Am Montag, den 6. November 2023 spielten DOWNFALL OF GAIA im Helios 37 in Köln. Es war die letzte Show ihrer Herbst – „Silhouettes of Disgust“ – Tour.

An diesem Abend haben sie ELLEREVE als Support.

Ich muss gestehen, dass ich vor dieser Ankündigung noch nichts von der Band gehört hatte. ELLEREVE ist das Projekt der Singer-Songwriterin Elisa Giulia Teschner. Das aktuelle Album „Reminiscence“ ist im März 2023 erschienen. Die Musik verbindet Dark (Post) Rock mit Folk-Elementen. Das Arrangement hat eine Basis aus elektronischen Klängen und hallenden Gitarren, auf der tiefe Basslinien und feine Melodien miteinander verwoben sind.

ELLEREVE heute mit Akustikset

Ein wenig erstaunt war ich, als ich auf der rot ausgeleuchteten Bühne ein Cello und akustische Gitarren sehe. Links und rechts stehen Kerzenleuchter. Sehr stimmungsvoll. Und tatsächlich spielen ELLEREVE ein akustisches Set, mit dem sie die Zuhörer direkt in ihren Bann ziehen. Denn so still und fast andächtig habe ich ein Publikum schon lange nicht mehr erlebt. Und so wirkt der Applaus nach den Songs noch stärker.

ELLEREVE spielen hauptsächlich Songs, die auf dem aktuellen Album zu finden sind. Mir gefallen die klare Gesangsstimme und der wunderbar warme Klang des Cellos. Seine Melodien ziehen sich wie in roter Faden durch die Songs. So entsteht ein dichter, melancholischer Klang, den die Gitarren mit interessanten Variationen ergänzen. Die Lieder sind intensiv und klingen dabei zerbrechlich.
Ich finde es interessant, Akustikversionen live zu hören. Und dabei zu erleben, welche Möglichkeiten Songs in einer anderen Umsetzung bieten.

ELLEREVE sind heute Abend: Elisa Guilia Teschner (Gesang und Gitarre), Chris Knoll (Gitarre) und Johannes Schleiermacher (Cello)

DOWNFALL OF GAIA

Jetzt ist die Bühne in blaues, düsteres Licht getaucht und die Musiker sind in diesem diffusen Licht nur schemenhaft zu erkennen.

Aber das passt zu der dichten intensiven Klangwand, die DOWNFALL OF GAIA bereits mit den ersten Tönen von „Existence of Awe“ aufbauen.

Wie eine Welle bewegt sich der massive und rohe Klang durch den Raum und zieht das Publikum mit in eine dunkle Klangwelt aus Black Metal Raserei und Melancholie.

Die Vocals sind schaurig, dramatisch und verzweifelt. Hier wechseln sich Gitarrist Dominik Goncalves dos Reis und Bassist Anton Lisovoj ab. Marco Mazzola (Gitarre) sorgt sowohl für intensive als auch schnelle Riffs, was der Gesamtdynamik eine weitere Facette hinzufügt. Drummer Michael Kadnar trommelt leidenschaftlich und bearbeitet die Felle derart, dass er mehrmals nachstimmen muss.

Auf Ansagen haben sie verzichtet. Das hätte den Spannungsbogen, der über dem Set liegt, wohl auch gestört.

Diese Spannung wird auch dadurch aufrechterhalten, dass sie sich vor Songs wie z.B. „Eyes to Burning Skies“ oder „Bodies of Driftwood“ vom Publikum abwenden. Sauf diese Weise konzentriert, bauen sie dies Songs langsam auf. Und da ist sie wieder: eine intensive Kraft, die sich direkt überträgt.

Massiv und elegant zugleich 

Großartig finde ich die klaren, melodischen Momente und die Passagen, in denen die Drums schlichte, eingängige Rhythmen nutzen. Sie sind wie ein Lichtblick oder ein Moment der Beruhigung und Harmonie, bevor sich wieder Verzweiflung, Müdigkeit und Einsamkeit in wütender Form ausbreiten.

Von den ersten Klängen bis zum letzten Moment haben DOWNFALL OF GAIA das Publikum mitgenommen. Die Begeisterung war durchgängig spürbar. Daher war es auch kein Wunder, dass eine Zugabe eingefordert wurde. Und so endet dieser intensive Abend mit „Final Vows“ vom aktuellen Album „Silhouettes of Disgust“.

Hineingezogen in die Musik

Ich bin immer wieder begeistert davon, wie gut sie die Atmosphäre und Klänge ihrer Alben auf die Bühne bringen können.

Vielleicht klingt es für jemanden, der DOWNFALL OF GAIA bisher noch nicht kennt, ein wenig seltsam, wenn ich sage, dass es jedes Mal eine Freude ist, bei den Konzerten mitzuerleben, wie sie ihre dunklen, verzweifelt klingenden Songs live präsentieren. Denn auch diesmal haben sie die Songs so umgesetzt, dass nicht nur die massive, kraftvolle Dynamik physisch spürbar wurde, sondern auch die vielen Nuancen erkennbar.

Und dabei haben sie sich wieder die Seele aus dem Leib gespielt, getrommelt und geschrien, was mit ein Grund dafür ist, dass man regelrecht in die Musik hineingezogen wird.

DOWNFALL OF GAIA mit neuem Album

Heute (17. März 2023) veröffentlichen DOWNFALL OF GAIA ihr sechstes Studioalbum „Silhouettes Of Disgust“.

„Silhouettes Of Disgust“ das sind acht Songs mit Geschichten von verschiedenen Menschen. Sie wohnen in einer fiktiven Großstadt und kämpfen mit Problemen wie Einsamkeit, Sucht, Angst vor dem Morgen oder den Druck, den Arbeit und Gesellschaft erzeugen.

Dazu erklärt Dominik Goncalves dos Reis (Vocals, Gitarre):

Dinge, die viele von uns wahrscheinlich nur zu gut kennen. Man muss irgendwie mitspielen oder man fällt durch die Maschen, und wenn man einmal am Boden liegt, ist es schwer, wieder aufzustehen.

Und es geht um den Egoismus, die Ignoranz, den Umgang miteinander. Der einzelne Mensch unter Millionen, umgeben von Dingen, die man vermeiden möchte. Umgeben von „Silhouettes Of Disgust“.
Grundlegend dunkel, pessimistisch und sperrig kennen wir DOWNFALL OF GAIA seit sie 2008 ihre erste EP veröffentlich haben. Kein Album ist wie das andere, da sie immer wieder neue Facetten hinzugefügt und ihr Spektrum erweitert haben. Und auch „Silhouettes of Disgust“ hat wieder einiges Unerwartetes zu bieten. Denn auch wenn die dunkle Grundstruktur geblieben ist: es gibt melodiöse und fast schon sanfte Passagen. Und die sind nicht aufgesetzt, sondern wie eine weitere Dimension, wie ein Fenster mit Blick auf Meer und Sonne.

„Silhouettes Of Disgust“ ist ein Wechselbad zwischen Aggression und Melancholie – wobei beide Anteile von Angst und Wut genährt werden.

Entzünde die Flammen, vertreibe die Schatten

Schon beim ersten Song „Existence Of Awe“ wird dies hörbar. Dichte Riffs, der Bass klingt fett und die gewohnt giftig-schaurigen Vocals werden durch ein Trommelgewitter unterstrichen. Die Gitarren verfolgen eine schlichte Melodie, die in mächtige Riffs übergeht, die sich aufbauen so wie die Flammen, die Schatten vertreiben. Die ruhigeren Teile des Songs sind voller Melancholie.

 „Zu stumm, um zu schreien, zu wach, um zu ruhen“ – mit sirrendem Drumming, das zunehmend wütend wird, beginnt „The Whir Of Flies“. Die Gitarre spielt Töne der Verlassenheit, die Vocals und Lyrics sind ausgefüllt von Schmerz und Hoffnungslosigkeit. Trotzdem ist der Song dynamisch und kraftvoll.

„While Bloodsprings Become Rivers“ ein zunächst eiliges, hastiges Stück, das das Ertrinken einer Flut von Gedanken nacherlebbar macht. Sphärische Klänge mit interessanten Riffs und warmen Harmonien. Dies ist ein Beispiel für das, was ich anfangs Unerwartetes genannt habe. Und mittendrin (ab 4: 41) eine wunderbare Passage mit einer Melodie und Harmonien, von Streichern untermalt, die unter die Haut geht. Ein ruhiger Ausklang, wie die verebbende Flut.

