(english version below)

Kjell Braaten hat am 19. August 2024 sein neues Lied „Trøyst“ veröffentlicht.

Der Multi-Instrumentalist, Spezialist für nordische Instrumente und Komponist Kjell Braaten war an Bands wie NEBALA, WARDRUNA und EHWAZ beteiligt und hat mit vielen verschiedenen Künstlern und Projekten wie zuletzt mit der litauischen Gruppe STUBA zusammengearbeitet. Sein musikalisches Spektrum umfasst auch Sounddesigns und Musik für Filme (z.B. wie für die Serie „Vikings Valhalla“).

Für die Menschen, die unter der Machtgier anderer leiden

Den Text zu „Trøyst“ hat Tove Hassel kurz nach Beginn des Krieges in der Ukraine geschrieben.

Doch es geht nicht nur um diese Situation. „Trøyst“ ist ein Lied für die Menschen, die aufgrund der Machtgier anderer unter unerträglichen Bedingungen leben.

Beschrieben wird das Erschreckende, Furchterregende, aber es geht auch darum, wie man sich das Leben wünscht, wie es eigentlich sein sollte.

Die  Art und Weise, wie Kjell Braaten dies in Melodien gefasst hat und  er die Worte singt, löst ganz unterschiedliche und auch widersprüchliche Emotionen aus.

Der Text ist auf Norwegisch. Doch in dem Lyric-Video, das zu dem Lied  veröffentlicht wurde,  gibt es eine Übertragung ins Englische. Es lohnt sich auf jeden Fall, sich den Text anzuschauen, denn er berührt.

„Trøyst“

Langsame gleichmäßige Trommelschläge begleiten die ersten Zeilen, die das Beängstigende benennen. Der Gesang wirkt verhalten und verletzlich.

Doch wenn es um die Vorstellung geht, wie die Welt eigentlich sein sollte, wird die Stimme fest und bestimmt.

Der Refrain klingt sehnsüchtig und hoffnungsvoll zugleich. Und dieser Eindruck wird durch das traurigschöne Zwischenspiel mit der Leier noch verstärkt.

Wie ich eingangs geschrieben habe, ist Kjell Braaten ein Experte für nordische Instrumente. Darüber hinaus hat er sich mit Instrumenten aus vielen Regionen der Welt sowie aus verschiedenen Epochen beschäftigt. 2021 veröffentlichte er mit „Bronseplassen“ Live-Aufnahmen von einem Konzert, das er auf dem Bronseplassen in Høvåg, einem rekonstruierten Hof aus der Bronzezeit gegeben hat.

Wie bei diesen Liedern gelingt es Kjell Braaten auch mit „Trøyst“, den Zuhörer allein mit der Stimme in seinen Bann zu ziehen und mit wenigen begleitenden Instrumenten Sehnsucht, Trauer aber auch Hoffnung auszudrücken.

Das Lyric-Video verstärkt diesen Eindruck. Es zeigt im Vordergrund eine fröhliche junge Frau, tanzend mit einem Blumenkranz im Haar, während im Hintergrund Häuser brennen.

Trøyst – Trost im Sinne von Sicherheit, Vertrauen und Schutz

Auch wenn in diesem Lied Verlust, Täuschung und Furcht beklagt werden, ist es keine Anklage. Doch gerade durch die Art, wie Realität und Wunsch miteinander in Verbindung gebracht werden, stellen sich Trauer, Wut  aber auch Sehnsucht und Ruhe ein, wenn man Musik und Text auf sich wirken lässt.

So viele Menschen haben überall auf der Welt unter der Machtgier anderer zu leiden.

Wenn die Welt um uns herum uns keine Sicherheit mehr gibt – wo finden wir Zuversicht, Vertrauen und Trost? Das Lied gibt eine Antwort darauf.

Das Artwork ist von Fátima Ackerson.
Das Lyric-Video hat Kjell Braaten animiert. 

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TRØYST by Kjell Braaten

Kjell Braaten released his new song „Trøyst“ on 19 August 2024.

The multi-instrumentalist, specialist in Nordic instruments, and composer Kjell Braaten has been involved with bands such as NEBALA, WARDRUNA, and EHWAZ and has collaborated with many different artists and projects, most recently with the Lithuanian group STUBA. His musical spectrum also includes sound design and music for films (such as the series „Vikings Valhalla“).

For those who suffer under the greed for power of others

The lyrics for „Trøyst“ were written by Tove Hassel shortly after the outbreak of the war in Ukraine. However, the song is not just about this situation. „Trøyst“ is a song for those who live under unbearable conditions due to the greed for power of others.

The lyrics describe the terrifying and frightening, but they also convey how one wishes life could be, how it should be. The way Kjell Braaten has set these words to music and how he sings them evokes a range of different, even contradictory, emotions.

The lyrics are in Norwegian. The lyric video released with the song, includes an English translation. It is definitely worth reading the lyrics, as they are deeply moving.

„Trøyst“

Slow, steady drumbeats accompany the first lines, naming the fearful and terrifying. The vocals are restrained and vulnerable. However, when it comes to imagining how the world should be, the voice becomes strong and determined. The chorus sounds both yearning and hopeful. This impression is further intensified by the mournfully beautiful interlude with the lyre.

As I mentioned earlier, Kjell Braaten is an expert in Nordic instruments. Beyond that, he has explored instruments from many regions of the world as well as from various historical periods. In 2021, he released „Bronseplassen“, live recordings from a concert he performed at the Bronseplassen in Høvåg, a reconstructed Bronze Age farm.

As with those songs, Kjell Braaten also succeeds with „Trøyst“ in captivating the listener with just his voice and a few accompanying instruments, expressing longing, sorrow, and hope.

The lyric video enhances this impression. It shows a joyful young woman dancing with a flower crown in her hair, while in the background, houses burn.

Trøyst – Comfort in the sense of security, trust, and protection

Even though this song laments loss, deception, and fear, it is not an accusation. But it is precisely the way in which reality and desire are intertwined, that gives rise to feelings of  sadness, anger but also longing and calm, when you let the music and lyrics sink in.

So many people all over the world suffer from the greed of others for power.
When the world around us no longer offers us security – where do we find confidence, trust, and comfort? The song provides an answer to this.

The artwork is by Fátima Ackerson.
The lyric video was animated by Kjell Braaten.

Heute (21.März 2023) gibt es etwas Neues von Kjell Braaten: Die EP „The Cabin“. Es ist eine Sammlung von bisher unveröffentlichten Stücken: u.a. Auftragsarbeiten für andere Projekte. Die Musik unterscheidet sich einerseits deutlich von dem, was er in den letzten Jahren unter seinem Namen veröffentlicht hat. Andererseits verwendet er auch hier wieder Instrumente aus der ganzen Welt, was sich wie ein roter Faden durch seine musikalische Arbeit zieht.  

Von Reisen und Emotionen

Ich habe euch bereits sein Album „Ferd“ (2020), die Liveaufnahmen „Bronseplassen“ (2021) und „Blóta“ (2022) vorgestellt.

„Ferd“ ist eine musikalische Reise, die Antworten auf die Frage, woher unsere Kultur stammt, gibt.
Auf „Bronseplassen“ begleitet Kjell Braaten seine Lieder auf verschiedenen Leiern. Dabei hat er Geschichten, Bilder und Emotionen mit einnehmenden Melodien und Klänge ausgedrückt.
„Blóta“ ist ein sehr persönliches Album, eine Reise durch dunkle Zeiten. Musik als Möglichkeit, Erfahrungen eine andere Form zu geben und die Erfahrungen schwerer Momente ihre zerstörerischen Kräfte zu nehmen.

Verschiedene und unterschiedliche Projekte

Kjell Braaten komponiert neben seiner eigenen Musik auch für Theater und Film (zuletzt für die Serie „Vikings Valhalla“). Er stand im letzten Jahr mit NEBALA auf der Bühne und vorher bereits mit WARDRUNA. Und er war an weiteren Bands beteiligt (z.B. EHWAZ), hat mit verschiedenen Projekten und Künstlern zusammengearbeitet u.a. FOLKET BORTAFOR NORDAVINDEN, BYRDI, Anette Aga (mehr dazu hier und dort). Ich finde es interessant zu sehen bzw. zu hören, woran Musiker neben ‚ihrer eigenen Musik‘ arbeiten. Dabei zu sehen, ob und wie weit sich Elemente, Ideen, Themen wiederfinden lassen.

Für Kjell Braaten ist Musik die verbindende Sprache zwischen Menschen und Kulturen. Da seitdem Menschen Musik machen, Elemente von einer Kultur in andere übernommen wurden und Musikstile sich immer wieder auch mit anderen verbinden, verwundert es nicht, dass er dies ebenfalls in seine Musik aufnimmt.

Sein Interesse gilt nicht nur historischen Instrumenten, sondern Instrumenten und Musik aus aller Welt. Außerdem hat er mit elektronischer Musik und verschiedenen Musikstilen gearbeitet, Musik für Theater und Film geschrieben. Die Musik, die er unter seinem Namen veröffentlicht hat, macht nachvollziehbar, dass er Musik als (welt-) umfassendes und verbindendes Medium versteht. Dies wird auch auf der EP erfahrbar. Sie umfasst sechs thematisch und stilistisch unterschiedliche Stücke.

Die EP „The Cabin“

Das erste Stück auf der EP „The Cabin“ ist „Savannah“. Das Stück aus dem Jahr 2011 beinhaltet Elemente indigener Musik: Perkussion, Flöten und pulsierenden, rufenden Gesang. Dabei finden Instrumente aus mehreren Kontinenten Verwendung. Ein anregend meditatives Stück, das in eine andere Welt entführt.

