Hipgnosis – das ist das legendäre britische Fotodesign-Studio von Aubrey Powell und Storm Thorgerson. Es schuf zwischen 1967 und 1984 mehr als 400 Plattencover für internationale Bands und Musikschaffende. Viele dieser ikonischen Motive sind heute kulturelle Meilensteine und Symbole der Musikgeschichte.

Hipgnosis-Ausstellung: Von AC/DC bis Led Zeppelin

Insbesondere die Gestaltung für Pink Floyd, mit denen Powell und Thorgerson eng verbunden waren, ragt heraus. Und das bahnbrechende Album „The Dark Side of the Moon“ feiert jetzt seinen 50. Geburtstag. Designs für weitere Alben wie „Houses of the Holy“ und „Presence“ von Led Zeppelin sowie Werke für The Nice, 10cc und viele andere erlangten weltweiten Ruhm. Ihre LP-Hüllen offenbaren surrealistische Kunstwerke und rätselhafte Momente. Und diese sind damals oft durch Experimente mit Polaroid-Technik oder Assoziationen mit den Albumtiteln entstanden.

Die Ausstellung präsentiert über 120 großformatige limitierte Siebdrucke und Fotografien. Darunter auch bisher unveröffentlichte Entwürfe. Originale Plattenhüllen und der neue Dokumentarfilm „Eclipse“ von Aubrey Powell für Pink Floyd anlässlich des Jubiläums von „The Dark Side of the Moon“ ergänzen die Exponate. Ein Soundwalk rundet das Erlebnis ab, indem er die Musik vor den Designs erlebbar macht.

Kuratoren der Ausstellung sind John Colton von der Browse Gallery Berlin und Hipgnosis-Gründer Aubrey Powell. Die Ausstellung wird vom Freundeskreis der Ludwiggalerie gefördert. Sie ist in Kooperation mit WDR 3 als Kulturpartner entstanden.

In eigener Sache

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Eine weitere Musik-Bibel

Das französische Autoren-Team Jean-Michel Guesdon und Philippe Margotin holt mit „Led Zeppelin – Alle Songs“ zu einem weiteren Genie-Streich aus. Denn neben den bereits erschienenen und bei uns vorgestellten Werken über Jimi Hendrix, Queen, The Beatles und The Rolling Stones folgt mit diesem Buch ein weitere Klassiker. Und Led Zeppelin hat schließlich wahre Musikgeschichte geschrieben. Denn obwohl es Led Zeppelin von 1968 bis 1990 insgesamt lediglich 12 kurze Jahre gab, reichte dieses rechnerische Jahrzehnt aus, um Musik-Stile wie Hardrock, Progressive und Metal mit Funk und Blues auf geniale Art und Weise zu vermischen. Und wir alle wissen: es kam Gutes dabei heraus. Hymnen wie „Stairway to Heaven“ zum Beispiel.

Zum Inhalt von „Led Zeppelin – Alle Songs“

Funktional aufgeteilt in die Albumtitel I bis IV (analog zur viermaligen Bandgründung) sowie in weiteren Kapiteln kommt diese mächtige Sammlung aller Musiktitel mit zahlreichen Details daher. Es geht nicht nur um die Vorgeschichte zum jeweiligen Song, den Aufnahmeprozess an sich sowie Einzelheiten zur Abmischung und den seinerzeit anwesenden Produzenten. Nein, dazwischen werden uns zig Informationen über Auftritte und Anekdoten rund um Led Zeppelin präsentiert. Vor allem die – teilweise zwei gegenüberliegende Seiten füllenden – tollen Schwarz-Weiß-Fotos aus den 60´er Jahren nehmen einen mit auf eine unglaubliche Zeitreise. Abgerundet wird diese Fan-Bibel mit einem umfangreichen Glossar. Passende Literaturnachweise sowie ein allumfassendes Nachschlage-Register fehlen ebensowenig.

Details für den ausgewiesenen Fan

Es gibt unter anderem irre Details, die farbig markiert „Für absolute Led-Zeppelin-Fans“ ausgewiesen werden. Mal geht es um Pages geliebte Les Paul-Gitarre, dann wieder um den Zeitgeist der jeweiligen Epoche. Und natürlich wird auch erläutert, woher der Bandname stammt. Man erfährt die Hintergründe, warum es viermal zur Neuformation dieser wegweisenden Rock-Band kam. Und was die Yarbirds und Eric Clapton mit dem abhebenden Luftfahrtschiff zu tun hatten, wird auch nicht verschwiegen. Ebenso wenig wie sich ein eigenes Kapitel um den mächtigen Manager Peter Grant rankt und diesen sehr gekonnt charakterisiert.

Fazit

Es hilft nix, aber auch dieser Band einer besonderen Band ist absolut lesens- und anschauenswert. Mit „Led Zeppelin – Alle Songs“ hält man ein allumfassendes Werk in den Händen. Man kann es immer wieder aus dem Bücherregal ziehen, um hierin zu schmökern. Jeder Song, jede Platte, jedes Kapitel ist in sich geschlossen, äußerst informativ und einfach richtig unterhaltsam. Die Geschichten, die Fotos und das geballte Wissen gibt es zum fairen Preis von 59,90 Euro als gebundene Ausgabe hier beim Bielefelder Delius-Klasing-Verlag. Weitere Details zu diesem feinen Schmöker findet ihr auf den Seiten des Buchverlags.

Wir featuren ja hier bei metal-heads.de kleine und große Bands der härteren Musikrichtungen getreu dem Motto „Distortion is our passion“. Und neben dem reinen Blick auf die Musik interessieren wir uns auch für das Drumherum. So haben wir euch in der Vergangenheit schon Informationen zur Entstehung eines Festival-Shirts geliefert oder euch über die verschiedenen Drinks berichtet, die Bands unter ihrer „Flagge“ in den Handel bringen. Heute ist das Thema mal ein komplett anderes. Wir wollen auf Flipper im Kontext mit Metal Bands schauen. Lest mal weiter, das ist wesentlich interessanter und anregender, als man denkt. So ging es mir auch und heute bin ich ziemlich begeistert.

Flipper-Boom in der Metalszene

Es ist Jahrzehnte her, dass ich bei abendlichen „Touren“ mit meinem Zivi-Freund Marcus in den einschlägigen Locations vor den dort aufgestellten Flipperautomaten stand und eine Münze nach der anderen für einen entsprechenden Spielspaß in den Geräten versenkt habe. Mittlerweile ist Marcus selbst zu einem Kenner und Sammler von Flippen geworden. Da er – wie ich ja auch – der harten Musikszene zugeneigt ist, hat er bei seinen Spielgeräten eine entsprechende Auswahl getroffen und so tummeln sich in seinem Kellergewölbe blinkende Kästen von AC/DC, IRON MAIDEN, METALLICA und GUNS N‘ ROSES. Alle paar Jahre entschließen sich offenbar führende Hersteller aus den USA wie Stern Pinball oder Jersey Jack Pinball, sich eine neue Band aus der Rock- und Metalszene herauszugreifen und dann in einer entsprechenden Auflage einen Flipper dazu herauszubringen.

Dabei gibt es verschiedene Versionen, die über unterschiedliche Zusatzfeatures verfügen, was sich in einem entsprechend höheren Preis niederschlägt. So gibt es z.B. neben einer Pro- oder Premium-Fassung auch Limited Editions oder noch höherwertige Collector Editions. Die Geräte haben dann detailliertere Elemente im Spielfeld oder eine ausgefallenere optische Aufmachung wie z.B. ergänzende 3D-Applikationen oder eine zusätzlichen beleuchteten Topper.

Erste Foto-Gallerie

Die neueren Ausgaben von Stern-Flippern stammen von den Bands AEROSMITH und LED ZEPPELIN. Da die Nachfrage auf dem Markt aktuell unfassbar hoch ist, kann es sein, dass die Produktionsserie bereits vergriffen ist, wenn ihr diesen Beitrag lest. Es ist also eigentlich unnötig Werbung zu machen, denn die Dinger verkaufen sich, wie das sprichwörtliche geschnittene Brot. Das gilt nicht nur für die Flipper mit Bandbezug, sondern auch für andere Geräte, die sich beispielsweise mit Themen aus der Actionfilmszene (z.B. GODZILLA) befassen. Wenn man sich die Geräte der letzten etwa 10-15 Jahre im direkten Vergleich anschaut, dann erkennt man eine deutliche technische Weiterentwicklung. Ähnlich den Veränderungen bei Computerspielen hat sich die Auflösung verbessert und es gibt auch insgesamt ein „Aufrüsten“ an digitalen Effekten.