„Bodies As Driftwood“ ist ein Song über Hoffnungen und Träume, die an äußeren Zwängen zerbrechen. Dunkelheit, die schwerelos tanzen lässt. Schwerelos ist auch der Drumpart gestaltet. Auch hier wieder packende Riffs und Melodien, die im Ohr bleiben

Hinter gebrochenem Glas fällt es schwer, die Schönheit der Dinge zu erkennen

„Eyes To Burning Skies“ beginnt mit Streichereinsatz, über allem schwebend eine Melodie, von Lulu Black in ihrer unverwechselbaren Art gesungen. Lulu Black ist zusammen mit DOWNFALL OF GAIAs Drummer Michael Kadnar THIS IS OBLIVION*. Sie singt von flackernden Schatten und schimmernden Lichtern und davon, dass die Schönheit der Dinge hinter gebrochenem Glas schwer zu erkennen ist. Während Lulu Blacks Gesang den Hörer verzaubernd umspielt, schreit Dominik Goncalves dos Reis uns die Worte entgegen.
Gerade in diesem Song wird deutlich, wie DOWNFALL OF GAIA Metal und Crust Punk miteinander verbinden, und den Metal von verschiedenen Seiten beleuchten.

„Final Vows“ klingt zerrissen, nur von den Vocals zusammengehalten. Schnelles Tempo und darin schwere Riffs voller Dunkelheit.

„Unredeemable“ ein trauriger, deprimierender Song in langsamem Tempo, bei dem sich auch das Drumming zurückhält. Dann allerdings steigert sich das Tempo, die Riffs werden intensiver, einnehmender. Aber die deprimierende Stimmung bleibt. Auch wenn das Unbehagen den funkelnden Lichtern der Stadt weicht – es ist immer da.

Mit „Optograms Of Disgust“ endet das Album. Anhaltende und flirrende Töne, Müdigkeit, Verzweiflung und Kraftlosigkeit sind spürbar. Tempo, kraftvolles Drumming mit interessanten Elementen, die sich in einer Weise mit den Riffs verbinden, die Einsamkeit und Hoffnungslosigkeit ausdrücken aber eben voller Energie sind. Stimmig und dennoch widersprüchlich. Und spannend von Anfang bis Ende.

Das Farbspiel weicht dem Grau

Mit „Silhouettes Of Disgust“ haben DOWNFALL OF GAIA in ihrer Verbindung aus Post Black Metal und Crust Punk noch einmal mehr atmosphärische und melodische Momente hinzugefügt. Daraus ist ein packendes, kraftvolles und dynamisches Album entstanden. Die melodischen Fäden, die sich durch das Album ziehen, und die harmonischen Momente lassen die Vocals noch verzweifelter und drastischer erscheinen.

„Das Farbspiel weicht dem Grau“, eine Textzeile aus „Eyes To Burning Skies“ ist eine gute Beschreibung dessen, was auf diesem Album passiert. Vielfältige und -farbige Variationen, die Schönheit der Dinge, die hinter gebrochenem Glas nur schwer zu erkennen sind. Schönheit, die in ein Grau mündet, in die Leere, die Menschen auch dann erleben können, wenn sie von vielen Menschen umgeben sind.

Die Kraft und Intensität, die in den Songs steckt, ist auf eine präzise und dichte Abstimmung der verwendeten Elemente zurückzuführen, die in ihrer Mischung weitere Dimensionen und Ausblicke eröffnen.

Und hier der Opener „Existence Of Awe“

Mehr zu DOWNFALL OF GAIA sowie Tourtermine

* „This Is Oblivion“ – Review findet ihr HIER

Bereits am 6. Mai 2022 haben THIS IS OBLIVION via Silent Pendulum Records ihr gleichnamiges Debütalbum veröffentlicht.

THIS IS OBLIVION – das sind Michael Kadnar (Drummer u.a. bei DOWNFALL OF GAIA) und Lulu Black (Violine und Gesang bei BELDAME)

Lulu Black hat durch ihre langjährigen Erfahrungen mit verschiedensten Musikgenres einen unverkennbaren Stil entwickelt. So fließen nicht nur Erfahrungen aus dem klassischen Bereich ein, sondern auch Doom, Darkwave und Industrial. So zu hören auf dem Album „Unrequitted“ von BELDAME.

Michael Kadnar ist als Drummer grundsätzlich im Metal beheimatet. Aber er lässt dabei Elemente aus Jazz und Funk einfließen. Diese Offenheit für unterschiedliche musikalische Elemente prägt sein Drumming bei Bands wie SO HIDEOUS, THE NUMBER TWELVE LOOKS LIKE YOU und BLACK TABLE.

Lulu Black und Michael Kadnar sind nicht nur durch THIS IS OBLIVION verbunden, sondern auch in einer Beziehung. Dies ist sicher eine besondere Herausforderung – sowohl in der künstlerischen Zusammenarbeit als auch in der Beziehung.

Lulu Black sagt dazu:
Eine Beziehung, die sich dann zu einer künstlerischen Zusammenarbeit entwickelt, kann sehr positiv sein, aber manchmal auch sehr roh und verletzlich.

Liebe, die sich wie das Ende der Welt anfühlen kann

Das Konzept, das dem Debütalbum zugrunde liegt, beschreibt Lulu Black folgendermaßen:

„Es ist eine Erkundung der zyklischen Natur der Verbindung; wie jeder Moment in der Zeit paradoxerweise irgendwo zwischen einem Moment des Zusammenbruchs und des Aufstiegs schwebt; wie die Liebe ein Anker sein kann, wenn die Welt zu enden scheint, und wie sich die Liebe selbst wie das Ende der Welt anfühlen kann.“

Zusammenbruch, Aufstieg, Liebe als Anker oder wie der Weltuntergang – all dies haben Lulu Black und Michael Kadnar mit „This Is Oblivion“ spürbar, erlebbar gemacht.

Diese Aspekte prägen das Album. Die Hauptprotagonisten der Lieder sind – neben Lulu Blacks Stimme – Schlagzeug und Geige.  Das (Zusammen)Spiel dieser Instrumente klingt manchmal wie Liebende, die sich locken, sich aufeinander einlassen, sich Halt geben und die dann doch nicht zueinander finden können.

Sich vergraben zum Schutz vor der Wahrheit

Der Opener „Invocation“ erinnert an ein Orchester, das vor dem Konzert seine Instrumente stimmt. Damit werden wir eingestimmt auf Dunkles, Unheilvolles und Spannendes. 

„The Truth“ beginnt mit Kettenschlägen auf  die Trommel (schaut euch das Video dazu an) und tiefen Streichertönen, die eine unwirkliche und gespenstische Atmosphäre schaffen. Die sparsam eingesetzten Industrial – Klänge und Doom Metal – Elemente sorgen zudem für eine dunkle und bedrückende Stimmung.

Der Gesang ist dicht und eindringlich, abweisend und lockend zugleich. Paradox, widersprüchlich und dennoch harmonisch und umfassend: „I will ruin you / I will run to you / I want you to ruin me / I want you to run from me.“

„Elegy“ ist ein ruhigeres Stück. Die Saiten der Geige werden gezupft, so dass die Töne wie Seifenblasen zerspringen. Viola und Violine spielen tiefe Töne, die unter die Haut gehen. Dazu eine sirenenhafte Stimme voller Sehnsucht und Schmerz.

Somit wird dieser Song seinem Titel gerecht: es ist eine wehmütige Klage von Dunkelheit, Kummer und Einsamkeit. Und dennoch bleibt der Wunsch nach Sicherheit, danach, dass die Herzen nie getrennt sein werden.

Lernen, das wir genug sind, so wie wir sind

Vibrierende Streicher, intensives Cello-Spiel von Gast-Cellistin Jennifer DeVore und ein zunächst zurückhaltendes Drumming eröffnen „Undeserving“. Ein Stück, das immer mehr an Energie und Kraft gewinnt Über diese Wucht setzt sich eine Stimme voller Resignation und Verzweiflung hinweg.

Auch hier gibt es dies Auf und Ab, das gedankliche Wandern zwischen Antagonisten. Einerseits Liebe, die akzeptiert. Andererseits der Wunsch danach, „genug“ zu sein, um akzeptiert zu werden.  Im Bestreben irgendwie Sicherheit zu gewinnen, stehen uns unsere eigenen Gedanken, eventuell doch nicht genug oder gar unerwünscht zu sein, im Weg.

„Offering“ ist geprägt von umherirrenden Klängen, die sich erst langsam finden und so eine enorme Spannung erzeugen. Aus den Klängen löst sich eine Melodie, unbegleitet, die wie bei einem Filmabspann eines Films mit offenem Ende klingt

Let’s make a deal

„A Reckoning“ ist ein böser Song. Verführerisch flüstert die Stimme demjenigen, der sich vom Leben ernährt und den Tod anbetet: „Gib einfach jedem deiner Laster nach“. Unterstrichen von pechschwarzer Industrial-Percussion nutzt Lulu Black Sprechgesang: verhalten aggressiv, lasziv, verlockend, überzeugend.

Bei „Unto You“ eröffnet ein Klavierintro das Lied vom Ausgeliefertsein und dem Wunsch geliebt zu werden, wie man selbst liebt. Ein Song, in dem die Melodien schweben.

