Melodischer Prog Metal. Das geht. Aber mit weiblichem Gesang…das ist dann doch was Besonderes. Als ich den Song „Faces“ vom selbst betitelten Album von DIAMANTIDE das erste Mal gehört habe (wir haben euch das dazugehörige Video hier vorgestellt), kam bei mir sofort das Interesse auf, mehr Material des Quartetts zu hören und die ganze Scheibe für eine Review bei metal-heads.de zu bekommen. Gesagt, getan. So sitze ich hier und schreibe die CD-Besprechung zu der vor wenigen Tagen am 21.02.2025 erschienenen Langrille. Der besagte erste veröffentlichte Track hat eine Spielzeit von über 8 Minuten. Es geht eher bedächtig los. Rohe Gitarrenriffs, Keyboardklänge. Das Schlagzeug tritt hinzu und es dauert eine Minute, bevor die Stimme von Nadin Zakharyan einsteigt und die Hörer direkt ergreift. Kraftvoll, aber auch melodisch. Trotz der Länge des Songs ist dieser recht kurzweilig geworden. Längere, gefühlvolle Instrumentalpassagen überbrücken die Zeit, bis der Gesang zurückkehrt. Zum Ende nimmt dann die Progressivität wieder zu.

Aber eigentlich startet das Release mit „Madness“. Tempo, Heavyness und dann liefern uns die Drums die entsprechende Prog Note. Die Stimme der Frontfrau packt auch hier zu. Man kann sich nicht aus ihrem Bann entziehen. Zwischendurch schlägt sie zurückhaltendere Töne an und auch die Musik nimmt sich dann zurück. Aber insgesamt hat das Ganze schon Drive und geht angenehm nach vorne. Die richtige Mischung aus Melodie, Härte und Progressivität. So muss das sein.

Zur zweiten Nummer auf dem Album können wir euch das Lyric Video servieren. Hier geht es direkt mit dem Gesang nach vorne und dann wird es gleich sehr melodisch. Stimmlich etwas mehr heavy. Die Songstruktur ist insgesamt – insbesondere in der ersten Hälfte – recht simpel gehalten. Aber das darf ja auch mal sein. Verschafft euch doch selbst mal einen Eindruck:

DIAMANTIDE – „Diamantide“ (VÖ: 21.02.2025)

Weiter geht es mit „Fear“. Eher sanft, ein Klangteppich entsteht. Leichte Gitarrenriffs. Der 7-Minüter kommt insgesamt eher gemäßigt daher. Die Komposition plätschert eher so vor sich hin. In der zweiten Hälfte des Songs bekommen wir dann feine E-Gitarrenklänge. Aber überwiegend ist es eine recht seichte Angelegenheit. Das hätte man von der Länge her straffen können.

Beim fünften Track auf der Scheibe konnte man keinen Geringeren als Johan Englund von der schwedischen Formation EVERGREY für die Mitarbeit gewinnen. Den Bass spielt Roberto Tiranti bei dem Stück. Den guten Mann kennen wir eigentlich als Sänger der italienischen Band LABYRINTH. Ich finde, die beiden fügen sich gut ein und gerade die Stimme des EVERGREY-Shouters passt prima zur Musik von DIAMANTIDE. Eine gelungene Kooperation. Der nächste Song geht vom Tempo her gleich nach vorne. An mancher Stelle sind mir hier die Keyboards zu sehr im Vordergrund. Ansonsten zeigt sich hier der Gesang der Frontfrau recht variabel und schön im Zusammenspiel mit den Instrumentalisten. Prima.

Das vorletzte Stück auf dem Silberling beginnt sehr bedächtig und versetzt uns in eine nachdenkliche Stimmung. „Take me to life“ bringt uns Pianoklänge in der Interaktion mit der Stimme der Sängerin. Später wird das Ganze noch durch Drums und E-Gitarren ergänzt, aber diese Instrumente halten sich dabei recht bedeckt im Hintergrund. Aber der Song nimmt schon ein bisschen mehr Fahrt auf ab der Mitte. Den Abschluss bildet der Bonustrack. Es ist das erste Lied des Albums, nur jetzt wird der Gesang von DGM-Sänger Mark Basile übernommen. Die starke Stimme des Shouters stellt eine interessante Variation zum Originalgesang der DIAMANTIDE-Frontfrau dar. Ich möchte mich hier überhaupt nicht festlegen, welche Version mir besser gefällt. Wir haben ja das Glück, beide Fassungen zu haben.

Das Fazit zum gleichnamigen Debüt von DIAMANTIDE

Welches Fazit kann man also nach dem Genuss des Longplayers ziehen? Der Vierer von der amerikanischen Westküste hat mit dem acht Songs umfassenden Album mit dem selben Namen wie die Band – „Diamantide“ – ein ansehnliches Debüt unter die Leute gebracht. 7 Stücke, plus einen Bonustrack – also das ist eine andere Version des Openers, wo der Gesang von Mark Basile (GM) übernommen wird – sind enthalten. Die bezaubernde Stimme von Frontfrau Nadin Zakharyan ist schon recht dominant. Ansonsten ist das Ganze musikalisch sehr melodieorientiert angelegt. Der Grad der Progressivität könnte für meinen Geschmack an einigen Stellen deutlich hochgefahren werden. Aber ansonsten ist das Material echt gut hörbar…

Ghosther ziehen uns mit „Undertow“ in einem Sog tief hinunter in die dunklen Bereiche ihrer Seele.