Liebe zum Detail und technischer Fortschritt

Wenn ihr mal in die Foto-Gallerie schaut, könnt ihr die unterschiedlichen Details gut erkennen. So mutet das recht schmale Dot-Matrix-Display beim IRON MAIDEN-Flipper recht „old school“ an. Die technische Ausstattung ist ein Highlight beim neuesten Flipper (bezogen auf die hier in der Bilderserie vorgestellten Geräte). Dabei gibt es nicht nur ein riesiges Display (heute bei vielen Geräten schon Standard), auf dem man Szenen von GUNS N‘ ROSES-Konzerten sehen könnt, sondern auch eine kleine Kamera, die den Spieler „filmt“ und zwischendurch Fotos schießt und euch dann etwa auf einem Bild neben Gitarrist Slash ablichtet. Echt eine coole Idee.

Der AC/DC-Flipper hat die Besonderheit eines „zweiten Spielfeldes“ (der Kenner spricht von Playfield), welches „eine Ebene“ unter dem eigentlichen Spielfeld angelegt ist. Bei GUNS N‘ ROSES gibt es verschiedene Rampen (z.B. in Form eines nachgebildeten Gitarrenhalses) bzw. Areas, die den einzelnen Musikern zugeordnet sind. Dabei gilt es, die komplette Band zu „aktivieren“.  Für Drummer Frank Ferrer sind echte Drumsticks eingearbeitet. An allen Flippern finden sich zahlreiche Felder, die durch verschiedenfarbiges Blinken bzw. Aufleuchten auf sich aufmerksam machen. Dabei ist es dann beispielsweise die Aufgabe des Spielers, mehrere Felder zu aktivieren, quasi zu „sammeln“. Teils muss man bei Drop Targets eine Reihe komplettieren (z.B. die Buchstaben des Bandnamens), um mehr Punkte zu bekommen.

Zweite Foto-Gallerie

Gerade die modernen Versionen zeichnen sich durch eine ziemliche Komplexität aus. Das kann einerseits frustrierend sein, wenn man an den gestellten Herausforderungen (etwa „auf Ansage“ eine spezielle Rampe zu treffen oder eine vorgegebene Kombination von „Treffern“ zu landen) scheitert. Oder wenn die Metallkugel frühzeitig in den Outlanes (das sind quasi die seitlichen Ausgänge) endet oder eben direkt mittig unten in der Versenkung verschwindet. Andererseits bedeutet es viele Stunden Spielspaß, um die einzelnen Features zu entdecken und „auszulösen“ bzw. „aktivieren“. Aufwändige Animation auf dem großen Display z.B. beim GUNS ‘N‘ ROSES-Flipper (etwa ein Revolver, der mehrere Patronen mit Bonusvarianten enthält und der dann im Sinne von „Russisch Roulette“ abgefeuert wird und am Ende kommt heraus, was der Spieler bekommt) sind eine optische Bereicherung.

Herausforderung aber auch Spielspaß

Wobei man fairerweise sagen muss, es ist auch eine Herausforderung, den Blick auf das Display und die dortigen Geschehnisse hinzubekommen und dabei sein Spiel, also den Verlauf der Kugel auf dem Spielfeld nicht aus dem Blick zu verlieren. Gerade beim Multiball-Modus, wo 3, 4 sogar 5 Kugeln gleichzeitig im Einsatz sind und man sehr fokussiert sein muss, um den Überblick nicht zu verlieren und den „Absturz“ der Kugel(n) möglichst lange zu verhindern. Natürlich ist auch immer ein bisschen Glück dabei. Manchmal prallen deine Schüsse einfach so unglücklich an die Posts des Spielfeldes, dass sie schnell und direkt „in der Versenkung“ verschwinden und man selbst mit guten Reflexen keine Chance hat, das zu verhindern. Gerade auch wenn mehrere Kugeln im Spiel sind, prallen diese bisweilen aufeinander und verändern (nur schwer berechenbar) ihre Flugbahn…nicht immer zu Gunsten des Spielers.

Ein weiteres Feature beim GUNS N‘ ROSES-Flipper ist eine „Zündschnur“, die über den separaten „Action-Button“ auszulösen ist. Das liefert – je nach Zeitpunkt des „Auslösens“ und der Häufigkeit des Auftretens – mehr oder weniger viele Punkte. Aber auch dabei muss man parallel seine Kugel(n) im Auge behalten. Auge-Hand-Koordination und gute Reflexe in Kombination kommen hier zum Tragen. Puuuh! Wirklich nicht immer so einfach. Aber wie so oft im Leben macht Übung auch hier den Meister. Eigentlich geht es schon los, wenn man die Kugel mit Schwung die sogenannte Shooting Lane hinaufbefördert. Dort blinken unterschiedliche Lämpchen und wenn man diese erreicht, bekommt man Extrapunkte.

Interessante Details zu den Bands und ihren Symbolen

Bei allen Flippern sieht man die Liebe zum Detail. Die Entwickler haben sich wirklich Gedanken gemacht, was die charakteristischen Eigenarten der Bands angeht, was diese auszeichnet und wie man das dreidimensional festhalten kann. Auch die Alben und Songs wurden im jeweiligen Spielfeld verarbeitet. So findet sich der Zug zu „Rock `n` roll train“, der auch vor einigen Jahren auf der AC/DC-Tour das Bühnenbild zierte im Flipper ebenso wieder, wie die Glocke zu „Hell`s bells“ oder eine der legendären Kanonen. Bei den Eisernen Jungfrauen darf natürlich Eddie nicht fehlen. Den gibt es dann entsprechend als Figur und als ausgestanzte Silhouette in einer Metall-Platte, die von hinten angeleuchtet wird. Ein cooles Feature beim GUNS N‘ ROSES-Flipper sind die Scheinwerfer, die denen auf der Tour nachempfunden sind und sich richtig bewegen.

Grundsätzlich ist bei den modernen Ausgaben der Anteil an LED und damit auch der Möglichkeiten zur Illumination deutlich gestiegen. Wo es früher einfach aufblinkte, sind heute Farbwechsel oder „laufende“ Lichteffekte möglich. Jedes Gerät hat(te) sicher (zum Zeitpunkt seiner Veröffentlichung) seinen Charme, aber die heutigen technischen Finessen sind schon wirklich beeindruckend und so dauert es eine ganze Weile, bis man jedes Details wahrgenommen hat. Zu den Bands: teils sieht man Live-Bilder der Bands, an anderer Stelle (z.B. bei METALLICA) werden die Bandmember als Comicfiguren abgebildet. Auch musikalisch haben die Geräte Einiges zu bieten. So ist z.B. der von IRON MAIDEN mit diversen Original-Songs der Band ausgestattet, die man aktivieren kann.

Zahlreiche Detailfotos in den beiden Foto-Gallerien

Wenn ihr euch die Foto-Gallerie anschaut, bekommt ihr einen guten Eindruck davon, was die Flipper optisch hermachen. Auf solchen Bildern kann man natürlich die bewegten Lichter oder Elemente nicht so verdeutlichen, aber ich denke, ihr bekommt schon eine ziemlich gute Idee davon, wie das Ganze aussieht. Und die entsprechenden Flipper-Händler eures Vertrauens – ich habe da gute Erfahrungen mit Pinball Universe gemacht – haben in der Regel auch einige Geräte vor Ort, so dass man sich das mal praktisch und aus der Nähe anschauen kann. Ansonsten bietet das Internet viele Informationen, Videos und Foren, in denen man sich austauschen kann und Hintergründe und Wissen sammeln kann.

Zuletzt noch ein brandaktueller Hinweis für euch: Stern Pinball werden im Jahr 2022 eine weitere Band mit einem nagelneuen Flipperautomaten featuren. Man darf sich vermutlich einmal mehr auf coole Highlights auf technisch höchstem Niveau freuen. Das kanadische Trio RUSH (siehe u.a. hier) wird mit dem Gerät für ihr beeindruckendes Lebenswerk gewürdigt. Viele Details sind bislang noch nicht bekannt, aber einen kleinen Teaser haben wir hier schon einmal für euch:

Buried in Smoke mit Boxershorts auf dem Kopf zum Interview

Da staunte ich nicht schlecht, als ich den Video Chat betrat und sich mir Buried in Smoke mit Boxershorts auf dem Kopf präsentierten und diese auch für das komplette Interview aufbehielten.

Da wusste ich schon, dass es ein sehr lockeres Interview werden würde – mit viel Spaß und dem ein oder anderen, virtuell gemeinsam geschlürftem Bierchen.

