(english version below)

Kjell Braaten hat am 19. August 2024 sein neues Lied „Trøyst“ veröffentlicht.

Der Multi-Instrumentalist, Spezialist für nordische Instrumente und Komponist Kjell Braaten war an Bands wie NEBALA, WARDRUNA und EHWAZ beteiligt und hat mit vielen verschiedenen Künstlern und Projekten wie zuletzt mit der litauischen Gruppe STUBA zusammengearbeitet. Sein musikalisches Spektrum umfasst auch Sounddesigns und Musik für Filme (z.B. wie für die Serie „Vikings Valhalla“).

Für die Menschen, die unter der Machtgier anderer leiden

Den Text zu „Trøyst“ hat Tove Hassel kurz nach Beginn des Krieges in der Ukraine geschrieben.

Doch es geht nicht nur um diese Situation. „Trøyst“ ist ein Lied für die Menschen, die aufgrund der Machtgier anderer unter unerträglichen Bedingungen leben.

Beschrieben wird das Erschreckende, Furchterregende, aber es geht auch darum, wie man sich das Leben wünscht, wie es eigentlich sein sollte.

Die  Art und Weise, wie Kjell Braaten dies in Melodien gefasst hat und  er die Worte singt, löst ganz unterschiedliche und auch widersprüchliche Emotionen aus.

Der Text ist auf Norwegisch. Doch in dem Lyric-Video, das zu dem Lied  veröffentlicht wurde,  gibt es eine Übertragung ins Englische. Es lohnt sich auf jeden Fall, sich den Text anzuschauen, denn er berührt.

„Trøyst“

Langsame gleichmäßige Trommelschläge begleiten die ersten Zeilen, die das Beängstigende benennen. Der Gesang wirkt verhalten und verletzlich.

Doch wenn es um die Vorstellung geht, wie die Welt eigentlich sein sollte, wird die Stimme fest und bestimmt.

Der Refrain klingt sehnsüchtig und hoffnungsvoll zugleich. Und dieser Eindruck wird durch das traurigschöne Zwischenspiel mit der Leier noch verstärkt.

Wie ich eingangs geschrieben habe, ist Kjell Braaten ein Experte für nordische Instrumente. Darüber hinaus hat er sich mit Instrumenten aus vielen Regionen der Welt sowie aus verschiedenen Epochen beschäftigt. 2021 veröffentlichte er mit „Bronseplassen“ Live-Aufnahmen von einem Konzert, das er auf dem Bronseplassen in Høvåg, einem rekonstruierten Hof aus der Bronzezeit gegeben hat.

Wie bei diesen Liedern gelingt es Kjell Braaten auch mit „Trøyst“, den Zuhörer allein mit der Stimme in seinen Bann zu ziehen und mit wenigen begleitenden Instrumenten Sehnsucht, Trauer aber auch Hoffnung auszudrücken.

Das Lyric-Video verstärkt diesen Eindruck. Es zeigt im Vordergrund eine fröhliche junge Frau, tanzend mit einem Blumenkranz im Haar, während im Hintergrund Häuser brennen.

Trøyst – Trost im Sinne von Sicherheit, Vertrauen und Schutz

Auch wenn in diesem Lied Verlust, Täuschung und Furcht beklagt werden, ist es keine Anklage. Doch gerade durch die Art, wie Realität und Wunsch miteinander in Verbindung gebracht werden, stellen sich Trauer, Wut  aber auch Sehnsucht und Ruhe ein, wenn man Musik und Text auf sich wirken lässt.

So viele Menschen haben überall auf der Welt unter der Machtgier anderer zu leiden.

Wenn die Welt um uns herum uns keine Sicherheit mehr gibt – wo finden wir Zuversicht, Vertrauen und Trost? Das Lied gibt eine Antwort darauf.

Das Artwork ist von Fátima Ackerson.
Das Lyric-Video hat Kjell Braaten animiert. 

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TRØYST by Kjell Braaten

Kjell Braaten released his new song „Trøyst“ on 19 August 2024.

The multi-instrumentalist, specialist in Nordic instruments, and composer Kjell Braaten has been involved with bands such as NEBALA, WARDRUNA, and EHWAZ and has collaborated with many different artists and projects, most recently with the Lithuanian group STUBA. His musical spectrum also includes sound design and music for films (such as the series „Vikings Valhalla“).

For those who suffer under the greed for power of others

The lyrics for „Trøyst“ were written by Tove Hassel shortly after the outbreak of the war in Ukraine. However, the song is not just about this situation. „Trøyst“ is a song for those who live under unbearable conditions due to the greed for power of others.

The lyrics describe the terrifying and frightening, but they also convey how one wishes life could be, how it should be. The way Kjell Braaten has set these words to music and how he sings them evokes a range of different, even contradictory, emotions.

The lyrics are in Norwegian. The lyric video released with the song, includes an English translation. It is definitely worth reading the lyrics, as they are deeply moving.

„Trøyst“

Slow, steady drumbeats accompany the first lines, naming the fearful and terrifying. The vocals are restrained and vulnerable. However, when it comes to imagining how the world should be, the voice becomes strong and determined. The chorus sounds both yearning and hopeful. This impression is further intensified by the mournfully beautiful interlude with the lyre.

As I mentioned earlier, Kjell Braaten is an expert in Nordic instruments. Beyond that, he has explored instruments from many regions of the world as well as from various historical periods. In 2021, he released „Bronseplassen“, live recordings from a concert he performed at the Bronseplassen in Høvåg, a reconstructed Bronze Age farm.

As with those songs, Kjell Braaten also succeeds with „Trøyst“ in captivating the listener with just his voice and a few accompanying instruments, expressing longing, sorrow, and hope.

The lyric video enhances this impression. It shows a joyful young woman dancing with a flower crown in her hair, while in the background, houses burn.

Trøyst – Comfort in the sense of security, trust, and protection

Even though this song laments loss, deception, and fear, it is not an accusation. But it is precisely the way in which reality and desire are intertwined, that gives rise to feelings of  sadness, anger but also longing and calm, when you let the music and lyrics sink in.

So many people all over the world suffer from the greed of others for power.
When the world around us no longer offers us security – where do we find confidence, trust, and comfort? The song provides an answer to this.

The artwork is by Fátima Ackerson.
The lyric video was animated by Kjell Braaten.

(english version below)

Am 15.Mai 2024 hat Kjell Braaten zusammen mit STUBA und Skaidra Jančaitė mit „Turėjo Liepa“ den ersten Song von der kommenden EP „Serendipitous Meeting“ (geplante Veröffentlichung: 27.September 2024).

In einem neuen Projekt hat Kjell Braaten zusammen mit STUBA und Skaidra Jančaitė eine Reihe von  Liedern aufgenommen, die einer traditionellen litauischen Gesangsform, den Sutartinės folgen.
Der Name „Sutartinės“ stammt von „sutarti“ (in Übereinstimmung sein bzw. etwas gemeinsam ausdrücken). Sie sind eine sehr alte Form mehrstimmiger Musik, die 2010 auf die Liste der immateriellen Kulturgüter der UNESCO aufgenommen wurde. Im Unterschied zu den meisten anderen traditionellen Liedformen, die eher von größeren Gruppen von Menschen gesungen werden, werden Sutartinės meist von zwei, drei oder vier Sängerinnen vorgetragen.

Tradition und Kulturerbe wieder lebendig und aktuell

Die Sängerinnen von „Turėjo Liepa“ kommen aus dem Ort Zapyškis in Zentrallitauen. Der Ort, aus dem später diese Stadt hervorging, war nach den Überlieferungen ursprünglich Standort eines der größeren heidnischen Tempel der baltischen Stämme.
Die Grundstrukturen der Sutartinės stammen aus einer noch früheren Zeit und prägten einige tausend Jahre lang die Lieder dieser Region. Mitte des 20. Jahrhunderts starb die Tradition, diese Lieder zu singen, weitgehend aus. Inzwischen wurden sie wiedererweckt und wiederbelebt.

Vor 10 Jahren haben sich die Sängerinnen von STUBA zusammengefunden, um diese Gesänge wieder in den Alltag zu bringen. In den letzten Jahren haben sie dabei mit der Sängerin und Chorleiterin Skaidra Jančaitė zusammengearbeitet.

Kjell Braaten ist Experte für alte skandinavische Instrumente. Außerdem hat er für Filme und Fernsehserien komponiert. (Mehr über seine Musik und Veröffentlichungen.)

Die Lieder von „Serendipitous Meeting“ wurden am Ende eines Workshops aufgenommen und von Kjell gemixt, gemastert und produziert. (Mehr dazu hier)

„Turėjo Liepa“  – ein Lied wie die Brandung und ein fließender Stoff im Wind

„Turėjo Liepa“ beginnt mit dem Klang der Kravik-Lyra: sanft, ätherisch, melancholisch und zugleich lebhaft.
Der Gesang setzt klar und bestimmt ein. Und in dieser Weise wird die erste Strophe gesungen, auf die ein Refrain folgt, der aus Lautmalereien besteht. Vielleicht sind es auch Wörter, deren Bedeutung im Laufe der Zeit verlorengegangen ist. Oder es sind, wie Daiva Vaišnorienė, einer der Sängerinnen, sagt: „magische Wörter“. Auf jeden Fall geben sie dem Lied einen besonderen Rhythmus.

Die Strophe und der Refrain werden von jeweils einer Sängerin eines Sängerinnenpaares gesungen. Beides wird von einem zweiten Paar wiederholt. D.h. während das zweite Sängerinnenpaar die Wiederholung singt, geht das erste Paar bereits zur zweiten Strophe über. Auf diese Weise verbinden sich die Melodien zu einem Klanggewebe, das sich wie ein zarter Stoff in einer sanften Brise bewegt.
Gleichzeitig wird durch den Rhythmus, der durch die Verteilung der langen und kurzen Silben der Wörter, sowie die ‚eingeworfenen‘ Laute des männlichen Gesangs und durch die Begleitung der Kravik-Lyra entsteht, eine Bewegung erzeugt, die wie Wellen in der Brandung an den Strand rollen.

Die Poesie des Alltags und die Magie der Wörter

Die Texte der Sutartinės erzählen von Dingen des Alltags, von Festen und von den Sorgen und Gedanken, die das Leben mit sich bringt. Oft werden dabei menschliche Eigenschaften oder Emotionen durch Elemente der Natur ausgedrückt.
Auch „Turėjo Liepa“ erzählt keine Geschichte, sondern vom Wunsch einer Mutter, dass wenigstens eine ihrer neun Töchter bei ihr bleibe. Im ersten Teil des Liedes wird dies noch metaphorisch umschrieben: nicht alle neun Äste der Linde sollen abgeschnitten werden.  
Ab 1:40 wird der Gesang noch eindringlicher, flehentlicher und das Lied nimmt noch einmal deutlich an Intensität zu. Zur Dichte und Intensität des Liedes trägt auch bei, dass die Sätze sich wiederholen und dabei immer nur ein Wort verändert wird.
Aber auch ohne Wörter ist das Lied melancholisch und ein Auf und Ab von Hoffnung und Traurigkeit.

Singen als verbindendes Element

Wie mir die Sängerinnen erzählt haben, wurden die Sutartinės ursprünglich sowohl von Frauen als auch Männern gesungen. Jedoch war es wohl so, dass die Frauen diese Lieder bewahrt haben und sie in der heutigen Zeit nur von ihnen gesungen werden. Es gibt auch Sutartinės, die den Männern vorbehalten sind, dann aber nicht gesungen, sondern auf traditionellen litauischen Instrumenten gespielt werden.
Vielleicht kann die Art, wie STUBA und Kjell Braaten diese Lieder gemeinsam gestaltet haben, dazu beitragen, dass Gesang und instrumentelle Form der Sutartinės (wieder) zusammenfinden und neue Lieder entstehen.

„Turėjo Liepa“, die Geschichte der Sutartinės und das Projekt von STUBA, Skaidra Jančaitė und Kjell Braaten zeigen noch einmal, welche wunderbaren Gesänge und Geschichten bewahrt, wiederentdeckt und neugestaltet werden können.

Also lasst euch in eine archaische Klangwelt entführen und zwischen Vergangenem und Gegenwärtigem hin und her wiegen.