Sie haben es schon wieder getan

Ghosther aus Heinsberg haben es schon wieder getan! Gut eine Woche nach ihrer 10 Jahre Jubiläums-Party präsentieren uns die Modern Metaller mit „Undertow“ nun die zweite (Video-) Single ihrer selbst betitelten EP „Ghosther“, die im Herbst erscheinen soll.

Die Premiere

Wie schon zur ersten Song-Auskopplung „Mindset Baby“ [KLICK] gibt es auch zu „Undertow“ ein sehr starkes Musik-Video, das gestern (am 16.08.24) seine Premiere feierte. Leider konnten wir von Metal-Heads.de bei der YouTube-Erstaufführung nicht live dabei sein, da wir zum anberaumten Zeitpunkt unsere Jahreshauptversammlung abgehalten haben. Aber wir gehen davon aus, dass die Premiere ein voller Erfolg war, was wir an den Klickzahlen festmachen können. Bei uns läuft „Undertow“ jedenfalls schon seit Stunden in Dauerschleife, weil er einfach fesselt!

Eine 10 von 10

Der Song lebt gleichermaßen von seiner Intensität und seiner verletzenden Emotionalität. Parallelen zu Evanescence und Co. liegen hier deutlich auf der Hand. Ghosther beweisen erneut ihr sehr gutes Gespür für eingängige Melodien, greifende Hooks und Atmosphäre. „Undertow“ ist nach „Mindset Baby“ der zweite komplette Abräumer in Folge, der darüber hinaus mit einem richtig geilen Video daherkommt, das allen das Blut in den Adern gefrieren lässt! Aufgrund seines (Hit-) Potenzials und seiner visuellen Darbietung ist „Undertow“ eine 10 von 10! Passend zum Geburtstag. Glückwunsch! Und zum Schluss noch ein kleiner Aufruf: wenn ihr Ghosther nachträglich noch etwas schenken möchtet, dann streamt die beiden neuen Songs einfach kaputt und kauft euch unbedingt auch eine Karte für die anstehende Tour mit April Art! Das gibt Aufmerksamkeit, die sich Ghosther einfach verdient haben! Doch jetzt genug der Lobeshymne! Viel Spaß mit „Undertow“!

Ghosther – Undertow – Video

Die Credits

Video produced by Roman Halva

Produced, mixed and mastered by Christoph Wieczorek at Sawdust Recordings

Sound engineer and mix assist Vince Ebicht

Written by A. Gaube

Special thanks to House of Keys, Heinsberg

Die Tourdaten

07.09.2024 – Wassenberg – Wassenrock (Festival)

02.10.2024 – Aschaffenburg – ColosSaal

03.10.2024 – Hamburg – Logo

04.10.2024 – Leipzig – Hellraiser

26.10.2024 – Kaiserslautern – Kammgarn

16.11.2024 – Stuttgart – Im Wizemann

29.11.2024 – München – Backstage

30.11.2024 – Biberach – Abdera

05.12.2024 – Köln, Gebäude 9

06.12.2024 – Viersen – Rockschicht

07.12.2024 – Essen – Turock

12.12.2024 – Dresden – Groove Station

13.12.2024 – Berlin – Badehaus

14.12.2024 – Hannover – Lux

20.12.2024 – Osnabrück – Bastard Club

21.12.2024 – Schmallenberg – Habbels

Diskografie

1: Through Fire (Noizgate Records/2019)

2: Immersion (DocGator Records/2022)

Nützliche Ghosther Links

1: Homepage

2: Facebook

3: Instagram

4: YouTube

5: Spotify

In eigener Sache: Distortion is our passion!

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Galactic Superlords und die New Wave Of Kölsch Heavy Metal

metal-heads (MH): Hallo zusammen und herzlich willkommen bei unserer Interviewreihe zum diesjährigen Rage Against Racism und schön, dass ihr dabei seid. Zuletzt haben mit Sic Zone oder auch The Other schon Bands aus dem Kölner Raum ihre Duftmarke beim Rage hinterlassen. Musikalisch seid ihr ja definitiv anders aufgestellt. Wie würdet ihr euch beschreiben? Mitunter ist ja schon mal der Slogan New Wave Of Kölsch Heavy Metal gefallen.

Galactic Superlords (GL): Den Begriff NWOKHM haben wir mal augenzwinkernd übernommen, weil wir es als treffendes Schlagwort empfanden. Der gemeinsame musikalische Nenner in unserem Proberaum liegt so im Bereich Iron Maiden, Thin Lizzy, Wishbone Ash, daher spielen Twin Leads in unserer Musik schon immer eine große Rolle. Wir nennen es auch gerne Doppelgitarrenrock. Allerdings möchten wir  nicht den Sound einer Generation originalgetreu kopieren, sondern auch mal was Neues ausprobieren. Somit ist nicht auszuschließen, dass ihr eines Tages ein Album für Synthesizer und Sitar von uns in der Hand haltet.

MH: Was verbindet ihr mit dem Rage Against Racism Festival und was bedeutet es für euch Teil des Festivals zu sein?