 „The Cabin“ beginnt mit Percussion und versetzt beim Hören direkt in Bewegung. Es hätte auch ein tanzbares Stück daraus entstehen können. Doch dann setzt das Orchester mit Streichern und Flöte ein. Es entsteht eine unruhige und geheimnisvolle Spannung, die wird durch einen Part mit Spieluhr noch verstärkt wird. Hier gefällt mir die rhythmische Struktur sehr gut, die diese Spannung unterstreicht. Mit dem Bild der Hütte (s. Cover) vor Augen ist es so, als wenn sich langsam Unheimliches auf die Hütte zubewegt.

Das Cover, das die Wirkung von „The Cabin“ hervorruft bzw. verstärkt, stammt von Beate Hay Sandmo.

Variationen

„Acoustic Oscillator“ hieß ursprünglich „Universal Oscillator“ und wurde von THE QUANTUM FIELD TRIP komponiert.
Kjell Braaten hat daraus 2016 ein akustisches Remake erstellt, bei dem er aber den Gesang so belassen hat, wie er ursprünglich war.Auf der EP hat er sowohl das „Acoustic Oscillator“ – Original, die remasterte ungeschnittene Version als auch eine geschnittene Version veröffentlicht.

„Acoustic Oscilator“ nimmt einen mit der rhythmischen Struktur direkt gefangen und führt in sphärische Klänge. Die Stücke miteinander zu vergleichen ist wie ein Suchspiel nach Ähnlichkeiten und Unterschieden. Da gibt es einiges zu entdecken. Oder einfach nur herauszuhören, welche Instrumente Kjell Braaten hier verwendet hat. (Auflösung gibt es hier)

Ein Musikinstrument steht auch bei „Langspill“ im Mittelpunkt. Das Stück trägt den Namen eines ursprünglich aus Island stammenden Instruments, das auch in der norwegischen Volksmusik eine Rolle spielt.  Es hat einen länglichen Schallkasten mit unterschiedlich vielen Saiten. Davon ist eine Saite die Melodiesaite, die über Bünde gespielt wird, und die anderen Saiten sind Begleitsaiten. Sie wird meist mit einem Bogen gespielt.
Kjell spielt hier eine Langspill, die von Don von Inspirational Instruments gebaut wurde. Für ihn hat Kjell Braaten vor einigen Jahren einmal ein Geburtstagslied geschrieben, das nun die Grundlage für diese Improvisation ist.

„Langspill“ ist ein intensives Stück voller Leichtigkeit – wie ein Spaziergang an einem Frühlingstag.

Ein weites musikalisches Spektrum

Mir gefällt die Zusammenstellung der Stücke auf dieser EP. Das Spektrum, das von Improvisation auf einem Instrument über orchestrale Klänge bis zur komplex arrangierten Variation eines Songs reicht. Mit intensiver Leichtigkeit, dem Gewicht orchestraler Musik und komplexen sphärischen Klängen.

Und nun zum ‚Reinhören‘ „Acoustic Oscillator“.  Die EP gibt es hier

Kjell Braaten releases EP „The Cabin“

Today (21 march 2023) we have something new from Kjell Braaten: The EP „The Cabin“. It is a collection of previously unreleased tracks: Commissioned works for other projects. On the one hand, the music is different from what he has released under his name in recent years. On the other hand, he again uses instruments from all over the world, which is a common thread running through his musical work. 

Of journeys and emotions

I have already introduced you to his album „Ferd“ (2020), the live recordings „Bronseplassen“ (2021) and „Blóta“ (2022).
„Ferd“ is a musical journey that provides answers to the question of where our culture comes from.
On „Bronseplassen“ Kjell Braaten accompanies his songs on different lyres. In doing so, he has expressed stories, images and emotions with engaging melodies and sounds.
„Blóta“ is a very personal album, a journey through dark times. Music as a way to give experiences a different form and to take away their destructive powers from the experiences of difficult moments.

Different and diverse projects

In addition to his music, Kjell Braaten also composes for theatre and film (most recently for the series „Vikings Valhalla“). He was on stage with NEBALA last year and with WARDRUNA before that. And he has been involved in other bands (e.g. EHWAZ) and worked with various projects and artists including FOLKET BORTAFOR NORDAVINDEN, BYRDI, and Anette Aga (more here and there).
I find it interesting to see and hear what musicians are working on besides ‚their own music‘. To see if and to what extent elements, ideas, and themes can be found again.

For Kjell Braaten, music is the connecting language between people and cultures. Since elements of music have been adopted from one culture to another ever after people have been making music, and musical styles have always connected with others, it is not surprising that he also incorporates this into his music.

His interest is not only in historical instruments, but instruments and music from all over the world. He has also worked with electronic music and various musical styles, and written music for theatre and film. The music he has published under his name makes it understandable that he sees music as a (world-) encompassing and connecting medium. This can also be experienced on the EP. It comprises six thematically and stylistically different pieces.

„The Cabin“

The first piece on the EP „The Cabin“ is „Savannah“. This piece from 2011 contains elements of indigenous music: percussion, flutes and pulsating, shouting vocals. Instruments from several continents are used. A stimulating, meditative piece that transports you to another world.

 „The Cabin“ begins with percussion and gets you moving as you listen. It could also have been a danceable piece. But then the orchestra enters with strings and flute. A restless and mysterious tension arises, which is intensified by a part with a music box. Here I like the rhythmic structure very much, which underlines this tension. With the image of the hut (see cover) in mind, it is as if something sinister is slowly moving towards the hut.
The cover, which evokes or enhances the effect of „The Cabin“, is by Beate Hay Sandmo.

Variations

„Acoustic Oscillator“ was originally called „Universal Oscillator“ and was composed by THE QUANTUM FIELD TRIP. Kjell Braaten created an acoustic remake of it in 2016 but left the vocals as they were original. On the EP he has released both the „Acoustic Oscillator“ original, the remastered uncut version and a cut version.

„Acoustic Oscillator“ takes you right in with the rhythmic structure and leads you into spherical sounds. Comparing the pieces is like a search game for similarities and differences. There is a lot to discover. Or simply to find out which instruments Kjell Braaten has used here. (You can find the solution here)

A musical instrument is also at the centre of „Langspill“. The piece bears the name of an instrument originally from Iceland, which also plays a role in Norwegian folk music.  It has an elongated sound box with different numbers of strings. Of these, one string is the melody string, which is played via frets, and the other strings are accompanying strings. It is usually played with a bow.

Kjell is playing a Langspill here, made by Don from Inspirational Instruments. He once wrote a birthday song for him a few years ago, which is now the basis for this improvisation.

„Langspill“ is an intense piece full of lightness – like a walk on a spring day.

A wide musical spectrum

I like the compilation of the pieces on this EP. The spectrum ranges from improvisation on one instrument to orchestral sounds to a complexly arranged variation of a song. With intense lightness, the weight of orchestral music and complex spherical sounds.

And now listen to „Acoustic Oscillator“.  The EP is available here

(english version below)

Gestern hat Kjell Braaten das erste Video zu seinem neuen Album „Blóta“, veröffentlicht. „Hamr“ ist die erste Auskopplung aus dem Album, das am 1. April 2022 erscheinen wird.

Kjell Braaten, der als Musiker, Komponist und Produzent an verschiedenen musikalischen Projekten und Bands (wie z.B. WARDRUNA, NEBALA) beteiligt war und ist, veröffentlichte 2020 das Album „Ferd“. „Ferd“ bedeutet Reise. Auf dem Album geht es um Menschen, die reisen, um ihr Wissen zu erweitern. Hierzu hat er ein weites Klangspektrum und Instrumente aus der ganzen Welt genutzt.

Im letzten Jahr erschien mit „Bronseplassen“ ein Live-Album, das im July 2021 auf dem Bronseplassen in Norwegen aufgenommen wurde. Hier begleitet er seinen Gesang lediglich mit jeweils einem Instrument.

Auch auf dem kommenden Album hat Kjell Braaten sich auf wenige Instrumente beschränkt. Diese minimalistische Instrumentierung erleichtert es, sich einzulassen, und in der Musik eine Bedeutung für sich selbst zu finden.

Blóta

„Blóta“ bedeutet „Ritual“. Die Verwendung von Ritualen gibt es in allen Kulturen und zu allen Lebensbereichen. Sie begleiten das menschliche Leben und geben kollektives Wissen weiter. Rituale sind Handlungen, die durch ihren Rahmen und Ablauf Unsicherheit reduzieren können. Die Bedeutung von Ritualen liegt in ihrer Hilfestellung in Übergangssituationen. Z.B. im Umgang mit Tod und Trauer aber auch Freude und Neubeginn. Durch ihre Form kanalisieren sie Emotionen.

All dies nimmt Kjell Braaten mit „Blóta“ auf und gibt es an uns weiter, damit wir es für uns selbst nutzen können.

Hamr

In „Hamr“ (was Gestalt , Gestaltwandel bedeutet) geht es um die Verbundenheit mit den Kräften, die uns umgeben. Wenn man sich mit diesen Kräften verbindet, kann man wachsen, sich entwickeln und Teil eines größeren Ganzen werden.

Dies kann man mythologisch verstehen aber auch ganz konkret: als einen Weg, über Erfahrungen zu einer umfassenderen Sicht zu kommen. Also ein Weg, nach Antworten zu suchen und so bessere Entscheidungen zu treffen.

In dem animierten Video zu „Hamr“ begegnet der Protagonist Tieren, die z.B. in der nordischen Mythologie eine wichtige Rolle als Krafttiere spielen.

Kraftvoll klingen dabei sowohl die Lure, die sich bei der Entwicklung des Themas Zeit lässt, als auch die Vocals. Diese bleiben zunächst im Hintergrund und bilden die Basis des Liedes. Sie schaffen es auch ohne Worte, anzusprechen und zu berühren. 

„Hamr“ übermittelt einerseits raue und elementare Energie, geht andererseits ruhig und fast schon zart mit den Klängen um. Damit berührt „Hamr“ tiefe und ursprüngliche Emotionen.