„Turėjo Liepa“ (Bandcamp)

Die Sängerinnen sind:
Daiva Vaišnorienė
Jūra Sodeikienė
Kristina Andrašiūtė
Rasa Markevičienė

„Turėjo Liepa“ – the first song from the EP „Serendipitous Meeting“

On May 15, 2024, Kjell Braaten, together with STUBA and Skaidra Jančaitė, released „Turėjo Liepa“, the first song from the upcoming EP „Serendipitous Meeting“ (scheduled release: September 27, 2024).

In a new project, Kjell Braaten, together with STUBA and Skaidra Jančaitė, has recorded a series of songs that follow a traditional Lithuanian singing form, the sutartinės.

The name „Sutartinės“ derives from „sutarti“ (to be in agreement). They are a very ancient form of polyphonic music that was inscribed on the UNESCO Intangible Cultural Heritage List in 2010. Unlike most other traditional song forms, which are often sung by larger groups of people, Sutartinės are typically performed by two, three, or four singers.

Reviving tradition and cultural heritage

The singers of „Turėjo Liepa“ hail from Zapyškis in central Lithuania. According to tradition, this location, which later became a town, was originally the site of one of the larger pagan temples of the Baltic tribes. The basic structures of Sutartinės originate from an even earlier time and shaped the songs of this region for several thousand years.
By the mid-20th century, the tradition of singing these songs had largely faded. However, they have since been revived and revitalized.
Ten years ago, the singers of STUBA came together to reintroduce these chants into everyday life.
In recent years, they have collaborated with singer and choir leader Skaidra Jančaitė.

Kjell Braaten is an expert in ancient Scandinavian instruments and has also composed music for films and television series. The tracks of „Serendipitous Meeting“ were recorded at the end of a workshop and mixed, mastered, and produced by Kjell. (More about his work and publications)

„Turėjo Liepa“ – a song like the surge of waves and a flowing fabric in the wind

„Turėjo Liepa“ begins with the sound of the Kravik lyre: gentle, ethereal, melancholic, yet lively. The singing starts clearly and decisively. The first verse is sung in this manner, followed by a refrain consisting of onomatopoeic sounds. Perhaps they are words whose meanings have been lost over time. Or, as Daiva Vaisnoriene, one of the singers, says, „magical words“. In any case, they give the song a special rhythm.

The verse and the refrain are each sung by one singer of a pair of singers. Then, another pair repeats both parts. While the second pair of singers is singing the repetition, the first one transitions to the second verse.
In this way the melodies create an aural texture, that moves like a delicate fabric in a gentle breeze.
Simultaneously, the rhythm created by the distribution of long and short syllables of words, as well as the ‚inserted‘ sounds of male vocals and the accompaniment of the Kravik lyre, generates a movement akin to waves rolling onto the shore.

The poetry of everyday life and the magic of words

The texts of Sutartinės speak of everyday things, festivities, and the worries and thoughts that life brings. Often, human attributes or emotions are expressed through elements of nature.
Similarly, „Turėjo Liepa“ doesn’t tell a story but rather expresses a mother’s wish that at least one of her nine daughters would stay with her. In the first part of the song, this is metaphorically expressed: not all nine branches of the linden tree should be cut off.
At 1:40, the singing becomes even more intense and impassioned, with the song increasing in intensity once again. The density and intensity of the song are heightened by the repetition of phrases, with only one word changing each time.
Even without words, the song is melancholic, a fluctuation between hope and sadness.

Singing as a unifying element

As the singers have told me, Sutartinės were originally sung by both women and men. However, it seems that women have preserved these songs, and today they are primarily sung by them. There are also Sutartinės reserved for men, but they are not sung; instead, they are played on traditional Lithuanian instruments. Perhaps the way STUBA and Kjell Braaten have jointly shaped these songs can help bring together the vocal and instrumental forms of Sutartinės (once again) and create new songs.

„Turėjo Liepa“, the story of Sutartinės, and the project of STUBA, Skaidra Jančaitė, and Kjell Braaten, once again demonstrate how wonderful songs and stories can be preserved, rediscovered, and reimagined.

So, let yourself be transported into an archaic sound world and sway between the past and the present.

„Turėjo Liepa“ (Bandcamp)

The singers are:
Daiva Vaišnorienė
Jūra Sodeikienė
Kristina Andrašiūtė
Rasa Markevičienė

Heute (21.März 2023) gibt es etwas Neues von Kjell Braaten: Die EP „The Cabin“. Es ist eine Sammlung von bisher unveröffentlichten Stücken: u.a. Auftragsarbeiten für andere Projekte. Die Musik unterscheidet sich einerseits deutlich von dem, was er in den letzten Jahren unter seinem Namen veröffentlicht hat. Andererseits verwendet er auch hier wieder Instrumente aus der ganzen Welt, was sich wie ein roter Faden durch seine musikalische Arbeit zieht.  

Von Reisen und Emotionen

Ich habe euch bereits sein Album „Ferd“ (2020), die Liveaufnahmen „Bronseplassen“ (2021) und „Blóta“ (2022) vorgestellt.

„Ferd“ ist eine musikalische Reise, die Antworten auf die Frage, woher unsere Kultur stammt, gibt.
Auf „Bronseplassen“ begleitet Kjell Braaten seine Lieder auf verschiedenen Leiern. Dabei hat er Geschichten, Bilder und Emotionen mit einnehmenden Melodien und Klänge ausgedrückt.
„Blóta“ ist ein sehr persönliches Album, eine Reise durch dunkle Zeiten. Musik als Möglichkeit, Erfahrungen eine andere Form zu geben und die Erfahrungen schwerer Momente ihre zerstörerischen Kräfte zu nehmen.

Verschiedene und unterschiedliche Projekte

Kjell Braaten komponiert neben seiner eigenen Musik auch für Theater und Film (zuletzt für die Serie „Vikings Valhalla“). Er stand im letzten Jahr mit NEBALA auf der Bühne und vorher bereits mit WARDRUNA. Und er war an weiteren Bands beteiligt (z.B. EHWAZ), hat mit verschiedenen Projekten und Künstlern zusammengearbeitet u.a. FOLKET BORTAFOR NORDAVINDEN, BYRDI, Anette Aga (mehr dazu hier und dort). Ich finde es interessant zu sehen bzw. zu hören, woran Musiker neben ‚ihrer eigenen Musik‘ arbeiten. Dabei zu sehen, ob und wie weit sich Elemente, Ideen, Themen wiederfinden lassen.

Für Kjell Braaten ist Musik die verbindende Sprache zwischen Menschen und Kulturen. Da seitdem Menschen Musik machen, Elemente von einer Kultur in andere übernommen wurden und Musikstile sich immer wieder auch mit anderen verbinden, verwundert es nicht, dass er dies ebenfalls in seine Musik aufnimmt.

Sein Interesse gilt nicht nur historischen Instrumenten, sondern Instrumenten und Musik aus aller Welt. Außerdem hat er mit elektronischer Musik und verschiedenen Musikstilen gearbeitet, Musik für Theater und Film geschrieben. Die Musik, die er unter seinem Namen veröffentlicht hat, macht nachvollziehbar, dass er Musik als (welt-) umfassendes und verbindendes Medium versteht. Dies wird auch auf der EP erfahrbar. Sie umfasst sechs thematisch und stilistisch unterschiedliche Stücke.

Die EP „The Cabin“

Das erste Stück auf der EP „The Cabin“ ist „Savannah“. Das Stück aus dem Jahr 2011 beinhaltet Elemente indigener Musik: Perkussion, Flöten und pulsierenden, rufenden Gesang. Dabei finden Instrumente aus mehreren Kontinenten Verwendung. Ein anregend meditatives Stück, das in eine andere Welt entführt.

 „The Cabin“ beginnt mit Percussion und versetzt beim Hören direkt in Bewegung. Es hätte auch ein tanzbares Stück daraus entstehen können. Doch dann setzt das Orchester mit Streichern und Flöte ein. Es entsteht eine unruhige und geheimnisvolle Spannung, die wird durch einen Part mit Spieluhr noch verstärkt wird. Hier gefällt mir die rhythmische Struktur sehr gut, die diese Spannung unterstreicht. Mit dem Bild der Hütte (s. Cover) vor Augen ist es so, als wenn sich langsam Unheimliches auf die Hütte zubewegt.

Das Cover, das die Wirkung von „The Cabin“ hervorruft bzw. verstärkt, stammt von Beate Hay Sandmo.

Variationen

„Acoustic Oscillator“ hieß ursprünglich „Universal Oscillator“ und wurde von THE QUANTUM FIELD TRIP komponiert.
Kjell Braaten hat daraus 2016 ein akustisches Remake erstellt, bei dem er aber den Gesang so belassen hat, wie er ursprünglich war.Auf der EP hat er sowohl das „Acoustic Oscillator“ – Original, die remasterte ungeschnittene Version als auch eine geschnittene Version veröffentlicht.

„Acoustic Oscilator“ nimmt einen mit der rhythmischen Struktur direkt gefangen und führt in sphärische Klänge. Die Stücke miteinander zu vergleichen ist wie ein Suchspiel nach Ähnlichkeiten und Unterschieden. Da gibt es einiges zu entdecken. Oder einfach nur herauszuhören, welche Instrumente Kjell Braaten hier verwendet hat. (Auflösung gibt es hier)

Ein Musikinstrument steht auch bei „Langspill“ im Mittelpunkt. Das Stück trägt den Namen eines ursprünglich aus Island stammenden Instruments, das auch in der norwegischen Volksmusik eine Rolle spielt.  Es hat einen länglichen Schallkasten mit unterschiedlich vielen Saiten. Davon ist eine Saite die Melodiesaite, die über Bünde gespielt wird, und die anderen Saiten sind Begleitsaiten. Sie wird meist mit einem Bogen gespielt.
Kjell spielt hier eine Langspill, die von Don von Inspirational Instruments gebaut wurde. Für ihn hat Kjell Braaten vor einigen Jahren einmal ein Geburtstagslied geschrieben, das nun die Grundlage für diese Improvisation ist.

„Langspill“ ist ein intensives Stück voller Leichtigkeit – wie ein Spaziergang an einem Frühlingstag.

Ein weites musikalisches Spektrum

Mir gefällt die Zusammenstellung der Stücke auf dieser EP. Das Spektrum, das von Improvisation auf einem Instrument über orchestrale Klänge bis zur komplex arrangierten Variation eines Songs reicht. Mit intensiver Leichtigkeit, dem Gewicht orchestraler Musik und komplexen sphärischen Klängen.

Und nun zum ‚Reinhören‘ „Acoustic Oscillator“.  Die EP gibt es hier

Kjell Braaten releases EP „The Cabin“

Today (21 march 2023) we have something new from Kjell Braaten: The EP „The Cabin“. It is a collection of previously unreleased tracks: Commissioned works for other projects. On the one hand, the music is different from what he has released under his name in recent years. On the other hand, he again uses instruments from all over the world, which is a common thread running through his musical work. 

Of journeys and emotions

I have already introduced you to his album „Ferd“ (2020), the live recordings „Bronseplassen“ (2021) and „Blóta“ (2022).
„Ferd“ is a musical journey that provides answers to the question of where our culture comes from.
On „Bronseplassen“ Kjell Braaten accompanies his songs on different lyres. In doing so, he has expressed stories, images and emotions with engaging melodies and sounds.
„Blóta“ is a very personal album, a journey through dark times. Music as a way to give experiences a different form and to take away their destructive powers from the experiences of difficult moments.

Different and diverse projects

In addition to his music, Kjell Braaten also composes for theatre and film (most recently for the series „Vikings Valhalla“). He was on stage with NEBALA last year and with WARDRUNA before that. And he has been involved in other bands (e.g. EHWAZ) and worked with various projects and artists including FOLKET BORTAFOR NORDAVINDEN, BYRDI, and Anette Aga (more here and there).
I find it interesting to see and hear what musicians are working on besides ‚their own music‘. To see if and to what extent elements, ideas, and themes can be found again.

For Kjell Braaten, music is the connecting language between people and cultures. Since elements of music have been adopted from one culture to another ever after people have been making music, and musical styles have always connected with others, it is not surprising that he also incorporates this into his music.

His interest is not only in historical instruments, but instruments and music from all over the world. He has also worked with electronic music and various musical styles, and written music for theatre and film. The music he has published under his name makes it understandable that he sees music as a (world-) encompassing and connecting medium. This can also be experienced on the EP. It comprises six thematically and stylistically different pieces.

