(english version below)

Kjell Braaten hat am 19. August 2024 sein neues Lied „Trøyst“ veröffentlicht.

Der Multi-Instrumentalist, Spezialist für nordische Instrumente und Komponist Kjell Braaten war an Bands wie NEBALA, WARDRUNA und EHWAZ beteiligt und hat mit vielen verschiedenen Künstlern und Projekten wie zuletzt mit der litauischen Gruppe STUBA zusammengearbeitet. Sein musikalisches Spektrum umfasst auch Sounddesigns und Musik für Filme (z.B. wie für die Serie „Vikings Valhalla“).

Für die Menschen, die unter der Machtgier anderer leiden

Den Text zu „Trøyst“ hat Tove Hassel kurz nach Beginn des Krieges in der Ukraine geschrieben.

Doch es geht nicht nur um diese Situation. „Trøyst“ ist ein Lied für die Menschen, die aufgrund der Machtgier anderer unter unerträglichen Bedingungen leben.

Beschrieben wird das Erschreckende, Furchterregende, aber es geht auch darum, wie man sich das Leben wünscht, wie es eigentlich sein sollte.

Die  Art und Weise, wie Kjell Braaten dies in Melodien gefasst hat und  er die Worte singt, löst ganz unterschiedliche und auch widersprüchliche Emotionen aus.

Der Text ist auf Norwegisch. Doch in dem Lyric-Video, das zu dem Lied  veröffentlicht wurde,  gibt es eine Übertragung ins Englische. Es lohnt sich auf jeden Fall, sich den Text anzuschauen, denn er berührt.

„Trøyst“

Langsame gleichmäßige Trommelschläge begleiten die ersten Zeilen, die das Beängstigende benennen. Der Gesang wirkt verhalten und verletzlich.

Doch wenn es um die Vorstellung geht, wie die Welt eigentlich sein sollte, wird die Stimme fest und bestimmt.

Der Refrain klingt sehnsüchtig und hoffnungsvoll zugleich. Und dieser Eindruck wird durch das traurigschöne Zwischenspiel mit der Leier noch verstärkt.

Wie ich eingangs geschrieben habe, ist Kjell Braaten ein Experte für nordische Instrumente. Darüber hinaus hat er sich mit Instrumenten aus vielen Regionen der Welt sowie aus verschiedenen Epochen beschäftigt. 2021 veröffentlichte er mit „Bronseplassen“ Live-Aufnahmen von einem Konzert, das er auf dem Bronseplassen in Høvåg, einem rekonstruierten Hof aus der Bronzezeit gegeben hat.

Wie bei diesen Liedern gelingt es Kjell Braaten auch mit „Trøyst“, den Zuhörer allein mit der Stimme in seinen Bann zu ziehen und mit wenigen begleitenden Instrumenten Sehnsucht, Trauer aber auch Hoffnung auszudrücken.

Das Lyric-Video verstärkt diesen Eindruck. Es zeigt im Vordergrund eine fröhliche junge Frau, tanzend mit einem Blumenkranz im Haar, während im Hintergrund Häuser brennen.

Trøyst – Trost im Sinne von Sicherheit, Vertrauen und Schutz

Auch wenn in diesem Lied Verlust, Täuschung und Furcht beklagt werden, ist es keine Anklage. Doch gerade durch die Art, wie Realität und Wunsch miteinander in Verbindung gebracht werden, stellen sich Trauer, Wut  aber auch Sehnsucht und Ruhe ein, wenn man Musik und Text auf sich wirken lässt.

So viele Menschen haben überall auf der Welt unter der Machtgier anderer zu leiden.

Wenn die Welt um uns herum uns keine Sicherheit mehr gibt – wo finden wir Zuversicht, Vertrauen und Trost? Das Lied gibt eine Antwort darauf.

Das Artwork ist von Fátima Ackerson.
Das Lyric-Video hat Kjell Braaten animiert. 

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TRØYST by Kjell Braaten

Kjell Braaten released his new song „Trøyst“ on 19 August 2024.

The multi-instrumentalist, specialist in Nordic instruments, and composer Kjell Braaten has been involved with bands such as NEBALA, WARDRUNA, and EHWAZ and has collaborated with many different artists and projects, most recently with the Lithuanian group STUBA. His musical spectrum also includes sound design and music for films (such as the series „Vikings Valhalla“).

For those who suffer under the greed for power of others

The lyrics for „Trøyst“ were written by Tove Hassel shortly after the outbreak of the war in Ukraine. However, the song is not just about this situation. „Trøyst“ is a song for those who live under unbearable conditions due to the greed for power of others.

The lyrics describe the terrifying and frightening, but they also convey how one wishes life could be, how it should be. The way Kjell Braaten has set these words to music and how he sings them evokes a range of different, even contradictory, emotions.

The lyrics are in Norwegian. The lyric video released with the song, includes an English translation. It is definitely worth reading the lyrics, as they are deeply moving.

„Trøyst“

Slow, steady drumbeats accompany the first lines, naming the fearful and terrifying. The vocals are restrained and vulnerable. However, when it comes to imagining how the world should be, the voice becomes strong and determined. The chorus sounds both yearning and hopeful. This impression is further intensified by the mournfully beautiful interlude with the lyre.

As I mentioned earlier, Kjell Braaten is an expert in Nordic instruments. Beyond that, he has explored instruments from many regions of the world as well as from various historical periods. In 2021, he released „Bronseplassen“, live recordings from a concert he performed at the Bronseplassen in Høvåg, a reconstructed Bronze Age farm.

As with those songs, Kjell Braaten also succeeds with „Trøyst“ in captivating the listener with just his voice and a few accompanying instruments, expressing longing, sorrow, and hope.

The lyric video enhances this impression. It shows a joyful young woman dancing with a flower crown in her hair, while in the background, houses burn.

Trøyst – Comfort in the sense of security, trust, and protection

Even though this song laments loss, deception, and fear, it is not an accusation. But it is precisely the way in which reality and desire are intertwined, that gives rise to feelings of  sadness, anger but also longing and calm, when you let the music and lyrics sink in.

So many people all over the world suffer from the greed of others for power.
When the world around us no longer offers us security – where do we find confidence, trust, and comfort? The song provides an answer to this.

The artwork is by Fátima Ackerson.
The lyric video was animated by Kjell Braaten.

(english version below)

Am 15.Mai 2024 hat Kjell Braaten zusammen mit STUBA und Skaidra Jančaitė mit „Turėjo Liepa“ den ersten Song von der kommenden EP „Serendipitous Meeting“ (geplante Veröffentlichung: 27.September 2024).

In einem neuen Projekt hat Kjell Braaten zusammen mit STUBA und Skaidra Jančaitė eine Reihe von  Liedern aufgenommen, die einer traditionellen litauischen Gesangsform, den Sutartinės folgen.
Der Name „Sutartinės“ stammt von „sutarti“ (in Übereinstimmung sein bzw. etwas gemeinsam ausdrücken). Sie sind eine sehr alte Form mehrstimmiger Musik, die 2010 auf die Liste der immateriellen Kulturgüter der UNESCO aufgenommen wurde. Im Unterschied zu den meisten anderen traditionellen Liedformen, die eher von größeren Gruppen von Menschen gesungen werden, werden Sutartinės meist von zwei, drei oder vier Sängerinnen vorgetragen.

Tradition und Kulturerbe wieder lebendig und aktuell

Die Sängerinnen von „Turėjo Liepa“ kommen aus dem Ort Zapyškis in Zentrallitauen. Der Ort, aus dem später diese Stadt hervorging, war nach den Überlieferungen ursprünglich Standort eines der größeren heidnischen Tempel der baltischen Stämme.
Die Grundstrukturen der Sutartinės stammen aus einer noch früheren Zeit und prägten einige tausend Jahre lang die Lieder dieser Region. Mitte des 20. Jahrhunderts starb die Tradition, diese Lieder zu singen, weitgehend aus. Inzwischen wurden sie wiedererweckt und wiederbelebt.

Vor 10 Jahren haben sich die Sängerinnen von STUBA zusammengefunden, um diese Gesänge wieder in den Alltag zu bringen. In den letzten Jahren haben sie dabei mit der Sängerin und Chorleiterin Skaidra Jančaitė zusammengearbeitet.

Kjell Braaten ist Experte für alte skandinavische Instrumente. Außerdem hat er für Filme und Fernsehserien komponiert. (Mehr über seine Musik und Veröffentlichungen.)

Die Lieder von „Serendipitous Meeting“ wurden am Ende eines Workshops aufgenommen und von Kjell gemixt, gemastert und produziert. (Mehr dazu hier)

„Turėjo Liepa“  – ein Lied wie die Brandung und ein fließender Stoff im Wind

„Turėjo Liepa“ beginnt mit dem Klang der Kravik-Lyra: sanft, ätherisch, melancholisch und zugleich lebhaft.
Der Gesang setzt klar und bestimmt ein. Und in dieser Weise wird die erste Strophe gesungen, auf die ein Refrain folgt, der aus Lautmalereien besteht. Vielleicht sind es auch Wörter, deren Bedeutung im Laufe der Zeit verlorengegangen ist. Oder es sind, wie Daiva Vaišnorienė, einer der Sängerinnen, sagt: „magische Wörter“. Auf jeden Fall geben sie dem Lied einen besonderen Rhythmus.