Hier also Video und Lied:

Art by Fátima Ackerson
Animations by José Manchado

„Hamr” bekommt ihr HIER und HIER (!)

Kjell Braaten announces his new album „Blóta“ and releases first video

Yesterday Kjell Braaten released the first video for his new album „Blóta“. „Hamr“ is the first single from the album, which will be released on April 1, 2022.

Kjell Braaten, who has been involved in various musical projects and bands (such as WARDRUNA, NEBALA) as a musician, composer and producer, released the album „Ferd“ in 2020. „Ferd“ means journey. The album is about people who travel to expand their knowledge. For this, he used a wide spectrum of sounds and instruments from all over the world.

Last year he released „Bronseplassen“, a live album recorded on Bronseplassen in Norway in July 2021. Here he accompanies his singing with only one instrument at a time.

Kjell Braaten has also limited himself to a few instruments on the upcoming album. This minimalist instrumentation makes it easier to get involved and find meaning for oneself in the music.

Blóta

„Blóta“ means „ritual“. The use of rituals exists in all cultures and in all areas of life. They accompany human life and pass on collective knowledge. Rituals are actions that can reduce uncertainty through their framework and process. The importance of rituals lies in their support in transitional situations. For example, in dealing with death and mourning, but also joy and new beginnings. Through their form they channel emotions.
Kjell Braaten takes all this with „Blóta“ and gives it to us so that we can use it for ourselves.

Hamr

„Hamr“ (which means shape, shapeshifting) is about connecting with the forces that surround us. When you connect with these forces, you can grow, develop, and become part of a greater whole.  

This can be understood mythologically but also very concretely: as a way to come to a more comprehensive view through experience. In other words, a way to search for answers and thus make better decisions.

In the animated video for „Hamr“, the protagonist encounters animals that play an important role as power animals in Nordic mythology, for example.

Both the lure, which takes its time developing the theme, and the vocals sound powerful. These initially remain in the background and form the basis of the song. Even without words, they manage to address and touch. 

On the one hand, „Hamr“ conveys raw and elemental energy, on the other hand, it handles the sounds calmly and almost tenderly. In this way, „Hamr“ touches deep and primal emotions.

So here is the video and the song:

Art by Fátima Ackerson
Animations by José Manchado

You can get “Hamr” HERE and HERE (!)

Das Jahr neigt sich dem Ende zu – Zeit für einen Rückblick auf das, was 2021 musikalisch hervorgebracht hat. Und wie in jedem Jahr stellt sich die Frage, welche Alben in die Auswahl für den Rückblick kommen. Denn auch in diesem Jahr gab es – trotz der erneut schwierigen Bedingungen – so einige Alben, die mich auch in Zukunft begleiten werden.

In diesem Jahr habe ich mich für meinen Rückblick für Musik aus Norwegen entschieden. Da gab es neue Alben von bereits bekannten Bands, aber auch neue Projekte mit interessanten Konzepten.

Musik für und aus einer Welt, die wir mit unseren Gefühlen erkennen

Wie weit fühlen wir uns heute verwurzelt mit unseren Ursprüngen und getragen von überlieferten Geschichten? Wie weit können wir eine Verbindung zu diesen Ursprüngen in Natur, Gedanken, Empfinden, die in Sprache, bildender Kunst und Musik ihren Ausdruck finden? In den letzten Jahren hat sich der Eindruck, dass sich Lebensbereiche immer weiter voneinander entfernen, verstärkt.

Die Musiker, die ich heute im Rückblick aufgreife, haben sich in unterschiedlicher Weise damit beschäftigt, wie Natur und Kultur, Sprache und Musik, Bilder und Emotionen wieder miteinander verbunden werden können.

Neues, Modernes mit tiefen kulturellen Wurzeln

Die Alben, auf die hier jetzt noch einmal schauen möchte sind: „Kvitravn“ von WARDRUNA, „Bronseplassen“ von Kjell Braaten, „Hildring“ von Lindy-Fay Hella & Dei Farne sowie „Nord“ von GÅTE

Dies sind vier Alben, die von ihrer musikalischen Ausrichtung her kaum unterschiedlicher sein könnten. Und doch haben sie etwas gemeinsam: sie verbinden (Ur-)Altes mit Modernem und lassen daraus Neues entstehen. Es sind alte Klänge und Geschichten, von denen diese Musiker sich angesprochen fühlten. Die grundlegende Frage dabei ist: woher kommt die Musik, die wir heute spielen und hören? Wo sind ihre Ursprünge? Und was sagen uns Musik und Geschichten heute?

Sie verwenden historische Instrumente zusammen mit modernen Instrumenten. Klänge, Töne, Melodien und Rhythmen, die die Menschen über Jahrhunderte weitergegeben haben, haben sie in moderne Musik umgesetzt. Dabei nutzen sie die technischen Möglichkeiten, die heute beim Aufnehmen und Mischen zur Verfügung stehen und erleichtern damit auch das Hinhören, Zuhören und Wiedererkennen.

Auf diese Weise sind Lieder und Alben entstanden, die an den Ursprung unserer Musik aber auch unseres Denkens und Fühlens zurückgehen. Dass wir uns heute noch davon berührt und angesprochen fühlen, bringt uns wieder in einen Zusammenhang und Kontakt zu den Menschen, die lange vor uns die Musik ins Leben gerufen und uns diese wunderbare Möglichkeit des Erlebens mitgegeben haben.

WARDRUNA: Lieder in den Dingen der Welt hören

„Kvitravn“ ist das fünfte Album von WARDRUNA. Sie verwenden historische Instrumente wie Rahmentrommel, Lure, Taglharpa, Leiern. Auch auf „Kvitravn“, wie bereits auf der „Runaljod“-Trilogie, sind die Klänge dieser Instrumente kaum bearbeitet. WARDRUNA nutzen aber technische Möglichkeiten und kommen so den aktuellen Hörgewohnheiten entgegen.

WARDRUNA arbeiten mit Symbolen animistischer Kulturen. So ist der Rabe das Symbol für Weit- und Voraussicht und zugleich ein spiritueller Vermittler, der Wahrheit und Lüge unterscheiden kann. Er leitet diejenigen an, die sich Wissen aneignen wollen.

Die Musik des Albums kann mit eindringlichen Melodien und Rhythmen in eine andere Dimension tragen. Sie machen spürbar, dass es keinen Anfang und kein Ende gibt, das Leben ein Kreislauf ist und wir mit dem verbunden sind, was uns umgibt: Singe, bis das Lied dich singt.

Hier das Video zum Titelsong „Kvitravn“

Die Sehnsucht und das Ursprüngliche in der Musik

„Bronseplassen“ von Kjell Braaten ist der Mitschnitt eines Konzertes von einem Ort, der nicht passender für diese Lieder sein kann: der Bronseplassen, mit Rekonstruktionen aus der Bronze- und sogenannten Wikingerzeit.

Kjell Braaten spielt auf Rekonstruktionen von Instrumenten, die der Zeit um 600 n. Chr. bzw. der Wikingerzeit und dem Mittelalter zugeordnet werden. Trommeln, Hörner und verschiedenen Leiern, die sich aufgrund ihrer unterschiedlichen Formen und Saiten im Klang voneinander unterscheiden.

Schon allein durch seine warme und ausdrucksvolle Stimme gelingt es Kjell Braaten, den Hörer in seinen Bann zu ziehen. Für ihn ist Musik nicht allein Ausdruck von Emotionen. Er versteht Musik als eine umfassende Sprache, die Geschichten und (innere) Bilder schafft und übermittelt.

Auch wenn er historische Instrumente spielt: es geht ihm nicht darum, historische Musik zu machen. Die Instrumente verbinden ihn mit der Umgebung, aus der sie stammen.

Seine Lieder knüpfen mit ihren ergreifenden Melodien und Klängen an grundlegende Bedürfnisse und Emotionen an. Unter der Klarheit und Feinheit der Melodien kommt immer wieder Raues und Elementares hervor. Und so verbinden sich Helles und Dunkles, Feinheit und Ursprüngliches, Schweres und Spielerisches.

Schon bald wird er ein neues Album mit dem Titel „Blóta“ herausbringen. „Blóta“ bedeutet „Ritual“. Dazu sagte Kjell im Interview:

„Blóta“ ist mein Ritual, um über einige sehr verletzende Erfahrungen zu kommen, die mich lange Zeit gequält haben.

Dieses Album ist meine Reise durch diese dunklen Zeiten. Ich wollte sie dadurch zu einer Stärke machen und ihnen ihre zerstörerischen Kräfte nehmen.“

Bis es soweit ist, könnt ihr „Bronseplassen“ hier hören.

Als Beispiel das Video zu „Frigg“.

Klänge wie aus einer anderen Welt

Auch Lindy-Fay Hella & Die Farne haben mit „Hildring“ die grundlegende Frage nach unserer Verbundenheit mit Natur, und Vergangenheit gestellt.

Bei ihnen spielen Träume und Traumwelten eine wichtige Rolle. Und die Neugier auf das, was uns diese Träume, die Natur, die Vergangenheit und das Universum im Hinblick auf die Gegenwart bieten können.

Sie haben zur Auseinandersetzung mit diesen Aspekten eine recht ungewöhnliche Instrumentierung gewählt: Gitarre, Klavier, Hardanger Fidel, Harmonium, verschiede Percussions-Instrumente, Schlagzeug, Synthesizer – und Lindy-Fays Stimme. Sie will damit nicht nur Worte transportieren, sondern auch Gefühle, Staunen und Ehrfurcht gegen über der Natur.

Lindy-Fay setzt ihr Erleben der Natur mit herausfordernden aber auch mit umschmeichelnden Stimmungen um. Als ein besonderes Ausdrucksmittel nutzt sie den Joik, den traditionellen Gesang der Samen. Eingebettet in elektronische Musik, verbunden mit experimentellen Aspekten, ist ein facettenreiches Album entstanden.