„The Cabin“

The first piece on the EP „The Cabin“ is „Savannah“. This piece from 2011 contains elements of indigenous music: percussion, flutes and pulsating, shouting vocals. Instruments from several continents are used. A stimulating, meditative piece that transports you to another world.

 „The Cabin“ begins with percussion and gets you moving as you listen. It could also have been a danceable piece. But then the orchestra enters with strings and flute. A restless and mysterious tension arises, which is intensified by a part with a music box. Here I like the rhythmic structure very much, which underlines this tension. With the image of the hut (see cover) in mind, it is as if something sinister is slowly moving towards the hut.
The cover, which evokes or enhances the effect of „The Cabin“, is by Beate Hay Sandmo.

Variations

„Acoustic Oscillator“ was originally called „Universal Oscillator“ and was composed by THE QUANTUM FIELD TRIP. Kjell Braaten created an acoustic remake of it in 2016 but left the vocals as they were original. On the EP he has released both the „Acoustic Oscillator“ original, the remastered uncut version and a cut version.

„Acoustic Oscillator“ takes you right in with the rhythmic structure and leads you into spherical sounds. Comparing the pieces is like a search game for similarities and differences. There is a lot to discover. Or simply to find out which instruments Kjell Braaten has used here. (You can find the solution here)

A musical instrument is also at the centre of „Langspill“. The piece bears the name of an instrument originally from Iceland, which also plays a role in Norwegian folk music.  It has an elongated sound box with different numbers of strings. Of these, one string is the melody string, which is played via frets, and the other strings are accompanying strings. It is usually played with a bow.

Kjell is playing a Langspill here, made by Don from Inspirational Instruments. He once wrote a birthday song for him a few years ago, which is now the basis for this improvisation.

„Langspill“ is an intense piece full of lightness – like a walk on a spring day.

A wide musical spectrum

I like the compilation of the pieces on this EP. The spectrum ranges from improvisation on one instrument to orchestral sounds to a complexly arranged variation of a song. With intense lightness, the weight of orchestral music and complex spherical sounds.

And now listen to „Acoustic Oscillator“.  The EP is available here

(english version below)

Gestern hat Kjell Braaten das erste Video zu seinem neuen Album „Blóta“, veröffentlicht. „Hamr“ ist die erste Auskopplung aus dem Album, das am 1. April 2022 erscheinen wird.

Kjell Braaten, der als Musiker, Komponist und Produzent an verschiedenen musikalischen Projekten und Bands (wie z.B. WARDRUNA, NEBALA) beteiligt war und ist, veröffentlichte 2020 das Album „Ferd“. „Ferd“ bedeutet Reise. Auf dem Album geht es um Menschen, die reisen, um ihr Wissen zu erweitern. Hierzu hat er ein weites Klangspektrum und Instrumente aus der ganzen Welt genutzt.

Im letzten Jahr erschien mit „Bronseplassen“ ein Live-Album, das im July 2021 auf dem Bronseplassen in Norwegen aufgenommen wurde. Hier begleitet er seinen Gesang lediglich mit jeweils einem Instrument.

Auch auf dem kommenden Album hat Kjell Braaten sich auf wenige Instrumente beschränkt. Diese minimalistische Instrumentierung erleichtert es, sich einzulassen, und in der Musik eine Bedeutung für sich selbst zu finden.

Blóta

„Blóta“ bedeutet „Ritual“. Die Verwendung von Ritualen gibt es in allen Kulturen und zu allen Lebensbereichen. Sie begleiten das menschliche Leben und geben kollektives Wissen weiter. Rituale sind Handlungen, die durch ihren Rahmen und Ablauf Unsicherheit reduzieren können. Die Bedeutung von Ritualen liegt in ihrer Hilfestellung in Übergangssituationen. Z.B. im Umgang mit Tod und Trauer aber auch Freude und Neubeginn. Durch ihre Form kanalisieren sie Emotionen.

All dies nimmt Kjell Braaten mit „Blóta“ auf und gibt es an uns weiter, damit wir es für uns selbst nutzen können.

Hamr

In „Hamr“ (was Gestalt , Gestaltwandel bedeutet) geht es um die Verbundenheit mit den Kräften, die uns umgeben. Wenn man sich mit diesen Kräften verbindet, kann man wachsen, sich entwickeln und Teil eines größeren Ganzen werden.

Dies kann man mythologisch verstehen aber auch ganz konkret: als einen Weg, über Erfahrungen zu einer umfassenderen Sicht zu kommen. Also ein Weg, nach Antworten zu suchen und so bessere Entscheidungen zu treffen.

In dem animierten Video zu „Hamr“ begegnet der Protagonist Tieren, die z.B. in der nordischen Mythologie eine wichtige Rolle als Krafttiere spielen.

Kraftvoll klingen dabei sowohl die Lure, die sich bei der Entwicklung des Themas Zeit lässt, als auch die Vocals. Diese bleiben zunächst im Hintergrund und bilden die Basis des Liedes. Sie schaffen es auch ohne Worte, anzusprechen und zu berühren. 

„Hamr“ übermittelt einerseits raue und elementare Energie, geht andererseits ruhig und fast schon zart mit den Klängen um. Damit berührt „Hamr“ tiefe und ursprüngliche Emotionen.

Hier also Video und Lied:

Art by Fátima Ackerson
Animations by José Manchado

„Hamr” bekommt ihr HIER und HIER (!)

Kjell Braaten announces his new album „Blóta“ and releases first video

Yesterday Kjell Braaten released the first video for his new album „Blóta“. „Hamr“ is the first single from the album, which will be released on April 1, 2022.

Kjell Braaten, who has been involved in various musical projects and bands (such as WARDRUNA, NEBALA) as a musician, composer and producer, released the album „Ferd“ in 2020. „Ferd“ means journey. The album is about people who travel to expand their knowledge. For this, he used a wide spectrum of sounds and instruments from all over the world.

Last year he released „Bronseplassen“, a live album recorded on Bronseplassen in Norway in July 2021. Here he accompanies his singing with only one instrument at a time.

Kjell Braaten has also limited himself to a few instruments on the upcoming album. This minimalist instrumentation makes it easier to get involved and find meaning for oneself in the music.

Blóta

„Blóta“ means „ritual“. The use of rituals exists in all cultures and in all areas of life. They accompany human life and pass on collective knowledge. Rituals are actions that can reduce uncertainty through their framework and process. The importance of rituals lies in their support in transitional situations. For example, in dealing with death and mourning, but also joy and new beginnings. Through their form they channel emotions.
Kjell Braaten takes all this with „Blóta“ and gives it to us so that we can use it for ourselves.

Hamr

„Hamr“ (which means shape, shapeshifting) is about connecting with the forces that surround us. When you connect with these forces, you can grow, develop, and become part of a greater whole.  

This can be understood mythologically but also very concretely: as a way to come to a more comprehensive view through experience. In other words, a way to search for answers and thus make better decisions.

In the animated video for „Hamr“, the protagonist encounters animals that play an important role as power animals in Nordic mythology, for example.

Both the lure, which takes its time developing the theme, and the vocals sound powerful. These initially remain in the background and form the basis of the song. Even without words, they manage to address and touch. 

On the one hand, „Hamr“ conveys raw and elemental energy, on the other hand, it handles the sounds calmly and almost tenderly. In this way, „Hamr“ touches deep and primal emotions.

So here is the video and the song:

Art by Fátima Ackerson
Animations by José Manchado

You can get “Hamr” HERE and HERE (!)

Kjell Braaten hat am 8.November 2021 die EP „Bronseplassen“ veröffentlicht. Die EP ist der Mitschnitt eines Konzertes, das er im July 2021 auf dem Bronseplassen in Høvåg, Norwegen gegeben hat. Der Bronseplassen ist ein rekonstruierter Ort aus der Bronzezeit.

2020 erschien das Album „Ferd“, in dem es um die Reisen der damaligen Menschen geht, von denen sie Musikinstrumente und Musik mitgebracht haben. Letztlich um die Frage, woher unsere heutige Kultur stammt.

Da Kjell Braaten neben seiner Arbeit als Musiker, Komponist und Produzent auch Vorträge über die Musik der Wikingerzeit hält und dabei Musikinstrumente von der Bronsezeit über die sogenannte Wikingerzeit bis ins Mittelalter präsentiert, wird seine Musik (fälschlicherweise) häufig als Wikingermusik bezeichnet.

Darüber, wie er selbst die Musik, wie sie auf „Ferd“ und „Bronseplassen“ zu finden ist, beschreibt, erzählt er im Interview.

Außerdem geht es um rohe, ungeschliffene Musik auf Wikingermärkten und frühen Alben.  Darum, wie es überhaupt dazu gekommen ist, dass er historische Instrumente verwendet. Es geht um Ursprüngliches und Weiterentwicklung, die Beschäftigung mit Musikarchäologie. Aber auch um die Geschichte Norwegens, Kristoffer Hivju (Tormund Riesentod in Game of Thrones)in der Rolle von König Olaf Haraldson und einiges mehr.

Schließlich haben wir noch über das kommende Album gesprochen, das im Frühjahr 2022 erscheinen soll.

Moderne Musik mit alten Klängen und historischen Instrumenten

Kjell, wie würdest du Leuten, die deine Musik noch nicht kennen, beschreiben, was für Musik du machst?

Da könnte ich jetzt weit ausholen. Die kurze Antwort lautet: es ist moderne Musik, gespielt auf historischen Instrumenten.

Ich habe eine ganze Menge sehr unterschiedlicher, verschiedenartiger Musik gemacht. Nicht nur mit historischen Instrumenten. Aber zu allen Alben, die ich bisher gemacht habe, kann ich sagen: ich mache moderne Musik mit alten Klängen.

Häufig wird deine Musik als „Viking – Music“ oder „Folk – Music“ bezeichnet.

Ja, viele Leute sagen das so. Oder sie bezeichnen sie als „Modern Viking-music“ Aber das ist sie definitiv nicht. Ich denke, es hat einmal damit zu tun, dass ich Instrumente spiele, die dieser Zeit zugeordnet werden. Oder es hat damit zu tun, dass ich eine Website mit dem Namen „www.vikingmusikk.no“ habe. Aber sie hat nichts mit der Musik zu tun, die ich mache, sondern mit den Vorträgen, die ich zu dem Thema halte.
Aber es ist schon so: egal, welche Musik du machst, wenn du ein historisches Instrument spielst, ist es „Viking-Music“.

Deine Musik ist für mich weder „Folk-Music“ noch „Viking-Music“. Einmal abgesehen davon, dass man ja eigentlich kaum etwas über die Musik dieser Zeit weiß.

Ja, wenn wir über die Musik der Wikingerzeit sprechen, können wir nur sagen: wir haben keine Ahnung, was sie gemacht haben. Das, was viele Leute heute als „Viking-Music“ bezeichnen, hat definitiv nicht viel mit der Musik zu tun, die in dieser Zeit gespielt wurde.

Was meine Musik angeht, ist der Begriff „Viking-Music“ nicht passend. Manche Leute sagen „Modern Viking Music“. Das macht bis zu einem gewissen Grad Sinn und es ist ein Begriff, den man durchaus verwenden kann.

„Nordic Folk Music“ wiederum ist völlig falsch. „Nordic Folk Music“ meint traditionelle Volksmusik. Und damit hat meine Musik nichts zu tun.

Es wird schon deutlich: deine Musik ist speziell und nicht unbedingt für ein großes Publikum gedacht.

Nein, ich habe kein großes Publikum. Ich mache Musik, die aus meinem Inneren kommt. Und damit werde ich auch nicht aufhören. Ich muss Musik machen, die mir etwas bedeutet.
Und wenn ich ehrliche Musik aus meinem Inneren mache und diese Musik andere Menschen anspricht, dann ist es das wert. Es wäre einfacher, ein großes Publikum zu erreichen, wenn ich denke, ich mache es so, weil es ihnen gefallen würde. Aber für mich wäre das nicht richtig. Ich muss Musik aus meiner Seele heraus machen.
Sicher wäre es schön, ein breiteres Publikum zu erreichen – vielleicht kommt das mit der Zeit.

Egal, welche Musik du machst – spielst du ein historisches Instrument, ist es „Viking-Music“

Die Instrumente, die du spielst, sind in vielerlei Hinsicht interessant. Wie bist du mit diesen nicht alltäglichen Instrumenten in Kontakt gekommen?