GL: Eigentlich wollen wir mit unserer Musik gute Laune verbreiten, sowohl bei uns als auch bei Zuschauer*innen und -hörer*innen. Da wir von Rassismus allerdings sehr schlechte Laune bekommen, nehmen wir die Gelegenheit gerne wahr hier deutlich Stellung zu beziehen. Live spielen wir uns auch schon mal in Rage und die entstehende positive Energie bündeln wir gerne um das Anliegen hier zu unterstützen. Etwas egoistischer betrachtet freuen wir uns auch schon sehr auf das Festival, weil wir unsere Freunde von Motorowl dort anschauen können, die kürzlich ein ziemliches Brett an Album rausgehauen haben.

MH: Ihr wart ja auch schon mehrfach im Ausland unterwegs, wart selber die Fremden. Konntet aber auch gleichzeitig die verbindende Wirkung der Musik erleben. Wie wichtig ist es für euch als Band diese Werte auch auf der Bühne zu kommunizieren?

GL: Unsere Erlebnisse im Ausland sind durchweg positiv. Sei es auf größeren Festivals, wie dem Sonic Blast in Portugal oder auf dem Dorffest in Italien, als auch auf Tour mit internationalen Bands. Manchmal hat man die selben (musikalischen) Helden. Manchmal lernt man etwas über die lokale Szene vor Ort und hört Musik, von der man aus der Ferne niemals etwas mitbekommen hätte. In unserer Größenordnung gehört es auch dazu, dass man sich gegenseitig hilft. Und dann hat man halt ein paar nackte Amerikaner im Wohnzimmer, die gerade Yoga machen. Das verbindet und das lieben wir an unserer Szene. Diese Werte kommunizieren wir nicht nur auf der Bühne, sondern vor allem im Alltag.

Galactic Superlords entern bald das Studio

MH: Musik ist ein gutes Stichwort. Euer letztes Album „Freight Train“ liegt ja nun auch schon fast vier Jahre zurück und wurde nicht nur bei uns abgefeiert. Wie sieht es mit einem neuen Album aus? Wie ist da der Stand der Dinge?

GL: Wir basteln und schrauben an neuem Material, vieles davon spielen wir auch schon in unseren Liveshows. Mitte des Jahres sind wir wieder im Studio von René Hofmann und wollen dann schnellstmöglich unsere Musik in Umlauf bringen. Vorab können wir auch schon Entwarnung geben: Es wird kein Album für Synthesizer und Sitar. 

MH: Und wie sind eure weiteren Pläne für dieses Jahr? Wo kann man euch denn noch live erleben?

GL: Wir sind im Sommer, wie jedes Jahr, wieder auf einigen Festivals unterwegs, z.B. auf dem „Der Detze rockt„. Und weil wir dieses Jahr schon 10 Jahre gemeinsam musizieren, planen wir eine größere, etwas abgedrehte Veranstaltung am 14. September im Gebäude 9 in unserer Heimatstadt Köln. Da lohnt es sich vorbeizukommen.

MH: Die letzten Worte gebühren wie immer dem Künstler. Wir freuen uns schon jetzt euch beim Rage zu erleben und sagen schon einmal Dankeschön.

GL: Unsere letzten Worte sollen an Doudou Diène gehen, der es nicht besser hätte sagen können:

„Rassismus gedeiht da, wo er geleugnet wird.“

In eigener Sache

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Garbage klingen auch nach fast 20 Jahren noch frisch

Los geht „Bleed Like Me“ mit „Bad Boyfriend“ und der Song klingt auch nach fast 20 Jahren noch frisch. Und als Gast an den Drums hier kein Geringerer als Dave Grohl. „Run Baby Run“ und „Right Between The Eyes“ sind etwas ruhiger gehalten, aber einfach klasse Rocksongs und Shirley Manson hat eine fantastische Stimme. „Why Do You Love Me“ war damals zurecht ein Hit und geht auch heute noch super ins Ohr. Der Titeltrack startet verhalten und handelt von Verletzung, der Suche nach dem eigenen Selbst und der Sehnsucht nach Verständnis und Hilfe. Und bluten wir letztendlich nicht alle gleich? Ein Song der immer noch unter die Haut geht und bei der steigenden Intoleranz weltweit noch wichtiger ist als 2005. Und Mann, Wahnsinn wie Shirley hier die Stimmung durch ihren Gesang transportiert. „Metal Heart“ ist ein wenig überraschend und erinnern mehr an frühe Garbage mit elektronischen Spielereien, die sich mit metallischen Gitarrenläufen paaren. „Sex Is Not The Enemy“ wurde teilweise durch den Super Bowl 2004 und Janet Jackson inspiriert. Aber mir gefällt der Song einfach und die Message ist so wichtig. Akzeptiert einfach, dass es mehr als zwei Geschlechter gibt und Diversität keine Bedrohung ist. Demgegenüber fällt die Ballade „It’s All Over But The Crying“ doch etwas ab. Für meinen Geschmack ist sie etwas zu weichgespült. Der Bass in „Boys Wanna Fight“ geht direkt in die Magengrube und „Why Don’t You Come Over“ hat eine tolle Energie und es ist nahezu unmöglich dabei still sitzen zu bleiben. Beim abschließenden „Happy Home“ glänzt wieder Shirley Manson mit ihrer tollen Stimme und der prägnante Basslauf im Hintergrund das Tüpfelchen auf dem i.