Hier ein Beispiel: „Los“, das Lied vom Lodesmann, der die Seelen, die auf dem Meer verlorengehen, zum sicheren Ufer führt.

Traditionelle norwegische Lieder modern interpretiert

GÅTE haben auf dem Album „Nord“ auf traditionelle norwegische Lieder zurückgegriffen und sie neu arrangiert. Sie sind mit dem Liedgut einfallsreich und respektvoll umgegangen. Damit sind sie auch zu ihren eigenen musikalischen Wurzeln zurückgekehrt. Einige Lieder sind bereits auf einem ihrer früheren Alben veröffentlicht worden. Die jetzt entstandenen Akustikversionen sind in ihrer Klarheit eindringlich und intensiv.

Die Melodien und Texte verstehen GÅTE nicht nur als traditionelle Überlieferung, sondern gleichzeitig als aktuelle Themen. Deutlich wird dies in den Videos (z.B. zu „Svik“). Sie sind nicht nur mit heutigen technischen Mitteln inszeniert und umgesetzt, sondern auch mitaktuelle Symbolisierung.

Und hier das Video zu „Svik“.

Vier Alben – vier Konzepte – viermal wunderbare Musik

Unter diesen Alben kann ich nur schwer eine Rangliste erstellen. Dazu sind sie zu unterschiedlich. Angesprochen hat mich die Auseinandersetzung mit der Frage, woher kommt unsere heutige Musik? Was kann sie uns heute noch geben? Wo haben wir unsere Wurzeln?

Die Antworten, die die Alben geben, sind vielfältig und eröffnen somit unterschiedliche Zugangswege. Sie zeigen, dass auch aus der Rückbesinnung Neues entstehen kann. Und dass die Verbindung oder Verschmelzung alter und neuer Elemente Antworten auf aktuelle Fragen ermöglicht.

Kjell Braaten hat am 8.November 2021 die EP „Bronseplassen“ veröffentlicht. Die EP ist der Mitschnitt eines Konzertes, das er im July 2021 auf dem Bronseplassen in Høvåg, Norwegen gegeben hat. Der Bronseplassen ist ein rekonstruierter Ort aus der Bronzezeit.

2020 erschien das Album „Ferd“, in dem es um die Reisen der damaligen Menschen geht, von denen sie Musikinstrumente und Musik mitgebracht haben. Letztlich um die Frage, woher unsere heutige Kultur stammt.

Da Kjell Braaten neben seiner Arbeit als Musiker, Komponist und Produzent auch Vorträge über die Musik der Wikingerzeit hält und dabei Musikinstrumente von der Bronsezeit über die sogenannte Wikingerzeit bis ins Mittelalter präsentiert, wird seine Musik (fälschlicherweise) häufig als Wikingermusik bezeichnet.

Darüber, wie er selbst die Musik, wie sie auf „Ferd“ und „Bronseplassen“ zu finden ist, beschreibt, erzählt er im Interview.

Außerdem geht es um rohe, ungeschliffene Musik auf Wikingermärkten und frühen Alben.  Darum, wie es überhaupt dazu gekommen ist, dass er historische Instrumente verwendet. Es geht um Ursprüngliches und Weiterentwicklung, die Beschäftigung mit Musikarchäologie. Aber auch um die Geschichte Norwegens, Kristoffer Hivju (Tormund Riesentod in Game of Thrones)in der Rolle von König Olaf Haraldson und einiges mehr.

Schließlich haben wir noch über das kommende Album gesprochen, das im Frühjahr 2022 erscheinen soll.

Moderne Musik mit alten Klängen und historischen Instrumenten

Kjell, wie würdest du Leuten, die deine Musik noch nicht kennen, beschreiben, was für Musik du machst?

Da könnte ich jetzt weit ausholen. Die kurze Antwort lautet: es ist moderne Musik, gespielt auf historischen Instrumenten.

Ich habe eine ganze Menge sehr unterschiedlicher, verschiedenartiger Musik gemacht. Nicht nur mit historischen Instrumenten. Aber zu allen Alben, die ich bisher gemacht habe, kann ich sagen: ich mache moderne Musik mit alten Klängen.

Häufig wird deine Musik als „Viking – Music“ oder „Folk – Music“ bezeichnet.

Ja, viele Leute sagen das so. Oder sie bezeichnen sie als „Modern Viking-music“ Aber das ist sie definitiv nicht. Ich denke, es hat einmal damit zu tun, dass ich Instrumente spiele, die dieser Zeit zugeordnet werden. Oder es hat damit zu tun, dass ich eine Website mit dem Namen „www.vikingmusikk.no“ habe. Aber sie hat nichts mit der Musik zu tun, die ich mache, sondern mit den Vorträgen, die ich zu dem Thema halte.
Aber es ist schon so: egal, welche Musik du machst, wenn du ein historisches Instrument spielst, ist es „Viking-Music“.

Deine Musik ist für mich weder „Folk-Music“ noch „Viking-Music“. Einmal abgesehen davon, dass man ja eigentlich kaum etwas über die Musik dieser Zeit weiß.

Ja, wenn wir über die Musik der Wikingerzeit sprechen, können wir nur sagen: wir haben keine Ahnung, was sie gemacht haben. Das, was viele Leute heute als „Viking-Music“ bezeichnen, hat definitiv nicht viel mit der Musik zu tun, die in dieser Zeit gespielt wurde.

Was meine Musik angeht, ist der Begriff „Viking-Music“ nicht passend. Manche Leute sagen „Modern Viking Music“. Das macht bis zu einem gewissen Grad Sinn und es ist ein Begriff, den man durchaus verwenden kann.

„Nordic Folk Music“ wiederum ist völlig falsch. „Nordic Folk Music“ meint traditionelle Volksmusik. Und damit hat meine Musik nichts zu tun.

Es wird schon deutlich: deine Musik ist speziell und nicht unbedingt für ein großes Publikum gedacht.

Nein, ich habe kein großes Publikum. Ich mache Musik, die aus meinem Inneren kommt. Und damit werde ich auch nicht aufhören. Ich muss Musik machen, die mir etwas bedeutet.
Und wenn ich ehrliche Musik aus meinem Inneren mache und diese Musik andere Menschen anspricht, dann ist es das wert. Es wäre einfacher, ein großes Publikum zu erreichen, wenn ich denke, ich mache es so, weil es ihnen gefallen würde. Aber für mich wäre das nicht richtig. Ich muss Musik aus meiner Seele heraus machen.
Sicher wäre es schön, ein breiteres Publikum zu erreichen – vielleicht kommt das mit der Zeit.

Egal, welche Musik du machst – spielst du ein historisches Instrument, ist es „Viking-Music“

Die Instrumente, die du spielst, sind in vielerlei Hinsicht interessant. Wie bist du mit diesen nicht alltäglichen Instrumenten in Kontakt gekommen?

Das ist eine wirklich lange Geschichte. Wie du weißt, habe ich vor 20 Jahren mit diesem Art Musik angefangen. Am Anfang hatten wir alle eigentlich keine Ahnung, was wir taten. Wir haben mit Didgeridoos und Trommeln auf Wikingermärkten gespielt, mit verschiedenen Formen des Gesangs experimentiert. Über die Musik aus der Wikingerzeit gab es damals kaum Literatur. Und in Norwegen ist die Musikarchäologie noch ziemlich neu. Bis Ende der 70er Jahre gab es nicht einmal ein Verzeichnis der Funde von Musikinstrumenten.

Hattest du damals eine Idee von der Musik, die du machen wolltest und hast dann nach Instrumenten gesucht, mit denen du dies am besten ausdrücken kannst?

Als ich anfing, war es zunächst eher eine Verbundenheit mit Musik aus der ganzen Welt, eine Art Seelenverwandtschaft.

Dann habe ich die Wikingerszene entdeckt. Es war wirklich cool und ich habe mich immer mehr mit der Wikingerzeit beschäftigt. Es gab kaum Literatur darüber, aber ich habe alles gelesen, was ich über diese Zeit, die Musik, die Instrumente usw. finden konnte. Außerdem habe ich mich mit Leuten unterhalten, die sich in diesen Bereichen auskennen.

Wir haben dann ein Ausflug in die Musikarchäologie, der eher untergeordneten Rolle von Musik in der historischen Betrachtung gemacht und uns über Funde von Musikinstrumenten, Instrumentenbauer, die Rekonstruktionen herstellen unterhalten.

Es passt ja gut zu den Instrumenten, dass du häufig auch Texte in der Altnordischen Sprache, der Sprache der nordischen Länder vor der Christianisierung verwendest. Wie weit kanntest du dich damit aus?

In Norwegen lernen alle Kinder ein wenig darüber. Die meisten hassen es. Ich fand es interessant, weil mich historische Dinge interessierten. Ich kenne mich nicht so gut mit dieser Sprache aus.  Aber ich kenne Leute, die sich auskennen und die ich fragen kann. Leif-Arne Furevik, der die Texte für drei Lieder auf EP „Bronseplassen“ geschrieben hat, schreibt seine Texte in modernem Norwegisch, aber er schreibt sie nach den alten Traditionen und oft mit Handlungen aus den alten Texten. Und ich bin in der glücklichen Lage, Melodien zu einigen seiner Sachen machen zu dürfen.

Wir planen übrigens, nächstes Jahr ein Album mit seinen Gedichten und meinen Melodien aufzunehmen.

Auf deinem Album „Bronseplassen“ hast du auch Texte auf Nynorsk geschrieben. Du hast mir erzählt, dass du es magst, auf Nynorsk zu singen.

Ja, für mich ist diese Sprache lyrischer als meine eigene Sprache (Bokmål, die andere offizielle Sprache in Norwegen). Sie lässt sich leichter singen, ist melodischer und weicher.