Das ist eine wirklich lange Geschichte. Wie du weißt, habe ich vor 20 Jahren mit diesem Art Musik angefangen. Am Anfang hatten wir alle eigentlich keine Ahnung, was wir taten. Wir haben mit Didgeridoos und Trommeln auf Wikingermärkten gespielt, mit verschiedenen Formen des Gesangs experimentiert. Über die Musik aus der Wikingerzeit gab es damals kaum Literatur. Und in Norwegen ist die Musikarchäologie noch ziemlich neu. Bis Ende der 70er Jahre gab es nicht einmal ein Verzeichnis der Funde von Musikinstrumenten.

Hattest du damals eine Idee von der Musik, die du machen wolltest und hast dann nach Instrumenten gesucht, mit denen du dies am besten ausdrücken kannst?

Als ich anfing, war es zunächst eher eine Verbundenheit mit Musik aus der ganzen Welt, eine Art Seelenverwandtschaft.

Dann habe ich die Wikingerszene entdeckt. Es war wirklich cool und ich habe mich immer mehr mit der Wikingerzeit beschäftigt. Es gab kaum Literatur darüber, aber ich habe alles gelesen, was ich über diese Zeit, die Musik, die Instrumente usw. finden konnte. Außerdem habe ich mich mit Leuten unterhalten, die sich in diesen Bereichen auskennen.

Wir haben dann ein Ausflug in die Musikarchäologie, der eher untergeordneten Rolle von Musik in der historischen Betrachtung gemacht und uns über Funde von Musikinstrumenten, Instrumentenbauer, die Rekonstruktionen herstellen unterhalten.

Es passt ja gut zu den Instrumenten, dass du häufig auch Texte in der Altnordischen Sprache, der Sprache der nordischen Länder vor der Christianisierung verwendest. Wie weit kanntest du dich damit aus?

In Norwegen lernen alle Kinder ein wenig darüber. Die meisten hassen es. Ich fand es interessant, weil mich historische Dinge interessierten. Ich kenne mich nicht so gut mit dieser Sprache aus.  Aber ich kenne Leute, die sich auskennen und die ich fragen kann. Leif-Arne Furevik, der die Texte für drei Lieder auf EP „Bronseplassen“ geschrieben hat, schreibt seine Texte in modernem Norwegisch, aber er schreibt sie nach den alten Traditionen und oft mit Handlungen aus den alten Texten. Und ich bin in der glücklichen Lage, Melodien zu einigen seiner Sachen machen zu dürfen.

Wir planen übrigens, nächstes Jahr ein Album mit seinen Gedichten und meinen Melodien aufzunehmen.

Auf deinem Album „Bronseplassen“ hast du auch Texte auf Nynorsk geschrieben. Du hast mir erzählt, dass du es magst, auf Nynorsk zu singen.

Ja, für mich ist diese Sprache lyrischer als meine eigene Sprache (Bokmål, die andere offizielle Sprache in Norwegen). Sie lässt sich leichter singen, ist melodischer und weicher.

Roh, verrückt, improvisiert, intuitiv und nicht poliert

Zu Beginn der Pandemie hast du eine Reihe Musik-Videos unter dem Titel „Quarantine Rituals“ veröffentlicht. Zu dem Lied „Frithr“ hast du gesagt, dass du es bereits vor 20 Jahren geschrieben und mit deinen Bands EHWAZ und SKVALTHR gespielt hast. Diese Art Musik sei den meisten Leuten aber „ein bisschen zu viel“ gewesen. Was war den Leuten zu viel?

Wenn wir dazu z.B. das Album von EHWAZ („Den siste ulvejakta?“) betrachten: viele Leute hassten es. Weil es so roh war. Und so war auch das, was wir live gemacht haben: es war nicht poliert, es war nicht schön. Sondern rauer Kehlgesang mit Trommeln. Das war zu viel für die meisten Leute.

Es ist ziemlich cool zu sehen, dass es das heute nicht mehr ist. Heute gibt es eine Menge Bands, die so etwas machen.

Aber einige Leute in der Wikingerszene haben uns und diese Art Musik geliebt, weil sie improvisiert und verrückt war, reine Energie. Und so haben wir in drei Jahren etwa 100 Shows gespielt.

Damals war es eher eine intuitive Art, Musik zu machen. Wie ist es dazu gekommen, dass du zunehmend professioneller vorgegangen bist und dir die historischen und musikalischen Hintergründe erarbeitet hast?

Das hatte mehrere Gründe. Zum einen hat es mich interessiert, weil unsere Kultur daraus entstanden ist. Und weil sich Menschen für uns eingesetzt haben. Wir waren damals ja keine authentischen Wikinger. Wir haben Instrumente verwendet, die es in der Wikingerzeit nicht gegeben hat. Damals kannte sich eben noch keiner damit aus. Aber wir sind dem gefolgt, was in uns war. Und waren auf diese Weise authentisch.

Was mich auch noch angetrieben hat, war die Frage: woher kommt das, was wir in uns hatten, was wir gefühlt haben? Woraus und wie hat sich die Musik, die wir in diesem Land machen, entwickelt? Ich denke, das war der Anfang.

Was hat sich dadurch verändert, dass du mehr über diese Zeit gewusst hast?

Je mehr ich darüber erfuhr, desto mehr dachte ich, dass wir in vielerlei Hinsicht richtig lagen mit dem, was wir taten. Denn je mehr ich darüber wusste, desto deutlicher wurde, dass wir eigentlich nichts darüber wissen, welche Art von Musik die Menschen damals gemacht haben. Wir haben Ideen dazu, aber keine Beweise.

„Wir sind dem gefolgt, was in uns war. Und waren auf diese Weise authentisch.“

Wir haben uns dann darüber unterhalten, das von einigen Historikern behauptet wird, dass die Wikinger keine Trommeln hatten. Von den Argumenten, die es dafür und dagegen gibt, entsprechende Reliefs und Bilder in und an Kirchen sind wir schließlich wieder die Instrumente, insbesondere die Leiern gekommen, die Kjell z.B. auf der EP „Bronseplassen“ verwendet.

Also, da es so wenig Wissen über die Instrumente gibt. weißt du ja auch nicht, wie sie gestimmt waren. Du hast auf deinen Leiern verschiedene Saiten ausprobiert…

Ja, es wurden viele Leiern gefunden, zerbrochen, ohne Saiten. Aber wir wissen, dass zum Beispiel Rosshaar als Saiten verwendet wurde.
Wir wissen, wie die Instrumente gebaut wurden, so dass wir die Repliken machen und entsprechende Saiten aufziehen können.  Und so ähnlich werden die Instrumente damals geklungen haben.  
Und wir wissen, wie man die Leiern spielen kann. Weil sie so einfach aufgebaut sind, gibt es nicht so viele Möglichkeiten, sie zu spielen. Daher wird es auch authentisch sein, wie ich die Leiern spiele.

Sicherlich kann man darüber diskutieren, ob sie die Leier gezupft oder die Saiten geschlagen haben. Ob sie Gesang anders begleitet haben als einen gesprochenen Vortrag. Aber wir wissen es nicht. Wir haben auch nur ungefähr eine Vorstellung davon, wie die Melodien geklungen haben, da es dazu nur wenige Beschreibungen gibt.

Was wir über die spätere mittelalterliche Musik wissen, wurde von der Kirche übermittelt. Aber wie können wir wissen, ob die Menschen nur so musiziert haben, wie die Kirche es wollte? Es gibt so viel Schwarz-Weiß-Denken über diesen Teil der Geschichte. Wir müssen die Sichtweise ändern, um uns dem zu nähern, was in dieser Zeit passiert sein könnte.

Nach einem Streifzug durch das, was die Kirche aus den Kulturen übernommen bzw. vereinnahmt hat, kamen wir noch auf die Geschichte von Olaf Haraldson. Auch hier war es so, dass neue Erkenntnisse die Sicht auf diesen König verändert haben. In dem Stück „Sverdet“ wurde diese Geschichte dargestellt. Kristoffer Hivju hat diesen König verkörpert und Kjell Braaten die Musik zu dem Stück geschrieben.

Reisen, Reisende und Daheimgebliebene

Also nachdem, was du bisher erzählt hast, war es eine lange Reise bis zu dem Punkt, an dem du heute bist.

Und die Reise ist noch nicht vorbei.

Dein letztes Album trägt bezeichnenderweise den Titel „Ferd“, was ‚Reise‘ bedeutet.

Bei „Ferd“ liegt der Schwerpunkt auf der Frage, woher unsere Kultur stammt. Die Menschen, die hier vor der Wikingerzeit und in der Wikingerzeit lebten, waren reisende Menschen. Und neuere Forschungen haben gezeigt, dass dieses Land während dieser Zeit multikulturell war. Hier lebten Menschen aus der ganzen Welt.
Und wenn wir uns die Musikinstrumente ansehen und woher sie sich entwickelt haben: Die meisten Instrumente kamen aus dem Nahen Osten, einige aus China und einige aus Afrika. Das greife ich auf dem Album auf.
Für den Song „Østavind“, was Wind aus dem Osten bedeutet, habe ich Klänge aus den östlichen Traditionen verwendet.

Oder bei „Vestarveg“, was Weg in den Westen bedeutet, ist Martine Kraft, eine großartige Hardangerfiedel-Spielerin, dabei. Sie hat hier ihre Erfahrungen aus der Arbeit mit indigener Musik eingebracht. Die Reisenden, um die es bei „Ferd“ geht, sind bis nach Amerika gekommen.
Bei „Kyst“ geht es um die Menschen, die auf den Höfen zurückgeblieben sind. Z.B. um die Frauen, die diese Höfe führten in der Ungewissheit, ob ihre Ehemänner jemals zurückkommen.

Wenn wir über die Wikingerzeit sprechen, geht es viel um Kämpfe und Plünderung. Aber das ist nur ein Teil der Wikingerzeit. Deshalb habe ich mich auf die Leute konzentriert, die zu Hause geblieben sind. Das waren viel mehr Leute als die, die in die Schlacht gezogen sind.
Ich habe mich also auf einen Teil der Wikingerzeit konzentriert, der nicht so sehr im Mittelpunkt steht, aber hätte stehen sollen.

Bronseplassen und das kommende Album „Blóta“

In diesem Monat ist die EP „Bronseplassen“ herausgekommen. Sie ist die Aufnahme eines Konzertes, das du in Bronseplassen gegeben hast. Du singst Lieder, die du jeweils nur mit einem Instrument begleitest.

Ja, es gibt nur mich und meine Instrumente. So wie ich es mache, wenn ich auf Wikingermärkten spiele. Da singe ich nur begleitet von meinen Leiern.
Aber ich singe keine mittelalterlichen Balladen, sondern meine eigenen Lieder.
Die Texte stammen u.a. von Leif-Arne Furevik, der ein erstaunlicher Autor ist. Er hat sich intensiv mit der Lyrik der Wikingerzeit beschäftigt und schreibt seine Gedichte in dieser traditionellen Sprache und Versform. Und er benutzt Worte aus diesen Gedichten, um seine Geschichten auszudrücken, und wenn sich die Geschichte ändert, nimmt er Worte aus einem anderen Gedicht, um so die Bedeutung auszudrücken.
Wenn man also seine Gedichte hört oder liest, bekommt man Geschichten, die Bezüge zu mythologischen Geschichten herstellen. Je mehr man über die nordische Mythologie weiß, desto mehr Schichten eröffnen sich. Das ist einfach fantastisch.

Im nächsten Jahr wird es ja auch ein neues Album von dir geben.

Ja. Das Album wird „Blóta“ heißen.  Es ist ein sehr persönliches Album. Der Grund, warum es „Blóta“ heißt, was „Ritual“ bedeutet, ist, dass ich viele harte Erfahrungen gemacht habe. Und darüber habe ich Lieder geschrieben. „Blóta“ ist mein Ritual, um über einige sehr verletzende Erfahrungen zu kommen, die mich lange Zeit gequält haben.

Dieses Album ist meine Reise durch diese dunklen Zeiten. Ich wollte sie dadurch zu einer Stärke machen und ihnen ihre zerstörerischen Kräfte nehmen.
Der Grund, warum ich ein Album daraus gemacht habe, ist meine Hoffnung, dass es anderen Menschen helfen kann, durch ihre eigene Dunkelheit zu gehen. Ihren eigenen tiefen Kummer oder was auch immer.

Ich durfte bereits das Lied „Sol“ hören und ich dachte: weshalb ist es nicht das letzte Lied des Albums, sondern befindet sich eher in der Mitte? „Sol“ ist ein so leuchtendes und wohltuendes Lied.