Bleed Like Me – das Bonusmaterial und Fazit

„Space Can Come Through Anyone“ startet den Reigen und fällt gegenüber dem Hauptmaterial überhaupt nicht ab. „Nobody Can Win“ ist eine viel gelungenere Ballade als „It’s All Over But The Crying“. Schön, also dass wir einen besseren Song bekommen. Garbage können auch Punk wie ihr in der obigen Nummer „I Just Wanna Have Something To Do“ hören könnt. Ein mehr als gelungenes Ramones Cover. Auch „Honeybee“ weiß mit seinem schrägen Vibe zu überzeugen, tolle Nummer. „Never Be Free“ ist eine sehr elektronische Nummer, die mich total überrascht hat und mich total in ihren Bann gezogen hat. „Badass (2003 Ruff Demo) klingt wie es der Name vermuten lässt, roh und rauh. Badass halt. „Tell Me Where It Hurts“ ist so ein Song, bei dem man früher die Feuerzeuge in die Höhe gehalten hätte. „Betcha“ kam schon 2007 als B-Seite auf den Markt. Vorherrschend ist hier der verzerrte Bass und der Gesang erinnert ein wenig an Gwen Stefani. Ganz anders klingt Shirley in „All The Good In This Life“, warm und einschmeichelnd. Sehr ruhiger, akustischer Song mit einem tollen Vibe. „Witness To Your Love“ zieht das Tempo ein klein wenig an und man fühlt sich leicht und wie über Wolken getragen. Dann folgen noch sieben Remixes von vorherigen Songs. Generell bin ich da kein großer Freund von. Aber „Sex Is Not The Enemey (IL’s Vocal Mix)“ und „Never Be Free (Goth Mix)“ haben mir dann doch gefallen. Alles in allem ein mehr als lohnenswertes Reissue. „Bleed Like Me“ war schon im Original ein richtig gutes Album und hat auch zwei Jahrzehnte später nichts an Qualität eingebüßt. Das Bonusmaterial ist ebenfalls top. Einzig die Remixes sind nach meinem Dafürhalten eher etwas für Sammler und Komplettisten. Wer sich übrigens noch einmal live von den Qualitäten von Garbage überzeugen möchte, kann das gerne im Juli tun. Dann sind Garbage auch in Deutschland für ein paar Shows (Daten unter dem Video) unterwegs.

Garbage – die Tourdaten

02.07.2024 – Wiesbaden, Schlachthof
04.07.2024 – Berlin, Uber Eat Music Hall
05.07.2024 – Köln, Palladium

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Die Frauen von Chaos Rising haben kürzlich ihr Doppelalbum veröffentlicht. Bisher haben bereits 40 Musikerinnen aus 18 Ländern daran teilgenommen. Und über den Song Contest können nun weitere Sängerinnen über eine Website auf das Kollektiv aufspringen. Die Deadline ist der 31. Mai 2023.

Nun startet Chaos Rising Songwettbewerbe, um mehr Frauen dazu zu ermutigen, Musik zu machen. Sie können dadurch ihre Fähigkeiten weiterzuentwickeln. Und ihre Kreativität auszudrücken. Denn bei diesem ersten Wettbewerb sind Sängerinnen und Vokalistinnen aller Metalstile und Erfahrungsstufen zugelassen. Ein Team von Musikerinnen hat einen melodischen Metalsong im eigenen Stil kreiert: Chaos-Rising-Gründerin Stéphanie Nolf an der Gitarre, Nicole Trinchero aus Argentinien am Schlagzeug, Martha Horizis aus Deutschland als Bassistin sowie die Sologitarristin Carolina R. Moreno aus Chile.

Auf den Song, der momentan folglich noch rein instrumental ist, können den Sängerinnen auf ihre eigene Art singen oder schreien. Doch dazu müssen sie auch ihre eigenen Texte und Gesangslinien schreiben. Und hier sind somit Können und Kreativität gleichermaßen gefragt.

Zwei Jurys – bestehend aus Chaos Rising-Mitgliedern und Fans – werden die beste Sängerin auswählen. Und dann sind alle Fans aufgefordert abzustimmen. Denn die Bewerberinnen werden nach einander auf den Social-Media-Kanälen (Facebook oder Instagram) von Chaos Rising vorgestellt.

Anyone can join until 31st May 2023 at the latest: Chaos Rising Song Contest

Join the Chaos Rising Song Contest now: The international, all-female metal project Chaos Rising has launched a song contest. Because Chaos Rising is a unique project that brings together female metal musicians from all over the world.

The women of Chaos Rising recently released their double album. So far, 40 musicians from 18 countries have taken part. And via the Song Contest, other female singers can now join the collective via a website.

Now, Chaos Rising is launching song contests to encourage more women to make music. This allows them to further develop their skills. And express their creativity. Because in this first competition, singers and vocalists of all metal styles and levels of experience are admitted. A team of musicians has created a melodic metal song in their own style: Chaos Rising founder Stéphanie Nolf on guitar, Nicole Trinchero from Argentina on drums, Martha Horizis from Germany on bass and solo guitarist Carolina R. Moreno from Chile.

The song, which is therefore still purely instrumental at the moment, allows the singers to sing or scream in their own way. But to do that, they also have to write their own lyrics and vocal lines. And this is where skill and creativity are equally important.

Two juries – composed of Chaos Rising members and fans – will select the best singer. And then all fans are asked to vote. The applicants are presented one after the other on social media (Facebook or Instagram).