Roh, verrückt, improvisiert, intuitiv und nicht poliert

Zu Beginn der Pandemie hast du eine Reihe Musik-Videos unter dem Titel „Quarantine Rituals“ veröffentlicht. Zu dem Lied „Frithr“ hast du gesagt, dass du es bereits vor 20 Jahren geschrieben und mit deinen Bands EHWAZ und SKVALTHR gespielt hast. Diese Art Musik sei den meisten Leuten aber „ein bisschen zu viel“ gewesen. Was war den Leuten zu viel?

Wenn wir dazu z.B. das Album von EHWAZ („Den siste ulvejakta?“) betrachten: viele Leute hassten es. Weil es so roh war. Und so war auch das, was wir live gemacht haben: es war nicht poliert, es war nicht schön. Sondern rauer Kehlgesang mit Trommeln. Das war zu viel für die meisten Leute.

Es ist ziemlich cool zu sehen, dass es das heute nicht mehr ist. Heute gibt es eine Menge Bands, die so etwas machen.

Aber einige Leute in der Wikingerszene haben uns und diese Art Musik geliebt, weil sie improvisiert und verrückt war, reine Energie. Und so haben wir in drei Jahren etwa 100 Shows gespielt.

Damals war es eher eine intuitive Art, Musik zu machen. Wie ist es dazu gekommen, dass du zunehmend professioneller vorgegangen bist und dir die historischen und musikalischen Hintergründe erarbeitet hast?

Das hatte mehrere Gründe. Zum einen hat es mich interessiert, weil unsere Kultur daraus entstanden ist. Und weil sich Menschen für uns eingesetzt haben. Wir waren damals ja keine authentischen Wikinger. Wir haben Instrumente verwendet, die es in der Wikingerzeit nicht gegeben hat. Damals kannte sich eben noch keiner damit aus. Aber wir sind dem gefolgt, was in uns war. Und waren auf diese Weise authentisch.

Was mich auch noch angetrieben hat, war die Frage: woher kommt das, was wir in uns hatten, was wir gefühlt haben? Woraus und wie hat sich die Musik, die wir in diesem Land machen, entwickelt? Ich denke, das war der Anfang.

Was hat sich dadurch verändert, dass du mehr über diese Zeit gewusst hast?

Je mehr ich darüber erfuhr, desto mehr dachte ich, dass wir in vielerlei Hinsicht richtig lagen mit dem, was wir taten. Denn je mehr ich darüber wusste, desto deutlicher wurde, dass wir eigentlich nichts darüber wissen, welche Art von Musik die Menschen damals gemacht haben. Wir haben Ideen dazu, aber keine Beweise.

„Wir sind dem gefolgt, was in uns war. Und waren auf diese Weise authentisch.“

Wir haben uns dann darüber unterhalten, das von einigen Historikern behauptet wird, dass die Wikinger keine Trommeln hatten. Von den Argumenten, die es dafür und dagegen gibt, entsprechende Reliefs und Bilder in und an Kirchen sind wir schließlich wieder die Instrumente, insbesondere die Leiern gekommen, die Kjell z.B. auf der EP „Bronseplassen“ verwendet.

Also, da es so wenig Wissen über die Instrumente gibt. weißt du ja auch nicht, wie sie gestimmt waren. Du hast auf deinen Leiern verschiedene Saiten ausprobiert…

Ja, es wurden viele Leiern gefunden, zerbrochen, ohne Saiten. Aber wir wissen, dass zum Beispiel Rosshaar als Saiten verwendet wurde.
Wir wissen, wie die Instrumente gebaut wurden, so dass wir die Repliken machen und entsprechende Saiten aufziehen können.  Und so ähnlich werden die Instrumente damals geklungen haben.  
Und wir wissen, wie man die Leiern spielen kann. Weil sie so einfach aufgebaut sind, gibt es nicht so viele Möglichkeiten, sie zu spielen. Daher wird es auch authentisch sein, wie ich die Leiern spiele.

Sicherlich kann man darüber diskutieren, ob sie die Leier gezupft oder die Saiten geschlagen haben. Ob sie Gesang anders begleitet haben als einen gesprochenen Vortrag. Aber wir wissen es nicht. Wir haben auch nur ungefähr eine Vorstellung davon, wie die Melodien geklungen haben, da es dazu nur wenige Beschreibungen gibt.

Was wir über die spätere mittelalterliche Musik wissen, wurde von der Kirche übermittelt. Aber wie können wir wissen, ob die Menschen nur so musiziert haben, wie die Kirche es wollte? Es gibt so viel Schwarz-Weiß-Denken über diesen Teil der Geschichte. Wir müssen die Sichtweise ändern, um uns dem zu nähern, was in dieser Zeit passiert sein könnte.

Nach einem Streifzug durch das, was die Kirche aus den Kulturen übernommen bzw. vereinnahmt hat, kamen wir noch auf die Geschichte von Olaf Haraldson. Auch hier war es so, dass neue Erkenntnisse die Sicht auf diesen König verändert haben. In dem Stück „Sverdet“ wurde diese Geschichte dargestellt. Kristoffer Hivju hat diesen König verkörpert und Kjell Braaten die Musik zu dem Stück geschrieben.

Reisen, Reisende und Daheimgebliebene

Also nachdem, was du bisher erzählt hast, war es eine lange Reise bis zu dem Punkt, an dem du heute bist.

Und die Reise ist noch nicht vorbei.

Dein letztes Album trägt bezeichnenderweise den Titel „Ferd“, was ‚Reise‘ bedeutet.

Bei „Ferd“ liegt der Schwerpunkt auf der Frage, woher unsere Kultur stammt. Die Menschen, die hier vor der Wikingerzeit und in der Wikingerzeit lebten, waren reisende Menschen. Und neuere Forschungen haben gezeigt, dass dieses Land während dieser Zeit multikulturell war. Hier lebten Menschen aus der ganzen Welt.
Und wenn wir uns die Musikinstrumente ansehen und woher sie sich entwickelt haben: Die meisten Instrumente kamen aus dem Nahen Osten, einige aus China und einige aus Afrika. Das greife ich auf dem Album auf.
Für den Song „Østavind“, was Wind aus dem Osten bedeutet, habe ich Klänge aus den östlichen Traditionen verwendet.

Oder bei „Vestarveg“, was Weg in den Westen bedeutet, ist Martine Kraft, eine großartige Hardangerfiedel-Spielerin, dabei. Sie hat hier ihre Erfahrungen aus der Arbeit mit indigener Musik eingebracht. Die Reisenden, um die es bei „Ferd“ geht, sind bis nach Amerika gekommen.
Bei „Kyst“ geht es um die Menschen, die auf den Höfen zurückgeblieben sind. Z.B. um die Frauen, die diese Höfe führten in der Ungewissheit, ob ihre Ehemänner jemals zurückkommen.

Wenn wir über die Wikingerzeit sprechen, geht es viel um Kämpfe und Plünderung. Aber das ist nur ein Teil der Wikingerzeit. Deshalb habe ich mich auf die Leute konzentriert, die zu Hause geblieben sind. Das waren viel mehr Leute als die, die in die Schlacht gezogen sind.
Ich habe mich also auf einen Teil der Wikingerzeit konzentriert, der nicht so sehr im Mittelpunkt steht, aber hätte stehen sollen.

Bronseplassen und das kommende Album „Blóta“

In diesem Monat ist die EP „Bronseplassen“ herausgekommen. Sie ist die Aufnahme eines Konzertes, das du in Bronseplassen gegeben hast. Du singst Lieder, die du jeweils nur mit einem Instrument begleitest.

Ja, es gibt nur mich und meine Instrumente. So wie ich es mache, wenn ich auf Wikingermärkten spiele. Da singe ich nur begleitet von meinen Leiern.
Aber ich singe keine mittelalterlichen Balladen, sondern meine eigenen Lieder.
Die Texte stammen u.a. von Leif-Arne Furevik, der ein erstaunlicher Autor ist. Er hat sich intensiv mit der Lyrik der Wikingerzeit beschäftigt und schreibt seine Gedichte in dieser traditionellen Sprache und Versform. Und er benutzt Worte aus diesen Gedichten, um seine Geschichten auszudrücken, und wenn sich die Geschichte ändert, nimmt er Worte aus einem anderen Gedicht, um so die Bedeutung auszudrücken.
Wenn man also seine Gedichte hört oder liest, bekommt man Geschichten, die Bezüge zu mythologischen Geschichten herstellen. Je mehr man über die nordische Mythologie weiß, desto mehr Schichten eröffnen sich. Das ist einfach fantastisch.

Im nächsten Jahr wird es ja auch ein neues Album von dir geben.

Ja. Das Album wird „Blóta“ heißen.  Es ist ein sehr persönliches Album. Der Grund, warum es „Blóta“ heißt, was „Ritual“ bedeutet, ist, dass ich viele harte Erfahrungen gemacht habe. Und darüber habe ich Lieder geschrieben. „Blóta“ ist mein Ritual, um über einige sehr verletzende Erfahrungen zu kommen, die mich lange Zeit gequält haben.

Dieses Album ist meine Reise durch diese dunklen Zeiten. Ich wollte sie dadurch zu einer Stärke machen und ihnen ihre zerstörerischen Kräfte nehmen.
Der Grund, warum ich ein Album daraus gemacht habe, ist meine Hoffnung, dass es anderen Menschen helfen kann, durch ihre eigene Dunkelheit zu gehen. Ihren eigenen tiefen Kummer oder was auch immer.

Ich durfte bereits das Lied „Sol“ hören und ich dachte: weshalb ist es nicht das letzte Lied des Albums, sondern befindet sich eher in der Mitte? „Sol“ ist ein so leuchtendes und wohltuendes Lied.

Das Album ist eine emotionale Reise. Ganz kurz zusammengefasst: ich werde damit beginnen, dass ich die verschiedenen Kräfte der Natur anrufe. Dies führe ich in einem Gebet zusammen, in dem es darum geht, dass die Menschheit anfangen muss zu verstehen, dass der einzige Weg zum Überleben darin besteht, zusammenzuhalten.