Hier nun das komplette Interview:

Hallo Buried in Smoke und danke, dass Ihr euch heute Zeit genommen habt. Stellt euch doch bitte mal kurz vor. Wer macht was bei Buried in Smoke?

Tony: Hi Kelle, danke dir für die Möglichkeit. Ich bin der Tony und singe und schreibe die Songs bei Buried in Smoke. Kümmere mich aber auch um alles mögliche, was die Band betrifft. Also Booking und den ganzen Kram. Musik ist mein Leben. Ich mache meine eigene Musik und die von Buried in Smoke und genieße die Zeit mit den Jungs.

Tim: Ich bin der Tim und sitze hinten an den Drums. Und das ist eigentlich alles, was es zu sagen gibt (lacht). Mach halt den ganzen Schlagzeug-Kram.

Matze: Ich bediene die 5 Saiten der Band und bin seit 2017 dabei. Was mir bei Buried in Smoke so gut gefällt ist, dass wir in den letzten 2 Jahren zu einen verschworenen Haufen zusammen gewachsen sind und 40 Gigs deutschlandweit gespielt haben (Zwischenruf von Tony: „50, wir haben die 50 geknackt.“).

Toby: Ich bin der Toby und bin von Anfang an dabei. Bin aber leider zu schlecht, um irgendein Instrument zu spielen, bin absolut talentfrei (lach). Beziehungsweise habe ich keine Zeit, mir was anzueignen. Bin Maskottchen, Roadie also die Bitch für alles. Da, wo man mich braucht, bin ich da und unterstütze die Band, wo es geht.

Der „Neue“: Ivan an der Gitarre

Ivan: Ich bin der Neue, also Ivan und bin seit Anfang 2021 bei Buried in Smoke und beackere die Gitarre.

MH: Gitarrist Robert hat Buried in Smoke Ende 2020 verlassen. Mit Ivan habt ihr einen adäquaten Ersatz gefunden. Ivan, du bist der neue Gitarrist und seit Anfang Januar dabei. Was hast du vorher gemacht?

Ivan: Ich habe in den letzten 2 Jahren bei einer Trash-Metal Band aus München bei Live Gigs ausgeholfen.

MH: Wie habt Ihr zueinander gefunden? Wie bist du auf Buried in Smoke aufmerksam geworden?

Ivan: Ich war schon seit über einem halben Jahr auf der Suche nach was Neuem. Wie gesagt habe ich die letzten 2 Jahre immer nur ausgeholfen und wollte wieder Teil einer Band sein. Habe mir dann immer wieder mal die Anzeigen bei Backstagepro angeschaut und habe mir dann die Anzeige von Buried in Smoke angeschaut. Nachdem ich mir die Infos angeschaut habe, wollte ich unbedingt zu den Jungs und habe gehofft, dass sie mich auch nehmen. Dann habe ich mich halt beworben und wir haben uns kennengelernt. Was soll ich sagen, es war Liebe auf den ersten Blick.

Tony: Also von unsere Seite aus war das erst einmal nicht schön, dass wir keinen Gitarristen mehr hatten. Das Album war fertig und es ging stetig bergauf. Gespräche mit einem Label liefen und plötzlich standen wir ohne Gitarristen da. Nach dem es offiziell war, dass Robert uns verlässt, haben wir nicht den Kopf in den Sand gesteckt. Haben dann gesagt, wir suchen jemand neuen Coolen. Schreiben halt ´ne Anzeige für genau das, was wir suchen und was wir bieten können.

Ein absoluter Glücksgriff

Schon am Tag der Bekanntgabe, dass der Gitarrist raus ist, haben wir die Anzeige geschrieben. Am nächsten Tag kam dann die Bewerbung vom Ivan rein mit einem Foto von ihm, wo er schon aussieht wie ein geisteskranker Metalhead (alle lachen) und lesen uns die Bewerbung durch. Der Matze direkt „Uh wie geil, Hammer, ja man mega“ und dann ist erst einmal die ganze Gruppe am abfackeln. Dann kam halt eins zum anderen. Wir haben noch geguckt, ob es musikalisch passt und das war auch der Fall. Ein absoluter Glücksgriff.

MH: Ivan, was sind deine Ziele mit Buried in Smoke?

Ivan: Meine Ziele mit Buried in Smoke sind, auf jeden Fall gemeinsam groß zu werden, also bekannt zu werden hauptsächlich. Das allererste Ziel ist es natürlich, Spaß zu haben, jede Menge Musik zu veröffentlichen und viele Konzerte zu spielen. Dass uns einfach irgendwann jemand bemerkt und sagt: „Die Jungs sind gut und müssen belohnt werden.“

MH: Ivan, welcher Künstler hat dich in frühen Jahren Inspiriert, Musik zu machen?

Ivan: Auf jeden Fall Pantera. Die habe ich mit 13 das erste mal gehört und dann kam der Rest. Ach so, viel früher habe ich schon Led Zeppelin und Deep Purple gehört. Also immer step by step. Aber am Meisten hat mich Slayer beeinflusst, aber auch die Jungs von Exodus. Das sind die meisten Bands, die mich geprägt haben.

MH: Wir von Metal-heads.de wünschen dir viel Erfolg mit Buried in Smoke.

Ein verlorenes Jahr?

MH: Buried in Smoke, wie habt Ihr dieses verf**kte Corona-Jahr verbracht? Gab es Konzerte? Wie habt Ihr die Zeit genutzt? Oder war es für euch ein verlorenes Jahr?

Matze: Das Jahr hat erst mal echt gut für uns angefangen. Wir haben zwei Gigs gespielt bis Anfang/Mitte Februar. Dann ging´s leider nach und nach bergab, nachdem es bekanntlich mit Corona immer schlimmer wurde und alles gecancelt wurde. Selbst die kreativsten Köpfe der Welt haben alles probiert, um irgendwie Veranstaltungen durchzuführen. Von daher haben wir dann angefangen, das Jahr sehr produktiv zu nutzen und waren im Studio, um unser neues Album aufzunehmen. Nach der Album-Aufnahme hatte ich persönlich ein bisschen das Gefühl, dass es ein wenig ins Stocken geraten ist.

Wir waren uns alle nicht so einig mit dem Bearbeiten der Songs, mit dem Mixen angefangen bis hin zum Master. Und zu guter Letzt hat dann noch der Ausstieg unseres Gitarristen, was uns dann schon vor große Hürden gestellt hat. Das haben wir dann erst mal alles sacken lassen und mussten wieder zu uns finden. Von daher würde ich das Jahr 2020 folgendermaßen beschreiben: Auf der einen Seite scheiße, auf der anderen Seite sehr produktiv.

Motiviert und produktiv

Das, was jetzt nach dem Jahr rausgekommen ist, wie wir ins Neue Jahr gestartet sind, so motiviert und produktiv, da hab ich uns noch nie gesehen. Dass wirklich jeder mitmacht und anpackt. Es haben wirklich alle Bock, nach vorne zukommen.

Toby: Also ich würde es mal kurz so zusammenfassen: Irgendwo so gegen Mitte des Jahres ein Schritt zurück, aber jetzt halt in den letzten paar Monaten wieder zwei Schritte nach vorne. Ach so: eine dritten Gig hatten wir ja auch noch. Mitte des Jahres unseren Live-Stream Gig, der auch eine neue Erfahrung war.

Tony: Ich möchte auch noch kurz was dazu sagen. Ich finde, man kann über das Jahr 2020 – in dem viele Bands eingeschlafen sind und wir auch sicher unsere Differenzen hatten und bestimmt viele Sachen schief gegangen sind- alles im allem sagen: Wir haben uns als eine verdammt (also schon damals und jetzt noch viel mehr) produktive Band herausgestellt. Wir waren das ganze Jahr durchgebucht.

Es waren grandiose Auftritte geplant, wie das Mühlberg-Festival, Free&Easy in München und diese sind dann alle kurzer Hand abgesagt worden. Aber anstatt uns aufzuregen, haben wir halt gesagt: Scheiß drauf, dann nehmen wir halt ein Album auf und haben innerhalb von einem Jahr „Cooperate Identities“ zustande gebracht. Ich persönlich finde das echt ´ne starke Leistung. Da bin ich schon stolz auf uns. Neben den Differenzen, die wir hatten, finde ich trotzdem, dass wir stärker aus der Sache gekommen sind.

Das neue Album „Cooperate Identities“

MH: Wo du gerade das neue Album erwähnst. Das steht ja sozusagen in den Startlöchern. Wie würdet ihr das neue Album beschreiben?