Mitten in der Liebe sind wir im Tod

„Litany“ bildet den fulminanten Abschluss.  Ein episches Stück voller Dramatik. Dicht und dunkel. Percussives Trommelfeuer, die Violine, die Gänsehaut erzeugt und Gesang von Liebe und Tod, den Facetten einer Beziehung , von Wahrheit und Verzweiflung  – this is oblivion

This Is Oblivion

Präzise und gleichzeitig subtil sind Percussion, Stimme und Instrumente aufeinander abgestimmt. Die Doom- und Industrial-Elemente machen den Klang tief und voll und ermöglichen es Lulu Black, ihre Stimme geisterhaft über der dunklen Grundstimmung schweben zu lassen. Die Stimme ist außerordentlich präsent, oft fordernd aggressiv. Aber dabei drängt sie nie in den Vordergrund. Dies macht die Songs so anziehend und geheimnisvoll. Immer wieder wird man an einen Abgrund gezogen oder versinkt im Sumpf von Emotionen und Gedanken. Doch weder versinkt man noch stürzt hinab, weil es immer auch einen Anker gibt. Mal ist es das geerdete Drumming, dann wieder sind es die schwebenden Melodien. Vor allen Dingen aber sind es die Texte, die die Paradoxien in (Liebes) Beziehungen aufzeigen.

„This Is Oblivion“ ist ein eigenwilliges Album, das Gegensätze auf verschiedenen Ebenen miteinander verbindet, so dass sie zu Facetten von Zuständen werden, die immer wieder durchlaufen werden. Es ist eine gespenstische und lockende Atmosphäre entstanden, die tief berührt und gleichzeitig wie ein vorbeistreifender Windhauch Gänsehaut verursacht.

Das Video zu „Elegy“ – mit Gänsehauteffekt

„This Is Oblivion“ the debut album by THIS IS OBLIVION

Already on 6 May 2022, THIS IS OBLIVION released their same-titled debut album via Silent Pendulum Records.

THIS IS OBLIVION – that’s Michael Kadnar (drummer with DOWNFALL OF GAIA, among others) and Lulu Black (violin and vocals with BELDAME).

Lulu Black has developed an unmistakable style through her many years of experience with a wide variety of musical genres. Thus, not only experiences from the classical field flow in but also doom, darkwave and industrial. This can be heard on the album „Unrequited“ by BELDAME.

As a drummer, Michael Kadnar is basically at home in metal. But he lets elements of jazz and funk flow into it. This openness to different musical elements characterises his drumming in bands like SO HIDEOUS, THE NUMBER TWELVE LOOKS LIKE YOU and BLACK TABLE.

Lulu Black and Michael Kadnar are not only connected through THIS IS OBLIVION, but also in a relationship. This is certainly a unique challenge – both in the artistic collaboration and in the relationship.

Lulu Black says about this:
A relationship that then develops into an artistic collaboration can be very positive, but sometimes also very raw and vulnerable.

Love that can feel like the end of the world

Lulu Black describes the concept behind the debut album as follows:

„It’s an exploration of the cyclical nature of connection; how every moment in time paradoxically hovers somewhere between a moment of collapse and ascent; how love can be an anchor when the world seems to end, and how love itself can feel like the end of the world.“

Collapse, ascent, love as an anchor or like the end of the world – Lulu Black and Michael Kadnar have made all this sensible, tangible with „This Is Oblivion“.

These aspects shape the album. The main protagonists of the songs are – besides Lulu Black’s voice – drums and violin.  The (inter)playing of these instruments sometimes sounds like lovers who entice each other, get involved with each other, give each other support and then still can’t find each other.

Burying oneself to protect oneself from the truth

The opener „Invocation“ is reminiscent of an orchestra tuning its instruments before a concert. This gets us in the mood for dark, ominous and exciting things. 

„The Truth“ begins with chain beats on the drum (watch the video) and deep string tones that create an unreal and spooky atmosphere. The sparingly used industrial sounds and doom metal elements also create a dark and oppressive mood.

Here are the vocals dense and haunting, repellent and alluring at the same time. Paradoxical, contradictory and yet harmonious and encompassing: „I will ruin you / I will run to you / I want you to ruin me / I want you to run from me.“

„Elegy“ is a quieter piece. The strings of the violin are plucked so that the notes burst like soap bubbles. Viola and violin play low notes that get under the skin. In addition, a siren-like voice full of longing and pain.

Thus this song lives up to its title: it is a wistful lament of darkness, sorrow and loneliness. And yet the desire for security remains, for hearts never to be separated.

Learning that we are enough just as we are.

Vibrating strings, intense cello playing by guest cellist Jennifer DeVore and initially restrained drumming open „Undeserving“. A piece that gains more and more energy and power. A voice full of resignation and despair overcomes this force.

Here, too, there is this up and down, the mental wandering between antagonists. On the one hand, love that accepts. On the other hand, the desire to be „enough“ to be accepted.  In the effort to somehow gain security, our thoughts of possibly not being enough or even unwanted get in the way.

„Offering“ is characterised by wandering sounds that only slowly find each other and thus create an enormous tension. A melody, unaccompanied, emerges from the sounds, sounding like the end credits of a film with an open ending.

Let’s make a deal

„A Reckoning“ is a wicked song. Seductively, the voice whispers to the one who feeds on life and worships death, „Just give in to every last one of your vices.“. Underlined by pitch-black industrial percussion, Lulu Black uses recitative: restrainedly aggressive, lascivious, enticing, and convincing.

In „Unto You“, a piano intro opens the song of being at the mercy of others and the desire to be loved as one loves oneself. A song in which the melodies float.

In the middle of love, we are in death

„Litany“ forms a brilliant conclusion.  An epic piece full of drama. Dense and dark. Percussive drum fire, the violin that gives you goosebumps and vocals of love and death, the facets of a relationship, of truth and despair – this is oblivion.

This Is Oblivion

Percussion, voice and instruments are coordinated precisely and subtly at the same time. The doom and industrial elements make the sound deep and full and allow Lulu Black to let her voice float ghostly above the dark underlying mood. The voice is extraordinarily present, often demanding aggressiveness. But at the same time, it never pushes itself into the foreground. This is what makes the songs so attractive and mysterious. Again and again, you are pulled into an abyss or sink into the swamp of emotions and thoughts. But you neither sink nor fall, because there is always an anchor. Sometimes it’s the grounded drumming, then again it’s the floating melodies. But above all, it’s the lyrics that show the paradoxes in (love) relationships.

„This Is Oblivion“ is an idiosyncratic album that combines opposites on different levels so that they become facets of states that are traversed again and again. A haunting and alluring atmosphere has been created that touches deeply and at the same time causes goosebumps like a passing breeze.

The video for „Elegy“ – with goosebump effect

(You can find the original interview below)

Vor einiger Zeit hat Michael Kadnar mir in einem Interview einige Fragen über das Schlagzeugspielen, DOWNFALL OF GAIA, Jazz und andere Dinge beantwortet.

Heute möchte ich über einen anderen Teil seiner beruflichen Arbeit sprechen. Im Jahr 2013 gründete er das Label „Silent Pendulum Records“.

Jede einzelne Band auf dem Label ist wie Familie

SPR wird kurz beschrieben als: „New Yorker Vinyl-Label, spezialisiert auf experimentelle Metal- und Jazz-Musik.“ Du willst auch Alben auf Vinyl veröffentlichen, die du magst, die aber noch nie als Vinyl herausgegeben wurden.
Sagt das schon das Wesentliche über SPR aus? Oder was würdest du jemandem, der sich für SPR interessiert, noch über das zugrunde liegende Konzept erzählen?

Es begann definitiv als eine Möglichkeit für mich, um meine eigenen Bands und Bands, die ich liebe, auf Vinyl zu veröffentlichen. Aber inzwischen ist es viel mehr als das geworden. Ich glaube wirklich, dass jede einzelne Band zur Familie gehört. Und ich bin nicht daran interessiert, eine Platte zu machen und nie wieder mit der Band zu sprechen. Ich bin an lebenslangen Verbindungen interessiert und daran, meinen Freunden und Bands zu helfen, ihr volles Potenzial zu entfalten. Ja, wir pressen immer noch einmalige Pressungen von klassischen Alben und/oder lizenzieren einige meiner Lieblingsalben aller Zeiten. Aber mit der Zeit hat sich meine Arbeit mehr und mehr in den Bereich der Künstlerentwicklung verlagert. Ich helfe unseren frühen Bands, ihr zweites oder drittes Album zu veröffentlichen, bestimmte Bands auf bestimmte Tourpakete zu bringen und/oder berate sie bei Merchandising-Ideen, damit sie ihre künstlerische Vision voll ausschöpfen können.

Das Farbschema ist eine Fortsetzung der Covergestaltung

SPR veröffentlicht die Alben ausschließlich auf Vinyl. Ich mag diese Vinyl-Alben. Sie ermöglichen mehr Sinneseindrücke als eine CD. Das Gefühl in den Fingern, wenn man die Scheibe aus der Hülle nimmt, der Geruch, die Farben. Bei den Schallplatten von SPR mag ich das Design, die Farben und die Muster. Es macht einfach Spaß, sie anzuschauen. Welche Rolle spielen diese Aspekte für dich und innerhalb des Konzepts?