Das nächste Lied ist „Sorg“ (Leid, Trauer). In diesem Lied, das etwa 10 Minuten lang ist, gehe ich tief in meine eigenen Sorgen, um sie zu verarbeiten. Das war ein ziemlich harter persönlicher Prozess und es war wirklich schwer, den Song zu veröffentlichen. Denn es ist mein eigener Kummer. Ich möchte nicht darauf eingehen, was für ein Kummer es ist, denn das würde verhindern, dass andere Menschen es für ihren eigenen Prozess nutzen können.
Dann gehe ich über zu einem Song namens „Galdr“, der in der Akustikversion auch auf „Bronseplassen“ ist. Und dann folgt ein eher atmosphärischer Song.
Aber ich will nicht weiter von meiner Geschichte erzählen, denn der Sinn des Albums ist es, dass der Hörer seine eigene Reise durch seine eigene Geschichte macht. Nach diesem Lied geht es schließlich weiter zu „Sol“.

Es ist wahrscheinlich das tiefgründigste Album, an dem ich auf einer so persönlichen Ebene gearbeitet habe. Es war eine Menge Arbeit. Aber es war etwas, das ich brauchte. Und hoffentlich kann es einigen anderen helfen.  

Das ist ein gutes Schlusswort! Oder gibt es noch etwas, das du unseren Lesern mit auf den Weg geben möchtest?

Ich möchte mich bei all meinen Followern und Fans dafür bedanken, dass sie da sind und mich unterstützen. Ihr seid es, die es mir ermöglichen, weiterhin Musik zu machen. Und ihr seid es, die mich inspirieren und mich in schwierigen Zeiten am Laufen halten. Ich schätze das sehr.
Ich hoffe, dass ihr da draußen gesund und sicher bleibt und dass wir uns eines Tages treffen werden.

Ich bedanke mich sehr für das Interview!

Die Musik von Kjell Braaten gibt es HIER

Zur Einstimmung ein wunderschönes Lied von der EP „Bronseplassen“:

Interview with Kjell Braaten

Kjell Braaten has released the EP „Bronseplassen“ on 8 November 2021. The EP is a recording of a concert he gave in July 2021 at Bronseplassen in Høvåg, Norway. Bronseplassen is a reconstructed site from the Bronze Age.In 2020, the album „Ferd“ was released, which is about the journeys of the people from that time, from which they brought back musical instruments and music. Ultimately about the question of where our present-day culture comes from.

Since Kjell Braaten, in addition to his work as a musician, composer and producer, also gives lectures on the music of the Viking Age, presenting musical instruments from the Bronze Age through the so-called ‘Viking Age’ to the Middle Ages, his music is often (incorrectly) referred to as ‚Viking Music’.

In the interview, he talks about how he himself describes the music as it can be found on „Ferd“ and „Bronseplassen“, as well as about raw, unpolished music on Viking markets and early albums. And about how he came to use historical instruments in the first place. It’s about originality and further development, the preoccupation with musical archaeology. But it’s also about the history of Norway, Kristoffer Hivju (who was Tormund Giantsbane in Game of Thrones) in the role of King Olaf Haraldson and some more.

Finally, we talked about the upcoming album, which is scheduled for release in spring 2022.

Modern music with old sounds and historical instruments

Kjell, how would you describe what kind of music you make to people who don’t know your music yet?

Yes, here I could tell a lot. The short answer is it is modern music played on historical instruments.
I have done a lot of very different, diverse music. Not only with ancient instruments. But for all the albums I’ve done so far, I can say that I make modern music with old sounds.

Often your music is called ‘Viking Music’ or ‘Folk Music’.

Yes, many people say that. Or they call it ‘Modern Viking Music’ but it’s definitely not that. I think it has to do with the fact that I play instruments that are associated with that time. Or it has to do with the fact that I have a website called „vikingmusic.no“. But it has nothing to do with the music I make, but with the lectures I give on the subject.

It’s like this: no matter what music you make, if you play a historical instrument, it’s „Viking music“.

In my opinion, your music is neither „Folk music“ nor „Viking music“. Apart from the fact that we hardly know anything about the music of that time.

Yes, when we talk about the music of the Viking Age, we can only say: we have no idea what they did. What many people today call „Viking music“ definitely doesn’t have much to do with the music that was played during that time.

As far as my music is concerned, the term „Viking music“ is not appropriate. Some people say „Modern Viking Music“. That makes sense to a certain extent and it’s a term you can definitely use.

„Nordic Folk Music“ on the other hand is completely wrong. „Nordic Folk Music“ means traditional folk music. And my music has nothing to do with that.

It’s already clear: your music is special and not necessarily meant for a large audience.

No, I don’t have a big audience. I make music that comes from within me. And I won’t stop there. I have to make music that means something to me. And if I make honest music from my inner self and this music appeals to other people, then it’s worth it. It would be easier to reach a big audience if I thought I was doing it that way because they would like it. But for me, that wouldn’t be right. I have to make music from my soul.
Sure, it would be nice to reach a wider audience – maybe that will come with time.

No matter what kind of music you make, if you play a historical instrument, it’s „Viking Music“

The instruments you play are interesting in many ways. How did you get in touch with these uncommon instruments?

It’s really a long story. As you know, I started playing this kind of music 20 years ago. In the beginning, we all really had no idea what we were doing. We played with didgeridoos and drums at Viking markets, experimented with different forms of singing. There was hardly any literature about music from the Viking Age at that time. And in Norway, music archaeology is still quite new. Until the end of the 1970s, there was not even a register of finds of musical instruments.

Did you have an idea of the music you wanted to make at that time and then searched for instruments with which you could best express this?

When I started, it was more of a connection with music from all over the world, a kind of spiritual kinship.

Then I discovered the Viking scene. It was really cool, and I got more and more involved with the Viking Age. There was hardly any literature about it, but I read everything I could find about that time, the music, the instruments, etc. I also talked to people who knew a lot about these things.

We then made an excursion into music archaeology, the rather subordinate role of music in historical observation, and talked about finds of musical instruments, instrument makers who make reconstructions.

It fits well with the instruments that you often use texts in the Old Norse language, the language of the Nordic countries before Christianisation. How much did you know about it?

In Norway, all children learn a little bit about it. Most of them hate it. I found it interesting because I was interested in historical things. I don’t know that much about the language.  But I know people who do, and I can ask them. Leif-Arne Furevik, who wrote the lyrics for three songs on EP „Bronseplassen“, writes all his lyrics in modern Norwegian, but he writes them according to the old traditions, and often with actions from the old texts. And I’m in the lucky position of being able to do melodies for some of his stuff.

By the way, we are planning to record an album with his poems and my melodies next year.

On your album „Bronseplassen“ you also wrote lyrics in Nynorsk. You told me that you like to sing in Nynorsk.

Yes, for me this language is more lyrical than my own language [Bokmål, the other official language in Norway]. It is easier to sing, more melodic and softer.

Raw, crazy, improvised, intuitive and not polished

At the beginning of the pandemic, you released a series of music videos under the title „Quarantine Rituals“. Regarding the song „Frithr“, you said that you had already written it 20 years ago and played it with your bands EHWAZ and SKVALTHR. But this kind of music was „a bit too much“ for most people. What was too much for people?

If we take EHWAZ’s album („Den siste ulvejakta?“) for example: many people hated it. Because it was so raw. And so was what we did live: it wasn’t polished, it wasn’t beautiful. It was raw throat singing with drums. That was too much for most people.
It’s pretty cool to see that it’s not like that anymore. Today there are a lot of bands that do that.

But some people in the Viking scene loved us and that kind of music because it was improvised and crazy, pure energy. And so we played about 100 shows in three years.

Was it more of an intuitive way of making music at that time? How did it come about that you became increasingly professional and worked out the historical and musical background?

There were several reasons for that. On the one hand, I was interested because our culture came out of it. And because people stood up for us. We were not authentic Vikings back then. We used instruments that didn’t exist in Viking times. At that time, nobody knew about it. But we followed what was inside us. And in this way, we were authentic.

What also drove me was the question: where did what we had inside us, what we felt, come from? What and how did the music we make in this country evolve from? I think that was the beginning.

What changed after you knew more about that time?

The more I learned about it, the more I thought that in many ways we were right in what we were doing. Because the more I knew about it, the more I noticed, that we actually know anything about what kind of music people were making back then. We have some ideas about it, but no proof.

„We followed what was inside us. And were authentic in that way.“

We talked about the fact that some historians claim that the Vikings did not have drums. From the arguments for and against, corresponding reliefs and pictures in and on churches, we finally came back to the instruments, especially the lyres, which Kjell uses e.g., on the EP „Bronseplassen“.

Since there is so little knowledge about the instruments, you don’t know how they were tuned. You tried different strings on your lyres…

Yes, many lyres have been found, broken, without strings. But we know that horsehair, for example, was used as strings.
We know how the instruments were built, so we can make replicas and string them up.  And that’s pretty much how they sounded.  
And we know how to play the lyres. Because they are so simple, you can’t do a lot of different things with them. Therefore, the way I play the lyres will also be authentic.
Certainly, one can discuss whether they plucked the lyre or struck the strings. Were they stroking it while talking, were they plucking it while singing? But, we don’t know. There are some descriptions that might give us an idea about the melodies.

What we know about later medieval music was transmitted by the church. But how do we know if people only made music the way the church wanted them to? There is so much black and white thinking about this part of history. We need to change the way we look at it to approach what might have happened during that time.

After an discussion about what what the church has taken over or appropriated from the cultures, we still came to the story of Olaf Haraldson. Here, too, it was the case that new insights changed the view of this king. In the play „Sverdet“ this story was presented. Kristoffer Hivju impersonated this king and Kjell Braaten wrote the music for the play.

Travelling, Travellers and Staying at Home

From what you’ve told us so far, it’s been a long journey to get to where you are today.

