steht SAVATAGE nach der Platte „Handful Of Rain“ bevor. Nach dem mehr als tragischen Tod von Criss Oliva musste man sich erst einmal erholen und neu sortieren. Ein Ende der Band kam dann allerdings nicht in Frage, sondern man wollte weitermachen. Allerdings gab es eine Umstrukturierung im Bandgefüge. Gitarisst Criss Caffery aus Gutter Ballet Zeiten kehrte zurück und Al Pitrelli stieg als Lead Gitarrist ein. Jeff Plate setzte sich in die Schießbude. Allerdings gab es auch Änderungen in der musikalischen Ausrichtung, was ich persönlich nicht so sehr begrüßte. Am 23.09.’22 erscheinen nun die Alben „Dead Winter Dead“ und „The Wake Of Magellan“ als Re-Release auf Vinyl.

„Dead Winter Dead“

Der Bosnienkrieg

war damals der Aufhänger für dieses Konzeptalbum. Es ist die traurige Geschichte vom Staat Jugoslawien, die kurze Zeit nach dem glücklichen Ereignis des Mauerfalls ihren tragischen Lauf nahm. Das Land war innerlich zerrissen und schließlich forderten Teile des Staates ihre Unabhänigkeit, was letztlich zu einem offenen Krieg führte. Das Album handelt von zwei Kämpfern auf verfeindeten Seiten, die sich in der Stadt Sarajevo gegenseitig bekämpften. Das Cover des Albums zeigt den Marktplatz und im Vordergrund ein Wasserspeier, der von einem Turm über diesen Platz wachte.

Es begab sich während der Kämpfe, dass ein Musiker in seine Stadt zurückkehrte und all das Leid und die Zerstörung sah. Er war schockiert und er machte es sich zur Aufgabe, jeden Tag trotz der immensen Gefahr auf dem Marktplatz inmitten der umkämpften Stadt zu musizieren. Die beiden Kämpfer lauschten jeden Tag dieser Musik, bis diese plötzlich eines Tages aprupt verstummte. Beide Kämpfer, ein Serbe und eine Muslima, begaben sich zu dem Brunnen, an dem der Cellospieler immer musizierte. Er wurde getötet und lag blutverschmiert an dem zerstörten Brunnen! In den beiden Soldaten wuchs die Erkenntnis über all die Sinnlosigkeit und Grausamkeit des Krieges und beide desertierten gemeinsam und verließen den Kriegsschauplatz.

Eine Rock-Oper

Paul O‘ Neill konnte sich nun voll verwirklichen. Im Ergebnis bleibt ein SAVATAGE-Album, das vom Stil und Konezpt an Härte eingebüßt hat, aber dafür mit mehr Klassik und Synfonik ausgestattet wurde. Die klangliche Handschrift von SAVATAGE bleibt aber nach wie vor erkennbar. Auf dem Album finden sich mehr Balladen als auf irgendeinem anderen Album, wobei die Stimmung dem Thema entsprechend melancholisch ausgefallen ist.

An dem Konzept scheiden sich die Geister. Ohne Frage ist das Gesamtkonzept gut ausgearbeitet und die Songs sind handwerklich wie gewohnt erste Sahne. Die Gitarrenarbeit ist nach wie vor hervorragend, auch wenn Criss Oliva niemand ersetzen kann. Doch für mich nimmt dieses Album musikalisch nicht so einen hohen Stellenwert ein und erreicht nicht die Klasse wie beispielsweise „Streets“. Ich weiß, dass einige dies anders sehen, aber so ist das eben mit persönlichen Empfindungen und Geschmäckern. Aber man muss einfach sagen, dass es kein typisches SAVATAGE-Album ist. Wenn man sich mit SAVATAGE beschäftigen möchte, würde ich dieses Album nicht als erstes empfehlen.

Ein kleine Anekdote

am Rande sei noch erwähnt. Witziger- und zugleich tragischerweise wurde ausgerechnet der Instrumentaltrack „Christmas Eve“ ein unglaublich erfolgreicher Track, der der Band einerseits einen starken Bekanntheitsschub verpasste, aber gleichzeitig der Anfang vom Ende der Band war. Warum? Nun…. Mitglieder der Band gründeten die Band TRAN SIBIRIAN ORCHESTRA, deren großer Erfolg war neben Jon Olivas anderem Projekt „Jon Olivas Pain“ das Ende von SAVATAGE besiegelte. Außerdem hatte Jon Oliva noch sein Nebenprojekt „Jon Olivas Pain“ am laufen. SAVATAGE wurde somit 25 Jahre nach Gründung im Jahr 2007 aufgelöst.

Die Vinyl-Edition

Dead Winter Dead” erscheint als hochwertige 33rpm Doppel-LP auf 180g-Vinyl im Gatefold sowie als streng limitierte Sammleredition auf rotem Vinyl, die eine Replik des Europa-Tourplakats von 1996 enthält. Beide Editionen wurden für Vinyl gemastert und das Original-Cover-Design wurde um ein erweitertes Artwork samt 16-seitigem LP-Booklet angereichert.

„The Wake Of Magellan“

Der Seeman

Die Geschichte handelt von einem Mann namens Hector Magellan. Er ist ein alter Seemann und Nachfahre von Ferdinand Magellan, der im Jahre 1527 als erster Mensch die Welt umsegelte. Hector ist sehr alt geworden und hat all seine Freunde überlebt. Eine Familie habe er nie gegründet, da er sein Leben größtenteils auf dem Meer verbrachte. So bleibt ihm nur die Einsamkeit im letzten Kapitel seines Lebens und er leidet unter Depressionen, die sogar zu Selbstmordgedanken führen. Er beschließt in seinem kleinen Segelboot aufs Meer hinauszusegeln und dort sein Schicksal zu besiegeln. Doch es kommt anders, als er es geplant hatte.

Weniger Härte, noch mehr Synfonien

SAVATAGE waren nun endgültig zu einer Rock-Oper-Band geworden. Denn auch „The Way Of Magellan“ ist ein Konzeptalbum mit einer Geschichte. Nun, wie man wahrscheinlich weiter oben schon bemerkt haben mag, bin ich kein großer Fan dieser Entwicklung. Fans der orchestralen Ausrichtung werden das natürlich anders sehen und werden auch „The Way Of Magellan“ abfeiern, denn dieses Stilmittel wird hier noch opulenter eingesetzt. Es ist dabei so, dass nicht die Qualität der Musik bei SAVATAGE nachließ, sondern die Härte. Der Metal ist immer weniger rauszuhören. So bleiben für mich als Highlights auf dem Album Songs wie das flotte „Turns To Me“ oder das markante „Black Jack Guillotine“.

Die Vinyl-Edition

Auch “The Wake Of Magellan” kommt als exquisite 33rpm Doppel-LP auf 180g-Vinyl in die Regale und wird um eine limitierte Sammleredition auf transparent-orangenem Vinyl ergänzt, der ein lentikularer Druck des maritimen Cover-Gemäldes beiliegt. Der Clou: Je nach Betrachtungswinkel bewegt sich das abgebildete Schiff. Beiden Editionen gemein sind ein Mastering extra für Vinyl, das hochwertige Gatefold sowie ein aufwändig illustriertes 12-seitiges LP-Booklet.

Wie schon bei „Jesus Saves“, wurde die Musik für „Can You Hear Me Now“ im Studio spät während der Streets-Sessions geschrieben, nachdem Bassist Johnny Lee Middleton und Schlagzeuger Steve Wacholz nach Florida zurückgekehrt waren.

Dementsprechend spielte Jon Schlagzeug, während sein Bruder den Bass spielte. „Dieser Song sagt eine Menge Dinge aus“, erklärte O’Neill. „Jon denkt über Tex und alles, was passiert ist, nach. Dabei denkt er auch über sein eigenes Leben nach und über die Aussagekraft seiner Musik. Er fragt sich, ob irgendjemand jemals die Botschaften in seiner Musik gehört und die Dinge verstanden hat, die er versucht hat zu sagen.“

New York

Jon sagt, die Aufnahme von ‚Streets‘ in Manhattan habe ihn inspiriert, besonders bei Songs wie „New York City Don’t Mean Nothing“, die sich direkt mit der Stadt befassen. „Wo sonst könnte man diese Platte machen? Es war die perfekte Umgebung, und die perfekte Atmosphäre“, sagt er. O’Neill bemerkte derweil, dass der Song eine Vorahnung auf zwei Tracks auf Edge of Thorns: „Follow Me“, das Fernsehprediger“ kritisiert, sowie den Titelsong. „In Edge of Thorns verbringt er den ganzen Song damit: „Ich denke nicht mehr an dich, aber das genaue Gegenteil ist offensichtlich wahr“, sagte er. „Dieser ganze Song handelt von den Problemen von New Probleme von New York City, beschreibt den ganzen Alptraum aber am Ende sagt er: ‚Still you know I’m never gonna leave‘.“