Das Album ist eine emotionale Reise. Ganz kurz zusammengefasst: ich werde damit beginnen, dass ich die verschiedenen Kräfte der Natur anrufe. Dies führe ich in einem Gebet zusammen, in dem es darum geht, dass die Menschheit anfangen muss zu verstehen, dass der einzige Weg zum Überleben darin besteht, zusammenzuhalten.

Das nächste Lied ist „Sorg“ (Leid, Trauer). In diesem Lied, das etwa 10 Minuten lang ist, gehe ich tief in meine eigenen Sorgen, um sie zu verarbeiten. Das war ein ziemlich harter persönlicher Prozess und es war wirklich schwer, den Song zu veröffentlichen. Denn es ist mein eigener Kummer. Ich möchte nicht darauf eingehen, was für ein Kummer es ist, denn das würde verhindern, dass andere Menschen es für ihren eigenen Prozess nutzen können.
Dann gehe ich über zu einem Song namens „Galdr“, der in der Akustikversion auch auf „Bronseplassen“ ist. Und dann folgt ein eher atmosphärischer Song.
Aber ich will nicht weiter von meiner Geschichte erzählen, denn der Sinn des Albums ist es, dass der Hörer seine eigene Reise durch seine eigene Geschichte macht. Nach diesem Lied geht es schließlich weiter zu „Sol“.

Es ist wahrscheinlich das tiefgründigste Album, an dem ich auf einer so persönlichen Ebene gearbeitet habe. Es war eine Menge Arbeit. Aber es war etwas, das ich brauchte. Und hoffentlich kann es einigen anderen helfen.  

Das ist ein gutes Schlusswort! Oder gibt es noch etwas, das du unseren Lesern mit auf den Weg geben möchtest?

Ich möchte mich bei all meinen Followern und Fans dafür bedanken, dass sie da sind und mich unterstützen. Ihr seid es, die es mir ermöglichen, weiterhin Musik zu machen. Und ihr seid es, die mich inspirieren und mich in schwierigen Zeiten am Laufen halten. Ich schätze das sehr.
Ich hoffe, dass ihr da draußen gesund und sicher bleibt und dass wir uns eines Tages treffen werden.

Ich bedanke mich sehr für das Interview!

Die Musik von Kjell Braaten gibt es HIER

Zur Einstimmung ein wunderschönes Lied von der EP „Bronseplassen“:

Interview with Kjell Braaten

Kjell Braaten has released the EP „Bronseplassen“ on 8 November 2021. The EP is a recording of a concert he gave in July 2021 at Bronseplassen in Høvåg, Norway. Bronseplassen is a reconstructed site from the Bronze Age.In 2020, the album „Ferd“ was released, which is about the journeys of the people from that time, from which they brought back musical instruments and music. Ultimately about the question of where our present-day culture comes from.

Since Kjell Braaten, in addition to his work as a musician, composer and producer, also gives lectures on the music of the Viking Age, presenting musical instruments from the Bronze Age through the so-called ‘Viking Age’ to the Middle Ages, his music is often (incorrectly) referred to as ‚Viking Music’.

In the interview, he talks about how he himself describes the music as it can be found on „Ferd“ and „Bronseplassen“, as well as about raw, unpolished music on Viking markets and early albums. And about how he came to use historical instruments in the first place. It’s about originality and further development, the preoccupation with musical archaeology. But it’s also about the history of Norway, Kristoffer Hivju (who was Tormund Giantsbane in Game of Thrones) in the role of King Olaf Haraldson and some more.

Finally, we talked about the upcoming album, which is scheduled for release in spring 2022.

Modern music with old sounds and historical instruments

Kjell, how would you describe what kind of music you make to people who don’t know your music yet?

Yes, here I could tell a lot. The short answer is it is modern music played on historical instruments.
I have done a lot of very different, diverse music. Not only with ancient instruments. But for all the albums I’ve done so far, I can say that I make modern music with old sounds.

Often your music is called ‘Viking Music’ or ‘Folk Music’.

Yes, many people say that. Or they call it ‘Modern Viking Music’ but it’s definitely not that. I think it has to do with the fact that I play instruments that are associated with that time. Or it has to do with the fact that I have a website called „vikingmusic.no“. But it has nothing to do with the music I make, but with the lectures I give on the subject.

It’s like this: no matter what music you make, if you play a historical instrument, it’s „Viking music“.

In my opinion, your music is neither „Folk music“ nor „Viking music“. Apart from the fact that we hardly know anything about the music of that time.

Yes, when we talk about the music of the Viking Age, we can only say: we have no idea what they did. What many people today call „Viking music“ definitely doesn’t have much to do with the music that was played during that time.

As far as my music is concerned, the term „Viking music“ is not appropriate. Some people say „Modern Viking Music“. That makes sense to a certain extent and it’s a term you can definitely use.

„Nordic Folk Music“ on the other hand is completely wrong. „Nordic Folk Music“ means traditional folk music. And my music has nothing to do with that.

It’s already clear: your music is special and not necessarily meant for a large audience.

No, I don’t have a big audience. I make music that comes from within me. And I won’t stop there. I have to make music that means something to me. And if I make honest music from my inner self and this music appeals to other people, then it’s worth it. It would be easier to reach a big audience if I thought I was doing it that way because they would like it. But for me, that wouldn’t be right. I have to make music from my soul.
Sure, it would be nice to reach a wider audience – maybe that will come with time.

No matter what kind of music you make, if you play a historical instrument, it’s „Viking Music“

The instruments you play are interesting in many ways. How did you get in touch with these uncommon instruments?

It’s really a long story. As you know, I started playing this kind of music 20 years ago. In the beginning, we all really had no idea what we were doing. We played with didgeridoos and drums at Viking markets, experimented with different forms of singing. There was hardly any literature about music from the Viking Age at that time. And in Norway, music archaeology is still quite new. Until the end of the 1970s, there was not even a register of finds of musical instruments.

Did you have an idea of the music you wanted to make at that time and then searched for instruments with which you could best express this?

When I started, it was more of a connection with music from all over the world, a kind of spiritual kinship.

Then I discovered the Viking scene. It was really cool, and I got more and more involved with the Viking Age. There was hardly any literature about it, but I read everything I could find about that time, the music, the instruments, etc. I also talked to people who knew a lot about these things.

We then made an excursion into music archaeology, the rather subordinate role of music in historical observation, and talked about finds of musical instruments, instrument makers who make reconstructions.

It fits well with the instruments that you often use texts in the Old Norse language, the language of the Nordic countries before Christianisation. How much did you know about it?

In Norway, all children learn a little bit about it. Most of them hate it. I found it interesting because I was interested in historical things. I don’t know that much about the language.  But I know people who do, and I can ask them. Leif-Arne Furevik, who wrote the lyrics for three songs on EP „Bronseplassen“, writes all his lyrics in modern Norwegian, but he writes them according to the old traditions, and often with actions from the old texts. And I’m in the lucky position of being able to do melodies for some of his stuff.

By the way, we are planning to record an album with his poems and my melodies next year.

On your album „Bronseplassen“ you also wrote lyrics in Nynorsk. You told me that you like to sing in Nynorsk.

Yes, for me this language is more lyrical than my own language [Bokmål, the other official language in Norway]. It is easier to sing, more melodic and softer.

Raw, crazy, improvised, intuitive and not polished

At the beginning of the pandemic, you released a series of music videos under the title „Quarantine Rituals“. Regarding the song „Frithr“, you said that you had already written it 20 years ago and played it with your bands EHWAZ and SKVALTHR. But this kind of music was „a bit too much“ for most people. What was too much for people?

If we take EHWAZ’s album („Den siste ulvejakta?“) for example: many people hated it. Because it was so raw. And so was what we did live: it wasn’t polished, it wasn’t beautiful. It was raw throat singing with drums. That was too much for most people.
It’s pretty cool to see that it’s not like that anymore. Today there are a lot of bands that do that.

But some people in the Viking scene loved us and that kind of music because it was improvised and crazy, pure energy. And so we played about 100 shows in three years.

Was it more of an intuitive way of making music at that time? How did it come about that you became increasingly professional and worked out the historical and musical background?

There were several reasons for that. On the one hand, I was interested because our culture came out of it. And because people stood up for us. We were not authentic Vikings back then. We used instruments that didn’t exist in Viking times. At that time, nobody knew about it. But we followed what was inside us. And in this way, we were authentic.

What also drove me was the question: where did what we had inside us, what we felt, come from? What and how did the music we make in this country evolve from? I think that was the beginning.

What changed after you knew more about that time?

The more I learned about it, the more I thought that in many ways we were right in what we were doing. Because the more I knew about it, the more I noticed, that we actually know anything about what kind of music people were making back then. We have some ideas about it, but no proof.

„We followed what was inside us. And were authentic in that way.“

We talked about the fact that some historians claim that the Vikings did not have drums. From the arguments for and against, corresponding reliefs and pictures in and on churches, we finally came back to the instruments, especially the lyres, which Kjell uses e.g., on the EP „Bronseplassen“.

Since there is so little knowledge about the instruments, you don’t know how they were tuned. You tried different strings on your lyres…

Yes, many lyres have been found, broken, without strings. But we know that horsehair, for example, was used as strings.
We know how the instruments were built, so we can make replicas and string them up.  And that’s pretty much how they sounded.  
And we know how to play the lyres. Because they are so simple, you can’t do a lot of different things with them. Therefore, the way I play the lyres will also be authentic.
Certainly, one can discuss whether they plucked the lyre or struck the strings. Were they stroking it while talking, were they plucking it while singing? But, we don’t know. There are some descriptions that might give us an idea about the melodies.

What we know about later medieval music was transmitted by the church. But how do we know if people only made music the way the church wanted them to? There is so much black and white thinking about this part of history. We need to change the way we look at it to approach what might have happened during that time.

After an discussion about what what the church has taken over or appropriated from the cultures, we still came to the story of Olaf Haraldson. Here, too, it was the case that new insights changed the view of this king. In the play „Sverdet“ this story was presented. Kristoffer Hivju impersonated this king and Kjell Braaten wrote the music for the play.

Travelling, Travellers and Staying at Home

From what you’ve told us so far, it’s been a long journey to get to where you are today.

And the journey is not over yet.

Your latest album is significantly titled „Ferd“, which means ‚journey‘.

“Ferd“ focuses on the question of where our culture comes from. The people who lived here before the Viking Age and during the Viking Age were travelling people. And newer research has shown that this land was multicultural during that time. People from all over the world lived here.
And if we look at the musical instruments and from where they evolved: Most of the instruments came from the middle- East, some from China, and a from Afrika. And that was the focus on “Ferd”.

For the song „Østavind“, which means wind from the east, I used sounds of the eastern traditions. Or on „Vestarveg“, which means Way to the West, Martine Kraft, a great Hardanger fiddle player, is there. Here she has brought in her experience from working with indigenous American music. Because the travellers that „Ferd“ is about have come all the way to America.

“Kyst“ is about the people who stayed behind on the farms. For example, about the women who ran these farms in the uncertainty of whether their husbands would ever come back.
When talking about the Viking age there is so much about fighting and raping. But that’s only a part of the Viking age. So I focused on the people that stayed at home. Which have been a lot more people than those having been out for battle.

The rest of the world is focusing about the battles so I thought I should focus on the other part.

Bronseplassen and the upcoming album „Blóta”

This month the EP „Bronseplassen“ came out. It is a recording of a concert you gave at Bronseplassen. You sing songs accompanied by only one instrument.

Yes, it’s just me and my instruments. Just like I do when I play at Viking markets. There I am  singing with my lyres. But I don’t sing medieval ballads, I sing my own songs. The lyrics come from Leif-Arne Furevik, among others, who is an amazing writer. He has studied the poetry of the Viking Age intensively and writes his poems in this traditional language and verse form. And he uses words from these poems to express his stories, and when the story changes, he takes words from another poem to express the meaning.

So when you hear or read his poems, you get stories that make references to mythological stories. The more you know about Norse mythology, the more layers open up. It’s just fantastic.

There will be a new album from you next year.

Yes, the „Blóta“ – album.  It’s a very personal album. The reason why it’s called „Blóta“, which means „ritual“, is because I made songs about some very hard experiences. „Blóta“ is my ritual to come over some very harmed experiences that terrorized me for a long time. And I really needed to walk through them.