Die Strophe und der Refrain werden von jeweils einer Sängerin eines Sängerinnenpaares gesungen. Beides wird von einem zweiten Paar wiederholt. D.h. während das zweite Sängerinnenpaar die Wiederholung singt, geht das erste Paar bereits zur zweiten Strophe über. Auf diese Weise verbinden sich die Melodien zu einem Klanggewebe, das sich wie ein zarter Stoff in einer sanften Brise bewegt.
Gleichzeitig wird durch den Rhythmus, der durch die Verteilung der langen und kurzen Silben der Wörter, sowie die ‚eingeworfenen‘ Laute des männlichen Gesangs und durch die Begleitung der Kravik-Lyra entsteht, eine Bewegung erzeugt, die wie Wellen in der Brandung an den Strand rollen.

Die Poesie des Alltags und die Magie der Wörter

Die Texte der Sutartinės erzählen von Dingen des Alltags, von Festen und von den Sorgen und Gedanken, die das Leben mit sich bringt. Oft werden dabei menschliche Eigenschaften oder Emotionen durch Elemente der Natur ausgedrückt.
Auch „Turėjo Liepa“ erzählt keine Geschichte, sondern vom Wunsch einer Mutter, dass wenigstens eine ihrer neun Töchter bei ihr bleibe. Im ersten Teil des Liedes wird dies noch metaphorisch umschrieben: nicht alle neun Äste der Linde sollen abgeschnitten werden.  
Ab 1:40 wird der Gesang noch eindringlicher, flehentlicher und das Lied nimmt noch einmal deutlich an Intensität zu. Zur Dichte und Intensität des Liedes trägt auch bei, dass die Sätze sich wiederholen und dabei immer nur ein Wort verändert wird.
Aber auch ohne Wörter ist das Lied melancholisch und ein Auf und Ab von Hoffnung und Traurigkeit.

Singen als verbindendes Element

Wie mir die Sängerinnen erzählt haben, wurden die Sutartinės ursprünglich sowohl von Frauen als auch Männern gesungen. Jedoch war es wohl so, dass die Frauen diese Lieder bewahrt haben und sie in der heutigen Zeit nur von ihnen gesungen werden. Es gibt auch Sutartinės, die den Männern vorbehalten sind, dann aber nicht gesungen, sondern auf traditionellen litauischen Instrumenten gespielt werden.
Vielleicht kann die Art, wie STUBA und Kjell Braaten diese Lieder gemeinsam gestaltet haben, dazu beitragen, dass Gesang und instrumentelle Form der Sutartinės (wieder) zusammenfinden und neue Lieder entstehen.

„Turėjo Liepa“, die Geschichte der Sutartinės und das Projekt von STUBA, Skaidra Jančaitė und Kjell Braaten zeigen noch einmal, welche wunderbaren Gesänge und Geschichten bewahrt, wiederentdeckt und neugestaltet werden können.

Also lasst euch in eine archaische Klangwelt entführen und zwischen Vergangenem und Gegenwärtigem hin und her wiegen.

„Turėjo Liepa“ (Bandcamp)

Die Sängerinnen sind:
Daiva Vaišnorienė
Jūra Sodeikienė
Kristina Andrašiūtė
Rasa Markevičienė

„Turėjo Liepa“ – the first song from the EP „Serendipitous Meeting“

On May 15, 2024, Kjell Braaten, together with STUBA and Skaidra Jančaitė, released „Turėjo Liepa“, the first song from the upcoming EP „Serendipitous Meeting“ (scheduled release: September 27, 2024).

In a new project, Kjell Braaten, together with STUBA and Skaidra Jančaitė, has recorded a series of songs that follow a traditional Lithuanian singing form, the sutartinės.

The name „Sutartinės“ derives from „sutarti“ (to be in agreement). They are a very ancient form of polyphonic music that was inscribed on the UNESCO Intangible Cultural Heritage List in 2010. Unlike most other traditional song forms, which are often sung by larger groups of people, Sutartinės are typically performed by two, three, or four singers.

Reviving tradition and cultural heritage

The singers of „Turėjo Liepa“ hail from Zapyškis in central Lithuania. According to tradition, this location, which later became a town, was originally the site of one of the larger pagan temples of the Baltic tribes. The basic structures of Sutartinės originate from an even earlier time and shaped the songs of this region for several thousand years.
By the mid-20th century, the tradition of singing these songs had largely faded. However, they have since been revived and revitalized.
Ten years ago, the singers of STUBA came together to reintroduce these chants into everyday life.
In recent years, they have collaborated with singer and choir leader Skaidra Jančaitė.

Kjell Braaten is an expert in ancient Scandinavian instruments and has also composed music for films and television series. The tracks of „Serendipitous Meeting“ were recorded at the end of a workshop and mixed, mastered, and produced by Kjell. (More about his work and publications)

„Turėjo Liepa“ – a song like the surge of waves and a flowing fabric in the wind

„Turėjo Liepa“ begins with the sound of the Kravik lyre: gentle, ethereal, melancholic, yet lively. The singing starts clearly and decisively. The first verse is sung in this manner, followed by a refrain consisting of onomatopoeic sounds. Perhaps they are words whose meanings have been lost over time. Or, as Daiva Vaisnoriene, one of the singers, says, „magical words“. In any case, they give the song a special rhythm.

The verse and the refrain are each sung by one singer of a pair of singers. Then, another pair repeats both parts. While the second pair of singers is singing the repetition, the first one transitions to the second verse.
In this way the melodies create an aural texture, that moves like a delicate fabric in a gentle breeze.
Simultaneously, the rhythm created by the distribution of long and short syllables of words, as well as the ‚inserted‘ sounds of male vocals and the accompaniment of the Kravik lyre, generates a movement akin to waves rolling onto the shore.

The poetry of everyday life and the magic of words

The texts of Sutartinės speak of everyday things, festivities, and the worries and thoughts that life brings. Often, human attributes or emotions are expressed through elements of nature.
Similarly, „Turėjo Liepa“ doesn’t tell a story but rather expresses a mother’s wish that at least one of her nine daughters would stay with her. In the first part of the song, this is metaphorically expressed: not all nine branches of the linden tree should be cut off.
At 1:40, the singing becomes even more intense and impassioned, with the song increasing in intensity once again. The density and intensity of the song are heightened by the repetition of phrases, with only one word changing each time.
Even without words, the song is melancholic, a fluctuation between hope and sadness.

Singing as a unifying element

As the singers have told me, Sutartinės were originally sung by both women and men. However, it seems that women have preserved these songs, and today they are primarily sung by them. There are also Sutartinės reserved for men, but they are not sung; instead, they are played on traditional Lithuanian instruments. Perhaps the way STUBA and Kjell Braaten have jointly shaped these songs can help bring together the vocal and instrumental forms of Sutartinės (once again) and create new songs.

„Turėjo Liepa“, the story of Sutartinės, and the project of STUBA, Skaidra Jančaitė, and Kjell Braaten, once again demonstrate how wonderful songs and stories can be preserved, rediscovered, and reimagined.

So, let yourself be transported into an archaic sound world and sway between the past and the present.

„Turėjo Liepa“ (Bandcamp)

The singers are:
Daiva Vaišnorienė
Jūra Sodeikienė
Kristina Andrašiūtė
Rasa Markevičienė

„Ragnarok“ – ein weiteres Stück von der aktuellen EP

(english version below)

Heute veröffentlicht Kjell Braaten einen weiteren Song der EP „Ragnarok“. Im letzten Monat kam dazu mit „Jotun“, der erste Song heraus. Jetzt also der Titelsong, über die Apokalypse in der nordischen Mythologie.

Wie „Jotun“ ist auch „Ragnarok“ kein Stück, das für diese EP komponiert wurde. Es war eine Auftragsarbeit. Daher klingt auch dieses Stück anders, als die Musik, die auf Kjell Braatens Alben „Ferd“ (2020), „Bronseplassen“ (2021) oder „Blóta“ (2022) zu hören ist.

Mit „Raganrok“ zeigt Kjell Braaten erneut, wie viele verschiedene Facetten sein musikalisches Spektrum umfasst. Er hat für Theater, Film (wie z.B. für die Serie „Vikings Valhalla“) geschrieben, Sounddesigns entwickelt und war an verschiedenen Bands beteiligt (z.B. EHWAZ, WARDRUNA). Außerdem hat mit vielen verschiedenen Künstlern und Projekten zusammengearbeitet u.a. FOLKET BORTAFOR NORDAVINDEN, Anette Aga, dem Nordic Animism-Projekt. Im letzten Jahr stand er mit NEBALA auf der Bühne (die Aufnahmen von dieser großartigen Show könnt ihr hier sehen und dort mehr darüber erfahren).

Im Song „Jotun“ haben sich diese mit den Naturgewalten und dem Chaos verbundenen Wesen auf den Weg gemacht, um am Kampf von Ragnarök teilzunehmen.  

