(scroll down for english version)

Heute gibt es die zweite Single von „Flok“, dem kommenden Album von Kjell Braaten.
„Pine“ / „Gran“ ist nach „Solace“ der nächste Song, der schon einmal einen Ausblick auf das Album „Flok“ gibt, das im Sommer herauskommen wird.

Kjell Braaten ist Komponist und Spezialist für nordische Instrumente. Er war an Bands wie NEBALA, WARDRUNA und EHWAZ beteiligt und hat mit vielen anderen Künstlern und Projekten wie z.B. Christine Kammerer oder NEMUER zusammengearbeitet. Sein musikalisches Spektrum umfasst auch Sounddesigns und Musik für Filme (z.B. wie für die Serie „Vikings Valhalla“).

Kjell Braaten spielt u.a. auf Rekonstruktionen von Instrumenten, die der Zeit um 600 n. Chr. bzw. der Wikingerzeit und dem Mittelalter zugeordnet werden. Neben Trommeln und Hörnern sind es Leiern, die den Klang seiner Musik prägen.

Alte Strukturen moderne Klänge

So erhält „Pine“ seinen besonderen Klang durch die Sutton Hoo Leier, einer Leier aus dem frühen 7. Jahrhundert, die bei Ausgrabungen eines Schiffes gefunden wurde. Es ist eine große aus Ahorn gefertigte Leier, deren Saiten wie bei einer Gitarre parallel zu einem Resonanzboden verlaufen.
Die Bespannung aus Rosshaar ermöglicht einen organischen, warmen und vollen Klang.

In dem Song „Pine“ begleitet aber nicht nur die Sutton Hoo Leier den Gesang, sondern auch das Organistrum, eine frühe Form der Drehleier, sowie Schlagzeug und Bassgitarre.
Und so verbinden sich zeitlos-historische Klänge und Strukturen mit modernen Folk-Elementen

Wie Kjell über das kommende Album „Flok“ sagt: „Die Platte wird ganz anders sein als das, was ich in den letzten Jahren gemacht habe, aber mehr zurück zu dem, wo ich angefangen habe, nur mit einem anderen Ansatz. Eine Art Brücke zwischen dem, wo ich begonnen habe, und dem, wo ich jetzt bin. Die Lieder handeln vom Leben, von der Natur und von alten Traditionen und Gedanken. Sie werden immer noch hauptsächlich auf altnordischen Instrumenten wie Organistrum, Kravikslyre, Moraharpa und dergleichen gespielt.“

„Pine“ / „Gran“– die Fichte aus mythologischer Perspektive

Die Fichte als immergrüner Baum wird traditionell als Symbol für Langlebigkeit und Beständigkeit gesehen.  In den dunklen Wintermonaten war sie auch immer ein Sinnbild für die Hoffnung auf den Frühling und Überleben der dunklen Zeit.
In manchen Überlieferungen wird die Fichte auch als Symbol für das kosmische Gleichgewicht und als Schutz gehen Dunkelheit und Chaos gesehen.

„Pine“ betrachtet die Fichte sowohl aus dieser mythologischen Perspektive als auch mit den Augen eines Kindes, das unter den Zweigen Trost sucht.
Die Wurzeln reichen tief, das Moos ist weich und die Tränen werden von der Erde aufgenommen.
Mir gefällt der poetische irgendwie tröstliche Text von Tove Hassel, den Carina Dulea ins Englische übertragen hat. (So wie bereits „Solace“ gibt es „Pine“ auch in einer Version mit dem ursprünglichen Text.)

Das Cover (bearbeitet von Fatima Akerson) ist auch wieder für sich genommen ein schönes Bild.

„Pine“ / „Gran“ findet ihr auch bei allen Streamingdiensten.

Kjell Braaten releases “Pine”, the second song from the upcoming album

Today we have the second single from “Flok”, the upcoming album by Kjell Braaten.

After “Solace”, “Pine” is the next song that gives a preview of the album “Flok”, which will be released this summer.

Kjell Braaten is a composer and specialist for Nordic instruments. He has been involved in bands such as NEBALA, WARDRUNA and EHWAZ and has worked with many other artists and projects such as Christine Kammerer and NEMUER. His musical spectrum also includes sound design and music for films (e.g. for the series “Vikings Valhalla”).

Kjell Braaten plays, among other things, reconstructions of instruments from the period around 600 AD, the Viking Age and the Middle Ages. In addition to drums and horns, it is lyres that characterize the sound of his music.

Ancient structures modern sounds

“Pine” gets its special sound from the Sutton Hoo lyre, a lyre from the early 7th century that was found during the excavation of a ship. It is a large lyre made of maple, with strings running parallel to a soundboard like a guitar.
The horsehair strings produce an organic, warm and full sound.

In the song “Pine”, however, it is not only the Sutton Hoo lyre that accompanies the vocals, but also the organistrum, an early form of hurdy-gurdy, as well as drums and bass guitar.
And so timeless, historical sounds and structures are combined with modern folk elements

What Kjell says about the upcoming album “Flok”: „The record will be quite different from what I have done in recent years but will return more to where I started—just with a different approach. A kind of bridge between where I began and where I am now. The songs are about life, nature and old traditions and thoughts. They are still mainly played on old Norse instruments such as organistrum, kravikslyre, moraharpa and the like“. 

“Gran” /“Pine” from a mythological perspective

As an evergreen tree, the spruce is traditionally seen as a symbol of longevity and constancy.  In the dark winter months, it has always been a symbol of hope for spring and survival of the dark times.
In some traditions, the spruce is also seen as a symbol of cosmic balance and protection against darkness and chaos.

“Pine” looks at the tree both from this mythological perspective and through the eyes of a child seeking solace under its branches.

The roots reach deep, the moss is soft and the tears are absorbed by the earth.

I like the poetic, somehow comforting text by Tove Hassel, which Carina Dulea has translated into English. (Like “Solace”, “Pine” is also available in a version with the original lyrics).

The cover (designed by Fatima Akerson) is also a beautiful image in its own right.

You can also find “Pine” / “Gran” on all streaming services.

(for english version scroll down)

Heute sind es schon drei Jahre, seitdem Putins Russland in die Ukraine einmarschierte und den Krieg begann. Drei Jahre Schrecken, Flucht, Zerstörung und Tod.
Und nun ein amerikanischer Präsident, der die Tatsachen verdreht oder ignoriert und der Ukraine die Schuld für diesen Krieg gibt und einen ‚Frieden‘ ohne Beteiligung der Ukraine aushandeln will.

Für die, die unter der Machtgier anderer zu leiden haben

Zu diesem dritten Jahrestag veröffentlicht Kjell Braaten, der als Spezialist für nordische Instrumente u.a. an Bands wie WARDRUNA und NEBALA beteiligt war, das Lied „Solace“ („Trøyst“), das er für Freunde und alle Menschen in der Ukraine geschrieben hat.

Er wird dabei besonders an das „Konon Rocks“ – Filmteam gedacht haben, mit dem zusammen mit Darstellern aus der Ukraine das Video zu „Laþu“ von NEBALA entstanden ist. Aus dieser Zusammenarbeit heraus sind freundschaftliche und kreative Beziehungen entstanden. Aber die Pläne für eine weitere Zusammenarbeit wurden durch den russischen Angriffskrieg vereitelt. Zu Beginn der russischen Invasion arbeitete das ukrainische Filmteam zusammen mit Vertretern der ausländischen Presse daran, die Schrecken des Krieges zu dokumentieren.

„Solace“  ist bereits im letzten Jahr bereits auf Norwegisch unter dem Titel „Trøyst“ erschienen.

Trost – die Suche nach Sicherheit und Vertrauen

Für „Solace“ ist der Text von Tove Hasselt nun in einer Übertragung (von Carina Dulea) ins Englische zu hören.

Ich habe Kjell gefragt, weshalb es ihm wichtig ist, den Song jetzt auch auf Englisch zu veröffentlichen.
Er sagte dazu: „Seit der Invasion der Ukraine am 24.02.2022 sind drei Jahre vergangen, und hoffentlich kann das Lied jetzt in einer Sprache, die auch diejenigen verstehen, um die es geht und für die es geschrieben wurde, an schwierigen Tagen in einer schwierigen Zeit etwas Trost spenden.“
Er möchte außerdem, dass noch mehr Menschen die Botschaft verstehen können, um die es in dem Lied geht. Und das sei mit einem englischen Text einfacher, da mehr Menschen Englisch verstehen als Norwegisch.

Den Text hat Tove Hassel kurz nach Beginn des Ukraine-Krieges geschrieben. Es geht dabei aber nicht nur um diesen Krieg, sondern um all die Menschen, die aufgrund der Machtgier anderer unter unerträglichen Bedingungen leben.
Doch der Text beschreibt nicht nur das Furchtbare eines Krieges, sondern erinnert auch daran, wie das Leben eigentlich sein sollte.

A time once meant for blooming flowers
marks instead a battle’s spring….

….While night falls, in blazing heavens
traced by endless lights of loss

aus „Solace“

Die Art und Weise, wie Kjell Braaten dies in Musik gefasst hat und so verhalten und verletzlich wie er den Text singt, berührt angesichts der Bilder, wie wir sie aus der Ukraine und anderen Kriegsgebieten kennen.In den Passagen, in denen es darum geht, wie die Welt sein könnte und sein sollte, wird seine Stimme fest und bestimmt. Tröstlich klingt das Zwischenspiel mit der Leier und auch der sehnsüchtige und zugleich hoffnungsvolle Refrain.
Wunsch und Realität, Wut, Trauer aber auch Sehnsucht und Ruhe stellen sich ein, wenn man sich auf die Musik und den Text einlässt. Kjell Braaten gelingt es immer wieder, den Zuhörer allein mit der Stimme in seinen Bann zu ziehen, und mit der zurückhaltenden Begleitung dennoch ganz eindringlich Trauer, Sehnsucht und Hoffnung auszudrücken.

Neues Album noch in diesem Sommer

„Trøyst“ / „Solace“ sollte ursprünglich im Herbst letzten Jahres erscheinen und die erste Single eines neuen Albums werden. Doch aufgrund von vielen Tourneen und aus verschiedenen anderen Gründen war es nicht möglich, das Album bereits im Herbst fertigzustellen.
Das neue Album soll im Sommer erscheinen.
Und um die Wartezeit zu verkürzen, wird es nach „Trøyst“ / „Solace“ noch zwei weitere Singles geben.

Kjell zum neuen Album: „Die Platte wird ganz anders sein als das, was ich in den letzten Jahren gemacht habe, aber mehr zurück zu dem, wo ich angefangen habe, nur mit einem anderen Ansatz. Eine Art Brücke zwischen dem, wo ich angefangen habe, und dem, wo ich jetzt bin. Die Lieder handeln vom Leben, von der Natur und von alten Traditionen und Gedanken. Sie werden immer noch hauptsächlich auf altnordischen Instrumenten wie Organistrum, Kravikslyre, Moraharpa und dergleichen gespielt.“

Heute ist der dritte Jahrestag des Krieges in der Ukraine. Und „Solace“ kann Momente des Innehaltens begleiten.

„Solace“ findet ihr auch auf allen Streaming Plattformen: https://kjellbraaten.hearnow.com/solace

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„Solace“ – A Song (Not Just) for Friends in Ukraine

Today marks three years since Putin’s Russia invaded Ukraine and started the war. Three years of terror, displacement, destruction, and death. And now, an American president who distorts or ignores the facts, blames Ukraine for this war, and seeks to negotiate a ‘peace’ without Ukraine’s involvement. 

For Those Who Suffer Under the Greed for Power 

“Solace” was originally released last year in Norwegian under the title “Trøyst”. 

On this third anniversary, Kjell Braaten, who has contributed to bands such as WARDRUNA and NEBALA as a specialist in Nordic instruments, releases the song “Solace” (“Trøyst”), which he wrote for friends and all people in Ukraine. 

He likely had the Konon Rocks – film team particularly in mind. Together with actors from Ukraine, they created the video for “Laþu” by NEBALA. From this collaboration, friendships and creative relationships developed. However, plans for further work together were hindered by Russia’s war of aggression. At the start of the Russian invasion, the Ukrainian film team worked alongside international journalists to document the horrors of war. 

Solace – The Search for Security and Trust 

For “Solace”, the lyrics by Tove Hassel have now been adapted (by Carina Dulea) into English. 

I asked Kjell why it was important to him to release the song in English now. 
He said: “Three years have passed since the invasion of Ukraine on 24 February 2022, and hopefully, the song can now bring some comfort during difficult days in difficult times—especially in a language that those it was written for can understand.” 
He also wants more people to grasp the message of the song. And this is easier with English lyrics, as more people understand English than Norwegian. 

Tove Hassel wrote the lyrics shortly after the war in Ukraine began. However, they are not only about this war but about all those, who live under unbearable conditions because of others’ greed for power. 
Yet, the lyrics do not just describe the horrors of war—they also remind us of how life should be. 

A time once meant for blooming flowers 
marks instead a battle’s spring…
… While night falls, in blazing heavens 
traced by endless lights of loss 

from „solace“

The way, Kjell Braaten has set this to music, and the way he sings the lyrics so gently and vulnerably, is deeply moving – especially remembering the images from Ukraine and other war zones. 
Within parts of the lyrics reflecting on how the world could and should be,his voice grows strong and resolute. 
The interlude featuring the lyre, as well as the longing yet hopeful chorus, sounds comforting. 

By immersing oneself in the music and lyrics, one experiences a mix of yearning and serenity, alongside anger, grief, and hope. Kjell Braaten has an extraordinary ability to captivate listeners with his voice alone, while the subtle accompaniment powerfully conveys sorrow, longing, and hope. 

New Album Coming This Summer 

“Trøyst”/”Solace” was originally meant to be released last autumn as the first single from a new album. However, due to extensive touring and various other reasons, it was not possible to complete the album by then. 
The new album is now set for release this summer. 

To shorten the wait, there will be two more singles following “Trøyst” / “Solace”. 

Kjell on the new album: „The record will be quite different from what I have done in recent years but will return more to where I started—just with a different approach. A kind of bridge between where I began and where I am now.“ 

The songs are about life, nature, and ancient traditions and thoughts. They will still primarily be played on Old Norse instruments such as the organistrum, Kravik lyre, Moraharpa, and similar.” 

Today marks the third anniversary of the war in Ukraine. And „Solace“ can accompany moments of reflection. 

And You can listen to the song on all streaming platforms: https://kjellbraaten.hearnow.com/solace

Hier möchte ich nur drei Dinge erwähnen, auf die ich mich schon sehr freue:

1. NEBALA – „Rites of Passages“ wird kommen

Jonas Lorentzen (ex-HEILUNG) und Kreativer hinter NEBALA, hatte für das zweite Album, das den Titel „Rites of Passages“ tragen wird, eine Kickstarter-Kampagne gestartet, die erfolgreich verlaufen ist. Also wird es in 2025 ein neues Album von NEBALA geben.

Rites of Passage“ entspringt einer Idee, die Jonas Lorentzen bereits vor „Lustuz La​þ​u Wō​þ​uz Alu“, dem ersten Album von NEBALA hatte. Im Mittelpunkt steht die Bedeutung von Übergängen und Meilensteinen im Verlauf des Lebens. Es geht auch darum, die Riten, die ehemals solche Übergänge begleiteten, nicht nur als Tradition aufzufassen, sondern als eine Form der Gestaltung, die uns in der modernen Hektik wieder einen Rhythmus gibt und uns mit anderen und der Natur verbindet.

Ein weiterer besonderer Faktor ist, dass Christopher Juul von HEILUNG zusammen mit Jonas Lorentzen das Album fertigstellen und es produzieren wird.