Toby: Wir haben mehr ausprobiert als im ersten Album. Stilmäßig ist es schon ein gutes Stück anders. Es wirkt halt nicht schlechter, es sind halt schon echt coole Songs drauf. Es ist ein bisschen ruhiger als bei „Tales From The Bermuda“ (hier nochmal das Review zum Album). Deswegen freuen wir uns jetzt, dass wir den Ivan dabei haben, da es dann wieder ein bisschen mehr Richtung Brett gehen wird.

MH: Was ist anders als bei eurem Debütalbum „Tales From Bermuda„?

Matze: Das Albumcover kennst du ja schon. Mit den Songs, die wir fürs Album geschrieben haben, ist es halt so, Tony sitzt halt an der Quelle und hat sich manchmal äußere Einflüsse geholt. Hey, wie findet ihr das und gerade sein Chef meinte halt am Anfang so, man kann euch irgendwie noch nicht so richtig zuordnen. Also man kann nicht sagen, in welche Richtung es geht.

Man könne es nicht greifen und das wäre halt ein Punkt, der nicht gut wäre. Darauf hin habe ich dann irgendwann mal eingebracht, das es ja bei einer Firma auch so ist, das man sich ja Cooperate Identity vor Augen hält. Dass man die Firma wiedererkennt, halt diesen Wiedererkennungswert. Aber wir hatten halt Bock darauf, dass zu machen, wo wir gerade Lust zu hatten. Die Songs zu machen, die wir halt gerade in der Pipeline hatten und worauf wir Bock hatten.

Angenommen, wir hätten jetzt „Tales From Bermuda“ 12 Songs volles Rohr durchgebrettert. Warum darf man dann nicht eine andere Richtung einschlagen? So hab ich das halt immer gesehen. Und wir sollten uns nicht von irgendjemandem was sagen lassen. Deswegen würde ich sagen, dass das neue Album alles andere als Cooperate Identity ist. Es ist auch alles andere als das was „Tales From Bermuda“ zu bieten hatte und es ist ein Stück weit musikalisch weiter entwickelt. Was nicht bedeutet, dass es besser sein muss. Sondern es ist halt komplizierter, würde ich sagen.

Tim: In die Richtung würde ich auch gehen. Weil das erste Album, das war jetzt halt ein Debütalbum. Da hast du Songs geschrieben und findest die geil und packst die halt auf ´ne Platte druff (drauf). Aber jetzt sind wir nochmal einen Schritt weitergegangen. Wir haben Songs geschrieben und fanden die geil, haben uns dann nochmal intensiv Gedanken dazu gemacht, wo kann man noch so kleine Fillis, Sound-Effekte reinbauen kann. Da kam halt von der Überlegung her viel mehr rüber. Komplizierter halt in dem Sinne, weil es halt in den Details viel mehr durchdacht ist. Ich finde das halt sehr gut an dem neuem Album. Wir haben halt bei „Cooperate Identities“ sehr viel rum experimentiert und uns wirklich Gedanken gemacht, wie man die Songs nochmal hervorheben kann.

TONY: Da muss ich noch was hinzufügen. Komplizierter halt in dem Sinne, dass wir uns mehr Gedanken gemacht haben. Also man muss auch dazu sagen „Tales From Bermuda“ war eine Blitz-Produktion. Wir hatten drei Tage Recording-Zeit gekauft und zwei Tage Mixing und Mastering. Durch connections kannten wir ein Studio, wo wir innerhalb dieser drei Tage die 12 Songs so schnell runter gebrettert haben bis zum geht nicht mehr. Wir haben das Zeugs quasi eingebaggert.

Es war ein super Album. Super aufgenommen, aber im Unterschied zu „Cooperate Identities „ haben wir uns dieses Mal halt über einen längeren Zeitraum richtig Mühe gegeben. Die Idee, die hinter den Song steht, nochmal auszufeilen und nochmal zu untermalen mit Sound Effekten. Man muss aber sagen im Gegensatz zum alten Album finde ich das Neue teils eingängiger. Die Songs sind rockiger, ein bisschen wärmer und ein wenig mehr weg vom Metal und mehr hin zur Rockmusik. Manche Nummern haben vielleicht einen leichten Led Zeppelin Touch.

Wie wäre es mit einem dominikanischen Schnaps?

Die Tracks sind auch experimentell in sich. Wir haben halt diesen dominikanischen Schnaps-Song. Der hat am Ende ein langes, grandioses, virtuoses Solo drin und davor macht der Song halt viel Spaß und man kann zwischendurch noch Schnaps trinken. Man hat halt echt Spaß dran, es zu hören. Es ist, glaube ich, ein ausgefeiltes Rock-Album geworden. Sorry, ich laber schon wieder so viel (die anderen Jungs lachen) aber das wollte ich auch noch los werden. „Cooperate Identities „ ist auch an sich ein spannendes Wortspiel, was halt perfekt auf uns passt.

Ich meine, im Endeffekt geht es bei Musik einfach darum, das jeder authentisch und man selbst ist. Und man es schafft, sich selbst mit einzubringen. Jeder hat seine eigene Geschichte, jeder hat seine eigenen Sound und das versuchen wir miteinander zu verknüpfen. Aus dieser gemeinsamen Arbeit heraus entstehen halt die Lieder. Die Songs für sich sind halt auch so „Cooperate Identities „.

MH: Ich hatte ja schon das Vergnügen, mir das Album vorab anzuhören. In Kürze könnt Ihr hier bei Metal-Heads.de die Review zum neuem Album von Buried in Smoke lesen. Und ich muss sagen, da habt Ihr echt mal ein Brett rausgehauen. Wann soll „Cooperate Identities“ denn nun erscheinen?

Toby: Einen genauen Termin gibt es leider noch nicht. Es sind halt noch so ein bis zwei Dinge zu klären, mit dem Ausstieg des alten Gitarristen. So bald das durch ist, feuern wir das so schnell wie möglich raus. Wie gesagt: „Cooperate Identities“ steht ja schon in den Startlöchern.

MH: Jungs, sagt mal: Wo soll die Reise mit Buried in Smoke noch hingehen? Was sind eure Ziele für die Zukunft?

Tony: Bevor irgendjemand was sagt, 2024 stehen wir bei ROCK AM RING auf der Bühne..

MH(Kelle): Wenn ihr das schafft, dann ziehe ich den Hut vor euch und lass mir auf der Bühne von euch eine Glatze rasieren (alle lachen)

Ivan: Was, dann rasierst du dir ´ne Glatze, wenn das klappt.

Tony: (lacht) Das schreibe ich mir auf, sonst vergesse ich das noch.

Auf der Suche nach einem Label

MH: Was ist für 2021 noch so geplant, wenn es denn endlich wieder losgehen sollte?

Tony: Ja, hoffen wir mal, dass es endlich wieder los geht. Erstmal suchen wir noch ein Label für unser neues Album „Cooperate Identities„. Im Sommer spielen wir bei Rock den Acker, Mühlberg Festival und sind in München auf dem Free&Easy. Wenn’s geht, natürlich so viel Gigs wie möglich, aber das weiß man ja im Moment leider noch nicht.

Tim: Und einen Haufen Blödsinn machen.

Matze: Genau so würde ich es auch unterschreiben, wie Tony es sagt. Ich würde aber auch sagen, dass wir das Hauptaugenmerk im Moment darauf legen, Ivan richtig startklar zu machen für unser Set, was wir spielen. Das heißt natürlich: Musik machen, Musik machen, Musik machen. Zum Glück sind wir da schon in der digitalen Welt und konnten da schon einiges machen.

Natürlich geht nichts darüber hinaus, sich gemeinsam zu treffen und Mucke zu machen. Die Gigs, die 2020 abgesagt wurden, sind natürlich alle auf 2021 verschoben worden. Von daher schauen wir natürlich, dass wir die wichtigsten Gigs wahrnehmen. Natürlich versuchen wir auch, die Gigs auszubauen, Kontakte zu knüpfen und natürlich ein Label zu finden. Das wichtigste ist jetzt natürlich, „Cooperate Identities“ raus zu bringen und Ivan da richtig fit zu machen.

Buried in Smoke ganz spontan

MH: Hier habe ich noch ein paar Schlagwörter. Was fällt euch spontan dazu ein.

MH: Wacken.

Tim: Bier.

Ivan: Wacken zu spielen ist für mich persönlich ein Traum. Das ist das Walhalla für jeden Metal-Head. Wacken ist irgendwann das Ziel, am liebsten mit Buried in Smoke.