 „Ragnarok“

„Ragnarok“ beginnt mit dem rauen bedrohlich klingenden Aufruf: „Ragnarok“. Trommelschläge und unwirklich klingende Töne: irgendwo zwischen Mensch und Tier. Die schneller werdenden Trommeln, die knurrenden Vocals bauen Spannung auf. Sie klingen wie die Vorbereitung auf eine beängstigende Begegnung.

Aber vielleicht höre ich das auch nur deshalb so, weil ich die Bilder, mit denen Ragnarök in den Gedichten der Edda beschrieben wird, kenne. Daher klingt die Musik für mich sowohl nach Voranschreiten, als auch nach Unabänderlichkeit, nach Angst ebenso wie nach Entschlusskraft, sich dem Kommenden zu stellen.

Der Moment, in dem das Gjallarhorn / die Lure zu hören ist, verursacht Gänsehaut. Das Gjallarhorn ruft die Götter zum Kampf. Die Stimme, die man dann hört, klingt nach Schmerz, Trauer und Bedauern zugleich. Und dann der Kampf: tiefe und gutturale Laute, Metall, das aufeinandertrifft. Die Dynamik nimmt immer mehr zu: die Stimmen und die Trommeln werden intensiver.
Mittendrinn ist wieder das hier bedrohlich klingende Horn zu hören, das den Untergang der Welt als unausweichlichen Lauf des Schicksals symbolisiert– und dann ist alles zu Ende.

Ragnarök in der nordischen Mythologie

Ragnarök, das Verhängnis, das Schicksal der herrschenden Mächte, spielt nicht nur in verschiedenen Dichtungen eine Rolle.
Es gibt – nicht nur im Metal – unzählige Songs dazu (wie z.B. „Twilight Of The Thunder God“ von AMON AMARTH, TÝR haben dem Thema mit „Ragnarok“ ein ganzes Album gewidmet).

Das wohl wichtigste Gedicht, das die Ragnarök-Ereignisse prophezeit, ist die Völuspá, die Prophezeiung der Seherin. Dieses Gedicht, das eines der bedeutendsten der nordischen Mythologie ist, findet sich sowohl in der Poetischen Edda als auch in der Edda des Sorri Sturluson.

Während Snorri Sturluson in seiner epischen Erzählung ausführlich den finalen und heroischen Kampf der Götter mit den Kräften des Bösen beschreibt, ist die Darstellung in der poetischen Edda symbolischer, metaphorischer. Götter und verschiedene mythologische Geschöpfe kämpfen gegeneinander. Die Natur gerät außer Kontrolle, die Sonne verdunkelt sich und die Sterne fallen vom Himmel. Schließlich werden die Götter besiegt und die Welt geht in Flammen auf, die meisten Götter kommen ums Leben. Die Völuspá beschreibt, dass nach dem Untergang eine neue Welt entsteht, die von den überlebenden Göttern und Menschen bewohnt wird.

Der Kreislauf von Schöpfung und Vernichtung

Niemand kann heute sagen, woher diese Vorstellungen gekommen sind und welche Bedeutung die Beschreibungen für die hatten, die sie geschaffen oder weitergegeben haben.

Aber dieser Kreislauf von Schöpfung und Vernichtung, von Vergänglichkeit und dem unvermeidbaren Untergang, damit Neues entstehen kann, ist ein Thema, das auch aktuell eine Rolle spielt.

So können wir in einen Dialog mit diesen Gedichten treten und sie in eine Beziehung zu uns bringen.

Hier schließt sich auch der Kreis in Kjell Braatens Musik, von „Ragnarok“ zu seinen anderen Alben: das, was war, in einen Bezug zur Gegenwart zu bringen.

Und dafür ist „Ragnarok“ in der Verbindung alter Instrumente und aktueller Technik ein gutes Beispiel.

„Ragnarok“ findet ihr auf allen gängigen Streaming-Plattfomen. Zum Beispiel hier

Und hier ist „Ragnarok„

„Ragnarok“ – another track from the current EP

Today Kjell Braaten releases another song from the EP „Ragnarok“. The first song, „Jotun“, was released last month. Now the title song, which is about the apocalypse in Norse mythology.

Like „Jotun“, „Ragnarok“ is not a piece that was composed for this EP. It was a commissioned piece. Therefore, this piece also sounds different from the music that can be heard on Kjell Braaten’s albums „Ferd“ (2020), „Bronseplassen“ (2021) or „Blóta“ (2022).

With „Ragnarok“, Kjell Braaten once again shows how many different facets his musical spectrum encompasses. He has written for theatre, and film (such as for the series „Vikings Valhalla“), developed sound designs and been involved in various bands (e.g. EHWAZ, WARDRUNA). He has also worked with many different artists and projects including FOLKET BORTAFOR NORDAVINDEN, Anette Aga, and the Nordic Animism project. Last year he was on stage with NEBALA (you can see the recordings of this great show here and read more about it there).

In the song „Jotun“, these beings associated with the forces of nature and chaos have set out to take part in the battle of Ragnarök. 

„Ragnarok“

„Ragnarok“ begins with the harsh ominous-sounding call: „Ragnarok“. Drum beats and unreal-sounding tones: somewhere between human and animal. The accelerating drums and the growling vocals build tension. They sound like preparation for a frightening encounter.
But maybe I only hear it that way because I know the images with which Ragnarök is described in the poems of the Edda. That’s why the music sounds to me both of progress and irreversibility, of fear as well as of determination to face what is coming.

This moment when the Gjallarhorn / lure is heard gives me goosebumps. The Gjallarhorn calls the gods to battle. The voice that is then heard sounds like pain, sadness and regret at the same time.

And then the battle: deep and guttural sounds, metal clashing. The dynamics increase more and more: the voices and the drums become more intense. In the middle, the ominous-sounding horn can be heard again, symbolising the world’s downfall as the inevitable course of fate – and then everything ends.

Ragnarok in Norse mythology

Ragnarök, the doom, the fate of the ruling powers, plays a role not only in various poetries.

There are – not only in metal – countless songs about it (such as „Twilight Of The Thunder God“ by AMON AMARTH, TÝR have dedicated an entire album to the theme with „Ragnarok“).

Probably the most important poem prophesying the Ragnarok events is the Völuspá, the prophecy of the seer. This poem, which is one of the most important in Norse mythology, is found in both the Poetic Edda and the Edda of Snorri Sturluson.

While Snorri Sturluson describes in detail the final and heroic struggle of the gods with the forces of evil in his epic narrative, the depiction in the Poetic Edda is more symbolic and metaphorical. Gods and various mythological creatures fight each other. Nature gets out of control, the sun darkens and the stars fall from the sky. Eventually, the gods are defeated and the world goes up in flames, most of the gods perish. The Völuspá describes that after the downfall a new world emerges, inhabited by the surviving gods and humans.

The cycle of creation and destruction

No one can say today where these ideas came from and what meaning the descriptions had for those who created or passed them on.

But this cycle of creation and destruction, of transience and the inevitable demise so that something new can arise, is a theme that also plays a role today.

So we can enter into a dialogue with these poems and bring them into a relationship with us.

This also closes the circle in Kjell Braaten’s music, from „Ragnarok“ to his other albums: to bring what was into a relationship with the present.

And „Ragnarok“ is a good example of this in its combination of old instruments and current technology.

You can find „Ragnarok“ on all the usual streaming platforms. E.G. here

And here is „Ragnarok„

(english version below)

Heute veröffentlicht Kjel Braaten mit „Jotun“ eine neue Single.
Wie auch die Songs der EP „The Cabin“, die im letzten Monat herauskam ist „Jotun“ kein aktuell komponiertes Stück. Es ist daher ein wenig anders als das, was Kjell Braaten auf seinen Alben „Ferd“ (2020), „Bronseplassen“ (2021) und „Blóta“ (2022) veröffentlicht hat.

„Jotun“ und auch das im Mai folgende „Ragnarök“ zeigen weitere Facetten seines musikalischen Spektrums. Neben seiner eigenen Musik hat Kjell Braaten auch für Theater und Film (zuletzt für die Serie „Vikings Valhalla“) geschrieben. Außerdem stand er im letzten Jahr mit NEBALA auf der Bühne und vorher bereits mit WARDRUNA. Und er war an weiteren Bands beteiligt (z.B. EHWAZ), hat mit verschiedenen Projekten und Künstlern zusammengearbeitet u.a. FOLKET BORTAFOR NORDAVINDEN.

Auch wenn die verschiedenen Projekte und Veröffentlichungen anders sind als die Musik seiner letzten Alben, gibt es doch Überschneidungen, gemeinsame Ideen und Themen. Dies hat sicher auch damit zu tun, dass er immer schon mit verschiedenen Musikstilen und Klangräumen (ob nun natürlichen oder elektronisch erzeugten) gearbeitet hat.
Dies macht auch den Reiz von „Jotun“ aus.

Jotun – „Riesenhaftes“ ‚sichtbar‘ gemacht

Der Beginn des Stückes klingt bedrohlich und ich musste an Szenen aus „Attack On Titan“ denken, in denen die Titanen die Menschen angreifen.