2. NEXION haben „Gandr“ veröffentlicht

Im November haben NEXION (Black Metal aus Island) den Song „Gandr“ veröffentlicht, der mich sofort begeistert hat. Er ist unglaublich intensiv und dynamisch.
‚Gandr‘ bezeichnet u.a. eine magische oder schicksalhafte Kraft, einen Zauber, um eine Transformation hervorzurufen, oder auch einen „Geisterwolf“ beschreibt. Im englischen, erzählenden Text gibt es Passagen auf Altnordisch, die ein Anruf sind. Diese Worte sind von einer Inschrift aus der späten Wikingerzeit inspiriert.Das Original, das verschiedene ‚Geister‘ aufzulisten scheint, soll ein Schutzzauber gegen sie gewesen sein.Es ist jedoch auch eine alte Form nordischer ‚Magie‘, Geister gegen seine Feinde zu wenden.Die Inschrift musste nur ein wenig geändert werden, um von der Abwehr diese Wesenheiten zu ihrer Anrufung zu werden. Und das haben NEXION in „Gandr“ getan.
Da mir der Song so gut gefällt, hoffe ich, dass in 2025 ein Album folgen wird.

3. WARDRUNA haben „Birna“ angekündigt

Sicher ist, dass WARDRUNA am 24. Januar 2025 das Album „Birna“ veröffentlichen werden.

Die Songs „Hertan“, „Himinndotter“ und „Birna“ gibt es bereits zu hören und mit eindrucksvollen Videos zu sehen.

Seit 2003 interpretieren WARDRUNA nordische Mythen, Mythologie und Aspekte des Animismus. Sie verwenden dabei traditionelle Instrumente und nutzen in den Texten sowohl Altnordisch als auch Norwegisch. Sie entnehmen ihre Texte nicht aus der nordischen mythologischen Dichtung, sondern schreiben eigene Texte.
Die bisherigen Alben sind wesentlich von der Kultur der mündlichen Überlieferung geprägt.
Sie stellen damit Bezüge zur Vergangenheit her, die auch in der Gegenwart Einfluss haben. Dabei geht es ihnen nicht darum, die Vergangenheit zu (re)zitieren, sondern um die Bedeutung dieser Elemente für die aktuelle Situation jedes Einzelnen.

In „Hertan“ geht es um den Herzschlag, den Rhythmus des Lebens, seine konkrete Bedeutung als Ursprung aller lebenserhaltenden Funktionen, aber auch um die abstrakte Bedeutung als Lenker unserer Wünsche, unserer Entscheidungen und unseres Handelns.
„Himinndotter“ ist der Ruf nach der himmlischen Tochter, der Schwester im Wald, die uns den Weg zeigen soll, zu dem, was wir waren und sind.
„Birna“ illustriert einen Dialog zwischen Mensch und Bär und veranschaulicht die verschiedenen Eigenschaften und Fähigkeiten, die wir Menschen im Laufe der Geschichte von diesen bedeutenden Totemtieren versucht haben zu übernehmen.

Seit ihrer Gründung interpretieren WARDRUNA nordische Mythen und Aspekte des Animismus. Mit dem kommenden Album scheinen sie sich noch mehr an animistischen Vorstellungen und Erfahrungen orientieren.

So, das war ‚mein‘ musikalisches 2024 mit Ausblick auf 2025.

Ich wünsche euch allen einen guten Übergang, alles Gute für die kommende Zeit und dass die Musik in allen Situationen ein guter Begleiter für euch ist!

Ein Gespräch mit Jonas Lorentzen über das Album und die Kampagne

Jonas Lorentzen (ex-HEILUNG) und Kreativer hinter NEBALA, hat für das zweite Album, das den Titel „Rites of Passages“ tragen wird, eine Kickstarter-Kampagne gestartet, die noch bis zum 30.Oktober 2024 läuft.

Nachdem NEBALA im Juli 2022 das Album „Lustuz La​þ​u W​ō​þ​uz Alu“ herausgegeben haben, folgten zwei großartige Shows auf dem Castlefest (s. hier) und dem Midgardsblót-Festival. Die Show dort wurde aufgenommen und im April 2023 als „Live at the Bl​ó​t“ als Album veröffentlicht.

„Rites of Passage“ entspringt einer Idee, die Jonas Lorentzen bereits vor „Lustuz La​þ​u Wō​þ​uz Alu“ hatte. Im Mittelpunkt steht die Bedeutung von Übergängen und Meilensteinen im Verlauf des Lebens.Und auch darum, die Riten, die ehemals solche Übergänge begleiteten, nicht nur als Tradition aufzufassen, sondern als eine Form der Gestaltung, die uns in der modernen Hektik wieder einen Rhythmus gibt und uns mit anderen und der Natur verbindet.

Ein weiterer besonderer Faktor ist, dass Christopher Juul von HEILUNG zusammen mit Jonas Lorentzen das Album fertigstellen und es produzieren wird.

Fragen und Antworten zum Album

Worum es bei „Rites of Passage“ geht, woher die Idee kommt, welcher Weg bisher bestritten wurde, waren Themen im Gespräch mit Jonas. Nachdem NEBALA verschiedene Formen der Live-Shows gespielt haben (u.a in reduzierter Besetzung auf dem Festival Mediaval oder als „Blót Rave“ auf dem Midgardsblót-Festival), hat Jonas Lorentzen darüber nachgedacht, wie und in welcher Form es mit NEBALA weitergehen sollte.

Er sagte:
„Wir haben ein paar verschiedene Sachen ausprobiert, Kjell [Braaten] und Rob [van Barschot]  aber es hat nicht wirklich geklappt. Also habe ich es letztendlich selbst in die Hand genommen, ein neues Album zu machen. Und ich habe mich mit einem italienischen Multiinstrumentalisten [Ghilli Prati] zusammengetan. Er spielt unglaublich viele Instrumente. Von Perkussionsinstrumenten westafrikanischer Tradition bis hin zu Dudelsäcken. Und er ist ein guter Violinist.
Und hier sind wir, ich starte NEBALA in gewisser Weise neu, könnte man sagen.“

NEBALA neu starten

Du hast die Kickstarter-Kampagne einerseits gestartet, um die zu beteiligen, an die das Album gerichtet ist, aber auch, weil sich der ursprüngliche Plan, wieder mit By Norse Music zusammenzuarbeiten, nicht umsetzen ließ.
By Norse hatten ein Ziel und ich wollte etwas anderes machen. Wir konnten kreativ nicht mehr zusammenfinden.

Zu dem Zeitpunkt hattest du aber schon einen Teil des Albums entwickelt.
Ja, ich stand da mit einem Produkt, bzw. einem Teil eines Produkts, und hatte im Grund keine Möglichkeit, es fertigzustellen.

Aber dann hattest du die Idee, Christopher Juul zu fragen?
Ich habe Kontakt zu Christopher, meinem alten Freund von HEILUNG, aufgenommen und zunächst versucht herauszufinden, ob er Interesse hätte, dieses Album mit mir fertigzustellen. Und es stellte sich heraus, dass er sehr interessiert war. Ihm gefiel wirklich, was er hörte, und er dachte, es wäre eine lustige Idee, wenn er und ich wieder zusammenarbeiten würden, denn das hatten wir seit unserer Zusammenarbeit mit Heilung nicht mehr getan.

Also hat sich aus dem Negativen doch noch etwas Positives ergeben.
Ich musste mir etwas anders überlegen und dann bot sich mir die Gelegenheit, mit jemandem zusammenzuarbeiten, den ich für einen der großartigsten Produzenten halte, die ich kenne.

Die wichtigen Punkte im Leben

Um welche Art Übergänge geht es in „Rites of Passage“?
Bereits bevor ich an „Lustuz La​þ​u W​ō​þ​uz Alu“ gearbeitet habe, wollte ich ein Album machen, das im Grunde den wichtigen Punkten eines Lebens gewidmet ist und darüber, wie wir in unserer modernen Welt vergessen haben, diese verschiedenen Übergangsriten, die wir alle durchlaufen, auf angemessene Weise zu feiern. Das war also meine ursprüngliche Idee für NEBALA. Aber mir wurde klar, dass dies für den Anfang ein zu großes Projekt war. Denn es würde im Grunde von der Geburt bis zum Tod reichen. Und dazu wäre noch eine umfangreiche Recherche notwendig gewesen. Nun sind einige Jahre vergangen, ich habe die Recherche abgeschlossen und bin bereit, dieses Album zu veröffentlichen, das Übergangsriten gewidmet ist.

Welchen Blick auf die Passagen und Riten hast du genommen? Eher europäisch geprägt oder aus indischem Blickwinkel, den du ja beim letzten Album auch genutzt hast?
Das ist eine interessante Frage. Diesmal wird es tatsächlich noch vielschichtiger. Ich werde mich auf indische Mystik, indische Gesänge, beziehen, ich werde mich auf frühchristliche Mystik stützen, wie die Sachen der Gnostiker, die zu Beginn der frühen Tage der Entstehung des Christentums ein sehr seltsamer, ziemlich animistischer christlicher Kult waren. Ich verwende Material aus den Meditationen von Marcus Aurelius. Natürlich verwende ich auch nordisches Material. Es gibt auch einiges aus der Hávamál darin.Ich verwende sogar einen alten Kinderreim, der in der Sprache der Insel ist, von der ich stamme. Man könnte sagen, den Dialekt, aber es ist eigentlich eine ganz andere, eine ganz andere Sprache. Ich verwende also alle möglichen Dinge.

Die ewige Natur der Dinge

Das ist ein weitgesteckter Rahmen, was das Material für die Umsetzung angeht. Übergänge spielen sowohl im Christentum als auch im Hinduismus, Buddhismus, Animismus eine wichtige Rolle in der Strukturierung des Lebens. Und Rituale als Form, sie sich bewusst zu machen, sie zu feiern oder bei ihrer Bewältigung zu helfen. Auch Psychologie und Soziologie beschäftigen sich damit.Welche Übergänge oder Wendepunkte des Lebens werden wir auf dem Album wiederfinden?
Für jeden Menschen, egal woher er kommt, gibt es diese wichtigen Punkte im Leben.
Das Album beginnt damit, dass der Zuhörer in die Leere versetzt wird, die da ist bevor man ins Leben eintritt. Und dann wird er musikalisch aus dieser Leere herausgeholt. Es gibt ein Lied, das der Geburt gewidmet ist. Und eines über die Kindheit, der ersten Lebensphase. Weiter geht es mit einem Lied, das dem ersten Übergangsritus gewidmet ist, wenn man von der Kindheit ins Erwachsenenalter oder ins Erwachsensein übergeht. Und es gibt Lieder über das erste Mal des Verliebtseins, über das erste Kind. Eines über Alter und Weisheit und ein Lied über den Tod. Und dann geht man wieder in die Leere.

D.h. es geht um Reifung und Veränderung. Und weil dies auf jeden Menschen zutrifft, war es dir wichtig, musikalisches und philosophisches Material aus der ganzen Welt zu verwenden?
Ja, z.B. was die Instrumentierung angeht, verwenden wir Instrumente von überall her: aus Westafrika, alle möglichen europäischen Instrumente, sowohl traditionelle als auch moderne.

Gibt es weitere Unterschiede zum ersten Album?
Im Grunde wird es klanglich noch abwechslungsreicher sein, da es mehr Melodien und melodische Instrumente gibt.

Abwechslungsreiche Klanglandschaften voller Emotionen

Also können wir Klänge erwarten, die Rhythmen und Melodien sowohl aus Skandinavien, Indien und Afrika miteinander verbindet?
Ja, es wird ein vielfältiges Klangerlebnis geben!

Ich möchte noch einmal auf die Rituale zu den Übergängen zurückkommen. Welche Bedeutung haben sie?
Wenn man Glück hat, gibt es einen Ort, an dem die eigene Tradition oder der Übergang von der Kindheit zum Erwachsenenalter gebührend gefeiert wird. Oder sagen wir mal, es sollte einen geben. Und ja, wir haben dieses Problem, dass wir nie wirklich begreifen, was es eigentlich bedeutet, ein Mensch zu sein, weil diese Übergangsriten nicht mehr da sind, so wie sie es einmal waren.
Unsere moderne Gesellschaft hat ein Problem mit Reifung. Sowohl der emotionalen als auch der spirituellen Reifung.

Denkst du dabei an 50 und 60jährige, die noch so sein wollen wie Jugendliche?
Ja, so wie C.G. Jung es in seinen Arbeiten zum Konzept der ‚ewigen Jugend‘ gezeigt hat, bei dem es um den Widerstand gegen Veränderungen geht und die Angst, sich der Verantwortung zu stellen.

Verstehe ich es richtig, dass du mit der Musik den Lebensabschnitten und den Übergängen eine Bedeutung geben und sie ‚erlebbar‘ machen willst? Dass man, indem man in die Musik eintaucht, sich quasi auf eine Reise durch das Leben begibt?
Letzten Endes hoffe ich, dass die Musik für sich selbst sprechen kann und die Leute nicht einmal unbedingt wissen müssen, worum es geht, um Kindheitsgefühle zu bekommen, das Gefühl des Verliebtseins zu erleben, ein Gefühl dafür zu bekommen, wie es sein könnte, ein Kind zu gebären oder sogar bei der Geburt dabei zu sein. Diese Klanglandschaften zu schaffen, damit diese Art von Emotionen entstehen, ist letzten Endes das Hauptziel der Kunst. Aber dann wird es all das zusätzliche Zeug geben, mit dem die Leute Spaß haben können, wenn sie tiefer gehen und tiefer erforschen wollen.

Ich finde, das ist ein gutes Schlusswort und du hast neugierig auf das Album gemacht! Ich hoffe, dass es mit und durch die Unterstützung der zukünftigen Hörer und derjenigen, denen das Album „Lustuz La​þ​u W​ō​þ​uz Alu“ oder „Live at the Blót“ gefallen hat oder die NEBALA live erleben durften, realisiert werden kann.

Und hier geht es zur Kickstarter-Kampagne: NEBALA

NEBALA: Kickstarter campaign for “Rites of Passage”

A conversation with Jonas Lorentzen about the album

Jonas Lorentzen (ex-HEILUNG) and creative behind NEBALA, has started a Kickstarter campaign for the second album, which will be titled “Rites of Passages”, and will run until October 30, 2024.

After NEBALA released the album “Lustuz Laþu Wōþuz Alu” in July 2022, two great shows followed at the Castlefest (see here) and the Midgardsblót Festival. The show there was recorded and released as an album in April 2023 as “Live at the Blót”.

“Rites of Passage” stems from an idea that Jonas Lorentzen had before “Lustuz Laþu Wōþuz Alu”. The focus is on the meaning of transitions and milestones in the course of life.
And also on seeing the rites that once accompanied such transitions not just as tradition, but as a form of design that gives us a rhythm again in the modern hectic world and connects us with others and nature.

Another special factor is that Christopher Juul from HEILUNG will finish the album together with Jonas Lorentzen and produce it.

Questions and answers about the album

What “Rites of Passage” is about, where the idea came from, and the path they have taken so far were the topics discussed with Jonas.

After NEBALA played various forms of live shows (including in a reduced line-up at the Festival Mediaval or as “Blót Rave” at the Midgardsblót Festival), Jonas Lorentzen thought about how and in what form NEBALA should continue.

He said: “We tried a few different things, Kjell [Braaten] and Rob [van Barschot], but it didn’t really work. So I finally took it upon myself to make a new album. And I teamed up with an Italian multi-instrumentalist [Ghilli Prati]. He plays an incredible number of instruments. From percussion instruments of West African tradition to bagpipes. And he’s a good violinist. And here we are, I’m restarting NEBALA in a way, you could say.”

Restart NEBALA

You started the Kickstarter campaign partly to involve those the album is aimed at, but also because the original plan to work with By Norse Music again could not be implemented.
By Norse had a goal and I wanted to do something different. We could no longer find common ground creatively.

But by that point, you had already developed part of the album.
Yes, I was standing there with a product, or rather part of a product, and basically had no way of finishing it.

But then you had the idea to ask Christopher Juul?
I got in touch with Christopher, my old friend from HEILUNG, and first tried to find out whether he would be interested in finishing this album with me. And it turned out that he was very interested. He really liked what he heard and thought it would be a fun idea for him and me to collaborate again because we hadn’t done that since we worked with Heilung.

So something positive came out of the negative.
I had to think about something different and then the opportunity came up to work with someone who I think is one of the greatest producers I know.

The important points in life

What kind of transitions is Rites of Passage about?
Even before I started working on „Lustuz Laþu Wōþuz Alu“, I wanted to make an album that was basically dedicated to the important points in life and how in our modern world we have forgotten to celebrate these different rites of passage that we all go through appropriately.
That was my original idea for NEBALA. But I realized that this was too big a project to start with. Because it would go from birth to death. And that would have required extensive research.
Now a few years have passed, I have completed the research and am ready to release this album dedicated to rites of passage.