This album is my journey through those dark times. I wanted to make them a strength rather than a destructive force.
The reason I made an album out of it is my hope that it can help other people go through their own darkness. Their own deep sorrow or whatever.

I already got to hear the song „Sol“ and I thought: why is it not the last song of the album, but rather in the middle? „Sol“ is such a luminous and soothing song.

The album is an emotional journey. Shortly spoken, I will start up with me calling on the different forces. Collecting them and making a prayer that humanity needs to start to understand that the only way of survival is to stand together.

The next song is „Sorg“ (sorrow, grief). In this song, which is about 10 minutes long, I go deep into my own sorrows to find to work them out. That was quite a hard personal process, and it was really hard to release the song. Because it’s my own sorrow. I don’t want to go into what kind of grief it is because that would prevent other people from using it for their own process. Then I am going over to a song called „Galdr“ (magical incantation), which is also on „Bronseplassen“ in the acoustic version. Then follows a more atmospheric song. But I won’t give too much out of my own, tell much of my story, because the album should reflect every listener’s own story, their own journey. Which is the point with the whole album.
And from then it goes to “Sol”

It is probably the deepest album I ever worked on a personal level. It was a lot of work. But something I needed. And hopefully it can help some other.

That’s a good conclusion! Or is there anything else that you would like to give our readers to take with them?

Finally, I want to thank all my followers and fans for being there and for supporting me. It is you who allow me to continue making music. It is you who inspire me and keep me going when difficult times come. I really appreciate all of you.
I hope you stay healthy and safe outside, and that one day we can meet.

Thank you very much for the interview!

You can find Kjell Braatens music HERE

To set the mood, a beautiful song from the EP „Bronseplassen“:

Kjell Braaten veröffentlicht den ersten Song von seiner neuen EP „Bronseplassen“

Die EP „Bronseplassen“ ist der Mitschnitt eines Konzertes vom Juli 2021, das Kjell Braaten auf dem Bronseplassen in Høvåg, Norwegen gegeben hat.

Am 11. Oktober 2021 gibt es mit „Frigg“ einen Vorgeschmack auf diese EP. Das Lied ist eine Hymne an die Göttin Frigg. Frigg (oder auch Frigga) spielt in der nordischen Mythologie eine wichtige Rolle. Sie ist die Göttin des Lebens, der Frauen, der Geburt und die Hüterin des Herdfeuers. Frigg wird als weise Frau gesehen, an die man sich bei Kummer und Sorgen wenden kann. Als Frau von Odin hat sie oft eine klare Position bezogen, indem sie ihre Ansicht der ihres Ehemanns entgegenstellte.

„Schweig‘ in der Rede, sie ergreift das Wort“

Kjell Braaten gibt den Worten von Leif-Arne Furevik, der diese Gedanken über Frigga in den Lyrics in besonderer Weise ausdrückt, eine wunderschöne Melodie. Sowohl im Gesang als auch in der Begleitung auf der Kravikslyra.
Die Kravikslyra ist das älteste bekannte norwegische Saiteninstrument. Sie wird auf die Zeit um 1600 datiert.

Auch für die anderen Liedern der EP „Bronseplassen“ verwendet Kjell Braaten Rekonstruktionen von Instrumenten, die bei Ausgrabungen gefunden wurden.

„Bronseplassen“ erscheint am 8. November 2021. Hier könnt ihr „Frigg“ und „Bronseplassen“ erhalten.

Lindy-Fay Hella & Dei Farne kündigen Album „Hildring“ an   

Die norwegischen Musiker Lindy-Fay Hella, Roy Ole Førland, Ingolf Hella Torgersen und Sondre Veland werden am 26. November 2021 via By Norse das Album „Hildring“ herausbringen.

Lindy-Fay Hella, Sängerin und Mitbegründerin von WARDRUNA, hat 2019 das Album „Seafarer“ veröffentlicht. Während „Seafarer“ ein schon fast hypnotisierendes Album ist, soll „Hildring“ dunkler und rhythmischer und auch an der alternativen Musik der 70er und 80er oientiert sein. Außerdem basiere ein Teil des Albums auf Improvisationen. Sie hätten dabei mehr auf ihr Bauchgefühl gehört, als alles bis ins Detail festzulegen.

Dazu Lindy-Fay:  

Wir sind älter geworden und fühlen uns sicher in unserem eigenen musikalischen Ausdruck. Wir machen einfach die Musik, die wir machen wollen.

„Hildring“ bedeutet Illusion, Fata Morgana. Das Album soll die Ehrfurcht widerspiegeln, mit der die Musiker die Natur und ihre elementaren Kräfte betrachten.

Lindy-Fay Hella erklärt:

Ich habe oben in den Lyderhorn-Bergen einen Ort gesehen, der einen perfekten Spiegel im Wasser bildet, wenn es ruhig ist. Das lässt mich an die Anderswelt oder an Paralleluniversen denken.

Dieser Ort in der Nähe von Bergen ist für sie ein magischer Ort. Wie weit es Lindy-Fay Hella & Dei Farne gelungen ist, diese Magie einzufangen, könnt ihr schon mal in diesem Video sehen:

KJELL BRAATEN veröffentlicht Konzertmitschnitt als EP

Kjell Braaten hat für den 8. November 2021 die EP „Bronseplassen“ angekündigt. Die EP ist der Mitschnitt eines Konzertes, das der Multi – Instrumentalist und Komponist, der auch als Percussionist mit WARDRUNA spielte, am 10. Juli 2021 auf dem Bronseplassen in Høvåg, Norwegen gegeben hat.
Im Vorfeld wird ein Lied („Frigg“) bereits am 11. Oktober 2021 veröffentlicht.
Außerdem wird es Mitte 2022 ein weiteres full-length-Album von ihm geben

Lieder inspiriert von Instrumenten und Musik der Wikingerzeit

Mit den Liedern der EP „Bronseplassen“ und weiteren musikalischen Projekten, hält Kjell Braaten das lebendig, was über alte nordische Musik und die dabei verwendeten Instrumente bekannt ist. Er verwendet Rekonstruktionen von Musikinstrumenten, die bei Ausgrabungen gefunden wurden. Wie z.B. die Trossingen Leier, datiert auf das Jahr 600 , und die älteste in Norwegen gefundene Leier, die Kraviksleier (um 1600).

Die Musik selbst entsteht u.a. aus den Möglichkeiten, die die Instrumente bieten. Aufgrund ihrer Form und der Besaitung sind sie in ihrem Klang ganz unterschiedlich.

Außerdem hat Kjell Braaten auf seinen Reisen Musikern zugehört, die heute noch Instrumente spielen, die denen, die man in Nordeuropa gefunden hat, ähnlich sind. Wikinger haben diese Instrumente und sicher auch die Musik, die auf ihnen gespielt wurde, von ihren Reisen mitgebracht. Das Album „Ferd“ (2020) erzählt von diesen Reisen.

Die EP „Bronseplassen“

Auf der EP „Bronseplassen“ veröffentlich Kjell Braaten Lieder, die er seit vielen Jahren in verschiedenen Bearbeitungen spielt. Er sagt dazu:

Ich singe diese Art von Liedern bereits seit vielen Jahren auf verschiedenen Veranstaltungen. Oft werde ich gefragt, ob ich ein Album mit den Liedern habe, die ich singe. Die Antwort war immer die gleiche. „Nein, aber vielleicht gefällt ihnen das oder das oder das“. Diejenigen, die mich kennen, wissen, dass ich viele verschiedene Arten von Musik mache und dabei nicht immer bei einem Genre bleibe. Aber so etwas in dieser Art habe ich bisher noch nicht veröffentlicht.

Die Kulisse

Bronseplassen befindet sich in Høvåg in der Nähe von Kristiansand. Basierend auf Forschungen zur Bronzezeit wurde dort ein Langhaus errichtet. Und 1997 außerdem Rekonstruktionen des großen Wikingerzeltes sowie des Drachenbettes nach den Funden von Oseberg, sowie Gebrauchsgegenstände aus der Wikingerzeit.

Dieser Ort bietet somit die ideale Kulisse für die Lieder u.a. um nordische Gottheiten, die (Ver-)Bindungen zwischen Menschen, die Schönheit der Fichten, Sehnsucht und Liebe.

Die Musik stammt ausschließlich von Kjell Braaten. Die Texte stammen ebenfalls von ihm sowie von Tove Hassel und Leif – Arne Furevik.

Hier könnt ihr die Single „Frigg“ vorbestellen und weitere seiner Veröffentlichungen erhalten.
Bestellungen, die vor dem 1. November 2021 eingehen, werden noch in der Woche – also vor dem Release – verschickt.

Jedes Jahr wieder die Frage: was waren deine Alben des Jahres? Und jedes Jahr wieder fällt mir die Antwort schwer. Denn auch in diesem für die gesamte Musik- und Veranstaltungsszene katastrophalen Jahr gab es wunderbare Alben. Trotz oder wegen der Pandemie kam es zu Aktionen und kreativen Aktivitäten, die mich teilweise sprachlos gemacht haben. Ob es nun große oder kleine gestreamte Konzerte waren oder solche in Autokinos, per ‚Video-Konferenz‘ gemeinsam Musik gemacht wurde, Podcasts entstanden oder Bands trotz aller Schwierigkeiten und Unvorhersehbarkeiten neue Alben herausgebracht haben: ich bin allen, die daran beteiligt waren, dankbar für das, was sie uns Fans ermöglicht haben.

Da die Alben, die mich nach wie vor begeistern und begleiten, verschiedenen Genres zugeordnet werden können und mich in ganz unterschiedlicher Weise ansprechen und bereichern, kann und will ich keine „Best of – Liste“ erstellen, sondern euch etwas über die Alben und die Musiker erzählen.

RUMBLE MILITIA: 35 Jahre Punk-Metal gegen Dummheit und Intoleranz

Noch oft während des Jahres habe ich an diese Truppe und ihr vehementes Eintreten gegen die o.g. Dummheit und Intoleranz gedacht. Seit 1985 haben sie Stellung bezogen gegen Kommerz, den Ausverkauf im Musikgeschäft und gegen rechte Gesinnung. Und immer noch ist das aktuell.

AGENDA und THE HAWKINS

Sowohl die Alben als auch die Shows mit AGENDA und THE HAWKINS machen Spaß und gute Laune. AGENDA kommen aus Wuppertal und sind grundsätzlich klassisch in Hard Rock und Heavy Metal beheimatet. Dabei bleibt es in ihrer Musik aber nicht, sondern sie beschreiten einen eigenen Weg mit schnellen Riffs, rauen Vocals und viel Abwechslung in Tempo und Dynamik. In den Texten geht es um vielfältige, alltägliche Dinge. Im Januar erschien ihr Album „Maverick“.

THE HAWKINS aus Arboga in Schweden veröffentlichten im September das Album „Silence Is A Bomb“. Musikalisch stehen THE HAWKINS für eine direkte und erfrischend moderne Rockmusik, die sich am Rock’N’Roll der 60er und 70er Jahre orientiert. Temporeich, druckvoll, unbeschwert und verspielt sind die Adjektive, die mir als erste dazu einfallen. Im Gegensatz zu der eher lockeren Musik stehen die Texte, die sich mit emotional und psychisch extremen Zuständen befassen oder sich kritisch mit gesellschaftlichen Zuständen befassen. Mit Sänger Johannes Carlsson habe ich über die Musik und die Texte gesprochen (hier das Interview).

BURY TOMORROW

BURY TOMORROW greifen in den Texten, die von Shouter Daniel Winter-Bates stammen, das Thema psychische Gesundheit auf. Zusammen mit verspielten bis eingängigen Melodien, aggressiven Shouts und harten Riffs ist ihnen ein persönliches und eindringliches Album gelungen. Jason Camerons einschmeichelnde Stimme und Daniel Winter-Bates rohe Shouts kontrastieren und ergänzen sich gleichzeitig wie z.B. in „The Grey“ ganz wunderbar. „Choke“ mit seinen wütenden Leads und „The Agonist“ mit einen zum Mitschreien auffordernden Shout-Response-Part habe ich immer wieder im Ohr bzw. in der Playlist.

LONG DISTANCE CALLING: How do we want to live?