Verschiedene Percussionsinstrumente verleihen dem donnernden Vorangehen dennoch eine gewisse Leichtigkeit. Die einsetzenden Hörner unterstreichen die Vorwärtsbewegung. Geräusche und die tiefe Laute lassen keinen Zweifel daran, dass etwas Unheimliches vorgeht.

Nach einem kurzen Innehalten wird der Marsch fortgesetzt, durchgängig begleitet von Horn und Stimme. Das Ganze hat etwas Beängstigendes und gleichzeitig Erhabenes. Es ist nicht eindeutig, ob sie Gutes oder Böses im Schilde führen.

Das Situation verdichtet sich, da die Intensität der Trommeln zunimmt. Das Ende ist offen.

Das Stück ist perfekt für Situationen, in denen es darum geht, dass sich jemand Ungewissem oder gar Bedrohlichem stellen muss. Ob im Film, einem Videogame oder zu einer Erzählung.

Macht, Weisheit, Naturgewalten und Chaos

Jotun (oder Jötunn) wird meist mit „Riese“ übersetzt. Dass die Jötnar tatsächlich ‚übermenschlich groß‘ sind, geht aus den Geschichten der Eddas nicht hervor. Ihr meist bedrohlicher Charakter allerdings schon.

Die Jötnar sind in der nordischen Mythologie die ersten Wesen, die zu Beginn der Zeit auftauchten. Sie sind mit den Naturgewalten und dem Chaos verbunden und sind oft Gegner der Asen und Wanen und auch der Menschen.  

In der nordischen Mythologie werden die Jötunn als Wesen mit großer Macht und auch Weisheit dargestellt. Aber sie gelten auch als chaotisch und wild.

Jötnar, Riesen, Titanen, Oni, Asura und andere ‚riesenhafte‘ Wesen

Wesen, die Gegenspieler von Göttern oder Menschen sind, gibt es in allen Mythologien und religiösen Schriften. Weil es anscheinend hilfreich ist, einer Bedrohung eine vorstellbare Form zu geben.

In der griechischen Mythologie gibt es die Giganten, riesenhaft und stärker als Menschen. Wesen, die aus dem Blut von Uranus entstanden sein sollen.

In der japanischen Mythologie gibt es die Oni, eine Art von riesenhaften Dämonen, die oft als sehr stark, aber auch als ungeschickt oder töricht dargestellt werden.

In der indischen Mythologie werden Riesen oder riesenhafte Wesen als „Asuras“ bezeichnet. Die Asuras sind eine Gruppe von Wesen, die oft als Feinde der Götter oder „Devas“ dargestellt werden.

Die Liste ließe sich noch weiter fortsetzen. Kurz gesagt: Wesen, die ‚übermenschlich‘ aber nicht unbedingt ‚göttlich‘ sind, die dem Menschen und sogar den Göttern feindlich gegenüberstehen, gibt es in Erzählungen überall auf der Welt.

Kein Wunder, dass ihnen auch Bands wie IN FLAMES („Jotun“ auf „Whoracle“), SKÁLMÖLD „(Með Jötnum“ auf „Með Vættum“) und ENSLAVED („Jotunblod“ auf „Mardraum“) Songs gewidmet haben, wenn sie in vielen Geschichten und Legenden solch eine wichtige Rolle spielen. 

„Jotun“ von Kjell Braaten auf allen Streaming-Plattformen

„Jotun“ von Kjell Braaten findet ihr auf allen Streaming-Plattformen.

„Jotun“, the new single by Kjell Braaten (release date 18 April 2023)

Today Kjel Braaten releases a new single, „Jotun“. Like the songs from the EP „The Cabin“, which came out last month, „Jotun“ is not a currently composed track. It is therefore a little different from what Kjell Braaten has released on his albums „Ferd“ (2020), „Bronseplassen“ (2021) and „Blóta“ (2022).

„Jotun“ and also the following „Ragnarök“ in May show further facets of his musical spectrum. Besides his music, Kjell Braaten has also written for theatre and film (most recently for the series „Vikings Valhalla“). He also performed on stage with NEBALA last year and with WARDRUNA before that. And he has been involved in other bands (e.g. EHWAZ) and collaborated with various projects and artists including FOLKET BORTAFOR NORDAVINDEN.

Even though the various projects and releases are different from the music on his last albums, there are overlaps, common ideas and themes. This certainly has to do with the fact that he has always worked with different musical styles and sound spaces (whether natural or electronically generated). This is also what makes „Jotun“ so appealing.

Jotun – ‚Giantness‘ made ‚visible‘

The beginning of the piece sounds threatening and I had to think of scenes from „Attack On Titan“ where the Titans attack the humans.

Various percussion instruments nevertheless lend a certain lightness to the thunderous advance. The horns that come in underline the forward movement. Noises and the low lute leave no doubt that something sinister is going on.

After a brief pause, the march continues, accompanied throughout by a horn and voice. The whole thing has something frightening and at the same time sublime. It is not clear whether they are up to good or evil.

The situation thickens as the intensity of the drums increases. With an open end.

The piece is perfect for situations where someone has to face uncertainty or even threat. Whether in a film, a video game or a narrative.

Power, wisdom, forces of nature and chaos

Jotun (or Jötunn) is usually translated as ‚giant‘. That the Jötnar are actually ’superhumanly large‘ is not clear from the stories of the Eddas. Their mostly threatening character, however, does.

In Norse mythology, the Jötnar are the first beings to appear at the beginning of time. They are associated with the forces of nature and chaos and are often opponents of the Aesir and the Vanir, as well as of humans. 

In Norse mythology, the Jötunn are depicted as beings with great power and also wisdom. But they are also considered chaotic and wild.

Jötnar, giants, titans, oni, asura and other ‚giant-like‘ beings.

Beings who are opposites of gods or humans exist in all mythologies and religious writings. Because it is apparently helpful to give an imaginable form to a threat.

In Greek mythology, there are giants, bigger and stronger than humans. Beings that are said to have been created from the blood of Uranus.

In Japanese mythology, there are the Oni, a type of giant-like demon, often portrayed as very strong but also clumsy or foolish.

In Indian mythology, giants or giant-like beings are called „Asuras“. The Asuras are a group of beings who are often portrayed as enemies of the gods or „devas“.

The list could go on and on. In short, beings who are ’superhuman‘ but not necessarily ‚divine‘, who are hostile to humans and even the gods, exist in narratives all over the world.

No wonder that bands like IN FLAMES („Jotun“ on „Whoracle“), SKÁLMÖLD „(Með Jötnum“ on „Með Vættum“) and ENSLAVED („Jotunblod“ on „Mardraum“) have also dedicated songs to them when they play such an important role in many stories and legends. 

„Jotun“ by Kjell Braaten on all streaming platforms

„Jotun“ by Kjell Braaten is on all streaming platforms.

Heute (21.März 2023) gibt es etwas Neues von Kjell Braaten: Die EP „The Cabin“. Es ist eine Sammlung von bisher unveröffentlichten Stücken: u.a. Auftragsarbeiten für andere Projekte. Die Musik unterscheidet sich einerseits deutlich von dem, was er in den letzten Jahren unter seinem Namen veröffentlicht hat. Andererseits verwendet er auch hier wieder Instrumente aus der ganzen Welt, was sich wie ein roter Faden durch seine musikalische Arbeit zieht.  

Von Reisen und Emotionen

Ich habe euch bereits sein Album „Ferd“ (2020), die Liveaufnahmen „Bronseplassen“ (2021) und „Blóta“ (2022) vorgestellt.

„Ferd“ ist eine musikalische Reise, die Antworten auf die Frage, woher unsere Kultur stammt, gibt.
Auf „Bronseplassen“ begleitet Kjell Braaten seine Lieder auf verschiedenen Leiern. Dabei hat er Geschichten, Bilder und Emotionen mit einnehmenden Melodien und Klänge ausgedrückt.
„Blóta“ ist ein sehr persönliches Album, eine Reise durch dunkle Zeiten. Musik als Möglichkeit, Erfahrungen eine andere Form zu geben und die Erfahrungen schwerer Momente ihre zerstörerischen Kräfte zu nehmen.

Verschiedene und unterschiedliche Projekte

Kjell Braaten komponiert neben seiner eigenen Musik auch für Theater und Film (zuletzt für die Serie „Vikings Valhalla“). Er stand im letzten Jahr mit NEBALA auf der Bühne und vorher bereits mit WARDRUNA. Und er war an weiteren Bands beteiligt (z.B. EHWAZ), hat mit verschiedenen Projekten und Künstlern zusammengearbeitet u.a. FOLKET BORTAFOR NORDAVINDEN, BYRDI, Anette Aga (mehr dazu hier und dort). Ich finde es interessant zu sehen bzw. zu hören, woran Musiker neben ‚ihrer eigenen Musik‘ arbeiten. Dabei zu sehen, ob und wie weit sich Elemente, Ideen, Themen wiederfinden lassen.

Für Kjell Braaten ist Musik die verbindende Sprache zwischen Menschen und Kulturen. Da seitdem Menschen Musik machen, Elemente von einer Kultur in andere übernommen wurden und Musikstile sich immer wieder auch mit anderen verbinden, verwundert es nicht, dass er dies ebenfalls in seine Musik aufnimmt.