In eigener Sache

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Opener Pentastone aus Darmstadt gaben ein Konzert, das die Zuschauer nicht so schnell vergessen werden. Mit einer Sängerin, die mit ihren cleanen Vocals an die Guano Apes erinnerte, rekurrierte die Band zielsicher auf die 1990er Jahre. Und die Band verband dies mit zeitgemäßem Metal zu ihrer eigenen Mischung aus Metal, Alternative und Rock.

Die Gitarrenriffs waren hart und kraftvoll und die Bass- und Schlagzeug-Parts verliehen der Musik eine treibende Kraft. Und Sängerin Luisa Knauß begeisterte das Publikum mit ihrer dynamischen Performance. Ihr Gesang war kraftvoll und sehr emotional. Ihre Wechsel von klaren Clean-Vocals bis zu brachialer Stimme mit Harsh-Vocals schien dabei völlig mühelos und beiläufig zu gelingen. – Folglich ein Opener, der von der ersten Minute an das Publikum mitriss!

Female Voice Metal Fest in Trier: Sleepers‘ Guilt mit Melodic Death Metal

Sleepers‘ Guilt aus Luxemburg standen mit ihrem Progressive Melodic Death Metal als nächstes auf der Bühne. Und jetzt wurde es brachial. Sleepers’s Guilt stilistische Handschrift ist ein gesunder Mix aus Old-School-Death-Metal und allem voran jeder Menge Melodic Death Metal – mit einer Prise Thrash gewürzt. Und Sängerin Sany Faihrmann growlt dabei wie der Teufel. Charakteristisch ist ihre auffallend tiefe Stimme bei den cleanen Vocals. Sie interagierte permanent mit dem Publikum. Denn sie stieg auch immer wieder von der Bühne und sang im Publikum weiter. Sie jagte durch die Gäste wie der Blitz. Und da war es schwer, sich ihr und dem immensen Druck zu entziehen, der von der Bühne auf das Publikum übersprang. Das Kasino am Kornmarkt bebte.

Und das war nebenbei bemerkt eine spannende Location für das Female Voice Metal Fest: Während in dem historischen Raum glitzende Kronleuchter von der Decke hingen, wogte unten das schwarz gekleidete Publikum beim Headbangen. Und dieser Bruch verlieh der Veranstaltung etwas angenehm surreales.

The Tex Avery Syndrome: Headliner mit gewaltigem Potenzial!

Der Headliner an diesem ersten Female Voice Metal Fest waren The Tex Avery Syndrome aus Frankfurt am Main. Der erste Ton und der Saal stand in Flammen! Denn Frontfrau Laura Gierl schrie sofort alles und jeden in Grund und Boden. Und ihre Band schmetterte dem Publikum den puren, musikalischen Druck entgegen: Krachend, wütend und treibend!

Ein brutaler und gleichzeitig perfekt ausgewogener Mix aus Metal, Hardcore, Beatdown und Deathcore. Und die noch verhältnismäßig junge Band versprühte dabei eine unglaubliche Energie und Spielfreude. Gleichzeitig wirkte die Frankfurter Musikgruppe absolut professionell, von ihrer Performance über die Bühnenshow bis hin zum Merch. Und da schien nichts dem Zufall überlassen zu sein. Spezielles, eigenes Lichtequipment, Konfetti-Kanonen und Seifenblasenmaschinen – rundum um eine richtig starke, energiegeladene Show! Und der perfekte Abschluss einer neuen, kleinen und feinen Festivalveranstaltung, auf deren Sequel man sich jetzt schon freuen darf.

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MH: Wie seid Ihr zu der Idee gekommen, ein Festival für Female-fronted-Metalbands zu veranstalten?

Paul: Wir sind alle Fans der Kombi aus Metal und weiblichem Gesang. Früher waren es Bands wie Nightwish, Epica und so weiter. Und heute, wo sich der Fokus im Gesang im Metal etwas verschoben hat, sind es Bands wie Jinjer oder Arch Enemy, an denen man nicht mehr vorbei kommt.

Female Voice Metal Fest: Festivalidee entstand aus einer Konzertidee

Paul: Die Idee kam tatsächlich so zustande, dass wir während oder wegen Corona ein Konzert von Mission in Black – Sängerin Steffi Stuber wurde durch The Voice of Germany bekannt – absagen mussten. Und dies wollten wir nun wieder aufleben lassen. Da beim damaligen Support Sleepers‘ Guilt mittlerweile kein Mann mehr singt, sondern eine Frau, waren es schon zwei Bands gewesen mit weiblichem Gesang. Daher dachten wir: Wieso nicht eine Veranstaltung, bei der nur Sängerinnen vertreten sind?

Leider sind Mission in Black dieses Jahr nicht verfügbar gewesen – holen wir dann beim zweiten Female Voice Metal Fest eventuell nach! -, aber mit The Tex Avery Syndrome haben wir einen beinharten Headliner gefunden. Sleepers‘ Guilt sind wie erwähnt wieder dabei nach der Absage damals. Und hinzu kommen Pentastone, die wir schon länger beobachten.

MH: Frauen sind in der Metalmusik bekanntermaßen stark unterrepräsentiert. Wollt Ihr mit dem Female Voice Metal Fest diesbezüglich ein Zeichen setzen?

Paul: Das wäre zu sehr auf den Zug beziehungsweise Zeitgeist aufspringen. Und das ist nicht unser Ding bei Headbanger-Music. Tatsächlich ist die Kombi aus Metal und Frauen eine sehr erfolgreiche und war es schon immer. Headbanger-Music zum Beispiel besteht zu gleichen Teilen aus Männern und Frauen, ganz unabhängig von Quote und dergleichen.

