In 2024 gab es nicht nur tolle, großartige, interessante abwechslungsreiche Alben (über die Qual der Wahl und die Alben die ich letztlich ausgewählt habe), sondern auch sonst noch Neues und Neuigkeiten, viele erlebnisreiche Ereignisse und interessante Gespräche.

Die Konzerte

KALANDRA und LiLi Refrain in Köln: ein Konzert, das noch lange nachgeklungen hat

KALANDRA haben im September das Album „A Frame of Mind“ herausgebracht (review) und sind im Herbst auf eine Tour mit 30 Shows gegangen. Der Tourauftakt war in Köln. Dort haben sie mit 15 Songs ein langes Set gespielt, das nie an Spannung nachließ. KALANDRAs Musik ist Rock auf orchestraler Basis, der von nordischem Folk durchzogen ist. Die Texte handeln von aktuellen, aber auch grundsätzlichen Themen. So geht es z.B. um Überlegungen zum Zustand der Welt („The State of the World“) oder wie wichtig es ist, jemanden zu haben, mit dem man reden und etwas teilen kann („Ensom“).Mich hat sehr gefreut, dass sie auch „Bardaginn“ meinen Lieblingssong vom neuen Album gespielt haben. Es ist ein Nordic-Folk-Song, der unglaublich dicht, kraftvoll und dynamisch ist. Voll mit tollen Leads, großartigem Drumming und schweren Riffs.

Den Anfang machte an diesem Abend LiLi Refrain, eine Künstlerin, deren psychedelisch-rockige Folk-Metal-Musik ich sehr schätze. Sie verwendet auch bei ihren Bühnen-Shows ausschließlich Real-Time-Loops, ohne vorher aufgenommene Passagen. So entstehen die Songs in den Shows immer wieder neu. Mit Klängen, die ineinander übergehen und nach und nach poetische, unheimliche und komplexe Strukturen entstehen lassen. Und diese Strukturen durchdringt LiLis sirenenhafter, lyrischer Gesang.

MÚR: kraftvoll bis verspielt – und immer voller Enthusiasmus

Im November waren MÚR in Köln (als Support für WHEEL). MÚR sind eine isländische Band, die die isländische Wacken Metal Battle (2022) gewonnen haben und gerade erste ihr Debüt-Album „Múr“ herausgebracht hatten. (review)
Die Bühne war in rotes Licht getaucht, wabernde Klänge eröffneten den Song „Heimsslit“ und füllten schnell den ganzen Raum. Es entstand ein Eindruck von Leere, die gleichzeitig eine Sogwirkung hat. Dumpfe Bassklänge, doomiges Riffing und infernalische Vocals schaffen eine dystopische Atmosphäre.  Die donnernden Drums bauen zusammen mit harten Riffs eine Soundwand auf, die immer konkreter und massiver wird. Bis wieder wundschöne sphärische Klänge überwiegen, die dann aber in ein trostloses und dennoch gewaltiges Finale münden. Ich fand es mutig, dass sie ihr Set mit einem 10-minütigen Song begonnen haben. Doch der begeisterte Applaus zeigte, dass sie das Publikum von Anfang an mitnehmen konnten. Auch der Rest des Sets war eine großartige Wanderung zwischen roher Energie und verspielten Klängen, hämmernden djentigen Strukturen und abgefahrenen Rhythmen.

Interviews

Das waren einige spannende, lange, anregende und informative Gespräche mit engagierten,interessanten und angenehmen Gesprächspartnern.

Kimmo Kuusniemi: über Nachhaltigkeit, Überraschungen und persönlichem Ausdruck statt Perfektion

Das Jahr begann mit dem Interview mit Kimmo Kuusniemi, den einige von euch wahrscheinlich durch seine Band SACROFAGUS kennen. Anlass für das Interview war sein Projekt ANCIENT STREAMING ASSEMBLY, einem Cross-Arts Projekt, das er zusammen mit Tuomas Rounakari (KORPIKLAANI, Shamanviolin) auf den Weg gebracht hat. Es ist ein intermediales Projekt, das sich im weiten Sinne mit Umweltschutz beschäftigt. Wir haben uns lange unterhalten: über das Verhältnis des Menschen zur Umwelt und dem sich daraus ergebenden Umgang mit ihr, den Möglichkeiten von Film und Musik als Medium von Dokumentation, Information, Anregung und Herausforderung zum Nachdenken. Es ging auch um Dystopien, digitale Möglichkeiten und um die Möglichkeiten des Einzelnen, Einfluss zu nehmen, sowie die Untätigkeit von Verantwortlichen, die Veränderungen in der Umwelt anzuhalten.  
Und auch um Musiker wie Tuomas Rounakari, Steve di Georgio und Esa Kotilainen, die in der einen oder anderen Weise an ASA beteiligt sind.

Kimmo hat davon erzählt, dass er bereits in den 1980er Jahren Filme zum Umweltthema gemacht hat. Z.B. 1991 mit „Dream On“ ein Musikvideo als Warnung vor einer Umweltkrise, die heute Realität geworden ist. Aber die Menschheit hat nicht schnell gehandelt, sondern ist eher untätig geblieben. Er ist der Ansicht, dass wir am Rande des ökologischen Zusammenbruchs stehen, dass ständiges Wachstum nicht möglich ist und wir (zumindest in unseren Umgebungen) genug haben.

Wir sollten lernen, mit dem zufrieden zu sein, was wir haben. … Ich glaube, dass wir unsere auf Wachstum basierende Wirtschaft in eine nachhaltige umwandeln können, wenn wir alle wollen, dass sich etwas ändert.

Auch über Abwechslung, Überraschung und Perfektionismus gerade in der Musik haben wir gesprochen. Kimmo meint, dass Überraschungen wichtig sind, weil sich sonst nichts verändern kann.

Überraschungen und Abwechslungen sind wichtig, weil sich sonst nichts verändern kann. Für mich ist es langweilig, immer wieder die gleiche Musik zu machen, die gleichen Dinge zu tun. Wenn ich ein Solo spiele, ist es jedes Mal anders. Weil ich in diesem Moment nicht plane, was ich spiele, sondern einfach spiele. Zuletzt ist vieles in der Musik so technisch geworden und damit in gewisser Weise limitiert. Wenn die Fertigkeiten, das Perfekte im Vordergrund stehen und nicht der eigene Ausdruck.