And the journey is not over yet.

Your latest album is significantly titled „Ferd“, which means ‚journey‘.

“Ferd“ focuses on the question of where our culture comes from. The people who lived here before the Viking Age and during the Viking Age were travelling people. And newer research has shown that this land was multicultural during that time. People from all over the world lived here.
And if we look at the musical instruments and from where they evolved: Most of the instruments came from the middle- East, some from China, and a from Afrika. And that was the focus on “Ferd”.

For the song „Østavind“, which means wind from the east, I used sounds of the eastern traditions. Or on „Vestarveg“, which means Way to the West, Martine Kraft, a great Hardanger fiddle player, is there. Here she has brought in her experience from working with indigenous American music. Because the travellers that „Ferd“ is about have come all the way to America.

“Kyst“ is about the people who stayed behind on the farms. For example, about the women who ran these farms in the uncertainty of whether their husbands would ever come back.
When talking about the Viking age there is so much about fighting and raping. But that’s only a part of the Viking age. So I focused on the people that stayed at home. Which have been a lot more people than those having been out for battle.

The rest of the world is focusing about the battles so I thought I should focus on the other part.

Bronseplassen and the upcoming album „Blóta”

This month the EP „Bronseplassen“ came out. It is a recording of a concert you gave at Bronseplassen. You sing songs accompanied by only one instrument.

Yes, it’s just me and my instruments. Just like I do when I play at Viking markets. There I am  singing with my lyres. But I don’t sing medieval ballads, I sing my own songs. The lyrics come from Leif-Arne Furevik, among others, who is an amazing writer. He has studied the poetry of the Viking Age intensively and writes his poems in this traditional language and verse form. And he uses words from these poems to express his stories, and when the story changes, he takes words from another poem to express the meaning.

So when you hear or read his poems, you get stories that make references to mythological stories. The more you know about Norse mythology, the more layers open up. It’s just fantastic.

There will be a new album from you next year.

Yes, the „Blóta“ – album.  It’s a very personal album. The reason why it’s called „Blóta“, which means „ritual“, is because I made songs about some very hard experiences. „Blóta“ is my ritual to come over some very harmed experiences that terrorized me for a long time. And I really needed to walk through them.

This album is my journey through those dark times. I wanted to make them a strength rather than a destructive force.
The reason I made an album out of it is my hope that it can help other people go through their own darkness. Their own deep sorrow or whatever.

I already got to hear the song „Sol“ and I thought: why is it not the last song of the album, but rather in the middle? „Sol“ is such a luminous and soothing song.

The album is an emotional journey. Shortly spoken, I will start up with me calling on the different forces. Collecting them and making a prayer that humanity needs to start to understand that the only way of survival is to stand together.

The next song is „Sorg“ (sorrow, grief). In this song, which is about 10 minutes long, I go deep into my own sorrows to find to work them out. That was quite a hard personal process, and it was really hard to release the song. Because it’s my own sorrow. I don’t want to go into what kind of grief it is because that would prevent other people from using it for their own process. Then I am going over to a song called „Galdr“ (magical incantation), which is also on „Bronseplassen“ in the acoustic version. Then follows a more atmospheric song. But I won’t give too much out of my own, tell much of my story, because the album should reflect every listener’s own story, their own journey. Which is the point with the whole album.
And from then it goes to “Sol”

It is probably the deepest album I ever worked on a personal level. It was a lot of work. But something I needed. And hopefully it can help some other.

That’s a good conclusion! Or is there anything else that you would like to give our readers to take with them?

Finally, I want to thank all my followers and fans for being there and for supporting me. It is you who allow me to continue making music. It is you who inspire me and keep me going when difficult times come. I really appreciate all of you.
I hope you stay healthy and safe outside, and that one day we can meet.

Thank you very much for the interview!

You can find Kjell Braatens music HERE

To set the mood, a beautiful song from the EP „Bronseplassen“:

Die EP ist der Mitschnitt eines Konzertes, das der Multi – Instrumentalist und Komponist, der u.a. auch Percussionist bei WARDRUNA war, am 10. Juli 2021 auf dem Bronseplassen in Høvåg, Norwegen gegeben hat.

Konzert – Aufnahmen sind immer etwas Besonderes. Weil sie nicht wiederholbar sind und die besondere Stimmung dieses einen Konzertes wiedergeben.

Ein weiterer besonderer Aspekt dieses Mitschnittes ist es, dass Kjell Braaten auf „Bronseplassen“ Lieder spielt, die bisher auf keinem seiner Alben zu hören sind. Einige Lieder werden aber in einer Studioversion auf seinem für 2022 geplanten Album „Blóta“ zu finden sein.

Er hat ein paar dieser Lieder – wenn auch in anderer Fassung – seit vielen Jahren im Rahmen verschiedener Veranstaltungen gespielt. Dort wurde er wiederholt gefragt, ob es ein Album mit den Liedern gibt. Nun ist es also so weit.

Moderne Musik auf historischen Instrumenten

Kjell Braaten spielt auf Rekonstruktionen von Instrumenten, die der Zeit um 600 n. Chr. bzw. der Wikingerzeit und dem Mittelalter zugeordnet werden. Neben Trommeln und Hörnern sind es drei Leiern (aus Sutton Hoo, Trossingen und dem Kravik-Hof), die sich aufgrund ihrer unterschiedlichen Formen und Saiten im Klang voneinander unterscheiden.

Dabei geht es ihm nicht darum, mittelalterliche Musik oder Musik aus der Wikingerzeit zu spielen. Die Instrumente stellen seine Verbundenheit mit den nordischen Regionen dar.

Musik ist für Kjell Braaten nicht nur Klang und Emotion, sondern eine Sprache, die Bilder und Geschichten oft besser übermitteln kann als die gesprochene Sprache.

Mit den Liedern auf „Bronseplassen“ hat er Geschichten, Bilder und Emotionen mit betörenden Melodien und Klänge ausgedrückt. Man braucht die Texte, die in Alt – Nordisch aber auch modernem Norwegisch verfasst sind, nicht zu verstehen, um die Emotionen zu erfassen und in sich ein Bild zu entwickeln.

Der Klang des Widderhorns

Der Klang von Hörnern wurde immer schon zur Ankündigung oder Einladung genutzt. So ist es stimmig, dass „Bukkehorn“ mit solch einer Melodie einlädt, uns auf dem „Bronseplassen“ zum Konzert einzufinden.

„Gran“: der Text von Tove Hassel handelt von der Schönheit und den hilfreichen Eigenschaften der Fichte. Die Melodie des Gesangs klingt zart und liebevoll und doch fest und bestimmt.

Der volle Klang der Sutton Hoo Leier unterstreicht dies wirkungsvoll.

Der Text zu „Bånd Binde“ wurde ursprünglich für eine Hochzeitsfeier geschrieben. Kjell Braaten übermittelt diesen poetischen Text über Verbundenheit, Treue und Magie mit einer sehnsuchtsvollen und zugleich fröhlichen Melodie.  

„Schweig‘ in der Rede, sie ergreift das Wort“

„Frigg“  ist eine Hymne an die Göttin Frigg, die als Göttin des Lebens, der Frauen und Hüterin des Herdfeuers in der nordischen Mythologie eine wichtige Rolle spielte. Sie wird als weise Frau betrachtet, von der Hilfe bei Kummer und Sorgen erhofft wird. Als Frau von Odin hat sie oft eine klare Position bezogen und immer wieder ihre Ansicht der ihres Ehemanns entgegengestellt.

Kjell Braaten gibt den Worten von Leif-Arne Furevik, der diese Gedanken über Frigg in vielschichtiger Weise ausdrückt, eine wunderschöne Melodie. Sowohl im Gesang als auch in der Begleitung auf der Kravik Leier, dem ältesten bekannten norwegischen Saiteninstrument.

Dieses Lied geht durch seine Intensität unter die Haut und wirkt noch lange nach.

„Vindsveipt Voll“ ist eine Anerkennung für diejenigen, die unter oft recht widrigen (Wetter)Bedingungen Wikingermärkte veranstalten, um anderen eine gute Zeit zu ermöglichen.

Und dieser Song rockt richtig! Es ist schon erstaunlich, was für einen kraftvollen Klang die Kravik Leier hervorbringen kann.  

Von „Skumringsdrøm“ zu „Galdr“

„Galdr“ ist eines der Lieder, das bereits Zeit und Geschichte(n) hinter sich hat. Unter dem Titel „Skumringsdrøm“ ist es 2001 von EHWAZ auf „Den siste ulvejakta?“ veröffentlicht worden. Mit dabei war u.a. Maria Franz von HEILUNG. Jetzt hat Kjell Braaten hier seine Version unter dem Titel „Galdr“ veröffentlicht und dabei und den Schwerpunkt vom Traum in der Dämmerung auf den „magischen Gesang“ gelegt.

Der spirituelle Gesang wird nur von der Rahmentrommel begleitet. Lautmalerisch ohne Worte weckt dieses Lied durch die Wärme und Varianz der Stimme tiefe Emotionen.

Beim „Haugsong“ wird der Gesang wieder von der Kravik Leier begleitet, die zurückhaltend die Verse begleitet und ausschmückt.  „Haugsong“ ist – auch wenn der Titel (‚Grabhügel-Lied‘) zunächst anderes vermuten lässt – ein Liebeslied. Doch eines, das von Sehnsucht, Verlust und Loslassen handelt. Aber auch von der Vorstellung, sich irgendwann wiederzufinden.

Nähe zu spüren, auch wenn der andere nicht mehr auf dieser Welt ist. Die Aufforderung, dem Lied zu folgen und ebenfalls die Brücke ins Jenseits zu überqueren. Und schließlich Frieden zu finden, weil sie wieder vereint sind. Der Gesang bringt diese schmerzvolle Sehnsucht ruhig und ergreifend zum Ausdruck. Und auch die Verbundenheit mit dem Gedanken, dass letztlich alles zu seinem Ursprung zurückkehrt.