Tony: Ja, das kriegen wir hin

MH: Heavy Metal.

Tim: Bier trinken.

Matze: Tim kann bei jedem Bier trinken.

MH: Rock am Ring.

Tony: Bei Rock am Ring muss ich immer an eine ganz schreckliche Geschichte denken. 2000 irgendwas hat der Geist von Lemmy mich erfasst. Tatsächlich hat Lemmy es geschafft ,dass ich in diesem Jahr nur Motörhead gesehen habe und sonst gar keine andere Band. Haben uns dann irgendwann als Schotten ausgegeben und sind von Campingplatz zu Campingplatz gelaufen. „Hi we are from Scottland. How are you“. Die Leute haben uns so abgefeiert und zum Trinken eingeladen, das wir uns total abgeschossen haben. Es war totaler Quatsch, aber die Leute fanden es gut.

MH: Rock den Acker.

Tim: Ja geil. Unser Familienfest.

Matze: Ich weiß auch gar nicht, warum das so ist, aber ich fühle mich mit Rock den Acker sehr verbunden. Es lag wohl auch daran, dass wir vorher ein Festival bespielt haben, wo wir vom Veranstalter halt relativ mies behandelt wurden. Kurz darauf war halt dann Rock den Acker und wir sind so geil aufgenommen worden. Es war alles halt sehr familiär. Wir haben coole Leute kennengelernt und viele neue Fans gewonnen. Für mich ist es auf jeden Fall, als wenn man nach Hause kommt und Musik machen darf. Obwohl wir erst einmal dort gespielt haben, habe ich mich dort so pudelwohl auch auf der Bühne gefühlt. Ja, habe ich wieder Bock drauf.

Tim: Ja, sehr familiär.

Sowas wie in Hanau darf nie wieder passieren

MH: Vor einem Jahr hat ja bei euch in Hanau dieser brutale Anschlag mit rechtsradikalem Hintergrund stattgefunden. Und „dank“ Corona finden die rechte Brut wieder mehr Zulauf. Wie seht Ihr das als Buried in Smoke?

Buried in Smoke: Wir sind natürlich dagegen und verurteilen diesen rechten Hass natürlich. So was darf nie wieder vorkommen.

Matze: An dem Tag, wo das passiert ist…also man muss dabei sagen das unser Proberaum direkt gegenüber liegt von dem Ort wo der Anschlag stattgefunden hat…also an dem Abend haben wir früher aufgehört zu proben und sind nur ganz knapp dem Anschlag entkommen.

Tony: Es hätte uns ja genauso treffen können. Es ist einfach nur traurig, dass Menschen in schwierigen Zeiten nach irgendwelchen Strohalmen greifen und sich von rechten Leuten verleiten ,gemeinsame Sache zu machen. Mit unserem Song „Womanizer“, bei dem es ja folgende Zeile gibt „Rock ’n Roll meets be yourself and standing for the Truth“ ist genau das Credo von dem, was wir bei bei Buried in Smoke tun. Genau das, was Rock ’n Roll eigentlich bedeutet.

Authentisch sein, nicht wie Corona-Leugner handeln

Man soll schon authentisch sein, man selbst sein und man soll halt für die Wahrheit stehen. Gerade in dieser Zeit. Halt auch einfach kritisch zu sein und nicht im Sinne von irgendwelchen Corona-Leugnern handeln.

Das man einfach nicht durchdreht und das man nicht anfängt, fanatisch irgendwelchen Sachen hinterher zu rennen, sondern einfach einen kühlen Kopf bewahrt. Einfach kühlen Kopf bewahren, man selbst sein und schauen, was in der Welt so los ist. Ich denke, wenn man da so drauf ist und nicht immer direkt durchdreht, wenn jemand ein YouTube Video sieht, wo irgendjemand irgendwas behauptet, sondern sich immer bewusst ist in was für einer Zeit wir leben, dann müsste so eine Scheiße wie in Hanau auch nicht passieren.

MH: Dem ist nichts mehr hinzuzufügen. Da sind wir auch schon am Ende von unserem Interview. Vielen lieben Dank an Buried in Smoke, dass ihr euch Zeit genommen habt. Es war sehr lustig mit euch. Ich wünsche euch für die Zukunft alles Gute und hoffe, dass euer neues Album „Cooperate Identities“ ein voller Erfolg wird. In diesem Sinne bis bald.

Buried in Smoke: Wir danken dir, auch uns hat es sehr viel Spaß gemacht. Wir hoffen, dass wir uns alle bald wieder auf einem von unseren Konzerten wiedersehen.

Tim: Also was mir noch die ganze Zeit auf dem Herzen lag: Ich find’s lustig, dass der Matze mit der Unnerhos uffen (Unterhose auf dem) Kopf original aussieht wie Tutanchamun (alle lachen).

Soundgarden, Temple Of The Dog, Audioslave

Wer kennt diese Namen nicht? Alle drei großartigen (Post) Grunge-Bands wurden getragen durch den einigartigen Gesang von Christopher John „Chris“ Cornell. Musikexperten unter euch werden jetzt ins Grübeln kommen. Chris Cornell? Ja, leider ist der Gute viel zu früh von uns gegangen. Bereits im Jahr 2017 verstarb Chris Cornell. Aber zu Ehren seines 56. Geburtstags wurde am 20. Juli 2020 eine Coverversion des Guns n´Roses-Klassikers „Patience“ veröffentlicht, den Chris damals im Jahr 2016 aufnahm, als er von der Wiedervereinigung der Gunners hörte und gerade seiner Tochter Toni diesen Song beigebracht hatte. Gänsehaut garantiert bei dieser Schmuseballade.

Nach Chris Cornell nun die Rolling Stones mit Jimmy Page

Überraschung! Die Rolling Stones brachten vor weniger als 2 Wochen ein außergewöhnliches Stück Rockgeschichte auf den Markt. Schlappe 46 Jahre und viele Spekulationen später erscheint ihr bisher unveröffentlichter Song „Scarlet“ mit Led Zeppelin-Gitarrist Jimmy Page! Mit dabei waren außerdem Ian Stewart am Piano, Bassist Ric Grech (u.a. Traffic) und Bruce Rowland (u.a. Fairport Convention) an den Drums. Es entstand der launige, reggaelastige Track „Scarlet“ , benannt nach Pages Tochter. Wir von metal-heads.de haben den Link zum Lyric Video für euch parat.

Yungblud – Strawberry Lipstick

Ohne Worte. Also der Stones-Song. Das hier müsst ihr einfach mal angucken und anhören. Denn Jungspund Dominic Richard Harrison alias Yungblud ist sicherlich noch nicht allen bekannt. Vielleicht am ehesten durch seinen Gastbeitrag im Foo Fighters-Corona-Videoprojekt „Times Like These.“ Und jung ist er. Erst 22 Jahre. Gebürtig aus Doncaster, Great Britain. Was man in dem Filmchen gleich auch unschwer im Hintergrund erkennen kann. Wikipedia findet, das Ganze ist Alternative Rock. Unser erster Eindruck war: infantiler Post-Retro-Punk mit Pop-Rock-Attitüden. Was meint ihr dazu?

Do what you can mit Bon Jovi

Für den 2. Oktober haben Bon Jovi die Veröffentlichung ihres neuen Albums mit dem kreativen Titel „2020“ angekündigt. Eigentlich hätte das neue Werk der legendären Rockband aus New Jersey im Mai erscheinen sollen, doch dann kam die Corona-Pandemie und Bon Jovi konzentrierten sich lieber darauf, zu helfen und auch vor Ort anzupacken. Das hatte auch einen kreativen Impact auf die Band, die nun zwei neue Songs zum Album hinzugefügt hat. Einer davon ist die jetzt erschienene Single „Do What You Can“ , deren Lyric Video wir euch nicht vorenthalten möchten.

metal-heads.de fragt nach

Und? Sollen wir euch zukünftig neben deftigem Metal auch über derart softe Rock-Releases informieren? Schreibt uns hierzu bitte einfach einen Kommentar unter diesen Bericht. Danke!

Every Rock Hard..

Das ist das Motto der vier Hanauer Haudegen, die den Rock n‘ Roll in seiner Vielfalt lieben, auf der Bühne Zuhause sind, auf ihr entspannt die Füße hochlegen oder musikalisch durchdrehen und sie dabei nahezu niederreißen.
Sei es Led Zeppelin, Joe Cocker, Janis Joplin oder Nirvana, Rage Against the Machine, System of A Down, Slipknot, Motörhead, In Flames, Pantera uvm. – Die Jungs von BURIED IN SMOKE wissen, was Rock bedeutet und bieten ein eigenes Programm, dass jedem Fan wilder Musik ein Lächeln ins Gesicht zaubert und hart rocken lässt.