Dieses Album ist mit dieser Fragestellung genau richtig im corona-geprägten Jahr 2020. Auch wenn es vorrangig um das Verhältnis von Mensch und Maschine, persönlicher Freiheit und technischem Fortschritt geht, steht doch auch die Frage nach der Konkretisierung humanistischer Grundwerte im Raum. „How Do We Want To Live?“ ist wieder ein instrumentelles Album. Elektronische Elemente im Einklang mit den Instrumenten. Da LONG DISTANCE CALLING auf die Frage keine Antwort geben,  bietet das Album Raum, um sich selbst Gedanken zu machen. Welche Gedanken Jan Hoffmann (Bass) sich dazu gemacht hat, hat er mir in einem Interview erzählt.

PANZERBALLETT und ihr Planet Z

Als Jan Zehrfeld 2005 mit PANZERBALLETT auf die Bühne ging, war diese Art der Musik, die er als „Jazzmetal“ bezeichnete, neu. Neu, ungewöhnlich, gewöhnungsbedürftig, interessant, herausfordernd, virtuos und komplex in der Umsetzung. Aber immer mit Groove und Humor.

Und so ist auch „Planet Z“. Es wurde weiter experimentiert und daraus Neues entwickelt. Neben Stücken aus der Feder von Jan Zehrfeld wurden Kompositionen z.B. von Nélida Béjar (s. auch undercoverfiction ensemble) Leonard Kuhn (von der Techno-Jazzband Jazzrausch Big Band) oder auch Richard Wagner (ja, der Richard Wagner) für PANZERBALLETT arrangiert. Doch es kommt noch mehr: Auf dem Album trommeln Weltklasse-Drummer aus den Bereichen Jazz, Fusion, progrock. Marco Minnemann (THE ARISTOCRATS), Morgan Ågren, der an mehreren Projekten von Frank Zappa beteiligt war, oder auch Gergő Borlai (TRIBAL TECH).

„Planet Z“ ist eine Herausforderung an die rhythmischen Fähigkeiten bzw. Möglichkeiten der beteiligten Musiker und auch der Hörer. Da gibt es etliche vertrackte Rhythmusgefüge eingebettet in groovende Strukturen, viel Jazz, viel Metal. Und mittendrin der „Walkürenritt“ von Wagner. Ein tolles Album, das auch nach etlichen Durchläufen nichts an Spannung verliert.

„InitIAtion“ von IA:  „What will I understand without a guiding light?”

IA kommen aus Finnland. Sie haben in ihrem Konzeptalbum „InitIAtion“ schamanische Elemente aufgegriffen und sie progressiv in Metalstrukturen eingebunden. Den Rahmen bildet die Initiation, die Einführung in die Rolle des Schamanen. Aber sie wollten mit dem Album auch persönliche Geschichten erzählen. Und so verbindet sich die Erzählung, wie sich beim Schamanen die innere Kraft entwickelt, sich das Selbstkonzept verändert, mit eigenen Erfahrungen.

Für die Integration schamanischer Elemente in Metalmusik gibt es in Finnland mehrere Beispiele. Zu den auch außerhalb von Finnland bekannten Bands gehören KORPIKLAANI und insbesondere ihr Frontmann Jonne Järvelä mit seinen Soloalben. IA knüpfen hier an, nutzen aber andere Formen. Prägend ist das komplexe Drumming von Ukri Suvilehto, der sonst bei ABBATH trommelt, im Zusammenspiel mit Yrjö Gävert (Bass). So haben sie dynamische Klanglandschaften geschaffen, die von meditativer Atmosphäre bis hin zu dramatischer Präsenz reichen. Und wer sich darauf einlässt, kann Meditatives ebenso erleben wie kraftvollen gradlinigen Metal.

KJELL BRAATEN: Ferd – eine Reise und der Nachhall des Vergangenen in der Gegenwart

Kjell Braaten hat mich mit auf die Suche nach den Wurzeln nordischer Musik genommen.

Wer die Musik der Wikinger bisher mit Bands wie SKÁLMÖLD, MÅNEGARM, TÝR oder auch AMON AMARTH in Verbindung gebracht hat, erhält hier einen anderen Blick auf die Musik der Wikingerzeit. Viel weiß man nicht darüber, da Wikinger selbst kaum etwas aufgezeichnet haben. Berichte von Handelsreisenden wie Ibrahim Al-Tartushi oder die Aufzeichnungen christlicher Mönche sind aufgrund der kulturellen und religiösen Unterschiede als Quelle wohl eher mit Vorsicht zu betrachten. Wikinger waren auch Reisende, die von ihren Reisen eben auch Musikinstrumente mitgebracht und sich von der Musik der Länder, die sie besuchten, inspirieren ließen.
Kjell Braaten hat sich vor allen Dingen von den Instrumenten und den Eindrücken aus der Natur der nordischen Gebiete inspirieren lassen. Dadurch ist es ihm gelungen, Vergangenes, Altes, das jedoch auch heute noch in uns nachhallt, mit Neuem zu verbinden. Es wird spürbar, dass er mit Neugier und Respekt die Möglichkeiten der Instrumente und die Klänge der Natur verbunden hat. Wenn man sich auf diese Reise einlässt, kann man sich mitnehmen lassen an die Orte, von denen Kjell sich hat inspirieren lassen, seinen Geschichten zuhören und sich von den Rhythmen zum Tanz aufgefordert fühlen. Auch hier hatte ich die Möglichkeit, ihn in einem Interview Fragen dazu zu stellen.

KATLA „Allt þetta helvítis myrkur“

KATLA haben es auch mit diesem Album wieder geschafft, eine Atmosphäre von Dunkelheit zu schaffen, in der das Licht um so heller wirkt. Stürme, Angst und Trauer spielen ebenso eine Rolle wie die Liebe. KATLA wollen uns an die dunkelsten Stellen der Seele führen, vermitteln aber immer wieder Hoffnung. Viele leichte Momente entstehen durch die schönen Gitarrenmelodien. Eindringlich und umschmeichelnd zugleich klingt die Stimme von Einar Thorberg Guðmundsson.

KATLA, das sind Guðmundur Óli Pálmason und Einar Thorberg Guðmundsson. Bei der Produktion des Albums sowie der Gestaltung des Artworks haben die beiden lediglich enge Freunde und Familienmitgliedern hinzugezogen. Auch dies wird dazu beigetragen haben, dass die Musik so intensiv ist und sich mit Lyrics und Artwork zu einem vielschichtigen Ganzen zusammenfügt.

Die Videos zu den Songs „Villuljós“ und „Sálarsvefn“ unterstreichen dies. Wer noch mehr über KATLA, ihre Musik, die Texte und das Artwork erfahren will, wird auf einige Fragen dazu im Interview mit Guðmundur Antworten bekommen.

… auf zur Musik im Jahr 2021

2020 ist vorbei, die Musik aus diesem Jahr wird bleiben. Die Alben, über die ich heute geschrieben habe, werden mich auch in der kommenden Zeit immer wieder begleiten. Ansonsten freue ich mich jetzt schon auf neue Musik. Z.B. auf das kommende Album von WARDRUNA (mehr dazu in den nächsten Tagen), Interviews und Geschichten. Ich gebe auch die Hoffnung nicht auf, dass wir in diesem Jahr wieder Live-Konzerte erleben werden. Also euch allen ein gutes Jahr voller Musik!

I am into how music evolves, and this is precisely that. It is music evolving

Kjell, I understand your music is rooted in the music tradition of the Viking Age. You combine musical elements (which are defined as traditional elements) from different regions of the world with each other and with today’s technical possibilities. Was (Nordic) medieval music your „first love“ when it came to music? Or how did you come into contact with this music (musical)?
As a musician, I started out in the classical scene, but I listened to artists like Neil Young, 70’s King Crimson, Pink Floyd, etc. At a young age, I decided that replicating music replicated hundreds of times before me was not my thing. I went from the classical scene to the extreme noise scene, then ended up in the deep ambient- world. From there, I found a connection to ancient traditional music from all parts of the world.
Then, fall 1999, I got together with some friends (amongst others, Maria Franz (HEILUNG) and Gustav Holberg (FOLKET BORTAFOR NORDAVINDEN), and created the band EHWAZ.
We made world music, inspired by Nordic medieval and Viking- age music. Since then, this has been my main focus.

With „Ferd“ you focused on the Vikings and their time. How did you get interested in it? What interests or fascinates you in particular?
I have always been inspired by history, but my focus on Viking- age came through the work with EHWAZ. Since there were almost bands doing what we did, we soon got booked at most Viking- markets in Norway, Sweden, and Iceland. Then I found a fascination with the history of Vikings.
As a musician, I find the music and instruments most fascinating. In this Viking- scene, there is so much knowledge about clothing, food, swords, etc. But very little about music.

Instruments from around the world found place in the nordic countries

You play instruments modeled after the instruments originally came from the Nordic countries but were also brought back by the Vikings from their travels.
Yes, there are very few instruments that originate from Scandinavia. Or there are, but they are new versions of instruments from other places. Most of them originate from the orient, mid-east, or China (and surrounding areas) and have been in use there long before they came here.

When did you get to know these instruments: How did you approach them? Have you tried to find out for yourself what sounds and tones they can produce? Or did you let someone show you how to play them?
I found the instruments through a lot of research. There were not so many out there doing this, so information was limited. Luthiers making such instruments was few and way out of range for a young guy trying to make a living from this.
Therefore, I started making instruments myself. I was far from good at it, and soon I reached out for help. I found a few who took the challenge, and the first professional instruments came to me. I knew no one to teach me, and YouTube was of little help back then, so I started to figure things out myself. 

You play a lot of different instruments. Do you have one that you particularly enjoy playing?
This is a hard one. It really depends on om the mood and what I want to achieve. These instruments all different and express different sounds/ moods. Maybe the right answer would be „The newest one“, hehe.

We know almost nothing about the music of the Vikings. We only know how their instruments sounded

The music you make is an (artistic) approach to a time that not much has been passed down in writing. In other words, we don’t know precisely how the music of the Vikings sounded. How did you bring yourself closer to this kind of music?
To be honest, we know almost nothing about this. The only things we can say for certain about the Vikings‘ music is how their instruments sounded and how they can be used. Therefore, I threw the idea of recreating such music out the window a long time ago. I make modern music based on sounds and instruments available in ancient Scandinavia.
I bring myself closer to it by visiting ancient sites, contemplating, taking in the impressions they offer. Then, I go back to my studio and try to recreate those impressions on these instruments. 
And of course, these impressions are affected by the knowledge I gain through reading and talking to people with the same interest in history.

Real ‘old’ sounds appealing to modern ears

The music is electronically amplified and produced in a modern way. Does that mean that your goal was not to have the most authentic result possible?
My intention was never to make authentic Viking- age music. That would be impossible as we know too little about the topic. Most „Viking- music“ today has very little or nothing to do with the music they most probably had back then. That also applies to this album. That said, the album’s sounds are all acoustic recordings. Recorded with carefully placed microphones, and applied reverb and sometimes echo to keep it as real as possible but still appealing to modern ears.

So authenticity and modernity are no contradiction at all?
When it comes to the combination of old and new, this is a big topic, but I’ll try to make it as short as possible but still making sense.
I think it is interesting with a stereo-recorded medieval- band in a medieval church singing medieval songs, but this will always only apply to a few. To reach out to a broader audience, you need to tame the sound to make it more pleasing to the air. The music would still be authentic.
I also enjoy those bands using modern technology to make something completely new with these old sounds. After all, I am into how music evolves, and this is precisely that. It is music evolving. Not re-creating something ancient but creating something new

The notations of Viking music were often made by Christian monks. In the process, some elements of the music would have been lost as their notes were filtered through their listening habits. They probably also changed a lot and turned secular (pagan) music into a Christian one. Do you know these records? Has this information shaped the way you compose and play this music?
This is a fascinating topic. Often, when I do lectures, I get lost here. I can talk about it for hours, and I have many thoughts about it, but that did not apply when I made this album. Ferd is not about re-creating something ancient but about creating something new.

This album is all about the ambiance

In Iceland and the Faeroe Islands, there are still songs and dances that can be traced back to the Viking Age. They use a different melody [starting in the highs, then descending, but without reaching the keynote of the scale], which means that long stories can be told without the tension decreasing. When you were composing, did you think of storytelling or dancing? Or is it more about the ambiance?
Most of the pieces here were ordered work for short- movies and documentaries to build certain moods. So for this project, the scenery was more in focus. I needed to create atmospheres with the sound that worked with what you could see on the screen.
When I decided to make an album of such pieces, I choose the theme by including pieces created mainly on ancient instruments that could work together. Then I recomposed them to work as a whole.