Der Gedanke, dass Perfektion auch begrenzen kann, hat mir im Verlauf des Jahres auf unterschiedliche Situationen einen anderen Blick vermittelt.

ROCKET MEN: Musik, die nach Weltraum klingt

Das neue Album von ROCKET MEN „The Orbiter Sessions“, habe ich zum Anlass genommen, mich mit Philipp Püschel (Trompete) und Felix Dehmel (Schlagzeug) über das Album und den Entstehungsprozess, Storytelling, Weltraum, Veränderungen beim Publikum und über kommende Events zu unterhalten. (interview)
Nachdem geklärt war, dass sie sich nicht über Tinder, sondern durch die Musikschule kennengelernt hatten und wie sie zu ihrem Bandnamen gekommen sind, haben sie davon erzählt, dass zunächst die Musik da war und dann das Thema ‚Weltraum‘.

Aber es war nicht so, dass wir von Anfang an gesagt haben: wir wollen was mit Weltall machen. Sondern es war eher so: wir haben Musik geschrieben, die klang cool und irgendwie nach Weltraum.

Felix Dehmel

Die Musik, die wir schreiben und spielen, hat immer etwas von Weite und Ferne so dass es nach Weltraum klingt. Ich kann gar nicht beschreiben, welche Faktoren es sind, die das ausmachen, aber da wir viel Synthesizer und Keyboard in der Band haben, hat man viele Delays, viel Spielzeug, viel Space.

Philipp Püschel

Damit wird schon gut beschrieben, wie die Musik klingt. Aber auch die Geschichte, das Storytelling ist ihnen wichtig. Da sie ohne Lyrics auskommen, drücken sie dies durch den Titel und die Musik aus und lassen auf diese Weise intensive Bilder entstehen.
Für mich ist ‚der ROCKET MEN – Sound‘ die Ausgewogenheit zwischen Trompete, Saxophon, Schlagzeug und den Keyboards und Synthesizern sowie der Groove, die ‚Tanzbarkeit‘.
Oder wie Felix so passend sagt: „Aber ich glaube, bei uns spielt das authentische Element eine große Rolle und das Beat-Element. Man kann die Musik fühlen, als Groove, als Beat und man kann sich dazu bewegen.“
Also hört mal rein in das Album! Das Interview könnt ihr hier lesen.

Lindy-Fay Hella: Stimme, Sythesizer und dies Suche nach Unbekanntem

Ein Interview, auf das ich mich gefreut hatte, ist das mi tLindy-Fay Hella. Vielleicht kennt ihr sie als Sängerin bei WARDRUNA. Diesmal ging es aber um ihre andere Formation: Lindy-Fay Hella & Dei Farne und das Album „Islet“.(review)
Sie hat mir erzählt, welche Rolle DEPECHE MODE und insbesondere das Album „Black Celebration“ für sie gespielt hat und was sie an Synthesizern so fasziniert hat, dass sie sie selbst spielen wollte.
Wir haben uns auch darüber unterhalten, was Synthesizer und die Stimme als Ausdrucksmittel miteinander zu tun haben.

Lindy-Fay dazu: „Mit der Stimme kann man bewusst die Resonanz des eigenen Körpers nutzen, um den Klang zu manipulieren. Synthesizer waren jedoch auch eine Inspiration für mich beim Gesang. Bei bestimmten Synthesizern gibt es Filter, mit denen man den Klang selbst verändern kann, wie scharf oder gedämpft man ihn haben möchte, den Anschlag, das Sustain und das Release. All dies kann man auch mit der Stimme tun, außer mit den extrem tiefen und hohen Klängen.“

Denn der Kontrast zwischen den elektronischen Elementen und der ‚organischen Stimme‘ spielt auch auf „Islet“ eine wichtige Rolle. Damit kann die ständige Suche nach dem Unbekannten und die Neugier auf das, was die Natur, die Vergangenheit, Träume und das Universum zu bieten haben, auf eine spezielle Weise ausgedrückt werden.
Denn der Kontrast zwischen den elektronischen Elementen und der ‚organischen Stimme‘ spielt auch auf „Islet“ eine wichtige Rolle. Damit kann die ständige Suche nach dem Unbekannten und die Neugier auf das, was die Natur, die Vergangenheit, Träume und das Universum zu bieten haben, auf eine spezielle Weise ausgedrückt werden.

Daher brauchte sie für die Songs auf „Islet“ auch nicht viele Worte. Worte, Geschichten und Märchen spielen eine wichtige Rolle für sie und daher verwendet sie viel Zeit darauf, die für sie ‚richtigen Worte‘ zu finden. „Ich mag es, einfache und wenige Worte zu finden, da ich das Gefühl habe, dass dann verschiedene Geschichten aus diesen Worten entstehen können, je nachdem, was der Zuhörer daraus macht. Diese Worte müssen jedoch genau richtig sein. Ich mache normalerweise lange Spaziergänge, beobachte Dinge, lasse mich aber auch von Begegnungen mit Menschen inspirieren und so weiter. Und natürlich das Unbekannte, das Geheimnis des Universums. Die Eindrücke von einer Reise zum Beispiel. Es kann Monate dauern, bis die Geschichten in meinem Kopf Gestalt annehmen“ sagt Lindy-Fay. Und ich finde, dass man dies in den Liedern hört. Das ganze Interview gibt es hier.

Christine Kammerer: Nordische Mythologie und schottischer Whisky

Das Interview, das mir unglaublich viel Spaß gemacht hat, habe ich mit Christine Kammerer geführt. Wir haben nicht nur über ihr Album „Echoes of North“ gesprochen, sondern auch über die Veranstaltung „Whisky and Witches“. Denn Christine ist nicht nur Musikerin, sondern auch Whisky-Liebhaberin und Kennerin. (vollständige Interviews hier und dort)
Zusammen mit Jane Ross hat sie „Whisky and Witches“ ins Leben gerufen. Dabei handelt es sich um eine Whiskyverkostung, die Whisky mit seiner Geschichte und seinen Geschichten sowie der Rolle der Frauen bei der Whiskyherstellung, Liedern über die Region, aus der er stammt, und Liedern, die den Whisky selbst beschreiben, zusammenbringt.