Klischees in der Metalszene: Immer noch hoch im Kurs

Paul: Klar, aus tradierten Männerbildern herausgearbeitete Klischees sind in der Metalszene immer noch hoch im Kurs. Je härter die Musik, desto mehr wird diese Ästhetik bemüht. Allerdings sind schon immer auch Frauen in der Szene sehr hoch beachtet und erfolgreich. Alte weibliche Haudegen wie Doro oder auch Sabrina von Holy Moses sind doch schon gefühlte Ewigkeiten fester Bestandteil der Szene. Die Fanszene ist ebenfalls gut durchmischt. Und neue, moderne Bands wie Jinjer sind erfolgreicher denn je – und das jenseits der hübsch angezogenen Front-Püppchen wie Tarja. Die modernen Metal Bands mit Frauen am Mikro geben genauso Gas wie ihre männlichen Kollegen. Und genau das wollen wir zeigen beim Female Voice Metal Fest am 21.4. in Trier. Headbanger-Music steht schon immer für mehrheitlich knüppelharte Musik. Das ändert sich auch nicht großartig, wenn eine Frau am Mikro steht.

Female Voice Metal Fest: Ähnliche Konzepte waren bereits erfolgreich

MH: In der Vergangenheit gab es ein ähnliches Konzept mit einem ähnlichen Namen: Das Metal Female Voices Fest, das in Belgien stattfand und seit 2017 auf Eis liegt. Habt Ihr damit irgendwas zu tun oder eine gemeinsame Vorgeschichte?

Paul: Nein, wir kennen das Festival zwar, aber das ist ja auch eine ganze Nummer größer als wir mit unseren bisherigen Konzerten, auf denen maximal 200 Mann kommen. Wir lieben die direkte Live-Atmosphäre. Dafür steht Headbanger-Music.

MH: Wie grenzt Ihr die beiden Festivalmarken von einander ab?

Paul: Ich denke, wir heben uns dadurch ab, dass wir etwas Neues in Trier versuchen. Vielleicht stößt es auf ein sehr gutes Echo. Vielleicht ist das Gegenteil der Fall – oder vielleicht sind wir im Jahre 2023 auch soweit, dass es den Leuten egal ist, ob da Männlein oder Weiblein am Mikro steht, solange die Qualität der Musik stimmt. Und wenn es ein Riesenerfolg wird, dann haben wir nichts dagegen, auch mal so groß zu werden wie die belgischen Kollegen…

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Pentastone aus Darmstadt werden gerne mit den mächtigen Jinjer verglichen. Doch sie brauchen diesen Vergleich auch nicht zu scheuen. Sie spielen ihre eigene Mischung aus Metal, Alternative und Rock. Ihre Songs handeln von Themen wie Wut, Trauer, Agonie und Tod.

Sleepers‘ Guilt aus Luxemburg haben mit ihrem Progressive Melodic Death Metal bereits große Bühnen gerockt. Beispielsweise bei den Metal Days. Die Combo spielt einen ähnlichen Stil wie Lamb of God. Also einen schnellen, melodischen Sound, der von Sängerin Sanya mit brutaler Stimme druckvoll dargeboten wird.

Female Voice Metal Fest in Trier: Headliner The Tex Avery Syndrome

Der Headliner an diesem ersten Female Voice Metal Fest ist The Tex Avery Syndrome aus Frankfurt am Main. Die Band spielt Modern Metal und war bereits mit namhaften Giganten der Szene auf Tour. Zum Beispiel mit den bereits genannten Jinjer. Als Headliner versprühen Sängerin Laura und Band pure Dominanz mit ihrem krachenden, wütenden und treibenden Mix aus Metal, Hardcore, Beatdown und Deathcore.

Tickets gibt es im Vorverkauf beispielsweise bei Eventim oder Ticket Regional.

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Laura Cox – die Tourdates

Neben guter Musik auf der Bühne hat Laura Cox aber noch etwas Besonderes am Merch am Start. Sie hat ein eigenes Signature Bier gebraut (siehe hier bei Instagram), das es dann auch bei den Shows zu erwerben gibt. Ein Grund mehr also, sich einen der folgenden Termine in den Kalender einzutragen.

18. März 2023 – Paris, La Cigale (Release Show mit Überraschungsgästen)

21. März 2023 – Bensheim, Musiktheater Rex
23. März 2023 – Salzgitter, Kulturscheune
24. März 2023 – Bonn, Harmonie
25. März 2023 – Dortmund, Musiktheater Piano
26. März 2023 – Hamburg, Knust
28. März 2023 – Berlin, Frannz Club

Weitere Termine sollen folgen und natürlich werden wir sie dann auch hier bei metal-heads.de veröffentlichen. Also, stay tuned und verpasst auf keinen Fall Laura Cox und ihr Ale Fire – Bier.

In eigener Sache und mehr links

Mehr zu Laura Cox findet ihr auf der Homepage oder bei Facebook. Natürlich gibt es noch viele weitere News, Reviews und Live-Berichte aus der Szene der harten Töne bei uns. Um ja nichts zu verpassen, abonniert ihr am besten unseren kostenlosen Newsletter oder folgt uns bei Facebook. Die besten Bilder findet ihr dann bei Instagram und unser YouTube Channel hält viele Interviews und Dokumentationen bereit. Schaut mal rein und lasst uns ein paar Kommentare da. Vielen Dank schon mal!