What view did you take of the passages and rites? More European or from an Indian perspective, which you also used on the last album?
That’s an interesting question. This time it will actually be even more complex. I’ll draw on Indian mysticism, Indian chants, I’ll draw on early Christian mysticism, like the stuff of the Gnostics, who were a very strange, quite animistic Christian cult at the beginning of the early days of the formation of Christianity. I use material from the Meditations of Marcus Aurelius. Of course, I use Nordic material too. There’s some stuff from the Hávamál in there too.
I even use an old nursery rhyme which is in the language of the island I’m from. You could say the dialect, but it’s actually a very different language. So I use all kinds of things.

The eternal nature of things

This is a broad framework in terms of the material for implementation.Transitions play an important role in the structuring of life in Christianity as well as in Hinduism, Buddhism and animism. And rituals as a way of becoming aware of them, celebrating them or helping to cope with them. Psychology and sociology also deal with this. Which transitions or turning points in life will we find on the album?
For every person, no matter where they come from, there are these important points in life. The album begins by placing the listener in the emptiness that is there before they enter life. And then they are musically taken out of this emptiness. There is a song dedicated to birth. And one about childhood, the first phase of life. It continues with a song dedicated to the first rite of passage when you move from childhood to adulthood or adulthood. And there are songs about falling in love for the first time, about the first child. One about age and wisdom and a song about death. And then you go back into the void.

In other words, it’s about maturation and change. And because this applies to every person, was it important to you to use musical and philosophical material from all over the world?
Yes, for example, when it comes to instrumentation, we use instruments from all over: from West Africa, all kinds of European instruments, both traditional and modern.

Are there any other differences from the first album?
Basically, it will be even more varied in terms of sound, as there are more melodies and melodic instruments.

Diverse soundscapes full of emotions

So can we expect sounds that combine rhythms and melodies from Scandinavia, India and Africa?
Yes, there will be a finely varied sound experience!

I would like to come back to the rituals of transition. What significance do they have?
If you are lucky, there is a place where your own tradition or the transition from childhood to adulthood is duly celebrated. Or let’s say there should be one. And yes, we have this problem that we never really understand what it means to be human because these rites of passage are no longer there as they once were. Our modern society has a problem with maturation. Both emotional and spiritual maturation.

Are you thinking of 50 and 60-year-olds who still want to be like teenagers?
Yes, like C.G. Jung showed it in his work on the concept of ‚eternal youth‘, which is about resistance to change and the fear of facing up to responsibility.

Do I understand correctly that you want to use music to give meaning to the stages of life and the transitions and make them ‚experienceable‘? That by immersing yourself in the music you are setting off on a journey through life?
Ultimately, I hope that the music can speak for itself and people don’t even necessarily have to know what it is about to get childhood feelings, to experience the feeling of being in love, to get a feeling of what it might be like to give birth to a child or even to be present at the birth. Creating these soundscapes so that these kinds of emotions arise is ultimately the main goal of art. But then there will be all the extra stuff that people can have fun with if they want to go deeper and explore more deeply.

I think that’s a good closing statement and you’ve made people curious about the album! I hope that it can be realized with and through the support of future listeners and those who liked the album “Lustuz Laþu Wōþuz Alu” or “Live at the Blót” or who were able to experience NEBALA live.

And here is the Kickstarter campaign: NEBALA

NEBALA startet Kickstarter-Kampagne für „Rites of Passage“

Einige Zeit war es ruhig um NEBALA. Aber jetzt gibt es gute Neuigkeiten: ein neues Album ist in Arbeit und soll jetzt mit einer Kickstarter-Kampagne auf den Weg gebracht werden. Der Titel verweist darauf, worum es in diesem Album gehen wird: um Übergangsphasen im Leben und Riten, die damit verbunden sind.

Musikalisch wird die Grundlage auch diesmal aus Elementen nordischer und indischer Musik bestehen.

Neues Album und eine Überraschung

Die große Überraschung ist, dass Jonas Lorentzen, der Kreative hinter NEBALA, Christopher Juul von HEILUNG für das das Projekt gewinnen konnte und mit ihm zusammen das Album fertigstellen wird.

Nachdem NEBALA im Juli 2022 das Album „Lustuz La​þ​u W​ō​þ​uz Alu“ herausgegeben haben, folgten zwei großartige Shows auf dem Castlefest (s. hier) und dem Midgardsblót-Festival.
Die Show dort wurde aufgenommen und im April 2023 als „Live at the Bl​ó​t“ als Album veröffentlicht.

Danach spielten NEBALA live in veränderter Zusammensetzung und in anderer Form. Dies hat ganz unterschiedliche Gründe, wie Jonas Lorentzen, mir in einem Gespräch erzählte (Mehr aus diesem Gespräch könnt ihr demnächst hier auf metal-heads.de lesen).

Große Shows brauchen große Festivals

So große Shows, wie NEBALA sie auf diesen beiden Festivals gespielt haben, müssen auch finanziert werden. Dies ist meist nur großen Festivals möglich. Große Festivals setzen aber eher auf Bands, bei denen sie sicher sein können, dass sie viele Zuschauer anziehen.

Für NEBALA hieß dies, dass die Angebote, die sie erhielten, nicht ausreichten, um weiterhin in der bisherigen Form aufzutreten.

So wurden verschiedene Konzepte überlegt, deren Umsetzung dann erneut verändert werden musste, da Kjell Braaten (der sowohl an der Entstehung des Albums als auch in den Shows einen großen Anteil hatte) erkrankte.

NEBALA haben dann in reduzierter Besetzung auf dem Festival Mediaval spielten und auf dem Midgardsblót mit dem „Blót Rave“ ein anderes Konzept genutzt haben.

Weiterentwicklung von Ideen

Dann hat Jonas Lorentzen die Ideen, wie es mit NEBALA weitergehen soll, zunächst allein weiterentwickelt.
Einen Stillstand gab es also nie, da Jonas weiter an seinen Konzepten arbeitete.

Die weiteren Stationen in aller Kürze: Jonas lernte den italienischen Multi-Instrumentalisten Ghilli Prati kennen, mit er sich musikalisch und darüber hinaus gut versteht. Dann gab es die Möglichkeit, ein paar Tage lang in einem Studio aufzunehmen.

Mitten in den Aufnahmen wurde die Zusammenarbeit mit By Norse Music (über die die beiden o.g. Alben veröffentlicht wurde) beendet. Auch wenn dies einvernehmlich war, hatte NEBALA nun kein Label mehr im Hintergrund.

Jonas nahm Kontakt zu seinem Freund Christopher Juul auf, um ihn zu fragen, ob er Interesse hätte, das Album mit ihm zu verwirklichen. Er hatte Interesse und zusammen werden sie die Aufnahmen, Mixing und Mastering fertigstellen.

Die Kickstarter-Kampagne unterstützen „Rites of Passage“: A Journey Through Life’s Transformative

In dieser Woche wurde eine Kickstarter-Kampagne gestartet. So sollen die Leute mit auf die Reise genommen und beteiligt werden, die letztlich das Projekt erfolgreich machen können.

Ich denke, dass es sich auf jeden Fall lohnt, das Projekt zu unterstützen. Denn wenn damit NEBALAs  nordisch-indischen Sound weiterentwickelt wird, wird es musikalisch wieder sehr spannend und unter die Haut gehend.

Sich thematisch und klanglich mit Übergangsriten zu beschäftigen und auf diese Weise den Lebensweg jedes Menschen zu begleiten, ist ein anspruchsvolles Projekt. Aber auch ein wichtiges Projekt, weil den Übergängen, Strukturen und hilfreichen Ritualen immer weniger Beachtung geschenkt wird und sie aus unserer ‚modernen‘ Welt zu verschwinden scheinen.

Die Übergänge von einer Lebensphase in die nächste (vom Kind zum Jugendlichen, erwachsen werden, die neue Rolle als Eltern usw.) verlaufen einerseits fließend, andererseits fühlen Menschen sich oft in die neue Lebensspanne ‚versetzt‘. Rituale des Übergangs können helfen, dass dieser Prozess bewusster und somit selbstbestimmter verläuft.

In der Menschheitsgeschichte gab es immer Strukturen, die durch Rituale diese Prozesse begleiteten und markierten. Z.B. Initiationsriten oder die Sakramente der christlichen Religionen.

NEBALA greift dies mit „Rites of Passage“ auf und wird der Reise durch das Leben Lieder geben, die Gedanken, Texte und musikalische Elemente sowohl indischer, nordischer als auch frühchristlicher Mystik aufgreifen.

Das klingt sehr spannend und freue mich jetzt schon auf, neue Lieder und dann das Album als Ganzes zu hören.

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NEBALA: Kickstarter Campaign for New Album 

NEBALA launches Kickstarter campaign for „Rites of Passage“

Things have been quiet around NEBALA for a while. But now there’s good news: a new album is in the works, and it’s set to be launched through a Kickstarter campaign. The title hints at the album’s theme: life’s transitional phases and the rites associated with them. Musically, the foundation will again consist of elements from Nordic and Indian music.

New Album and a Surprise

The big surprise is that Jonas Lorentzen, the creative mind behind NEBALA, has brought on Christopher Juul from HEILUNG to join the project and complete the album together.

After NEBALA released the album „Lustuz Laþu Wōþuz Alu“ in July 2022, they followed up with two outstanding shows at Castlefest (see here) and the Midgardsblót Festival. The show at Midgardsblót was recorded and released as the live album „Live at the Blót“ in April 2023.

Afterward, NEBALA performed live with a reconfigured lineup and in a different format. There are various reasons for this, as Jonas Lorentzen explained to me in a conversation (you will soon be able to read more from this interview on metal-heads.de).

Big Shows Need Big Festivals

Large shows, like the ones NEBALA performed at these two festivals, require significant funding. This is usually only feasible for major festivals. However, big festivals tend to favour bands that are guaranteed to attract large audiences.
For NEBALA, this meant that the offers they received were insufficient to continue performing in their previous format.

Several concepts were explored, but their execution had to be revised when Kjell Braaten (who played a significant role in both the album’s creation and the shows) fell ill. NEBALA then performed at Festival Mediaval with a reduced lineup and presented a different concept at Midgardsblót with the „Blót Rave“.

Further development of ideas

Jonas Lorentzen then continued developing ideas for NEBALA’s future on his own. There was never really a standstill, as Jonas kept working on his concepts.
The key developments in brief: Jonas met the italian multi-instrumentalist Ghilli Prati with whom he connected musically and beyond. Then, they had the opportunity to record in a studio for a few days.

In the middle of the recording sessions, NEBALA parted ways with By Norse Music (the label through which the aforementioned albums were released). Although the split was amicable, NEBALA now found themselves without a label.

Jonas reached out to his friend Christopher Juul to see if he’d be interested in working on the album together. He was, and together they will finish the recording, mixing, and mastering.

Supporting the Kickstarter-campaign: „Rites of Passage“ A Journey Through Life’s Transformative Moments

A Kickstarter campaign was launched this week, aiming to involve the people who can ultimately make the project a success.

I believe it’s definitely worth supporting the project. If NEBALA continues to evolve their Nordic-Indian sound, it will undoubtedly be musically exciting and deeply moving.

Exploring rites of passage both thematically and sonically, and thus accompanying each person’s journey through life, is an ambitious project. But it’s also an important one, as the transitions, structures, and meaningful rituals that guide us seem to be fading from our ‚modern‘ world.

The transitions from one life phase to the next (from childhood to adolescence, adulthood, becoming parents, etc.) are both gradual and abrupt. People often feel ‚thrust‘ into the next stage of life. Rites of passage can help make this process more conscious and self-determined.

Throughout human history, there have always been structures marked by rituals to guide these processes—such as initiation rites or even the sacraments in Christian religions.

With „Rites of Passage“, NEBALA embraces this concept and will accompany life’s journey with songs that draw on the thoughts, texts, and musical elements of Indian, Nordic, and early Christian mysticism.

This sounds very exciting, and I’m already looking forward to hearing the new songs and the album as a whole.

english version below

Wenn ich mir die Anzahl der Veröffentlichungen im Bereich Metal und Folk allein aus den skandinavischen Ländern anschaue, war es ein sehr produktives Jahr 2023. Aber nicht nur was die Anzahl angeht, sondern auch die Qualität.

Hier eine Auswahl zu treffen, ist mir schwergefallen. Die gewählte Strategie: für jeden Monat ein Album. Das hat die Auswahl etwas erleichtert. Die ausgewählten Veröffentlichungen sind die, die mich auch nach häufigem Hören immer noch in ihren Bann ziehen.

Es war nicht nur Musik, die mir im vergangenen Jahr viele gute Momente gegeben hat, sondern auch die Interviews, die ich mit Musikern aus verschiedenen Bereichen machen konnte.

Vielen Dank an Toumas Rounakari, Benny Braaten, Þráinn Baldvinsson und Jón Geir Jóhannsson von SKÁLMÖLD, Leo Wichmann (WORDS OF FAREWELL) und Stefan Matschke (AGENDA)!

Viele Gedanken und Fragen, über die wir gesprochen haben, werden mich auch in der kommenden Zeit begleiten und beschäftigen. Sich zuhören, miteinander reden, sich streiten aber immer wieder aufeinander zugehen, andere Meinungen und Unterschiede aushalten können, Verschiedenheit als Bereicherung sehen, immer wieder über Bewertungen in jeder Form nachdenken – das sind Themen, die in allen Interviews in der einen oder anderen Weise zur Sprache kamen. Sie werde ich – genauso wie die Musik – mit ins nächste Jahr nehmen.

Und nun zur Musik

Januar – NEBALA

Über NEBALA habe ich im letzten Jahr oft geschrieben, da ihnen meiner Meinung nach Großartiges gelungen ist. Ausgehend vom Album „Lustuz Laþu Wōþuz Alu“, bei dem Jonas Lorentzen (ex – HEILUNG) nicht nur mit den Musikern Sebastian Gainsborough (aka Vessel vom Manchester Collective) und Kjell Braaten (Wardruna, Origami Galaktika) sondern auch mit Fachleuten aus den Bereichen Vorchristliche Religion und Philosophie zusammengearbeitet hat.

Die Texte aus den nordischen Sagas bilden in Verbindung mit Elementen indischer und europäischer Philosophie die Basis für die Betrachtung der Sexualität aus einer spirituellen und mythologischen Sicht.

Traditionelle Instrumente wie Leiern, Hörnern, Tagelharpa, Organistrum, tibetische Klangschalen sowie verschiedene Formen des Kehlgesangs formen NEBALAs indo-nordischen Klang, der das Besondere dieser Lieder ausmacht.

Auf dem CASTLEFEST spielten sie zum ersten Mal live und boten den Zuschauern ein wahrhaft magisches Erlebnis.

Das Konzert auf dem MIDGARDSBLÓT-Festival wurde aufgezeichnet und ist als Album erhältlich. Außerdem könnt ihr euch die Show HIER ansehen.

Im Januar 2023 veröffentlichten NEBALA mit „Skiñañariaz“ ein erstes Video der Show auf dem MIDGARDSBLÓT-Festival. Das Album und alle Videos wurden dann im Mai veröffentlicht. Hier haben Fieke Van Den Hurk bei der Aufnahme sowie Kjell Braaten und Ivar Sandøy beim Mixen und Master ebenso gute Arbeit geleistet, wie Sara Bøgh bei der künstlerischen Ausgestaltung des Videos. Daher sind die Videos nicht nur eine Dokumentation der Show, sondern ein Medium, das die Wirkung der Lieder durch fantastische Bilder verstärkt.

Februar – PIL & BUE

Im Februar brachten PIL & BUE (das sind Petter Carlsen und Gøran Johansen) das Album „Special Agents“ heraus. PIL & BUE (Pfeil und Bogen) klingen auch zu zweit wie eine vollständige Band. Sie machen kraftvolle, düstere bis lustige Rockmusik. Passend zu ihrem  Bandname treffen sie mit ihren brachialen Rhythmen und durchdringenden Melodien pfeilschnell direkt ins Ziel. Einflüsse von Thrash Metal und Post Rock bieten abwechslungsreichen Hörgenuss.