Sein Interesse gilt nicht nur historischen Instrumenten, sondern Instrumenten und Musik aus aller Welt. Außerdem hat er mit elektronischer Musik und verschiedenen Musikstilen gearbeitet, Musik für Theater und Film geschrieben. Die Musik, die er unter seinem Namen veröffentlicht hat, macht nachvollziehbar, dass er Musik als (welt-) umfassendes und verbindendes Medium versteht. Dies wird auch auf der EP erfahrbar. Sie umfasst sechs thematisch und stilistisch unterschiedliche Stücke.

Die EP „The Cabin“

Das erste Stück auf der EP „The Cabin“ ist „Savannah“. Das Stück aus dem Jahr 2011 beinhaltet Elemente indigener Musik: Perkussion, Flöten und pulsierenden, rufenden Gesang. Dabei finden Instrumente aus mehreren Kontinenten Verwendung. Ein anregend meditatives Stück, das in eine andere Welt entführt.

 „The Cabin“ beginnt mit Percussion und versetzt beim Hören direkt in Bewegung. Es hätte auch ein tanzbares Stück daraus entstehen können. Doch dann setzt das Orchester mit Streichern und Flöte ein. Es entsteht eine unruhige und geheimnisvolle Spannung, die wird durch einen Part mit Spieluhr noch verstärkt wird. Hier gefällt mir die rhythmische Struktur sehr gut, die diese Spannung unterstreicht. Mit dem Bild der Hütte (s. Cover) vor Augen ist es so, als wenn sich langsam Unheimliches auf die Hütte zubewegt.

Das Cover, das die Wirkung von „The Cabin“ hervorruft bzw. verstärkt, stammt von Beate Hay Sandmo.

Variationen

„Acoustic Oscillator“ hieß ursprünglich „Universal Oscillator“ und wurde von THE QUANTUM FIELD TRIP komponiert.
Kjell Braaten hat daraus 2016 ein akustisches Remake erstellt, bei dem er aber den Gesang so belassen hat, wie er ursprünglich war.Auf der EP hat er sowohl das „Acoustic Oscillator“ – Original, die remasterte ungeschnittene Version als auch eine geschnittene Version veröffentlicht.

„Acoustic Oscilator“ nimmt einen mit der rhythmischen Struktur direkt gefangen und führt in sphärische Klänge. Die Stücke miteinander zu vergleichen ist wie ein Suchspiel nach Ähnlichkeiten und Unterschieden. Da gibt es einiges zu entdecken. Oder einfach nur herauszuhören, welche Instrumente Kjell Braaten hier verwendet hat. (Auflösung gibt es hier)

Ein Musikinstrument steht auch bei „Langspill“ im Mittelpunkt. Das Stück trägt den Namen eines ursprünglich aus Island stammenden Instruments, das auch in der norwegischen Volksmusik eine Rolle spielt.  Es hat einen länglichen Schallkasten mit unterschiedlich vielen Saiten. Davon ist eine Saite die Melodiesaite, die über Bünde gespielt wird, und die anderen Saiten sind Begleitsaiten. Sie wird meist mit einem Bogen gespielt.
Kjell spielt hier eine Langspill, die von Don von Inspirational Instruments gebaut wurde. Für ihn hat Kjell Braaten vor einigen Jahren einmal ein Geburtstagslied geschrieben, das nun die Grundlage für diese Improvisation ist.

„Langspill“ ist ein intensives Stück voller Leichtigkeit – wie ein Spaziergang an einem Frühlingstag.

Ein weites musikalisches Spektrum

Mir gefällt die Zusammenstellung der Stücke auf dieser EP. Das Spektrum, das von Improvisation auf einem Instrument über orchestrale Klänge bis zur komplex arrangierten Variation eines Songs reicht. Mit intensiver Leichtigkeit, dem Gewicht orchestraler Musik und komplexen sphärischen Klängen.

Und nun zum ‚Reinhören‘ „Acoustic Oscillator“.  Die EP gibt es hier

Kjell Braaten releases EP „The Cabin“

Today (21 march 2023) we have something new from Kjell Braaten: The EP „The Cabin“. It is a collection of previously unreleased tracks: Commissioned works for other projects. On the one hand, the music is different from what he has released under his name in recent years. On the other hand, he again uses instruments from all over the world, which is a common thread running through his musical work. 

Of journeys and emotions

I have already introduced you to his album „Ferd“ (2020), the live recordings „Bronseplassen“ (2021) and „Blóta“ (2022).
„Ferd“ is a musical journey that provides answers to the question of where our culture comes from.
On „Bronseplassen“ Kjell Braaten accompanies his songs on different lyres. In doing so, he has expressed stories, images and emotions with engaging melodies and sounds.
„Blóta“ is a very personal album, a journey through dark times. Music as a way to give experiences a different form and to take away their destructive powers from the experiences of difficult moments.

Different and diverse projects

In addition to his music, Kjell Braaten also composes for theatre and film (most recently for the series „Vikings Valhalla“). He was on stage with NEBALA last year and with WARDRUNA before that. And he has been involved in other bands (e.g. EHWAZ) and worked with various projects and artists including FOLKET BORTAFOR NORDAVINDEN, BYRDI, and Anette Aga (more here and there).
I find it interesting to see and hear what musicians are working on besides ‚their own music‘. To see if and to what extent elements, ideas, and themes can be found again.

For Kjell Braaten, music is the connecting language between people and cultures. Since elements of music have been adopted from one culture to another ever after people have been making music, and musical styles have always connected with others, it is not surprising that he also incorporates this into his music.

His interest is not only in historical instruments, but instruments and music from all over the world. He has also worked with electronic music and various musical styles, and written music for theatre and film. The music he has published under his name makes it understandable that he sees music as a (world-) encompassing and connecting medium. This can also be experienced on the EP. It comprises six thematically and stylistically different pieces.

„The Cabin“

The first piece on the EP „The Cabin“ is „Savannah“. This piece from 2011 contains elements of indigenous music: percussion, flutes and pulsating, shouting vocals. Instruments from several continents are used. A stimulating, meditative piece that transports you to another world.

 „The Cabin“ begins with percussion and gets you moving as you listen. It could also have been a danceable piece. But then the orchestra enters with strings and flute. A restless and mysterious tension arises, which is intensified by a part with a music box. Here I like the rhythmic structure very much, which underlines this tension. With the image of the hut (see cover) in mind, it is as if something sinister is slowly moving towards the hut.
The cover, which evokes or enhances the effect of „The Cabin“, is by Beate Hay Sandmo.

Variations

„Acoustic Oscillator“ was originally called „Universal Oscillator“ and was composed by THE QUANTUM FIELD TRIP. Kjell Braaten created an acoustic remake of it in 2016 but left the vocals as they were original. On the EP he has released both the „Acoustic Oscillator“ original, the remastered uncut version and a cut version.

„Acoustic Oscillator“ takes you right in with the rhythmic structure and leads you into spherical sounds. Comparing the pieces is like a search game for similarities and differences. There is a lot to discover. Or simply to find out which instruments Kjell Braaten has used here. (You can find the solution here)

A musical instrument is also at the centre of „Langspill“. The piece bears the name of an instrument originally from Iceland, which also plays a role in Norwegian folk music.  It has an elongated sound box with different numbers of strings. Of these, one string is the melody string, which is played via frets, and the other strings are accompanying strings. It is usually played with a bow.

Kjell is playing a Langspill here, made by Don from Inspirational Instruments. He once wrote a birthday song for him a few years ago, which is now the basis for this improvisation.

„Langspill“ is an intense piece full of lightness – like a walk on a spring day.

A wide musical spectrum

I like the compilation of the pieces on this EP. The spectrum ranges from improvisation on one instrument to orchestral sounds to a complexly arranged variation of a song. With intense lightness, the weight of orchestral music and complex spherical sounds.

And now listen to „Acoustic Oscillator“.  The EP is available here

Kjell Braaten veröffentlicht am 1. April 2022 das Album „Blóta“. Es ist nach „Ferd“ und „Bronseplassen“ sein drittes Solo-Album. Ansonsten ist und war er als Musiker, Komponist und Produzent an vielen verschiedenen Projekten beteiligt (u.a. NEBALA, WARDRUNA, EHWAZ) und auch als Spezialist für nordische Instrumente an der Musik für die Netflix-Serie „Vikings Valhalla“.

„Blóta“

„Blóta“ bedeutet ‚Ritual‘. Die Verwendung von Ritualen spielt in allen Kulturen, Lebensbereichen und Zeiten eine Rolle. Gerade in der aktuellen Unsicherheit, mit Sorgen und Trauer, können Rituale dazu beitragen, sich diesen Gedanken und Gefühlen zu stellen. Die Musik ist eine Möglichkeit, ihnen eine Form und zu geben. So können sie erfasst und vielleicht auch verändert werden.