In der Vergangenheit wurde Vinyl aus Gründen der Audioqualität hauptsächlich auf schwarzem Vinyl aufgelegt. Aber mit dem anhaltenden Boom der Branche und der Optimierung der Presswerke ist die Möglichkeit, mit dem Medium Vinyl selbst atemberaubende visuelle Kunstwerke zu schaffen, viel einfacher und fast grenzenlos geworden.

Ich denke, dass die Wahl der richtigen Farben, des Covers, der Schriftarten und des Layouts (Gatefold oder Single Jacket) eine große Rolle bei der Veröffentlichung spielt. Stell dir vor, du bekommst ein Paket mit der Post oder auf einem Konzert, und wenn du nach Hause kommst und die Hülle öffnest und sie sich gut anfühlt. Dann schiebt man die Platte heraus, und die Farbgestaltung ist eine Fortsetzung des Covers. All diese Sinneseindrücke, bevor man auch nur eine Note oder einen Song hört. Ich denke, dass diese ganze Erfahrung sehr wichtig ist und einen wichtigen mentalen und emotionalen Eindruck beim Hörer hinterlässt, um sich mit der Musik und all den einzelnen Komponenten zu verbinden, die in die Erstellung eines Albums eingeflossen sind.

Brauchen Bands noch ein Label?

In einer Zeit, in der es möglich ist, Musik zu Hause aufzunehmen, sie auf verschiedene Plattformen hochzuladen und selbst einen Webshop zu betreiben: Brauchen Bands noch ein Label? Inwieweit kann ein Label helfen, das Profil des Musikers oder der Band zu schärfen, damit sie sich vom großen Angebot abheben können?

Sehr gute Frage. Major-Labels haben nicht mehr die Macht und den Einfluss, den sie früher hatten. Aber ein Plattenlabel zu haben, kann in vielerlei Hinsicht hilfreich sein. Die meisten Labels haben bestimmte Verbindungen und langfristige Geschäftsbeziehungen, die den Bands helfen können. Außerdem verfügen Labels in der Regel über ein starkes Netzwerk in den sozialen Medien, das eine gute Möglichkeit bietet, eine neue Band zu promoten und eine große Zahl neuer Zuschauer oder Hörer zu gewinnen.

Ich kenne jedoch eine Menge Bands  die sich gegen einen Plattenvertrag entschieden haben und es vorgezogen haben, alles selbst zu machen und die volle künstlerische Kontrolle über alle Aspekte der Aufnahme und der Promotion zu behalten. Auch einige Bands, bei denen ich Schlagzeug spiele, haben sich so entschieden. Es hängt also wirklich vom Künstler ab und davon, welche Ziele er verfolgt. Ein unabhängiger Künstler zu sein oder von einem Label unter Vertrag genommen zu werden, hat beides seine Vor- und Nachteile.

Du lebst in New York, einer Stadt, in der im Musikbereich unglaublich viel los zu sein scheint. Trägt dieses Umfeld dazu bei, dass du mit SPR so arbeiten kannst, wie du es dir vorgestellt hast? 

Auf jeden Fall. Ich habe es vorgezogen, mein Büro in der Vorstadt zu haben, aber in Brooklyn zu sein, hat es mir ermöglicht, mehr Live-Musik zu sehen und mehr Künstler zu treffen. In der Post-Pandemie-Zeit kann ich den Großteil meiner Arbeit aus der Ferne und mit meinem Laptop erledigen. Eine Ausnahme sind die  Verpackungsaufträge. Ich freue mich wirklich darauf, meine Beziehungen auszubauen und in Zukunft mehr Bands unter Vertrag zu nehmen!

Alle Künstler, mit denen ich zusammenarbeiten möchte, sind extrem leidenschaftliche Menschen.

Ich glaube, dass es durchaus zutrifft, dass die Bands, deren Musik du veröffentlichst, keine Musik für ein breites Publikum machen. Was ist es, das dich dabei so anspricht?

Ich finde, dass alle Künstler, die ich liebe und mit denen ich zusammenarbeiten möchte, extrem leidenschaftliche Menschen sind. Das höre ich in ihrer Musik, das sehe ich jeden Abend, wenn sie auf der Bühne stehen, und das spüre ich an der Art, wie sie sich als Menschen geben. Für mich wird es immer um die Kunst gehen und um die Qualität der Menschen, mit denen ich jeden Tag zusammenarbeite. Mein Team und meine Familie wachsen weiter, und ich könnte nicht glücklicher darüber sein, wie hart meine Bands und Mitarbeiter daran arbeiten, dieses Label zu dem zu machen, was es ist.

Trotzdem decken die Veröffentlichungen ein breites Spektrum ab: experimenteller Jazz, Mathcore, Post-Metal, Black Metal und eine besondere Art von Symphonic Metal. Nach welchen Kriterien wählst du die Bands aus, die du veröffentlichst?

In erster Linie muss die Musik gut sein. Sie muss gut aufgenommen sein und es muss eine Vision vorhanden sein. Aber das ist nur der erste Schritt. In der lokalen Szene aktiv zu sein oder zu touren ist ein großes Plus. Eine gute Präsenz in den sozialen Medien und eine Vergangenheit, in der hart gearbeitet wurde, sind für mich wichtig. Und schließlich muss ich die Leute mögen. Nach all den Jahren glaube ich, dass ich ein ziemlich gutes Gespür für Menschen habe, und ich treffe Bands immer zuerst persönlich oder chatte mit ihnen per Video, um sie persönlich kennenzulernen und ein Gefühl dafür zu bekommen, wer sie wirklich sind.

Verschiedene Arten von Musik können dazu beitragen, verschiedene Teile der Persönlichkeit auszudrücken

Unter anderem sind mir die folgenden Bands/Projekte besonders aufgefallen:

BLACK TABLE: (experimenteller Metal mit einer sehr speziellen, außerirdisch klingenden Stimme),

THE NUMBER 12 LOOKS LIKE YOU (dunkler, dystopischer Progressive Metal) und

MORTET (ein Jazz-Album mit Rhythmen und melodischen Figuren, die man normalerweise nicht im Jazz hört).

Zuletzt veröffentlichte SPR „None But a Pure Heart Can Sing“ von SO HIDEOUS.

„None But a Pure Heart Can Sing“ ist orchestrale Musik. Post-Metal-Elemente, großartiges Riffing und Ihr einfallsreiches Schlagzeugspiel verbinden sich zu symphonischen Stücken, in denen immer wieder Jazz aufblitzt. In jeder dieser Bands bist du auch als Schlagzeuger involviert. Du hast in dem Interview, das wir 2020 geführt haben, gesagt, dass die verschiedenen Arten von Musik dir helfen, verschiedene Teile deiner Persönlichkeit auszudrücken. Diese Bands/Projekte verschieben Grenzen oder überschreiten verschiedene (musikalische) Grenzen. Sie nutzen Verbindungen zwischen Metal, Jazz, symphonischen Elementen, festen Strukturen und Improvisation auf unterschiedliche Weise. Was ist der besondere Reiz oder die Herausforderung für dich: Grenzen zu verschieben oder Verbindungen herzustellen?

Es ist beides: Grenzen zu verschieben und die Norm nicht zu akzeptieren und gleichzeitig Verbindungen zwischen verschiedenen Stilen, Gefühlen, Gemeinschaften und Eindrücken herzustellen, die für mich sehr wichtig sind. Ich habe schon viele Bands, Jobangebote und Schlagzeug-Sessions abgelehnt, weil mein Herz und mein Interesse nicht dabei waren. Die Reise und die Suche nach der Wahrheit sind mir extrem wichtig, und ich werde diese Suche so lange fortsetzen, wie ich muss. Wenn ich das nicht tue und schaffe, fühle ich mich körperlich und geistig nicht mehr wohl. Die Herausforderung ist ein großer Teil meiner Identität.

Ich denke, Gleichgewicht ist alles, im Leben und in der Musik

 „Dunkelheit“ in ihren verschiedenen Formen scheint ein gemeinsames Merkmal der Musik dieser Bands zu sein. Was bedeutet die Dunkelheit oder „das Schwarze“ für dich? Für mich ist Dunkelheit einerseits Schutz, aber sie kann auch bedrohlich sein. Schwarz macht das Helle noch heller. Schwarz absorbiert Licht und Wärme besonders gut.

Ich denke, Gleichgewicht ist alles, im Leben und in der Musik. Dunkelheit, Helligkeit, Glück, Traurigkeit, usw., die Dualität all dieser Dinge kann ein Gleichgewicht schaffen. Für mich ist Dunkelheit eine ganze Menge. In der Musik halte ich es für wichtig, sich der Dunkelheit zu stellen und zu erforschen, wie sie sich anfühlt und anhört, und zu versuchen, auf sie zu reagieren. Ich habe einige meiner Lieblingsschlagzeugpassagen und -alben geschrieben, als ich am Tiefpunkt war. Die Musik war eine Flucht vor der Dunkelheit des Lebens, aber ich konnte diese Gefühle in einen endlichen künstlerischen Ausdruck schmieden, der zu bestimmten Alben wurde.