Und was haben Hexen mit Whisky zu tun? Im 13. Und 14. Jahrhundert war die Herstellung von Whisky und Aquavitae Frauensache. Es gibt einen Zusammenhang zwischen den Hexenprozessen und dem Besitz und der Herstellung von Alkohol. Frauen, die Alkohol herstellten, wurden in dieser Zeit der Hexerei bezichtigt. Und „Hexe“ wurde zu einem Schimpfwort für Frauen, die eine tiefe Verbundenheit zur Natur hatten, die sich mit Naturheilmitteln und Heilkräutern auskannten und beispielsweise wussten, wie man daraus verschiedene Arten von Aquavitae, Lebenswasser, destilliert. Und hier spannt Christine – wie sie es musikalisch auch auf ihrem Album „Echoes of North“ macht – den Bogen zur nordischen Mythologie: „In der nordischen Mythologie gibt es die Völva. Sie war eine wichtige Figur in der gesamten Gesellschaft. Und sie wurde für ihre Ratschläge hochgeschätzt. Sie konnte vorhersagen, wie die Ernte ausfallen würde, wie die Winter verlaufen würden, was wir tun mussten, um die Gesellschaft für den Winter zu sichern, und warum Dinge schief liefen.“
Aus dieser Achtung wurde später die Dämonisierung dieser Fähigkeiten. Wenn ihr mehr darüber wissen wollt oder auch, welches der Lieblingswhisky von Christine Kammerer ist, lest das Interview.

Das waren die Konzerte und Interviews, die mir viele neue Impulse gegeben haben. Ich wünsche euch viel Spaß, wenn ihr das eine oder andere Interview lest und ansonsten viele neue Impulse im Jahr 2025!

(scroll down for english version)

2024 war wieder ein Jahr mit vielen Veröffentlichungen, so dass mir die Auswahl nicht leichtgefallen ist. Es sind Alben dabei, die mich seitdem regelmäßig begleiten, andere in bestimmten Stimmungen. Die Alben, die ich für diesen Rückblick ausgewählt habe, sind voller Überraschungen, interessanter Strukturen und Herausforderungen, aber auch mit Elementen des ‚Wiedererkennens‘. Und das ist die Mischung, die mir gefällt.

Und los geht’s: ich habe die Alben nach ihrem Erscheinen geordnet, denn ich könnte keine Reihenfolge erstellen oder sagen: das war für mich das beste Album. Dafür sind sie zu unterschiedlich und jedes Album ist auf seine Weise etwas Spezielles.

Hier also – nach der Qual der Wahl – acht Alben, die in 2024 bei mir für einige ganz besondere Momente gesorgt haben.

„Hermalausaz“ von ÁRSTIÐIR LÍFSINS

Das Jahr begann mit „Hermalausaz“ von ÁRSTIÐIR LÍFSINS. (Die EP ist bereits am 21.12.2023 erschienen, aber ich habe sie erst kurz darauf ‚entdeckt‘.) ÁRSTIÐIR LÍFSINS lassen Folk- und Ambient-Elemente in eine Black Metal Struktur einfließen und nutzen neben den genretypischen auch klassische Musikinstrumente.
Die Vocals reichen von gutturalem Gesang zu Chorgesang und Erzählung. In den Texten geht es um Themen der nordischen Sagenwelt. Daher ist es stimmig, dass die Texte in Altnordisch verfasst sind. „Hermalausaz“ besteht aus zwei Stücken, die jeweils ca. 20 Minuten lang. Dabei verbinden sich Black Metal, Folk, Ambient und Elemente klassischer Musik zu einem vielschichtigen Klang.
Die Komplexität sowohl der Musik als auch der Gestaltung der Texte macht die Faszination und Anziehungskraft aus. Die Texte zu den beiden Stücken „Ýrr“ und „Þistill“ sind sowohl von skaldischen Gedichten der Edda als auch von Inschriften auf Runensteinen inspiriert.  (review)

„Pro Xristou“ von ROTTING CHRIST

Im Mai folgte „Pro Xristou“ von ROTTING CHRIST. Es ist eines dieser Alben, die sowohl Neues, Überraschendes als auch Bekanntes in einer spannenden Mischung bieten.Nach 35 Jahren Bandgeschichte, die musikalisch vom Grindcore bis zum Black Metal reicht, ist es das 14. Album. In ihren Alben haben ROTTING CHRIST sich immer wieder mit unterschiedlichen religiösen und philosophischen Strömungen, Mystik und alten Kulturen beschäftigt.
Auf „Pro Xristou“ geht es um die letzten heidnischen Könige, die ihre Werte und ihr Wissen gegen den Ansturm des Christentums verteidigen wollten.Die Auseinandersetzung und der Widerstand dieser Weisheiten gegen die christlichen Ideen ziehen sich thematisch durch das Album.
„Pro Xristou“ stellt für mich die konsequente Fortsetzung des Albums „The Heretics“ dar. Wobei die Songs auf „Pro Xristou“ noch runder und kraftvoller sind. Es ist wohl ihr atmosphärischstes Album, das eingängig und trotzdem voller Härten ist. (review)

„The Orbiter Sessions“ von ROCKET MEN

Im Juni haben uns ROCKET MEN mit „The Orbiter Sessions“ wieder in die Tiefen des Weltalls entführt. ROCKET MEN nennen ihr Genre „Drum and Space“. Und das bedeutet: eine einzigartige Fusion aus rockigem Drumming, atmosphärischen ‚spacigen‘ elektrischen Strukturen und mitreißenden Bläser-Lines. Tanzbar, mit Jazz-und Techno-Elementen und Passagen, die auch Filmmusik sein könnten.
Der Kontrast zwischen organischen Drums und Synthesizer macht den besonderen Reiz aus. ROCKET MEN kommen ohne Lyrics aus, da Trompete und Saxophon dort, wo sie Melodien spielen, das Erzählen übernehmen. Außerdem lenken schon die Song-Titel die Vorstellung und Interpretation in eine Richtung.
ROCKET MEN beschreiben die Unendlichkeit des Universums mit einer Musik, die ihre Weite aus der Verbindung von spielerischen Möglichkeiten der Synthesizer, einer riesigen Portion Groove und Melodien mit jazzigen Motiven.
Das Album macht mir mit den komplexen Strukturen bei voller Tanzbarkeit nach wie vor viel Spaß! (review)

„Islet“ von Lindy-Fay Hella & Dei Farne

Lindy-Fay Hella kennen viele von euch als Teil von WARDRUNA. Während der Corona-Pandemie sind die Ideen zu „Islet“ entstanden. Das Album von Lindy-Fay Hella & Dei Farne hat dem Gefühl der Einsamkeit, die vielen Menschen zurzeit zu schaffen macht, eine Form gegeben. Dabei sind Lieder entstanden, die einen weiteren klanglichen Raum eröffnet haben, den man erkunden sollte! ‚Einsamkeit‘ ist zudem ein Thema, das auch nach der Corona-Zeit in vielen Bereichen eine Rolle spielt.
Linda-Fay Hella & Dei Farne haben elektronische und traditionelle Musik, experimentelle Elemente und Folk-Strukturen in einer Weise verbunden, wie ich es vorher noch nicht gehört hatte. Aus dem Zusammenspiel von Lindy-Fays ausdrucksvoller und variationsreicher Stimme mit diesen Elementen sind sphärische Klänge und erdende Melodien entstanden, die den besonderen Reiz dieses Albums ausmachen.
Dadurch, dass neben Synthesizern auch traditionelle Instrumente wie die Nyckelharpa (übrigens gespielt von WARDRUNA-Kollege John Stenersen) oder auch ein Harmonium genutzt werden, ist eine subtile Spannung zwischen Melancholie, Kälte, magischen Momenten und bedrängender Nähe entstanden. Eine Musik, in der das Erleben, Träume und mythischen Wesen eine (Klang-) Welt erhalten haben. (review)

„Echoes of North“ von Christine Kammerer

Im July erschien das Debüt-Album von Christine Kammerer, die sonst mit JOTUNGER, ihrem “Dark-Folk-Projekt“ unterwegs ist. Aufgewachsen in einer musikalischen Familie und mit einem Hintergrund sowohl in klassischer Musik als auch im Heavy Metal, hat sie sich im Laufe der Zeit immer mehr mit Folk-Musik – und hier besonders mit keltischer Musik – auseinandergesetzt.
In ihrem Album „Echoes of North“ macht sie die gemeinsamen Wurzeln zwischen Skandinavien und Schottland hörbar. Die 10 Lieder singt sie auf Dänisch, Englisch und Gälisch. Auch sonst gibt sie den Eigenheiten sowohl der skandinavischen als auch der schottisch-gälischen Musik viel Raum.
Gut gefallen hat mir, dass sie neben fröhlichen Melodien und hellen Arrangements, auch die dunklen Momente, die es im Leben gibt, vertont hat. Und das nicht nur in den Klageliedern, sondern auch in denen, die vom Nachhauskommen und Zuhause-Sein handeln. Wie ein roter Faden zieht sich der Gedanke, dass traurige, schwere, dunkle Momente zu unserem Leben gehören, durch das Album. Aber es gibt immer wieder diese stärkenden Augenblicke in denen ‚das Licht hervorbricht‘ und man sich wohlfühlt, sich zuhause, angenommen und angekommen fühlt.
Christine Kammerer hat mit dem Album auch gezeigt, dass es Themen und Geschichten gibt, die in allen Kulturen eine Rolle spielen, und dass Musik und die mit ihr verbundenen Emotionen eine universelle Sprache sind. (review)

„Serendipitous Meeting“ von STUBA, Skaidra Jančaitė & Kjell Braaten

Musik in einer besonderen Form haben STUBA, Skaidra Jančaitė & Kjell Braaten mit dem auch sonst ungewöhnlichen Album „Serendipitous Meeting“ weitergegeben. Es ist – wie der Titel sagt -aus einer zufälligen Gelegenheit entstanden: nach einem Konzert trafen sich die Sängerinnen noch einmal im Haus von Kjell Braaten. Es wurde gesungen, die Lieder aufgenommen – und so ist das Album entstanden.
Bei der besonderen Gesangsform handelt es sich um Sutartinės. Sie sind eine alte Form mehrstimmiger Musik, die 2010 auf die Liste der immateriellen Kulturgüter der UNESCO aufgenommen wurde. Sie werden in der Regel von zwei, drei oder vier Sängerinnen vorgetragen.
Die Texte der Sutartinės erzählen von Dingen des Alltags, von Festen und von den Sorgen und Gedanken, die das Leben mit sich bringt.
Oft werden dabei menschliche Eigenschaften oder Emotionen durch Elemente der Natur ausgedrückt. Und so sind Lieder entstanden, die die Kreisläufe des Lebens und das damit verbundene Auf und Ab von Freude und Traurigkeit ausdrücken. (review)

„I“ von THE THIRD CIRCLE

Um Zyklisches geht es auch in der Debüt-EP „I“ von THE THIRD CIRCLE. THE THIRD CIRCLE sind ein Trio bestehend aus John Stenersen (WARDRUNA, GÅTE, BERGTATT), Anders Odden (CADAVER, CELTIC FROST) und Birger Mistereggen, also Musikern mit Erfahrungen in ganz unterschiedlichen musikalischen Richtungen.
Als Anders Odden 2020 lebensbedrohlich erkrankte, entwickelte er eine neue Beziehung zur Musik. Er wollte Musik machen, die persönlich, meditativ und sogar therapeutisch sein sollte. Und so experimentierte mit analogen Synthesizern und sammelte Naturklänge, indem er Aufnahmen insbesondere im Wald machte. Zusammen mit John Stenersen und Birger Mistereggen haben sie Musik aufgenommen, die zum Innehalten, Nachdenken einlädt, und auch eine Reise jenseits des Alltäglichen ermöglichen soll.
Die Stücke haben keine Titel (sondern sind nummeriert) und sind rein instrumental. Somit kann man sich von der Musik dorthin tragen lassen, wozu die Musik inspiriert, da weder Titel noch Texte eine Richtung vorgeben.
Das Prinzip von Wiederholung und Variation haben sie mit einem weiter werdenden Klangspektrum und unterschiedlichen rhythmischen Strukturen in vibrierenden Spiralen umgesetzt. Den Klang alter Instrumente und der Synthesizer haben sie in erdverbundenen, sphärischen und dissonanten Formen gebracht. Die Stücke klingen psychedelisch. Aber trotzdem ist die Verwurzelung im Konkreten durchgängig spürbar. (review)

„Múr“ von MÚR

Und zum Ende des Jahres – und zum Schluss meine Auswahl – ein weiteres Debüt-Album. MÚR kommen aus Island. Schon bald nach ihrer Gründung haben sie die isländische Wacken Metal Battle gewonnen (2022) und beim internationalen Finale bei Wacken Open Air den vierten Platz belegt. Weiteres Aufsehen erhielten sie beim Soulcrusher Festival (2023).
Im November 2024 erschien das Album „Múr“. MÚR heißt ‚Mauer‘. Und die Band beschreibt ihre Musik dann auch als „eine Mauer aus Klang und Emotionen“. Sie verbinden atmosphärisch-apokalyptische Klanglandschaften, die von Naturgewalten inspiriert wirken. So gibt es rohe Strukturen und gleichzeitig einen facettenreichen Sound, in den neben jazzigen und elektronischen Klängen Elemente aus weiteren Genres einfließen. So ist eine faszinierende Mischung aus Post-Rock und progressiver Musik entstanden.
Neben Gitarren, Bass und Schlagzeug nutzen sie Synthesizer und Keytar. „Múr“ ist ein aufregendes und interessantes Album mit vielen Details, cineastischen Passagen und wütenden Ausbrüchen. Mir haben insbesondere die experimentellen Passagen gut gefallen. Daher hoffe ich, dass sie diesen demnächst noch mehr Raum geben. (review)

——————- english version

My ‘Albums of the year 2024’

ÁRSTIÐIR LÍFSINS, ROTTING CHRIST, ROCKET MEN, Lindy-Fay Hella & Dei Farne, Christine Kammerer, STUBA, Skaidra Jančaitė & Kjell Braaten, THE THIRD CIRCLE und MÚR

2024 was another year with many releases, so it wasn’t easy for me to make a selection. There are albums that have accompanied me regularly since then, others in certain moods. The albums I have selected for this review are full of surprises, interesting structures and challenges, but also with elements of ‚recognition‘. And that’s the mix I like.
And here we go: I’ve ordered the albums according to their release, because I couldn’t put them in order or say: this was the best album for me. They are too different for that and each album is special in its own way.
So – after being spoiled for choice – here are eight albums that provided me with some very special moments in 2024.

“Hermalausaz” by ÁRSTIÐIR LÍFSINS

The year began with “Hermalausaz” by ÁRSTIÐIR LÍFSINS. (The EP was already released on 21.12.2023, but I only ‚discovered‘ it shortly afterwards).
ÁRSTIÐIR LÍFSINS incorporate folk and ambient elements into a black metal structure and use classical musical instruments as well as those typical of the genre. The vocals range from guttural singing to choral singing and narration. The lyrics deal with themes from the world of Nordic legends. It is therefore fitting that the lyrics are written in Old Norse.
“Hermalausaz” consists of two tracks, each about 20 minutes long. Black metal, folk, ambient and elements of classical music combine to create a multi-layered sound. The complexity of both the music and the lyrics is what makes them so fascinating and appealing.
The lyrics to the two tracks “Ýrr” and “Þistill” are inspired by skaldic poems from the Edda as well as inscriptions on rune stones. (review)

“Pro Xristou” by ROTTING CHRIST

This was followed in May by “Pro Xristou” by ROTTING CHRIST. It is one of those albums that offer something new, surprising and familiar in an exciting mix.
After 35 years of band history, which musically ranges from grindcore to black metal, this is the 14th album. In their albums, ROTTING CHRIST have repeatedly dealt with different religious and philosophical currents, mysticism and ancient cultures.
Pro Xristou” is about the last pagan kings who wanted to defend their values and knowledge against the onslaught of Christianity. The confrontation and resistance of this wisdom against Christian ideas runs thematically through the album.
For me, “Pro Xristou” is the logical continuation of the album “The Heretics”. However, the songs on the album are even more rounded and powerful. It is probably their most atmospheric album, which is catchy and yet full of harshness. (review)

“The Orbiter Sessions” by ROCKET MEN

In June, ROCKET MEN took us back into the depths of space with “The Orbiter Sessions”.
ROCKET MEN call their genre ‘Drum and Space’. And that means: a unique fusion of rock drumming, atmospheric ‘spacey’ electric structures and rousing horn lines. Danceable, with jazz and techno elements and passages that could also be film music.
The contrast between organic drums and synthesiser is the special attraction. ROCKET MEN manage without lyrics, as the trumpet and saxophone take over the narration where they play melodies. In addition, the song titles already steer the imagination and interpretation in one direction.
ROCKET MEN describe the infinity of the universe with music that derives its vastness from the combination of the playful possibilities of synthesisers, a huge portion of groove and melodies with jazzy motifs.
I still really enjoy the album with its complex structures and full danceability!  (review)

“Islet” by Lindy-Fay Hella & Dei Farne

Many of you know Lindy-Fay Hella as part of WARDRUNA. The ideas for “Islet” were born during the coronavirus pandemic. The album by Lindy-Fay Hella & Dei Farne has given form to the feeling of loneliness that many people are currently experiencing. This has resulted in songs that have opened up another sonic space to explore! ‚Loneliness‘ is also a topic that plays a role in many areas even after the Corona period.
Linda-Fay Hella & Dei Farne have combined electronic and traditional music, experimental elements and folk structures in a way I hadn’t heard before. The interplay of Lindy-Fay’s expressive and varied voice with these elements has created spherical sounds and grounding melodies that make this album so appealing.
The fact that traditional instruments such as the nyckelharpa (played by WARDRUNA colleague John Stenersen) and a harmonium are used alongside synthesizers creates a subtle tension between melancholy, coldness, magical moments and oppressive closeness. A music in which experience, dreams and mythical beings have been given a (sound) world. (review)

“Echoes of North” by Christine Kammerer

July saw the release of the debut album by Christine Kammerer, who is otherwise on the road with JOTUNGER, her “dark folk project”. Having grown up in a musical family and with a background in both classical music and heavy metal, she has become increasingly involved with folk music – and Celtic music in particular – over the years.
In her album “Echoes of North”, she makes the common roots between Scandinavia and Scotland audible. She sings the 10 songs in Danish, English and Gaelic. She also gives a lot of space to the peculiarities of both Scandinavian and Scottish Gaelic music.
I liked the fact that, in addition to cheerful melodies and light arrangements, she has also set the dark moments that exist in life to music. And not just in the laments, but also in the songs about coming home and being at home. The idea that sad, difficult, dark moments are part of our lives runs like a red thread through the album. But there are always those strengthening moments when ‚the light breaks through‘ and you feel at ease, at home, accepted and arrived. With this album, Christine Kammerer has also shown that there are themes and stories that play a role in all cultures and that music and the emotions associated with it are a universal language. (review)