März – Kjell Braaten

Auch von Kjell Braaten, der in diesem Monat die EP „The Cabin“ herausgebracht hat,  habe ich häufiger berichtet und seine Alben „Ferd“, „Bronseplassen“ und „Blóta“ vorgestellt

Bei „The Cabin“ gefällt mir die Zusammenstellung der Stücke sehr gut. Das Spektrum reicht von der intensiven Leichtigkeit einer Improvisation auf einem Instrument (Langspill) über orchestrale Klänge bis zur komplex arrangierten Variation des Songs „Acoustic Oscillator“.

Der Song „The Cabin“ war eine Auftragsarbeit und ursprünglich als Soundtrack für einen düsteren Animationsfilm vom Typ „Hanzel und Grethel“ komponiert. „Acoustic Oscillator“ ist ein Remake des Songs „Universal Oscillator“ von THE QUANTUM FIELD TRIP.

Kjell Braaten komponiert neben seiner eigenen Musik auch für Theater und Film (zuletzt für die Serie „Vikings Valhalla“).

Im Verlauf des Monats hat er mit „Ragnarok“ und „Jotun“ weitere Songs veröffentlicht, die er ursprünglich für Filmprojekte komponiert hatte. Ich finde es interessant zu hören, was neben ‚seiner eigenen Musik‘ entstanden ist.

Die Musik unterscheidet sich einerseits deutlich von dem, was er in den letzten Jahren unter seinem Namen veröffentlicht hat. Andererseits verwendet er auch hier wieder Instrumente aus der ganzen Welt, was sich wie ein roter Faden durch seine musikalische Arbeit zieht. 

April – SEVEN IMPALE

Kennt ihr die Jazz-Progger von SEVEN IMPALE? Ich habe mich sehr gefreut, als sie nach sieben (!) Jahren endlich wieder ein Album herausgebracht haben. Dass es so lange gedauert hat, hatte damit zu tun, dass alle Mitglieder „mit dem Leben beschäftigt“ waren. So war Stian Økland nach seinem Bachelor in klassischem Gesang in Opernproduktionen in Europa und zuletzt in Hongkong zu hören und Håkon Vinje betätigt bei ENSLAVED die Tasten.

Meine Vorfreude hat sich nach dem ersten Hören von „Summit“ in Freude verwandelt, da die Songs direkt mitnehmen in einen schweren metallisch durchzogenen Jazz’n Prog-Rock. Mit dem Pathos, den Stian in seinen Gesang legt und Håkons freejazz Eskapaden ist das schwere Kost, die sie aber immer wieder auflockern.  

Mai – NEBALA (live)

Hier erschien das eingangs schon erwähnte Album „Live at the Blót“ von NEBALA.  Mehr dazu könnt ihr hier lesen.

Juni – IMMORTAL

Im Juni hieß es dann: „I am immortal“ oder vielmehr: „Ich bin IMMORTAL“. Denn nach Diskrepanzen zunächst mit Abbath (Vocals) und später mit Horgh (Drums) hat Demonaz das Ruder übernommen und das Album quasi allein gestaltet. Ob das gut funktioniert hat? Ja, denn „War Against All“ ist so knackig frostig, wie man es von IMMORTAL gewohnt ist. Bei den acht soliden Songs beschleicht mich ein wenig Nostalgie, da Demonaz  mit massiven Grooves und eiskalten Riffs die Elemente aufgreift, die mir an den frühen Alben gefallen. Unterstützt wurde er von Kevin Kvåle (Drums/ u.a. Gaahls WYRD und Arve Isdal (Bass/ ENSLAVED).

July – VREID

Endlich etwas Neues von VREID, die sich mit dem Song „Flammen“ zurückgemeldet haben. Mit VREID verbinde ich Schwermut und Energie sowie Intensität, Nachdenklichkeit und Experimente.

Das ist auch in „Flammen“ wieder zu hören. Mit hämmernden Riffs, düsterem Sound, tollen Leads und symphonischen Elementen ist „Flammen“ wie eine Essenz ihrer Musik der letzten Jahre.

Ihr letztes Album „Wild North West“ erschien 2021. Damit haben sie uns auf eine Reise an einen Ort tief in den Bergen mitgenommen. Dorthin, wo die Grenze zwischen Realität und Fantasie nicht mehr deutlich ist und der Tod nur einen Schritt hinter einem liegt.

Zusammen mit SÓLSTAFIR haben sie im gleichen Jahr ein ganz besonderes Konzert gestreamt. VREID haben auf dem Storehogen Berg in Sogndal gespielt und SÓLSTAFIR auf der Hochebene von Hellisheiði in ihrer Heimat Island.

Und jetzt heißt es: Warten auf das Album.

August – SKÁLMÖLD

Der Sommermonat brachte ein neues Album von SKÁLMÖLD. Mit “Ýdalir“ sind die Isländer ihrer Linie, Songs auf der Basis isländischer Sagen zu entwickeln, treugeblieben. Sie haben diese Grundidee weiterverfolgt, aber dabei neue Strukturen und Ideen entwickelt. Und für einige Überraschungen gesorgt.

Seit SKÁLMÖLD ihr fünftes Album „Sorgir“ veröffentlichten, sind fast fünf Jahre vergangen. Dies hat einmal damit zu tun, dass sie 2019 beschlossen, eine Pause zu machen, um nach den vielen Touren die Batterien aufzuladen und über neue Songs nachzudenken. Als sie wieder losstarten wollten, kam die Covid-Pandemie dazwischen.

In diesem Jahr konnten sie „Ýdalir“ veröffentlichen, eine tolle Geschichte erzählen und auf Tour gehen.

„Ýdalir“ ist musikalisch härter als die Vorgänger. Dadurch entwickeln die Melodien eine noch deutlichere Wirkung. Dass SKÁLMÖLD über mehrere gute Sänger verfügt, wissen wir bereits. Diesmal trägt auch Drummer Jón Geir Jóhansson einen engelsgleichen Gesang bei. Ansonsten gibt es Passagen zum Headbangen, andere zum Mitsingen. Und es sind wieder Geschichten zu Orten und Charakteren, die in der nordischen Mythologie eine Rolle spielen. Skálmöld übernehmen aber nicht einfach die Texte aus der Edda, sondern Snæbjörn Ragnarsson (Bass) erzählt neue Geschichten. Z.B. über Ullur, der zentralen Figur des Albums, bei dem Skálmöld wohl dachten, dass er es verdient hat, dass man mehr über ihn erzählt.

September – FIXATION

FIXATION ist eine noch relativ neue Hardrock-Band aus Norwegen, die 2020 mit der EP „Global Suicide“ ihr Debüt veröffentlicht hat. Jetzt legen sie mit „More Subtel Than Death“ ein Album nach. Mit schweren Riffs, massiven Synthesizer-Sound und eingängigen Melodien verbinden sie Rock mit Metalcore und würzen dies mit Sozialkritik. Die Texte handeln von Ungerechtigkeit, Egozentrismus, Klimakrise und der Missachtung der Menschenrechte. Die teilweise bombastische Musik bildet eine angemessene Kulisse für die oft emotionalen Ausbrüche

Das Mixing hat Jason Livermore (der u.a. mit RISE AGAINST gearbeitet hat) übernommen.

Oktober – FORTÍÐ

Der Oktober brachte uns „Narkissos“, das siebte Album von FORTÍÐ.

FORTÍÐ (isl. für Vorzeit und Vergangenheit) ist eine isländisch-norwegische Pagan-Metal-Band.

Und was haben die nun mit Narziss, einer Gestalt der griechischen Mythologie zu tun? Keine Sorge, FORTÍÐ bleiben sich treu und haben auf ihrem siebten Album den Archetypen des Selbstverliebten in einen nordischen Kontext gebracht. Auch musikalisch sind sie sich treu geblieben. Sie garnieren ihren Black Metal mit Thrash- und Folk-Elementen, schön konzipierten Gitarrenparts und wohldosierten Wechseln im Tempo. Es geht immer klar voran, ohne Verspieltheit aber doch mit Leichtigkeit.

November – BARDS OF SKAÐI

BARDS OF SKAÐI – das sind Göran Månsson (Blasinstrumente und Schlagzeug) und Thomas von Wachenfeldt (Keyboards, Saiteninstrumente).

Das Album „Glysisvallur: Musick from the frozen Atlantis“ ist Musik zum Träumen. Sie entwickeln Klanglandschaften, in die es sich einzutauchen lohnt. Zeitweise hat man das Gefühl zu schweben, so leicht tragen einen die Melodien. Es ist ‚November-Musik‘, der angemessene Hintergrund es sich gemütlich zu machen, während es draußen grau und unwirtlich wird.

Dezember – GÅTE

Nachdem GÅTE im Oktober „Vandrar“ veröffentlicht haben, erschien im Dezember bei Indie Recordings die Doppel-LP „Huldra“. Diese Vinyl ist eine Zusammenstellung der Songs, die sie bekannt gemacht haben. Mit „Ulveham“ und „Huldra“ sind zudem zwei Songs dabei, die bisher noch nicht physisch veröffentlicht wurden.

Wenn es um die Verbindung von Folk und Rockmusik geht, kommt man an GÅTE nicht vorbei. Bereits für ihr Debütalbum „Jygri“ gewann sie 2002 den Spellemannprisen, den wichtigsten norwegischen Musikpreis. 2021 hatten sie mit „Nord“ noch einmal ein rein akutsiches (Folk-) Album herausgebracht. Mit der EP „Vandrar“ sind sie zu ihren rockigen Anfängen zurückgekehrt und haben Folkmelodien, Drehleier und Maultrommel mit rockigen und metallischen Riffs verbunden. Da gibt es düstere und sphärische Momente aber auch fette Riffs.

Wer es eher rockig mag, dem wird „Vandrar“ gefallen. Wer hingegen feine Folksongs hören möchte, wird sie auf „Huldra“ finden.

Das war „meine“ Musik in 2023

So, das waren die Alben, die mir in diesem Jahr viel Spaß gemacht haben.

Es waren aber nicht nur Alben, die für eine gute Zeit gesorgt haben, sondern auch die Gespräche/Interviews, die viele meiner Fragen beantworteten, neue aufwarfen, auf verschiedenen Ebenen Impulse gegeben und somit Stillstand unmöglich gemacht haben.

Hört doch mal in die Alben rein (und/oder lest die Reviews und Interviews), kommt gut ins Neue Jahr, in dem ich euch hoffentlich auch wieder interessante und hörenswerte Alben vorstellen kann!

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Music from the North – a look back at 2023

If I look at the number of releases in the Metal and Folk genres solely from the Scandinavian countries, it has been a very productive year in 2023. But not just in terms of quantity, but also in quality.

Selecting a few proved to be challenging. The chosen strategy: one album for each month. This made the selection somewhat easier. The chosen releases are the ones that still captivate me after frequent listening.

It wasn’t just the music that provided many good moments last year, but also the interviews I could conduct with musicians from various domains. Many thanks to Toumas Rounakari, Benny Braaten, Þráinn Baldvinsson and Jón Geir Jóhannsson from SKÁLMÖLD, Leo Wichmann (WORDS OF FAREWELL), and Stefan Matschke (AGENDA)!

Many thoughts and questions from our discussions will accompany and occupy me in the coming times. Listening to each other, talking, arguing, but always coming back together, tolerating different opinions and differences, seeing diversity as enrichment, and constantly reflecting on evaluations in any form – these are themes that came up in all interviews in one way or another. I will carry them – just like the music – into the next year.

And now, onto the music.

January – NEBALA

I have often written about NEBALA last year because, in my opinion, they achieved something remarkable. Starting with the album „Lustuz Laþu Wōþuz Alu“, where Jonas Lorentzen (ex-HEILUNG) collaborated not only with the musicians Sebastian Gainsborough (aka Vessel from the Manchester Collective) and Kjell Braaten (Wardruna, Origami Galaktika) but also with experts in Pre-Christian religion and philosophy. The texts from Nordic sagas, in combination with elements of Indian and European philosophy, form the basis for the consideration of sexuality from a spiritual and mythological perspective.

Traditional instruments like lyres, horns, tagelharpa, organistrum, Tibetan singing bowls, and various forms of throat singing shape NEBALA’s Indo-Nordic sound, making these songs special. They performed live for the first time at CASTLEFEST, offering the audience a truly magical experience. The concert at the MIDGARDSBLÓT Festival was recorded and is available as an album. You can also watch the show HERE.

In January 2023, NEBALA released the first video of the MIDGARDSBLÓT Festival show titled „Skiñañariaz“. The album and all videos were then released in May. Fieke van den Hurk did an excellent job with recording, and Kjell Braaten and Ivar Sandøy excelled in mixing and mastering, just like Sara Bøgh did in the artistic design of the video. Therefore, the videos are not just a documentation of the show but a medium that enhances the impact of the songs with fantastic visuals.

February – PIL & BUE

In February, PIL & BUE (Petter Carlsen and Gøran Johansen) released the album „Special Agents“. PIL & BUE (=Arrow and Bow) sound like a complete band even as a duo. They create powerful, dark, and sometimes humorous rock music. True to their band name, they hit the target with their brutal rhythms and penetrating melodies. Influences from Thrash Metal and Post-Rock provide diverse listening pleasures.

March – Kjell Braaten

Also, from Kjell Braaten, who released the EP „The Cabin“ this month, I have reported more frequently and introduced his albums „Ferd“, „Bronseplassen“ and „Blóta“.

I particularly like the composition of the pieces in „The Cabin“. The spectrum ranges from the intense lightness of improvisation on an instrument (Langspill) to orchestral sounds and the complex arranged variation of the song „Acoustic Oscillator“.

The song „The Cabin“ was a commissioned work and originally composed as a soundtrack for a dark animated film of the „Hansel and Gretel“ type. „Acoustic Oscillator“ is a remake of the song „Universal Oscillator“ by THE QUANTUM FIELD TRIP. In addition to his music, Kjell Braaten also composes for theatre and film (most recently for the series „Vikings Valhalla“). During the month, he released „Ragnarok“ and „Jotun“, two more songs he originally composed for film projects. I find it interesting to hear what has emerged besides his ‚own music‘. On the one hand, the music differs significantly from what he has released under his name in recent years. On the other hand, he once again uses instruments from around the world, which runs like a common thread through his musical work.

April – SEVEN IMPALE

Do you know the jazz-proggers SEVEN IMPALE? I was delighted when they finally released an album after seven (!) years. The long wait was due to all members being „busy with life“. Stian Økland, after completing his Bachelor’s in classical singing, was heard in opera productions in Europe and lately in Hong Kong. Håkon Vinje is busy with the keys at ENSLAVED. My anticipation turned into joy after the first listen to “Summit”, as the songs immediately take you into a heavy, metallic-laden Jazz’n Prog-Rock. With the pathos that Stian puts into his singing and Håkon’s free jazz escapades, it’s a heavy dish that they occasionally lighten up.

May – NEBALA (Live)

Here was the release of the aforementioned live album from NEBALA “Live at the Blót“.  More about it HERE.

June – IMMORTAL

In June it was said: „I am immortal“ or rather: „Ich bin IMMORTAL.“ After initial disagreements with Abbath (vocals) and later with Horgh (drums), Demonaz took over and essentially shaped the album alone. Did it work well? Yes, because „War Against All“ is as crisply frosty as you would expect from IMMORTAL. The eight solid songs evoke a bit of nostalgia in me, as Demonaz picks up on the elements I liked in the early albums with massive grooves and icy riffs. He was supported by Kevin Kvåle (drums/ among others Gaahls WYRD) and Arve Isdal (bass/ ENSLAVED).

July – VREID

Finally, something new from VREID, who returned with the song „Flammen“. I associate melancholy and energy, intensity, contemplation, and experiments with VREID.

This is also evident in „Flammen“. With pounding riffs, dark sound, great leads, and symphonic elements, „Flammen“ is like an essence of their music from recent years. Their last album, „Wild North West“, was released in 2021, taking us on a journey to a place deep in the mountains, where the boundary between reality and fantasy is no longer clear, and death is just a step behind.