Für Kjell Braaten ist „Blóta“ in persönliches Album. In dem Interview, das ich mit ihm geführt habe, sagte er dazu:

 „Blóta“ ist mein Ritual, um über einige sehr verletzende Erfahrungen zu kommen, die mich lange Zeit gequält haben. Dieses Album ist meine Reise durch diese dunklen Zeiten. Ich wollte sie dadurch zu einer Stärke machen und ihnen ihre zerstörerischen Kräfte nehmen. Der Grund, warum ich ein Album daraus gemacht habe, ist meine Hoffnung, dass es anderen Menschen helfen kann, durch ihre eigene Dunkelheit zu gehen. Ihren eigenen tiefen Kummer oder was auch immer.

Kjell Braaten im Interview

Ob wir „Blóta“ für uns selbst als Ritual nutzen, uns einfach auf die Musik einlassen und sie genießen, bleibt uns selbst überlassen.

„Now I give it to you, hoping it can help you the same way it helped me”

Das, was er mit dem Album an uns weitergibt, ist Musik mit sich verändernden Klangfarben, intensiver Spannung, rhythmischer Intensität und emotionaler Tiefe. Man hört, dass dieses Album sich über einen längeren Zeitraum entwickelt hat. Jeder Klang, jedes rhythmische Element und jede weitere Nuance sind da, wo sie ihre Wirkung am besten entfalten können.

Der Klang der Lieder ist voll, weit und tief. Damit hat er das Spektrum der Emotionen aufgegriffen, die im Leben eine Rolle spielen. Sie haben durch die Klänge, die Melodien und die Texte eine Form angenommen und können so einen Platz finden.

„I bid from my soul, open and whole, for the healing of humans to come

„Kalla” (Der Ruf). Töne, die in der Natur aufgenommen wurden, und ein tiefer Atemzug leiten diesen Ruf ein. Energisch in dem Bewusstsein, das Ritual zu beginnen, ruft die Stimme die Himmelsrichtungen an. Sie sollen Beistand sein bei, dem was folgt.

Trommelschläge und mehrstimmiger Gesang geben dem Lied zunehmend Kraft und die daraus erhebende Melodie gibt ihm Leichtigkeit.

Dann folgt einer dieser rhythmischen Passagen, die eine enorme Spannung aufbaut. Davon wird es noch einige in den folgenden Liedern geben.

„Syrgja“ ist ein schmerzvolles Lied, in dem Sorgen und Trauer Raum finden. Es ist eine Einladung, sich den eigenen Sorgen und Schmerzen zu stellen. Wenn es gelingt, der Empfindung ein Bild, ein Symbol zu geben, kann sie betrachtet und durch die Betrachtung verändert werden.

Die Stimme gibt vielen Facetten von Schmerz und Trauer einen Klang. Diese Klänge verbinden sich mit dem warmen und dynamischen Grundton, den das Organistrum spielt, sowie mit Tönen der Natur. Deshalb ist dieses Lied auch beruhigend und tröstend.

By facing our demons,
and deepest sorrows,
we can reshape them to a resource
rather than a burden

Kjell Braaten zu „Syrgja“

Magischer Gesang und Wandel

„Galdr“ ist nicht nur dem Namen nach ein magischer Gesang. Das Fließen von Wasser, Trommelschläge und wieder ein tiefer Atemzug leiten das Lied ein. Das, was in „Syrgja“ seinen Weg nach außen gefunden hat, wird hier durch die Anrufung der Naturkräfte in einen größeren Zusammenhang gebracht.

Der Gesang klingt befreit, wunderschön in seinen Harmonien. Auch „Galdr“ kommt ohne Text aus, denn die Melodie und die Rhythmen formen und tragen den Zauber.

„Hamr“ bedeutet ‚Gestalt‘ und auch Wandel der Form. In „Hamr“ setzt sich fort, was „Syrgja“ und „Galdr“ initiiert haben. Dieses Lied macht die Verbundenheit mit den Kräften, die uns umgeben, besonders deutlich. In der Verbundenheit kann man wachsen, sich entwickeln und Teil eines größeren Ganzen werden.

Hier kommt mit der Lure ein weiteres Instrument hinzu. Kraftvoll und leuchtend sind die Töne, rau und direkt der Kehlgesang. Der Kontrast zwischen Beidem macht viel von der Spannung dieses Liedes aus.

„Hamr“ übermittelt einerseits raue und elementare Energie, geht andererseits ruhig und fast schon zart mit den Klängen um. Damit berührt „Hamr“ tiefe und ursprüngliche Emotionen.

The sun sees all….why not visit her for a broader overview, to gain perspective?

Im dann folgenden Lied besingt Kjell Braaten „Sól“ (die Sonne). Und so ist es ein Lied voller Licht, Wärme und Leichtigkeit. Die Töne der Klangschalen und Glocken wirken wie Sonnenstrahlen auf der Haut. Und der Gesang, bei dem Kjell seinen gesamten Stimmumfang nutzt, berührt tief.

„Rísa“ handelt davon, sich nach einer Zeit der Auseinandersetzung mit seinem Kummer wieder auf den Weg zu machen – als eine bessere Version von sich selbst.

„Rísa“ ist ein großartiges Stück des Spannungsaufbaus: mit der Trommel als zentralem Element, lassen einen der Rhythmus, die zunehmende Dichte und Intensität fast atemlos werden. Umso tiefer die Entspannung am Ende. Es ist faszinierend, welche Sogwirkung Kjell Braaten hier allein mit der Rahmentrommel, Klangholz und einzelnen Glockentönen erzeugt.

Mit „Frithr“ (Frieden) findet das Ritual fast seinen Abschluss. Viele Dinge sind geklärt. Wenn der eigene Frieden gefunden wird, kann die Seele diesen wie Samen aussäen und in den Herzen anderer Menschen wachsen lassen.

„Frithr“ beginnt mit beschwörendem Kehlgesang, der die Basis des Liedes bildet. Gesang und Trommel erschaffen dann einen warmen und dynamischen Klang. Der Text ist auf Altnordisch, was den rituellen Charakter unterstreicht. Mit klarem Gesang und einer Melodie von hoffnungsvoller Leichtigkeit, wird dieser Text auf Nynorsk aufgegriffen:

Frieden ist keine Blume,
die du einem Freund schenken kannst.
Aber wenn du willst,
kannst du selbst solch eine Blume sein.

(Es gibt ein Video zu „Frithr“, in dem dies wunderbar verdeutlicht wird).

Den Abschluss bildet „Thoka“, (der Nebel). Leier und Lure, Töne eines beginnenden Tages. Sanft kündigt die Melodie der Lure die Sonne an und gibt eine Vorahnung auf die Möglichkeiten und Wunder um uns herum und auf das, was kommen kann. Der Nachhall der Melodie erinnert an das, was hinter uns liegt. Das aber jetzt

Klänge, Rhythmen, Melodien und Natursamples, moderner Sound: Weshalb die Lieder auch außerhalb des Rituals wirken

Das Album berührt eindringlich und kraftvoll elementare und ursprünglich Aspekte des Menschseins. Es spannt einen Bogen von Vergangenheit, über die Gegenwart und weist in die Zukunft. Und dies eingebettet in unsere Bezüge zur Natur.

Auf „Blóta“ hat Kjell Braaten sich auf wenige Instrumente beschränkt. Diese minimalistische Instrumentierung erleichtert es, sich auf die Themen einzulassen und in der Musik eine Bedeutung für sich selbst zu finden.

Die Instrumente, die er verwendet, sind historische Instrumente. Trommel und Lure, die es bereits in vorchristlicher Zeit gab, sowie Kastenleier und Organistrum, die vom 11.Jahrhundert an verwendet wurden. Die Produktion des Albums hat ihren Klang erhalten und erfüllt gleichzeitig moderne Sounderwartungen.

Die Texte greifen Gedanken auf, die nicht nur den ‚modernen‘ Menschen beschäftigen. Instrumentierung und Texte spannen den zeitlichen Rahmen also weit über den Moment hinaus.

Die Verbindung mit den Elementen und Kräften der Natur spielt durchgängig eine Rolle.

Alles um uns herum besitzt einen Klang, ein Lied. Man muss sich auf die Suche nach diesen Liedern machen und kann dann die Verbundenheit spüren.

Wenn man mit den Kräften um sich herum verbunden ist, kann man sich ausdehnen und ein Teil von ihnen werden. Ein Teil des größeren Ganzen. Dies ist ein Weg, um nach einer umfassenderen Erfahrung, einer breiteren Sichtweise, Weisheit und manchmal sogar Antworten zu suchen.

Kjell Braaten zu „Hamr“

Musik voll Tiefe und Weite

„Blóta“ ist nicht nur ein Ritual, sondern ein Album mit Musik voll Tiefe und Weite. Es verbindet das, was um uns herum ist, mit dem, was in uns ist.

Gerade in einer Zeit, in der uns dieser Krieg ohnmächtig macht, ist diese Musik wie eine Vergewisserung und Beruhigung: wir sind nicht allein, sondern verbunden mit vielem, das Kraft und Trost geben kann. Im Gegensatz zu dem Irrationalen und Monströsen des Krieges und anderer unfassbarer Dinge.

Zum Album geht es HIER

Weitere Information über Kjell Braaten gibt es DORT

English version

Kjell Braaten releases the album „Blóta“ on 1. April 2022. It is his third solo album after „Ferd“ and „Bronseplassen“. Otherwise, he is and has been involved in many different projects as a musician, composer, and producer (including NEBALA, WARDRUNA, EHWAZ) and also as a specialist for Nordic instruments in the music for the Netflix series „Vikings Valhalla“.

„Blóta“

„Blóta“ means ‚ritual‘. The use of rituals plays a role in all cultures, areas of life and times.

Especially in the current uncertainty, with worries and sadness, rituals can help to face these thoughts and feelings. Music is one way of giving them a form and shape. In this way they can be understood and perhaps also be changed.

For Kjell Braaten, „Blóta“ is a personal album. In the interview I did with him, he said about it:

 „Blóta“ is my ritual to get over some harmed experiences that terrorized me for a long time. This album is my journey to walk through this dark times. And make them a strength rather than a destructive force. The reason why I made an album of it is my hope that this can help other people go through their own darkness. Their own deep sorrows or what’s ever.

Kjell Braaten (Interview)

Whether we use „Blóta“ as a ritual for ourselves, or just get involved with the music and enjoy it, is up to us.

„Now I give it to you, hoping it can help you the same way it helped me”

What he passes on to us with the album is music with changing timbres, intense tension, rhythmic intensity, and emotional depth. You can hear that this album has developed over a longer period. Every sound, every rhythmic element and every other nuance is where it can best unfold its effect.

The sound of the songs is full, wide, and deep. In this way, he has picked up on the spectrum of emotions that play a role in life. They have taken shape through the sounds, the melodies and the lyrics and can thus find a place.

„I bid from my soul, open and whole, for the healing of humans to come

„Kalla“ (the calling). Sounds recorded in nature and a deep breath introduce this call. Energetic in the awareness of beginning a ritual, the voice calls to the cardinal directions. As a support for what follows.

Drum beats and polyphonic singing give the song increasing strength and the rising melody  gives it lightness.

Then follows a rhythmic passage which builds up enormous tension. There will be several more of these in the following songs.

„Syrgja“ (Sorrow)is a painful song in which sorrow and grief find space. It is an invitation to face one’s own sorrows and pains. If it is possible to give the sensation an image, a symbol, it can be contemplated and changed through reflection.

The voice gives sound to many facets of pain and grief. These sounds combine with the warm and dynamic fundamental note played by the organistrum and with sounds of nature. That is why this song is soothing and comforting.

By facing our demons
and deepest sorrows,
we can reshape them to a resource
rather than a burden

Kjell Braat (Syrgja)

Magic song and change

„Galdr“ is a magical song not only in name. The flowing of water, drum beats and again a deep breath introduce the song. That which found its way out in „Syrgja“ is here brought into a larger context through the invocation of the forces of nature.

The song sounds liberated, beautiful in its harmonies. „Galdr“ also gets by without lyrics, because the melody and the rhythms shape and carry the magic.

„Hamr“ means ’shapeshift‘. “Hamr“ continues what „Syrgja“ and „Galdr“ initiated. In this song, the connection with the forces that surround us becomes particularly clear. In connectedness one can grow, develop, and become part of a greater whole.

Here, the lure joins in. The tones are powerful and luminous, the throat singing rough and direct. The contrast between the two accounts creates a lot of tension.

On the one hand, „Hamr“ conveys raw and elemental energy, on the other hand, it handles the sounds calmly and almost tenderly. In this way, „Hamr“ touches deep and base emotions.

The sun sees all….why not visit her for a broader overview, to gain perspective?

In the song that follows, Kjell Braaten sings about „Sól“ (the sun). And it is a song full of light, warmth, and lightness. The tones of the sound bowls and bells are like rays of sunshine on the skin. And the singing, in which Kjell uses his entire vocal range, is deeply touching.

„Rísa“ (to rise) is about to move on after a period of grieving – as a better version of oneself.

„Rísa“ is a great piece of tension building: with the drum as the central element, the rhythm, increasing density and intensity leave you almost breathless. All the deeper the relaxation at the end. It is fascinating how Kjell Braaten pulls the listener into the song with the frame drum, sound wood and individual bell tones alone.

With „Frithr“ (Peace) the ritual almost reaches its conclusion. Many things are clarified. When one’s own peace is found, the soul can sow it like seeds and let it grow in the hearts of others.

„Frithr“ begins with incantatory throat singing, which forms the basis of the song. Vocals and drums then create a warm and dynamic sound. The lyrics are in Old Norse, which emphasises the ritual character. With clear singing and a melody of hopeful lightness, this text is taken up in Nynorsk:

Peace is not a flower
you can give a friend.
But if you wish,
then let yourself
be the flower.

(There is a video for „Frithr“ in which this is wonderfully drawn attention to).

The finale is „Thoka“, (Mist). Hurdy-gurdy and lure, sounds of a dawning day. Gently, the melody of the lure announces the sun and foreshadows the possibilities and wonders around us and what may come. The reverberation of the melody reminds us of what lies behind us. But that now

Sounds, rhythms, melodies and nature samples, modern sound: why the songs also have an effect outside the ritual.

The album touches on elementary and primal aspects of being human in a haunting and powerful way. It builds a bridge from the past to the present and points to the future. And this is embedded in our relationship to nature.

On „Blóta“ Kjell Braaten has limited himself to a few instruments. This minimalist instrumentation makes it easier to engage with the themes and find meaning for oneself in the music.

The instruments he uses are historical instruments. Drum and lure, which existed in pre-Christian times, as well as hurdy-gurdy and organistrum, which were used from the 11th century onwards. The production of the album has preserved its sound and at the same time fulfils modern sound expectations.

The lyrics address thoughts that are not only of concern to ‚modern‘ man. Instrumentation and lyrics thus span the temporal frame far beyond the moment.

The connection with the elements and forces of nature plays a role throughout.

Everything around us has a sound, a song. You must go in search of these songs and then you can feel the connection.

When you are connected to the forces around you, you can expand and become a part of them. A part of the greater whole. This is a way to seek a broader experience, a broader view, wisdom and sometimes even answers.

Kjell Braaten (Hamr)

Music full of depth and breadth

„Blóta“ is not just a ritual, but an album of music full of depth and breadth. It connects what is around us with what is inside us.

Especially at a time when this war makes us feel powerless, this music is like an feeling of protection and reassurance: we are not alone but connected to many things that can give us strength and comfort. In contrast to the irrationality and monstrosity of war and other incomprehensible things.

Go to the album HERE

More information about Kjell Braaten can be found HERE

(english version below)

Die Nachrichten der letzten Tage haben uns alle mehr als beunruhigt. Unsicherheit und Angst aber auch Entschlossenheit und Zusammenhalt sind deutlich geworden.

Ich finde, es ist gerade jetzt wichtig, Momente zu finden, in denen man seinen Gefühlen und Gedanken einen Raum geben aber auch Ruhe und Zuversicht finden kann. Musik ist für mich immer schon solch ein Raum gewesen.

„Frithr“ ist das zweite Lied, das vom Album „Blóta“, das am 1. April 2022 herauskommt, veröffentlicht wird.

Blóta

„Blóta“ bedeutet „Ritual“. Die Verwendung von Ritualen gibt es in allen Kulturen und für alle Lebensbereiche. Sie begleiten das menschliche Leben und geben kollektives Wissen weiter. Rituale sind Handlungen, die durch ihren Rahmen und Ablauf Unsicherheit reduzieren können.

Gerade in der aktuellen Unsicherheit und sorgenvollen Gedanken über die Zukunft, können Rituale dazu beitragen, sich diesen Gedanken und Gefühlen zu stellen und ihnen eine Form zu geben, die wir erfassen können.

Musik ist eine Möglichkeit, Emotionen zu kanalisieren, ihnen einen Platz zu geben. Dies setzt Kjell Braaten mit „Blóta“ um. Er gibt seine Erfahrungen mit schmerzvollen Erlebnissen umzugehen, so an uns weiter, dass wir die Musik und das Ritual für uns selbst nutzen können.

Dabei steht es jedem frei, eine eigene Interpretation zu finden.

„FRITHR“ – Lied und Video

„Frithr“ bedeutet ‚Frieden‘. Dies kann sich sowohl auf den eigenen inneren Frieden beziehen als auch darauf, welchen Anteil wir daran haben, anderen ein friedliches Erleben zu ermöglichen.

Das Lied beginnt mit beschwörendem Kehlgesang, der die Basis des Liedes bildet. Der Text ist auf Altnordisch, was den rituellen Charakter unterstreicht. Mit klarem Gesang und einer Melodie voller Leichtigkeit, wird dieser Text auf Nynorsk aufgegriffen:

Frieden ist keine Blume,
die du einem Freund schenken kannst.
Aber wenn du willst,
kannst du selbst solch eine Blume sein.

Kjell Braaten Lyrics zu „Frithr“

Wenn der eigene Frieden gefunden wird, kann die Seele diesen wie Samen aussäen und in den Herzen anderer Menschen Frieden wachsen lassen.