“Serendipitous Meeting” by STUBA, Skaidra Jančaitė & Kjell Braaten

STUBA, Skaidra Jančaitė & Kjell Braaten have passed on music in a special form with the album “Serendipitous Meeting”, which is also unusual in other respects. As the title suggests, it was the result of a chance meeting: after a concert, the singers got together again at Kjell Braaten’s house. They sang and recorded the songs – and that’s how the album came about.
The special form of singing is sutartinės. They are an ancient form of polyphonic music that was added to UNESCO’s list of intangible cultural assets in 2010. They are usually performed by two, three or four female singers.
The lyrics of the sutartinės tell of everyday life, celebrations and the worries and thoughts that life brings with it. Human characteristics or emotions are often expressed through elements of nature. And so songs have been created that express the cycles of life and the associated ups and downs of joy and sadness. (review)

“I” by THE THIRD CIRCLE

The debut EP “I” by THE THIRD CIRCLE is also about the cyclical. THE THIRD CIRCLE are a trio consisting of John Stenersen (WARDRUNA, GÅTE, BERGTATT), Anders Odden (CADAVER, CELTIC FROST) and Birger Mistereggen, musicians with experience in very different musical directions.
When Anders Odden fell seriously ill in 2020, he developed a new relationship with music. He wanted to make music that was personal, meditative and even therapeutic. And so he experimented with analogue synthesizers and collected natural sounds by making recordings, especially in the forest.Together with John Stenersen and Birger Mistereggen, they have recorded music that invites you to pause, reflect and take a journey beyond the everyday.
The pieces have no titles (but are numbered) and are purely instrumental. This means that you can let the music take you wherever it inspires you to go, as neither the title nor the lyrics provide any direction.
They have realised the principle of repetition and variation with a widening sound spectrum and different rhythmic structures in vibrating spirals. They have transformed the sound of old instruments and synthesisers into earthy, spherical and dissonant forms. The pieces sound psychedelic. Nevertheless, the roots in the concrete are palpable throughout. (review)

“Múr” by MÚR

And at the end of the year – and my final selection – another debut album. MÚR come from Iceland. Soon after their formation, they won the Icelandic Wacken Metal Battle (2022) and took fourth place in the international final at Wacken Open Air. They attracted further attention at the Soulcrusher Festival (2023).
The album “Múr” was released in November 2024. MÚR means ‘wall’. And the band describes their music as ‘a wall of sound and emotion’. They combine atmospheric, apocalyptic soundscapes inspired by the forces of nature. There are raw structures and at the same time a multi-faceted sound that incorporates elements from other genres alongside jazzy and electronic sounds. The result is a fascinating mixture of post-rock and progressive music. In addition to guitars, bass and drums, they use synthesisers and keytar.
“Múr” is an exciting and interesting album with lots of details, cinematic passages and furious outbursts. I particularly liked the experimental passages. I therefore hope that they will give them even more space in the near future.(review)

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MÚR sind eine Band aus Island, die schon bald nach ihrer Gründung die isländische Wacken Metal Battle gewannen (2022) und beim internationalen Finale beim Wacken Open Air den vierten Platz belegten.
Am 22. November 2024 haben sie ihr Debütalbum „Múr“ veröffentlicht und ich hatte das Vergnügen, sie live zu erleben (am 27.November 2024 im Luxor, Köln als Support für WHEEL).

Ein starker Beginn

Die Bühne war in rotes Licht getaucht, als Frontmann Kári Haraldson mit seiner Keytar die Bühne betrat. Wabernde Klänge eröffnen „Heimsslit“ und füllen den schnell den ganzen Raum. Es entsteht ein Eindruck von Leere, die gleichzeitig eine Sogwirkung hat.
Dann setzen dumpfe Bassklänge ein und doomiges Riffing kommt hinzu. Die Vocals klingen zeitweise infernalisch. Eine dystopische Atmosphäre entsteht und das donnernde Drumming baut zusammen mit harten Riffs eine Soundwand auf, die immer konkreter und massiver wird. Bis wieder wundschöne sphärische Klänge überwiegen, die dann aber in ein trostloses und dennoch gewaltiges Finale münden.

Ich finde es schon mutig, ein Set mit solch einem Song zu beginnen, der dem Zuhörer nicht nur Ausdauer (der Song ist länger als 10 Minuten) sondern auch ein emotionales Wechselbad zumutet. Die Atmosphäre im Publikum wirkt gespannt und aufmerksam. Und am Ende gibt begeisterten Applaus.

„Kviksyndi“ beginnt ebenfalls mit tiefen nebelartigen Tönen. Doch diesmal kommen bald harte Riffs und komplexe Rhythmen hinzu, die aber nicht nach vorne gehen, sondern diesmal die Spannung durch Zurückhaltung und Verzögerung aufbauen. Schreiende Vocals wechseln mit tiefen Growls, das Tempo zieht an und der Song wird dichter und bedrohlicher. Die Klänge werden unheimlicher, voller innerlicher Zerrissenheit. Die flehentlichen Vocals enden in einer Anklage und geben dem Song ein abruptes Ende.

MÚR bringen diesen komplexen Song mit großer Energie und Enthusiasmus rüber, so dass man sich immer mitgenommen fühlt. Bis man am Ende irgendwie allein zurückgelassen wird.

Mit „Vitrun“ bekommen wir alle Qualitätsmerkmale von MÚR in einem Song zu hören: fast zehn Minuten, in der sie eine abwechslungsreiche und mehrschichtige Struktur entwickeln. Die Keytar-Klänge bilden die Basis. Zusammen mit harten Riffs, djentigem Bass, dem spannenden Wechsel von Klargesang und Growls und einem tollen jazzigen Gitarrensolo entsteht eine einzigartige Stimmung.

Hier kommt auch viel Bewegung in die Band und das Publikum, das dann auch begeistert applaudiert. Mit welcher Sicherheit und Selbstverständlichkeit MÚR diesen Song rüberbringen ist schon toll.

