One of STUBA’s goals is to give singing a place in everyday life again.]

Where do you get the songs from? Are there archives for them? And how do you decide which songs to sing?
Yes, there are archives. We are very grateful to all collectors, keepers and preservers of Sutartinės.
Which Sutartinė we sing depends on our mood, the melody, the story, the phase of life or the season.

Searching for traditions

I think you are not only performers of songs, but also keepers of these songs and the culture associated with them. How do you see it?
Yes, I agree with you. Basically, we don’t do anything big. My wish is to keep the Sutartinės alive by my friends and I setting an example to show many people that they can sing them too. When possible, we introduce Sutatinės to foreign listeners and invite them to sing with us. I hope that in this way we can also awaken in them the desire to search for the folk traditions of their country. I think our ancestors not only preserved the traditions, but also kept them alive. We continue this and adapt them to today’s conditions.

So you also change something in the songs? And do you pay attention to a balance between tradition and innovation?
Usually, we try to sing both the original version and traditional versions. But sometimes we also improvise.

Have you ever thought about writing Sutartinės yourself?
No (laughs).

The path to the album

The album “Serendipitous Meeting” has now been released. How did you get in touch with Kjell Braaten?
It happened by chance – Serendipitous describes a situation when you happen to be in the right place at the right time, like when you meet a good friend in an unusual place. We sometimes look for ways to look abroad, how we can enrich our singing and our perspective and get new ideas. I wrote an application for Nordic Culture Point [an institution of the Nordic Council of Ministers to support cultural cooperation between their countries] and that’s how we got the opportunity to visit Norway and the Lithuanian communities there. We knew that Kjell had a passion for old Scandinavian music. The artist Skaidra Jančaitė also joined us. We wanted to develop something together. And that’s how the album “Serendipitous Meeting” came about.

What are the songs on the album about?
The first song is about a linden tree and a parallel to a mother and a young girl who is going to get married. A linden tree represents the mother, the branches of the tree represent the daughter.The second song “Judabra” is a song full of magical words. It is also a sutartinė for weddings. It tells of the efforts of a young girl to make a wreath, a flower crown.There is also a song about bees, about a willow and the respect you show a tree before cutting it down.

Sounds and ‚magic words‘

Some of the lyrics consist of „words“ without meaning, as is often the case with folk songs. In German songs, for example, there is often something like „tralalala“.
We call them magic words, powerful words. There are „laduto tuto“, „siudija, siudijo, siudijula ​​tatato“, „lingo“, „čiuto rūto“ and many more.

What is it like today: on what occasions do people sing Sutartinės? Are they still sung at certain celebrations such as weddings?
We try to keep singing as a pleasure for us, as a way to relax, as a time out from everyday life. But sometimes we sing it for close friends at their weddings or before funerals, to accompany the soul after death. We also take part in various Sutartinė singing festivals in Lithuania, such as “Sutartinių takas” and others.

Thank you for the answers and interesting information. Finally, I have one more question: do you have any children? Are there any young women who continue the tradition?
There are young women who come to our open workshops. I encourage them not to stop singing and hope that they continue to enjoy it.

And I hope that you continue to enjoy singing Sutartinės and that you can infect others with this joy. Whether it is by starting to sing Sutartinės themselves or by listening to the album!

And now let’s dive into the sounds: “Turėjo Liepa” (There is also a great live video that you can watch on the Bandcamp page)

NEBALA startet Kickstarter-Kampagne für „Rites of Passage“

Einige Zeit war es ruhig um NEBALA. Aber jetzt gibt es gute Neuigkeiten: ein neues Album ist in Arbeit und soll jetzt mit einer Kickstarter-Kampagne auf den Weg gebracht werden. Der Titel verweist darauf, worum es in diesem Album gehen wird: um Übergangsphasen im Leben und Riten, die damit verbunden sind.

Musikalisch wird die Grundlage auch diesmal aus Elementen nordischer und indischer Musik bestehen.

Neues Album und eine Überraschung

Die große Überraschung ist, dass Jonas Lorentzen, der Kreative hinter NEBALA, Christopher Juul von HEILUNG für das das Projekt gewinnen konnte und mit ihm zusammen das Album fertigstellen wird.

Nachdem NEBALA im Juli 2022 das Album „Lustuz La​þ​u W​ō​þ​uz Alu“ herausgegeben haben, folgten zwei großartige Shows auf dem Castlefest (s. hier) und dem Midgardsblót-Festival.
Die Show dort wurde aufgenommen und im April 2023 als „Live at the Bl​ó​t“ als Album veröffentlicht.

Danach spielten NEBALA live in veränderter Zusammensetzung und in anderer Form. Dies hat ganz unterschiedliche Gründe, wie Jonas Lorentzen, mir in einem Gespräch erzählte (Mehr aus diesem Gespräch könnt ihr demnächst hier auf metal-heads.de lesen).

Große Shows brauchen große Festivals

So große Shows, wie NEBALA sie auf diesen beiden Festivals gespielt haben, müssen auch finanziert werden. Dies ist meist nur großen Festivals möglich. Große Festivals setzen aber eher auf Bands, bei denen sie sicher sein können, dass sie viele Zuschauer anziehen.

Für NEBALA hieß dies, dass die Angebote, die sie erhielten, nicht ausreichten, um weiterhin in der bisherigen Form aufzutreten.

So wurden verschiedene Konzepte überlegt, deren Umsetzung dann erneut verändert werden musste, da Kjell Braaten (der sowohl an der Entstehung des Albums als auch in den Shows einen großen Anteil hatte) erkrankte.

NEBALA haben dann in reduzierter Besetzung auf dem Festival Mediaval spielten und auf dem Midgardsblót mit dem „Blót Rave“ ein anderes Konzept genutzt haben.

Weiterentwicklung von Ideen

Dann hat Jonas Lorentzen die Ideen, wie es mit NEBALA weitergehen soll, zunächst allein weiterentwickelt.
Einen Stillstand gab es also nie, da Jonas weiter an seinen Konzepten arbeitete.

Die weiteren Stationen in aller Kürze: Jonas lernte den italienischen Multi-Instrumentalisten Ghilli Prati kennen, mit er sich musikalisch und darüber hinaus gut versteht. Dann gab es die Möglichkeit, ein paar Tage lang in einem Studio aufzunehmen.

Mitten in den Aufnahmen wurde die Zusammenarbeit mit By Norse Music (über die die beiden o.g. Alben veröffentlicht wurde) beendet. Auch wenn dies einvernehmlich war, hatte NEBALA nun kein Label mehr im Hintergrund.

Jonas nahm Kontakt zu seinem Freund Christopher Juul auf, um ihn zu fragen, ob er Interesse hätte, das Album mit ihm zu verwirklichen. Er hatte Interesse und zusammen werden sie die Aufnahmen, Mixing und Mastering fertigstellen.

Die Kickstarter-Kampagne unterstützen „Rites of Passage“: A Journey Through Life’s Transformative

In dieser Woche wurde eine Kickstarter-Kampagne gestartet. So sollen die Leute mit auf die Reise genommen und beteiligt werden, die letztlich das Projekt erfolgreich machen können.

Ich denke, dass es sich auf jeden Fall lohnt, das Projekt zu unterstützen. Denn wenn damit NEBALAs  nordisch-indischen Sound weiterentwickelt wird, wird es musikalisch wieder sehr spannend und unter die Haut gehend.

Sich thematisch und klanglich mit Übergangsriten zu beschäftigen und auf diese Weise den Lebensweg jedes Menschen zu begleiten, ist ein anspruchsvolles Projekt. Aber auch ein wichtiges Projekt, weil den Übergängen, Strukturen und hilfreichen Ritualen immer weniger Beachtung geschenkt wird und sie aus unserer ‚modernen‘ Welt zu verschwinden scheinen.