Johnny ist das Fundament

O’Neill wollte den Track auch nutzen, um Middleton (Bassist) einen Moment im Rampenlicht zu geben. „Es war mir wichtig, auf jedem Album einen Song zu haben, in dem man Johnny würdigen kann“, sagt er. „Jon, Criss und ich bekamen immer eine Menge Lob, weil wir wie das Mauerwerk des Hauses sind. Aber Johnny ist der Balken, der das Ganze zusammenhält, und er legt das Fundament, das es uns ermöglicht, dass ganze Haus zu bauen. Sie sind nicht so präsent. Man kann ihn nicht sehen, aber wenn man ihn wegnehmen würde, würde das ganze Haus einstürzen.“

Middletons Leistung sticht ebenfalls hervor im Mittelteil von „Ghost in the Ruins“, wo er und Criss den musikalischen Weg des Albums pflastern. Wir hatten einen Riesenspaß mit diesem Song“, sagte O’Neill. „Die Spuren der Rhythmusgitarre waren 12 Spuren stark, was dem Song seine massive Wand verleiht.“

„Das war ein sehr lustiger Song“, erinnert sich Jon. „Criss und ich hatten die Musik dafür schon lange, aber wir hatten nie etwas damit gemacht, weil uns nie etwas einfiel dazu zu singen. Paul hatte die Idee für die die Idee für die Melodie, die wir ursprünglich singen sollten, und ich machte sie ein bisschen schwerer.“

Liebe versus Vernunft

Der Song „Stay“ war ursprünglich als Folgesong für „Ghost In The Ruins“ gedacht, der den Ausreißer-Charakter weiter erforscht, auf den sich das Lied bezieht. „In der langen Version, schnappt D.T. seine Freundin und bringt sie zu Dukes Haus und gibt ihr genug Geld, um nach Hause zu kommen,“ sagte O’Neill. „Aber zuerst muss sie die Nacht dort bleiben, denn die Busse fahren erst am nächsten Tag.“

Duke und seine Freunde sind von ihr fasziniert. Sie sehen in ihr all die Möglichkeiten, die sie einst in ihrem Leben hatten. Sie werden sie zurückschicken, weil sie sie da raus haben wollen, aber ein anderer Teil von ihnen will, dass sie bleibt. Denn sie ist das Licht, sie ist Unschuld ist und ein wenig Hoffnung in ihrem Leben.“

Der Wendepunkt

Das ergreifende „If I Go Away“ stellt einen Wendepunkt in der Geschichte dar. „D.T. liebt dieses Mädchen, aber er weiß auch, dass er es vermasselt“, sagt O’Neills. „Er will mit ihr zusammen sein, aber er will sie auch nicht will sie nicht runterziehen. Das Schmerzhafteste ist es für ihn, sich aus ihrem Leben zu entfernen, aber ihr Glück ist ihm wichtiger, als dass er sie mit all seinen Fehlern belasten will.

„Er begreift auf einer gewissen Ebene“, so O’Neill weiter, „dass er anscheinend die Menschen verletzt; die Menschen, die er am meisten liebt und die ihn am meisten lieben. Tex, der nichts getan hat außer ihn sein ganzes Leben lang zu beschützen, stirbt wegen etwas, das er getan hat. Zudem hat nichts anderes getan, als Elend über das Leben seiner Freundin zu bringen, aber er liebt sie so sehr. Sie sind keine Seelenverwandte, und er begreift:

„Unsere Seelen sind so miteinander verflochten,

dass ich immer der Geist in deinen Augen sein werde, und ich werde immer bei dir sein.“ Jon glaubt, dass sich der Kontext des Titels sich im Laufe der Zeit verändert hat. „Wenn man sich den Song anhört, nachdem Criss verstorben ist, bekommt der Text eine eine ganz neue Bedeutung, und es klingt eher so, als würde ich für ihn singen“, sagt Jon. „Ich kann nicht anders. Ich weiß, worum es in dem Lied geht, aber wenn ich das Lied live singe, passt der Text zu Criss. Das ist das ist wirklich das Eindringlichste an diesem Song.“

Er vergleicht die Leistung seines Bruders bei „If I Go a Away“ mit „Tonight He Grins Again“. „Du kannst ein großartiger Gitarrist sein, aber du kannst einen Song ruinieren, wenn du ihn zu voll spielst“, sagt er. „Criss wusste, wo er was reinpacken musste, und er wusste auch, wo er sich lieber zurückhalten sollte. Das ist sehr wichtig.“ O’Neill lobte auch Criss‘ Fähigkeiten.  „Ich glaube, Criss hatte eine tiefe Menschlichkeit, und ich denke, sie spiegelt sich in seinem Spiel wider“, sagt Jon.

Kampf gegen Dämonen

Das Tempo wird wieder schneller mit dem treibenden „Agony and Ecstasy“, in dem sich D.T. mit seiner Vergangenheit konfrontiert. „Er kommt von seinen Dämonen weg, aber nachdem er versucht hat, das Richtige zu tun und alles um ihn herum trotzdem zusammenbricht, kehrt der Abgrund als Antwort zurück“, sagte O’Neill. Das kraftvolle Riffing des Songs wurde von Criss geschrieben.

Das zärtliche „Heal My Soul“ hingegen basiert auf der traditionellen walisischen Hymne „Suo Gan“. „Ich habe ‚Suo Gan‘ immer geliebt, aber ich verstand kein Walisisch, also verstand ich kein einziges Wort von dem, was sie sagten“, sagte O‘ Neill und lachte. „Aber ich war so verliebt in die Melodie. Ich hörte diese Melodie, und die Worte sprangen mir einfach in den Kopf.“

‚Heal My Soul‘

war der einzige Song, bei dem ich in Betracht gezogen hatte Jon nicht mitsingen zu lassen“, fuhr er fort. „Ich wollte ein Kind singen lassen – etwa ein 10-jähriges Kind – mit dem Kinderchor hinter ihm. Aber Jon hat hat es so ergreifend gesungen. Der Chor im Hintergrund ist sehr subtil, denn in der Geschichte ist es der alte Mann, der da liegt, und es ist sein Geist, der als kleines Kind singt und um Erlösung bittet.“

Jon sagt, er habe gerne mit dem Kinderchor gearbeitet, geleitet von Savatage-Kollaborateur Bob Kinkel. Es habe ihm nichts ausgemacht, dass er bei zwei Songs auf dem auf dem Album nur mit Klavier und Gesang zu hören war. „Ich hatte eine tolle Zeit bei diesem Stück“, scherzt er. „Weil wir den Live-Kinderchor hatten, mussten wir ihn live schneiden.

Die Kinder kamen für zwei Tage zu uns, und ich war im Hauptraum mit dem Klavier und einem Gesangsmikrofon, und die Kinder waren abgetrennt. Eine Ballade ist aber ‚Heal My Soul‘ und ‚A Little Too Far‘ waren beide großartige Songs, und beide machten in der Geschichte Sinn.“

Anfangs war sich O‘ Neill allerdings nicht sicher, welchen Song er verwenden sollte, um die Geschichte zu vervollständigen.

„Wir wollten die Geschichte positiv enden lassen!“

„Das ist der Frank Capra in mir , aber es sollte auch sehr spirituell sein, weil die ganze Reise so spirituell ist“, sagte er

„In dem Stück gab es ‚Somewhere In Time‘ gefolgt von einem Dialog, und dann gab es ‚Believe‘. Aber da es sich um eine Rockoper handelt, habe ich mich immer gefragt: „Welchen Song sollen wir nehmen?

Jon und Criss meinten: „Zur Hölle, lasst uns beide nehmen. „Ich spielte Jon ‚Somewhere In Time‘ vor. Ich fand es perfekt. Aber Jon – ein Genie wie er war- kam mit dem abschließenden Instrumentalteil, der dem Ganzen eine musikalische Wendung gibt. Nicht nur auf eine andere Ebene gehoben, sondern er gab dem Song die Chance zu atmen, bevor er in ‚Believe‘ übergeht. Das ist das Tolle an der Arbeit mit Schreibern wie Jon zu arbeiten. Sie fangen die Teile ein, die man sonst verpasst.“

Jon bezeichnet die beiden Songs als seine zwei Lieblingssongs auf des Albums nach ‚Tonight He Grins Again‘. „Sie haben eine große Bedeutung, und sie sind sehr emotional“, sagt er. „Sie decken sozusagen alles ab – großartige Texte, großartige Gitarrenparts und tolle Melodien. Und sie arbeiten so perfekt zusammen, wie das eine direkt in das andere ineinander übergeht.

„Heal My Soul“, „Somewhere In Time“ und „Believe“ erinnerten mich immer an die B-Seite von ‚Abbey Road‘, wo drei oder vier Dinge direkt zusammenliefen. Du wusstest nicht, ob es ein einziger langer Song war, oder tatsächlich vier oder fünf verschiedene Songs. Das war mein Gefühl dabei. Ich wollte, dass es wirklich schnell geht.“

Die Hymne „Believe“

Auf der Bühne wurde „Believe“ zu einem Highlight von Savatage-Konzerten. „Dieser Song hat eine ganz besondere Vibe“, sagt Jon. „Jedes Mal, wenn man ihn spielt, fühlt es sich wie das erste Mal an. Ich weiß nicht, was es mit diesem Song auf sich hat. Vielleicht ist es die Botschaft, aber es scheint einfach den Nerv der Leute zu treffen, und die Reaktion ist immer überwältigend. Wenn man das auf der Bühne hört, gibt das einen echten Kick.

Der Broadway-Tradition folgend, greift der Song eine lyrische Passage aus „When The Crowds Are Gone“ auf. „Wenn man sich ein Broadway-Stück ansieht, sieht man es meist zum ersten Mal“, sagte O’Neill. „Deshalb haben sie Ouvertüren und wiederkehrende Themen, so dass man Melodien vorstellt und sie dann später mit Worten wiedergibt. Das gibt den Leuten eine Chance, sich damit vertraut zu machen. Und Vertrautheit fördert das Wohlbefinden.“

Die lyrische Wiederholung (später wiederholt in „Handful of Rain’s“abschließender Hommage an Criss Oliva „Alone You Breathe“) verfolgte auch andere Absichten, so O’Neill. „Ich habe versucht, die Ähnlichkeiten zwischen uns allen zu zeigen. Duke singt dieses Ding als alter, ausgebrannter Blues-Typ, aber D.T. hat die gleichen Gefühle. Ich denke das ist etwas, was wir alle irgendwann einmal fühlen; es ist etwas, mit dem wir uns alle identifizieren können.

Jeder macht Fehler im Leben

„Es ist egal, was dein Job im Leben ist“, fuhr er fort. „Irgendwann in unserem Leben machen wir Fehler. Wir alle vermasseln etwas und wir alle brauchen Erlösung. Und wir alle müssen daran glauben, dass es da draußen etwas gibt, das größer ist als wir selbst und das trotz unserer eigenen Schwächen ein Auge auf uns wirft. Ich glaube, es gibt so viele allgemeingültige menschliche Erfahrungen und Emotionen, die sich in diesem Lied widerspiegeln.

Es ist mir egal, ob man als Kennedy geboren ist oder ob man irgendwo in einer Hütte geboren ist. Wir haben alle glückliche Momente! Wir alle haben traurige Momente! wir alle haben Momente, in denen wir uns nicht wirklich sicher sind, worum es eigentlich geht. Der Text handelt von die Macht der Erlösung, aber in Kombination mit den Melodien, ist die Kraft der Musik zur Erlösung ist atemberaubend.

Die Worte arbeiten den Weg in den Kopf, die Melodien arbeiten sich in die Seele, und Olivas‘ Darbietungen wickelt sie ein und macht den Deckel zu.“

Ein Wiegenlied

Musikalisch hoffte O’Neill, der Song würde beruhigen. „Ich wollte, dass es wie ein Wiegenlied klingt, in dem dass es einen hin und her wiegt“, erklärte er. „Der Rhythmus schaukelt dich von links nach rechts, und das Gitarrensolo ist kein wildes Solospiel – es ist sehr choreografiert, geplant und strukturiert, und es umhüllt dich und gibt dir das Gefühl von Sicherheit. In dieser ganzen Geschichte geht es um Gefahr und Beklemmung. Es ist wie ein Kind, das Angst hat, und dann plötzlich von seiner Mutter umarmt wird. Das ist das Gefühl, das ich mit dem Song erreichen wollte. Ich wollte, dass er sich um dich wickelt.“

Die erste Zeile kann auf mehrere Arten interpretiert mehrere Möglichkeiten. „Ich habe schon immer doppelte und dreifache Anspielungen gemocht„, sagte O’Neill. „Man kann an One-Night-Stands in jungen Jahren denken, so dass man über all die Leute sprechen kann, mit denen man nur eine Nacht lang intim war. Aber mit D.T. ist es irgendwie auch wie mit One-Night-Stands. Man geht auf Tournee und man ist in jeder Stadt für eine Nacht. Es könnte für all die verschiedenen Menschen, die er im Leben getroffen hat, gelten oder es könnte für all diese Jahre auf der Straße stehen.“

Spiritueller Abschluss

O’Neill merkte an, dass er wegen der spirituellen Untertönen des Songs oder des Albums nicht besorgt war. „Die einzige Sorge, die ich hatte, war meine Mutter, denn meine Mutter ist sehr religiös“, sagte er und erklärte, dass er sich nicht sicher war, ob sie es gutheißen würde, dass ein ausgebrannter, drogensüchtigen Rockstar den Namen Jesus bekommt. (Am Ende schließlich liebte sie Streets, sagte O‘ Neill.)

Er hoffte auch, dass die Zuhörer dem Song etwas abgewinnen können, unabhängig von ihrer individuellen religiösen Überzeugungen. „Ich bin nicht übermäßig  religiös, aber ich glaube definitiv, dass es einen Gott gibt, weil ich einfach nicht glaube, dass alles ein Zufall ist“, sagte er. „Der Mensch, der sehen und hören kann, Liebe, Lachen, Kabelfernsehen erleben kann – das muss sich jemand ausgedacht haben. Ich glaube, dass es einen Grund für das Leben und die Existenz gibt, und eines Tages werden wir herausfinden, was das ist. Und wenn es ihn nicht gibt, glaube ich, dass es unsere Pflicht ist, einen Grund zu finden. „Im Neuen Testament“, fuhr er fort, „fragte jemand Christus: ‚Worin liegt der Sinn?‘

Er sagt: ‚Liebe deinen Nächsten und liebe dich selbst!

Das ist so einfach! Man nehme diesen einen kleinen Satz und wende ihn auf die Welt an, und alle Probleme der Welt würden endlich verschwinden. Wenn ich morgen sterben und herausfinden würde, dass Christus nichts mit Gott zu tun hatte, wäre ich trotzdem froh, dass ich versucht habe, dem zu folgen, weil ich glaube, dass es mich zu einem besseren Menschen macht.“ O’Neill lobte Jons gesangliche Leistung bei dem Song:

„Er reißt mir das Herz heraus!“

„Ich denke, dass er sich unzweifelhaft mit der Figur identifizieren konnte,  weil er sie gelebt hat. Als Produzent ist seine Stimme wie als wäre man ein Bildhauer und hätte dieses perfekte Stück Marmor vor sich. Er versetzt dich dorthin, und jedes Mal, wenn er singt, gibt er ein kleines Stück seiner Seele. Glücklicherweise ist Jons Seele so selbstregenerierend wie seine Leber. Er findet immer einen Weg, die Charakter zum Leben zu erwecken, und er lässt dich glauben.

„Meiner Meinung nach hätte Streets nur von Savatage aufgenommen werden können, denn innerhalb des normalen Formats einer Band, konnte nur Jon Streets möglich machen“, fuhr er fort. „Als Criss es erwähnte, war mein erster Instinkt: „Das ist eine Broadway-Show! Du kannst das nicht machen! Zu diesem Zeitpunkt hatte ich noch nicht erkannt wie viele Persönlichkeiten Jon in der Lage war.

Wenn man sich die Unterschiede von ‚If I Go Away‘ und ‚Heal My Soul‘ mit ‚Sammy and Tex‘ und ‚Agony and Ecstasy‘ anschaut, ist es nicht mehr derselbe Sänger. Das liegt an Jons Fähigkeit, mehrere Charaktere zu verkörpern und jeden einzelnen zum Leben zu erwecken.

Jon hat alles möglich gemacht

„Für mich ist Casablanca ein Film, der nur möglich ist wegen Humphrey Bogarts Tiefe als Schauspieler, und ich glaube nicht, dass A Beautiful Mind mit niemandem außer Russell Crowe funktionieren würde. Jon ist der einzige Sänger, den ich kenne, der Streets hätte singen können, denn nur er hatte die Fähigkeit all diese Rollen als ein einziger Sänger zu übernehmen und sie alle auszufüllen. Er hat ein tiefes Einfühlungsvermögen für Menschen; er kann die Gefühle anderer Menschen nachempfinden. Er ist in der Lage in diese Rollen zu schlüpfen und sie zu verkörpern.“

Jon sagt, es war die schwierigste Gesangsarbeit die er je gemacht hat. „Es war das erste Mal, dass ich mich in die Figuren hineinversetzen musste, und es war seltsam, zu versuchen meine Stimme anders klingen zu lassen“, sagt er. „Es war seltsam, aber es war auch gut, denn ich habe in diesem Jahr Dinge über meine Stimme gelernt, die ich noch nicht kannte. Es war eine große Herausforderung, aber es hat sehr viel Spaß gemacht. Paul ist immer so! Er stellt Herausforderungen und er schafft es, das Beste aus einem herauszuholen.“

Super Arbeitsmoral

O’Neill lobte die Arbeitsmoral des Sängers. „Selbst als die Bandmitglieder einer nach dem anderen aufgerieben wurden, hielt Jon bis zum Ende durch, oder zumindest bis er beschloss, dass es vorbei war“, sagt er. „Er hat so ein Gespür für Melodien, und er ist einfach so vielseitig begabt. Er spielt Schlagzeug bei ‚Can You Hear Me Now‘ und ‚Jesus Saves‘, und ich finde, er spielt sie brillant. Ich bin immer noch beeindruckt, wie leicht und mühelos er von Instrument zu Instrument wechselt, ohne eine formale Ausbildung zu haben.“

Die Idee mit dem Schwanz

Aber die Zeit nach den Streets-Sessions war alles andere als einfach für Savatage. Erstens, nachdem Probleme mit dem in Auftrag gegebenen Artwork der Platte auftraten, musste die Band ein Albumcover finden. Dementsprechend schoss die Gruppe mehrere Fotos im Tampa Theater und daraufhin auf der Vorderseite eines ihrer zweiten Mal auf der Vorderseite eines Albums. Auch das Cover erfuhr eine leichte Verbesserung im Hinblick auf das Savatage-Logo, wobei dem „G“ ein Schwanz hinzugefügt wurde. „Ich glaube, das war Wacholz‘ Bestreben, den Schwanz an dem Ding anzubringen“, sagt Jon. „Ich glaube, jeder dachte, dass es cooler aussehen würde.“

Lob bei der Fachpresse, aber…

Nachdem die Platte veröffentlicht wurde, erhielt sie das meiste Mainstream-Kritikerlob von allen Savatage-Alben bis heute. Die Los Angeles Times und die Chicago Tribune, zwei der größten Tageszeitungen Amerikas, gaben beide Streets begeisterte Kritiken, wobei letztere das Album als „schmerzhaft brillant“. Als es Ende 1991 veröffentlicht wurde, hatte sich das musikalische Klima in den Vereinigten Staaten jedoch von Hard Rock und Metal wegbewegt. Stattdessen wurde das aufstrebende Genre des Grunge begrüßt. Die Marketingbudgets für etablierte Heavy-Künstler wurden entsprechend gekürzt.

Infolgedessen war die Streets-Tournee schwierig für die Band. Sie begann in Europa, wo die Gruppe zum ersten Mal als Headliner auftrat, wobei Vicious Rumors eröffnete. „Wir spielten anständige Nummern, aber die Leute kannten uns damals noch nicht“, sagt Jon. „Es war notwendig in den Clubs zu spielen, um uns ein Publikum zu verdienen.“

Entlastung für Jon

Während Criss Cafey andere musikalische Interessen verfolgte (mit den besten Wünschen und Empfehlungen der Band, merkte O Neill an) rekrutierte die Band John Zahner, um Rhythmusgitarre zu spielen und zusätzliche Keyboards während der Tournee.

„Das war nur dazu da, um die Dinge zu aufzumotzen und es ein bisschen einfacher für mich zu machen“, sagt Jon. „Ich hatte eine Menge Probleme beim Singen, und ich musste mich mehr darauf konzentrieren, alle Shows gesanglich zu überstehen und mich nicht so sehr um das Keyboardspielen zu kümmern. Ich spielte immer noch Klavier bei den Balladen, aber alles andere habe ich von ihm spielen lassen. Es war okay, aber ich hasse es, wenn andere Leute meine Sachen auf Keyboards spielen, weil sie es nicht so spielen wie ich – sie spielen es nicht so schlecht wie ich.“

An der amerikanischen Front, währenddessen Savatage zum ersten Mal in Hawaii auftrat, erkrankte Jon an einer Grippe und saß drei Tage lang in einem Hotelzimmer mit 40 Grad Fieber drei Tage lang in einem Hotelzimmer fest.

Explosive Show

Es ging zurück nach Hollywood Palace. Die Gruppe hatte dort auch die Gutter Ballet Tour gespielt, aber diese Show war noch „explosiver“ als die davor.

„Ich sang, und irgendetwas klang seltsam“, sagt Jon. „Ich schaute rüber, und Criss war nicht mehr auf der Bühne. Wacholz spielte immer noch und Johnny spielte immer noch, aber ich schaute nach unten, und Flammen schlugen aus dem vorderen Teil der Bühne. Die Lautsprecheranlage hatte Feuer gefangen. Ich habe noch nie in meinem ganzen Leben gesehen, wie eine Crew so verdammt schnell von der Bühne weg war „

Problem des Alkohol-Mindestalters

Amerikas sich verändernde Musikszene war nicht die einzige Herausforderung für die Streets-Tour. In ganz Amerika wurde das legale Trinkalter praktisch über Nacht von praktisch über Nacht von 18 auf 21 Jahre erhöht und jüngere Fans konnten viele Konzerte nicht mehr besuchen, bei denen Alkohol ausgeschenkt wurde. „Das traf wirklich die gesamte Tournee und der Theater- und Clubbetrieb wurde einfach am Boden zerstört“, sagt Jon.

„Wir spielten an Orten, in denen wir auf der Gutter Ballet Tour gespielt hatten, wo wir an einem Donnerstagabend vor 1.500 bis 1.800 Leuten spielten, und wir kehrten zurück in dieselbe Stadt und denselben Ort auf der Streets-Tour und hatten etwa 600 Leute. Die Clubbesitzer waren alle gestraft, und sie weigerten sich jemandem etwas Anständiges zu zahlen, wenn man dort spielen wollte. Zu dieser Zeit wusste niemandem, was da vor sich ging. Wir sind ausgeflippt, denn für eine Weile dachten wir, dass es an uns lag. Es war schlimm, und es begann deprimierend zu werden. Wenn das passiert, kommt der Alkohol heraus.“

Jon verliert seine Stimme

Zur gleichen Zeit begann Jons Stimme zu schwächeln, genau wie Ronnie James Dio vier Jahre zuvor vorhersagte. „Er sagte mir, dass ich die Kerze nicht an beiden Enden abbrennen kann und dass es schwierig sein würde über einen längeren Zeitraum so zu singen, wie ich sang. Ich war jung und übermütig, also sagte ich: ‚Ich werde es dir zeigen!‘ Das war sehr kindisch und dumm.

Meine Stimme war sehr angeschlagen, weil ich so viel unterwegs war. Ich wachte morgens auf und ich konnte kaum noch ‚Hallo‘ sagen. Ich konnte es einfach nicht mehr“, so Jon weiter. „Bis dahin war es so, dass selbst wenn ich eine schlechte Nacht hatte, war es nicht die, wo ich Schmerzen hatte. Aber es kam die Zeit, an dem ich ich Blut spuckte und es schmerzhaft war, auch nur zu sagen, ‚Wie geht’s?‘ – geschweige denn ‚Hall of the Mountain King‘ zu singen.

Der einzige Weg, wie ich es überstanden habe, war indem ich mich jede Nacht betrank, bis ich den Schmerz nicht mehr spürte, und dann am Morgen unter Qualen aufwachte. Wir mussten einfach aufhören. Ich sagte ihnen: ‚Ich kann das nicht mehr tun. Wir müssen es beenden. „Wir haben versucht, so viel wie wir konnten, aber als es anfing, Schmerzen zu verursachen. So dachte ich mir: ‚Hier stimmt etwas nicht.‘ „Ich war einfach ausgebrannt. Ich konnte es nicht mehr ertragen. Ich dachte, ich würde der Band schaden, weil ich nicht wusste, ob es das war, was ich noch machen wollte. Ich dachte, es läge an mir. Ich dachte, ‚Vielleicht ist meine Stimme einfach nicht radiotauglich.‘ Ich war einfach erschöpft, und ich musste weg von allem wegkommen. Ich dachte, das Beste für mich wäre eine Pause zu machen, um einfach wegzukommen.

Abbruch der Streets Tour

Dementsprechend wurde die Streets-Tournee abgebrochen. Die letzten beiden Auftritte der Band fanden in ihrer Heimatstadt Tampa, Florida, statt. Eine Handvoll Songs wurden bei den Tampa Bay Music Awards gespielt Awards gespielt, während das, was als „Jon’s Abschiedsshow“ angekündigt wurde, fand im Juni 1992 im Rock-It Club statt, einem Veranstaltungsort, in dem Savatage im Laufe der Jahre immer wieder auftraten. Original Bassist Keith Collins kam für eine Handvoll Songs auf die, während Chris Caffery als Gast den größten Teil des Sets übernahm. „Es war sehr emotional“, sagt Jon. Natürlich war die Show nicht Jons letzter Auftritt mit Savatage.

Dreißig Jahre später hallt das Vermächtnis der Band weiter immer noch nach, und das Gleiche gilt auch für Streets. „Die Leute können sich damit identifizieren“, meint O’Neill. „Die meisten Menschen sind nie in einem Krieg gewesen und waren noch nie ein blinder Passagier auf einem Schiff. Aber jeder hat seine ähnlichen Erlebnisse; jeder hat Angst davor es zu vermasseln; jeder hat Bedauern empfunden; jeder war verliebt; und ich denke jeder hat irgendwann einmal das Bedürfnis nach Erlösung. Ich denke, wenn du dich deprimiert fühlst und am Boden liegst, kann „Streets“ die Seele wiederbeleben.

Streets-Ein zeitloses Album

„Außerdem sind einige der Songs zeitlos“, fuhr er fort. „Das soll nicht arrogant klingen, aber ich denke einfach, dass Songs wie „Heal My Soul‘, ‚Believe‘ und ‚A Little Too Far‘ die menschliche Natur berühren. Ich glaube, alle Menschen haben etwas in sich, das sie an einem bestimmten Punkt im Leben ein bisschen zu weit gehen lässt. Das ist eines der großartigen Dinge am Menschsein, jedoch auch eine der gefährlichen Seiten des Menschseins. Ich denke, Streets hat es einfach eingefangen.“

„Ich wusste, dass es eine besondere Platte ist“, sagt Jon. „Ich habe bei vielem definitiv aus dem Herzen gesungen und wir haben uns bei dieser Platte den Arsch aufgerissen, und das merkt man. Es war das erste Mal, dass wir ein Konzept gemacht haben. Wir haben also viel riskiert und es stand eine Menge auf dem Spiel. Es war ein sehr, sehr intensives Jahr, aber es war auch ein sehr kreatives Jahr.

„Auf Streets wollten wir den Leuten zeigen dass wir mehr sind als nur eine Heavy-Metal-Band“, fährt er fort. „Es ist ein sehr vielseitiges Album mit vielen verschiedenen Stilen – es gibt Pop, Metal, Hardrock und epischen Rock. Du hast Elemente von unseren frühen Platten, aber auch die Pianosachen von Fight For The Rock und die Balladen von Gutter Ballet. Es war unser Höhepunkt, soweit es die Originalbesetzung betrifft.„

Schlusswort

Das war unsere Serie zum großartigen Album „Streets“. Mein Dank gilt Clay Marshall für seine ausführlichen Andekdoten rund um das Album, die mir einen noch intensiveren Zugang zum Album eröffnet haben.

Und wer weiß… Vielleicht wird es zu den anderen Alben ebenfalls noch mehr zu lesen geben. Denn spannende und interessante Geschichten auf der Reiese von SAVATAGE wird es noch viele geben.

Hier sind die Links zu den anderen Teilen:

Link Teil -1-

Link Teil-2-

Link Teil-3-

Link Teil-4-

Link Teil-5-

Das beschwingte „You’re Alive“ folgt und schildert den Punkt in der der Geschichte, in der D.T. sein Leben zum Besseren wendet und clean wird. Interessant ist, dass Jon den Song als seinen unbeliebtesten Song auf der Platte bezeichnet. „Ich verstand seinen Zweck, aber er hat einfach nichts für mich“, sagt Jon. „Es ist sehr glücklich, eigentlich fast zu glücklich.“

O’Neill glaubte, dass seine positive Stimmung notwendig sei, denn der Song ist ein wichtiger Wendepunkt für D.T. „Es gibt so viele Dinge. Ich denke, dass jeder sich damit auf einer Vielzahl Ebenen identifizieren kann“, erklärt er. „Es gibt eine Menge Zeiten im Leben, wo wir nicht versuchen, etwas Konstruktives zu tun, aber es kommt trotzdem etwas Konstruktives heraus. Dann gibt es Zeiten, in denen man wirklich versucht das Richtige zu tun, aber alles geht schief.“

Der Song beschreibt D.T.s Moment des Hochgefühls, als sich sein Leben dramatisch zum Besseren wendet, und das etwas, mit dem sich jeder identifizieren kann.“ Der Track bildet einen scharfen Kontrast zu dem giftigen „Sammy and Tex“.

Schnellschuß-Lyrik

„Das war eine der ersten Einführung dessen, was wir heute als Paul O’Neill Schnellschuss-Lyrik bezeichnen. Dabei versucht man 10.000 Wörter in einen Raum zu bringen, in den normalerweise nur drei passen“, scherzt Jon. „Ich erinnere mich, dass ich eine Menge Probleme hatte dieses Lied sowohl im Studio zu singen als auch. Ich glaube fast, dass ich den Text nie richtig gesungen habe.

O’Neill fand, dass die Geschwindigkeit des Songs Geschwindigkeit des Songs ausschlaggebend war. „Wir wollten, dass sich der Hörer in die Enge getrieben fühlt“, sagte er. „Obwohl er mit Lichtgeschwindigkeit fliegt, kann man alles verstehen, was Jon singt und jedes Wort trieft vor Wut. Das erste Mal als ich es ihm gab, sagte er: „Bist du völlig verrückt? Es ist unmöglich, dass du all diese Worte in einem Song unterbringst.“ Ich sagte:

„Jon, lerne es auswendig und es wird sich ergeben!“

„Wir stritten zwei Tage lang darüber, aber am Ende hat er es geschafft. Das war ein Song, von dem ich immer wusste, dass er es schaffen würde. Ich wusste einfach, dass ich ihn dazu bringen musste, ihn zu lernen. Wenn Jon ihn ausspuckt, ist es wie als wäre man unter einem Cobra-Gunship -eine von denen, die 6.000 Schuss pro Minute abfeuert. Sie lässt einfach nicht nach und wirft deinen Arsch auf den Boden. Das ist es, was D.T. durchmacht. Er sitzt in der Falle, und wir wollten dieses Gefühl der Gefahr rüberbringen.

Es ist, als stünde man dem Drogendealer gegenüber. der sein Geld will. Aber wenn etwas wie die Messerstecherei passiert, neigen die Dinge dazu, in Zeitlupe zu passieren. Auch wenn alles so schnell passiert, ist man immer noch in der Lage das Geschehen zu verstehen. Wir haben einfach versucht, all diese Dinge in den Song zu packen.“

Die Erleuchtung

Von dort aus reist das Album nach „St. Patrick’s“. Ein Song, den O’Neill in der berühmten New Yorker NewKathedrale in den späten 1970er Jahren schrieb. „Ich saß dort, und draußen tobte ein großes Gewitter!“, erinnert er sich. „Plötzlich ging der Blitz los und alle Fenster leuchteten auf, und dann ging der Donner los. Es war, als ob Gott zu dir spricht. Der ganze Song traf mich mit einem Schlag. Ich hatte meinen kleinen Notizblock und schrieb einfach alles auf.

„Es ist eine Achterbahnfahrt der Gefühle mit nur einem Song„, fuhr er fort. „Er beginnt ehrfürchtig, und während er darüber nachdenkt, wird er mehr und mehr trotzig, was schließlich in Wut umschlägt.

Das einzige Mal in seinem Leben hat er versucht, das Richtige zu tun, doch es ist nicht nur alles falsch gelaufen, sondern jemand, der völlig unschuldig ist und der im Leben nie etwas Falsches getan hat, wird getötet und bestraft. Er versteht es einfach nicht, und er schreit seine ganze Frustration an Gott aus.

Schließlich wird seine Wut zur Erschöpfung, und er erkennt, was er getan hat. Wie ein Kind, das merkt, dass es etwas falsch gemacht hat, vor jemandem, der viel der viel mächtiger ist als er, versucht er am Ende es wiedergutzumachen.“

„St. Patrick’s“ ist einer von Jons Lieblingssongs auf dem Album. „Ich erinnere mich, dass wir die Gesangsspuren dafür etwas um fünf Uhr morgens aufgenommen haben. Es waren nur ich, Paul, der Ingenieur und ein paar Kerzen“, sagt er. „Das war sehr cool. Ich habe viele gute Erinnerungen an diesen Song.“

Ende Teil 5

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Nach „Jesus Saves“ geht das Album über in den Song „Tonight He Grins Again“, was laut Jon sein Lieblingssong auf dem Album ist. Jon ist besonders von Criss‘ Darbietung angetan, auch wenn es kein Gitarrensolo an sich gibt. „Dennoch ist er überall in diesem Song präsent„, sagt Jon. „Er spielt wirklich cooles Gefühlszeug darauf. Ich fand, das war einer der Songs auf der Platte, in denen er eine sehr originelle Einzigartigkeit bei seinen Spielereien offenbarte; diese brillanten kleinen Läufe, die er zwischendurch einfügte. Er findet immer seine Zeitpunkt! Und das Geniale an ihm war, dass er immer die richtigen Stellen wählte. Er überspielte niemanden, nicht den Sänger oder sonst jemanden. Manchmal war ich einfach erstaunt, dass er seine Sachen so schnell einbauen konnte.“

Der Affe auf der Schulter

O’Neill, der die Dorian-Gray-Metapher des Liedes aufnahm und als Hommage an seinen Lieblingsschriftsteller Oscar Wilde einfügte, spiegelte sich in Jons Begeisterung für den Song wieder. „Ich liebe einfach so viele Zeilen in einem Song, wie die Sache mit dem Affen auf der Schulter“, sagt er.

(Anmerkung des Verfassers: „Monkey on the back -Einen Affen auf der Schulter haben“ bedeutet, dass man ein großes Problem im Leben hat, sozusagen eine schwere Last auf den Schultern tragen muss.)

„Eine Sache, die wir mit Savatage versuchten war das Ziel die Leute an einen Punkt zu bringen und dann noch den Schritt weiter zu gehen, den sie sonst nicht wagen würden. Jeder denkt immer an den Affen auf der Schulter, aber heute Abend grinst er. Das gibt der Sache einen anderen Blickwinkel. Gleichzeitig ist Criss der Schatten hinter all den den Worten. Wenn man eine Animation ohne Schatten sieht, fragt man sich: „Was ist da los? Aber wenn Schatten entstehen, sieht es plötzlich viel realer aus. Criss ist der Schatten, und er macht die Worte real.„

Die Penthouse-Überraschung

„Strange Reality“ hatte unterdessen einen kommerzielleren Sound als der Rest der Platte. Allerdings sollte er nie als Single veröffentlicht werden. Trotzdem erschien das Lied ohne Erlaubnis„, erklärte O’Neill. „Es wurde in in einem Video von der Zeitschrift ‚Penthouse‚ veröffentlicht. „Du denkst dir: ‚Was zum Teufel geht da ab?‘ Du weißt, dass du es geschafft hast, wenn du dir einen Porno ansiehst und siehst dich plötzlich selber darin“, sagte er.

Klavierballade „A Little Too Far“ – eine immense Herausforderung

„A Little To Far“sorgte für die schwierigsten Momente der Streets-Sessions. „Das war eine unglückliche, sogar tragische Geschichte“, erklärte O’Neill. “ Als Jon es zum ersten Mal sang, klang es für mich nicht richtig. Ich dachte: ‚Vielleicht ist das einer der wenigen Songs, die Jon nicht singen kann.‚ „

Aber Jon sagte: „Nein, nein! Ich kann das.“ Als er es zum vierten Mal sang, hat es mich einfach umgehauen. Jedes Haar auf meinen Armen stand aufrecht, und ich dachte: ‚Verdammt, er wurde geboren, um dieses Lied zu singen.“ 

„Wir gingen ins Studio und fingen an, ihn aufzunehmen, und Jon hat es gleich beim ersten Take geschafft“, fuhr er weiter. „Die Aufnahme des Songs war schwierig, denn er wird auf einem Live-Steinway (Klavier) gespielt. Jon singt und spielt gleichzeitig, ohne Click-Track. Da muss man das Klavier und den Gesang gleichzeitig aufnehmen, weil die Mikrofone von Klavier und Gesang sich gegenseitig unterstützen. Als Jon es zum ersten Mal spielte, sagte ich zu einigen Leuten im Studio im Studio: ‚Höre ich da Verzerrungen?‘

Sie antworteten: „Nein, das liegt an den Lautsprechern, auf dem Band ist es in Ordnung. Aber als ich an diesem Abend mit meiner Kassette nach Hause kam, lag es nicht an den Lautsprechern. Die Verzerrung war auf dem Band. Um das Ergebnis zu erzielen, welche er beim ersten Mal eingesungen hatte, brauchte ich weit über 100 Takes. Man konnte es wirklich nicht bearbeiten und zusammenschneiden. Man musste es an einem Stück, in einem Fluss, aufnehmen und es musste von Anfang bis zum Ende perfekt sein.“

„Ich hasste diesen Song so sehr!“

Oliva erinnert sich, dass die magische Anzahl der Takes 303 war. „Als ich fertig war, hasste ich den Song so sehr“, sagt er. „Ich habe wahrscheinlich ein Jahr gebraucht, bevor ich mir den Song wieder anhören konnte. Was Paul wollte, worauf er hinaus wollte und warum er mir das angetan hat, war das Ziel, dass es leicht klingen sollte. Er sagte, man könne erkennen, dass ich darüber nachgedacht habe, was ich tue, und er suchte nach etwas, wo es einfach fließt. Ich wusste nicht, was zum Teufel er er meinte. Es spielte sich in etwa so ab: „Das hört sich toll an für mich. Lass es uns benutzen! Aber er sagte: ‚Nein, nein! Der Fluss ist nicht gut.‘ „

Die Leute wollen hoch- und runtergebracht werden

„Paul hat mich wirklich angetrieben, mich zu übertreffen“, fährt er fort. „Bis zu diesem Zeitpunkt habe ich, was den Gesang betraf, alles selbst entschieden. Wenn ich damit zufrieden war, dann war es das! Ich hatte es im Sack! Aber Paul hat immer gesagt: ‚Du kannst es besser!‘ Er hat so ziemlich jedes Mal Recht, denn je mehr ich das Zeug sang und je mehr ich mich mit den Texten vertraut machte, umso besser wurde es.“

Obwohl er anfänglich besorgt über einen Track schien, der nur aus Klavier und Gesang besteht, hat Jon glaubt, dass „A Little Too Far“ zur Vielseitigkeit von „Streets“ beiträgt und dabei auch das härtere Material des Album noch mehr hervorhebt. „Die Leute wollen hoch- und runtergebracht werden“, sagt er. „Man kann dem Hörer sechs Minuten lang den Kopf einschlagen und ihm dann drei oder vier Minuten etwas Melodisches zu hören geben, um dann wieder auf ihn einzuhämmern. Wenn man Song für Song auf ihn einprügelt, gibt man den Ohren keine Chance etwas anderes zu hören. So würde es immer gleich klingen und die Leute würden es irgendwann satt haben.“

Der Song wäre eigentlich dem Song „When The Crowds Are Gone“ vorausgegangen, wenn dieser nicht schon auf dem Vorgängeralbum verwendet worden wäre. Hier zeigt sich deutlich der Einfluss des Sängers John Lennon.

„Der Beatles-Vibe kam ganz natürlich aus Jon heraus“,“ sagte O’Neill. „Jon und ich haben einige Dinge gemeinsam, wie Queen und Black Sabbath. Aber wir unterscheiden uns darin, dass ich viel mehr klassische und Broadway-Einflüsse habe, und er ist viel mehr Beatles-beeinflusst als ich selbst. Ich glaube das kam bei „A Little Too Far“zur Geltung.

Ende Teil-4-

Im nächsten Teil geht um die sogenannte Maschinengewehr-Lyrik und O’Neil wird von einem Gottesblitz getroffen.

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sondern auch viel Arbeit, denn O’Neill und die Olivas schufteten rund um die Uhr. „Die Streets-Sessions waren einfach zermürbend“, sagte Jon. „Wir arbeiteten nonstop, und wir hatten eine Tag- und eine Nacht-Crew. Paul verließ um sechs Uhr morgens, und er hinterließ eine Liste von Dingen, die die Assistenten erledigen sollten. Dann hatte er eine Liste mit Dingen, die wir zu tun hatten, und sagte: ‚Wenn Jon und Criss reinkommen, können sie Folgendes tun.‘ Wenn er nichts hinterlassen hat, haben Criss und ich versucht Ideen zu entwickeln oder wir haben mit Solo-Ideen herumgespielt. Das Studio war für SAVATAGE abgesperrt. E stand uns also rund um die Uhr zur Verfügung. Wann immer Criss und ich aufwachten, gingen wir einfach ins ins Studio, und in manchen Nächten schliefen wir sogar dort.

Doch als aus Wochen Monate wurden,

wurden die wurden die Brüder langsam unruhig. „Wir würden heute noch heute noch an der Platte arbeiten, wenn ich nicht in ein Flugzeug gestiegen und geflohen wäre“, sagte Jon.

„Eines Tages bekam ich eine Nachricht von Paul, dass ich mir den Mix Nr. 42 von „Believe“, anhören sollte, um zu sehen, ob er besser war als der Mix Nr. 31. Ich hörte sie mir beide an und konnte keinen Unterschied feststellen. Ich hätte alles darauf gesetzt, dass sie gleich sind. Das war es dann für mich. „Ich war ausgebrannt – ich konnte nicht mehr!“ Ich kaufte mir selbst ein Flugticket und flog in die Heimat nach Florida. Ich habe Paul nicht einmal gesagt, dass ich gehe.“

O’Neill lachte bei der Erinnerung daran. „Jon ließ die Sekretärin im Büro schwören, mir nichts zu sagen bis er im Flugzeug sitzen würde, weil er dachte, ich würde ihn nicht gehen lassen. Ich glaube, dass Jon dachte, ich würde ein wenig den Verstand verlieren. Und er hatte wahrscheinlich Recht. Ich war am Ende der Sache so blind, und ich hatte so verrückte Ideen. Ich wollte Songs noch einmal ganz neu aufzunehmen.“ Jon schaute dann so, als würde er sagen wollen:

„Paul, du hast komplett deinen Verstand verloren!“

O‘ Neil erzählt dazu eine Geschichte: „Wir wühlen uns durch so viele Bänder und Kassetten, die wir jeden Abend nach der Arbeit mit nach Hause nehmen. Wenn Jon und ich also Songs schrieben, haben wir immer alte Kassetten verwendet, um die Umwelt zu schonen.“

„Ich erinnere mich an einen Abend einige Jahre später nach „Streets“. Jon und ich saßen an einem Tisch und er holte eine alte Kassette heraus, damit wir mit der Aufnahme darauf beginnen konnten. Darauf stand: „Believe“, Mix 83B. Es war nicht nur Mix 83 – es war Mix 83B!!! Wir machten immer wieder diese kleinen, winzigen Korrekturen, um Dinge auszutüfteln.“

Die andere Welt

Obwohl ein großer Teil des Albums sich an O’Neills ursprünglichem Broadway-Manuskript ‚Gutter Ballet‘ orientierte, hatte ‚Streets‘ einige Ergänzungen parat. „Ursprünglich beginnt alles mit einem Dialog, und dann geht es in ‚Jesus Saves‘ über, denn man sieht das Set“, sagte O’Neill. „Aber weil ich es jetzt für eine Album brauchte, musste ich die Szene visuell beschreiben, um den Zuhörer in die Welt hineinzuversetzen.

O’Neill und die Olivas schrieben daraufhin den Song „Streets“, mit dem das Album beginnt. Er beginnt mit einer Passage aus der Mozart-Oper „Die Zauberflöte“, aufgeführt von der New Yorker Kinderchor der Metropolitan Opera. „Die Zauberflöte ist ein Fantasiestück, das in einer anderen Welt spielt -einem Fantasieland, in dem all diese magischen Dinge passieren“, sagte O’Neill. „Mit ‚Streets‘ – obwohl es sich bei der Lower East Side von New York um einen üblen Stadteil handelt – war es in gewisser Weise genauso; es war wie eine andere Welt.“

Am Anfang ist die Unschuld

Ich beschloss: „Beginnen wir mit diesen schönen, fremdweltlichen Klängen, bevor die dunkle Seite zum Vorschein kommt. Ich dachte es würde die dunkle, abgründige Seite, die ich darstellen wollte, noch düsterer erscheinen lassen, wenn es mit den mit diesen unschuldigen, engelsgleichen Kinderstimmen beginnt.“

„Es gibt auch kleine Vorzeichen“, fuhr er fort. „Es ist ein Ausblick auf das Ende mit der Erkenntnis, dass auch im schlimmsten Menschen oder im ausgebranntesten Betrunkenen einst ein Kind steckte. Du hörst die Kinder mit ihren engelsgleichen und reinen Stimmen, und dann geht es um all diese Menschen, die inmitten von Dekadenz und allem anderen ihren Weg verloren haben. Wenn man dies direkt alles offenlegen würde, dann würde es nicht so gut funktionieren. So kommt es eher wie ein Nebel – es umhüllt dich einfach langsam und das nächste, was man weiß, ist, dass man sich in einer einer anderen Welt befindet.“

Die Musik für den Hauptteil des Liedes war eine Kombination aus zunächst zwei separaten Tracks, die die Oliva-Brüder geschrieben hatten. „Ich hatte den Riff der Strophe aus einem anderen Song, an dem ich arbeitete. Und Criss hatte diese großen schweren Akkorde“, erklärt Jon. „Ich nenne sie die „War Pigs“ Akkorde. Wir haben sie einfach zusammengepackt, und es funktionierte perfekt.“

Rock versus Gospel – Ein Streit

Das nächste Stück „Jesus Saves“ war anfangs eine Quelle des Streits ( O’Neills Originalversion von „Jesus Saves“ Jahre später als Bonustrack veröffentlicht ), da die Originalversion nur eine lyrische Ähnlichkeit mit der endgültigen Albumversion hatte. „Jesus Saves“ für die Broadway-Version war mehr Gospel. Es sollte klingen, als wenn man in eine Kirche der Baptisten des Südens besuchen würde“, erklärte O’Neill. „Aber Jon und Criss haben es gerockt, was besser zu Savatage passte! Wir haben versucht, ein bisschen härter zu bleiben, auch wenn ich ehrlich gesagt eher zur Gospel-Version neige. Aber es war ein tolles Riff!“

Jon sagt, dass er die Originalversion mochte, aber das Gefühl hatte dass sie musikalisch nicht mit dem kraftvollen Titelstück mithalten könne. Es war das Gefühl: „Das kann nicht der erste Song nach dieser großen Eröffnung sein“, sagt er. Er fügte hinzu: „Ich dachte, dass es einen total runterziehen würde.“ Daher forderte er:

„Wir brauchen etwas, das wirklich rockt!“

Pauls Hauptanliegen waren die Texte – er wollte nichts an den Texten ändern oder verlieren. Das machte es noch schwieriger, denn man musste einen Song schreiben, zu dem auch der Text passt. Ich erinnere mich, dass Criss und ich ungefähr neun Versionen von ‚Jesus Saves‘ geschrieben haben. Paul war aber einfach nicht zu begeistern, bis ich mir eines Nachts dieses schnelle Riff ausgedacht habe. Dann haben Criss und ich ich den Song ausgearbeitet. Wir blieben im Studio bis 7 Uhr morgens, nur mit dem Assistenten und einem 8-Spur-Gerät, und wir nahmen den ganzen Song auf. Dann dachte ich mir: „Passt der Text überhaupt noch daz? Also habe ich einfach angefangen zu singen und es passte perfekt. Wir haben es ihm am nächsten Abend zu Beginn der Session vorgespielt und er konnte uns nicht widersprechen. Als es losging, wurde jeder im Raum mitgerissen.“

‚Jesus Saves‘ wurde die erste Single und das erste Video, in dem auch der häufige Savatage-Coverkünstler Gary Smith mitspielte, der die Rolle des D.T. Jesus verkörperte. Ein Video für „New York City Don’t Mean Nothing“ wurde gefilmt, aber wie bei den verlorenen Tracks von „Streets“ fehlt die Master-Kopie und der Clip bleibt unveröffentlicht. „Es war eine Art unplugged Live-Video“, erinnert sich Jon. „Wir waren in einer Lagerhalle in einem Lagerhaus. Es war eine Art Schrottplatzszene, mit Mülleimern und solchem Zeug. Ich saß auf einem Hocker, spielte Akustikgitarre und sang. Der Rest der Jungs spielte. Wacholz hatte das große, hässliche Schlagzeug aus der Hölle, aber es war cool, weil wir es mit Müll vollgestopft hatten. Ich wünschte wir könnten das Video ebenfalls wiederfinden.“

-Ende Teil 3-

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Bis nächste Woche! Dann geht es unter anderem weiter mit dem schwierigsten Stück des Albums, an dem man sich fast die Zähne ausgebissen hätte.

So kann man das Album „Streets-A Rock Opera“ von SAVATAGE (Facebook) getrost bezeichnen, das als eines der besten Konzeptalben in die Geschichte des Rock und Metal eingegangen ist. Es eine tragische und packende Geschichte eines Menschen, der eine wahnsinnige Reise durch Höhen und Tiefen seines Lebens durchmacht. Schließlich holen ihn seine falschen Entscheidungen ein und er muss sich der Dunkelheit geschlagen geben. Erst eine Art spirituelles Erlebnis bringt ihm die letztlich die Erlösung. Kurz zusammengefasst:

Die Story

Es geht um eine Person namens DT Jesus, der eine Karriere als Rockstar macht. Leider gerät er in einen dunklen Strudel zwischen Erfolg und Drogen, der ihn schließlich in die Tiefe zieht. Er landet in der Gosse, aus der er von seinem Freund und Manager Tex gerettet wird. Mitten in einem Comeback als Rockstar erscheint sein ehemaliger Drogendealer Sammy, dem er Geld schuldet. In einem Streit wird sein Freund Tex von Sammy erstochen. Voller Selbstvorwürfe und Selbstzweifel fällt er wieder in ein tiefes dunkles Loch. Erlösung bekommt er erst in einer Art spiritueller Erfahrung.

Die SAVATAGE Re-Releases als Vinyl

sind wahrlich etwas ganz besonders. Seit einiger Zeit wird die gesamte Diskografie von SAVATAGE nach und nach von EarMusic als Vinyl re-released. In der letzten Episode waren die Alben „Gutter Ballet“ und eben „Streets-A Rock Opera“ (Bericht) an der Reihe! Ich musste nicht lange überlegen und habe mir umgehend die „Streets“ bestellt. Mit dabei war ein mehrseitiges Booklet, in dem von Clay Marshall ausführlich Geschichten über die Entstehung bzw. Produktion des Albums beschrieben werden. Ich fand das sehr informativ und ich habe dadurch einen tieferen Zugang und intensiveren Bezug zu dem Album bekommen. Deswegen habe ich mir gedacht, dass ich den ganzen englischen Text übersetze und diesen hier mit Euch in einer mehrteiligen Reihe teilen möchte. Seid gespannt, denn es wird sehr interessant!

Die Entstehungsgeschichte von „Streets“

Leidenschaft Broadway

Die Ursprünge von Streets finden sich mehr als ein Jahrzehnt vor der Entstehung des Albums. In den späten 1970er Jahren war Paul O’Neill bereits ein Veteran in der Musikszene von New York City, obwohl er erst Anfang 20 war. Er hatte nicht nur in mehreren lokalen Bands gespielt. O’Neill war auch in regionalen Tourneeproduktionen von bekannten Musicals wie Andrew Lloyd Webbers „Jesus Christ Christ Superstar“ involviert. Er hatte ebenso begonnen für die renommierte Musikproduktionsfirma Leber/Krebs zu arbeiten, die ihm einen Einblick in die Branche verschaffte. Aber der Broadway war O’Neills größte Leidenschaft. Und so begann er in seiner Freizeit Musicals zu schreiben. Eine Geschichte, die er immer wieder aufgriff, war eine Erzählung mit dem Titel „Gutter Ballett“, die von seinen Erfahrungen in der New Yorker Musikindustrie handelte.