Der letzte Song dieses Sets ist „Holskefla“. Anfangs gibt es wieder diese zerbrechlich wirkenden, schwebenden Melodien. Aber dann bauen sie erneut mit schweren Klängen, harschen Vocals und teilweise richtig vertrackten Rhythmen einen dichten, wuchtigen Sound auf. Mit einem feinen Keytar-Solo beenden MÚR den Song und das Set.

Schwarzer, avantgardistischer Metal

Kurz und knapp: das war eine großartige Wanderung zwischen roher Energie und verspielten Klängen, hämmernden djentigen Strukturen und abgefahrenen Rhythmen.
MÚR ist es so gelungen, die Spannung in den Songs und im Publikum aufrecht zu erhalten, und immer wieder zu überraschen. Sei es durch die Wechsel von Klargesang und Growls, prägnanten Hooks, komplexen rhythmischen Strukturen mit intensiven Drumming-Passagen und toll herausgespielten Soli.

MÚR sind noch weiter mit WHEEL unterwegs.

In Deutschland noch zu sehen:

04.12.2024│Münschen (Backstage Halle)
10.12.2024│Berlin (Lido)

Ansonsten holt euch das Debütalbum „Múr“.  (Review)

MÚR live in Cologne

MÚR are a band from Iceland who won the Icelandic Wacken Metal Battle soon after their formation (2022) and took fourth place in the international final at Wacken Open Air.
On November 22nd, 2024 they released their debut album „Múr“ and I had the pleasure of seeing them live (on November 27th, 2024 at the Luxor, Cologne as support for WHEEL).

A strong beginning

The stage was bathed in red light when frontman Kári Haraldson entered the stage with his keytar.Waving sounds open „Heimsslit“ and quickly fill the entire room. It creates an impression of emptiness that at the same time has a suction effect.

Then dull bass sounds set in and doomy riffing is added. The vocals sound infernal at times. A dystopian atmosphere is created and the thunderous drumming, together with hard riffs, builds a wall of sound that becomes more and more concrete and massive. Until beautiful, spherical sounds predominate again, leading to a desolate and yet powerful finale.

I think it’s brave to start a set with such a song that not only demands stamina from the listener (the song is longer than 10 minutes) but also an emotional rollercoaster.The atmosphere in the audience seems tense and attentive. And at the end, there is enthusiastic applause.

„Kviksyndi“ also begins with deep, foggy tones. But this time hard riffs and complex rhythms are soon added, but this time they don’t move forward, but build up the tension through restraint and delay. Screaming vocals alternate with deep growls, the tempo picks up and the song becomes denser and more threatening.
The sounds become more sinister, full of inner conflict. The pleading vocals end in an accusation and end the song abruptly.

MÚR deliver this complex song with great energy and enthusiasm so that you always feel carried away. Until you are somehow left alone at the end.

With “Vitrun” we get to hear all of MÚR’s quality features in one song: almost ten minutes in which they develop a varied and multi-layered structure. The keytar sounds form the basis. Together with hard riffs, djenty bass, the exciting alternation of clean vocals and growls and a great jazzy guitar solo, a unique atmosphere is created.

There is also a lot of movement in the band and the audience, who then applaud enthusiastically. The confidence and self-assurance with which MÚR deliver this song is great.

The last song in this set is “Holskefla”. At the beginning, there are again these fragile, floating melodies. But then they build up a dense, powerful sound again with heavy sounds, harsh vocals and sometimes really complicated rhythms. MÚR end the song and the set with a fine keytar solo.

Black, avant-garde metal

In short: that was a great journey between raw energy and playful sounds, pounding djenty structures and crazy rhythms. MÚR managed to maintain the tension in the songs and in the audience and to surprise again and again. Be it through the changes between clean vocals and growls, concise hooks, complex rhythmic structures with intense drumming passages and well-played solos.

MÚR are still on the road with WHEEL.
Otherwise, get the debut album “Múr”. (Review)

(scroll down for english version)

MÚR kommen aus Island. Schon nach ihrer Gründung haben sie die isländische Wacken Metal Battle gewonnen (2022) und beim internationalen Finale bei Wacken Open Air den vierten Platz belegt. Weiteres Aufsehen erhielten sie beim Soulcrusher Festival (2023).
Am 22. November 2024 haben sie ihr Debütalbum „Múr“ via Century Media veröffentlicht.

MÚR verbinden atmosphärisch-apokalyptische Klanglandschaften, die von Naturgewalten inspiriert wirken. So gibt es rohe Strukturen und gleichzeitig einen facettenreichen Sound, in den neben jazzigen und elektronischen Klängen Elemente aus weiteren Genres einfließen. So ist eine faszinierende Mischung aus Post-Rock und progressiver Musik entstanden. Neben Gitarren, Bass und Schlagzeug nutzen sie Synthesizer und Keytar.
MÚR heißt ‚Mauer‘. Und sie beschreiben ihre Musik dann auch als „eine Mauer aus Klang und Emotionen“.

Mauer aus Klang und Emotionen – „Múr“

„Eldháf“ hat mich schon nach den ersten Takten begeistert. Die Gitarre lockt mit sanften Tönen in den Song. Nach und nach kommen die anderen Instrumente hinzu. Sphärische Klänge und massive Riffs bauen hier die erste Mauer aus Klängen. Der klare Gesang ist voll und warm und trägt dazu bei, dass dieser ruhig angelegte Song zusammen mit den hypnotischen Klangstrukturen über den gesamten Song intensiv bleibt.
Die Gitarre entwickelt eine feine Melodie, wodurch eine Spannung zwischen verträumten und massiven Parts entsteht.

Der Titelsong „Múr“ beginnt auch ruhig, eröffnet dann aber mit knackigen Riffs und einem sehr präzisen Drumming eine andere Dimension. Harsche Vocals und dunkle Keytar-Töne lassen den Song wütend klingen. Eine Wut, in einer Struktur aus kontrollierender Präzision eingebunden ist.

„Frelsari“ ist der kürzeste Song des Albums. Er kommt mit kraftvollen Riffs, viel Djent-Groove, tiefen Growls und melodischen Elementen schnell auf den Punkt. Auch hier gibt es ein virtuoses Gitarren-Solo und einen Refrain, der sich einprägt.