Together with SÓLSTAFIR, they streamed an extraordinary concert in the same year. VREID played on the Storehogen Mountain in Sogndal, and SÓLSTAFIR played on the plateau of Hellisheiði in their home country, Iceland. And now it’s time to wait for the album.

August – SKÁLMÖLD

The summer month brought a new album from SKÁLMÖLD. With „Ýdalir“, the Icelanders stayed true to their line of developing songs based on Icelandic sagas. They continued this basic idea but developed new structures and ideas, providing some surprises.

Almost five years have passed since SKÁLMÖLD released their fifth album, „Sorgir“. This was partly due to their decision to take a break in 2019 to recharge their batteries after many tours and think about new songs. When they wanted to start again, the Covid pandemic came in between. This year, they were able to release „Ýdalir“, tell a great story, and go on tour.

„Ýdalir“ is musically harder than its predecessors. This makes the melodies have an even more distinct effect. We already know that SKÁLMÖLD has several good singers. This time, drummer Jón Geir Jóhannsson contributes an angelic singing. There are passages for headbanging and others for singing along. And, once again, there are stories about places and characters that play a role in Norse mythology. However, Skálmöld doesn’t just take the texts from the Edda; Snæbjörn Ragnarsson (bass) tells new stories, for example, about Ullur, the central figure of the album, where SKÁLMÖLD probably thought he deserved to have more said about him.

September – FIXATION

FIXATION is a relatively new hard rock band from Norway that debuted in 2020 with the EP „Global Suicide“. Now they follow up with an album titled „More Subtel Than Death“. Mixing heavy riffs, massive synthesizer sounds, and catchy melodies, they blend rock with metalcore, seasoning it with social criticism. The lyrics deal with injustice, egocentrism, the climate crisis, and the disregard for human rights. The sometimes bombastic music provides a fitting backdrop for the often emotional outbursts.

Jason Livermore, who has worked with RISE AGAINST, among others, handled the mixing.

October – FORTÍÐ

October brought us „Narkissos“, the seventh album from FORTÍÐ.

FORTÍÐ (Icelandic for antiquity and past) is an Icelandic-Norwegian pagan metal band. And what do they have to do with Narcissus, a figure from Greek mythology? Don’t worry, FORTÍÐ stays true to themselves and has placed the archetype of the self-loving into a Nordic context on their seventh album. Musically, they also remain true to themselves, garnishing their black metal with thrash and folk elements, well-conceived guitar parts, and well-dosed changes in tempo. It always moves forward clearly, without playfulness but with ease.

November – BARDS OF SKAÐI

BARDS OF SKAÐI – that’s Göran Månsson (wind instruments and drums) and Thomas von Wachenfeldt (keyboards, string instruments). The album „Glysisvallur: Musick from the frozen Atlantis“ is music for dreaming. They create soundscapes worth immersing oneself in. At times, you feel like floating; the melodies carry you so lightly. It’s ‚November music,‘ the appropriate background to get comfortable while it gets grey and inhospitable outside.

December – GÅTE

After GÅTE released „Vandrar“ in October, the double LP „Huldra“ was released in December by Indie Recordings. This vinyl is a compilation of the songs that made them known. With „Ulveham“ and „Huldra“, two songs are included that have not been physically released before.

When it comes to the connection between folk and rock music, you cannot ignore GÅTE. They already won the Spellemannprisen, the most important Norwegian music award, for their debut album „Jygri“ in 2002. In 2021, they released a purely acoustic (folk) album, „Nord“. With the EP „Vandrar“, they returned to their rocky beginnings, combining folk melodies, hurdy-gurdy, and jaw harp with rocky and metallic riffs. There are dark and atmospheric moments, but also hefty riffs. If you prefer a more rocking sound, you will like „Vandrar“. If, on the other hand, you want to hear fine folk songs, you will find them on „Huldra“.

That was “my” music in 2023.

So, those were the albums that gave me a lot of pleasure this year. It wasn’t just albums that provided a good time but also the conversations/interviews that answered many of my questions, raised new ones, gave impulses on various levels, and thus made stagnation impossible.

Take a listen to the albums (and/or read the reviews and interviews), and have a great start to the New Year, where hopefully, I can present interesting and worth-listening albums to you again!

(english version below)

In der Ankündigung zu meiner Playlist habe ich bereits kurz erläutert, worum es mir mit der Playlist „(Ur) Nordic Sounds – in all kinds of Metalmusic and Folk“ / (Ur) Nordische Klänge – in Metal und Folk“ geht: um „nordische Klänge“ in verschiedenen Metal-Genres und Folk – Music.

Unabhängig davon, welche Musik ihr bevorzugt hört: ihr werdet bestimmt immer wieder ‚eure‘ Bands hier finden aber hoffentlich auch musikalische Entdeckungen machen.

Zur Playlist wird es jeweils ein paar Informationen geben: über die Bands, den Musikstil, die Texte und was es sonst Interessantes oder Unterhaltsames zu erzählen gibt.
Vielleicht gibt es auch Interviews, Neuerscheinungen oder andere Geschichten, die zu den Songs der Playlist passen.

Und los gehts

Heute geht es also los. Mit dabei sind diesmal die Metalbands ENSLAVED und ROTTING CHRIST, Musiker und Bands, die sich intensiv mit nordischer und indoeuropäischer Musik und der Philosophie dahinter beschäftigt haben wie Kjell Braaten, NEBALA, SKÁLD, SOWULO und FOLKET BORTAFOR NORDAVINDEN. Mit SÓLSTAFIR ist eine Band dabei, deren melancholisch-atmosphärische Musik voller nordischer Klänge ist. Und KALANDRA, die den Soundtrack zum Video-Game „Kingdom Two Crowns – Norse Lands geschrieben haben.

Nachdem die Auswahl geklärt ist, kommt die Frage der Anordnung: losen, nach Themen sortiert, alphabetisch? Diesmal alphabetisch. Daher geht es los mit Kjell Braaten.

Vergangenheit und Gegenwart

Kjell Braaten habe ich euch in den letzten Jahren schon mehrfach vorgestellt. Ich bin immer wieder begeistert von der Vielfalt, die aber nicht eklektisch ist, sondern Kontinuität und Experimente zugleich beinhaltet und verschiedenste musikalische Ideen und Möglichkeiten miteinander verbindet.

Kjell macht Musik, die von alter nordischer Kultur ebenso beeinflusst ist, wie von der Musik anderer Kulturen. Dafür nutzt er historische Instrumente aus der ganzen Welt, aber auch vielfältige ‚moderne‘ technische Möglichkeiten. Damit spannt er immer wieder einen Bogen von der Vergangenheit zur Gegenwart und über kulturelle Unterschiede hinweg. Denn er versteht Musik als eine Sprache, die das ausdrücken kann, was gesprochene Worte nicht können.

Der Song „Frithr“ ist ein Song vom Album „Blóta“. Der Gesang und der Rhythmus der Trommeln erzeugen einen warmen und dynamischen Klang. Dadurch bekommt das Lied einen rituellen Charakter, der durch die Verwendung der altnordischen Wörter noch verstärkt wird. ‚Frithr‘ bedeutet ‚Frieden‘. In dem Lied geht es darum, dass es möglich ist, wenn man selbst Frieden mit sich geschlossen hat, diesen Frieden weiterzugeben. Dass man den Frieden nicht ‚herstellen‘, aber Bedingungen schaffen kann, die Frieden ermöglichen. Ihn – wie es im Lied heißt – wie einen Samen im Herzen anderer Menschen wachsen lassen kann.

„Behind The Mirror“ von ENSLAVED ist eine großartige Mischung aus Black Metal und progressiven Anteilen , die auch diese gewisse nordische Sehnsucht beinhaltet.
Hier gelandet ist der Song aber wegen des Intros: man hört das Wikingerschiff über das Meer fahren. Und dann ertönt ‚Heimdalls Gjallahorn‘. Über das Gjallahorn wird gesagt, dass Heimdall es während Ragnarök ein letztes Mal blasen wird, um den Beginn des Kampfes zwischen den Göttern und den Riesen anzukündigen.
Bei „Behind The Mirror“ wird das Horn von Eilif Gundersen gespielt, der sonst Mitglied bei WARDRUNA ist.

Rhythmus und Sound

FOLKET BORTAFOR NORDAVINDEN kann man als Vorreiter des nordischen Folk bezeichnen. Bereits 2007 von Benny Braaten und Gustav Holberg gegründet, haben sie in den folgenden Jahren in unterschiedlichen Besetzungen gepielt und gestalten außerdem das Eröffnungs- und Abschlussritual des Midgardsblót – Metal Festival.

Die Basis der Musik bilden die Trommeln und die Stimmen. Insbesondere die unglaublich tiefe Stimme von Benny Braaten, die ich immer wieder gerne höre, da sie so viel Resonanz erzeugt. Ihre Lieder sind beschwörend, die aber auch heiter, zum Tanzen und mitsingen.

„Ur Is Ka Ha So“ gefällt mir wegen des Rhythmus und der gleichzeitig aktivierenden und meditativen Wirkung. Es ist eines der ‚Runenlieder‘: Ur, Is, Ka, Ha und  So sind die Anfangsbuchstaben der Runen Uruz, Isa, Kenaz (Kaunaz) und Sowilo. Die Verwendung lediglich der ersten Silbe ergibt andere Möglichkeiten der rhythmischen Gestaltung. Außerdem kann die Stimme mehr Intensität hineinbringen, was diesen Song so eindringlich macht.
Mehr zu dem Song und dem Album, von dem es stammt, gibt es im Interview.

Kennt ihr das Video-Spiel „Kingdom Two Crowns“? Das Spiel ist in einer pixeligen 2D-Grafik gehalten, die eine schlichte Kulisse schafft. Es bietet eine einzigartige Mischung aus Strategie-, Simulation- und Ressourcenmanagement-Elementen. Und dazu haben KALANDRA einen großartigen Soundtrack geschrieben.
Zu KALANDRAS Bekanntheit hat u.a. ihr Cover von „Helvegen“ von WARDRUNA beigetragen, das bis heute 5 Millionen Mal aufgerufen wurde.

„Slow Motion“ ist allerdings von ihrem Album „The Line“, das 2020 erschien. Ich mag diese verträumte Melancholie und breiten Harmonien.

Dunkelheit und Nebel

In „Dronning Ellisiv“ von MYRKUR geht es um Ellisiv, die Tochter des Großfürsten von Nowgorod, die später König Harald von Norwegen heiratete. MYRKUR interpretieren hier ein Lied von Harald Foss, einem bekannten norwegischen Folkmusiker, neu.
Das Lied nimmt die Volksmusikklänge auf und versieht sie mit einer ätherischen Stimmung.

Es ist ein Lied, das an der Schwelle zum kommerziellen Klang steht, aus dem es die Stimme von Amalie Bruun, die mir seit dem Album „Mareridt“ gut gefällt, immer wieder heraus holt.

Auch über NEBALA habe ich schon mehrfach berichtet. „Safijan“ ist sowohl auf der EP „Lustuz“ zu finden, die der Ausgangspunkt für das Album „Lustuz – Laþu – Wōþuz Alu“ war als auch auf dem Album „Live at Midgardsblót“. Dort habe NEBALA eine fantastische Show gezeigt.

„Safijan“ hat einen anhaltend tiefen Grundton. Dichter, lockender Gesang und die sich entfaltenden Klänge einer Leier entwickeln eine Wirkung, der man sich nicht entziehen kann. Dann setzen stampfende Rhythmen und rauer, aggressiver Sprechgesang von männlicher und weiblicher Stimme ein. Eine Auseinandersetzung: ungeschönt. Hier werden Verse aus der Hávamál verwendet: Sie handeln vom Umwerben, von der Dunkelheit und Hinterhältigkeit von Männern und Frauen, die dabei oft eine Rolle spielen. Und davon, dass eine andere Beziehung möglich wird, wenn man sich dem anderen so zeigt, wie man ist.
So endet das Lied dann auch mit zärtlichen Klängen, die den Wunsch nach Vertrauen in sich tragen. Denn es braucht Vertrauen in den anderen, um Masken abnehmen zu können.
NEBALA arbeiten an neuen Liedern aber auch an einem neuen Konzept für die Präsentation ihrer Musik. Mehr dazu demnächst hier.

Kosmisches und Verborgenes

देवदेवं (Devadevam) von ROTTING CHRIST vom Album „Rituals“ ist von einer Ode an Shiva, dem Gott der Götter, inspiriert. Die Sprache, in der sie singen, ist Sanskrit. Im Lied folgt auf ein Mantra jeweils eine Ode, in der Shiva besungen wird. ROTTING CHRIST bedienen sich immer wieder Materialien, die schon ‚eigen‘ sind. Auf „Rituals“ haben sie diese eindrücklich und eingängig zugleich verarbeitet.

„Devadevam“ habe ich auch wegen des Gastmusikers Kathir ausgewählt. Er ist Sänger und Bassist bei RUDRA, einer Band aus Singapur, die black-metal-beeinflussten Vedic – Metal spielen und auf Sanskrit singen.

SKÁLD kommen aus Frankreich. Dennoch singen sie in verschiedenen nordischen Sprachen und verwenden traditionelle Instrumente, um Themen aus der nordischen Mythologie zu vertonen. Die Mischung aus groovenden Trommeln, Drehleiern, diversen Saiteninstrumenten und Didgeridoo ergibt sowohl kraftvolle als auch anmutige Stücke. Aufmerksam bin ich auf sie durch ihr Cover von THE CUREs „A Forest“ geworden.

Ausgesucht habe ich den Song „Elverhøy“ vom Album „Huldufólk“. Auf „Huldufólk“ erzählen sie Geschichten über die verborgenen Völker der isländischen und färöischen Mythologie erzählen: über Elfen, Feen, Trolle und Zwerge. „Elverhøy“ erzählt von einem Mädchen, dass von Elfen zum Tanz aufgefordert wird, um dann auch zu lernen, die Runen zu lesen. Es ist ein eingängiges und durchaus poppiges Lied, das Spaß macht.

Reisen und Zeiten

SOWULO ist ein Projekt des niederländischen Multiinstrumentalisten, Komponisten und Produzenten Faber Horbach. Faber setzt hier seine Leidenschaft für nordische Geschichte, das heidnische Erbe und Schamanismus in eher melancholischen Liedern um.

Mit ihren Liedern begeben sie sich SOWULO auch auf eine spirituelle Reise. Sie kombinieren die Klänge ihrer (früh-)mittelalterlichen Instrumente mit modernen Instrumenten und cineastischen Klängen.

„Fæcele“ ist geprägt vom Gesang, dem Schlagzeug und der Melodie der Nyckelharpa. Der Mittelteil klingt verträumt, bis die Melodie des Anfangs wieder aufgenommen wird. Das Lied wird in Alt – Angelsächsisch gesungen. Für eine Band, die sich an ‚nordischen‘ Themen ausrichtet, ist das zunächst einmal ungewöhnlich. Aber da Angelsächsisch die Sprache der germanischen Stämme ist, die nach den Römern die Vorherherrschaft in England übernahmen, passt das wieder.

SÓLSTAFIR haben die Grenzen zwischen Metal, Rock, Black Metal, Blues Rock zu einem Sound, der von der gewaltigen Natur ihrer Heimat Island geprägt ist, verschoben. Es gelingt ihnen immer wieder, mit Songs wie „Ljós í Stormi“ oder „Lágnætti“ eine Klangwelt voll Urgewalt und Schönheit zu erschaffen.

Das Album „Ótta“ (2014) finde ich aufgrund des zugrundeliegenden Konzeptes interessant. Die Songs orientieren sich an der alten isländischen Zeitrechnung, bei der die 24 Stunden in acht Abschnitte zu 3 Stunden eingeteilt sind.

Den Song „Ótta“ (was die Zeit der Morgendämmerung meint) habe ich ausgewählt, weil er viele Element und Möglichkeiten enthält, die SÓLSTFIR so besonders machen: die Gitarren ziehen den Hörer sofort in den Song. Unterstützt von sanften Geigen und dem kontrastierenden Banjo baut sich der Bogen auf, der die Zeit um Mitternacht bis zum Morgen umspannt.