Ob ROB an der Gitarre oder MAD am Bass sowie TIM an den Drums und natürlich TONY mit seiner vielseitigen und markanten Stimme, dass Quartett aus Hanau macht einfach nur Spaß.

„Tales from the Bermuda“

heißt ihr vier Kapitel langes Debütalbum mit 12 originalen BURIED IN SMOKE Songs und das ist auch die Scheibe, die ich euch hier bei Metal-heads.de kurz vorstellen möchte. Und das Beste: im Herbst soll auch noch eine neue Scheibe von den vier Jungs rauskommen. Wir von Metal-heads.de freuen uns schon sehr darauf und werden euch sicher frühzeitig darüber Informieren, wann die neue Scheibe genau veröffentlicht wird.

Hier aber erstmal das aktuelle Album. Die vier Jungs aus Hanau überzeugen bei ihrem Debut Album mit harten Riffs und kraftstrotzenden Stimmen, sowie heißen Drums . Vom ersten Ton an geht es voll zur Sache, so dass keine Langeweile aufkommt.

Zu erwerben unter http://www.buriedinsmoke.de

Das Album ist in vier Kapitel aufgeteilt, was man auch deutlich merkt. Im ersten Kapitel geht’s mächtig zur Sache und es wird hart ab gerockt. Das BURIED IN SMOKE auch die ruhigeren Töne beherrschen, beweisen sie im zweiten Teil ihres Albums. Mit seiner charismatischen Stimme weiß Sänger Tony auch bei den ruhigeren Stücken voll und ganz zu überzeugen. Aber auch die anderen drei Jungs sind auf ihrer ersten Platte voll in Ihrem Element und man hört bei jedem Ton wieviel Spaß es gemacht haben muss dieses Album aufzunehmen.

Hier ein kleiner Vorgeschmack:

Mein Fazit zu „Tales from Bermuda“ und BURIED IN SMOKE

Ich muss sagen ich habe schon lange nicht mehr so ein starkes Debütalbum gehört und kann nur sagen: absolut empfehlenswert!  BURIED IN SMOKE sind einer der besten Newcomer der letzten Jahre und man kann nur hoffen, dass die vier Jungs auch in den nächsten Jahren so weiter machen und ihr nächstes Album genauso gut wird wie Ihr Debüt.

BURIED IN SMOKE spielen in diesem Jahr noch auf diversen Festivals, schaut einfach mal auf der Homepage der Jungs nach, wann und wo sie spielen.

Das besondere Tour Event G3 ist schon seit über 20 Jahren um den Globus unterwegs und dem Begründer Joe Satriani ist es seither immer wieder gelungen, ein sehenswertes Package aus 3 Gitarristen (einer davon halt jeweils er selber) mit einer entsprechenden Band auf die Bühne zu bringen. Anno 2018 sollte die Tour am 28.03.2018, kurz vor Ostern, im E-Werk in Köln Halt machen.

Frühlingsanfang vorbei? JA. Frühling da? NEIN! Bei 7 Grad Celsius und Nieselregen standen die Fans vor der Halle an und warteten geduldig auf den Einlass. Keine schönen Bedingungen. Die Halle war zweigeteilt (die Balkone gesperrt), zwischen zwei Wellenbrechern konnte man gegen einen guten Aufschlag für ca. 100,- „direkt“ vor der Bühne im sogenannten „Golden Circle“ stehen und eine bessere Sicht auf die Dinge bekommen. Diesem Aufruf folgten aber nicht allzu viele Zuschauer und so blieb der ca. 10 Meter breite Bereich zu knapp der Hälfte leer. Insgesamt werden ca. 900-1000 Leute im Publikum gewesen sein.

Die erlebten um genau 19:30 Uhr mit deutscher Pünktlichkeit (die Deutsche Bahn lassen wir da jetzt einmal beiseite) den Auftakt des heutigen Konzertabends mit dem deutschen ehemaligen SCORPIONS-Gitarristen Uli Jon Roth.

Direkt G3 oder ich seh´ Roth

Schon im ersten Ensemble an diesem Abend betätigten sich 3 Gitarristen, wobei Uli Jon Roth nicht nur musikalisch, sondern auch hinsichtlich der Beleuchtung im Mittelpunkt stand. Auf einer riesigen Leinwand im Bühnenhintergrund war sein Logo mit dem fliegenden Pegasus vor einem wechselnden Hintergrund (Himmel, Wasser etc.) zu sehen. Roth eröffnete das Set mit „Sky overture“ und ließ „Sun in my hand“ folgen, bei dem Niklas Turmann die Vocals übernahm. Der Gitarrist betonte, er habe schon lange (genauer seit dem Jahr 1991) nicht mehr im Kölner E-Werk gespielt.

Wenn man den Begriff „eins mit seinem Instrument werden“ verwenden möchte, dann ist das vermutlich hier angebracht. Mit seinen langen grauen Haaren, die – ebenso wie die Federn an seiner Gitarre – von einem großen Ventilator im „Wind“ wehten strahlte er eine Ruhe und Souveränität aus…herrlich. Er setzte gekonnt den Vibrato-Hebel ein und schien den Kontakt zum Publikum zu genießen. Auch konnte man Uli Jon Roth, wie auch – wenn man das schon einmal vorwegnehmen darf – seinen beiden Nachfolgern am heutigen Abend, eine ungeheure Spielfreude bescheinigen.

Ein Song für den verstorbenen Bruder

Das gefiel auch den Fans und dennoch gab es keine Circle Pits, was wiederum auch die anwesenden Security entspannt agieren ließ. Den Track „We´ll burn the sky“ widmete er seinem erst vor etwa einem Monat mit 61 Jahren verstorbenen Bruder „Zeno“, der ebenfalls ein guter Gitarrist gewesen sei, wie er anfügt. Die Performance war teils sehr emotional, dann wieder richtig rockig. Auf jeden Fall sehr kurzweilig und so waren die 40 Minuten im Nu um und wir harrten 20 Minuten während der Umbaupause aus, um den „Benjamin“ des heutigen Abends live erleben zu dürfen.

Ja, mit seinen 50 Lenzen war John Petrucci echt der jüngste der 3 Protagonisten des heutigen Konzertes. Und um 20:30 Uhr ging er dann als „flotter Dreier“ auf die Bühne. Das Trio bestand neben dem DREAM THEATER-Gitarristen aus seinem Bandkollegen Mike Mangini (der bekanntermaßen ebenfalls hauptamtlich bei der New Yorker Prog-Formation tätig ist) noch aus Bassist Dave LaRue (diesen kennen wir u.a. aus seinem Mitwirken am Tieftöner bei THE FLYING COLORS). Noch nie habe ich Mike Mangini auf so einem Mini-Drumset spielen sehen, aber die Qualität eines Schlagzeugers hat ja nichts mit der Zahl seiner Trommeln oder Becken zu tun. So performte Mr. Mangini auch heute wieder bravourös. Schnell, präzise und – wenn wir der Mimik folgen – mit viel Freude „bei der Arbeit“. Bei diesem Auftritt waren die drei Musiker einigermaßen gleich ausgeleuchtet, auch wenn (gemäß dem Programm des Abends) der Gitarrist im Mittelpunkt des Interesses stand.

Heavy und proggig – großartige Performance des Trios

Das 45-Minuten-Set war deutlich heavier als zuvor und auch die proggige Seite von John Petrucci kam nicht zu kurz. Von den Songs her lag der Schwerpunkt auf dem Solo-Album des Saitenkünstlers, welches den Titel „Suspended animation“ trägt und bereits 2005 erschienen ist (das Teil war auch heute am Merch-Stand erhältlich und wurde sogleich meiner Sammlung einverleibt – starke Scheibe!!). So gab es den Opener „Jaws of life“ ebenso wie „Damage control“ und „Glasgow kiss“. Ergänzt wurde das Material von zwei „neuen“, d.h. unveröffentlichten Tracks. Zum einen den „Happy song“, der wirklich eine gute Stimmung verbreitete und zu gefallen wusste und außerdem durch „Glassy-eyed zombies“.