Somit ist dieses Lied ein passender Abschluss für die EP.

Die Sehnsucht und das Ursprüngliche in der Musik: mystisch und rockend

Kjell Braaten gelingt es, den Hörer allein mit seiner Stimme, einem begleitenden Instrument, ihren Melodien und Klängen in seinen Bann zu ziehen. Seine Lieder machen es möglich, an tiefe und uralte emotionale Bedürfnisse anzuknüpfen. Sie geben Raum sowohl für Sehnsucht und Hoffnung als auch für Schmerz und Trauer.

Damit ermöglicht er auch einen direkten Zugang zu dem, was das Gemeinsame – oder der Ursprung – jeder Art und Form von Musik ist.

Dies ist mit ein Grund, weshalb ich diese Lieder so mag:  unter ihrer Feinheit und Schönheit kommen Raues und Elementares zum Vorschein. Ursprüngliches verbindet sich mit Neuem, Modernem.

Die Texte erzählen von persönlichen Themen, die jeden beschäftigen. Aber sie tun dies vielschichtig, in Bildern und basierend auf Elementen der (nordischen) Mythologie.

Interview und Video vom Konzert

Mehr über seine Musik, die Instrumente, „Viking – Music“, Throatsinging, die Vorläufer des (Black) Metal, das im kommenden Jahr erscheinende Album „Blóta“ im Interview mit Kjell Braaten – in ein paar Tagen hier.

Das Konzert vom „Bronseplassen“ wird auch als Video bei YouTube zu sehen sein.

Das Album kann HIER bestellt werden.

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English Version

On 8^th of November 2021, Kjell Braaten will release the EP „Bronseplassen“.

The EP is a recording of a concert that the multi-instrumentalist and composer, who also was a percussionist with WARDRUNA, gave on 10 July 2021 at Bronseplassen in Høvåg, Norway.

Concert recordings are always something special. Because they are not repeatable and reflect the special mood of this one concert.

Another special aspect of this recording is that Kjell Braaten plays songs on „Bronseplassen“ that have never been heard on any of his albums before. Some songs, however, will be found in a studio version on his album „Blóta“, which is planned for 2022.

He has played a few of these songs – although in a different version – for many years at various events. There he was repeatedly asked if there would be an album with the songs. And now this time has come.

Modern music on historical instruments

Kjell Braaten uses reconstructions of instruments that have been assigned to the time around 600 AD or to the Viking Age and the Middle Ages. Besides drums and horns, there are three lyres (from Sutton Hoo, Trossingen and the Kravik farm), which differ from each other in sound due to their different shapes and strings.

He is not interested in playing medieval music or music from the Viking Age. It is more about, representing his connection with the Nordic regions by playing these instruments.

For Kjell Braaten, music is not only sound and emotion, but a language that can often convey images and stories better than spoken language.

With the songs on „Bronseplassen“ he expresses stories, images and emotions with enchanting melodies and sounds. You do not need to understand the lyrics, which are written in Old Norse but also modern Norwegian, to grasp the emotions and develop a picture within yourself.

The sound of the ram’s horn

The sound of horns has always been used to announce or invite. Therefore it is fitting that „Bukkehorn“ uses such a melody to invite us to join the concert at „Bronseplassen“.

„Gran“: The lyrics by Tove Hassel are about the beauty and helpful qualities of the Norway spruce. The melody of the song is tender and loving, yet firm and determined.

The lyrics to „Bånd Binde“ were originally written for a wedding celebration. Kjell Braaten conveys this poetic text about attachment, fidelity and magic with a melody that is both yearning and joyful. 

“Silently shares today’s broad views”

„Frigg“ is a hymn to the goddess Frigg, who played an important role in Norse mythology as goddess of life, women, and guardian of the hearth fire. She is regarded as a wise woman from whom help is hoped for in sorrow and worry. As Odin’s wife, she often took a clear stand and repeatedly opposed Odin’s views with her own.
Kjell Braaten gives a beautiful melody to the words of Leif-Arne Furevik, who expresses these thoughts about Frigg in a multi-layered way, both in the singing and in the accompaniment on the Kravik lyre, the oldest known Norwegian stringed instrument.

The intensity of this song is a memorable, strongly emotional and lingers for a long time.

„Vindsveipt Voll“ is a tribute to those who organise Viking markets under often quite adverse (weather) conditions to enable others to have a good time.
This song rocks! It is quite amazing what a powerful sound the Kravik lyre produces.

From „Skumringsdrøm“ to „Galdr“

„Galdr“ is one of the songs that already has quite the history behind it. It was released by EHWAZ in 2001 on „Den siste ulvejakta?“ under the title „Skumringsdrøm“. Among others, Maria Franz from HEILUNG was involved. Now Kjell Braaten has published his version here under the title „Galdr“ and in doing so moves the focus from the dream in the twilight to the „magic chant“.

The spiritual chant is accompanied only by the frame drum. Onomatopoeic without words, this song evokes deep emotions through the warmth and variance of the voice.

In „Haugsong“ the singing is again accompanied by the Kravik lyre, which restrainedly accompanies and embellishes the verses. 

“Haugsong” is – even if the title (‚Grave Mound Song‘) initially suggests otherwise – a love song. But one that is about longing, loss and letting go. But also, about the idea of finding each other again someday.

To feel closeness, even if the other person is no longer in this world. The invitation to follow the song and to cross the bridge into the beyond. And to finally find peace because they are reunited.
The song expresses this painful longing quietly and movingly. And also, the thought that ultimately everything returns to its origin. Thus, this song is a fitting conclusion.

The longing and the origin of music: mystical and rocking

Kjell Braaten succeeds in captivating the listener with his voice alone, one accompanying instrument, its melodies, and sounds. His songs make it possible to connect to deep and ancient emotional needs. They give space for longing and hope as well as for pain and sadness.
In this way, he also enables direct access to what is common – or the origin – of every kind and form of music.

This is one of the reasons why I like these songs so much: in their subtlety, nuances, and beauty, the raw and elemental comes to the forefront. The original is combined with the new, the modern.

The lyrics tell of personal themes that affect everyone. But they do so complexly, in images and based on elements of (Nordic) mythology.

Interview and video of the concert

More about his music, the instruments, „Viking – Music“, Throat-singing, the precursors of (Black) Metal, the album „Blóta“ (coming out next year) in the interview with Kjell Braaten – in a few days here.

The concert from „Bronseplassen“ will also be available as a video on YouTube.

The album can be ordered HERE.

Kjell Braaten veröffentlicht den ersten Song von seiner neuen EP „Bronseplassen“

Die EP „Bronseplassen“ ist der Mitschnitt eines Konzertes vom Juli 2021, das Kjell Braaten auf dem Bronseplassen in Høvåg, Norwegen gegeben hat.

Am 11. Oktober 2021 gibt es mit „Frigg“ einen Vorgeschmack auf diese EP. Das Lied ist eine Hymne an die Göttin Frigg. Frigg (oder auch Frigga) spielt in der nordischen Mythologie eine wichtige Rolle. Sie ist die Göttin des Lebens, der Frauen, der Geburt und die Hüterin des Herdfeuers. Frigg wird als weise Frau gesehen, an die man sich bei Kummer und Sorgen wenden kann. Als Frau von Odin hat sie oft eine klare Position bezogen, indem sie ihre Ansicht der ihres Ehemanns entgegenstellte.

„Schweig‘ in der Rede, sie ergreift das Wort“

Kjell Braaten gibt den Worten von Leif-Arne Furevik, der diese Gedanken über Frigga in den Lyrics in besonderer Weise ausdrückt, eine wunderschöne Melodie. Sowohl im Gesang als auch in der Begleitung auf der Kravikslyra.
Die Kravikslyra ist das älteste bekannte norwegische Saiteninstrument. Sie wird auf die Zeit um 1600 datiert.

Auch für die anderen Liedern der EP „Bronseplassen“ verwendet Kjell Braaten Rekonstruktionen von Instrumenten, die bei Ausgrabungen gefunden wurden.

„Bronseplassen“ erscheint am 8. November 2021. Hier könnt ihr „Frigg“ und „Bronseplassen“ erhalten.

Lindy-Fay Hella & Dei Farne kündigen Album „Hildring“ an   

Die norwegischen Musiker Lindy-Fay Hella, Roy Ole Førland, Ingolf Hella Torgersen und Sondre Veland werden am 26. November 2021 via By Norse das Album „Hildring“ herausbringen.

Lindy-Fay Hella, Sängerin und Mitbegründerin von WARDRUNA, hat 2019 das Album „Seafarer“ veröffentlicht. Während „Seafarer“ ein schon fast hypnotisierendes Album ist, soll „Hildring“ dunkler und rhythmischer und auch an der alternativen Musik der 70er und 80er oientiert sein. Außerdem basiere ein Teil des Albums auf Improvisationen. Sie hätten dabei mehr auf ihr Bauchgefühl gehört, als alles bis ins Detail festzulegen.

Dazu Lindy-Fay:  

Wir sind älter geworden und fühlen uns sicher in unserem eigenen musikalischen Ausdruck. Wir machen einfach die Musik, die wir machen wollen.

„Hildring“ bedeutet Illusion, Fata Morgana. Das Album soll die Ehrfurcht widerspiegeln, mit der die Musiker die Natur und ihre elementaren Kräfte betrachten.

Lindy-Fay Hella erklärt:

Ich habe oben in den Lyderhorn-Bergen einen Ort gesehen, der einen perfekten Spiegel im Wasser bildet, wenn es ruhig ist. Das lässt mich an die Anderswelt oder an Paralleluniversen denken.

Dieser Ort in der Nähe von Bergen ist für sie ein magischer Ort. Wie weit es Lindy-Fay Hella & Dei Farne gelungen ist, diese Magie einzufangen, könnt ihr schon mal in diesem Video sehen: