Heute (13.Juni 2025) veröffentlicht die norwegische Folk-Metal-Band AFARGANG ihr Debütalbum „Andvake“.
AFARGANG ist das Projekt von Olav Luksengård Mjelva, der nicht nur ein (auch über Norwegen hinaus) bekannter Hardanger-Fidel-Spieler ist, sondern – wie er mit dem Album „Andvake“ zeigt, auch ein Metalhead.
Herausgekommen ist ein Folk-Metal-Album, das mich sofort begeistert hat und für mich zu den bisher besten Veröffentlichungen dieses Jahres gehört.

Für diejenigen, die mit dem Namen Olav Mjelva zunächst nichts verbinden können: er war war am Projekt „Skuggsjá“ von Einar Selvik (WARDRUNA) und Ivar Bjørnson (ENSLAVED) beteiligt und auch als Session-Musiker u.a. mit WARDRUNA unterwegs.
Olav Mjelva zeigt sich auch sonst äußerst vielseitig: sein musikalisches Spektrum reich von traditioneller nordischer Volksmusik bis hin zu Folk‑Metal. Er ist Komponist und Mitglied in zahlreichen Ensembles. So z.B. im Duo mit Erik Rydvall (Nyckelharpa).

„Andvake“ ist organischer Folk-Metal

Das Album „Andvake“ ist kraftvoll und filigran, melancholisch und lebendig zugleich und dadurch unglaublich spannend. AFARGANG ist eine organische Verbindung aus Folk und Metal gelungen, in der sich beide Formen in ihrer Wirkung gegenseitig unterstützen.

Die Songs

„Mot Verda“ wird von einer energisch gespielten Hardanger-Fidel-Passage eingeleitet. Doch entwickelt sich daraus kein reiner Folk-, sondern ein Black Metal Song mit wunderbar doomigen Passagen. „Mot verda“ macht neugierig auf das, was kommt.

„Kvile“ wird mit einem pulsierenden Riff, der dem Song einen psychedelischen Klang verleiht, eröffnet. Der lässige Gesang und der ungewöhnliche Rhythmus tragen dazu bei, dass der Song einen nicht loslässt. Die Hardanger-Fiedel bettet das Ganze in eine nordische Folk-Klanglandschaft ein. Und das Gitarren-Solo sorgt für die dazu gehörende Melancholie.

Der Titelsong „Andvake“ ist voller Kraft und Energie: dunkel und in langsamem Tempo gehalten. Schwebende Vocals treffen auf bedrohliche Growls, die Gitarren wechseln zwischen Zurückhaltung und direkter Wucht und spannen einen Bogen zwischen Harmonie und Aggression.

Geige und Gesang skizzieren in „Leika“ eine Klanglandschaft, die durch viele Klangfarben, Schattierungen und Einzelheiten immer klarer und deutlicher wird. Ein intensives, melancholisches Stück mit schönen Folk-Melodien.  Die Geige lässt den Wind durchs hohe Gras wehen und die Wolken vertreiben. Ein wunderschönes Stück!

„Vêrfolne“ ist ein kurzes Zwischenspiel mit Archivaufnahmen des legendären norwegischen Geigers Olav Sataslåtten an die sich Metalriffs anschließen. Auch wenn dieses Zwischenspiel wie ‚in das Album hineingefallen‘ klingt: es gibt einen Hinweis darauf, dass Volksmusik eine lebendige und aktuelle Ausdrucksform ist, die offen für neue Ideen und Verbindungen ist.

„Sjå det blåner“ ist eines meiner Lieblingsstücke dieses Albums, weil es zunächst wunderbar chaotisch wirkt: als wenn man auf einem Hügel steht und ein Metal-Konzert hört und dann vom Wind irgendwoher Volksmusik herangetragen wird. Das folgende schwere, intensive Drumming wird vom Bass noch unterstrichen, während die Geige dem Ganzen die Schwere nimmt und ihre Klänge wie Lichtblicke hineinstreut.

Ich schwebe über dem Land und sehe nur Lügen

„Leva og Døy“ richtet die Frage nach dem Gesegnet-Sein im Leben und Sterben untermalt von dunklen, dichten Riffs an Freyr, einen Gott der nordischen Mythologie, der in seiner Antwort den Menschen anklagt.

„I di eining“ – breitet eine düstere Atmosphäre aus, durch die sich tiefe Bassläufe, treibendes Druming, Alternative Klänge und ein psychedelischer Gesang ziehen.

Mit „Kom ned“, einem unglaublich intensiven und ergreifenden Song endet das Album. Der Beginn ist minimalistisch, denn der Gesang wird zunächst nur von Tönen der Hardanger-Fiedel begleitet, bis nach und nach die anderen Instrumente hinzukommen. Das Tempo bleibt langsam, die Klänge werden tief und voll bis die Harmonie durch keifende Growls im Hintergrund wieder eine andere Färbung bekommt. Über diese Klänge erhebt sich eine wunderschöne Melodie, die uns aus dem Album geleitet. Das ist großartig gemacht.

Die Texte: poetische, nordische Bildsprache

Bei diesem Album hat mir nicht nur die Musik gut gefallen, sondern auch die Texte. Ich will sie hier nicht interpretieren, denn sie bieten so vielfältige Möglichkeiten, so dass jeder etwas für sich finden kann.
Doch so viel dazu: es sind wunderschöne poetische Texte, die Lebensthemen anstoßen, Fragen ermöglichen und Antworten dabei aber nur andeuten.

Die Texte hat Olav Mjelva geschrieben. Er hat dabei Wörter und Formulierungen verwendet, wie man sie in Gedichten und Volkliedern findet, und die tief in der nordischen Bildsprache verwurzelt sind.

Nach Sinn und Frieden inmitten des Lärms und der Unruhe des Lebens suchen

„Andvake“ ist ein melancholisches Album, bei dem die Folk-Anteile genauso prägend sind wie die Black Metal Strukturen. Zusammen mit Alternative-Elementen sind spannungsreiche Klanglandschaften und gleichzeitig harte Songs entstanden.
So bewegt sich das Album in einem Spannungsfeld von Folk und Metal, Tradition und Moderne. Es verbindet Düsternis und Schwere mit Leichtigkeit und Lebendigkeit.

Wenn ich die norwegische Musikszene betrachte, fällt mir immer wieder auf, wie selbstverständlich in den verschiedenen Genres auf die Volksmusik des Landes und Instrumente wie z.B. die Hardanger-Fidel zurückgegriffen wird.

Olav Mjelva sagt: „Als Volksmusiker empfinde ich Norwegens alte Musik und Kultur als Teil meines Erbes.“
Und dass man kulturelles Erbe und ‚moderne‘ Klänge miteinander verbinden und so neue Settings schaffen kann, hat er mit „Andvake“ gezeigt.
Mir hat gut gefallen, wie er die vielseitigen Möglichkeiten der Hardanger-Fidel und ihren Klang mit den Metal-Strukturen verflochten hat.

Dass dieses Album so dynamisch und organisch klingt, hat nicht nur damit zu tun, dass Olav Mjelva ein ideenreicher Komponist ist, sondern auch, dass er Mitstreiter hat, die seine Ideen entsprechend umgesetzt haben.

Das sind Stian Kårstad (Gitarre), der sonst u.a. bei GOD SEED und TRELLDOM spielt. Und Jon Even Schärer trommelt bei GÅTE. Außerdem sind noch Sindre Bråthen Tjørswaag (Bass) und Haldor Bromstad (Growls) dabei. Olav Mjelva spielt neben der Hardanger-Fiedel auch Gitarre und sorgt für den klaren, kraftvollen Gesang.

Hier das Video zu „Kom ned“ (Übrigens sind auch die Videos zu „Kvile“ und „Leva og Døy“ sehenswert.

Nach meinen Alben des Jahres, dem Rückblick auf Konzerte und Interviews, jetzt noch ein paar Alben und Lieder, die ich immer wieder höre:

Februar
Mit dem Album „I Fjellets Hastighet“ des norwegischen Ambient-Künstlers SYSSELMANN (Thomas Narverud) konnte ich in intensive, experimentelle und oft surreale Klänge eintauchen. Seine Klangkonstruktionen stehen in Wechselwirkung mit der Natur. Dies nicht nur durch die Verwendung von Aufnahmen in der Natur, sondern da sich die Klänge oder auch Geräusche der Umgebung, in der man seine Musik hört, in diese einfügen. Wie z.B. ein nächtlicher Wald oder auch eine Sauna.

Man kann „I Fjellet Hastighet“ als Musik hören, die eine besondere Klangumgebung schafft, oder in ihr die Resonanz der Elemente der Natur erleben. Ich finde, dass das Album ein großartiges Stück Dark Ambient Musik ist, da SYSSELMANN mit den Klanglandschaften atmosphärische Texturen gestaltet, die beruhigend, meditativ und anregend zugleich sind.

Mai
GÅTE, „Ulveham“ und der Eurovision Song Contest
Die norwegische Folk-Rock-Band GÅTE hat mit ihrem Song „Ulveham“ am Eurovision Song Contest 2024 teilgenommen.
Ulveham“, der Song, mit dem sie angetreten sind, ist von der EP „Vandrar“. „Ulveham“ erzählt die Geschichte eines jungen Mädchens, dem eine Reihe von Ungerechtigkeiten widerfahren. Dennoch tritt sie weiterhin für Güte und Gerechtigkeit ein. Und damit besteht sie harte Prüfungen und triumphiert über böse Mächte. Am Ende kann sie den Fluch, der über ihr lag, brechen. Der Song basiert auf einem mittelalterlichen Text und einem Lied der 1975 verstorbenen Volkssängerin Marit Jensen Lillebuen, deren Melodien für viele Musiker eine Inspiration waren. Um den ESC-Regeln zu entsprechen, mussten sie den Text überarbeiten.
Das ESC-Publikum konnten sie letztlich nicht überzeugen. Dafür aber das Publikum auf ihrer Tour zum Jahresende, die sie durch mehrere europäische Länder führte.

Juni
Im Juni hat Ron Merz mit seinem Black-Metal-Projekt URTHUM die EP „Aeon“ veröffentlicht. Drei abwechslungsreiche Songs mit einigen Überraschungen und einer dunklen Atmosphäre. „Aeon“ ist eine fette Produktion, die sich eine raue Ästhetik bewahrt hat. Die Integration von melodischen Parts in das schnelle und aggressive Drumming hält die Spannung bis zum letzten Moment.

August

Kurz nach Beginn des Krieges in der Ukraine hat Tove Hasselt den Text zu geschrieben, dem Kjell Braaten in dem Lied „Trøyst“ eine Melodie und seine Stimme gegeben hat.
„Trøyst“ ist ein Lied für die Menschen, die aufgrund der Machtgier anderer unter unerträglichen Bedingungen leben. Beschrieben wird das Erschreckende, Furchterregende, aber es geht auch darum, wie man sich das Leben wünscht, wie es eigentlich sein sollte.
Die Art und Weise, wie Kjell Braaten dies in Melodien gefasst hat und  er die Worte singt, löst ganz unterschiedliche Emotionen aus. Von beängstigend über sehnsüchtig bis hoffnungsvoll. Auch wenn in diesem Lied Verlust, Täuschung und Furcht beklagt werden, ist es keine Anklage. Doch gerade durch die Art, wie Realität und Wunsch miteinander in Verbindung gebracht werden, stellen sich Trauer, Wut aber auch Sehnsucht und Ruhe ein, wenn man Musik und Text auf sich wirken lässt.

Oktober: 1349 bewahren mit einer alchemistischen Altegorie das Erbe des Black Metal
1349 gehört zu den Bands, die auch mit ihrem am 4.Oktober 2024 erschienenen achten Album „The Wolf and The King“ sich selbst, ihren Themen und ihrer Vision, das Erbe des Black Metal zu bewahren, treu geblieben sind.
Der Albumtitel verweist auf ein alchemistisches Bild: Der Wolf verschlingt den König, wird selbst von Flammen verzehrt, und aus der Asche steigt ein neuer König auf. Es ist auch eine Metapher für Veränderung und Entwicklung.
Mit „The Wolf and the King“ haben 1349 ein Werk abgeliefert, das die Essenz des Black Metal zelebriert und zugleich neue kreative Pfade beschreitet.
Ihr gradliniger und donnernder, klassischer Black Metal mit modernem Sound, der die Vielfalt der Riff und des Drummings sowie die Variationen der Vocals noch unterstreicht, gefällt mir auch nach mehrmaligem Hören noch.

November
SÓLSATIFR veröffentlichten ihr 8. Album „Hin helga kvöl“. Auf diesem Album verbinden SÓLSTAFIR ihre Black-Metal-Wurzeln mit melodischem Rock und atmosphärischen Klängen. Das Album ist emotional, geprägt von intensiven Rhythmen und abwechslungsreichen Arrangements.
Besonders gut hat mir Hallgrímur Jón Hallgrímssons Schlagzeugspiel mit seinen Nuancen, manchmal unerwarteten Taktwechseln und der unglaublich kraftvollen Dynamik gefallen.

Natürlich gab es auch in den anderen Monaten weitere Veröffentlichungen und Neuigkeiten. Das ist meine Auswahl der Dinge, die auf die eine oder andere Weise ‚herausragend‘ waren.

THE THIRD CIRCLE: „I“

THE THIRD CIRCLE haben am 15.November 2024 via ByNorse Music die Debüt-EP „I“ veröffentlicht

Das Trio THE THIRD CIRCLE besteht aus John Stenersen (WARDRUNA, GÅTE, BERGTATT), Anders Odden (CADAVER, CELTIC FROST) und Birger Mistereggen, also Musikern mit Erfahrungen in ganz unterschiedlichen musikalischen Richtungen.

Eine andere Beziehung zur Musik und eine Reise jenseits des Alltäglichen

Als Anders Odden 2020 lebensbedrohlich erkrankte, entwickelte er eine neue Beziehung zur Musik. Daraus ergab sich für ihn, dass er Musik machen wollte, die persönlich, meditativ und sogar therapeutisch sein sollte.

Er experimentierte mit analogen Synthesizern und sammelte Naturklänge, indem er Aufnahmen insbesondere im Wald machte.

Dann traf er John Stenersen, der in seinen Bands traditionelle Saiteninstrumente wie z.B. die Nyckelharpa spielt. Nun ging es um die Frage, wie analoge Synthesizer, Bass und Drehleier oder Nyckelharpa zusammenklingen.

Zuletzt kam Birger Mistereggen dazu, der auf nordische Folklore spezialisiert ist. Er fügte mit verschiedenen Perkussionsinstrumenten, insbesondere der Seiltrommel, Stimme und Maultrommel weitere Klänge und Rhythmen hinzu.

THE THIRD CIRCLE wollen ihre Musik als Anlass zum Innehalten, Nachdenken und Eintauchen in eine Reise jenseits des Alltäglichen verstanden wissen.

Und ich finde, dass es ihnen mit den drei Stücken auf der EP „I“ auch gelungen ist.

„I“ : Pulsierende Klanglandschaften

Die drei Stücke führen uns durch Landschaften aus alten und modernen Klängen, die ineinanderfließen, pulsieren, sich verdichten und dann hinwegschweben, um sich aufzulösen.

Aber sie kommen zurück und entwickeln sich zu neuen Formen. Es ist wie der Kreislauf des Wassers im Meer, das nach kraftvoller Bewegung verdunstet, um als Regen zurückzukommen und erneut Teil des Meeres zu werden.

Die Basis der Musikstücke bilden Bordun-Töne, die gleichzeitig beruhigen und Spannung aufbauen. Auf diese Grundresonanzen legen sich die Töne des analogen Synthesizers, die Rhythmen der verschiedenen Perkussionsinstrumente und dann die Klänge und Melodie der Nyckelharpa. Die Maultrommel verstärkt den Grundton oder blitzt an vielen Stellen aus dem breiten Gesamtklang hervor.

„The 1st“, The 2nd“ und „The 3rd“

„The 1st“ wird von einem Grundton durchzogen, über dem die Melodie der Nyckelharpa schwebt. Die Perkussionsinstrumente und der Bass bilden dagegen den festen Boden.
Die Instrumente sind im Dialog und manchmal klingt es, als wenn sie miteinander tanzen. Die Wiederholung, die in Schleifen und Kreisen die verschiedenen Elemente aufgreift und sie dadurch verändert, wird als wesentliches Element schon hier sehr deutlich.
Auf diese Weise baut sich der Track auf, bis es bei 5:30 zu einer dichten und intensiven Passage kommt.Dann wird die Melodie des Beginns wieder aufgegriffen. Es ist, als wenn sich der Klang noch einmal weit öffnet, bis er sich langsam im Rauschen des Regens auflöst.

Mit dem Geräusch des Regens, das von einem Bordun-Ton begleitet wird, beginnt das zweite Stück „The 2nd“. Auch diesmal baut sich der Klang langsam auf:
Die Melodie zieht sich wie ein roter Faden durch diese Passage und nach und nach kommen die anderen Instrumente hinzu.
Der Klang wird immer dichter und vibriert geradezu. Die verzerrten Klänge erweitern das Spektrum. Und diese Kombination aus alten, irgendwie vertrauten Melodien und verzerrten Klängen ist in dieser Form wirklich neu und ungewöhnlich.  

„The 3rd“ ist ein Stück, dass in seiner Ruhe zunächst meditativ ist. Für mich ist es das interessanteste Stück der EP, da mir die Dynamik der rhythmischen Elemente sehr gut gefällt und ich die Gleichzeitigkeit von Dissonanzen und warmen Klängen sehr spannend finde.

Eindringliche, spannende, erdige Klangspektren

„I“ ist eine in vielfältiger Hinsicht spannende EP. THE THIRD CIRCLE sind dem Anspruch, eindringliche und meditative Klanglandschaften entstehen zu lassen, gerecht geworden.

Mir gefällt insbesondere, in welcher Weise sie das Prinzip der Wiederholung und Variation nutzen. Die Klänge sind vibrierende Spiralen, die aufsteigen und sich kontinuierlich ausdehnen. Sei es, indem das Klangspektrum erweitert wird oder immer mehr rhythmische Elemente hinzukommen.
Und so nimmt auch die Spannung zu, die durch das Miteinander der erdigen Klänge der alten Instrumente und der elektronischen Synthesizer-Klängen entsteht. Großartig finde ich dabei, dass sowohl die Synthesizer erdverbunden als auch die alten Instrumente sphärisch und dissonant klingen.

Außerdem werde ich ab jetzt die Maultrommel als Instrument noch einmal anders hören. Denn hier ist sie virtuos gespielt, als Bordun-Ton oder als Akzent, der Leichtigkeit hineinbringt.

Modern, psychedelisch und dabei tief verwurzelt im Konkreten

Darüber hinaus hatte ich fast durchgehend den Eindruck, dass ich Musikern zuhöre, die ausprobieren und dabei der Musik bzw. den Klängen den Raum geben, sich wie von selbst zu entwickeln.
Es ist wie ein Austausch, ein Gespräch – nur eben ganz ohne Worte. Dadurch, dass es keine Texte gibt und auch die Titel keine Richtung für Gedanken vorgeben, hat man die Möglichkeit, die Klänge ganz frei auf sich wirken zu lassen.
Die Klänge der Instrumente und der Natur, die in die Stücke eingewoben sind, sind wie Erinnerungen an ferne Ereignisse und frühe Sehnsüchte, die man nicht wirklich greifen kann.

Und ja, die Stücke sind durchaus psychedelisch, denn sie machen es möglich, dass die Grenzen zwischen dem eigenen Selbst und der Außenwelt verschwimmen. Dennoch ist die Verbundenheit mit der Natur, die Verwurzelung im Konkreten spürbar.

Das Video, das es zu dieser EP gibt, macht dies in anderer Form sichtbar.

Der EP „I“ werden weitere folgen. Ich bin gespannt, wie es weitergeht. Und ob wir THE THIRD CIRCLE bald auch live erleben können. Ich stelle mir dabei als idealen Ort eine Waldlichtung vor ….

So, und jetzt nehmt euch Zeit und taucht in das Video und vor allen Dingen die Musik ein!

THE THIRD CIRCLE released their debut EP „I“ on November 15, 2024 via ByNorse Music

The trio THE THIRD CIRCLE consists of Anders Odden (CADAVER, CELTIC FROST), John Stenersen (WARDRUNA, GÅTE, BERGTATT), and Birger Mistereggen, musicians with experience in very different musical directions.

A different relationship to music and a journey beyond the everyday

When Anders Odden became life-threatening ill in 2020, he developed a new relationship with music. This made him to want to make music personal, meditative and even therapeutic. He experimented with analogue synthesizers and collected natural sounds by making recordings, especially in the forest.

Then he met John Stenersen, who plays traditional string instruments such as the nyckelharpa in his bands. Now the question was how analogue synthesizers, bass and hurdy-gurdy or nyckelharpa sound together.

The last to join was Birger Mistereggen, who specializes in Nordic folklore. He added further sounds and rhythms with various percussion instruments, especially the rope drum, voice and jaw harp.

THE THIRD CIRCLE want their music to be understood as an opportunity to pause, reflect and immerse yourself in a journey beyond the everyday.And I think they have succeeded in doing this with the three pieces on the EP „I“.

„I“: Pulsating soundscapes

The three pieces lead us through landscapes of old and modern sounds that flow into one another, pulsate, condense and then float away to dissolve.
But they come back and develop into new forms. It is like the cycle of water in the sea, which evaporates after powerful movement, only to come back as rain and become part of the sea again.

The basis of the pieces of music is drone tones that simultaneously calm and build tension. The tones of the analogue synthesizer, the rhythms of the various percussion instruments and then the sounds and melody of the nyckelharpa are laid on these basic resonances.
The jawharp amplifies the basic tone or flashes out in many places from the broad overall sound.

“The 1st”, “The 2nd” and “The 3rd”

“The 1st” is permeated by a basic tone over which the melody of the nyckelharpa floats. The percussion instruments and the bass, on the other hand, form the solid ground.
The instruments are in dialogue and sometimes it sounds as if they are dancing with each other.

The repetition, which takes up the various elements in loops and circles and thereby changes them, is already very clear here as an essential element.The track builds up in this way until a dense and intense passage occurs at 5:30.
Then the melody from the beginning is taken up again. It is as if the sound opens up wide again until it slowly dissolves in the sound of the rain.

The second piece, “The 2nd”, begins with the sound of the rain, accompanied by a drone tone. This time too, the sound builds up slowly: the melody runs like a thread through this passage and the other instruments are gradually added.
The sound becomes denser and denser and almost vibrates. The distorted sounds expand the spectrum. And this combination of old, somehow familiar melodies and distorted sounds is really new and unusual in this form.

„The 3rd“ is a piece that is initially meditative in its calm. For me it is the most interesting piece on the EP because I really like the dynamics of the rhythmic elements and I find the simultaneity of dissonances and warm sounds very exciting.

Haunting, exciting, earthy sound spectra

„I“ is an exciting EP in many ways. THE THIRD CIRCLE have lived up to their claim of creating haunting and meditative soundscapes.I particularly like how they use the principle of repetition and variation. The sounds are vibrating spirals that rise and expand continuously. Be it by expanding the sound spectrum or by adding more and more rhythmic elements.
And so the tension increases, which is created by the interaction of the earthy sounds of the old instruments and the electronic synthesizer sounds. I think it’s great that both the synthesizers sound earthy and the old instruments sound spherical and dissonant.

From now on, I will also hear the jaw harp as an instrument in a different way. Because here it is performed with virtuosity, as a drone tone or as an accent that brings lightness.

Modern, psychedelic and yet deeply rooted in the concrete

Moreover, I almost always had the impression that I was listening to musicians who were trying things out and giving the music or the sounds the space to develop on their own. It’s like an exchange, a conversation – just without words.
Because there are no lyrics and the titles don’t give you any direction for thoughts, you have the opportunity to let the sounds affect you completely freely.

The sounds of the instruments and nature that are woven into the pieces are like memories of distant events and early longings that you can’t really grasp.

And yes, the pieces are definitely psychedelic, because they make it possible for the boundaries between yourself and the outside world to blur. Nevertheless, the connection with nature, the roots in the concrete, are noticeable.

The video that comes with this EP makes this visible in a different form.

There will be more EPs following the “I” EP. I am excited to see what happens next. And whether we will soon be able to see THE THIRD CIRCLE live. I imagine the ideal place to do this would be a clearing in the forest…

So, now take your time and immerse yourself in the video and, above all, the music!

Vor ein paar Tagen hat By Norse Music die Partnerschaft mit der norwegischen Gruppe THE THIRD CIRCLE bekanntgegeben. In ein paar Tagen soll das Album „I“ erscheinen.

THE THIRD CIRCLE besteht aus John Stenersen (WARDRUNA, GÅTE, BERGTATT), Anders Odden (CADAVER, CELTIC FROST) und Birger Mistereggen, also erfahrenen Musikern aus unterschiedlichen musikalischen Richtungen. Mit THE THIRD CIRCLE wollen sie Folk-Tradition mit modernen Elementen verbinden. Den Rahmen soll ein Minimalismus bilden, in dem eindringliche und meditative Klanglandschaften entstehen. Damit fügen sie sich in das Konzept zeitgenössischer nordischer Musik ein und erweitern das Spektrum der Folkmusik.

THE THIRD CIRCLE – wie klingen Drehleier, analoger Sythesizer und Kontrabass zusammen?

Beim Inferno-Festival in Oslo kamen John Stenersen und Anders Odden über unkonventionelle Instrumentierung ins Gespräch. Schon bald kam eine Idee auf: Wie würde es klingen, wenn man eine Drehleier, einen analogen Synthesizer und einen Kontrabass kombinieren würde?
Diese Frage schien sie so zu faszinieren, dass sie schon bald begannen, mit verschiedensten Instrumenten zu experimentieren. Sie nutzten Nyckelharpa, Moraharpa, und Drehleier und ließen Klanglandschaften mit Tiefe und Verzerrung entstehen.
Bald kam Perkussionist Birger Mistereggen dazu.
Allen gemeinsam ist die Liebe zu traditionellen, alten Klängen und Rhythmen.
Mit THE THIRD CIRCLE wollen sie traditionelle Elemente mit einem minimalistischen, meditativen und dunklen Sound verbinden.

Musik um der Reise und nicht um des Zieles willen

Eine besondere Rolle dürften dabei Erfahrungen gespielt haben, die Anders Odden machte: Als Pionier der norwegischen Black-Death-Metal-Szene tourte Anders über 25 Jahre lang um die Welt. Doch nach einer lebensbedrohlichen Krankheit im Jahr 2020 änderte sich seine Einstellung zum Leben und zur Musik dramatisch. Er wollte Musik machen, die persönlicher, meditativer, therapeutischer ist.
Ein Weg dazu ist das Minimalistische, traditionelle Elemente, Klänge der Natur. So sind ihre Instrumente aus Holz gefertigt und der Sound von THE THIRD CIRCLE im wörtlichen und übertragenen Sinne im Holz verwurzelt und von der norwegischen Landschaft inspiriert.

Und sie wollen ihre Musik als Aufruf und Anlass zum Innehalten, Nachdenken und Eintauchen in eine Reise jenseits des Alltäglichen verstanden wissen. Und das ist in der aktuellen Zeit, in der wir mit der Auseinandersetzung und Verarbeitung der vielen Informationen, die täglich auf uns einströmen, kaum nachkommen, sicher hilfreich.

Besetzung und Instrumente

Anders Odden: Elektrische Saiteninstrumente, Stimme, Samples und Produktion
Birger Mistereggen: Perkussion (Seiltrommel, Rahmentrommeln, Cajón, Holztrommeln, Shake Plates, Pandeiro, Tambourin, Laptop-Conga, Melodieglockenspiele und Becken), Weidenflöte, Maultrommeln und Stimme.
John Stenersen: Nyckelharpa, Mora-Harpa und Drehleier

Mehr zum Album in den nächsten Tagen hier auf metal-heads.de

Ja, richtig gelesen! Die norwegische Folk-Rock-Band GÅTE ist mit ihrem Song „Ulveham“ in das Halbfinale des Vorentscheids zum Eurovision Song Contest gekommen.

Am Samstag, den 20. Januar 2024 entscheidet dann das Publikum, ob sie es auch ins Finale schaffen – und dann Norwegen beim Eurovision Song Contest vertreten.

(Update der Redaktion: GÅTE haben es sensationell ins Finale geschafft! Glückwunsch!)

Der Beginn

Aber einmal von Anfang an:

GÅTE haben sich 1999 in Trondheim gegründet. Bereits für ihr Debütalbum „Jygri“ erhielten sie 2002 den wichtigen norwegischen „Spellemannprisen“. Das Album wurde mit weiteren Preisen ausgezeichnet.

In ihren Liedern haben sie traditionellen Folk und Rock so miteinander verbunden, dass ein besonderer und ganz einzigartiger Sound entstand. Dass sie ihre Zuhörer so begeistern konnten (und heute wieder begeistern), hat meiner Ansicht nach damit zu tun, dass ihr Respekt vor der norwegischen Volksmusik spürbar ist.
GÅTE haben traditionelle Lieder so interpretiert, dass sie auch insbesondere junge Zuhörer angesprochen haben. Ein wesentliches Erkennungsmerkmal ist die großartige Stimme von Gunnhild Sundli, die GÅTE zusammen mit ihrem Bruder Sveinung gründete.

Auflösung und Fortsetzung

2005 war zunächst einmal Schluss. GÅTE lösten sich auf. 2020 kamen sie zurück. Diesmal haben sie mit den Liedern auf der EP „Til Nord“ und dem Album „Nord“ auf die Musikgeschichte Norwegens zurückgegriffen. Die beiden Veröffentlichungen sind eine Sammlung wunderschöner Lieder, deren Quelle in der musikalischen Vergangenheit ist, die sie jedoch modern interpretieren und ausdrücken.

Im Oktober letzten Jahres erschien die EP „Vandrar“ mit sechs Songs. Wie zu Beginn verbinden sich dabei nordischer Folk mit Rockmusik und Industrial-Elementen.

„Ulveham“ von der EP „Vandrar“

Und jetzt sind GÅTE auf dem Weg zum Eurovision Song Contest.
„Ulveham“, der Song, mit dem sie antreten, ist von der EP „Vandrar“. „Ulveham“ erzählt die Geschichte eines jungen Mädchens, dem eine Reihe von Ungerechtigkeiten widerfahren. Dennoch tritt sie weiterhin für Güte und Gerechtigkeit ein. Und damit besteht sie harte Prüfungen und triumphiert über böse Mächte. Am Ende kann sie den Fluch, der über ihr lag, brechen. Der Song basiert auf einem mittelalterlichen Text und einem Lied der 1975 verstorbenen Volkssängerin Marit Jensen Lillebuen, deren Melodien für viele Musiker eine Inspiration waren.

„Ulveham“ bewegt sich ausgewogen zwischen Folk, Rock und elektronischer Musik und baut durch Wechsel der Dynamik eine mitreißende Spannung auf.

Ich bin sehr gespannt, ob sie damit ein breites Publikum erreichen und ins Finale kommen können.

Falls euch der Eurovision Song Contest nicht interessiert – „Ulveham“ ist ein toller Song und in die EP „Vandrar“ reinzuhören lohnt sich auf jeden Fall!

english version below

Wenn ich mir die Anzahl der Veröffentlichungen im Bereich Metal und Folk allein aus den skandinavischen Ländern anschaue, war es ein sehr produktives Jahr 2023. Aber nicht nur was die Anzahl angeht, sondern auch die Qualität.

Hier eine Auswahl zu treffen, ist mir schwergefallen. Die gewählte Strategie: für jeden Monat ein Album. Das hat die Auswahl etwas erleichtert. Die ausgewählten Veröffentlichungen sind die, die mich auch nach häufigem Hören immer noch in ihren Bann ziehen.

Es war nicht nur Musik, die mir im vergangenen Jahr viele gute Momente gegeben hat, sondern auch die Interviews, die ich mit Musikern aus verschiedenen Bereichen machen konnte.

Vielen Dank an Toumas Rounakari, Benny Braaten, Þráinn Baldvinsson und Jón Geir Jóhannsson von SKÁLMÖLD, Leo Wichmann (WORDS OF FAREWELL) und Stefan Matschke (AGENDA)!

Viele Gedanken und Fragen, über die wir gesprochen haben, werden mich auch in der kommenden Zeit begleiten und beschäftigen. Sich zuhören, miteinander reden, sich streiten aber immer wieder aufeinander zugehen, andere Meinungen und Unterschiede aushalten können, Verschiedenheit als Bereicherung sehen, immer wieder über Bewertungen in jeder Form nachdenken – das sind Themen, die in allen Interviews in der einen oder anderen Weise zur Sprache kamen. Sie werde ich – genauso wie die Musik – mit ins nächste Jahr nehmen.

Und nun zur Musik

Januar – NEBALA

Über NEBALA habe ich im letzten Jahr oft geschrieben, da ihnen meiner Meinung nach Großartiges gelungen ist. Ausgehend vom Album „Lustuz Laþu Wōþuz Alu“, bei dem Jonas Lorentzen (ex – HEILUNG) nicht nur mit den Musikern Sebastian Gainsborough (aka Vessel vom Manchester Collective) und Kjell Braaten (Wardruna, Origami Galaktika) sondern auch mit Fachleuten aus den Bereichen Vorchristliche Religion und Philosophie zusammengearbeitet hat.

Die Texte aus den nordischen Sagas bilden in Verbindung mit Elementen indischer und europäischer Philosophie die Basis für die Betrachtung der Sexualität aus einer spirituellen und mythologischen Sicht.

Traditionelle Instrumente wie Leiern, Hörnern, Tagelharpa, Organistrum, tibetische Klangschalen sowie verschiedene Formen des Kehlgesangs formen NEBALAs indo-nordischen Klang, der das Besondere dieser Lieder ausmacht.

Auf dem CASTLEFEST spielten sie zum ersten Mal live und boten den Zuschauern ein wahrhaft magisches Erlebnis.

Das Konzert auf dem MIDGARDSBLÓT-Festival wurde aufgezeichnet und ist als Album erhältlich. Außerdem könnt ihr euch die Show HIER ansehen.

Im Januar 2023 veröffentlichten NEBALA mit „Skiñañariaz“ ein erstes Video der Show auf dem MIDGARDSBLÓT-Festival. Das Album und alle Videos wurden dann im Mai veröffentlicht. Hier haben Fieke Van Den Hurk bei der Aufnahme sowie Kjell Braaten und Ivar Sandøy beim Mixen und Master ebenso gute Arbeit geleistet, wie Sara Bøgh bei der künstlerischen Ausgestaltung des Videos. Daher sind die Videos nicht nur eine Dokumentation der Show, sondern ein Medium, das die Wirkung der Lieder durch fantastische Bilder verstärkt.

Februar – PIL & BUE

Im Februar brachten PIL & BUE (das sind Petter Carlsen und Gøran Johansen) das Album „Special Agents“ heraus. PIL & BUE (Pfeil und Bogen) klingen auch zu zweit wie eine vollständige Band. Sie machen kraftvolle, düstere bis lustige Rockmusik. Passend zu ihrem  Bandname treffen sie mit ihren brachialen Rhythmen und durchdringenden Melodien pfeilschnell direkt ins Ziel. Einflüsse von Thrash Metal und Post Rock bieten abwechslungsreichen Hörgenuss.

März – Kjell Braaten

Auch von Kjell Braaten, der in diesem Monat die EP „The Cabin“ herausgebracht hat,  habe ich häufiger berichtet und seine Alben „Ferd“, „Bronseplassen“ und „Blóta“ vorgestellt

Bei „The Cabin“ gefällt mir die Zusammenstellung der Stücke sehr gut. Das Spektrum reicht von der intensiven Leichtigkeit einer Improvisation auf einem Instrument (Langspill) über orchestrale Klänge bis zur komplex arrangierten Variation des Songs „Acoustic Oscillator“.

Der Song „The Cabin“ war eine Auftragsarbeit und ursprünglich als Soundtrack für einen düsteren Animationsfilm vom Typ „Hanzel und Grethel“ komponiert. „Acoustic Oscillator“ ist ein Remake des Songs „Universal Oscillator“ von THE QUANTUM FIELD TRIP.

Kjell Braaten komponiert neben seiner eigenen Musik auch für Theater und Film (zuletzt für die Serie „Vikings Valhalla“).

Im Verlauf des Monats hat er mit „Ragnarok“ und „Jotun“ weitere Songs veröffentlicht, die er ursprünglich für Filmprojekte komponiert hatte. Ich finde es interessant zu hören, was neben ‚seiner eigenen Musik‘ entstanden ist.

Die Musik unterscheidet sich einerseits deutlich von dem, was er in den letzten Jahren unter seinem Namen veröffentlicht hat. Andererseits verwendet er auch hier wieder Instrumente aus der ganzen Welt, was sich wie ein roter Faden durch seine musikalische Arbeit zieht. 

April – SEVEN IMPALE

Kennt ihr die Jazz-Progger von SEVEN IMPALE? Ich habe mich sehr gefreut, als sie nach sieben (!) Jahren endlich wieder ein Album herausgebracht haben. Dass es so lange gedauert hat, hatte damit zu tun, dass alle Mitglieder „mit dem Leben beschäftigt“ waren. So war Stian Økland nach seinem Bachelor in klassischem Gesang in Opernproduktionen in Europa und zuletzt in Hongkong zu hören und Håkon Vinje betätigt bei ENSLAVED die Tasten.

Meine Vorfreude hat sich nach dem ersten Hören von „Summit“ in Freude verwandelt, da die Songs direkt mitnehmen in einen schweren metallisch durchzogenen Jazz’n Prog-Rock. Mit dem Pathos, den Stian in seinen Gesang legt und Håkons freejazz Eskapaden ist das schwere Kost, die sie aber immer wieder auflockern.  

Mai – NEBALA (live)

Hier erschien das eingangs schon erwähnte Album „Live at the Blót“ von NEBALA.  Mehr dazu könnt ihr hier lesen.

Juni – IMMORTAL

Im Juni hieß es dann: „I am immortal“ oder vielmehr: „Ich bin IMMORTAL“. Denn nach Diskrepanzen zunächst mit Abbath (Vocals) und später mit Horgh (Drums) hat Demonaz das Ruder übernommen und das Album quasi allein gestaltet. Ob das gut funktioniert hat? Ja, denn „War Against All“ ist so knackig frostig, wie man es von IMMORTAL gewohnt ist. Bei den acht soliden Songs beschleicht mich ein wenig Nostalgie, da Demonaz  mit massiven Grooves und eiskalten Riffs die Elemente aufgreift, die mir an den frühen Alben gefallen. Unterstützt wurde er von Kevin Kvåle (Drums/ u.a. Gaahls WYRD und Arve Isdal (Bass/ ENSLAVED).

July – VREID

Endlich etwas Neues von VREID, die sich mit dem Song „Flammen“ zurückgemeldet haben. Mit VREID verbinde ich Schwermut und Energie sowie Intensität, Nachdenklichkeit und Experimente.

Das ist auch in „Flammen“ wieder zu hören. Mit hämmernden Riffs, düsterem Sound, tollen Leads und symphonischen Elementen ist „Flammen“ wie eine Essenz ihrer Musik der letzten Jahre.

Ihr letztes Album „Wild North West“ erschien 2021. Damit haben sie uns auf eine Reise an einen Ort tief in den Bergen mitgenommen. Dorthin, wo die Grenze zwischen Realität und Fantasie nicht mehr deutlich ist und der Tod nur einen Schritt hinter einem liegt.

Zusammen mit SÓLSTAFIR haben sie im gleichen Jahr ein ganz besonderes Konzert gestreamt. VREID haben auf dem Storehogen Berg in Sogndal gespielt und SÓLSTAFIR auf der Hochebene von Hellisheiði in ihrer Heimat Island.

Und jetzt heißt es: Warten auf das Album.

August – SKÁLMÖLD

Der Sommermonat brachte ein neues Album von SKÁLMÖLD. Mit “Ýdalir“ sind die Isländer ihrer Linie, Songs auf der Basis isländischer Sagen zu entwickeln, treugeblieben. Sie haben diese Grundidee weiterverfolgt, aber dabei neue Strukturen und Ideen entwickelt. Und für einige Überraschungen gesorgt.

Seit SKÁLMÖLD ihr fünftes Album „Sorgir“ veröffentlichten, sind fast fünf Jahre vergangen. Dies hat einmal damit zu tun, dass sie 2019 beschlossen, eine Pause zu machen, um nach den vielen Touren die Batterien aufzuladen und über neue Songs nachzudenken. Als sie wieder losstarten wollten, kam die Covid-Pandemie dazwischen.

In diesem Jahr konnten sie „Ýdalir“ veröffentlichen, eine tolle Geschichte erzählen und auf Tour gehen.

„Ýdalir“ ist musikalisch härter als die Vorgänger. Dadurch entwickeln die Melodien eine noch deutlichere Wirkung. Dass SKÁLMÖLD über mehrere gute Sänger verfügt, wissen wir bereits. Diesmal trägt auch Drummer Jón Geir Jóhansson einen engelsgleichen Gesang bei. Ansonsten gibt es Passagen zum Headbangen, andere zum Mitsingen. Und es sind wieder Geschichten zu Orten und Charakteren, die in der nordischen Mythologie eine Rolle spielen. Skálmöld übernehmen aber nicht einfach die Texte aus der Edda, sondern Snæbjörn Ragnarsson (Bass) erzählt neue Geschichten. Z.B. über Ullur, der zentralen Figur des Albums, bei dem Skálmöld wohl dachten, dass er es verdient hat, dass man mehr über ihn erzählt.

September – FIXATION

FIXATION ist eine noch relativ neue Hardrock-Band aus Norwegen, die 2020 mit der EP „Global Suicide“ ihr Debüt veröffentlicht hat. Jetzt legen sie mit „More Subtel Than Death“ ein Album nach. Mit schweren Riffs, massiven Synthesizer-Sound und eingängigen Melodien verbinden sie Rock mit Metalcore und würzen dies mit Sozialkritik. Die Texte handeln von Ungerechtigkeit, Egozentrismus, Klimakrise und der Missachtung der Menschenrechte. Die teilweise bombastische Musik bildet eine angemessene Kulisse für die oft emotionalen Ausbrüche

Das Mixing hat Jason Livermore (der u.a. mit RISE AGAINST gearbeitet hat) übernommen.

Oktober – FORTÍÐ

Der Oktober brachte uns „Narkissos“, das siebte Album von FORTÍÐ.

FORTÍÐ (isl. für Vorzeit und Vergangenheit) ist eine isländisch-norwegische Pagan-Metal-Band.

Und was haben die nun mit Narziss, einer Gestalt der griechischen Mythologie zu tun? Keine Sorge, FORTÍÐ bleiben sich treu und haben auf ihrem siebten Album den Archetypen des Selbstverliebten in einen nordischen Kontext gebracht. Auch musikalisch sind sie sich treu geblieben. Sie garnieren ihren Black Metal mit Thrash- und Folk-Elementen, schön konzipierten Gitarrenparts und wohldosierten Wechseln im Tempo. Es geht immer klar voran, ohne Verspieltheit aber doch mit Leichtigkeit.

November – BARDS OF SKAÐI

BARDS OF SKAÐI – das sind Göran Månsson (Blasinstrumente und Schlagzeug) und Thomas von Wachenfeldt (Keyboards, Saiteninstrumente).

Das Album „Glysisvallur: Musick from the frozen Atlantis“ ist Musik zum Träumen. Sie entwickeln Klanglandschaften, in die es sich einzutauchen lohnt. Zeitweise hat man das Gefühl zu schweben, so leicht tragen einen die Melodien. Es ist ‚November-Musik‘, der angemessene Hintergrund es sich gemütlich zu machen, während es draußen grau und unwirtlich wird.

Dezember – GÅTE

Nachdem GÅTE im Oktober „Vandrar“ veröffentlicht haben, erschien im Dezember bei Indie Recordings die Doppel-LP „Huldra“. Diese Vinyl ist eine Zusammenstellung der Songs, die sie bekannt gemacht haben. Mit „Ulveham“ und „Huldra“ sind zudem zwei Songs dabei, die bisher noch nicht physisch veröffentlicht wurden.

Wenn es um die Verbindung von Folk und Rockmusik geht, kommt man an GÅTE nicht vorbei. Bereits für ihr Debütalbum „Jygri“ gewann sie 2002 den Spellemannprisen, den wichtigsten norwegischen Musikpreis. 2021 hatten sie mit „Nord“ noch einmal ein rein akutsiches (Folk-) Album herausgebracht. Mit der EP „Vandrar“ sind sie zu ihren rockigen Anfängen zurückgekehrt und haben Folkmelodien, Drehleier und Maultrommel mit rockigen und metallischen Riffs verbunden. Da gibt es düstere und sphärische Momente aber auch fette Riffs.

Wer es eher rockig mag, dem wird „Vandrar“ gefallen. Wer hingegen feine Folksongs hören möchte, wird sie auf „Huldra“ finden.

Das war „meine“ Musik in 2023

So, das waren die Alben, die mir in diesem Jahr viel Spaß gemacht haben.

Es waren aber nicht nur Alben, die für eine gute Zeit gesorgt haben, sondern auch die Gespräche/Interviews, die viele meiner Fragen beantworteten, neue aufwarfen, auf verschiedenen Ebenen Impulse gegeben und somit Stillstand unmöglich gemacht haben.

Hört doch mal in die Alben rein (und/oder lest die Reviews und Interviews), kommt gut ins Neue Jahr, in dem ich euch hoffentlich auch wieder interessante und hörenswerte Alben vorstellen kann!

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Music from the North – a look back at 2023

If I look at the number of releases in the Metal and Folk genres solely from the Scandinavian countries, it has been a very productive year in 2023. But not just in terms of quantity, but also in quality.

Selecting a few proved to be challenging. The chosen strategy: one album for each month. This made the selection somewhat easier. The chosen releases are the ones that still captivate me after frequent listening.

It wasn’t just the music that provided many good moments last year, but also the interviews I could conduct with musicians from various domains. Many thanks to Toumas Rounakari, Benny Braaten, Þráinn Baldvinsson and Jón Geir Jóhannsson from SKÁLMÖLD, Leo Wichmann (WORDS OF FAREWELL), and Stefan Matschke (AGENDA)!

Many thoughts and questions from our discussions will accompany and occupy me in the coming times. Listening to each other, talking, arguing, but always coming back together, tolerating different opinions and differences, seeing diversity as enrichment, and constantly reflecting on evaluations in any form – these are themes that came up in all interviews in one way or another. I will carry them – just like the music – into the next year.

And now, onto the music.

January – NEBALA

I have often written about NEBALA last year because, in my opinion, they achieved something remarkable. Starting with the album „Lustuz Laþu Wōþuz Alu“, where Jonas Lorentzen (ex-HEILUNG) collaborated not only with the musicians Sebastian Gainsborough (aka Vessel from the Manchester Collective) and Kjell Braaten (Wardruna, Origami Galaktika) but also with experts in Pre-Christian religion and philosophy. The texts from Nordic sagas, in combination with elements of Indian and European philosophy, form the basis for the consideration of sexuality from a spiritual and mythological perspective.

Traditional instruments like lyres, horns, tagelharpa, organistrum, Tibetan singing bowls, and various forms of throat singing shape NEBALA’s Indo-Nordic sound, making these songs special. They performed live for the first time at CASTLEFEST, offering the audience a truly magical experience. The concert at the MIDGARDSBLÓT Festival was recorded and is available as an album. You can also watch the show HERE.

In January 2023, NEBALA released the first video of the MIDGARDSBLÓT Festival show titled „Skiñañariaz“. The album and all videos were then released in May. Fieke van den Hurk did an excellent job with recording, and Kjell Braaten and Ivar Sandøy excelled in mixing and mastering, just like Sara Bøgh did in the artistic design of the video. Therefore, the videos are not just a documentation of the show but a medium that enhances the impact of the songs with fantastic visuals.

February – PIL & BUE

In February, PIL & BUE (Petter Carlsen and Gøran Johansen) released the album „Special Agents“. PIL & BUE (=Arrow and Bow) sound like a complete band even as a duo. They create powerful, dark, and sometimes humorous rock music. True to their band name, they hit the target with their brutal rhythms and penetrating melodies. Influences from Thrash Metal and Post-Rock provide diverse listening pleasures.

March – Kjell Braaten

Also, from Kjell Braaten, who released the EP „The Cabin“ this month, I have reported more frequently and introduced his albums „Ferd“, „Bronseplassen“ and „Blóta“.

I particularly like the composition of the pieces in „The Cabin“. The spectrum ranges from the intense lightness of improvisation on an instrument (Langspill) to orchestral sounds and the complex arranged variation of the song „Acoustic Oscillator“.

The song „The Cabin“ was a commissioned work and originally composed as a soundtrack for a dark animated film of the „Hansel and Gretel“ type. „Acoustic Oscillator“ is a remake of the song „Universal Oscillator“ by THE QUANTUM FIELD TRIP. In addition to his music, Kjell Braaten also composes for theatre and film (most recently for the series „Vikings Valhalla“). During the month, he released „Ragnarok“ and „Jotun“, two more songs he originally composed for film projects. I find it interesting to hear what has emerged besides his ‚own music‘. On the one hand, the music differs significantly from what he has released under his name in recent years. On the other hand, he once again uses instruments from around the world, which runs like a common thread through his musical work.

April – SEVEN IMPALE

Do you know the jazz-proggers SEVEN IMPALE? I was delighted when they finally released an album after seven (!) years. The long wait was due to all members being „busy with life“. Stian Økland, after completing his Bachelor’s in classical singing, was heard in opera productions in Europe and lately in Hong Kong. Håkon Vinje is busy with the keys at ENSLAVED. My anticipation turned into joy after the first listen to “Summit”, as the songs immediately take you into a heavy, metallic-laden Jazz’n Prog-Rock. With the pathos that Stian puts into his singing and Håkon’s free jazz escapades, it’s a heavy dish that they occasionally lighten up.

May – NEBALA (Live)

Here was the release of the aforementioned live album from NEBALA “Live at the Blót“.  More about it HERE.

June – IMMORTAL

In June it was said: „I am immortal“ or rather: „Ich bin IMMORTAL.“ After initial disagreements with Abbath (vocals) and later with Horgh (drums), Demonaz took over and essentially shaped the album alone. Did it work well? Yes, because „War Against All“ is as crisply frosty as you would expect from IMMORTAL. The eight solid songs evoke a bit of nostalgia in me, as Demonaz picks up on the elements I liked in the early albums with massive grooves and icy riffs. He was supported by Kevin Kvåle (drums/ among others Gaahls WYRD) and Arve Isdal (bass/ ENSLAVED).

July – VREID

Finally, something new from VREID, who returned with the song „Flammen“. I associate melancholy and energy, intensity, contemplation, and experiments with VREID.

This is also evident in „Flammen“. With pounding riffs, dark sound, great leads, and symphonic elements, „Flammen“ is like an essence of their music from recent years. Their last album, „Wild North West“, was released in 2021, taking us on a journey to a place deep in the mountains, where the boundary between reality and fantasy is no longer clear, and death is just a step behind.

Together with SÓLSTAFIR, they streamed an extraordinary concert in the same year. VREID played on the Storehogen Mountain in Sogndal, and SÓLSTAFIR played on the plateau of Hellisheiði in their home country, Iceland. And now it’s time to wait for the album.

August – SKÁLMÖLD

The summer month brought a new album from SKÁLMÖLD. With „Ýdalir“, the Icelanders stayed true to their line of developing songs based on Icelandic sagas. They continued this basic idea but developed new structures and ideas, providing some surprises.

Almost five years have passed since SKÁLMÖLD released their fifth album, „Sorgir“. This was partly due to their decision to take a break in 2019 to recharge their batteries after many tours and think about new songs. When they wanted to start again, the Covid pandemic came in between. This year, they were able to release „Ýdalir“, tell a great story, and go on tour.

„Ýdalir“ is musically harder than its predecessors. This makes the melodies have an even more distinct effect. We already know that SKÁLMÖLD has several good singers. This time, drummer Jón Geir Jóhannsson contributes an angelic singing. There are passages for headbanging and others for singing along. And, once again, there are stories about places and characters that play a role in Norse mythology. However, Skálmöld doesn’t just take the texts from the Edda; Snæbjörn Ragnarsson (bass) tells new stories, for example, about Ullur, the central figure of the album, where SKÁLMÖLD probably thought he deserved to have more said about him.

September – FIXATION

FIXATION is a relatively new hard rock band from Norway that debuted in 2020 with the EP „Global Suicide“. Now they follow up with an album titled „More Subtel Than Death“. Mixing heavy riffs, massive synthesizer sounds, and catchy melodies, they blend rock with metalcore, seasoning it with social criticism. The lyrics deal with injustice, egocentrism, the climate crisis, and the disregard for human rights. The sometimes bombastic music provides a fitting backdrop for the often emotional outbursts.

Jason Livermore, who has worked with RISE AGAINST, among others, handled the mixing.

October – FORTÍÐ

October brought us „Narkissos“, the seventh album from FORTÍÐ.

FORTÍÐ (Icelandic for antiquity and past) is an Icelandic-Norwegian pagan metal band. And what do they have to do with Narcissus, a figure from Greek mythology? Don’t worry, FORTÍÐ stays true to themselves and has placed the archetype of the self-loving into a Nordic context on their seventh album. Musically, they also remain true to themselves, garnishing their black metal with thrash and folk elements, well-conceived guitar parts, and well-dosed changes in tempo. It always moves forward clearly, without playfulness but with ease.

November – BARDS OF SKAÐI

BARDS OF SKAÐI – that’s Göran Månsson (wind instruments and drums) and Thomas von Wachenfeldt (keyboards, string instruments). The album „Glysisvallur: Musick from the frozen Atlantis“ is music for dreaming. They create soundscapes worth immersing oneself in. At times, you feel like floating; the melodies carry you so lightly. It’s ‚November music,‘ the appropriate background to get comfortable while it gets grey and inhospitable outside.

December – GÅTE

After GÅTE released „Vandrar“ in October, the double LP „Huldra“ was released in December by Indie Recordings. This vinyl is a compilation of the songs that made them known. With „Ulveham“ and „Huldra“, two songs are included that have not been physically released before.

When it comes to the connection between folk and rock music, you cannot ignore GÅTE. They already won the Spellemannprisen, the most important Norwegian music award, for their debut album „Jygri“ in 2002. In 2021, they released a purely acoustic (folk) album, „Nord“. With the EP „Vandrar“, they returned to their rocky beginnings, combining folk melodies, hurdy-gurdy, and jaw harp with rocky and metallic riffs. There are dark and atmospheric moments, but also hefty riffs. If you prefer a more rocking sound, you will like „Vandrar“. If, on the other hand, you want to hear fine folk songs, you will find them on „Huldra“.

That was “my” music in 2023.

So, those were the albums that gave me a lot of pleasure this year. It wasn’t just albums that provided a good time but also the conversations/interviews that answered many of my questions, raised new ones, gave impulses on various levels, and thus made stagnation impossible.

Take a listen to the albums (and/or read the reviews and interviews), and have a great start to the New Year, where hopefully, I can present interesting and worth-listening albums to you again!

Das Jahr neigt sich dem Ende zu – Zeit für einen Rückblick auf das, was 2021 musikalisch hervorgebracht hat. Und wie in jedem Jahr stellt sich die Frage, welche Alben in die Auswahl für den Rückblick kommen. Denn auch in diesem Jahr gab es – trotz der erneut schwierigen Bedingungen – so einige Alben, die mich auch in Zukunft begleiten werden.

In diesem Jahr habe ich mich für meinen Rückblick für Musik aus Norwegen entschieden. Da gab es neue Alben von bereits bekannten Bands, aber auch neue Projekte mit interessanten Konzepten.

Musik für und aus einer Welt, die wir mit unseren Gefühlen erkennen

Wie weit fühlen wir uns heute verwurzelt mit unseren Ursprüngen und getragen von überlieferten Geschichten? Wie weit können wir eine Verbindung zu diesen Ursprüngen in Natur, Gedanken, Empfinden, die in Sprache, bildender Kunst und Musik ihren Ausdruck finden? In den letzten Jahren hat sich der Eindruck, dass sich Lebensbereiche immer weiter voneinander entfernen, verstärkt.

Die Musiker, die ich heute im Rückblick aufgreife, haben sich in unterschiedlicher Weise damit beschäftigt, wie Natur und Kultur, Sprache und Musik, Bilder und Emotionen wieder miteinander verbunden werden können.

Neues, Modernes mit tiefen kulturellen Wurzeln

Die Alben, auf die hier jetzt noch einmal schauen möchte sind: „Kvitravn“ von WARDRUNA, „Bronseplassen“ von Kjell Braaten, „Hildring“ von Lindy-Fay Hella & Dei Farne sowie „Nord“ von GÅTE

Dies sind vier Alben, die von ihrer musikalischen Ausrichtung her kaum unterschiedlicher sein könnten. Und doch haben sie etwas gemeinsam: sie verbinden (Ur-)Altes mit Modernem und lassen daraus Neues entstehen. Es sind alte Klänge und Geschichten, von denen diese Musiker sich angesprochen fühlten. Die grundlegende Frage dabei ist: woher kommt die Musik, die wir heute spielen und hören? Wo sind ihre Ursprünge? Und was sagen uns Musik und Geschichten heute?

Sie verwenden historische Instrumente zusammen mit modernen Instrumenten. Klänge, Töne, Melodien und Rhythmen, die die Menschen über Jahrhunderte weitergegeben haben, haben sie in moderne Musik umgesetzt. Dabei nutzen sie die technischen Möglichkeiten, die heute beim Aufnehmen und Mischen zur Verfügung stehen und erleichtern damit auch das Hinhören, Zuhören und Wiedererkennen.

Auf diese Weise sind Lieder und Alben entstanden, die an den Ursprung unserer Musik aber auch unseres Denkens und Fühlens zurückgehen. Dass wir uns heute noch davon berührt und angesprochen fühlen, bringt uns wieder in einen Zusammenhang und Kontakt zu den Menschen, die lange vor uns die Musik ins Leben gerufen und uns diese wunderbare Möglichkeit des Erlebens mitgegeben haben.

WARDRUNA: Lieder in den Dingen der Welt hören

„Kvitravn“ ist das fünfte Album von WARDRUNA. Sie verwenden historische Instrumente wie Rahmentrommel, Lure, Taglharpa, Leiern. Auch auf „Kvitravn“, wie bereits auf der „Runaljod“-Trilogie, sind die Klänge dieser Instrumente kaum bearbeitet. WARDRUNA nutzen aber technische Möglichkeiten und kommen so den aktuellen Hörgewohnheiten entgegen.

WARDRUNA arbeiten mit Symbolen animistischer Kulturen. So ist der Rabe das Symbol für Weit- und Voraussicht und zugleich ein spiritueller Vermittler, der Wahrheit und Lüge unterscheiden kann. Er leitet diejenigen an, die sich Wissen aneignen wollen.

Die Musik des Albums kann mit eindringlichen Melodien und Rhythmen in eine andere Dimension tragen. Sie machen spürbar, dass es keinen Anfang und kein Ende gibt, das Leben ein Kreislauf ist und wir mit dem verbunden sind, was uns umgibt: Singe, bis das Lied dich singt.

Hier das Video zum Titelsong „Kvitravn“

Die Sehnsucht und das Ursprüngliche in der Musik

„Bronseplassen“ von Kjell Braaten ist der Mitschnitt eines Konzertes von einem Ort, der nicht passender für diese Lieder sein kann: der Bronseplassen, mit Rekonstruktionen aus der Bronze- und sogenannten Wikingerzeit.

Kjell Braaten spielt auf Rekonstruktionen von Instrumenten, die der Zeit um 600 n. Chr. bzw. der Wikingerzeit und dem Mittelalter zugeordnet werden. Trommeln, Hörner und verschiedenen Leiern, die sich aufgrund ihrer unterschiedlichen Formen und Saiten im Klang voneinander unterscheiden.

Schon allein durch seine warme und ausdrucksvolle Stimme gelingt es Kjell Braaten, den Hörer in seinen Bann zu ziehen. Für ihn ist Musik nicht allein Ausdruck von Emotionen. Er versteht Musik als eine umfassende Sprache, die Geschichten und (innere) Bilder schafft und übermittelt.

Auch wenn er historische Instrumente spielt: es geht ihm nicht darum, historische Musik zu machen. Die Instrumente verbinden ihn mit der Umgebung, aus der sie stammen.

Seine Lieder knüpfen mit ihren ergreifenden Melodien und Klängen an grundlegende Bedürfnisse und Emotionen an. Unter der Klarheit und Feinheit der Melodien kommt immer wieder Raues und Elementares hervor. Und so verbinden sich Helles und Dunkles, Feinheit und Ursprüngliches, Schweres und Spielerisches.

Schon bald wird er ein neues Album mit dem Titel „Blóta“ herausbringen. „Blóta“ bedeutet „Ritual“. Dazu sagte Kjell im Interview:

„Blóta“ ist mein Ritual, um über einige sehr verletzende Erfahrungen zu kommen, die mich lange Zeit gequält haben.

Dieses Album ist meine Reise durch diese dunklen Zeiten. Ich wollte sie dadurch zu einer Stärke machen und ihnen ihre zerstörerischen Kräfte nehmen.“

Bis es soweit ist, könnt ihr „Bronseplassen“ hier hören.

Als Beispiel das Video zu „Frigg“.

Klänge wie aus einer anderen Welt

Auch Lindy-Fay Hella & Die Farne haben mit „Hildring“ die grundlegende Frage nach unserer Verbundenheit mit Natur, und Vergangenheit gestellt.

Bei ihnen spielen Träume und Traumwelten eine wichtige Rolle. Und die Neugier auf das, was uns diese Träume, die Natur, die Vergangenheit und das Universum im Hinblick auf die Gegenwart bieten können.

Sie haben zur Auseinandersetzung mit diesen Aspekten eine recht ungewöhnliche Instrumentierung gewählt: Gitarre, Klavier, Hardanger Fidel, Harmonium, verschiede Percussions-Instrumente, Schlagzeug, Synthesizer – und Lindy-Fays Stimme. Sie will damit nicht nur Worte transportieren, sondern auch Gefühle, Staunen und Ehrfurcht gegen über der Natur.

Lindy-Fay setzt ihr Erleben der Natur mit herausfordernden aber auch mit umschmeichelnden Stimmungen um. Als ein besonderes Ausdrucksmittel nutzt sie den Joik, den traditionellen Gesang der Samen. Eingebettet in elektronische Musik, verbunden mit experimentellen Aspekten, ist ein facettenreiches Album entstanden.

Hier ein Beispiel: „Los“, das Lied vom Lodesmann, der die Seelen, die auf dem Meer verlorengehen, zum sicheren Ufer führt.

Traditionelle norwegische Lieder modern interpretiert

GÅTE haben auf dem Album „Nord“ auf traditionelle norwegische Lieder zurückgegriffen und sie neu arrangiert. Sie sind mit dem Liedgut einfallsreich und respektvoll umgegangen. Damit sind sie auch zu ihren eigenen musikalischen Wurzeln zurückgekehrt. Einige Lieder sind bereits auf einem ihrer früheren Alben veröffentlicht worden. Die jetzt entstandenen Akustikversionen sind in ihrer Klarheit eindringlich und intensiv.

Die Melodien und Texte verstehen GÅTE nicht nur als traditionelle Überlieferung, sondern gleichzeitig als aktuelle Themen. Deutlich wird dies in den Videos (z.B. zu „Svik“). Sie sind nicht nur mit heutigen technischen Mitteln inszeniert und umgesetzt, sondern auch mitaktuelle Symbolisierung.

Und hier das Video zu „Svik“.

Vier Alben – vier Konzepte – viermal wunderbare Musik

Unter diesen Alben kann ich nur schwer eine Rangliste erstellen. Dazu sind sie zu unterschiedlich. Angesprochen hat mich die Auseinandersetzung mit der Frage, woher kommt unsere heutige Musik? Was kann sie uns heute noch geben? Wo haben wir unsere Wurzeln?

Die Antworten, die die Alben geben, sind vielfältig und eröffnen somit unterschiedliche Zugangswege. Sie zeigen, dass auch aus der Rückbesinnung Neues entstehen kann. Und dass die Verbindung oder Verschmelzung alter und neuer Elemente Antworten auf aktuelle Fragen ermöglicht.

Draußen wird es langsam Winter. Es ist nass und ungemütlich in diesen Tagen. Was gibt es da Besseres, als sich einen Platz am Kamin vorzustellen. Das Album „Nord“ der norwegischen Band GÅTE, das am 3. Dezember 2021 veröffentlicht wird, passt zu solch einer Umgebung und Stimmung. Auf „Nord“ präsentieren GÅTE moderne Folkmusik, die respektvoll und einfallsreich mit traditionellen Liedern, Texten und Tänzen umgeht,

GÅTE sind eine norwegische Band, deren musikalische Ideen, wie auch bei einer Reihe weiterer norwegischer Musiker (s. Lindy-Fay Hella & Dei Farne, Kjell Braaten, WARDRUNA und VREID) auf verschiedene Musiktraditionen/das musikalische Erbe Norwegens zurückgehen.

Dabei haben GÅTE ihren musikalischen Schwerpunkt im Folk. Aber sie beziehen sich nicht nur auf traditionelle Lieder bzw. Texte und mittelalterliches Liedgut, das sie neu arrangierten. Begonnen haben sie mit einer Verbindung aus Folk und Rockmusik. Ihre Interpretation der Volkslieder zeugt von einem tiefen Verständnis für deren Bedeutung. So konnten sie durch diese moderne Auslegung und ihre Experimentierfreudigkeit immer wieder neue Hörer gewinnen.

„Til Nord“ war der Wegbereiter

Im Juni 2021 veröffentlichten GÅTE die EP „Til Nord“. Ob man den Titel nun mit „nach Norden“ oder als Hinweis auf das nun erscheinende Album „Nord“ betrachtet: ein Wegbereiter aber auch das verbindende Element zu den vorherigen Alben war die EP durchaus.

Denn vier Titel der EP finden sich auch auf „Nord“ wieder. Diese und weiter Titel haben GÅTE auch bereits auf Alben wie „Iselilja“ (2004), „Attersyn“ (2017) und „Svevn“ (2018) veröffentlicht.

Es lohnt sich, die Lieder einmal anhand ihrer zeitlichen Abfolge zu hören. Die unterschiedlichen Interpretationen zeigen, wie GÅTE die Lieder immer wieder neu verstanden haben.

„Nord“: Eine andere Intensität

„Solfager og Ormkongen“ ist die Geschichte vom Sieg über den Tod und von ewiger Liebe, in der sich der Schlangenkönig in das Mädchen Solfager verliebt. Es ist ein wunderbares Lied, das  besonders gut zeigt, wie traditionelle Elemente zeitgemäß auch in akustischer Form umgesetzt werden können.

Sie zeigen ihren Ideenreichtum in der Instrumentierung: z.B. in dem Zusammenspiel von Tenorgitarre und Hardanger Fiedel, das dem Lied eine warme Stimmung verleiht. Hier wie auch in den anderen Liedern schwebt die Stimme von Gunnhild Sundli zart und doch präsent über den feinen Melodien. Sie nutzt auch das Kveding, eine Form des Gesangs, die von Verzierungen geprägt ist.

In „Svik“ geht es darum, wie die Rache dazu beitragen kann, dass der Mensch sein eigener größter Feind wird. „Svik“ wird diesem Thema in seiner experimentelleren Weise, voller unerwarteter und archaischer Klänge und Wendungen durchaus gerecht.

„Hemnarsverdet“ ist ein Märchen aus der norwegischen Region Telemark. Auch hier geht es um Rache. Das Lied beginnt leicht, fast beschwingt. Die Dramatik lässt aber nicht lange auf sich warten. Im Video zu „Hemnarsverdet“, wird ein Halling, ein traditioneller Männertanz gezeigt. Die Männer messen sich mit athletischen Einlagen, bevor sie sich tatsächlich bekämpfen. Das Lied verursacht aber schon durch die Vocals und die Percussion Gänsehaut. (Für das Video haben sie mit Håkon Håvelsrud Odden und Ådne Kolbjørnshus zwei großartige Tänzer gefunden.)

Balladen und Tanzlieder

„Horpa“ ist das Lied von den zwei Schwestern (De to søstre) und den Folgen von Eifersucht. Es ist ein trauriges Lied: durch die Melodie und insbesondere die Begleitung durch die Orgel.

„Talande Tunger“ ist ein experimentelles Stück. Irgendwo zwischen bedrückend und schräg angesiedelt.

Mit „Rideboll og Gullborg“ vertonen GÅTE eine mittelalterliche Ballade über ein Paar mit den Namen Rideboll og Gullborg. Auch dies ist ein Lied, das GÅTE bereits auf dem Album „Attersyn“ interpretiert haben. In der Akustikversion auf „Nord“ klingt es klarer und trauriger.

„Sigurd og Trollbruar“ ist eine weitere Ballade aus der Telemark, die auch schon von Edvard Grieg vertont wurde. GÅTE haben ein Tanzlied mit einer wunderschönen Melodie daraus gemacht, das außerdem über einen Refrain zum Mitsingen verfügt.

Liebe kann den Menschen aufblühen lassen.

„Kjærleik“ ist ein weiteres Lied von der Liebe, in dem Traurigkeit, Mahnung und Hoffnung ihren Ausdruck in einer schönen Melodie und einem dichten Arrangement finden. Auch „Kjærleik“ wurde von GÅTE bereits auf „Iselilja“ und „Til Nord“ veröffentlicht. Auch hier gefällt mir die Akustikversion besser.  Die Idee, sich gegenseitig als Geschenk zu betrachten und nicht als Besitz wirkt hier noch reflektierter und überzeugender.

„Jomfrua Ingebjørg“ ist ebenfalls eine mittelalterliche Ballade, die GÅTE bereits früher veröffentlicht haben. Ein ruhiges Lied, das von den ausdrucksstarken Vocals lebt.

Mit „Sjåaren“ (Die Seherin) endet „Nord“. Wir werden mit einer wunderbaren Melodie, die

Sveinung Sundli dem Gedicht von Astrid Krog Halse gegeben hat, aus dem Album entlassen. Die Melodie und die zurückhaltende Begleitung unterstreichen die Nachdenklichkeit des Textes:  Frag mich nicht nach der Ewigkeit, sagtest du. Dort muss jeder seinen eigenen Weg finden. Frieden, sagtest du. Vermisst du ihn? Du findest ihn im Wald im Niemandsland.

Respekt vor dem Liedgut und den musikalischen Wurzeln

Mit dem Album „Nord“ sind GÅTE zu eigenen Wurzeln zurückgekehrt und haben sich erneut mit der traditionellen Musik und Geschichten ihrer Heimat auseinandergesetzt.

Die Einfachheit und Eingängigkeit der Lieder werden durch das nuancenreiche Arrangement unterstützt. So ist es bedauerlich, dass GÅTE mit diesem Album ihren Ausflug in die akustische Musik beenden wollen.

GÅTE sind:

Mehr Informationen zur Band findet ihr HIER

Gunnhild Sundli: Vocals, Geige
Magnus Børmark: Gitarre, Vocals, Percussion
Sveinung Sundli: Hardanger Fidel, Harmonium, Vocals, Percussion
Jon Even Schærer: Percussion, Vocals

Traditionelle norwegische Volkslieder neu interpretiert

Nach zwei EPs kam 2002 ihr erfolgreiches Album „Jyngri“ heraus. Das besondere Merkmal der Band war schon damals die charakteristische Stimme von Gunnhild Sundli. Es folgten weitere Alben und Auftritte auf großen Festivals wie z.B. dem Roskilde Festival 2003.

2004 kündigte die Band eine Pause an. Aber 2017 gab es mit der  EP „Attersyn“ ein Comeback.

GÅTE haben traditionelle norwegische Volkslieder neu interpretiert. Andere Lieder basieren auf Gedichten der norwegischen Lyrikerin Astrid Krog Halse. Die Gedichte in überwiegend im Dialekt des kleinen Ortes Meldal in der Nähe von Trondheim geschrieben hat. Häufig haben GÅTE ihre Texte in Nynorsk verfasst und in Tröndersk, einem der norwegischen Dialekte vorgetragen, was den Liedern einen ganz eigenen Charm verleiht.

Nordic Folk in Reinform ohne Gitarren und elektronischen Elemente

Bereits im Juni 2021 haben sie sich mit der EP „Til Nord“ herausgebracht. Vier bereits veröffentlichte Lieder und ein neues Stück haben sie in interessante Arrangements gekleidet.

Mit dieser EP haben sich vom eher populistischen Folk hin zu einer Musik entwickelt, die in ihrer Schlichtheit dennoch abwechslungsreich ist. Mit der Hardanger Fidel an Stelle der Gitarre, Gunnhild Sundlis Gesang und eingängigen Melodien haben GÅTE mit „Til Nord“ etwas durchaus Neues auf den Weg gebracht.

Album und neues Video

Das Album „Nord“ wird am 3. Dezember 2021 via Indie Recordings veröffentlicht.

Mit „Svik“ gibt es jetzt gibt es ein weiteres Musikvideo zum Album „Nord“. In diesem Song geht es um die Geschichte eines Mannes (dargestellt von Håkon Håvelsrud Odden), der von seiner Vergangenheit verfolgt wird. Es geht um Rache, Reue, Ängste. Wie sie uns quälen aber auch formen können.

Das Musikvideo hat Sängerin Gunnhild Sundli gedreht. Sie sagt dazu:  

„Durch die Arbeit an dem Musikvideo konnte ich die Atmosphäre und die Bilder, die ich im Kopf habe, wenn ich ‚Svik‘ singe, zum Leben erwecken“.

GÅTE sind:
Gunnhild Sundli: Vocals, Violine
Magnus Børmark: Gitarre, Vocals, Percussion
Sveinung Sundli: Hardanger Fiedel, Orgel, Vocals, Percussion
Jon Even Schærer: Percussion, Vocals