Ausblick

So, das war die Playlist dieses Monats July. Viel Spaß mit der Musik! (Und HIER geht es zur Playlist oder einmal nach oben scrollen und auf ‚Playlist‘ gehen)

Im August werden u.a. SKÁLMÖLD, Eivør, INSOMNIUM, KATLA und Emilie Lorentzen dabei sein.

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In the announcement of my playlist, I have already briefly explained what my playlist „(Ur) Nordic Sounds – in all kinds of Metal music and Folk“ is about: „Nordic sounds“ in various metal genres and folk music.

Regardless of the music you prefer to listen to, you will definitely find ‚your‘ bands here, but hopefully also make some musical discoveries.

For each song in the playlist, there will be some information about the bands, the musical style, the lyrics, and any other interesting or entertaining facts. There may also be interviews, new releases, or other stories that fit the songs in the playlist.

And here we go.

So today, we’re starting. This time, the metal bands ENSLAVED and ROTTING CHRIST are included, as well as musicians and bands that have extensively explored Nordic and Indo-European music and the philosophy behind it, such as Kjell Braaten, NEBALA, SKÁLD, SOWULO, and FOLKET BORTAFOR NORDAVINDEN. Also featured is SÓLSTAFIR, a band whose melancholic and atmospheric music is full of Nordic sounds. And KALANDRA, who composed the soundtrack for the video game „Kingdom Two Crowns – Norse Lands“.

Once the selection is clear, the question of arrangement arises: random order, sorted by theme, or alphabetical? This time, it’s alphabetical. So, let’s start with Kjell Braaten.

Past and Present

I have introduced Kjell Braaten to you several times in recent years. I am always amazed by the diversity that he incorporates, which is not eclectic but includes both continuity and experimentation, combining various musical ideas and possibilities.

Kjell creates music that is influenced by ancient Nordic culture as well as the music of other cultures. He uses historical instruments from around the world, as well as various „modern“ technical possibilities. In doing so, he repeatedly bridges the gap between the past and the present and across cultural differences. He sees music as a language that can express what spoken words cannot.

The song „Frithr“ is a track from the album „Blóta“. The vocals and the rhythm of the drums create a warm and dynamic sound. This gives the song a ritualistic character, which is further enhanced by the use of Old Norse words. ‘Frithr’ means ‘peace’. The song is about the possibility of passing on peace once you have made peace with yourself. It’s about not being able to ‘create’ peace but being able to create conditions that allow peace. It’s about being able to let peace grow in the hearts of others, like a seed, as the song says.

„Behind The Mirror“ by ENSLAVED is a great blend of black metal and progressive elements, which also contains that certain Nordic longing. It’s included here because of the intro: you can hear the Viking ship sailing across the sea. And then ‚Heimdall’s Gjallahorn‘ sounds. It is said that Heimdall will blow the Gjallahorn one last time during Ragnarök to announce the beginning of the battle between the gods and the giants. In „Behind The Mirror“, the horn is played by Eilif Gundersen, who is also a member of WARDRUNA.

Rhythm and Sound

FOLKET BORTAFOR NORDAVINDEN can be described as pioneers of Nordic folk. Founded in 2007 by Benny Braaten and Gustav Holberg, they have played in various lineups over the years and also perform the opening and closing rituals of the Midgardsblót Metal Festival.

The foundation of their music consists of drums and vocals. In particular, Benny Braaten’s incredibly deep voice, which I always enjoy listening to because of its resonance. Their songs are evocative but also cheerful, suitable for dancing and singing along. I like „Ur Is Ka Ha So“ because of its rhythm, and it’s simultaneously activating and meditative effect. It is one of the „Rune songs“: Ur, Is, Ka, Ha, and So are the initials of the runes Uruz, Isa, Kenaz (Kaunaz), and Sowilo. Using only the first syllable allows for different rhythmic arrangements. In addition, the vocals can bring more intensity, which makes this song so compelling.

There will be more about the song and the album it comes from in the interview.

Are you familiar with the video game „Kingdom Two Crowns“? The game features pixelated 2D graphics that create a simple backdrop. It offers a unique blend of strategy, simulation, and resource management elements. And KALANDRA has written a great soundtrack for it.
One of the reasons for KALANDRA’s popularity is their cover of WARDRUNA’s „Helvegen“, which has been viewed 5 million times to this day.
However, „Slow Motion“ is from their album „The Line“, released in 2020. I like the dreamy melancholy and broad harmonies in this song.

Darkness and Mist

In „Dronning Ellisiv“ by MYRKUR, the focus is on Ellisiv, the daughter of the Grand Prince of Novgorod, who later married King Harald of Norway. MYRKUR reinterprets a song by Harald Foss, a well-known Norwegian folk musician. The song incorporates folk music elements and imbues them with an ethereal atmosphere. It’s a song that teeters on the edge of a commercial sound, but Amalie Bruun’s voice, which I have enjoyed since the album „Mareridt“, always pulls it back.

I have also reported on NEBALA several times. „Safijan“ can be found on both the EP „Lustuz“, which served as the starting point for the album „Lustuz – Laþu – Wōþuz Alu“, and the album „Live at Midgardsblót“. NEBALA put on a fantastic show there.

„Safijan“ has a sustained deep fundamental tone. The dense, enticing vocals and the unfolding sounds of a lyre create an effect that is impossible to resist. Then come stomping rhythms and rough, aggressive spoken words by both male and female voices. It’s a confrontation, unadorned. Verses from the Hávamál are used: they deal with courtship, the darkness and deceitfulness of men and women, which often play a role in it. And they also address the possibility of a different kind of relationship when one reveals oneself to the other as they truly are. Thus, the song ends with tender sounds that carry the desire for trust because it takes trust in the other person to be able to remove masks.

NEBALA is working on new songs as well as a new concept for presenting their music. More on that soon.

Cosmic and Hidden

देवदेवं (Devadevam) by ROTTING CHRIST from the album „Rituals“ is inspired by an ode to Shiva, the god of gods. The language they sing in is Sanskrit. The song alternates between a mantra and an ode praising Shiva.

ROTTING CHRIST frequently draws on materials that are already their own. On „Rituals“, they have incorporated these elements impressively and memorably.

I have chosen „Devadevam“ because of the guest musician Kathir. He is a singer and bassist in RUDRA, a band from Singapore that plays black metal-influenced Vedic metal and sings in Sanskrit.

SKÁLD is from France. Despite that, they sing in various Nordic languages and use traditional instruments to interpret themes from Norse mythology. The combination of grooving drums, hurdy-gurdy, various stringed instruments, and didgeridoo creates both powerful and graceful pieces.
I discovered them through their cover of THE CURE’s „A Forest“.

I have chosen the song „Elverhøy“ from the album „Huldufólk“. On „Huldufólk“, they tell stories about the hidden beings of Icelandic and Faroese mythology: elves, fairies, trolls, and dwarves. „Elverhøy,“ tells the story of a girl who is invited by the elves to dance and then learns to read the runes. It’s a catchy and quite poppy song that is fun to listen to.

Journeys and Times

SOWULO is a project by Dutch multi-instrumentalist, composer, and producer Faber Horbach. Here, Faber incorporates his passion for Nordic history, pagan heritage, and shamanism into rather melancholic songs. Their songs also take the listener on a spiritual journey. They combine the sounds of their (early) medieval instruments with modern instruments and cinematic sounds.

„Fæcele“ is characterized by the vocals, drums, and melody of the nyckelharpa. The middle part sounds dreamy until the melody from the beginning is picked up again. The song is sung in Old English. This may be unusual for a band focusing on „Nordic“ themes, but since Old English is the language of the Germanic tribes that took over dominance in England after the Romans, it fits.

SÓLSTAFIR have blurred the boundaries between metal, rock, black metal, and blues rock, creating a sound that is influenced by the immense nature of their home, Iceland. They repeatedly succeed in creating a sonic world full of primal power and beauty with songs like „Ljós í Stormi“ or „Lágnætti“.

I find the album „Ótta“ (2014) interesting because of the underlying concept. The songs are based on the old Icelandic timekeeping system, which divided the 24 hours into eight segments of three hours each.

I have chosen the song „Ótta“ (which means the time of dawn) because it contains many elements and possibilities that make SÓLSTAFIR so unique: the guitars immediately draw the listener into the song. Supported by gentle violins and the contrasting banjo, the arch is built, spanning the time from midnight to morning.

Outlook

So, that was this month’s playlist for July. Enjoy the music! (And HERE you can go to the playlist or scroll up once and go to ‚Playlist‘)

In August, SKÁLMÖLD, Eivør, INSOMNIUM, KATLA, and Emilie Lorentzen will be included, among others.

„Ragnarok“ – ein weiteres Stück von der aktuellen EP

(english version below)

Heute veröffentlicht Kjell Braaten einen weiteren Song der EP „Ragnarok“. Im letzten Monat kam dazu mit „Jotun“, der erste Song heraus. Jetzt also der Titelsong, über die Apokalypse in der nordischen Mythologie.

Wie „Jotun“ ist auch „Ragnarok“ kein Stück, das für diese EP komponiert wurde. Es war eine Auftragsarbeit. Daher klingt auch dieses Stück anders, als die Musik, die auf Kjell Braatens Alben „Ferd“ (2020), „Bronseplassen“ (2021) oder „Blóta“ (2022) zu hören ist.

Mit „Raganrok“ zeigt Kjell Braaten erneut, wie viele verschiedene Facetten sein musikalisches Spektrum umfasst. Er hat für Theater, Film (wie z.B. für die Serie „Vikings Valhalla“) geschrieben, Sounddesigns entwickelt und war an verschiedenen Bands beteiligt (z.B. EHWAZ, WARDRUNA). Außerdem hat mit vielen verschiedenen Künstlern und Projekten zusammengearbeitet u.a. FOLKET BORTAFOR NORDAVINDEN, Anette Aga, dem Nordic Animism-Projekt. Im letzten Jahr stand er mit NEBALA auf der Bühne (die Aufnahmen von dieser großartigen Show könnt ihr hier sehen und dort mehr darüber erfahren).

Im Song „Jotun“ haben sich diese mit den Naturgewalten und dem Chaos verbundenen Wesen auf den Weg gemacht, um am Kampf von Ragnarök teilzunehmen.  

 „Ragnarok“

„Ragnarok“ beginnt mit dem rauen bedrohlich klingenden Aufruf: „Ragnarok“. Trommelschläge und unwirklich klingende Töne: irgendwo zwischen Mensch und Tier. Die schneller werdenden Trommeln, die knurrenden Vocals bauen Spannung auf. Sie klingen wie die Vorbereitung auf eine beängstigende Begegnung.

Aber vielleicht höre ich das auch nur deshalb so, weil ich die Bilder, mit denen Ragnarök in den Gedichten der Edda beschrieben wird, kenne. Daher klingt die Musik für mich sowohl nach Voranschreiten, als auch nach Unabänderlichkeit, nach Angst ebenso wie nach Entschlusskraft, sich dem Kommenden zu stellen.

Der Moment, in dem das Gjallarhorn / die Lure zu hören ist, verursacht Gänsehaut. Das Gjallarhorn ruft die Götter zum Kampf. Die Stimme, die man dann hört, klingt nach Schmerz, Trauer und Bedauern zugleich. Und dann der Kampf: tiefe und gutturale Laute, Metall, das aufeinandertrifft. Die Dynamik nimmt immer mehr zu: die Stimmen und die Trommeln werden intensiver.
Mittendrinn ist wieder das hier bedrohlich klingende Horn zu hören, das den Untergang der Welt als unausweichlichen Lauf des Schicksals symbolisiert– und dann ist alles zu Ende.

Ragnarök in der nordischen Mythologie

Ragnarök, das Verhängnis, das Schicksal der herrschenden Mächte, spielt nicht nur in verschiedenen Dichtungen eine Rolle.
Es gibt – nicht nur im Metal – unzählige Songs dazu (wie z.B. „Twilight Of The Thunder God“ von AMON AMARTH, TÝR haben dem Thema mit „Ragnarok“ ein ganzes Album gewidmet).

Das wohl wichtigste Gedicht, das die Ragnarök-Ereignisse prophezeit, ist die Völuspá, die Prophezeiung der Seherin. Dieses Gedicht, das eines der bedeutendsten der nordischen Mythologie ist, findet sich sowohl in der Poetischen Edda als auch in der Edda des Sorri Sturluson.

Während Snorri Sturluson in seiner epischen Erzählung ausführlich den finalen und heroischen Kampf der Götter mit den Kräften des Bösen beschreibt, ist die Darstellung in der poetischen Edda symbolischer, metaphorischer. Götter und verschiedene mythologische Geschöpfe kämpfen gegeneinander. Die Natur gerät außer Kontrolle, die Sonne verdunkelt sich und die Sterne fallen vom Himmel. Schließlich werden die Götter besiegt und die Welt geht in Flammen auf, die meisten Götter kommen ums Leben. Die Völuspá beschreibt, dass nach dem Untergang eine neue Welt entsteht, die von den überlebenden Göttern und Menschen bewohnt wird.

Der Kreislauf von Schöpfung und Vernichtung

Niemand kann heute sagen, woher diese Vorstellungen gekommen sind und welche Bedeutung die Beschreibungen für die hatten, die sie geschaffen oder weitergegeben haben.

Aber dieser Kreislauf von Schöpfung und Vernichtung, von Vergänglichkeit und dem unvermeidbaren Untergang, damit Neues entstehen kann, ist ein Thema, das auch aktuell eine Rolle spielt.

So können wir in einen Dialog mit diesen Gedichten treten und sie in eine Beziehung zu uns bringen.

Hier schließt sich auch der Kreis in Kjell Braatens Musik, von „Ragnarok“ zu seinen anderen Alben: das, was war, in einen Bezug zur Gegenwart zu bringen.

Und dafür ist „Ragnarok“ in der Verbindung alter Instrumente und aktueller Technik ein gutes Beispiel.

„Ragnarok“ findet ihr auf allen gängigen Streaming-Plattfomen. Zum Beispiel hier

Und hier ist „Ragnarok„

„Ragnarok“ – another track from the current EP

Today Kjell Braaten releases another song from the EP „Ragnarok“. The first song, „Jotun“, was released last month. Now the title song, which is about the apocalypse in Norse mythology.

Like „Jotun“, „Ragnarok“ is not a piece that was composed for this EP. It was a commissioned piece. Therefore, this piece also sounds different from the music that can be heard on Kjell Braaten’s albums „Ferd“ (2020), „Bronseplassen“ (2021) or „Blóta“ (2022).

With „Ragnarok“, Kjell Braaten once again shows how many different facets his musical spectrum encompasses. He has written for theatre, and film (such as for the series „Vikings Valhalla“), developed sound designs and been involved in various bands (e.g. EHWAZ, WARDRUNA). He has also worked with many different artists and projects including FOLKET BORTAFOR NORDAVINDEN, Anette Aga, and the Nordic Animism project. Last year he was on stage with NEBALA (you can see the recordings of this great show here and read more about it there).

In the song „Jotun“, these beings associated with the forces of nature and chaos have set out to take part in the battle of Ragnarök. 

„Ragnarok“

„Ragnarok“ begins with the harsh ominous-sounding call: „Ragnarok“. Drum beats and unreal-sounding tones: somewhere between human and animal. The accelerating drums and the growling vocals build tension. They sound like preparation for a frightening encounter.
But maybe I only hear it that way because I know the images with which Ragnarök is described in the poems of the Edda. That’s why the music sounds to me both of progress and irreversibility, of fear as well as of determination to face what is coming.

This moment when the Gjallarhorn / lure is heard gives me goosebumps. The Gjallarhorn calls the gods to battle. The voice that is then heard sounds like pain, sadness and regret at the same time.

And then the battle: deep and guttural sounds, metal clashing. The dynamics increase more and more: the voices and the drums become more intense. In the middle, the ominous-sounding horn can be heard again, symbolising the world’s downfall as the inevitable course of fate – and then everything ends.

Ragnarok in Norse mythology

Ragnarök, the doom, the fate of the ruling powers, plays a role not only in various poetries.

There are – not only in metal – countless songs about it (such as „Twilight Of The Thunder God“ by AMON AMARTH, TÝR have dedicated an entire album to the theme with „Ragnarok“).