Music is then an excellent way to start to communicate

You do not use lyrics; you let the music bring the effect. Music is, in your own view – if I understand you correctly – a kind of universal form of communication. What does the music appeal to? How does music (especially the type of music you perform on „Ferd“) contribute to communication and understanding?
That’s true. I have used music a lot when working with young people trying to find a way to live in an unknown, different, and sometimes hostile community, without even knowing the language. Music is then an excellent way to start to communicate, as it speaks to everyone in more or less the same way.
If you look at ancient music, the further back you go, the music gets more and more the same. The base of music itself is the same no matter where you come from.
As mentioned earlier, „Ferd“ started out as a collection of pieces written for the screen. When I started making an album from it, I used instruments, sound, and scales to indicate my intention, but I decided not to add words. Much music created today leaves no or very little room for your own thoughts. I wanted to create room for the listener to have their own experiences with the tracks. Let them contemplate, or just let go without some voice telling them what to think.

„Ferd“ – a journey for the listener

Many people perceive chants that do not use words but use the voice as an instrument to be annoying. Others see it as an opportunity to „(re)connect“ with spirituality. Is that what you intended with the music? Does (this) music have a spiritual or healing effect for you?
For me, definitely, but for me, the process of creating it is what gives me that. I rarely listen to my own music after making it, hehe. I get many very uplifting emails and comments from people who say that that is precisely what my music does. Myself, I like both, but I’d rather make instrumental music than music with bad lyrics, just because it is expected.

I’ll come back to the album again: „Ferd“/ Journey – what does „journey“ (and discovery) mean for you?

Here, it simply means „journey“. The albums aim is to create a journey for the listener – A journey individual to the person experiencing it.
I do give a focus for those interested through the sounds and scales. I also included short descriptions of my thoughts behind each song on the cover. Still, I only pointed out the direction, as I did not want to take their experience away from them.

Most of the Vikings were hunters, farmers, fishermen, craftsmen and traders – only few were warriors

With „Ferd“ you put the traveler who is interested in newly discovered cultures in focus (and not the aggressive conqueror, robber, murderer, as the Vikings are often portrayed as), you wanted to honor the people who are interested in/concern themselves with other cultures and thus expand their knowledge. Why was it important to you (as a musician, as a curious (?) person) to take this point of view?
Yes, and no. First, the picture of the Vikings as warriors is not correct. Yes, they had warriors, and they did raids, but most of them were hunters, farmers, fishermen, craftsmen and traders. As a historian, I think it is time to start focusing on how it actually was, not only on those (relatively few) warriors only.
Still, I focus on those that expanded our culture and brought back new impressions. That also applies to the warriors. Their methods may not be in my taste, but they did bring back new impressions and new knowledge, so they should also be included.

One of my aims is to spread more knowledge about the Viking age

You give lectures, tell about the instruments and the music in medieval markets. What would you like to pass on to people in this way? What would you like to interest them in/sensitize them for?
First of, here in Norway (Scandinavia actually), we differ medieval markets and Viking markets. Medieval markets are more about entertainment, while Viking markets are more about authenticity. I rarely go to medieval markets, I keep to Viking- age, as this is my field, and I find less fantasy-based reenactors here. Still, many Viking markets keep booking bands playing late medieval music on modern instruments. One of my aims is to spread more knowledge about this, so they can start being more authentic in this field as well.
For the audience, I try to give a picture of the Vikings as the civilization they actually were, rather than the typical misinterpreted image of some wild barbaric heathens.

How do listeners react to who may come into contact with it for the first time? (especially children?)
When I show these instruments at markets?

Yes, and while telling telling stories about.
Most people are very fascinated! Many believed they were barbarians screaming, banging stones, or something, hehe.
But seriously, most people are surprised and amazed.
The children absolutely love it, and after every children’s show, I spend a long time with them to try the instruments.

A lot of different projects

You wrote music for plays and films, you are a percussionist for WARDRUNA. Which project have you enjoyed the most so far?
Oh, there are so many! And so different! It’s tough to cut this down to only a few.
In the days, I participated in many performances. I performed them in some of the major galleries, stages, and festivals in Norway.

I would like to mention Sverdet, a play about a heathen sword (Bæsing) in hands of one of Norway’s meanest king’s (Olav Haraldsson)

This was up for three years with a cast of Norwegian actors like Erik and Kristoffer Hivju, Tobias Santlemann, and Cici Henriksen.
Another to mention would be Sagaspelet. This is a play about the history of Lofoten, Norway, in the Viking age.Unfortunately, the production never saw the stage. Still, hopefully, they will manage it in the future, as the story is outstanding! Or maybe I’ll record and release the music when I have time.

I also have my own play for children about old Norse music history that goes around Norway all summer.
For a few years, I was also a part of the performance-group Skaldatal, who made several small plays for children about the sagas and Viking history.

And lastly, I would like to mention the shows we made with Fargespill (Flere Farger Sarpsborg). A firework of multicultural children, youth, music, dance, and languages from the whole globe. The top of this was when we performed in the opera house in Oslo. It was the 100 years celebration of the Norwegian constitution on May 17, 2014.

The fact that we were given this specific time and place really provides hope for the future!

In the first lock-down, you made several videos to shed some light on the quarantine.

Yes, they are only available on Bandcamp and YouTube. I did a YouTube video- series to ease the quarantine- times for those less fortunate than me when the pandemic came around. The music is very inspired by the modern vision of „Viking music,“ but it also mirrors twenty years of work. Some of the songs are even previously unreleased songs I wrote for Ehwaz back in 1999/ 2000.

At this point I have to shorten, because the list of the projects, he was involved in and what he told about, is so long, that it would be worth another post. So here only some references: Origami galaktika, KA, EhwaZ, Skvalthr Kjell Braaten (former solo albums: Sverdet 2010, Moonsong 2016), Varde,  Origami arktika, Wardruna.

Cover design and artwork

For the design of the album cover, you invited not only other musicians but also visual artists who took over the graphic design. How did you get in touch with them? What role do the pictures and the artwork play for you?

Since all the songs tell their own story, I thought they deserved their own cover as well. Most of these artists, I know from long friendships, some from their previous work. It was important to me to find artists who understood the project, and I was very selective in this process. 
I gave the songs to the artists, and they chose a song they would like to illustrate. For some of the picks, the ones referring to specific myths, I gave a few directions, but for the rest, I did not. I wanted to see what they got from the songs.
Fatima Ackerson (main cover design), on the other hand, I was recommended through friends. And am I lucky to meet her! She is just amazing!

This album would not be the same without her help, and I can not express how thankful I am to have her with me on this journey!

Restrictions and plans

Right now, we don’t have a lock-down, but we have many restrictions and a difficult time, especially for artists. How do the restrictions impact your work, your life? What are your plans for the coming period?
My first thought was how lucky I was to live on an island with big forests and mountains. I could move relatively freely. But I could not just walk freely here doing nothing when others had such hard times. I decided to spend my time (besides working on the album) to create something to bring light to those in worse situations. The situation did have a significant impact on my part. The whole market- season was canceled, and I lost most of my yearly income. – Not alone on that part!

Therefore, I decided that I could not just sit down and go crazy, so I started working. Hard! Some of the results of that will come this winter and spring, some in the coming years.

Thank you for taking the time to answer the questions!
Finally, would you like to give our readers something else to take along?

Thank you for asking and for letting me explain my album!

In these times, I think that would be to take care of each other. Be patient; no matter how hard it is, better times will come. The harder we restrict ourselves now, the faster we can go back to what normal will be after this. Try to focus and create something to keep the mind going and make time fly. But most of all, take care of yourself and those around you. And lastly: Stay in there, the world needs you!

Mit seinem Album „Ferd“, das am 13. November 2020 veröffentlicht wird,  nimmt uns Kjell Braaten mit auf eine Reise. Damit will er uns erneut an seiner Suche nach den Wurzeln der nordischen Musik teilhaben lassen.
Er hat sich bereits in verschiedenen Projekten und Bands (s. EHWAZ, WARDRUNA) mit mittelalterlicher nordischer Musik beschäftigt.

Man weiß nicht viel über die Musik der Wikinger, da sie selbst kaum etwas aufgezeichnet haben. Berichte von Handelsreisenden wie Ibrahim Al-Tartushi oder die Aufzeichnungen christlicher Mönche sind aufgrund der kulturellen und religiösen Unterschiede als Quelle wohl eher mit Vorsicht zu betrachten.

Kjell Braaten setzt sich auf ganz unterschiedliche Weise mit den Ursprüngen und den Möglichkeiten der Übermittlung von Musik auseinander. Außerdem gibt er seine Vorstellungen von der Musik der Wikinger auch bei Veranstaltungen, auf Märkten und in Museen weiter. (Mehr dazu z.B. HIER)

Ferd – die Reise in neue Erlebnisse und Erfahrungen

Das kommende Album soll diejenigen ehren, die sich auf die Reise begeben haben, um andere Kulturen kennenzulernen und ihr Wissen zu erweitern. Die Reisenden haben neben anderen Dingen auch Musikinstrumente mitgebracht und sich von der Musik der Länder und Menschen, die sie kennengelernt haben, inspirieren lassen. Auch Kjell Braaten hat sich inspirieren lassen: von der Natur und den Klängen Skandinaviens sowie von den Möglichkeiten der Instrumente.

„Kyst“ beginnt mit einem Instrument, das ich eher mit Australien in Verbindung bringe: dem Schwirrholz. Nach und nach stimmen weitere Blasinstrumente wie die Falster Pipe in diesen beschwörenden Klang ein, abgelöst von Saiteninstrumenten wie der Tagelharpa. Untermalt vom Meeresrauschen und dem Wind, verbunden durch den Gesang, der ohne Worte auskommt. Kjell Braaten wird hier – wie in weiteren Songs – von AGÐIR unterstützt.

Das Vergangene findet Nachhall in der Gegenwart

„Kyst“ ist eine gute Einstimmung auf das Album. Denn es werden nicht nur die Instrumente vorgestellt, die uns durch das Album führen, sondern schon hier die Intention deutich, eine Verbindung zu den Ursprüngen unserer Musik herzustellen und somit eine quasi zeitlose Musik zu schaffen.

Unsprünglich wurden die Songs als Musik für Dokumentationen, Kurzfilme und Theaterstücke geschrieben. Daher sind einige (wie z.B. „Skogsflugt“, „Vette“ und „Blåne“) von den Klängen der Natur geprägt. Diese werden von den Instrumenten und Stimmen aufgenommen und variiert. Andere Lieder (wie z.B. „Østavind“, „Storebjørn“  und „Huldra“) erzählen Geschichten: vom Ostwind, der viele Neuerungen  aus dem Osten nach Skandinavien getragen hat, dem großen Bären oder einem fantastischen Wesen in Gestalt einer wunderschönen Frau.

„Ritet“ wiederum klingt beschwörend mit Elementen schamanistischer Musik und ist ebenfalls ein gelungenes Beispiel, wie sich moderne und alte Klänge, Rhythmen und Melodien miteinander verbinden und neue klangliche Erfahrungen ermöglichen können.

Ein endloser Ozean neuer Möglichkeiten

Kjell Braaten ist es gelungen, Vergangenes, Altes, das jedoch auch heute noch in uns nachhallt, mit Neuem zu verbinden. Es wird spürbar, dass er mit Neugier und Respekt die Möglichkeiten der Instrumente und die Klänge der Natur verbunden hat. Wenn man sich auf diese Reise einlässt, kann man sich mitnehmen lassen an die Orte, von den Kjell sich hat inspirieren lassen, den Geschichten zuhören und sich von den Rhythmen zum Tanz aufgefordert fühlen. Neue Eindrücke verbinden sich mit Bekanntem und eröffnen weitere Perspektiven.

Er hat einen eigenen Klang gefunden. Doch dabei soll es nicht bleiben:

I have found my own sound, but my quest is always to evolve, learn more, and reach further.  I don’t think I will ever think my search is over, as there is an endless ocean of new possibilities and sounds out there to explore … new thoughts, new views, new searches.

Damit hat er eine Verbindung zu Altem hergestellt und gibt gleichzeitig Ausblick auf Neues. Und gezeigt, dass die Musik sich wie ein roter Faden durch das Leben der Menschheit zieht und damit für die Menschen eine besondere Bedeutung hat.