Die beiden Herren mit ihren Saiteninstrumenten hatten einen überschaubaren Aktionsradius auf der Bühne und ansonsten offenbar Spaß beim Auftritt. Der Sound war insgesamt heute in Köln sehr gut. Beim Petrucci-Gig fand ich es teils deutlich zu laut, was insbesondere bei den hohen Frequenzen „weh tat“. Das Publikum war sehr männerlastig und dürfte zu einem erheblichen Anteil aus Musikern bestanden haben. Was die Medienvertreter angeht, so gab es einen Fotografen, der eigens 300km aus dem französischen Metz angereist war.

Bier für Delfine und ein großartiger Gitarrist

Dann kam der vorletzte Teil Live-Musik dieses Abends. Drei der Musiker blicken schon auf eine langjährige Zusammenarbeit mit Joe Satriani zurück, aber auch untereinander hat man eine gemeinsame musikalische Zeit hinter sich. Kennt ihr die Band mit dem abgefahrenen Namen BEER FOR DOLPHINS? Das Ganze ging von Gitarrist und Keyboarder Mike Keneally aus, an den Drums rockt Joe Travers und den Bass spielt Bryan Beller (der aussieht, als sei er soeben einer üblen Metal-Combo entsprungen). Begriffe wie Frank Zappa, Berklee College of Music (Boston) etc. sind mit den Musikern eng verbunden.

Eine Stunde sollte man nun gemeinsam auf der Bühne des Kölner E-Werks spielen.

Joe Satriani sieht man dank der nicht vorhandenen (grauen) Haare sein Alter nicht an und es scheint, als sei die Musik für ihn ein Jungbrunnen. Er scheint sich in den vergangenen Jahren kaum verändert zu haben und es ist immer noch ein erhebender Moment, wenn er Songs wie das geniale „Always with me, always with you“ (vom Kult-Album „Surfing with the alien“) für seine Fans spielt. Großartig. Satriani meinte zum Publikum, es sei eine verrückte Welt heutzutage und er neige dazu, Songs darüber zu schreiben. Ein solches Stück sei „Cataclysmic“ und das wurde ebenso gespielt wie „Cherry blossoms“ (vor dem entsprechenden Hintergrund auf der Leinwand. Diese wechselte die filmischen Motive immer wieder passend zum gerade performten Song und so gab es mal mehrspurige US-Highways und mal Wolkenformationen. „Satch“ wie der Gitarrist mit Spitznamen bezeichnet wird, trug wieder einmal eine verspiegelte Sonnenbrille als Markenzeichen und wechselte häufiger die Gitarre (die jeweils mit den passenden Gurten ausgestattet waren).

Während sich der Drummer in diesem Line up dezent zurückhielt und auch Bassist Bryan Beller nicht sonderlich auffiel, zog Mike Keneally (sonst eher auf dem Podest hinter den Keyboards oder etwas unscheinbar mit einer Gitarre zu verorten) an den Bühnenrand und lieferte einen sehens- und hörenswerten Solopart ab, während Mr. Satriani sich im Abseits nahe des Drumkits aufhielt. Klasse!

DEEP PURPLE, LED ZEPPELIN und Jimi Hendrix…

Noch eine kurze Umbaupause, die Amps und das sonstige Equipment der anderen Gitarristen mussten ja erst wieder in Position gebracht werden.

Zum Abschluss dann das, was ein fester Teil des G3-Arrangements ist, der gemeinsame Jam der 3 Gitarristen, zusammen mit der Band von Joe Satriani. Wow. Drei große Saitenvirtuosen vereint bei 3 Songs. Kann das gut gehen oder zerfleischen sich die Egos? Nein, das geht. Man weiß nicht, in wieweit sich die Musiker abgesprochen haben oder ob die Parts und das Zusammenspiel „spontan“ verteilt wurden. Aber es gelang. Los ging´s mit dem DEEP PURPLE-Song „Highway star“, bei dem noch einmal Niklas Turmann auf die Bühne kam, um die Vocals zu übernehmen. Weiter ging´s mit „All along the watchtower“, einem Stück, welches von Bob Dylan geschrieben und u.a. gerne vom Kult-Gitarristen Jimi Hendrix performed worden war. Letztlich endete der Abend mit dem Cover des LED ZEPPELIN-Songs „Immigrant song“.

G3 – Uli Jon Roth, John Petrucci, Joe Satriani

Auch wenn ein Besucher neben uns meinte, es sei „zu viel Gedudel“, so werden doch die allermeisten der anwesenden Fans im Publikum mit einem Gefühl der Zufriedenheit nach Hause gegangen sein. Seien wir gespannt, wann wir G3 erneut in den hiesigen Breiten live erleben dürfen und wenn Mr. Satriani sich dann als Mitstreiter auf die Bühnenbretter stellt. Für heute kann man das Programm mit einem Prädikat unterhaltsam und kurzweilig umschreiben. Hohe Kunst! Es ist wirklich beeindruckend, welche Unterschiede doch beim Gebrauch des gleichen Instrumentes durch diese unterschiedlichen Persönlichkeiten herausgearbeitet werden.

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Aufzeichnung eines großartigen Gigs

Da hat doch Herr Robert Plant glatt wieder einen Klassiker rausgehauen. Wer meint, er kann nur Led Zeppelin, der täuscht sich massiv. Die bald erscheinende DVD „Live At David Lynch’s Festival Of Disruption“ ist logischerweise der Mitschnitt eines Live-Gigs, der der anwesenden Presse förmlich die „Schuhe auszog„. Der Mix des Dargebotenem war eine so geniale Verschmelzung von Blues-Rock und anderen Stilen, dass einem allein beim Lesen schon das Wasser im Munde zusammenläuft.

Markante Pressestimmen

„Auf Platte ist die Chemie zwischen ihnen schon hypnotisch, aber live haut sie einen um…“

– The Telegraph

„Plant & The Sensational Space Shifters klangen großartig. Sie verschmolzen afrikanische Desert Guitar mit amerikanischem Blues und 70er-Jahre Stadion Rock – es klingt vertraut und gleichzeitig überraschend ungewohnt und neu…“

–  LA Times

Backgroundinfos

Die Veröffentlichung ist am 9. Februar 2018 via Eagle Rock Entertainment geplant. Gefilmt wurde der Auftritt von Robert Plant & The Sensational Space Shifters bei David Lynchs erstem „Festival Of Disruption“, das im Oktober 2016 zugunsten der David Lynch Foundation im Ace Hotel Theatre, in Los Angeles stattfand.

Coole Band mit noch coolerem Programm

Seit 2012 tritt Robert Plant mit den Sensational Space Shifters auf und präsentiert ein Crossover aus Rock, Blues, Folk, exotischen Beats und nordafrikanischen Rhythmen. Das Publikum beim „Festival of Disruption“ feierte insbesondere die neuen Arrangements bekannter Led Zeppelin Klassiker, reduzierte Versionen von “Black Dog“ und „Whole Lotta Love“, aber auch Songs wie „Babe, I’m Gonna Leave You“ oder „Going To California“ sowie die herausragenden Solotracks „Turn It Up“, „The Enchanter/Rainbow“ und „Little Maggie“.

Wohltäter

Einnahmen aus den DVD-Verkäufen kommen der David Lynch Foundation zugute.

Dieses von David Lynch kuratierte Festival hatte das ausdrückliche Ziel, Künstler mit „Erfahrung und Geheimnissen“ zu präsentieren; von beidem hat Robert Plant reichlich. Jetzt mag es natürlich den einen oder anderen interessieren, wohin das Geld nun fließt. Diese Infos erhaltet Ihr HIER!

Trailer zur DVD:

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Bernie, der Tourmanager, zeigte uns die Plätze zum Fotografieren und wunderte sich, das nur zwei Pressefotografen vor Ort waren. Lächelnd verschwand er wieder hinter der Bühne.

Überpünktlich um 19:59 Uhr ertönte das ‚Intro‘ vom Band und schon knappe 2 Minuten später startete Reese Wynans mit einem Klavierintro zum Song ‚This Train‘, vom letzten Album ‚Blues Of Desperation‘.

Bonamassa, wie immer in den letzten Jahren im feinen Sakko mit Sonnenbrille, beackerte fulminant eine Fender Stratocaster, welche eventuell vorher im Besitz von Rory Gallagher war. Diese Version rockt wie Sau und kommt live so richtig zur Geltung. Gerade auch durch den Einsatz der beiden Bläser Lee Thornburg und Paulie Cerra, gewinnt das Stück an zusätzlichem Reiz.