Probably the most important poem prophesying the Ragnarok events is the Völuspá, the prophecy of the seer. This poem, which is one of the most important in Norse mythology, is found in both the Poetic Edda and the Edda of Snorri Sturluson.

While Snorri Sturluson describes in detail the final and heroic struggle of the gods with the forces of evil in his epic narrative, the depiction in the Poetic Edda is more symbolic and metaphorical. Gods and various mythological creatures fight each other. Nature gets out of control, the sun darkens and the stars fall from the sky. Eventually, the gods are defeated and the world goes up in flames, most of the gods perish. The Völuspá describes that after the downfall a new world emerges, inhabited by the surviving gods and humans.

The cycle of creation and destruction

No one can say today where these ideas came from and what meaning the descriptions had for those who created or passed them on.

But this cycle of creation and destruction, of transience and the inevitable demise so that something new can arise, is a theme that also plays a role today.

So we can enter into a dialogue with these poems and bring them into a relationship with us.

This also closes the circle in Kjell Braaten’s music, from „Ragnarok“ to his other albums: to bring what was into a relationship with the present.

And „Ragnarok“ is a good example of this in its combination of old instruments and current technology.

You can find „Ragnarok“ on all the usual streaming platforms. E.G. here

And here is „Ragnarok„

NEBALA veröffentlichen heute die komplette Show vom Midgardsblót-Festival

NEBALA haben heute „Nebala – Live at the Blót“ veröffentlicht. In den letzten Wochen wurden bereits erste Videos herausgebracht. Darüber habe ich bereits berichtet (z.B. HIER) . Daher stelle ich heute die letzten noch fehlenden Lieder vor. „Ant M​é​r Sjalfri Þ​é​r“, „Surgō Sebō“ und „Blotha Huñaga Bola​ñ​an Alu“ sind auch die letzten Lieder ihrer Show auf dem Midgardsblot-Festival. Das Album „Nebala – Live at the Blót“ ist bereits am 21. April 2023 auf allen Streamingplattformen veröffentlicht worden.

NEBALA ist das Projekt von Jonas Lorentzen, der bis 2019 Vocalist bei HEILUNG war. Aus der Zusammenarbeit mit Sebastian Gainsborough („Vessel“, The Northman) und Kjell Braaten (WARDRUNA, ORIGAMI GALAKTIKA) entstanden die EP „Lustuz“ (2020). Eigentlich sollte das Debütalbum im gleichen Jahr erscheinen, was aber pandemiebedingt nicht möglich war.  So wurde die Zeit genutzt, um weiter am Konzept und der Musik zu arbeiten. Das 2022 erschienene Album „Lustuz Laþu Wōþuz Alu“ wurde von Kjell Braaten aufgenommen, gemischt und produziert. „Nebala – Live at the Blót“ hat Fieke van den Hurk aufgenommen. Kjell Braaten hat Mixing und Produktion übernommen und Iver Sandøy (ENSLAVED) hat das Ganze gemastert.

NEBALA – Live

Das Midgardsblot Open-Air Festival findet seit 2015 in Borre in Norwegen statt. und präsentiert dem Publikum Bands aus Metal, Folk und Dark Ambient. 2022 haben dort u.a. WARDRUNA, ROTTING CHRIST, HEILUNG, PRIMORDIAL, EINHERJER, GAERA und NYTT LAND gespielt.

NEBALA haben dort, wie die Videos zeigen, eine einzigartige Show abgeliefert. Die Aufnahmen wurden von Sara Bøgh künstlerisch bearbeitet. Daher sind die Videos nicht nur eine Dokumentation der Show, sondern ein Medium, das die Wirkung der Lieder durch fantastische Bilder verstärkt.

Musik muss man live erleben. Sie ist wie jemand, der dir in die Augen schaut und dir mit seinem ganzen Wesen sagt, dass er dich liebt. Oder eine herzliche, warme Umarmung von einem Freund in einer Zeit, in der das alles war, was man brauchte. Das war’s! In einem einzigen zerbrechlichen Moment der Ewigkeit, und er wird nie wieder kommen oder auf dieselbe Weise erlebt werden.

Jonas Lorentzen

NEBALA haben mit ihrer Musik und zuletzt auch mit den Videos etwas Ungewöhnliches und Neues entwickelt. Musikalisch ist es eine einzigartige Verbindung traditioneller Instrumente, archaischer Klänge, außergewöhnlicher rhythmischer Strukturen und experimenteller Elemente.

Urnordisch und Verse aus der Edda

Verse und Geschichten aus der Hávamál, Skirnismál und von Runensteinen sind die Grundlage der Texte der Lieder. Sie erzählen von Sehnsucht und Schmerz sowie von Zuversicht, Vertrauen, Verwandlungen und Übergängen. Während die Lieder der Edda in Altnordisch geschrieben wurden, ist Jonas Lorentzen (in Zusammenarbeit mit Dr. Mathias Nordvig) mit der Verwendung des Ur-Nordischen zeitlich noch einen Schritt zurück gegangen, um eine Art spiritueller Sprache zu schaffen. Alte Sprachen wurden immer schon für Riten verwendet. Dadurch, dass die Wörter nicht in einem alltäglichen oder profanen Zusammenhang verwendet werden, behalten sie eine ursprüngliche Bedeutung.

„Ant mér sjálfri þér“, „Surgō Sebō“ und „Blotha Huñaga Bolañan Alu“ – die neuen Videos

Liebe mich wie dich selbst

„Ant mér sjálfri þér“ hat für mich musikalisch wie thematisch das Zentrum des Albums „Lustuz Laþu Wōþuz Alu“ dargestellt. Musikalisch in der Verbindung elementarer, archaischer Klänge mit avantgardistischen, experimentellen Elementen. Und durch die Frage: Was braucht es, damit es möglich wird, sich selbst mit seinen hellen und dunklen Seiten annehmen und dem anderen ohne Maske eigen zu können?

In der Show folgt es auf „Laþu“. (Zu diesen beiden Liedern gab es bereits zwei ganz besondere Videos, die zeigen, welche Verbindung es zwischen den beiden Liedern gibt ! ) Daher ist es schlüssig, dass „Ant mér sjálfri þér“ an dieser Stelle kommt. Auch in der Show ist dieses Lied für mich das Zentrum, auf das die vorherigen Lieder musikalisch und inhaltlich zuströmen.

Die Bühne ist in pulsierenden Nebel getaucht. Der Klang der Lure leitet das Lied ein. Dann bauen NEBALA einen mehrstimmigen Gesang auf, der an Rituale und Liturgie erinnert. Die Beleuchung verstärkt diesen Eindruck. Der folgende Sprechgesang ist Selbstgespräch und Auseinandersetzung: nachdenklich, verunsichert, fragend, anklagend, flehend: „Ant Mér Sjalfri Þér“. Unheimliche anschwellende Klänge wie in einem bösen Traum, mit Geistern der eigenen unguten Handlungen und Gedanken. Verstärkt wird dies dadurch, dass die Bilder von pulsierenden Strukturen überzogen werden. Und dann vertreibt Josh sie mit archaischer Energie. Es ist wie ein Kampf mit dunklen Elementen. Auch diese Auseinandersetzung mündet in den Ruf: „Ant Mér Sjalfri Þér“.Er ist hier Forderung, Bedingungen und verzweifelte Sehnsucht zugleich. Die Anspannung wird über das gesamte Lieder immer größer und entlädt sich in einem überwältigenden Schluss.

Ragnarök is coming – they say. How about we’ll have a fucking good time

„Surgō Sebō“ – Worte und Körperlichkeit

„Surgō Sebō“ ist wie eine Befreiung nach der vorangegangenen bedrückenden Verzweiflung und Anspannung.
Es ist ein großartiges Stück! Denn seine komplexen rhythmischen Strukturen, die mit ihren Schwingungen den ganzen Körper erreichen, bringen den Zuhörer unweigerlich in Bewegung. Man kann das Publikum nicht sehen, aber so weit ich es mitbekommen habe, waren alle in Bewegung. Ich konnte  jedenfalls nicht stillstehen. Bei  „Surgō Sebō“  fügen sich Erleben und Sein in Klang und Rhythmus zusammen und es entsteht eine energetische und bewegungsreiche Performance, bei der alle auf der Bühne in Bewegung sind. Josh tanzt mit breiten und ausdrucksstarken Bewegungen, die den Grundrhythmus aufnehmen, während die anderen in ihren Bewegungen den Rhythmus variieren. Der Tanz ergänzt Melodie, Rhythmus und Wörter zu einer Ganzheitlichkeit, die körperlich spürbar ist.  

Jonas singt mit tiefer und voller Stimme. Stimmliche Möglichkeiten werden ausgelotet (immerhin haben sie fünf tolle Sänger auf der Bühne) und die Rufe klingen wie eine Befreiung. Die Lautmalereien und Wörter bilden den Rhythmus. Auch wenn man die Wörter vielleicht nicht versteht, entfalten sie ihre Wirkung und Macht.

Die Performance auf der Bühne wechselt zwischen wilden, rohen und feinen harmonischen Momenten, was zu einem beeindruckenden Spannungsaufbau und -abbau führt. Insbesondere dann, wenn die Stimmen aufeinander aufbauend die Klänge erweitern und dann wieder harmonisch zusammenfügen. Oder auch im Dialog „Surgō – Sebō“ zwischen Jonas und Josh.

Vom Menschen zum Kosmos mit magischen Worten

Nachdem „Surgō Sebō“ Emotion, Körper und Geist wieder miteinander verschmolzen hat, werden bei „Blotha Huñaga Bolañan Alu“ Zeit und Kosmos einbezogen. Daher ist „Blotha Huñaga Bolañan Alu“ ein fantastischer Abschluss für die Show.

Durch die ruhige Eröffnung entsteht eine andächtige Stimmung. Nach und nach verbinden sich die rhythmischen und klanglichen Strukturen zu einem ekstatischen Ganzen. Der rituelle Gesang mit Namen uralter Göttinnen und Wörtern, die in der nordischen Mythologie als magisch gelten, verstärken diesen Eindruck. Dieses Lied fasst die Ideen und Gedanken der vorangegangenen Lieder zusammen: die Auseinandersetzung mit sich selbst, mit der ‚spirituellen‘ Verbindung von Schöpfung und Sexualität als Grundlage für Inspiration und Kreativität.

Der Text besteht aus den als magisch verstandenen Wörtern Fuþark, Alu, Laukaz, Laþu, Ehwuz, Wōþurīþaz und den Namen alter Göttinnen: Alusnehija, Fala, Fakinehija und Frīagābis.

Allein dadurch, wie Josh Rood mit tiefer (und schwarz-metallischer) Stimme diese Wörter singt und dies dann von Ilaria Orefices heller Stimme aufgenommen wird, schafft magische, beschwörende Momente. Und wenn sich dann die Klänge der Percussion verdichten, sich mit dem beschwörenden Flüstern und Rufen verbinden, spürt man die Mächtigkeit dieses Liedes noch einmal ganz besonders.   

Magie und großartige Musik

Die Lieder so wie die gesamte Show sind fesselnd, magisch und sowohl geerdet wie auch spirituell. Denn die Musik und die Klänge sind eindringlich und kraftvoll. Die sowohl elementaren wie auch komplexen und experimentellen rhythmischen und klanglichen Strukturen sind wunderbar miteinander verwoben. So entstehen mystische, unheimliche und harmonische, beruhigende Momente. Und sie bieten die Möglichkeit, sich den eigenen hellen und dunklen Anteilen zu nähern, sowie den Sehnsüchten und der Schönheit von Ekstase.

Die Musik von NEBALA ist ungewöhnlich, neu, befremdlich aber auch bekannt und wunderschön. Und immer mit einer unglaublichen Intensität und Kraft.

Das hat wohl auch das Publikum so erlebt. Denn es spendet begeisterten Applaus.

Und jetzt nehmt euch Zeit für die komplette Show und lasst euch von NEBALA in eine wunderbare Klangwelt entführen.

NEBALA release the complete show from the Midgardsblót festival today.

NEBALA have released „Nebala – Live at the Blót“ today. The first videos have already been released in the last few weeks. I have already reported about that (e.g. HERE) . So today I present the last missing songs. „Ant Mér Sjalfri Þér“, „Surgō Sebō“ and „Blotha Huñaga Bolañan Alu“ are also the last songs of their show at the Midgardsblot Festival. The album „Nebala – Live at the Blót“ has already been released on all streaming platforms on 21 April 2023.

NEBALA is the project of Jonas Lorentzen, who was the vocalist for HEILUNG until 2019. The collaboration with Sebastian Gainsborough („Vessel“, The Northman) and Kjell Braaten (WARDRUNA, ORIGAMI GALAKTIKA) resulted in the EP „Lustuz“ (2020). Actually, the debut album was supposed to be released in the same year, but this was not possible due to the pandemic.  So the time was used to continue working on the concept and the music. The album „Lustuz Laþu Wōþuz Alu“, released in 2022, was recorded, mixed and produced by Kjell Braaten. „Nebala – Live at the Blót“ was recorded by Fieke van den Hurk. Kjell Braaten did the mixing and production and Iver Sandøy (ENSLAVED) mastered the whole thing.

NEBALA – Live

The Midgardsblot Festival has been held in Borre, Norway, since 2015 and presents bands from the fields of metal, folk and dark ambient to the audience. In 2022, WARDRUNA, ROTTING CHRIST, HEILUNG, PRIMORDIAL, EINHERJER, GAERA and NYTT LAND, among others, played there.

NEBALA put on a unique show there, as the videos show. The recordings were artistically edited by Sara Bøgh. Therefore, the videos are not only a documentation of the show, but a medium that enhances the effect of the songs through fantastic images.

Music needs to be experienced live. It’s like someone looking you in the eye, and telling you with the entirety of their being that they love you. Or a heartfelt, warm embrace from a friend at a time where, that was all that was needed. There it is! In one fragile moment of eternity, and it will never come again or be experienced in that same way.

Jonas Lorentzen

NEBALA have developed something unusual and new with their music and most recently also with the videos. Musically, it is a unique combination of traditional instruments, archaic sounds, extraordinary rhythmic structures and experimental elements.

Ur – Nordic and verses from the Edda

Verses and stories from the Hávamál, Skirnismál and runestones are the basis of the songs‘ lyrics. They tell of longing and pain as well as confidence, trust, transformations and transitions. While the songs of the Edda were written in Old Norse, Jonas Lorentzen (in collaboration with Dr Mathias Nordvig) has gone back a step in time by using Ur-Nordic to create a kind of spiritual language. Ancient languages have always been used for rites. By not being used in an everyday or profane context, the words retain an original meaning.

Ant mér sjálfri þér“, „Surgō Sebō“ and „Blotha Huñaga Bolañan Alu“ – the new videos

Love me like you love yourself – „Ant mér sjálfri þér“

„Ant mér sjálfri þér“ has represented for me the centre of the album „Lustuz Laþu Wōþuz Alu“ both musically and thematically. Musically in the combination of elementary, archaic sounds with avant-garde, experimental elements. And thematically through the question: What does it take for it to become possible to accept oneself with its light and dark sides and to be able to be one’s own to the other without a mask?

In the show it follows „Laþu“.( There were already two very special videos for these two songs, which show what connection there is between the two songs !) Therefore it is logical that „Ant mér sjálfri þér“ comes at this point. Also in the show, this song is for me the centre towards which the previous songs flow musically and in terms of content.

The stage is bathed in pulsating mist. The sound of the lure introduces the song. Then NEBALA build up a polyphonic chant reminiscent of rituals and liturgy. The lighting reinforces this impression. The following chant is soliloquy and confrontation: pensive, uncertain, questioning, accusing, pleading: „Ant Mér Sjalfri Þér“. Eerie swelling sounds as in a bad dream, with ghosts of one’s unpleasant actions and thoughts. This is intensified by the fact that the images are covered by pulsating structures. And then Josh dispels them with archaic energy. It is like a battle with dark elements. This struggle also leads to the call: „Ant Mér Sjalfri Þér“. Here it is demand, conditions and desperate longing at the same time. The tension increases throughout the entire song and discharges in an overwhelming conclusion.

Ragnarök is coming – they say. How about we’ll have a fucking good time

„Surgō Sebō“ – Words and Materiality

„Surgō Sebō“ is like a release after the previous oppressive despair and tension.

It is a great piece! Because its complex rhythmic structures, which reach the whole body with their vibrations, inevitably get the listener moving. You can’t see the audience, but as far as I could tell, everyone was in motion. I certainly couldn’t stand still. In „Surgō Sebō“, experiencing and being merged in sound and rhythm to create an energetic and moving performance, with everyone on stage in motion. Josh dances with broad and expressive movements that pick up the basic rhythm, while the others vary the rhythm in their movements. The dance complements the melody, rhythm and words into a wholeness that can be felt physically. 

Jonas sings in a deep and full voice. Vocal possibilities are explored (after all, they have five great singers on stage) and the shouts sound like a release. The onomatopoeias and words build the rhythm. Even if you might not understand the words, they unfold their effect and power.

The performance on stage alternates between wild, raw and subtle harmonic moments, resulting in an impressive build-up and release of tension. Especially when the voices build on each other, expanding the sounds and then joining them together again harmoniously. Or also in the dialogue „Surgō – Sebō“ between Jonas and Josh.

From man to cosmos with magic words

After „Surgō Sebō“ has merged emotion, body and mind again, „Blotha Huñaga Bolañan Alu“ involves time and the cosmos. Therefore, „Blotha Huñaga Bolañan Alu“ is a fantastic ending to the show.

The quiet opening creates a devotional mood. Gradually, the rhythmic and tonal structures combine into an ecstatic whole. The ritual chanting with names of ancient goddesses and words considered magical in Norse mythology reinforce this impression. This song summarises the ideas and thoughts of the previous songs: the examination of oneself, of the ’spiritual‘ connection between creation and sexuality as the basis for inspiration and creativity.

The text consists of the words Fuþark, Alu, Laukaz, Laþu, Ehwuz, Wōþurīþaz, which are understood as magical, and the names of ancient goddesses: Alusnehija, Fala, Fakinehija and Frīagābis.

The mere fact that Josh Rood sings these words in a deep (and black-metallic) voice, which is then taken up by Ilaria Orefice’s bright voice, creates magical, evocative moments.

And when the sounds of the percussion then condense, combined with the evocative whispers and shouts, you feel the power of this song all over again.  

Magic and great music

The songs as well as the whole show are captivating, magical and both grounded and spiritual. For the music and sounds are haunting and powerful. The rhythmic and sonic structures, both elemental and complex and experimental, are beautifully interwoven. This creates mystical, eerie and harmonious, calming moments. And they offer the possibility to approach one’s own light and dark parts, as well as the longings and beauty of ecstasy.

NEBALA’s music is unusual, new, and disconcerting but also familiar and beautiful. And always with incredible intensity and power.

The audience must have experienced it the same way. Because they gave enthusiastic applause.

And now take your time for the complete show and let NEBALA take you away into a wonderful world of sound.

(english version below)

Nachdem NEBALA bereits Videos von „Skinanariaz“ und „Alagabia” als Teile ihrer Show beim Midgardsblot Festival 2022 eröffentlicht haben, folgen nun “Safijan”, “In Raurani” und “Laþu“.

Das Midgardsblot Open-Air Festival findet seit 2015 in Borre in Norwegen statt. 2022 haben dort u.a. WARDRUNA, ROTTING CHRIST, HEILUNG, PRIMORDIAL, EINHERJER, GAERA und NYTT LAND gespielt.

Seit 2015 bietet das Midgardsblot Festival Bands aus den Bereichen Metal, Folk und Dark Ambient eine Bühne. Und das in einer wunderbaren Umgebung. In Borre gibt es mehrere Wikinger – Grabhügel und die Gildenhalle, eine einzigartige Rekonstrunktion einer großen Wikingerhalle.

Und dort haben NEBALA, wie auch die Videos zeigen, eine großartige Show abgeliefert. Die Aufnahmen wurden von Sara Bøgh künstlerisch bearbeitet. Daher sind die Videos nicht nur eine Dokumentation der Show, sondern ein Medium, das die Wirkung der Lieder durch fantastische Bilder verstärkt.

NEBALA – klangliche Vielfalt und intensives Erleben

NEBALA spielen mit kulturellen, klanglichen und zeitlichen Grenzen, was die Spannung und Intensität der Musik ausmacht.

Die Musik von NEBALA basiert sowohl auf Geschichten der altnordischen Mythologie als auch auf deren Verständnis der Verbindung von Kreativität und Sexualität als Ursprung von Poesie und Gesang.
Außerdem verwenden sie traditionelle Instrumente wie Leiern, Hörnern, Tagelharpa, Organistrum, tibetischen Klangschalen und verschiedene Formen des Kehlgesangs

Sie verwenden die proto-nordische Sprache und Verse aus der Hávamál, Namen von Runen, Göttern und Göttinnen (wie z.B. in „Alagabia“, ein weiteres Lied, dessen Video bereits veröffentlich wurde) ermöglicht einen anderen Zugang sowohl zur Musik als auch den philosophischen Überlegungen, die den Liedern zusätzlich Kraft verleihen.

NEBALA ist das Projekt von Jonas Lorentzen, der bis 2019 Vocalist bei HEILUNG war. Aus der Zusammenarbeit mit Sebastian Gainsborough („Vessel“, The Northman) und Kjell Braaten (WARDRUNA, ORIGAMI GALAKTIKA)  entstanden die EP „Lustuz“ (2020). Das Album „Lustuz Laþu Wōþuz Alu“ (2022) wurde dann von Kjell Braaten aufgenommen, gemischt und produziert. Das Album „Nebala – Live at the Blót“ hat Fieke van den Hurk aufgenommen. Kjell hat Mixing und Produktion übernommen und Iver Sandøy (ENSLAVED) hat das Ganze gemastert.

Die neuen Videos vom Midgardsblot – Festival

„Laþu“: Magisch anziehend und bedrohlich zugleich

Die Szene ist zunächst in Rot getaucht. Nach beschwörendem Einstiegt werden die schmerzhaft klingenden Rufe von Bildern des Art-Films, den es zu „Laþu“ gibt, unterlegt. Durch den Wechsel bzw. dem Zusammenschnitt von Bildern des Geschehens auf der Bühne und den Filmszenen bekommt das, was man sieht, einen unwirklichen Charakter. Archaische Töne verbinden sich mit visuellen Effekten. Das Ganze wirkt bedrohlich und anziehend zugleicht.

„Laþu“ ist ein proto-nordisches Wort, mit dem der Zustand bezeichnet, der entsteht, wenn man sich von Verlangen und Lust leiten lässt, sich dem natürlichen Verlangen und den Emotionen hingibt.

Der raue, beschwörende und beängstigende Gesang und die stampfenden Rhythmen greifen dies auf.  Besonders intensiv sind die Momente, in denen sich die verschiedenen Stimmen einander annähern und dann in einem Klang verschmelzen.

In Raurani – betörend

Der tiefe Ton des Organistrumens und die betörende Stimme von Ilaria Orefice eröffnen das Lied. Der Dialog zwischen Ilaria und Jonas ist von geheimnisvoll schmerzlichen Klängen geprägt. Klänge voller Sehnsucht, die tief berühren.

Die Farbgebung im Video ist ruhig gehalten, so dass man sich auf die Musik konzentrieren kann. Und das ist gut so, denn „In Raurani“ ist ein wunderschönes Stück.

Safijan –  die Dunkelheit erkennen, denn jeder Mensch trägt einen Schatten in sich

„Safijan“ beginnt mit einem tiefen Grundton. Zarte Percussion, die dem Gesang, der Erzählung viel Raum lassen.

In „Safijan“ geht es darum, dass es in einer Beziehung wichtig ist, die Dunkelheit des anderen kennenzulernen. Um sich wirklich mit jemandem verbinden zu können, muss man dessen und auch die eigene Dunkelheit kennen: Wut, Hass, Bösartigkeit. Die dunklen Anteile sind nicht an sich schleicht oder gefährlich, sondern die nicht erkannte Dunkelheit. Diese ist wie eine Maske, hinter der Menschen sich verstecken.

NEBALA verwenden hier Verse aus der Hávamál. (Für diejenigen, die es interessiert: es sind die Stanzas 84, 91, 98 und 99).

Masken und Verführung

Dichter, lockender Gesang und die Melodie der Leier entwickeln hier eine Wirkung, der man sich nicht entziehen kann. Unterstrichen wird dieser Eindruck durch weitere Szenen aus dem Film „Laþu“. Da ist die Nymphe: Unschuld und zerstörerische Verführung zugleich. Und da ist der starke Mann in seiner Kraft, die zerstören aber auch schützen kann

Und dann entwickelt das Lied eine enorme Intensität. Kjell Braaten spielt mit dem Horn aggressive, archaische Töne, die zuletzt wie Schreie klingen. Zu den stampfenden Rhythmen kommen die Bilder der dunklen Weiblichkeit in Gestalt einer Rabenfigur.

Josh Rood übernimmt schwarz und weiß geschminkt den Gegenpart. Mit der Kraft und Dunkelheit, die in seiner Stimme liegen, antwortet er auf die weibliche Dunkelheit. Dies geht unter die Haut und die Schwingungen breiten sich im Körper aus.

Nicht nur die Musik verdichtet sich, sondern der Bildschnitt fügt die Momente auf der Bühne so zusammen, dass alles schneller und fast schon schwindelerregend wird. Die Beleuchtung sorgt für unwirkliche Eindrücke, da sich die Konturen zwischen Mensch und Hintergrund zeitweise aufzulösen scheinen. Das Lied endet mit eindringlichem Gesang, bei dem Jonas allein mit dem Schmerz zu sein scheint. Es sind aber auch Klänge, in denen Sehnsucht liegt. Vielleicht nach Vertrauen in den anderen, um die Maske abnehmen zu können.

Es ist ein großartiges Lied!. „Safijan“ hat mich nicht mehr losgelassen, seitdem ich es zum ersten Mal gehört habe. Es in dieser Version zu hören, unterstrichen durch die Bilder des Videos, hat diesen intensiven Eindruck weiter verstärkt.

Archaisch und avantgardistisch

„Laþu“, „In Raurani“ und „Safijan“ sind fesselnde und magische Lieder.

Ihre rhythmischen und klanglichen Strukturen sind komplex und gleichzeitig in einer Leichtigkeit miteinander verwoben, dass spirituelle Erfahrungen möglich werden. Ursprüngliche, archaische, elementare Elemente sind in eine experimentelle Grundstruktur eingebettet, in der die hellen und dunklen Anteile genauso einen Platz haben wie Sehnsüchte und Wünsche.

Die Videos ermöglichen hier einen weiteren, anderen Zugang dazu. Sie sind in ihrer Gestaltung etwas Besonderes, Eigenständiges und nicht nur eine Aufzeichnung der Show.

Das komplette Album „Nebala – Live at the Blót“ findet ihr auf den gängigen Streamingplattformen.

New videos of NEBALA from Midgardsblot – Festival

After NEBALA already released videos of „Skinanariaz“ and „Alagabia„ as parts of their show at Midgardsblot Festival 2022, „Safijan“, „In Raurani“ and „Laþu“ now follow.

The Midgardsblot Open-Air Festival has been held in Borre, Norway since 2015. In 2022, WARDRUNA, ROTTING CHRIST, HEILUNG, PRIMORDIAL, EINHERJER, GAERA and NYTT LAND, among others, played there.

Since 2015, the Midgardsblot Festival has offered a stage to bands from the fields of metal, folk and dark ambient. And all this in a wonderful setting. In Borre, there are several Viking burial mounds and the Guild Hall, a unique reconstruction of a large Viking hall.

And there, as the videos also show, NEBALA put on a great show. The recordings were artistically edited by Sara Bøgh. Therefore, the videos are not only a documentation of the show, but a medium that enhances the effect of the songs through fantastic images.

NEBALA – sonic diversity and intense experience

NEBALA play with cultural, sonic and temporal boundaries, which is what creates the excitement and intensity of the music.

NEBALA’s music is based on stories of Old Norse mythology as well as on their understanding of the connection between creativity and sexuality as the origin of poetry and song.
They also use traditional instruments such as lyres, horns, Tagelharpa, Organistrum, Tibetan singing bowls and various forms of throat singing.

They use the proto-Nordic language and verses from the Hávamál, names of runes, gods and goddesses (such as in „Alagabia“, another song whose video has already been released) allowing a different approach to both the music and the philosophical reflections that give the songs additional power.

NEBALA is the project of Jonas Lorentzen, who was a vocalist with HEILUNG until 2019. The collaboration with Sebastian Gainsborough („Vessel“, The Northman) and Kjell Braaten (WARDRUNA, ORIGAMI GALAKTIKA) resulted in the EP „Lustuz“ (2020). „Lustuz Laþu Wōþuz Alu“ (2022) was then recorded, mixed and produced by Kjell Braaten. The album „Nebala – Live at the Blót“ was recorded by Fieke van den Hurk. Kjell did the mixing and production and Iver Sandøy (ENSLAVED) mastered the whole thing.

The new videos from the Midgardsblot – Festival

„Laþu“: Magically attractive and threatening at the same time

The scene is initially bathed in red. After an evocative introduction, the painful-sounding shouts are accompanied by images from the art film that accompanies „Laþu“. Through the alternation or intercutting of images of the events on stage and the film scenes, what one sees takes on an unreal character. Archaic sounds combine with visual effects. The whole thing seems threatening and attractive at the same time.

„Laþu“ is a proto-Nordic word used to describe the state that arises when one lets oneself be guided by desire and lust, and surrenders to natural desire and emotions.

The raw, evocative and frightening vocals and pounding rhythms pick up on this.  Especially intense are the moments when the different voices approach each other and then merge into one sound.

In Raurani – beguiling

The deep tone of the organistrum and the beguiling voice of Ilaria Orefice open the song. The dialogue between Ilaria and Jonas is characterised by mysteriously painful sounds. Sounds full of longing that touches deeply.

The colouring in the video is kept calm so that one can concentrate on the music. And that is good, because „In Raurani“ is a beautiful piece.

Safijan – recognising the darkness, because every human being carries a shadow within him or her

„Safijan“ begins with a deep keynote. Delicate percussion gives a lot of space to the singing, and the narration.

„Safijan“ is about the importance of getting to know each other’s darkness in a relationship. To really connect with someone, you have to know their darkness and also your own: Anger, hatred, malice. The dark parts are not creepy or dangerous in themselves, but the unrecognised darkness. This is like a mask behind which people hide.

NEBALA use verses from the Hávamál here. (For those who are interested, they are stanzas 84, 91, 98 and 99).

Masks and Temptation

Dense, enticing singing and the melody of the lyre develop an effect here that one cannot escape. This impression is underlined by other scenes from the film „Laþu“. There is the nymph: innocence and destructive seduction at the same time. And there is the strong man in his power, which can destroy but also protect.

And then the song develops an enormous intensity. Kjell Braaten plays aggressive, archaic notes with the horn, which sound like screams at the end. The pounding rhythms are accompanied by images of dark femininity in the form of a raven figure.

Josh Rood takes on the counterpart in black and white make-up. With the power and darkness that lie in his voice, he responds to the female darkness. This gets under the skin and the vibrations spread through the body.

Not only does the music condense, but the editing of the images stitches together the moments on stage in such a way that everything becomes faster and almost dizzying. The lighting creates unreal impressions as the contours between the human and the background seem to dissolve at times. The song ends with haunting vocals in which Jonas seems to be alone with the pain. But there are also sounds in which there is longing. Perhaps for trust in the other, to be able to take off the mask.

It is a brilliant song! „Safijan“ has stuck with me since I first heard it. Hearing it in this version, underlined by the images of the video, has further enhanced this intense impression.

Archaic and avant-garde

„Laþu“, „In Raurani“ and „Safijan“ are captivating and magical songs.

Their rhythmic and tonal structures are complex and at the same time interwoven with a lightness that makes spiritual experiences possible.

Primal, archaic, elemental elements are embedded in an experimental basic structure in which the light and dark parts have just as much a place as longings and desires.

The videos allow a further, different access to this. In their design, they are something special, independent and not just a recording of the show.

You can find the complete album „Nebala – Live at the Blót“ on the usual streaming platforms.