Mit der Verwendung einer alten und einer aktuellen Sprache spannt Kjell Braaten einen Bogen vom Vergangenen zum Jetzt. Und zeigt gleichzeitig, dass ein Thema sich im Laufe der Zeit verändert und wir ihm durch eine andere Form des Ausdrucks und der Betrachtung einen anderen Charakter geben können.

„Blóta“ bildet die Schritte oder Phasen in einem möglichen Ritual ab. Auf dem Album nimmt „Frithr“ den vorletzten Platz ein. Das Ritual findet hier fast seinen Abschluss. Viele Dinge sind geklärt: Kehlgesang und Trommel klingen warm und dynamisch, die Melodie hoffnungsvoll. Also taucht in das Lied ein und lasst euch dadurch tragen!

„Blóta“ wird am 1. April 2022 über Kjell Braaten Music veröffentlicht. Mehr dazu hier.

Das Album kann ab sofort vorbestellt werden. Übrigens: wer bis Freitag, den 11.3.2022 bestellt, erhält ein signiertes Exemplar, das dann direkt (also bereits drei Wochen vor dem offiziellen Release) verschickt wird.

Kjell Braaten ist außerdem am Album „Lustuz Laþu Wōþuz Alu“ mit NEBALA beteiligt und als Spezialist für nordische Instrumente an der Musik für die Netflix-Serie „Vikings Valhalla“.

FRITHR – a song for peace.
Second video from the upcoming album „Blóta“

The news of the last few days has more than worried us all. Insecurity and fear but also determination and cohesion have become clear.

I think it is especially important now to find moments in which you can give your feelings and thoughts a space but also find peace and confidence. Music has always been such a space for me.

„Frithr“ is the second song to be released from the album „Blóta“ which comes out on 1 April 2022.

Blóta

„Blóta“ means „ritual“. The use of rituals exists in all cultures and for all areas of life. They accompany human life and pass on collective knowledge. Rituals are actions that can reduce uncertainty through their framework and process.

Especially in the current uncertainty and worrying thoughts about the future, rituals can help to face these thoughts and feelings and give them a form that we can grasp.

Music is a way to channel emotions, to give them a place. This is what Kjell Braaten does with „Blóta“. He passes on his experience of dealing with painful experiences to us in such a way that we can use the music and the ritual for ourselves.

In doing so, everyone is free to find their own interpretation.

„FRITHR“ – song and video

„Frithr“ means ‚peace‘. This can refer both to our own inner peace and to what part we play in enabling others to have a peaceful experience.

The song begins with incantatory throat singing, which forms the basis of the song. The lyrics are in Old Norse, which emphasises the ritual character. With clear singing and a melody full of lightness, this text is taken up on Nynorsk:

Peace is not a flower
That you can give a friend
But if you wish
You can be such a flower yourself

Kjell Braaten Lyrics zu „Frithr“

When one’s own peace is found, the soul can sow it like seeds and make peace grow in the hearts of others.

By using an old and a current language, Kjell Braaten draws a bow from the past to the present. And at the same time shows that a theme changes over time and we can give it a different character through a different form of expression and contemplation.

„Blóta“ maps the steps or phases in a possible ritual. On the album, „Frithr“ takes the penultimate place. The ritual almost reaches its conclusion here. Many things are clarified: throat singing and drumming sound warm and dynamic, the melody hopeful. So dive into the song and let it carry you!

„Blóta“ will be released on 1 April 2022 via Kjell Braaten Music. Read more here.

The album can be pre-ordered now. By the way, anyone who orders by Friday 11 March 2022 will receive a signed copy, which will be sent directly (i.e. already three weeks before the official release).

Kjell Braaten is also involved in the album „Lustuz Laþu Wōþuz Alu“ with NEBALA and, as a specialist in Nordic instruments, in the music for the Netflix series „Vikings Valhalla“.

(english version below)

Gestern hat Kjell Braaten das erste Video zu seinem neuen Album „Blóta“, veröffentlicht. „Hamr“ ist die erste Auskopplung aus dem Album, das am 1. April 2022 erscheinen wird.

Kjell Braaten, der als Musiker, Komponist und Produzent an verschiedenen musikalischen Projekten und Bands (wie z.B. WARDRUNA, NEBALA) beteiligt war und ist, veröffentlichte 2020 das Album „Ferd“. „Ferd“ bedeutet Reise. Auf dem Album geht es um Menschen, die reisen, um ihr Wissen zu erweitern. Hierzu hat er ein weites Klangspektrum und Instrumente aus der ganzen Welt genutzt.

Im letzten Jahr erschien mit „Bronseplassen“ ein Live-Album, das im July 2021 auf dem Bronseplassen in Norwegen aufgenommen wurde. Hier begleitet er seinen Gesang lediglich mit jeweils einem Instrument.

Auch auf dem kommenden Album hat Kjell Braaten sich auf wenige Instrumente beschränkt. Diese minimalistische Instrumentierung erleichtert es, sich einzulassen, und in der Musik eine Bedeutung für sich selbst zu finden.

Blóta

„Blóta“ bedeutet „Ritual“. Die Verwendung von Ritualen gibt es in allen Kulturen und zu allen Lebensbereichen. Sie begleiten das menschliche Leben und geben kollektives Wissen weiter. Rituale sind Handlungen, die durch ihren Rahmen und Ablauf Unsicherheit reduzieren können. Die Bedeutung von Ritualen liegt in ihrer Hilfestellung in Übergangssituationen. Z.B. im Umgang mit Tod und Trauer aber auch Freude und Neubeginn. Durch ihre Form kanalisieren sie Emotionen.

All dies nimmt Kjell Braaten mit „Blóta“ auf und gibt es an uns weiter, damit wir es für uns selbst nutzen können.

Hamr

In „Hamr“ (was Gestalt , Gestaltwandel bedeutet) geht es um die Verbundenheit mit den Kräften, die uns umgeben. Wenn man sich mit diesen Kräften verbindet, kann man wachsen, sich entwickeln und Teil eines größeren Ganzen werden.

Dies kann man mythologisch verstehen aber auch ganz konkret: als einen Weg, über Erfahrungen zu einer umfassenderen Sicht zu kommen. Also ein Weg, nach Antworten zu suchen und so bessere Entscheidungen zu treffen.

In dem animierten Video zu „Hamr“ begegnet der Protagonist Tieren, die z.B. in der nordischen Mythologie eine wichtige Rolle als Krafttiere spielen.

Kraftvoll klingen dabei sowohl die Lure, die sich bei der Entwicklung des Themas Zeit lässt, als auch die Vocals. Diese bleiben zunächst im Hintergrund und bilden die Basis des Liedes. Sie schaffen es auch ohne Worte, anzusprechen und zu berühren. 

„Hamr“ übermittelt einerseits raue und elementare Energie, geht andererseits ruhig und fast schon zart mit den Klängen um. Damit berührt „Hamr“ tiefe und ursprüngliche Emotionen.

Hier also Video und Lied:

Art by Fátima Ackerson
Animations by José Manchado

„Hamr” bekommt ihr HIER und HIER (!)

Kjell Braaten announces his new album „Blóta“ and releases first video

Yesterday Kjell Braaten released the first video for his new album „Blóta“. „Hamr“ is the first single from the album, which will be released on April 1, 2022.

Kjell Braaten, who has been involved in various musical projects and bands (such as WARDRUNA, NEBALA) as a musician, composer and producer, released the album „Ferd“ in 2020. „Ferd“ means journey. The album is about people who travel to expand their knowledge. For this, he used a wide spectrum of sounds and instruments from all over the world.

Last year he released „Bronseplassen“, a live album recorded on Bronseplassen in Norway in July 2021. Here he accompanies his singing with only one instrument at a time.

Kjell Braaten has also limited himself to a few instruments on the upcoming album. This minimalist instrumentation makes it easier to get involved and find meaning for oneself in the music.

Blóta

„Blóta“ means „ritual“. The use of rituals exists in all cultures and in all areas of life. They accompany human life and pass on collective knowledge. Rituals are actions that can reduce uncertainty through their framework and process. The importance of rituals lies in their support in transitional situations. For example, in dealing with death and mourning, but also joy and new beginnings. Through their form they channel emotions.
Kjell Braaten takes all this with „Blóta“ and gives it to us so that we can use it for ourselves.

Hamr

„Hamr“ (which means shape, shapeshifting) is about connecting with the forces that surround us. When you connect with these forces, you can grow, develop, and become part of a greater whole.  

This can be understood mythologically but also very concretely: as a way to come to a more comprehensive view through experience. In other words, a way to search for answers and thus make better decisions.

In the animated video for „Hamr“, the protagonist encounters animals that play an important role as power animals in Nordic mythology, for example.

Both the lure, which takes its time developing the theme, and the vocals sound powerful. These initially remain in the background and form the basis of the song. Even without words, they manage to address and touch. 

On the one hand, „Hamr“ conveys raw and elemental energy, on the other hand, it handles the sounds calmly and almost tenderly. In this way, „Hamr“ touches deep and primal emotions.

So here is the video and the song:

Art by Fátima Ackerson
Animations by José Manchado

You can get “Hamr” HERE and HERE (!)