Joe Bonamassa in Höchstform an der Sechssaitigen

‚Mountain Climbing‘ in D-moll, für die Gitarristen unter uns, setzt das Konzert nahtlos fort. Hier fallen auch die beiden Backgroundsängerinnen Jade MacRae und Mahalia Barnes erst richtig auf, können sie doch nun ihrerseits Bonamassa gesanglich unterstützen. An dieser Stelle ist anzumerken, das mir persönlich der Sound in der Halle sehr gut gefiel und dieser auch nicht zu laut war. Zudem bekam man einen sehr gut gelaunten und spielfreudigen Joe Bonamassa in Höchstform an der Sechssaitigen.

Es folgte mit ‚Blues Of Desperation‘ das dritte Stück vom gleichnamigen Album. Leicht umarrangiert für die aktuelle Tourband und einiges länger als die Studioversion. Die Gibson wimmerte nur so unter Bonamassas Flitzefingern und auch Basser Michael Rhodes setzte Akzente. Dessen wuchtiger Sound des Viersaiters, welcher mich manchmal an Mel Schachers Bass von Grand Funk erinnerte, drang präsent ans Ohr.

Das Sakko und die Frisur litten

Die ‚Les Paul‘ hervorgeholt und schon wusste man, was nun kommt. Bluesige, gefühlvolle Gitarrentöne und präziser Gesang von Bonamassa. Der Song ‚No Good Place For The Lonely‘, welcher Gary Moore gut zu Gesicht gestanden hätte, ließ immer mehr das Sakko dunkler werden und auch die Frisur litt unter dem heißen Scheinwerferlicht. Jedoch ließ es sich Joe Bonamassa nicht nehmen, das Solo noch feuriger und länger zu spielen. Sobald Höhepunkte seines Spiels kurz Pause machten, bekam er Szenenapplaus seitens des Publikums.

‚How Deep This River Runs‘, der 5. und letzte Track von ‚Blues Of Desperation‘, lässt die Menge in der Mitsubishi Electric Halle das eine oder andere Mal erneut Beifall klatschen. Bonamassa lässt die Finger seiner Griffhand teils geradezu filigran über die Seiten huschen. Anton Fig an den Drums, kann gerade auch bei diesem Stück zeigen, das er alle Facetten des Kesselspiels beherrscht.

Led Zeppelin oder was?

‚Boogie With Stu‘ von Led Zeppelin! Wow, wer hätte das gedacht! Natürlich im Arrangement von Bonamassa und wie bei Jimmy Page sonst üblich, kommt hier die Telecaster ins Spiel. Die Mandoline des Originaltracks, wird hier durch die Gitarre ersetzt und ein fulminantes Saxophon-Solo von Paulie Cerra begeistert die Menge.

Dann kommen die nächsten zwei Coverversionen und zwar von Albert King. ‚Breaking Up Someone’s Home‘, ist ein Bluesklassiker, der auch auf der letzten Livescheibe ‚Live At The Greek Theatre‘ von Bonamassa, enthalten ist. Beim darauf folgendem ‚Angel Of Mercy‘ kann Anton Fig, ein in Los Angeles lebender und in Südafrika geborener Drummer, ein großartiges, mehrminütiges Schlagzeugsolo präsentieren. In den Staaten kennt man ihn auch von der TV Night Show von David Letterman, wo er in der Studioband spielte.

Bonamassa in Düsseldorf spricht!

Der bis hierhin wortkarge Joe Bonamassa spricht nun das erste Mal mit dem  Publikum:

„Mein Name ist Joe Bonamassa. Ich bin gerade erst 40 geworden. Das Wetter ist gut, die Sonne geht gerade unter und ich bin überrascht, das über 4000 Leute in die Halle kommen! Danke für euer Erscheinen!“

Danach werden alle Bandmitglieder einzeln vorgestellt, was seitens des Publikums bejubelt wird.

Die Höhepunkte steigern sich und mit ‚Love Ain’t A Love Song‘, vom Album ‚Different Shades Of Blue‘, kommt ein weiteres Highlight des Konzerts. Im langen Mittelteil des Songs, liefern sich Joe Bonamassa und Lee Thornburg ein spannendes Duell mit Gitarre und Trompete. Immer mehr hält es die Leute nicht mehr auf ihren Stühlen und Standing Ovations bleiben am Ende der jeweiligen Songs natürlich nicht aus.

Gibt es noch Steigerungen?

Joe Bonamassa in Düsseldorf hält was der Name verspricht! Die Reunion von Black Country Communion steht, das neue Album kommt im Herbst 2017 heraus und Joe Bonamassa spielt einen Klassiker der Band: ‚Song Of Yesterday‘. Über diesen Track braucht man nicht viel zu schreiben, er spricht für sich.

Joe Bonamassa fordert das Publikum aufzustehen und legt sich eine schwarze Gibson um, mit der er John Mayalls ‚Little Girl‘ spielt. Es wird getanzt und geklatscht und anscheinend ist die Menge in Düsseldorf bestens gelaunt, wobei ich die negativen Kommentare der vorangegangen Shows in Deutschland nicht nachvollziehen kann. Es ging um schlechten Sound und um Joe Bonamassa, der keinen Kontakt zum Publikum suchte… Richtig redselig war er noch nie in den letzten Jahren auf der Bühne, was mich persönlich nicht störte.

Gibt es denn in Düsseldorf noch Steigerungen? Selbstverständlich und zwar bei den letzten beiden Songs des regulären Konzertes, ‚Going Down‘ und ‚How Many More Times‘. Letzteres ist erneut ein Led Zeppelin-Cover, welches hier in der Bonamassa-Fassung seinen eigenen Reiz hat. Übrigens unterstützte Mike Hickey, Bonamassas Guitar-Roadie, die Band bei mehreren Stücken dezent im Hintergrund!

Schlussakkorde

Bonamassa feuert Gitarrensalven ins Publikum und die Band spielt sich die Seele aus dem Leib. Danach ist Schluss, jedoch dauert es nicht lange und er kehrt mit der Band auf die Bühne zurück, um B.B. Kings ‚Hummingbird‘ als Zugabe zu spielen.

Fazit: Ein grandioses Konzert mit knapp 130 Minuten Spielzeit. Ein nicht aufzuhaltender Joe Bonamassa mit seinen verschiedensten Gitarren, auf denen er sich im wahrsten Sinne des Wortes austoben kann. Tolles Düsseldorfer Publikum und ich bin auf jeden Fall wieder dabei bei der nächsten Tour!

Frontmann Russell Allen ist eine Erscheinung auf der Bühne. Davon könnt ihr euch in dem aktuellen Video von ADRENALINE MOB zum Song „King of the ring“ ein Bild machen. Schaut mal weiter unten, wie Herrschaften das Haus rocken. Dabei ist der gute Mann ja bekanntermaßen sehr vielseitig und so u.a. auch mit der Prog-Formation SYMPHONY X seit über 20 Jahren aktiv. Mit „We the people“, dem mittlerweile schon dritten vollen Album von ADRENALINE MOB macht die Band deutlich, dass es sich nicht um ein „Projekt“, sondern eine vollwertige Truppe handelt. Die Scheibe erscheint am 02.06.2017 über Century Media Records…kurz darauf geht man dann erst einmal auf eine ausgedehnte US-Tour.

Hier also das Video für euch:

News zu ADRENALINE MOB und einige weitere Neuigkeiten…

Es gibt schon interessante Bandnamen…MEXICAN CHILI FUNERAL PARTY…da muss man erst einmal drauf kommen. Die 2009 gegründete italienische Formation hat ihr aktuelles Release schon eine Weile draußen und beschreibt ihre Haupteinflüsse mit Bands wie KYUSS, QUEENS OF THE STONE AGE aber auch LED ZEPPELIN und BLACK SABBATH. Der Fünfer hat Material in Form von 11 Songs auf dem mit „Mexican warrior´s revenge“ verewigt. Wer sich mit dem Stil der genannten Bands (die Band spricht von Stoner/Grunge Rock) identifizieren kann, sollte dem Ganzen vielleicht mal eine Chance geben.

Was gibt es Neues aus Schweden? Da können wir von metal-heads.de euch die Band MEAN STREAK ans Herz legen. Die Heavy Metal-Combo aus dem europäischen Norden plant am 02.06.2017 das Release ihrer vierten Langrille. „Blind faith“ heißt das neue Album, es enthält 11 Songs (in Japan bekommt man einen Bonustrack dazu) und wurde vom Bassisten Peter Andersson und Max Norman produziert.

Hier könnt ihr mal ´reinhören in das Video von „Caught in the crossfire“:

Neben den regulären Formaten wird das Release auch als limitiertes farbiges Vinyl (siehe Foto oben im Beitrag) erhältlich sein. Da werden die Fans des 2008 gegründeten Vierers erfreut sein.

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