Laura Cox über die Pause

metal-heads.de (MH): Hallo Laura, erst einmal herzlichen Glückwunsch zu deinem neuem Album „Head Above Water“. Seit „Burning Bright“, das 2019 herauskam, ist eine ganze Weile vergangen. Warum hat es lange gedauert?

Laura Cox (LC): Wir wissen alle wer schuld ist… Covid! Das hat uns mitten in der Promo für „Burning Bright“ gestoppt und machte es mir unmöglich produktiv, geschweige denn kreativ, zu sein in den folgenden Jahren. Ich lief zu Hause nur im Kreis herum und habe beschlossen nichts zu erzwingen, sondern die Inspiration zu mir kommen zu lassen. Letztendlich habe ich meisten Songs für das neue Album in 2021 geschrieben, bevor wir dann im Februar 2022 ins Studio gingen.

MH: Es scheint ein sehr persönliches Album geworden zu sein, das sich darum dreht einen Weg in schwierigen Zeiten zu finden. Was kannst du uns über die Geschichte hinter den Songs erzählen? Letztendlich ist das Album ja mitten in der Pandemie entstanden, einer schwierigen Zeit für die Musikindustrie und ganz allgemein für uns alle.

LC: Ich glaube wir allen erleben manchmal harten Zeiten und wie du bemerkt hast, waren diese letzten Jahre nicht einfach für mich. Ich war irgendwie verloren, wusste gar nicht mehr wer ich war, habe eine Menge verändert bis ich mich wiedergefunden hatte. „Head Above Water“ fasst diese Reise zusammen. Aber ich wollte gar nicht zu sehr ins Detail gehen, so dass sich die Hörer immer noch selbst mit den Songs identifizieren können. Ich glaube, dass es wichtig ist den Inhalt offen genug zu halten, so dass sich jeder mit seinen eigenen Geschichten dazu in Beziehung setzen kann. Das ist die Magie der Musik, uns miteinander zu verbinden, ohne dass wir uns kennen.

Laura Cox über Ted Jensen und die Trennung mit Mathieu Albiac

MH: Was kannst du uns über die Produktion des Albums verraten? Mit Ted Jensen hattest du ja einen mehrfachen Grammy Gewinner beim Mastering an deiner Seite.

LC: Das Ted Jensen an dem Album mitgearbeitet hat war eine echte Ehre für uns. Bei all den Leuten mit denen er bisher gearbeitet hat (Anmerkung der Redaktion: u.a. The Eagles, Billy Joel, Norah Jones, Evanescence, Alice in Chains), war ich superglücklich das er bei „Head Above Water“ dabei sein konnte und uns einfach besser klingen lässt. Es ist irgendwie schwer zu glauben, aber er hat unserer Musik seinen speziellen Touch gegeben… Das Album klingt nach mir, aber er hat es geschafft die Musik richtig zum Leben zu erwecken.

MH: Du hast mit Mathieu Albiac von Anbeginn zusammen gearbeitet. Aber jetzt geht ihr aus persönlichen Gründen getrennte Wege. Er hat Songs mit dir geschrieben und war für viele Arrangements verantwortlich. Gibt es Pläne ihn mit einem anderen Gitarristen zu ersetzen? Und wenn nicht, was für Veränderungen wird es dann mit nur einer Gitarre auf der Bühne geben?

LC: Ich habe beschlossen diese Reise ohne Mathieu fortzusetzen. Vor allem weil wir zu viel zusammen erlebt haben und es an der Zeit war etwas Neues anzufangen. Ich hoffe wirklich, dass es für uns beide am Ende etwas Positives bringt. Für mich ist es auch eine Herausforderung, weil ich alle Gitarrenparts neu lernen musste um etwas zu spielen was auch live mit nur einer Gitarre gut klingt. Ich möchte keinen anderen Gitarristen, ich weiß, dass ich es kann. Bei unseren letzten Shows 2022 haben wir schon ein neues lineup getestet. Mit einem Keyboard und es hat richtig gut geklappt. Wir werden so weitermachen und sind schon ganz aufgeregt unseren Fans die Neuerungen auf der kommenden Tour zu zeigen.

Ein Blick in die Zukunft

MH: Wagen wir einen Blick in die Zukunft. Die alleinige Songwriterin zu sein kann Bürde oder Befreiung sein. Was ist es für dich und was können wir von den kommenden Alben erwarten?

LC: Ich habe alle Texte für das neue Album selbst geschrieben und das fühlte sich total befreiend an. Was den musikalischen Teil angeht, muss ich noch lernen mir selbst zu vertrauen. Aber ich bin mir sicher, dass das eine sehr aufregende Erfahrung wird. Ich bin natürlich immer offen für Ratschläge und Arrangements und letztendlich ist das Endresultat auch immer eine Teamleistung.

MH: Beim Titeltrack hat mir besonders die Zeile „Because there’s nothing that a long drive and loud music can’t heal“ gefallen. Zusammengenommen mit der Aussage den Kopf über Wasser zu halten ist das eine richtig optimistische Botschaft. Wie hat dir das Schreiben und Hören von Musik geholfen die letzten Jahre zu überstehen? Und hast du darüber hinaus einen anderen Weg gefunden Musik zu schreiben?

LC: Ich mag diese Textzeile auch, vielen Dank! So fühle ich mich jedes Mal wenn ich fahre und die Musik richtig laut aufdrehe. Es fühlt sich an, als ob alle Probleme auf einmal viel leichter wären. Um ehrlich zu sein, habe ich in den letzten Jahren nicht so viel Musik gehört. Ich habe mich ein bisschen distanziert und so habe ich es geschafft mit neuen Ideen und Inspirationen für Songs um die Ecke zu kommen. Sobald ich mich bereit fühlte, schien alles ganz natürlich

MH: Nehmen wir einfach mal an, dass 2023 der Start zurück zur Normalität ist. Was können wir von Laura Cox dieses Jahr noch erwarten?

LC: Eine große Tour! Wir werden von März bis September unterwegs sein um das neue Album mit den Fans zu teilen. (Anmerkung der Redaktion: Die kompletten Tourdaten werden wir euch noch nachreichen) Ich kann es nicht erwarten sie alle zu sehen und das neue Set zu spielen. Im Moment arbeiten wir daran alles zusammen zu bringen. Neue Instrumente auf der Bühne und die neuen Songs auch. Danach geht es glaube ich direkt daran mit dem Schreiben für das nächste Album zu beginnen. Ich fühle mich gerade produktiv und kreativ. Also warum lange warten?

MH: Vielen Dank Laura, dass du dir die Zeit genommen hast. Wir hoffen dich bald wieder live erleben zu können und an alle Leser die Empfehlung sich „Head Above Water“ anzuhören und auf eine Reise mitnehmen zu lassen.

LC: Vielen Dank!!

Interview with Laura Cox about „Head Above Water“

metal-heads.de (MH): Hello Laura, first congratulations to your new album „Head Above Water“. It as been quite a while since „Burning Bright“ which was released 2019. Why did it take you so long?

Laura Cox (LC): We all know who’s guilty…. Covid! It stopped us in the middle of the promotion for „Burning Bright“, and also made it impossible for me to be productive and creative the following years. I was just going in circles at home, and decided not to force myself and let inspiration come to me again. In the end, I wrote most of the songs from the new album in 2021, before we entered the studio in February 2022.

MH: It seems to be a very personal album dealing with finding way in hard times. What can you tell us about the story behind the songs? The album was written during the pandemic, a really difficult time for the music industry and in general for all people.

LC: I guess we’re all going through hard times at some point, and as you noticed, these past years weren’t so easy on me. I kind of got lost, didn’t really know who I was anymore, changed a lot, until I found myself again. So „Head Above Water“ is summing up this journey. I also didn’t want to go to deep into the details so that people could identify to the songs too. I think it’s important to keep the topics wide enough, so that the listeners can relate to their own stories. That’s the magic of music, being able to connect without knowing each other.

About Ted Jensen and parting ways with Mathieu Albiac

MH: What can you tell us about the production of the album? With Ted Jensen doing the mastering you had a multiple Grammy winner at your side.

LC: Having Ted Jensen on the album was such an honor for us. With all the people he worked with, I’m so glad he was able to be part of Head Above Water, and making us sound better. It’s hard to realize he put his special touch on our music… This album sounds like me, but he really made the music come to life.

MH: You parted ways with Mathieu Albiac for personal reasons with whom you worked from the beginning. He did a lot of the arrangements and wrote songs with you. Are there any plans to replace him with another guitarist? Anf if not what changes will come with only one guitar on stage?

LC: I decided to continue this journey without Mathieu, mostly because we have too much history together, and it was time to let go. I really hope that this will have a positive impact on both of us. This is also a challenge for me, because I had to relearn all the guitar parts, to play something that would sound good live, just with one guitar; I don’t wan’t another guitarist, I know I can do it. We’ve been testing a new lineup on our last shows of 2022, with a keyboard player, and it’s working really well. We’ll continue like this and are really excited to show our new setup to the fans on the upcoming tour.

A look in the future

MH: Taking a look in the future. Being now the only songwriter can be burden or a liberation. What does it feel for you and what changes can we expect for the next albums?

LC: I wrote all the lyrics by myself on this new album, and this felt really liberating. For the music part, I have to learn how to trust myself, but I’m sure this will be a very exciting experience. I’m still open for advice and arrangements, and in the end, the final result is always a team work anyway.

MH: I really liked the line „Because there’s nothing that a long drive and loud music can’t heal“ of the title track. It is kinda optimistic with the message to keep your head above water. How did writing and listening to music helped you to get through the last years? And did you develop a different approach in writing music?

LC: I like this line too, thanks! That’s how I feel everytime I’m driving and I’m putting the music really loud in my car. I feel like the problems seem a bit lighter all of a sudden.

To be honest, I didn’t listen to so much music the past years, I distanced a bit and that’s how I managed to come up with new ideas and inspiration for songs. Once I felt ready, everything seemed more natural.

MH: Assuming 2023 will be the start back to normal. What can we expect from Laura Cox this year?

A big tour! We’ll be on the road from March to September to share this new album with the fans. I can’t wait to meet all of them, and play our new show. We’re currently working on it, including new instruments on stage, new songs too. Then I think I’ll get into the writing process for the next album soon, because I feel like I’m in a good phase for this, so why wait?

MH: Thanks Laura for taking the time. We hope to see you soon on stage and to all readers just listen to „Head Above Water“ and let it take you on a journey.

LC: Thanks a lot!!

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