Genie und Wahnsinn

„Die Exzesse der Rockwelt erschlagen mich manchmal immer noch, aber wenn man jünger ist und einige dieser Exzesse sieht, hat das wirklich einen Einfluss“, sagte er in einem Interview, das er vor seinem Tod im Jahr 2017 gab. „Ich habe die selbstzerstörerische Natur von Rockstars gesehen, und die Balance zwischen Genie und Wahnsinn. Im Rock ’n‘ Roll haben die Bands tonnenweise Leute um sich herum, die sie nicht nur vor dem Leben im Allgemeinen zu schützen, sondern auch vor ihren eigenen Fehlern.“

O’Neill arbeitete seit 1982 regelmäßig an „Gutter Ballet“. Allerdings zwangen ihn Künstlerbetreuung, Konzertveranstaltungen und vor allem die Albenproduktionen dazu, sein Manuskript auf unbestimmte Zeit auf Eis zu legen. „Ich hatte die Songs selbst aufgenommen, niedergeschrieben und wollte sie irgendwann in Richtung Broadway bringen“, sagte er. „Ich bin einfach nie dazu gekommen.“

Sieben Jahre später arbeitete O’Neill an seiner zweiten Zusammenarbeit mit SAVATAGE. Der Nachfolger des derzeit gefeierten „Hall of the Mountain King“ sollte zunächst den Titel „Temptation Revelation“ bekommen. Eines Tages, während einer Schreibsession in O’Neills Haus in Manhattan, entdeckte Criss Oliva das „Gutter Ballet“-Manuskript in einer Kommodenschublade. Er zeigte es daraufhin seinem Bruder, dem er eine Ähnlichkeit mit der Hauptfigur der Geschichte, D.T. Jesus, zuordnete „Criss begann es durchzublättern“, erinnert sich Jon, und Criss sagte: “Scheiße, das klingt wie Jon!“ Jon fiel es ebenfalls auf: „Er ist mir wirklich ähnlich!“

Jon hat Blut geleckt

Nachdem O’Neill die Handlung zusammenfasste und einige Charaktere kurz vorstellte, waren die Brüder Oliva ziemlich fasziniert. Criss schlug dann vor, dass die Band „Gutter Ballet“ als Nachfolger von dem Album planen wollten, welches nun kurz vor der Fertigstellung stand. Sie wollten O’Neills Broadway-Musical in eine Rockoper verwandeln. Aber Jon war schon ganz vernarrt in den Titel „Gutter Ballet“, und nachdem er eine Aufführung vom „Phantom der Oper“ gesehen hatte, begann er mit diesem Titel im Kopf bald einen Song zu schreiben. So kam es, dass „Gutter Ballet“ den Titel „Temptation Revelation“ als Titel des 1989er Albums von Savatage ersetzte.

Auf der Platte nahm die Band auch einen Song von O’Neills Manuskript, nämlich die dramatische Power-Ballade „When The Crowds Are Gone“. Die Gruppe betrachtete das Stück – vorgetragen von der Charakter Duke, dem alten Bluessänger, auf den in Streets in der Synopsis von Streets – als eine Art Testlauf, und die enthusiastische Reaktion darauf ermutigte die weitere Entwicklung von O’Neills Musical.

Die Odyssee von SAVATAGE beginnt

Kurz nach dem Abschluss der „Rulin‘ Gutter“-Tournee im Oktober 1990 begannen O’Neill und die Oliva-Brüder mit der Vorproduktion für das nächste Savatage-Albums. Der Titel „Gutter Ballet“ war nun bereits verwendet worden. „Ich war ein bisschen enttäuscht, dass wir „Gutter Ballet“ nicht mehr nehmen konnten, aber ich dachte mir, dass wir uns einen neuen Titel ausdenken würden“, so O’Neill. „Der Name des Albums hätte eigentlich Ghost in the Ruins heißen sollen. Aber „Streets“ war auch okay.“

Die Streets-Sessions wurden zu den längsten in der Karriere von SAVATAGE und hielten die Band in den New Yorker City’s 321 Studios (wo die Gruppe auch „Gutter Ballet“ und „Hall of the Mountain King“ aufgenommen hatten) von Januar bis Juli 1991. „Wir sollten sollten einen Monat lang im Studio sein und landeten dort für sechs Monate“, sagte ONeill. Wir haben viel experimentiert und versuchten, es mehr und mehr zu perfektionieren.“

Verfluchte Technik

Ein Grund für die lange Dauer der Sessions war der Umstand, dass das Album im 96-Spur-Digitalformat aufgenommen wurde. In diesem Fall waren es zwei bei dem zwei separate ‚Sony 3348s‘ 48-Spur-Maschinen. Zu dieser Zeit hatte keine andere Rockband eine Aufnahme von derartigem Umfang unternommen. („Gutter Ballet“ und „Hall of the Mountain King“ enthielten beispielsweise 48 bis 72 Spuren.) „Aber die Technologie wurde schnell lästig“, erklärte O’Neill.

„Als wir mit den Aufnahmen für den ersten Song begannen, hatten wir kaum etwas aufgenommen, als eine der der Maschinen in die entgegengesetzte Richtungen lief und das Band in zwei Hälften riss„, sagte er. „Wir riefen Sony an! Und Sony sagte: „Das ist physikalisch unmöglich“. Sie waren so hartnäckig, dass wir anfingen, ihnen zu glauben, obwohl wir es selbst gesehen hatten.

Aber wir konnten es nicht noch einmal machen, also begannen wir wieder mit den Aufnahmen. Wir nahmen einen ganzen Haufen von Songs auf, und der Unfall wiederholte sich, nur diesmal war das Band voll. Wir riefen Sony an und sagten, „Ihr hattet gesagt, dass könnte nie passieren! Nun, das Unmögliche ist einfach wieder passiert.“ Sie schickten ein paar Leute los und und ich glaube, sie haben das Aufnahmegerät tatsächlich nach Japan zurückgeflogen. Dann riefen sie an und sagten: „Wenn Sie dies und das tun und dazu noch jenes, dann könnte es eventuell unter seltsamen Umständen passieren…Ja, dann könnte die Maschine das Band in zwei Häften reißen!“

Ende Teil-1-

gehört auf jeden Fall mit zu meinen Alltime-Favourites! Das Label ‚earMUSIC‘ hatte die wahnsinnig gute Idee alle Alben der Kultband SAVATAGE (Facebook) noch einmal als Vinyl neu aufzulegen. Das Projekt startete im August 2021. Seitdem werden die Alben in chronologischer Reihenfolge nach und nach veröffentlicht.

Über die bisherigen Veröffentlichungen haben wir bei ‚metal-heads.de‘ bereits berichtet. Darüber könnt Ihr nochmal hier nachlesen: Teil 1 und Teil 2 ! Jetzt gibt es seit dem 06.05.’22 die nächsten beiden Kracher

„Gutter Ballet“ und „Streets – A Rock Opera“.

Auf den beiden Alben vollziehen SAVATAGE eine Entwicklung, die ihrem Sound mehr und mehr Facetten verpasst. Dies spiegelt sich dann auch in etwas progressiveren Kompositionen wider. Hier wird man mit allem versorgt, was das Rockerherz begehrt: Saftige Power-Metal-Tracks, kraftvolle Rockhymnen oder gefühlvolle Megaballaden.

Produzent Paul O’Neill sagt folgendes zur musikalischen Entwicklung der Band:

SAVATAGE waren dabei, sich von einer Heavy-Metal-Band zu mehr als einer Heavy-Metal-Band zu entwickeln. Auf „Mountain King“ hatten wir mit einer etwas symphonischeren, progressiveren Seite gespielt, aber wir hatten es nicht so weit getrieben wie auf „Gutter“.

Pressetext CMM GMBH / earMUSIC

SAVATAGE – “Streets – A Rock Opera”

Einen verdammt starken Höhepunkt der Karriere stellt das Album „Streets – A Rock Opera“ dar, welches für viele Fans auch das beste Album ist. Es ist zudem das letzte SAVATAGE-Album, auf dem Jon Oliva als Leadsänger neben seinem verstorbenen Bruder, dem Gitarristen Criss Oliva, zu hören ist. Anschließend reichte er das Micro an seinen Nachfolger Zak Stevens weiter. „Streets – A Rock Opera“ ist wahrlich ein absolutes Ausnahmealbum. Zudem handelt es sich um ein Konkzeptalbum. Die Geschichte dahinter war eigentlich für ein Broadway Musical geplant.

Es wird die tragische Geschichte eines Mannes namens DT Jesus erzählt, der in New York City eine Karriere als Rockstar macht, aber dem Sumpf von Drogen nicht entkommen kann. Schlussendlich kommt deshalb sein Freund und Manager Tex ums Leben, was den Protagonisten in eine noch tiefere Lebenskrise stürtzt und er über den Sinn seines Daseins nachdenkt. Schließlich findet er aber doch durch ein spirituelles Erlebnis den inneren Frieden.

Dementsprechend finden sich auf demAlbum eine Fülle von intensiven Momenten, bei denen harte düstere Songs mit gefühlvollen Rockballaden ein phantastisches Erlebnis garantieren. Diese unverwechselbaren Riffs und der einmalige Gesang von Jon Oliva bilden ein außergewöhnliches Konzeptalbum, das mit zu den Besten gehört, was die Rock- und Metalwelt zu bieten hat. Beide Vinyl-Editionen beinhalten ein 12seitiges Booklet in LP-Größe mit umfangreichen Liner Notes von Clay Marshall.

Hier ist der Link zu ‚earMUSIC‘, wo Ihr alle bisher erschienen Vinyls sehen könnt:

–earMUSIC–