Die Übergänge von einer Lebensphase in die nächste (vom Kind zum Jugendlichen, erwachsen werden, die neue Rolle als Eltern usw.) verlaufen einerseits fließend, andererseits fühlen Menschen sich oft in die neue Lebensspanne ‚versetzt‘. Rituale des Übergangs können helfen, dass dieser Prozess bewusster und somit selbstbestimmter verläuft.

In der Menschheitsgeschichte gab es immer Strukturen, die durch Rituale diese Prozesse begleiteten und markierten. Z.B. Initiationsriten oder die Sakramente der christlichen Religionen.

NEBALA greift dies mit „Rites of Passage“ auf und wird der Reise durch das Leben Lieder geben, die Gedanken, Texte und musikalische Elemente sowohl indischer, nordischer als auch frühchristlicher Mystik aufgreifen.

Das klingt sehr spannend und freue mich jetzt schon auf, neue Lieder und dann das Album als Ganzes zu hören.

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NEBALA: Kickstarter Campaign for New Album 

NEBALA launches Kickstarter campaign for „Rites of Passage“

Things have been quiet around NEBALA for a while. But now there’s good news: a new album is in the works, and it’s set to be launched through a Kickstarter campaign. The title hints at the album’s theme: life’s transitional phases and the rites associated with them. Musically, the foundation will again consist of elements from Nordic and Indian music.

New Album and a Surprise

The big surprise is that Jonas Lorentzen, the creative mind behind NEBALA, has brought on Christopher Juul from HEILUNG to join the project and complete the album together.

After NEBALA released the album „Lustuz Laþu Wōþuz Alu“ in July 2022, they followed up with two outstanding shows at Castlefest (see here) and the Midgardsblót Festival. The show at Midgardsblót was recorded and released as the live album „Live at the Blót“ in April 2023.

Afterward, NEBALA performed live with a reconfigured lineup and in a different format. There are various reasons for this, as Jonas Lorentzen explained to me in a conversation (you will soon be able to read more from this interview on metal-heads.de).

Big Shows Need Big Festivals

Large shows, like the ones NEBALA performed at these two festivals, require significant funding. This is usually only feasible for major festivals. However, big festivals tend to favour bands that are guaranteed to attract large audiences.
For NEBALA, this meant that the offers they received were insufficient to continue performing in their previous format.

Several concepts were explored, but their execution had to be revised when Kjell Braaten (who played a significant role in both the album’s creation and the shows) fell ill. NEBALA then performed at Festival Mediaval with a reduced lineup and presented a different concept at Midgardsblót with the „Blót Rave“.

Further development of ideas

Jonas Lorentzen then continued developing ideas for NEBALA’s future on his own. There was never really a standstill, as Jonas kept working on his concepts.
The key developments in brief: Jonas met the italian multi-instrumentalist Ghilli Prati with whom he connected musically and beyond. Then, they had the opportunity to record in a studio for a few days.

In the middle of the recording sessions, NEBALA parted ways with By Norse Music (the label through which the aforementioned albums were released). Although the split was amicable, NEBALA now found themselves without a label.

Jonas reached out to his friend Christopher Juul to see if he’d be interested in working on the album together. He was, and together they will finish the recording, mixing, and mastering.

Supporting the Kickstarter-campaign: „Rites of Passage“ A Journey Through Life’s Transformative Moments

A Kickstarter campaign was launched this week, aiming to involve the people who can ultimately make the project a success.

I believe it’s definitely worth supporting the project. If NEBALA continues to evolve their Nordic-Indian sound, it will undoubtedly be musically exciting and deeply moving.

Exploring rites of passage both thematically and sonically, and thus accompanying each person’s journey through life, is an ambitious project. But it’s also an important one, as the transitions, structures, and meaningful rituals that guide us seem to be fading from our ‚modern‘ world.

The transitions from one life phase to the next (from childhood to adolescence, adulthood, becoming parents, etc.) are both gradual and abrupt. People often feel ‚thrust‘ into the next stage of life. Rites of passage can help make this process more conscious and self-determined.

Throughout human history, there have always been structures marked by rituals to guide these processes—such as initiation rites or even the sacraments in Christian religions.

With „Rites of Passage“, NEBALA embraces this concept and will accompany life’s journey with songs that draw on the thoughts, texts, and musical elements of Indian, Nordic, and early Christian mysticism.

This sounds very exciting, and I’m already looking forward to hearing the new songs and the album as a whole.

(english version below)

Kjell Braaten hat am 19. August 2024 sein neues Lied „Trøyst“ veröffentlicht.

Der Multi-Instrumentalist, Spezialist für nordische Instrumente und Komponist Kjell Braaten war an Bands wie NEBALA, WARDRUNA und EHWAZ beteiligt und hat mit vielen verschiedenen Künstlern und Projekten wie zuletzt mit der litauischen Gruppe STUBA zusammengearbeitet. Sein musikalisches Spektrum umfasst auch Sounddesigns und Musik für Filme (z.B. wie für die Serie „Vikings Valhalla“).

Für die Menschen, die unter der Machtgier anderer leiden

Den Text zu „Trøyst“ hat Tove Hassel kurz nach Beginn des Krieges in der Ukraine geschrieben.

Doch es geht nicht nur um diese Situation. „Trøyst“ ist ein Lied für die Menschen, die aufgrund der Machtgier anderer unter unerträglichen Bedingungen leben.

Beschrieben wird das Erschreckende, Furchterregende, aber es geht auch darum, wie man sich das Leben wünscht, wie es eigentlich sein sollte.

Die  Art und Weise, wie Kjell Braaten dies in Melodien gefasst hat und  er die Worte singt, löst ganz unterschiedliche und auch widersprüchliche Emotionen aus.

Der Text ist auf Norwegisch. Doch in dem Lyric-Video, das zu dem Lied  veröffentlicht wurde,  gibt es eine Übertragung ins Englische. Es lohnt sich auf jeden Fall, sich den Text anzuschauen, denn er berührt.

„Trøyst“

Langsame gleichmäßige Trommelschläge begleiten die ersten Zeilen, die das Beängstigende benennen. Der Gesang wirkt verhalten und verletzlich.

Doch wenn es um die Vorstellung geht, wie die Welt eigentlich sein sollte, wird die Stimme fest und bestimmt.

Der Refrain klingt sehnsüchtig und hoffnungsvoll zugleich. Und dieser Eindruck wird durch das traurigschöne Zwischenspiel mit der Leier noch verstärkt.

Wie ich eingangs geschrieben habe, ist Kjell Braaten ein Experte für nordische Instrumente. Darüber hinaus hat er sich mit Instrumenten aus vielen Regionen der Welt sowie aus verschiedenen Epochen beschäftigt. 2021 veröffentlichte er mit „Bronseplassen“ Live-Aufnahmen von einem Konzert, das er auf dem Bronseplassen in Høvåg, einem rekonstruierten Hof aus der Bronzezeit gegeben hat.

Wie bei diesen Liedern gelingt es Kjell Braaten auch mit „Trøyst“, den Zuhörer allein mit der Stimme in seinen Bann zu ziehen und mit wenigen begleitenden Instrumenten Sehnsucht, Trauer aber auch Hoffnung auszudrücken.

Das Lyric-Video verstärkt diesen Eindruck. Es zeigt im Vordergrund eine fröhliche junge Frau, tanzend mit einem Blumenkranz im Haar, während im Hintergrund Häuser brennen.

Trøyst – Trost im Sinne von Sicherheit, Vertrauen und Schutz

Auch wenn in diesem Lied Verlust, Täuschung und Furcht beklagt werden, ist es keine Anklage. Doch gerade durch die Art, wie Realität und Wunsch miteinander in Verbindung gebracht werden, stellen sich Trauer, Wut  aber auch Sehnsucht und Ruhe ein, wenn man Musik und Text auf sich wirken lässt.

So viele Menschen haben überall auf der Welt unter der Machtgier anderer zu leiden.

Wenn die Welt um uns herum uns keine Sicherheit mehr gibt – wo finden wir Zuversicht, Vertrauen und Trost? Das Lied gibt eine Antwort darauf.

Das Artwork ist von Fátima Ackerson.
Das Lyric-Video hat Kjell Braaten animiert. 

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TRØYST by Kjell Braaten

Kjell Braaten released his new song „Trøyst“ on 19 August 2024.

The multi-instrumentalist, specialist in Nordic instruments, and composer Kjell Braaten has been involved with bands such as NEBALA, WARDRUNA, and EHWAZ and has collaborated with many different artists and projects, most recently with the Lithuanian group STUBA. His musical spectrum also includes sound design and music for films (such as the series „Vikings Valhalla“).

For those who suffer under the greed for power of others

The lyrics for „Trøyst“ were written by Tove Hassel shortly after the outbreak of the war in Ukraine. However, the song is not just about this situation. „Trøyst“ is a song for those who live under unbearable conditions due to the greed for power of others.

The lyrics describe the terrifying and frightening, but they also convey how one wishes life could be, how it should be. The way Kjell Braaten has set these words to music and how he sings them evokes a range of different, even contradictory, emotions.

The lyrics are in Norwegian. The lyric video released with the song, includes an English translation. It is definitely worth reading the lyrics, as they are deeply moving.

„Trøyst“

Slow, steady drumbeats accompany the first lines, naming the fearful and terrifying. The vocals are restrained and vulnerable. However, when it comes to imagining how the world should be, the voice becomes strong and determined. The chorus sounds both yearning and hopeful. This impression is further intensified by the mournfully beautiful interlude with the lyre.

As I mentioned earlier, Kjell Braaten is an expert in Nordic instruments. Beyond that, he has explored instruments from many regions of the world as well as from various historical periods. In 2021, he released „Bronseplassen“, live recordings from a concert he performed at the Bronseplassen in Høvåg, a reconstructed Bronze Age farm.

As with those songs, Kjell Braaten also succeeds with „Trøyst“ in captivating the listener with just his voice and a few accompanying instruments, expressing longing, sorrow, and hope.

The lyric video enhances this impression. It shows a joyful young woman dancing with a flower crown in her hair, while in the background, houses burn.

Trøyst – Comfort in the sense of security, trust, and protection

Even though this song laments loss, deception, and fear, it is not an accusation. But it is precisely the way in which reality and desire are intertwined, that gives rise to feelings of  sadness, anger but also longing and calm, when you let the music and lyrics sink in.

So many people all over the world suffer from the greed of others for power.
When the world around us no longer offers us security – where do we find confidence, trust, and comfort? The song provides an answer to this.

The artwork is by Fátima Ackerson.
The lyric video was animated by Kjell Braaten.

(engl. version below)

Echoes of North“ ist das Debütalbum von Christine Kammerer, mit der ich mich vor ein paar Tagen über ihren Weg zur Musik und zur Entstehung des Albums gesprochen habe.

Sie ist in einer musikalischen Familie aufgewachsen, hat einen Hintergrund nicht nur in klassischer Musik, sondern auch im Heavy Metal. Im Laufe der Zeit hat sie sich immer mehr mit Folk-Musik auseinandergesetzt. Sie gründete die Band JOTUNGER, die sie als ihr „Dark-Folk-Projekt“ bezeichnet.

Christine Kammerer war schon früh von den Klängen keltischer Volksmusik begeistert. Volksmusik war in ihrer Familie ein wichtiges Element. So komponierte ihr Großvater, der aus Bayern stammte, auch Volksmusik. In Dänemark aufgewachsen kennt sie die dänische/nordische Volksmusik. Sie spezialisierte sich während des Studiums der Musikwissenschaft und vergleichenden Kulturwissenschaft auf frühe nordische Musik / Musik aus der sg. Wikingerzeit. So begann sie auch, sich mit den alten musikalischen und kulturellen Verbindungen zwischen Skandinavien und Schottland zu beschäftigen

Die Verbundenheit der skandinavischen und schottischen Klanglandschaften

Das Album „Echoes of North“ macht die Verbundenheit und die gemeinsamen musikalischen Wurzeln zwischen Skandinavien und Schottland hörbar und erlebbar.
Christine Kammerer geht es auch hier um Musik als Bindeglied, Kommunikationsmöglichkeit und Vermittler zwischen Menschen, verschiedenen Kulturen, Vergangenheit und Gegenwart.
Sie hat mit dem Album, dessen 10 Lieder auf Dänisch, Englisch und Gälisch gesungen werden, den Eigenheiten der skandinavischen so wie der schottisch-gälischen Musik ebenso viel Raum gelassen wie den Gemeinsamkeiten. Sie hat diese Elemente so zusammengefügt, dass sie ineinanderfließen und neue, wunderschöne Melodien und Lieder entstanden sind.
Unterstützt wurde sie dabei von Musikern aus Dänemark, Schottland und Norwegen. Musiker, die vorher noch nie zusammengespielt haben. Sie haben die Idee hinter den Liedern aufgegriffen und umgesetzt, indem sie den Melodien nach ihrem Verständnis spielen und den Liedern damit diesen ganz speziellen Charakter verliehen haben.

Echoes of North – Lieder auf Dänisch, Gälisch und Englisch

Das Album beginnt mit „I Dag Bryder Lyset Frem“ (Heute bricht das Licht hervor). Klavier und Geige leiten das Lied ein. Zunächst zurückhaltend und doch intensiv singt Christine von dunklen Momenten, die es in unserem Leben gibt. Davon, dass es ob so scheint, als ob sie das Leben bestimmen. Dann werden Stimme und Instrumente intensiver und erzählen überzeugt von der Hoffnung, dass dieses Kapitel enden und ein neues beginnen wird. Dass etwas kommen wird, wie ein Licht, das sich seinen Weg durch die Dunkelheit bricht.
Das Chorarrangement und vor allen Dingen dieser wunderbare Wechsel der Stimmlage, wenn das Licht („Lys“) besungen wird, zeigen die Zuversicht, ohne die Trauer über die dunklen Momente zu verschweigen.

Bereits in diesem Lied zeigt sich, was sich thematisch wie ein roter Faden durch das Album zieht: traurige, schwere, dunkle Momente gehören zu unserem Leben. Aber es gibt immer wieder diese stärkenden Augenblicke in denen ‚das Licht hervorbricht‘ und man sich wohlfühlt, sich zuhause, angenommen und angekommen fühlt. Und auch wenn ein Nachhall des Vergangenen bleibt, ist es möglich, etwas hinter sich zu lassen

Lieder vom Nach-Hause-Kommen

„Daffodils“ hat wunderschöne Melodien in Gesang und den Geigen. Er ist einerseits ein Folksong mit harmonischen Strukturen und einer Melodie, die eingängig ist und zum Mitsingen einlädt. Das Arrangement unterstreicht es durch Sequenzen, die leicht sind und zum Tanz einladen. Dennoch ist es mehr. Das Arrangement ist dicht und bietet beim wiederholten Hören viele Entdeckungen. Man merkt, dass die Musiker ihr Verständnis des Liedes umgesetzt haben.
Es ist ein wunderschönes Lied über Ereignisse, die in Erinnerung bleiben und uns in traurigen Momenten mit Freude erfüllen können. Der Reichtum schöner Erinnerungen.

Sehnsuchtsvolles Geigenspiel und Gesang prägen „Carry Me Home“. Christines Stimme ist eindringlich und schwebend zugleich. Es klingt, als ob sie uns an einen verborgenen, mystischen Ort mitnehmen will. Und vielleicht ist Nach-Hause-Kommen manchmal so, als ob man einen bis dahin verborgenen Ort findet.

Teach me the way of wind so I can flow
Lead me well and watch me grow
Carry me Home

Christine Kammerer

Klagelieder

Es folgen drei Lieder, die ich als zusammengehörend empfinde. Es geht um Klage, Abschied und Hoffnung.

„Mythical Lamentation 1“ wird lediglich durch die Stimme und die teifen, tragenden Töne des Organistrum gestaltet. Ein ergreifendes Stück.

Diese Grundstruktur wird in „Sol Står Stille“ weitergeführt. Der dänisch gesungene Text ist schön in seiner Bildsprache. Die Melodie und das Arrangement ermöglichen verschiedene Facetten der Klage. Das Lied klingt archaisch in der Melodieführung und im Arrangement mit Organistrum, Geige  und mehrstimmigem Gesang. Der Mittelteil mit lautmalerischem Gesang ist ein Gänsehautmoment.

„Mystical Lamentation2“ geht ebenfalls unter die Haut. Klavier, Geige, Cello,Tagelharpa und Gemshorn spielen ihre Klage und lassen am Ende wieder Hoffnung und Ruhe einkehren.

Mittelalterliches Dänisch in nordischen Runen

Und nun folgt „Drømte mig en drøm & Mermaids Croon“, das die Intention des Albums, den Gemeinsamkeiten skandinavischer und schottisch-gälischer Musik eine neue Form zu geben, umsetzt. „Drømte Mig en Drøm“ ist das älteste bekannte dänische Volkslied. Der Text ist mit nordischen Runen in mittelalterlichem Dänisch geschrieben .  „Mermaids Croon“ (Crònan na maighdinn-mhara) ist ein gälisches Volkslied. Wenn man auf die Musik hört, würde man wohl nicht auf die Idee kommen, dass es sich um zwei Lieder handelt. Christine Kammerer hat hier die Essenz der Lieder zu Klängen zusammengeführt, die zeigen, wie nah sich die Ausdrucksformen sind. So klingt es, wenn nordische Musik mit unterschiedlichen Wurzeln ihren Widerhall findet.
Erzählend klar und dann wieder sirenenhaft klingt die Stimme. Das Arrangement ist zart und die alten Instrumente erzeugen einen warmen Klang, in dem ich mich zuhause fühle.

„Sig Nærmer Tiden“ ist eines der Lieder, das mich nicht nur an Musik aus dem Norden erinnert, sondern auch an Volkslieder aus anderen Kulturkreisen. Ob es an der Melodie, der Melancholie des Liedes, das von der Flüchtigkeit des Lebens und von Abschied singt, liegt?

„In The Old Town“ ist wie eine Liebeserklärung an einen vertrauten Platz, der Sicherheit und der Seele Ruhe bietet. Wieder geht es um Zu-Hause-Sein, dem Thema, das Christine Kammerer sich von verschiedenen Seiten genähert hat. Immer intensiv, mit Bildern, die in jedem ein Echo hervorrufen werden – wie immer er Zuhause für sich versteht oder wünscht.

Schläfst du, während der Sturm tobt?

Mit „Jeg Kender Et Danmark“ endet das Album. Es ist ein kraftvoller Song, der davon handelt, für das einzustehen, was einem wichtig ist. Sie singt zwar von Dänemark – aber hier kann jeder den Namen seines Landes einfügen. Denn Ideale wie Gleichwertigkeit, Gerechtigkeit, Fürsorge sind doch die Säulen jeder Gemeinschaft, die beachtet und geschützt werden müssen.
Auch hier gefällt mir die Verschmelzung verschiedener Elemente. Z.B. wie der Dudelsack eingesetzt wird und sich mit den anderen Instrumenten und Melodien zu einem Klangbild zusammenfügt. 

Echoes of North – Widerhall des Alten im Neuen

Christine Kammerers Intention, die gemeinsamen Wurzeln der Musik Skandinaviens und Schottlands aufzuzeigen und zusammenzuführen, ist mit diesem Album gelungen. Dabei konnte sie mit Musikern aus Schottland, Dänemark und Norwegen zusammenarbeiten, die dies aufgegriffen und in ihrer Art umgesetzt haben. Dies macht den besonderen Charakter des Albums aus. Es zeigt auch, dass Musik und Emotionen eine universelle Sprache sind, und dass es Geschichten und Themen gibt, die in allen Kulturen eine Rolle spielen.

Die Instrumente und Melodien, Christines beindruckend vielseitige Stimme sind dabei wie Fäden einer Stickerei. Sie sind einzeln erkennbar und ergeben zusammen ein Motiv. Wenn man den Liedern zuhört, klingt Bekanntes und Neues an. Es gibt viel zu entdecken – und nicht nur für Folk-Fans!

Neben Christine Kammerer (Gesang, Klavier) waren mit dabei:
Adam McKenzie (Dänemark): Cello
Alison McNeill (Schottland): Geige
Fiona McNeill (Schottland): Gitarre und Bodhrans
Scott Figgins (Schottland): Dudelsack
Hans Christian Molbech (Dänemark): Flöte und Gemshorn
Christian Mohr Levisen (Dänemark): Drehleier und Tagelharpa
Kjell Braaten (Norwegen); Organistrum

Produziert und gemischt wurde das Album im Studio 1790 von Gavin Paterson (Schottland) und gemastert von Kjell Braaten Music (Norwegen).

Das Album „Echoes of North“ findet ihr HIER

Und hier „Jeg Kender et Danmark“

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Christine Kammerer’s Debut Album „Echoes of North“ Release Date: June 7, 2024

„Echoes of North“ is the debut album by Christine Kammerer, with whom I recently spoke about her journey into music and the creation of the album.

She grew up in a musical family, with a background not only in classical music but also in heavy metal. Over time, she became increasingly involved with folk music. She founded the band JOTUNGER, which she describes as her „dark folk project.“
Christine Kammerer was captivated by the sounds of Celtic folk music from an early age. Folk music played a significant role in her family. Her grandfather, who was from Bavaria, also composed folk music. Growing up in Denmark, she is familiar with Danish/Nordic folk music. During her musicology and comparative cultural studies, she specialized in early Nordic music/music from the Viking Age. This led her to explore the ancient musical and cultural connections between Scandinavia and Scotland.

The Connection of Scandinavian and Scottish Soundscapes

The album „Echoes of North“ makes the connection and shared musical roots between Scandinavia and Scotland audible and tangible. Christine Kammerer emphasizes music as a link, a means of communication, and a mediator between people, of different cultures, past and present.

With the album, whose 10 songs are sung in Danish, English, and Gaelic, she has given space to both the distinctive features of Scandinavian and Scottish-Gaelic music as well as their commonalities. She has blended these elements so that they flow into each other, creating new, beautiful melodies and songs.

She was supported by musicians from Denmark, Scotland, and Norway—musicians who had never played together before. They embraced the idea behind the songs and implemented it by interpreting the melodies in their own way, giving the songs a unique character.

Echoes of North – Songs in Danish, Gaelic and English

The album begins with „I Dag Bryder Lyset Frem“ (Today the Light Breaks Forth). Piano and violin introduce the song. Initially restrained yet intense, Christine sings of dark moments in our lives that seem to dominate. Then the voice and instruments intensify, convincingly telling of hope that this chapter will end and a new one will begin, like a light breaking through the darkness.
The choral arrangement and, above all, the wonderful change in pitch when singing about the light („Lys“) convey hope without concealing the sorrow over dark moments.

Already in this song, a theme that runs through the album becomes apparent: sad, heavy, dark moments are part of our lives. But there are always these strengthening moments when ‚the light breaks forth‘ and one feels at home, accepted, and arrived. And even if an echo of the past remains, it is possible to leave something behind.

Songs of coming home

„Daffodils“ has beautiful melodies in the vocals and violins. It is both a folk song with harmonic structures and a catchy melody inviting sing-alongs. The arrangement highlights this with light sequences inviting dance. Yet, it is more. The dense arrangement offers many discoveries upon repeated listening. One notices that the musicians have interpreted the song with their understanding.
It is a beautiful song about events that remain in memory and can fill us with joy in sad moments. The richness of beautiful memories.

Longing violin playing and vocals characterize „Carry Me Home“. Christine’s voice is both compelling and ethereal. It sounds as if she wants to take us to a hidden, mystical place. And perhaps coming home is sometimes like finding a previously hidden place.

Teach me the way of wind so I can flow
Lead me well and watch me grow
Carry me Home

Christine Kammerer

Laments

Three songs follow that I feel belong together. They are about lament, farewell, and hope.

„Mythical Lamentation 1“ features only voice and the deep, resonant tones of the organistrum. An evocative piece.

This basic structure continues in „Sol Står Stille“. The Danish lyrics are beautiful in their imagery. The melody and arrangement allow for various facets of lamentation. The song sounds archaic in its melody and arrangement with organistrum, violin, and multi-voice singing. The middle section with onomatopoeic singing is a goosebumps moment.

„Mystical Lamentation 2“ also strikes deep. Piano, violin, cello, tagelharpa, and gemshorn play their lament, and hope and peace return at the end.

Medieval Danish in Nordic Runes

Next is „Drømte mig en drøm & Mermaids Croon“, which fulfils the album’s intention of giving a new form to the commonalities of Scandinavian and Scottish-Gaelic music. „Drømte Mig en Drøm“ is the oldest known Danish folk song. The text is written in Nordic runes in medieval Danish. „Mermaids Croon“ (Crònan na maighdinn-mhara) is a Gaelic folk song. Listening to the music, one would not think these are two separate songs. Christine Kammerer has merged the essence of the songs into sounds that show how close the forms of expression are. This is how it sounds when Nordic music with different roots finds its echo.
The voice sounds clear and narrative, then siren-like again. The arrangement is delicate, and the old instruments create a warm sound in which I feel at home.

„Sig Nærmer Tiden“ is one of the songs that reminds me not only of music from the north but also of folk songs from other cultural circles. Is it the melody, the melancholy of the song singing about the transience of life and farewell?

„In The Old Town“ is like a declaration of love to a familiar place that provides security and peace for the soul. Again, it is about being at home, a theme Christine Kammerer approaches from various angles. Always intense, with images that will evoke an echo in everyone—however they understand or wish for home.

Do You Sleep While the Storm Rages?

With „Jeg Kender Et Danmark“ the album ends. It is a powerful song about standing up for what is important to you. Although she sings about Denmark, anyone can insert the name of their own country here. After all, ideals like equality, justice, and care are the pillars of any community that must be respected and protected.
Here, too, I like the merging of various elements. For example, how the bagpipes are used and blend with the other instruments and melodies into a soundscape.

Echoes of North – The Reverberation of the Old in the New

Christine Kammerer’s intention to highlight and bring together the shared roots of Scandinavian and Scottish music has succeeded with this album. She was able to work with musicians from Scotland, Denmark, and Norway who embraced and implemented this in their own way. This gives the album its special character. It also shows that music and emotions are a universal language and that there are stories and themes that play a role in all cultures.
The instruments and melodies, Christine’s impressively versatile voice, are like threads in embroidery. They are individually recognizable and together create a motif. Listening to the songs, both familiar and new elements resonate. There is much to discover—and not just for folk fans!

Alongside Christine Kammerer (vocals, piano), the album features:
Adam McKenzie (Denmark): cello
Alison McNeill (Scotland): violin
Fiona McNeill (Scotland): guitar and bodhrans
Scott Figgins (Scottland): Bagpipe
Hans Christian Molbech (Denmark): flute and gemshorn
Christian Mohr Levisen (Denmark): hurdy-gurdy and tagelharpa
Kjell Braaten (Norway): organistrum

The album was produced and mixed at Studio 1790 by Gavin Paterson (Scotland) and mastered by Kjell Braaten Music (Norway).

You can find it HERE.

And now „Jeg Kender et Danmark“

Good morning, Christine, you released the album „Echoes of North“ last month. You’ve already got a lot of other things on the way before that. There have been many experiences, projects, concerts, ideas and development processes that I would like to talk to you about today.

How are you today?
I am good. Everything has been a bit of a whirlwind for the past couple of months. I’m just about to go on tour, but it’ll be amazing. I can’t wait.

You will go on tour with “Whisky and Witches” or with your own songs and your new album?
In July I’ll go on tour in Denmark with my band JOTUNGER, and we just did a full band version of “Whisky and Witches” in Copenhagen with JOTUNGER and Alison McNeil and Fiona McNeil from my album. So with my dark folk project JOTUNGER I will have four Viking festivals in Denmark across July. And then in August, I’ll, we’ll have eight shows of “Whisky and Witches” at the Fringe in Edinburgh.

Wow. A lot to do. When preparing for the interview, I already thought there is a lot to talk about.You’re a singer and a composer, you play many instruments and have your Viking band, JOTUNGER, and you have been in the project “Raven Brings Runes”. And what I also like very much: you covered “The Dragonborn Comes”. And now you have your album “Echoes of North” and with “Whisky and Witches” an exciting idea for a whisky tasting.
As I got to know you through your music, I would like to start with some questions about your music first.

Her grandfather got her into playing music

How did you get into music? Are you from a musical family, or how did music become so important for you?
Well, yes, I come from a music family. And the reason why this interview is also quite important to me is that a lot of my family come from Bavaria, from Rosenheim. And it was my granddad who got me into playing music.
He was a folk musician and a composer as well. His name was Edwin Kammerer. He grew up in Rosenheim. Then he met my grandmother and moved to Denmark. They started a music school and I basically have lived at that music school. So I started playing piano when I was five or six and then started singing when I was around eight, got into a choir, had my first solo song when I was 11, which was yesterday. And then from there, I didn’t know how to not do music. So I studied music at high school and boarding school, what we in Denmark call Højskolen. I studied musical theatre, dance, singing. And then I went on to musicology at university.

What idea or intention did you have when you decided to study musicology?
 I’ve always been very taken by how music acts as an agent in society, what it can do to us interculturally and between, between people.

And your projects somehow all have to do with this idea.
Yes, I’ve done a lot of projects, and it has to do with how music creates bridges between different cultures and different people.

 And how did it come to make music your profession?
I think that’s one of the reasons why I studied musicology, because I always thought, I want to work with music.  But if I can’t live off performing, at least I want an academic background that allows me to work with it on a higher level and continue that work my entire life.

Have you often wondered whether this is possible?
Honestly, I went through a lot of doubting. But when I went out of university, I had a clear idea of what I wanted to do. I wanted to curate cultural heritage through music.

 “Hi, can you play weird instruments and come and do that full-time?”

What ideas did you have?
I wanted to make history come alive with music and I wanted to tell stories. So in 2018, I went on quest to find some musicians who wanted to do a Viking music project with me. And, and that’s how I found the musicians for GJALDULEI. A couple of years ago we decided to go in different directions. And we restructured the band and renamed it JOTUNGER.
So I started that and then, because, you know, there’s not a museum that has a post that says, “Hi, can you play weird instruments and come and do that full-time?” So I needed to do that myself.

JOTUNGER is now one of the best-known Viking bands in Denmark.
Yes, we played quite a few times at the National Museum. And we play a lot of different festivals.

When did you start to write music?
I’ve been writing since I was 15. And I still got some of those old songs. It was everything from a couple of the first real performances with my own music I played was at a small venue, a small bar in Denmark. And it’s just me and my guitar, and I just played some songs from the EP that I released in 2020.

So you can’t do without music because you are full of music?
I don’t know how to not play music. It’s not something I do, it’s something I am. And it’s the way I relate to the world and how I create connections with people. And it feels like this is what I can give the world. And I will keep giving it as long as I have something in me.

I believe that all people have music in them in one way or another. And that music is a good way to communicate with others and feel connected.  And that musicians show how this is possible.  How it is possible to communicate and understand each other without words.
Yeah, I totally love the way you talk about it.

I would like to come back to your Viking band JOTUNGER. There are a lot of discussions about how Viking music sounds like. A lot of people think that we can’t say how it sounded.
We don’t know how it sounds and so on. But I think it’s not so important. It’s how I understand it.

Just as an archaeologist cannot always be one hundred per cent sure that what he thinks about the finds is correct?
Yes. My background is in ethnomusicology. It is to understand cultural and collective identity and how that’s discussed through music and how it’s communicated through music. So my approach to Viking Age music is qualified guesswork.
We’re weaving a tapestry or a mosaic of the different influences we can find. So part of it is immersing yourself in the culture. And that’s why Viking, participating in Viking festivals are such a big part of what we do. Often, we sit in the environments and play our instruments to see what comes out.

“Music is something I am “

Christine told about her specialization in the lyre and the use of natural instruments in cultural and ritual contexts. And about understanding music more as something you use for a specific purpose rather than entertainment, even if it was entertainment. She collects old Scandinavian folk songs and continues her research in Scotland, where she plans a journey to the Shetland and Orkney Islands to study Norse, Celtic, and Pictish cultures.She explores old music traditions and scales, sometimes  based on bone flute findings, incorporating these influences into her music. When composing, she intuitively feels when the music is right.

She said: “If I try to force it into being something it’s not, I close. If it feels right, I open and I can lean into it. I had a song that I wrote last year at Moesgård Viking Moot in Aarhus, Denmark, and I was paid four pieces of amber to write music for a ship that was about to set out to sea. And I sat down at the beach, and I looked at the ship and I felt into. Okay, so what kind of spirits and gods and goddesses do you have to invoke to stay safe on a ship like that? Then I thought about, there’s an old folk song from Shetland that is a combination of Old Norse and a dialect from Shetland. And I thought, okay, what are they telling in that? Well, they’re singing about them having to be aware and how they need to navigate the ship. And then I thought, okay, if I build on that with some Norse gods, then I wrote the song in an hour, I think.”

She has also been working with the Scottish Crannog Centre in Kenmore and wrote songs for the opening.

Empowerment through music

Another project she is proud of is Joyous Choir, that emerged from an integration project. Women from different countries who sang together, literally just used their voice to communicate and convey feeling about things we all have in common as human beings: love, connection, community, home, and belonging.

Christine told about it: “And then I took all of those recordings and I picked out the different tonal structures that went through it and brought together a composition that we performed at the opening of the Scottish Crannog Centre. It’s called “Becoming Anew”. And it was stunning.”

It must be incredible to witness people coming together like this.
Yes, it was incredible to see how some of these women grew just by doing this composition. They took ownership over it. Even we couldn’t talk to each other properly, it brought us together and they just stood there in full force.

So, it is a kind of empowerment.
Yes, it makes people feel home when they are outside of their own country, of their own culture, that they know that they have this power that they can take things in their own hands. And in music, you can show it. You don’t have to talk about it. You can show it and they can feel it.

With JOTUNGER we did our take of Viking music

But back to JOTUNGER. You will do a lot more shows with them. And the idea behind it is like to retain cultural heritage. Did I get it right?           Yeah, definitely. There are many interpretations of Viking music. And with JOTUNGER we did our take on it. We’ve recorded an entire album that. So that’s going to be out this autumn and hopefully we’ll have a single out very soon as well. And we’ll do another one, I think, quite quickly after that, because part of what we do is Viking music, but part of it is something completely different, a lot more dark folk. And almost musical theatre, crossing over to classical or symphonic music folk. And we have an ambition to put heavy metal into the mix of that as well.

You will have Heavy Metal in it?
So, yeah, I used to play heavy metal when I was in my early 20s. I’m a huge metalhead. And I was in a symphonic metal band for four years. And I loved it. And I need to get back to the roots of doing that.Some of this can also be heard in the song „Jeg Kender Et Danmark“ on the new album. Not really heavy metal but that kind of, you know, edge.

A deep diving in traditional folk and grandfather’s influence

On “Echoes of North” you have a lot of beautiful songs. The fusion on Nordic and Celtic music and the storytelling is something new in a way. How did it come to you to do this fusion of Nordic and Celtic music?
Yeah, well, the Celtic has been a part of me for such a long time. And what I wanted to demonstrate there was how close our tonalities are to each other. The song “Dr​ø​mte Mig en Dr​ø​m & Mermaid’s Croon” is a fusion of the oldest Danish folk song and a Gaelic song. Two different songs brought together.
And I think that Scotland and Ireland as well, that type of Celtic music has been part of my life since I was 13, 14. I remember I got the first, the first Celtic Circle CD when I was 13 or 14. I bought it and listened to it five times or something. When I got older, I found Enya, Loreena McKennitt and a lot of others.  And then I started to dive deeper into traditional folk, Irish and Scottish folk

How did this music influence your style of writing music?
Yes, listening to all that Celtic music very much influenced my own style of writing from an early age, but also the way that my granddad wrote. There was something in that when I listened to Celtic music and the compositions that my granddad wrote, I thought there’s some interconnections here that I didn’t notice before.

Can you describe, what kind of connection it was?
My grandfather had arranged a simple melody, a very Nordic sounding thing. If you put a couple of notes on it, it instantly becomes more Celtic. Once you know it, it’s so easy to weave with and play with.
And I think the more I did Viking music, the more I did my own style of writing, which was very, very Celtic music-y. I wanted, one of the reasons I wanted to move to Scotland was to walk in the footsteps of the Vikings from Denmark and Norway in Scotland and in Ireland as well. So it feels like I started scratching the surface of it.

You worked with musicians from Scotland for your album. How did they react to your ideas and compositions?
Yes, I met some amazing Celtic traditional musicians. And I wonder what will happen if I put the Nordic rooted and Celtic rooted things I’ve done into the hands of them. How will they approach it? That was the whole idea behind the album.
And you know, Birgit, the musicians have never played together before they met in studio. I wanted to see what happens, without any bias, without any, what will you bring to this? And it was like we just breathe from the same set of lungs to some degree.

What happens if you put Nordic rooted music into the hand of Celtic musicians

That must have been a great experience.
We weave from the same fabric, just with different colours from different cultures that then have influenced each other in different ways. I almost become emotional talking about this because it’s, especially in a world like today, where it seems like everything’s falling apart a bit. People are getting more and more violent with each other.

Yes, it’s as if something like fragmentation is happening everywhere. Seeing differences is important. But we must not lose sight of what we have in common.
We are dividing each other more and more. Creating these small pockets where we come together, whether that was with the album, whether that was with what I did with the Joyous Choir, gives you hope. It allows you to breathe into a belief in humanity.

Was this thought part of the motivation for the album?
And that’s very much what I wanted to demonstrate with “Echoes of North”. And I will translate the Danish songs into English and put them into reference.

I think when we see what we have in common, it is easier to let people have their own things. Something like the workshop, the choir has shown that there are topics that are very important for everything, they are just expressed differently. I think that music, theatre, art and working together can show that we have more in common than we think. There are some basic things like the willingness to understand, being actively curious and a desire to understand.
And I think that’s why music, food, drink, so powerful because we can get together around those things. And it might, like you say, it might look different. But it is the same.

Musicians who knew how to listen can create otherworldly harmony

You said that the musicians you worked with never played together before and that you have been interested in how they will perform your music. How did it work? Have you been astonished about what happened?
So you know, the musicians I brought from Denmark, I’ve worked with them for years. Hans Christian Molbech, Christan Mohr Levisen, Adam McKenzie, he’s a Dane as well. We just understand each other, whenever we worked together.I’ve been so lucky to find musicians who very easily reach each other and me. It comes to me in a way that I can lean into in music. And I had the same feeling with Alison and Fiona McNeill and never met Scott Figgins, the bagpiper, before we were in the studio.

What do you think contributed to the fact that the collaboration worked so well?
I trusted the recommendations of people I knew, and I trusted my gut feeling. I brought together musicians who were not only extraordinary artists but knew how to listen. They knew how to be with each other and lean into each other. And I think I, I remember there was especially a time on “Carry Me Home” where the cellist and the violinist, Adam and Alison, came together and created this otherworldly harmony piece for the chorus.

It must have been wonderful to hear your idea realised in this way.
When I heard it, I broke down in tears. And it’s the same with “Mythical Lamentations”. We didn’t play “Mythical Lamentations” more than once or twice before we recorded it all together.
I think the take you hear on the album was the second take we did. And that for me it was the high heights of what happens when you put great artists together in the same room who have a willingness to listen and lean into each other. And I can’t wait to make more of that.

In other words, it’s about listening, not thinking too much, but empathising?
It only works in this way. And that was really incredibly powerful. And we played some of the songs at Copenhagen with “Whiskey and Witches”. Otherworldly experience. I sat there and I thought, aha, this is why I do what I do. It is just otherworldly. And even if you only listen to the to the album, you can feel it.

….to leave music in the hands of others – recording and mastering

Oh, I think it’s full of life. It’s not so ‘polished’.
It has to be lively and not everything absolutely perfect in some way. It has to be full of this connection. And that’s so great.

I think that with Gavin Paterson, who was responsible for recording, and Kjell Braaten, who did the mastering, you found exactly the right people for this album.
Yes, the reason I chose Gavin and Kjell was the exact same reason. I it’s a very fragile and very vulnerable thing to bleed your heart out like that in music. And they have the same way listening and doing music. Kjell hears what comes over and he can let it be, I think. And he also he contributed with some of his amazing instruments to the album.
I personally need to feel safe and heard 100 percent by the people I leave my music in the hands of. Gavin and Kjell know how to do that. And the way they know how to talk to me about my music and how to bring out what I want to bring out without saying it made me feel so much at home.

What else has made this „feeling at home“, being safe, possible for you?
I could really just break, you know, break free, break out. And when I finished recording my vocals and I just bent forward because I was so exhausted. I was so out of breath. And Gavin said: “I don’t know how you do that. I don’t know how you keep that level of energy.”

A fire inside and songs hard to write

And where do you get your energy from?
I feel like I have a fire inside that stands like this all the time.  and depending on how safe I feel, I will feel like I am. O if I can unleash my fire and be relaxed, then I fee I can live my full artistic potential.

That’s a great picture. But what about the stories? You used words, you used stories. What kind of stories did you use for this album?
Oh, yeah, that’s a good question. The songs on this album are about home, about connecting to home. And I didn’t realise that until I brought it all together. I followed my intuition; I followed what I wanted to do.

About being at home in Danmark and Scottland? Feeling home in the Nordic and Celtic music?
I knew that it had to be rooted in the roots of Celtic and Nordic with my other influences on it. So “In the Old Town”, that’s written about feeling at home in, you know, in an old town where the stones sing a song of long ago, where you feel a calmness that you can’t really describe. You breathe in a different way.
“I Dag Bryder Lyset Frem” Is perhaps one of the ones that was the hardest to write, but the most satisfying. It’s about certain people in my family and myself who have suffered from mental health issues and trauma in a lot of ways. Where that song specifically says, I know you’re going through this right now.I know it’s fragile. I know you’re hurting. But someday the light will break through, and you will find your home. It’s where that part of your story ends. And one of my favourite lines from that song is, a whole new era will be burst in the reverb from the old one. So the echo will stop at some point. But your birth will start in the echo of the era you just left.

So “Echoes of North” are not just the reverberation of the North?
These are the old songs, that’s lingering on. So I try to do that both with the stories, both with the music. If you take part of and listen all the way thorough from “Mythical Lamentations Part 1” to “Drømte Mig en Drøm & Mermaids Croon“, those four songs are created to get you into this space and be together.

Yeah, that’s what I felt about it, that they are connected. And, when I listen to the album, I must have heard these songs together before I stop.            Oh, that’s nice. That’s good to hear. That’s how it works. I think, yes.

About harvesting songs and being a conductor

It sounds as if you don’t ‚make‘ the stories and songs, but they come to you.
Yeah, what I usually say is that I go around the world harvesting stories. They have a life of their own. Like, I’m just a conductor.
Some stories you have to leave alone for a while because they’re not ready. It’s like they’re sitting there like a stubborn child and saying: “Five more minutes on my Gameboy, please”. You have to leave them alone because you can feel when a song needs to be taken and saying, okay, I will put myself in this room and I will not leave it until I’ve finished this.

So you see it as more of a task to give them a framework in which they can develop?
I have to place myself in the right surroundings where the stories can actually blossom, I think it’s the finest task for me to do. Because if I’m in the right place and they go through different stages, I will go outside perhaps and have a walk and then I’ll start harvesting melodies. You know, I’ll just go around, I’ll be relaxed in my head and the melodies start popping from different places and then I capture them.Sometimes there’ll be words in those melodies and then sometimes I’ll pick those words out. And then at some point I need to sit in a place, and I need to figure out what’s in this melody.

But there is always an idea, a feeling behind it.
Yes, an idea, a feeling. And so you have to look up what the music brings. It’s funny because I think more often than not, when I sing a specific melody, yeah, the story pops up.

This is another beautiful picture and a fitting end to this interview.

Pictures and stories not only play an important role on your album, but also when you want to bring history to life with JOTUNGER. And not least on „Whisky and Witches“, where you accompany a whisky tasting with stories and songs.

So, thank you very much for the interview so far!

“Whisky and Witches” – more about these incredible idee for a whisky tasting

And for all curious, whisky-loving metal heads:If you want to find out more about „Whisky and Witches“, the tasting, the creation of this format, the stories and also the history of women in the whisky industry past and present and the question of what witches have to do with it, then check back here in the next few days!

More about Christine Kammerer HERE and her Album „Echoes of North“ THERE

(english version below)

Am 15.Mai 2024 hat Kjell Braaten zusammen mit STUBA und Skaidra Jančaitė mit „Turėjo Liepa“ den ersten Song von der kommenden EP „Serendipitous Meeting“ (geplante Veröffentlichung: 27.September 2024).

In einem neuen Projekt hat Kjell Braaten zusammen mit STUBA und Skaidra Jančaitė eine Reihe von  Liedern aufgenommen, die einer traditionellen litauischen Gesangsform, den Sutartinės folgen.
Der Name „Sutartinės“ stammt von „sutarti“ (in Übereinstimmung sein bzw. etwas gemeinsam ausdrücken). Sie sind eine sehr alte Form mehrstimmiger Musik, die 2010 auf die Liste der immateriellen Kulturgüter der UNESCO aufgenommen wurde. Im Unterschied zu den meisten anderen traditionellen Liedformen, die eher von größeren Gruppen von Menschen gesungen werden, werden Sutartinės meist von zwei, drei oder vier Sängerinnen vorgetragen.

Tradition und Kulturerbe wieder lebendig und aktuell

Die Sängerinnen von „Turėjo Liepa“ kommen aus dem Ort Zapyškis in Zentrallitauen. Der Ort, aus dem später diese Stadt hervorging, war nach den Überlieferungen ursprünglich Standort eines der größeren heidnischen Tempel der baltischen Stämme.
Die Grundstrukturen der Sutartinės stammen aus einer noch früheren Zeit und prägten einige tausend Jahre lang die Lieder dieser Region. Mitte des 20. Jahrhunderts starb die Tradition, diese Lieder zu singen, weitgehend aus. Inzwischen wurden sie wiedererweckt und wiederbelebt.

Vor 10 Jahren haben sich die Sängerinnen von STUBA zusammengefunden, um diese Gesänge wieder in den Alltag zu bringen. In den letzten Jahren haben sie dabei mit der Sängerin und Chorleiterin Skaidra Jančaitė zusammengearbeitet.

Kjell Braaten ist Experte für alte skandinavische Instrumente. Außerdem hat er für Filme und Fernsehserien komponiert. (Mehr über seine Musik und Veröffentlichungen.)

Die Lieder von „Serendipitous Meeting“ wurden am Ende eines Workshops aufgenommen und von Kjell gemixt, gemastert und produziert. (Mehr dazu hier)

„Turėjo Liepa“  – ein Lied wie die Brandung und ein fließender Stoff im Wind

„Turėjo Liepa“ beginnt mit dem Klang der Kravik-Lyra: sanft, ätherisch, melancholisch und zugleich lebhaft.
Der Gesang setzt klar und bestimmt ein. Und in dieser Weise wird die erste Strophe gesungen, auf die ein Refrain folgt, der aus Lautmalereien besteht. Vielleicht sind es auch Wörter, deren Bedeutung im Laufe der Zeit verlorengegangen ist. Oder es sind, wie Daiva Vaišnorienė, einer der Sängerinnen, sagt: „magische Wörter“. Auf jeden Fall geben sie dem Lied einen besonderen Rhythmus.

Die Strophe und der Refrain werden von jeweils einer Sängerin eines Sängerinnenpaares gesungen. Beides wird von einem zweiten Paar wiederholt. D.h. während das zweite Sängerinnenpaar die Wiederholung singt, geht das erste Paar bereits zur zweiten Strophe über. Auf diese Weise verbinden sich die Melodien zu einem Klanggewebe, das sich wie ein zarter Stoff in einer sanften Brise bewegt.
Gleichzeitig wird durch den Rhythmus, der durch die Verteilung der langen und kurzen Silben der Wörter, sowie die ‚eingeworfenen‘ Laute des männlichen Gesangs und durch die Begleitung der Kravik-Lyra entsteht, eine Bewegung erzeugt, die wie Wellen in der Brandung an den Strand rollen.

Die Poesie des Alltags und die Magie der Wörter

Die Texte der Sutartinės erzählen von Dingen des Alltags, von Festen und von den Sorgen und Gedanken, die das Leben mit sich bringt. Oft werden dabei menschliche Eigenschaften oder Emotionen durch Elemente der Natur ausgedrückt.
Auch „Turėjo Liepa“ erzählt keine Geschichte, sondern vom Wunsch einer Mutter, dass wenigstens eine ihrer neun Töchter bei ihr bleibe. Im ersten Teil des Liedes wird dies noch metaphorisch umschrieben: nicht alle neun Äste der Linde sollen abgeschnitten werden.  
Ab 1:40 wird der Gesang noch eindringlicher, flehentlicher und das Lied nimmt noch einmal deutlich an Intensität zu. Zur Dichte und Intensität des Liedes trägt auch bei, dass die Sätze sich wiederholen und dabei immer nur ein Wort verändert wird.
Aber auch ohne Wörter ist das Lied melancholisch und ein Auf und Ab von Hoffnung und Traurigkeit.

Singen als verbindendes Element

Wie mir die Sängerinnen erzählt haben, wurden die Sutartinės ursprünglich sowohl von Frauen als auch Männern gesungen. Jedoch war es wohl so, dass die Frauen diese Lieder bewahrt haben und sie in der heutigen Zeit nur von ihnen gesungen werden. Es gibt auch Sutartinės, die den Männern vorbehalten sind, dann aber nicht gesungen, sondern auf traditionellen litauischen Instrumenten gespielt werden.
Vielleicht kann die Art, wie STUBA und Kjell Braaten diese Lieder gemeinsam gestaltet haben, dazu beitragen, dass Gesang und instrumentelle Form der Sutartinės (wieder) zusammenfinden und neue Lieder entstehen.

„Turėjo Liepa“, die Geschichte der Sutartinės und das Projekt von STUBA, Skaidra Jančaitė und Kjell Braaten zeigen noch einmal, welche wunderbaren Gesänge und Geschichten bewahrt, wiederentdeckt und neugestaltet werden können.

Also lasst euch in eine archaische Klangwelt entführen und zwischen Vergangenem und Gegenwärtigem hin und her wiegen.

„Turėjo Liepa“ (Bandcamp)

Die Sängerinnen sind:
Daiva Vaišnorienė
Jūra Sodeikienė
Kristina Andrašiūtė
Rasa Markevičienė

„Turėjo Liepa“ – the first song from the EP „Serendipitous Meeting“

On May 15, 2024, Kjell Braaten, together with STUBA and Skaidra Jančaitė, released „Turėjo Liepa“, the first song from the upcoming EP „Serendipitous Meeting“ (scheduled release: September 27, 2024).

In a new project, Kjell Braaten, together with STUBA and Skaidra Jančaitė, has recorded a series of songs that follow a traditional Lithuanian singing form, the sutartinės.

The name „Sutartinės“ derives from „sutarti“ (to be in agreement). They are a very ancient form of polyphonic music that was inscribed on the UNESCO Intangible Cultural Heritage List in 2010. Unlike most other traditional song forms, which are often sung by larger groups of people, Sutartinės are typically performed by two, three, or four singers.

Reviving tradition and cultural heritage

The singers of „Turėjo Liepa“ hail from Zapyškis in central Lithuania. According to tradition, this location, which later became a town, was originally the site of one of the larger pagan temples of the Baltic tribes. The basic structures of Sutartinės originate from an even earlier time and shaped the songs of this region for several thousand years.
By the mid-20th century, the tradition of singing these songs had largely faded. However, they have since been revived and revitalized.
Ten years ago, the singers of STUBA came together to reintroduce these chants into everyday life.
In recent years, they have collaborated with singer and choir leader Skaidra Jančaitė.

Kjell Braaten is an expert in ancient Scandinavian instruments and has also composed music for films and television series. The tracks of „Serendipitous Meeting“ were recorded at the end of a workshop and mixed, mastered, and produced by Kjell. (More about his work and publications)

„Turėjo Liepa“ – a song like the surge of waves and a flowing fabric in the wind

„Turėjo Liepa“ begins with the sound of the Kravik lyre: gentle, ethereal, melancholic, yet lively. The singing starts clearly and decisively. The first verse is sung in this manner, followed by a refrain consisting of onomatopoeic sounds. Perhaps they are words whose meanings have been lost over time. Or, as Daiva Vaisnoriene, one of the singers, says, „magical words“. In any case, they give the song a special rhythm.

The verse and the refrain are each sung by one singer of a pair of singers. Then, another pair repeats both parts. While the second pair of singers is singing the repetition, the first one transitions to the second verse.
In this way the melodies create an aural texture, that moves like a delicate fabric in a gentle breeze.
Simultaneously, the rhythm created by the distribution of long and short syllables of words, as well as the ‚inserted‘ sounds of male vocals and the accompaniment of the Kravik lyre, generates a movement akin to waves rolling onto the shore.

The poetry of everyday life and the magic of words

The texts of Sutartinės speak of everyday things, festivities, and the worries and thoughts that life brings. Often, human attributes or emotions are expressed through elements of nature.
Similarly, „Turėjo Liepa“ doesn’t tell a story but rather expresses a mother’s wish that at least one of her nine daughters would stay with her. In the first part of the song, this is metaphorically expressed: not all nine branches of the linden tree should be cut off.
At 1:40, the singing becomes even more intense and impassioned, with the song increasing in intensity once again. The density and intensity of the song are heightened by the repetition of phrases, with only one word changing each time.
Even without words, the song is melancholic, a fluctuation between hope and sadness.

Singing as a unifying element

As the singers have told me, Sutartinės were originally sung by both women and men. However, it seems that women have preserved these songs, and today they are primarily sung by them. There are also Sutartinės reserved for men, but they are not sung; instead, they are played on traditional Lithuanian instruments. Perhaps the way STUBA and Kjell Braaten have jointly shaped these songs can help bring together the vocal and instrumental forms of Sutartinės (once again) and create new songs.

„Turėjo Liepa“, the story of Sutartinės, and the project of STUBA, Skaidra Jančaitė, and Kjell Braaten, once again demonstrate how wonderful songs and stories can be preserved, rediscovered, and reimagined.

So, let yourself be transported into an archaic sound world and sway between the past and the present.

„Turėjo Liepa“ (Bandcamp)

The singers are:
Daiva Vaišnorienė
Jūra Sodeikienė
Kristina Andrašiūtė
Rasa Markevičienė