Du hast zusammen mit der Geigerin/Sängerin Lulu Black ein neues Projekt THIS IS OBLIVION ins Leben gerufen. Lulu Black hat 2021 das Album „Unrequited“ unter dem Namen „Beldame“ veröffentlicht. „Haunted“ ist ein großartiges Stück düster-alternativer Musik. Wie kam es zu eurer Zusammenarbeit?

Wir haben uns auf einem Konzert kennengelernt und schon in der ersten Nacht über Musik und Zusammenarbeit gesprochen. Dann fingen wir an, uns zu verabreden und während der Pandemie gemeinsam Musik zu schreiben und haben nie zurückgeblickt. Wir wuchsen als eine Einheit zusammen, musikalisch, spirituell und emotional.

Das Paradoxon in der Beziehung

Bitte erzähl‘ uns etwas über THIS IS OBLIVION. Wovon handelt es? Wird es Gesang geben? (Der Text von „Unrequited“ hat mich angesprochen.) Wenn ja: Worum geht es in den Texten?

Ja, die beiden Songs, die wir bereits veröffentlicht haben, haben Gesang, und das gilt auch für den Großteil des Albums. Es geht um die Natur der Verbindung, und wie Liebe gleichzeitig erschreckend und inspirierend sein kann. Und wie jeder Moment in der Zeit paradoxerweise irgendwo zwischen einem Moment des Zusammenbruchs und des Aufstiegs schwebt. In Musik und Text geht es auch darum, dass Liebe einerseits ein Anker sein kann, wenn die Welt unterzugehen scheint, und sich die Liebe andererseits selbst wie das Ende der Welt anfühlen kann.

Ihr habt einen Bereich von Beziehung und Liebe betreten, der mit Dunkelheit und Gebrochenheit zu tun hat. Eine Erfahrung, die zerstören kann. Aber sie kann eine Beziehung – sowohl eine romantische als auch eine künstlerische – tief und stark machen, wenn sich beide darauf einlassen können. Ich denke, das ist ein Thema, das wir einmal in einem anderen Gespräch vertiefen können.

Zum Schluss habe ich noch eine Frage zu DOWNFALL OF GAIA: wird es ein neues Album geben?

Ja. Wir haben es gerade angekündigt und ich habe gerade letzte Woche die Schlagzeugaufnahmen beendet. Es sieht so aus, als ob es 2023 erscheinen wird, da die ganze Welt durch die Verzögerungen bei den Rohstoffen überlastet ist.

Vielen Dank für das Interview und alles Gute für THIS IS OBLIVION und dein Label.

Some time ago Michael Kadnar answered some questions about drumming, DOWNFALL OF GAIA, jazz and other things in an interview. Today I want to talk about another part of his professional work. In 2013 he founded the label „Silent Pendulum Records“.

Each and every band on the label is family

SPR is briefly described as: „New York-based vinyl label and distro specializing in Experimental Metal and Jazz Music.“ You also wanted to release albums on vinyl that you like but have never been pressed on vinyl.
Does that tell the essentials about SPR? Or what else would you tell someone interested in SPR about the underlying concept?

It definitely started as an outlet for me to release my own bands and bands that I love on vinyl. However, it has grown into something so much more than that now. I truly believe each and every band on the label is family. And I am not interested in doing one record and never speaking to a band again. I am interested in lifelong connections and helping my friends and bands develop to their full potential. Yes, we still press one-time pressings of classic albums and/or license some of my favourite albums of all time. But as more time passes, I am slowly transitioning further into the artist development side of things. Helping our early bands release their 2nd or 3rd albums, getting certain bands on certain tour packages, and/or advising merchandising ideas to help bands achieve their full artistic vision.

The colour scheme is a continuation of the cover art

SPR releases the albums exclusively on vinyl. I like these vinyl albums. They allow for more sensory impressions than a CD. The feeling in your fingers when you take the disc out of the cover, the smell, the colours. With SPR’s vinyl records, I like the design, the colours, and the patterns. It’s fun just to look at them.
What role do these aspects play for you and within the concept?

Historically, vinyl was ‘mostly’ on black vinyl for audio quality reasons. But as the industry continues to have a boom and more pressing plants optimize their processes, the ability to create stunning visual works of art with the vinyl medium itself has become much easier and almost limitless.

I think picking the right colours, album cover, fonts, and layout (gatefold or single jacket) play a huge part in the release. Imagine getting a package in the mail or at a concert and when you get home and open the jacket, it feels nice to the touch. In our case, it is usually matte or reverse cardboard. Then you slide the record out and the colour scheme is a continuation of the cover art. All of these sensory impressions before you even hear 1 note or song. I think this entire experience is very important and leaves an important mental and emotional impression on the listener to connect with the music and all the separate components that went into creating an album.

Do bands still need a label?

In a time when it is possible to record music at home, upload it to different platforms, and make a webshop yourself: Do bands still need a label? How far or in what way can a label help to raise the profile of the musician or band so that they can stand out from the large offer?

Very good question. Major labels don’t have the power and clout they once used to. But having a record label can help in many ways. Most labels have certain connections and long-lasting business relationships that can help the bands on that label. Labels also usually have a strong social media network, which is a good place to promote a new band and get a large number of new viewers/listeners.

However, I know a lot of bands – and even some bands I play the drums for – that chose not to sign record deals and preferred to do everything themselves and maintain full artistic control over all aspects of recording and promotion. So, it’s really up to the artist and what their goals are in the end. Being an independent artist or being signed by a label both have their pros and cons.

You live in New York, a city where there seems to be an incredible amount going on in the field of music. Does this environment contribute to you being able to work with SPR the way you imagined? 

Absolutely. I prefer to have my office in the suburbs, but being in Brooklyn has allowed me to see more live music and meet more artists. Living in a post-pandemic world, most of my actual work can be done remotely and with my laptop – except for packing orders. I really look forward to building my relationships and signing more bands in the future!

All the artists I am interested in working with are extremely passionate people

I think it’s true that the bands whose music you release don’t make music for a wide audience. What is it about that appeals to you?

I find that all the artists I love and am interested in working with are extremely passionate people. I can hear it in their music, I can see it on stage every night they play, and I can feel it in the way they carry themselves as humans. For me, it will always be about the art, and the quality of humans I interact with and work with every day. My team and family continue to grow, and I couldn’t be happier with how hard my bands and employees work to make this label what it is.

Nevertheless, the releases cover a wide spectrum: experimental jazz, mathcore, post-metal, black metal, and a special kind of symphonic metal.

What criteria do you use to select the bands you release?

First and foremost, the music has to be great. It has to be well recorded, and the vision has to be there. That’s only step one. Being active in the local scene or touring is a huge plus. A good social media presence and a history of working hard are important to me. Lastly, I have to like the people. After all these years, I think I have a pretty good gauge on humans, and I always meet bands in person first or video chat them to meet face to face and get a feel for who they really are.

Different types of music can help to express different parts of the personality

Among others, the following bands/projects particularly caught my attention:

BLACK TABLE: (experimental metal with a very special extra-terrestrial sounding voice),

THE NUMBER 12 LOOKS LIKE YOU (dark, dystopian progressive metal) and

MORTET (a jazz album with rhythms and melodic figures not usually heard in jazz).

Most recently, SPR released „None But a Pure Heart Can Sing“ by SO HIDEOUS.

“None But a Pure Heart Can Sing” is orchestral music. Post-metal elements, great riffing and your imaginative drumming combine to form symphonic pieces in which jazz flashes up again and again.

In each of these bands, you are also involved as a drummer. You said in the interview we did in 2020 that the different types of music help you to express different parts of your personality.  These bands/projects push boundaries or cross different (musical) borders. They use connections between metal, jazz, symphonic elements, fixed structures and improvisation in different ways. What is the special attraction or challenge for you: pushing boundaries or making connections?

It’s both, pushing boundaries and not accepting the norm while making connections between different styles, feelings, communities, and impressions that are very important to me. I’ve turned down a lot of bands, job offers, and session drum work because my heart and interest weren’t there. The journey and the search for truth are extremely important to me, and I will continue this pursuit as long as I have to. If I don’t create and do this I begin to physically and mentally not feel well, this “challenge” is a huge part of who I identify as.

I think balance is everything, in life and music

„Darkness“ in its various forms seems to be a common feature shared by the music of these bands.
What does darkness or „the black“ mean to you? (For me, darkness is protection on the one hand, but it can also be threatening. Black makes the bright even brighter. Black absorbs light and warmth particularly well …)

I think balance is everything, in life and music. Darkness, brightness, happiness, sadness, etc, the duality of all these things can bring balance. For me, darkness is a lot of things. In music, I think it’s important to confront the darkness and explore how it feels and sounds, and try to react to it. I’ve written some of my favourite drum parts and albums when I was at my lowest. Music was an escape from the darkness of life, but I was able to forge these feelings into a finite artistic expression that became particular albums.

You have launched a new project THIS IS OBLIVION together with violinist/vocalist  Lulu Black. Lulu Black released the album „Unrequited“ in 2021 under the name „Beldame“. „Haunted“ is a great piece of dark – alternative music. 
How did your collaboration come about?

We met at a concert and even talked about music and collaborating that first night. We began dating as well as writing music together during the pandemic and never looked back. Growing together as one entity, musically, spiritually, and emotionally.

The paradox in the relationship

Please tell us something about THIS IS OBLIVION. What is it about? Will there be vocals? I was attracted by the lyrics of „Unrequited“. If yes: what are the lyrics about?

Yes, the two songs we released already have vocals, and so does most of the album. It is about the nature of the connection, and how love can be terrifying and inspiring all at once. And how every moment in time is paradoxically suspended somewhere between a moment of collapse and ascendance. Music and lyrics are also about how love can be an anchor when the world seems to be ending and love itself can feel like the end of the world.

You have entered an area of relationship and love that has to do with darkness and brokenness. An experience that can destroy. But it can make a relationship – both romantic and artistic – deep and strong if both can commit to it. I think this is a topic we can explore in more depth in another conversation.

Finally, I have a question about  DOWNFALL OF GAIA: there will be a new album?

Yes. We just announced it and I just finished recording drums last week. Looking like a 2023 release date since the entire world is backed up by raw material delays.

Thank you for the interview and all the best for THIS IS OBLIVION and your label.

THIS IS OBLIVION – das sind Michael Kadnar (Drummer u.a. bei DOWNFALL OF GAIA) und Lulu Black (Violine und Gesang bei BELDAME)

Eine visuelle Erzählung über Verfolgung, Zerstörung und Transformation

Als erste Singleauskopplung wurde „The Truth“ mit einem Video veröffentlicht. Das Video ist düster und geheimnisvoll. Und die Musik von „The Truth“ ist mit einer Verbindung aus Industrial – Klängen und Doom Metal – Elementen dunkel und bedrückend und darin kraftvoll und dennoch harmonisch. Daraus ist ein spannender Song entstanden, der dunkle und lichte Passagen vereint.

Michael Kadnar ist als Drummer grundsätzlich im Metal beheimatet. Aber er lässt dabei Elemente aus Jazz und Funk einfließen. Diese Offenheit für unterschiedliche musikalische Elemente prägt sein Drumming bei Bands wie SO HIDEOUS, THE NUMBER TWELVE LOOKS LIKE YOU und BLACK TABLE.

Auch Lulu Blacks hat durch ihre langjährigen Erfahrungen mit verschiedensten Musikgenres einen unverkennbaren Stil entwickelt. So fließen nicht nur Erfahrungen aus dem klassischen Bereich ein, sondern auch Doom, Darkwave und Industrial. So zu hören auf dem Album „Unrequitted“ von BELDAME. 

Eine manchmal rohe, manchmal verletzliche Beziehung

Lulu Black und Michael Kadnar sind nicht nur durch THIS IS OBLIVION verbunden, sondern auch in einer Beziehung. Dies ist sicher eine besondere Herausforderung – sowohl in der Beziehung als auch in der künstlerischen Zusammenarbeit.

Lulu Black sagt dazu:

Eine Beziehung, die sich dann zu einer künstlerischen Zusammenarbeit entwickelt, kann sehr positiv sein, aber manchmal auch sehr roh und verletzlich.

Diese Anteile werden auch im Video deutlich. Einerseits gibt es zarte Momente und Klänge, dann aber auch Dunkelheit und Zerstörung.

Das Video entstand unter Regie von Brendan McGowan. Mit ihm hat Michael Kadnar bereits an Musikvideos für dessen Bands BLACK TABLE und SO HIDEOUS zusammengearbeitet.

I will ruin you / I will run to you / I want you to ruin me / I want you to run from me.

Das Konzept, das dem Debutalbum zugrunde liegt, beschreibt Lulu Black folgendermaßen:

„Es ist eine Erkundung der zyklischen Natur der Verbindung; wie jeder Moment in der Zeit paradoxerweise irgendwo zwischen einem Moment des Zusammenbruchs und des Aufstiegs schwebt; wie die Liebe ein Anker sein kann, wenn die Welt zu enden scheint, und wie sich die Liebe selbst wie das Ende der Welt anfühlen kann.“

Diese paradoxe Verbindung wird nicht nur im Video sichtbar, sondern kommt auch im Text zum Ausdruck. (Also beim Anschauen des Videos auch auf den Text achten.)

Das Album wird von Michael Kadnars eigenem Label Silent Pendulum Records veröffentlich.

Über die Entstehung und Entwicklung des Labels, die Auswahl der Bands sowie über THIS IS OBLIVION habe ich mich vor kurzem mit ihm unterhalten. Das Interview könnt ihr in der nächsten Woche hier auf metal-heads.de lesen.

How it started

You started playing the drums when you were in Junior High School. That’s quite late for a drummer, right? What made you want to play the drums?
I actually started playing percussion in middle school, and then moved to the drumset in Junior High School. This is around the time I fell in love with the instrument and knew I wanted to pursue it more seriously. I don’t think age really matters for instruments, but starting earlier definitely helps. As long as a person is dedicated and motivated, I think they can achieve anything they desire.

What fascinated you about the instrument and what was fun about playing the drums? Are you still feeling the same way about that?
I wanted to play drums because of how physical, primal, and emotional the instrument could be. Using all four limbs and hitting something to create sound and music was very interesting to me when I began drumming. I still feel the same way now, however, my passion and emotional connection to the instrument continues to grow deeper every year.

Did you take lessons right after you made the decision to learn how to drum? Did you have a drummer you looked up to during that time or someone that inspired you greatly?
I gradually took more lessons as my interest in drumming grew. I had a local drum teacher who helped me get the basics and encouraged me to play along to my favorite songs. Once I started studying jazz at the university level, I started to contact my favorite drummers for lessons including Mark Guiliana, Dafnis Prieto, and Matt Halpern. I look up to a lot of drummers (too many to write out), especially all the drummers who toured with me/encouraged me to keep going with music.

„ You need to work very hard to achieve your goals“

When did you start thinking about making drumming more than a hobby?
I started thinking of drumming more than a hobby when I was 18 and decided to go to university to study jazz drumming and performance. The next 5 years of university helped me develop the skills and mindset to make career out of music.

How did you imagine being a professional musician would be like when you just started out? How did that change over time?
At first, I imagined being a professional musician would be easy since it would be a career doing something that I love. As I got more involved, I still found music as a career very enjoyable, however thinking it is easy was not the right mindset. Just like any career or job, you need to work very hard to achieve your goals.

Do you think there is a big difference between being a drummer or being something like a singer or guitarist?
I don’t think there is a big difference. I think every skill requires many hours of practice and dedication.

You started out playing in metal bands, but you majored in jazz performance. Why did you make that choice? How did you get in contact with jazz music?
My first instructor was a rock drummer who had a jazz background. He delicately introduced me to jazz at a young age by suggesting albums and artists that he thought I would like. I then majored in jazz performance to help diversify my knowledge and playing ability.

Every project requires different sounds and colors

I read that Mark Guiliana is your favourite drummer. What do you like about him? How did he influence you?
Mark Guiliana is definitely one of my favorite drummers, and a huge influence on how I play and interpret music. I discovered Mark by reading a drum publication that covered one of his first projects HEERNT the song „Locked in a Basement” immediately interested me because of its unorthodox use of a typewriter rhythm in the main rhythm of the song. Mark continues to explore unique sounds and grooves with his drumming, while maintaining absolute musicianship and playing what the song needs.

After which criteria do you assemble your drum set? Do you do that differently, depending on whether you play jazz or metal?

What role does the equipment play in general?
Every project I am involved in requires different sounds and colors in order for me to express myself and serve the music correctly. I absolutely use different cymbals for different styles of music (Metal or jazz) and I also use different cymbals, snares, and drum set ups for my different metal projects. For example, in DOWNFALL OF GAIA I use a very minimalistic drum set up (4 cymbals and two toms) and in THE NUMBER 12 LOOKS LIKE YOU I use 8-10 cymbals and two snares.

Powerful and energetic drumming

So far, I’ve only seen you play with DOWNFALL OF GAIA. To me as a listener you stand out with your powerful and energetic drumming, in which you put a lot of energy, as well as playing complex patterns. It looks like hard work. Is (metal) drumming hard work, or – to quote a fellow German drummer – “Leistungssport” (a German word for high performing sports)?
Thank you very much for the kind words. I think viewing music or metal drumming as „hard physical work” or „high performing sports” is missing the point of why we play music. I HAVE to play hard and physically in my bands, otherwise the purpose and feeling of the songs wouldn’t be the same for me or for the listener. And I believe metal „can” be physical and is definitely physically demanding if you want to be proficient in the style and be able to play 60-90 minute sets live.

Do you give attention to the audience, when you play?
I don’t really look at the audience that frequently when I play. I usually get completely lost in my world behind the drum set. However, it does help the atmosphere when the audience is energetic and engaging.

MORTET – another concept

In one of your bands MORTET, you are utilizing figures, rudiments and rhythmic patterns one would not expect from a jazz album. What are the similarities and differences between metal and jazz drumming?
Thank you for listening and realizing this concept. This has been a goal of mine since I started playing drums professionally. I have always wanted to blend styles and concepts across genre lines. I think there is a certain level of virtuosity that is needed to play metal or jazz. Both styles need some technical and academic ability to sound authentic. However, the biggest difference between the two styles is that jazz is a heavily improvised music while metal usually has a predetermined structure. I’ve always tried to marry these dramatically different concepts in both metal and jazz, leaving room to improvise in my metal bands, and trying to be more polyrhythmic and structured in my improvised jazz playing.

What would you say is the characteristic of your drumming style? In other words: How does one know that it’s you behind the drum set?
I think your earlier observation in this interview is pretty accurate. I would like my drumming to be characterized as powerful, energetic and emotional while maintaining precision and intent.

Silent Pendulum Records

In 2013 you started your own label Silent Pendulum Records, that you devoted to experimental metal and jazz. What kind of vision and intention do you have for the label? Are there different target groups, or do they overlap?
My initial vision for Silent Pendulum Records was to press albums on vinyl that I loved that have either never been pressed on vinyl before, or were too difficult to get on vinyl because their demand was higher than the supply. This vision is still very strong and in place, however it has also evolved into pressing vinyl for up and coming bands as well. Aside from pressing most of my personal projects on vinyl with SPR, I also discovered bands like POUND and STEAKSAUCE MOUSTACHE while on tour and was completely blown away. I am happy to say these bands have become close friends and it’s a pleasure being able to support and promote bands that I truly love.
As for target groups, my audience with my label and my bands has always been niche oriented. We are always trying to grow and expand, but we always want to stay true to our cause and original supporters.

By which criteria do you choose the bands/music for the label?
I have to really love the music and the band has to have a really good live show. I also like for my bands to be touring heavily and pushing their sound to as many new audiences as possible.

Why did you decide to release the albums on vinyl?
With the music industry changing and adapting to a more stream based platform, I think it’s very important to still pay tribute to the experience of listening to music. Even with amazing technological progress, the activity of opening, holding, touching, smelling, and playing a vinyl record will never be replaced. Music fans (myself included) still purchase and listen to vinyl records for these reasons, even though streaming an album is quicker, cheaper, and more convenient.

The different kinds of music I play help me express different parts of myself

Beside DOWNFALL OF GAIA and MORTET, you are also the drummer of THE NUMBER TWELVE LOOKS LIKE YOU, BLACK TABLE and BRANNTHORDE. That’s a huge spectrum from experimental jazz over post metal and math core to black metal.
Multiple bands, different genres; Do you need the variation, so you don’t get bored, or do the different kinds of music help you to express different parts of yourself?
The different kinds of music I play help me express different parts of myself. Each band has a special place in my heart, and allows me to express and communicate different emotions through music.

Rehearsal and song-writing about a long distance

DOWNFALL OF GAIA are based in Germany. How did you become a part of that?
I met DOWNFALL OF GAIA while playing drums in BLACK TABLE about 7 years ago (2013) during a USA tour we did. We became close friends after the 30 day tour and stayed in touch. Their drummer ended up leaving the band after the next tour and a drummer slot opened up. DOWNFALL OF GAIA couldn’t find a permanent drummer in Germany at the time, and after a few emails, they offered me the drum chair.

And, how do you rehearse your music?
I learned all the songs at home and practiced on my own for a couple months. Then we met in person and played the set a few times and began the first tour. This process of learning and practice is still how we operate today. I live in New York and the other three members still live in Germany.

Do you take part in the process of song-writing?
Yes. I’ll usually send files back and forth with Dominik from DOWNFALL OF GAIA until we are happy with a basic form. Then we bring the songs to the entire band and add/delete parts and talk over how we want the song to develop.

Communication is everything

You are part of multiple bands, with which you also tour. You have a label and if I recall correctly you also give lessons. How do you manage all of that at once?
Communication is everything. I try to book tours and obligations 4-8 months in advance and keep an open dialogue with all of my bands about what we want to do. I do give private lessons via skype. So far everything has been running smoothly and I look forward to building my bands and touring/recording/teaching as much as possible this year.

Do you have your own methods for teaching?
Yes. I like to mix traditional academia with modern musical approaches and concepts. If you want more info, contact me for a lesson
Yeah, I will come back to this next time you are in Germany!

How important do you think is practice? How often do you practice? Especially in metal, it’s quite common to see fast drumming. Which role do fast patterns have in your style of drumming?
I think practice is very important and I think the pursuit of knowledge is even more important. When you pursue music and become a student of music, you should be a student for life. There is so much to learn and discover from different music styles and cultures. Recently I’ve been studying a lot of Latin and Cuban percussion patterns.
I practice every day. Some days it’s for a few hours, some days it’s only theoretical practice such as transcribing a song (the process of writing out a song on paper to learn/play it later). I keep my speed and song repertoire tight and rehearse it before tours/recording. I’m always working on playing faster/cleaner on the drums, while challenging my mind to learn new patterns/concepts.

Venues, favourite songs and experimenting

You toured  through Europe together with DOWNFALL OF GAIA. Do you prefer to play in small clubs or big venues?
I love playing in every size venue and they all have their own benefits. Small clubs allow you to really experience the crowd and energy up close and personal. While big venues usually have better music equipment and amenities.

Is there a favourite song from one of your bands?
Probably „Garden’s All Nighters” or „Atrophy”. It’s hard to say, I like them all.

Recently you shared a video by Julian Sartorius & ET|ET. They are experimenting with paradiddle, for example in the song “RLLRLRLLRRLRLRLRLLRLRLR”. How important is experimenting to you?
That’s a great video. Experimenting is a huge part of my playing and musical experience. For example, we are currently in the Covid crisis, and I’m experimenting with Logic Pro (the recording software) to write drum beats and program sounds on a computer instead of a drum set. This is opening an entire new chapter in my drumming journey. I hope to share it with the world soon.

I would have even more questions, but that’s enough for this time. Is there something that you want to tell our readers?
Thank you for reading and thank you Birgit for the thoughtful and thorough interview. I’ve been working on a lot of new projects and will be launching them throughout 2020! I also have a new Youtube page that has all my up to date content. Stay safe and see you all at a concert soon! 

Wenn ihr mehr von Michael Kadnar und seinen Bands sehen und hören wollt, dann schaut und hört doch mal hier rein:
YouTube: https://www.youtube.com/channel/UCbv1-RhEp-AvrAtK4ruMgvQ/featured
Facebook: https://www.facebook.com/michael.kadnar.5
Instagram: https://www.instagram.com/mkadnar/

Endlich war der Wacken 2019 – Freitag gekommen….was das Lineup betraf, standen meine persönlichen Highlights auf dem Programm. Eigentlich wollte ich schon zu Jinjer auf dem Platz sein, aber 11 Uhr war dann doch etwas zu zeitig. Um 11.50 Uhr standen dann Downfall of Gaia auf dem Programm. Das aktuelle Album habe ich hier ziemlich abgefeiert KLICK. Ihren Auftritt mit Mantar bei uns in der Ecke hatte ich aus Termingründen verpasst. Es gab also was nachzuholen und so machte ich mich alleine gegen 11.30 Uhr auf Richtung Headbangers Stage. Der Rest war anscheinend noch nicht in Musik Laune. Bah, war das ätzend schwül an dem Morgen…dann bin ich noch im Stechschritt gelaufen, um pünktlich zu sein…war nicht so schön, die ersten 20min, da die Bühne auch noch in einem Zelt war, wo das mit der Luftzirkulation nicht so richtig geil funktioniert hat

Downfall of Gaia

Egal, nach einer etwas längeren Akklimatisierungsphase hatte ich mich eingewöhnt und war bereit für geile Musik. Der Platz vor der Headbangers Stage war noch beängstigend leer, ich hatte schon etwas Bedenken, dass das für die Musiker richtig Kacke wird. So auf ein quasi nicht vorhandenes Publikum zu schauen, ist als Musiker vermutlich ziemlich ätzend.  Aber 5 Minuten später war es plötzlich gut gefüllt, als hätte man einen Knopf gedrückt…und es wurde noch voller mit der Zeit. Gute 40 Minuten Spielzeit standen auf dem Programm. Ich hatte irgendwie gehofft, das sie das komplette neue Album spielen. 4 Songs daraus sind es am Ende geworden…und genau mein Lieblingslied „As our Bones break to the Dance“ mal wieder nicht. Ich hab mit sowas immer Glück. Liegt an meiner Vorliebe für die hinteren Lieder auf den CDs Wo wir gerade dabei sind, hier ein schönes Drum Playthrough von Schlagzeuger Michael Kadnar zu dem Track.

https://youtu.be/am6vlxeCIGc

Das Publikum war vom Auftritt begeistert. Der Sound war absolut top, die Musiker gut drauf, die Kombination mit den 2 Sängern ist nur geil…ein totales live Erlebnis. Wie schon vom Album war ich auch live total geflasht von der Band…komplett weggebrettert. Als Michael Kadnar beim letzten Song sich anschickte, sein Drum Set zu zertrommeln (man hat der da drauf gehauen), war es endgültig um mich geschehen. 1a mit Sternchen und Zucker oben drauf. Das schwüle Klima, das verschwitzte Shirt…war alles vergessen. Kennt ihr das, wenn euch beim Musik hören so eine Art Glücksgefühl überkommt? So ging mir das da…ich könnte jetzt noch nen Tränchen der Freude verdrücken…schluchz.

Die kack Dachluke

Das doofe (oder wohl eher das gute) war, das mir irgendwann was einfiel…ich hatte die Dachluke vom Wohnmobil aufgelassen. Was mindestens genau so doof war…der Amp von Tobbe (Bassist von Night in Gales) stand genau dadrunter, es war Regen angesagt, ich hatte die Tür abgeschlossen und den Schlüssel in der Hosentasche. Äh ja. Also zurück zum Shuttle Bus gelatscht und mich wieder zum Artist Camping fahren lassen…komme an unserem Camp an und das erste was ich höre…“Eh du Sack bist mit dem Schlüssel abgehauen, wir haben keine kalten Getränke“. Huch, sooorry

Abbruch, Abbruch…

Eigentlich wollte ich mich wieder auf den Weg machen, denn um 14.40 Uhr sollte die zweite Band spielen, die ich neben Downfall of Gaia unbedingt sehen wollte…Nailed to Obscurity. Da war ich ebenfalls terminlich verhindert, als die mal in der Nähe gespielt haben. Von daher war der Auftritt für mich Pflicht. Außerdem habe ich mit Sänger Raimund mal so ein richtig nettes Interview geführt. Wenn Du das nochmal lesen magst, dann KLICK. Dazu habe ich vor allem ihr vorletztes Album total abgefeiert und höre es immer noch sehr gerne…das Review findest Du hier KLICK. Raimund ist mir im Artist Village noch vor die Füße gelaufen und ich hab ihm ein wenig Equipment tragen geholfen…super netter Kerl, hat mich gefreut, dass wir uns endlich mal kennen gelernt haben. Aber noch bevor ich zum Gig aufbrechen konnte, gab es eine Unwetter Warnung und das Gelände wurde, wie schon am Mittwoch, evakuiert.

I’m singing in the Rain…

Also bisher hatten wir ja wirklich sehr viel Glück mit dem Wacken Wetter. Meine extra angeschafften Gummistiefel waren daher noch unbenutzt. Endlich zahlte sich auch der Pavillon noch mehr aus. Diente er bisher „nur“ als Sonnenschutz, so trotzte er nun dem Regen und bot uns einen trockenen Sitzplatz. Nach einem recht kurzen Regenguss von vielleicht 30 Minuten war alles schon wieder vorbei. Dadurch war nun aber der komplette Spielplan durcheinander. Irgendwann kam das „OK“ über die Wacken App, die Shows sollten weiter gehen. Nailed to Obscurity hatte man zeitlich deutlich nach hinten und auf die Beergardenstage verlegt…auch ok, da war ich bisher noch nicht. Vorher stand aber noch was ganz anderes auf dem Programm…Body Count in da House!

Der Krachmucker

Wir wollten dann irgendwann alle Richtung Festivalgelände und stellten uns an der Haltestelle für den Shuttlebus an. Ich drehte mich um und da stand der Ernie von Krachmucker.tv hinter mir. Wer seinen Youtube Channel noch nicht kennt, KLICK. Jedenfalls habe ich mich dann umgewandt, höflich vorgestellt und wir haben uns bis zur Busankunft sehr nett unterhalten. Ernie, du alter Lauser…bist echt nen richtig guter Typ…ich hoffe, dass sich unsere Wege nochmal kreuzen werden

Body Count

Endlich zurück im Infield und Ice-T stand schon mit seiner Band auf der Bühne. Ich denke, die Gruppe wird gespaltene Meinungen bei den Zuschauern hinterlassen haben. Um es vorweg zu nehmen…ich fand sie gut. Habe da allerdings auch persönlichen Bezug zu…die erste Body Count Scheibe war halt Kult damals, so mit 14 oder 15. Das wurde rauf und runter gehört. Ice-T hatte richtig Bock, es wurde ein wenig Slayer gecovert und Copkiller gespielt. Sogar „Disorder“ vom damaligen Soundtrack zum Film „Judgement Night“ gab es zu hören. Dazu dann einige ausschweifende Ansagen.  Auf der Suche nach dem jüngsten Fan hat „Uncle Ice“ dann noch einen 10-jährigen Jungen aus dem Publikum adoptiert, den er zuerst für ein Mädchen hielt. Ich habe es als passend und brauchbar empfunden. War schön, die Band mal live gesehen zu haben.

Anthrax oder Nailed to Obscurity

Nach Body Count, kam es zur großen Entscheidung. Anthrax und NTO spielten zeitgleich…alle aus der Gruppe wollten Anthrax schauen. Und weil „alle“, zumindest in dieser Hinsicht, leider keine Ahnung hatten, bin ich nach 10min Anthrax alleine zur Beergarden Stage gewandert, um mir endlich Nailed to Obscurity zu geben Und was soll ich sagen? Alles richtig gemacht, Moldi. Grandios. Raimund live mit einer mega Stimme und ich muss den Tontechniker nochmal loben, was der für einen Sound zusammengezaubert hat. Einfach nur genial. Man was haben die mir Spaß gemacht, richtig geil. Festival quasi fertig…viel besser konnte es für mich nach Downfall of Gaia und NTO nicht mehr werden…fehlten nur noch Night in Gales am Samstag

Lost in the Holy Ground

Durch die Trennung von meiner Gruppe bestand quasi keine Chance mehr, diese nach meinem Ausflug zum Biergarten wieder zu finden. Diverse Anrufversuche blieben erfolglos. Also bin ich irgendwann ins Artist Village gelaufen, in der Hoffnung, da jemanden von meinem Trüppchen aufgabeln zu können. Als ich so da rein latschte, sah ich am ersten Stehtisch nen Typen stehen…man den kennst Du doch? Michael Kadnar, der Drummer von Downfall of Gaia. Ok, ich weiß…man macht so nen Kack im Artist Bereich ja eigentlich nicht, aber ich dachte in dem Moment…“vielleicht hat der ja gleich mal Bock auf nen Selfie“? Also lief ich zu dem Tisch und die waren alle am Quatschen, ich wollte nicht unfreundlich sein und dazwischen reden…also stand ich da so rum, die Sekunden wurden immer länger, ich kam mir langsam vor wie ein Idiot. Plötzlich drehten sich 2 Leute zu mir um und guckten mich erwartungsvoll an…äh ja, plötzlich war ich im Fokus und irgendwas musste ich sagen. Ich kam mir also reichlich dämlich vor, wie ich da so stand und dachte, mit dem Selfie Quatsch fängst Du jetzt nicht an. Das gibt direkt ne Kelle.

Kelle oder Gespräch?

Also habe ich angefangen, über den Gig zu quatschen und es stellte sich schnell raus, das passenderweise die komplette Band an dem Tisch stand. Ja und dann kamen wir so richtig ins Sprechen, ich bekam ein Bier angeboten und fühlte mich so gar nicht mehr als Störenfried. Anfangs noch etwas wackelig mit leicht rostigem Englisch unterwegs, wurde das mit der Zeit immer besser. Dann bekam ich irgendwann natürlich auch mein Foto…und wer sich jetzt fragt, wer da wer ist…also der gut aussehende Typ bin nicht ich

Wir redeten und tranken und irgendwann meinte Michael dann zu mir „Let’s watch some Cradle“. Ok, ich dachte, wir gehen dann irgendwo in die Menge…aber nein, er meinte Backstage zur Bühne. Wir standen dann da, ich fühlte mich etwas deplaziert, neben Cradle of Filth an der Bühne zu stehen…aber solange uns keiner raus werfen wollte, passte das schon

Nach ein paar Minuten zogen wir wieder ab, gen Artist Village, um weitere Biere zu leeren. Irgendwann kam die Frage, ob ich Lust auf Meshuggah hätte.  Na logisch hatte ich, die standen sowieso auf meinem Plan. Also kämpften wir uns durchs Infield zur Louder Bühne, tranken weiter Bier und genossen Meshuggah. Ein wirklich solider Auftritt der Kombo, hat Spaß gemacht. Leider musste Michael mit der Band danach abreisen…für mich jedenfalls ein absolut cooles Erlebnis. Sehr nette Jungs, die Downfall of Gaia Leute, auch mit Sänger und Bassist Anton hatte ich mich noch länger unterhalten.

Ausklang des Abends mit ein wenig Slayer

Etwas angeschlagen von der ein oder anderen Dose Becks Bier habe ich mir dann Slayer gegeben. Ich hab geteilte Meinungen gelesen…für mich waren Auftritt und Sound ok. Es war glaube ich das letzte Open Air für Slayer in Europa, oder hab ich das falsch im Kopf? Nach Slayer war ich eigentlich noch scharf auf Opeth. Deren ersten 2 Songs waren aber dermaßen dudelig, das ich etwas entnervt abgehauen bin. War ja auch schon spät genug, der Tag voller Ereignisse und einer sollte ja noch folgen

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