„Vitrun“ ist ein epischer Song. Auf der pulsierenden Basis der Keytar bauen progressive Riffs auf. Choraler Klargesang steht den harschen Vocals gegenüber. Ein kunstvolles Solo fügt eine weitere Idee hinzu. „Vitrun“ ist vielschichtig angelegt. Es gibt Momente, in denen es klingt, als würde der Song auseinanderlaufen. Aber dann werden die Stränge durch den Gesang wieder zusammengefügt.
Der Song hat viele experimentelle Elemente, was mir sehr gut gefällt. Es gibt hier viel zu entdecken.

„Messa“ ist unglaublich kompakt. Auch hier prägen die Keytar-Elemente weite Teile des Songs und sorgen für ein unterschwellige Beklemmung.

„Heimsslit“ beginnt mit sphärischen, wabernden Klängen der Keytar. Nach und nach kommen die anderen Instrumente hinzu.  Doomige Riffs und djentartiger Bass bauen eine unheilvolle Stimmung auf, die durch wütende Vocals verstärkt wird, bis der Song sphärisch und fast schon verträumt in einen choralen Gesang mündet.
Es ist ein seltsames Erlebnis, da der Song einerseits warm und sanft klingt, ein unglaubliches Klanggewitter beinhaltet und dann in Trostlosigkeit endet.

„Holskefla“ beginnt wieder ruhig, wird dann aber immer dunkler und schwerer. Massive und dichte Riffs prägen den Song. Zusammen mit den Drums entwickeln sie teilweise vertrackte Rhythmen, die Unruhe auslösen. Das Ende ist abrupt, endgültig aber nicht resigniert, sondern eher so, als hätte sich etwas geklärt.

Fazit: ein selbstbewusstes und vielschichtiges Debütalbum

Es ist ein selbstbewusstes, emotionales und vielschichtiges Debütalbum mit einfallsreichem Songwriting und vielen großartigen Ideen. Es gibt einige Längen bzw. Passagen, die ich nicht mit der Grundidee des Songs zusammenbringe.
Die kürzeren Songs „Eldhaf“ und „Frelsari“ sind voller Energie und entwickeln eine spannungsgeladene Dynamik.
Die längeren Songs wie z.B. „Heimsslit“ und „Holskefla“ bauen sich langsam zu dem auf, was MÚR über ihre Musik sagen: dass sie eine „Mauer aus Klängen und Emotionen“ ist.

Neben „Eldhaf“ hat mir „Vitrun“ mit seinem experimentellen Charakter sehr gut gefallen. Vielleicht geben MÚR in Zukunft solchen experimentellen Momenten noch mehr Raum. Das Potential zu entsprechendem Songwriting haben sie ja. Und da Kári Haraldson auch eine fabelhafte Gesangsstimme hat, könnte er sie häufiger nutzen. Der Kontrast zu seinen scharfen und gewaltigen Growls würde die Abwechslung und Dynamik noch weiter steigern.

„Múr“ ist ein aufregendes und interessantes Album mit vielen Details, cineastischen Passagen und wütenden Ausbrüchen. Die Klanggewalt ist beeindruckend und lässt die spielerischen und experimentellen Elemente noch deutlicher hervortreten.

Vor ein paar Tagen hatte ich das Vergnügen, MÚR live zu erleben. Davon morgen mehr!

Doch jetzt erst einmal „Heimsslit“.

MÚR come from Iceland. Immediately after their formation, they won the Icelandic Wacken Metal Battle (2022) and took fourth place in the international final at Wacken Open Air. They received further attention at the Soulcrusher Festival (2023).
On November 22, 2024, they released their debut album „Múr“ via Century Media.

MÚR combine atmospheric, apocalyptic soundscapes that seem inspired by the forces of nature. There are raw structures and at the same time a multifaceted sound that incorporates elements from other genres alongside jazzy and electronic sounds. This has resulted in a fascinating mix of post-rock and progressive music. In addition to guitars, bass and drums, they use synthesizers and keytar.
MÚR means ‚wall‘. And they describe their music as „a wall of sound and emotions“.

Wall of sound and emotions – „Múr“

„Eldháf“ thrilled me after the first few bars. The guitar lures you into the song with gentle tones. The other instruments gradually join in. Spherical sounds and massive riffs build the first wall of sounds here. The clear vocals are full and warm and help to ensure that this quiet song, together with the hypnotic sound structures, remains intense throughout the entire song.
The guitar develops a fine melody, creating a tension between dreamy and massive parts.

The title song “Múr” also starts quietly, but then opens up a different dimension with crisp riffs and very precise drumming. Harsh vocals and dark keytar tones make the song sound angry. An anger that is embedded in a structure of controlling precision.

“Frelsari” is the shortest song on the album. It gets straight to the point with powerful riffs, lots of djent groove, deep growls and melodic elements. Here too there is a virtuoso guitar solo and a memorable chorus.

„Vitrun“ is an epic song. Progressive riffs build on the pulsating base of the keytar. Choral clean vocals contrast with the harsh vocals. An artful solo adds another idea. „Vitrun“ is multi-layered. There are moments when it sounds like the song is falling apart. But then the strands are brought back together by the vocals.
The song has many experimental elements, which I really like. There is a lot to discover here.

„Messa“ is incredibly compact. Here too the keytar elements shape large parts of the song and create an underlying sense of oppression.

„Heimsslit“ begins with spherical, wafting sounds of the keytar. Little by little the other instruments join in. Doomy riffs and djent-like bass create an ominous mood, which is reinforced by angry vocals, until the song culminates in a spherical and almost dreamy choral song.
It’s a strange experience, as the song sounds warm and gentle on the one hand, contains an incredible storm of sound and then ends in desolation.

„Holskefla“ starts quietly again, but then becomes darker and heavier. Massive and dense riffs characterize the song. Together with the drums, they develop sometimes complicated rhythms that trigger unrest.
The end is abrupt, final but not resigned, but rather as if something had been clarified.

Conclusion: a confident and multi-layered debut album

It is a confident, emotional and multi-layered debut album with imaginative songwriting and many great ideas.
There are some lengths or passages that I don’t associate with the basic idea of ​​the song.
The shorter songs “Eldhaf” and “Frelsari” are full of energy and develop a dynamic full of tension.
The longer songs such as “Heimsslit” and “Holskefla” slowly build up to what MÚR say about their music: that it is a “wall of sounds and emotions”.

In addition to “Eldhaf”, I really liked “Vitrun” with its experimental character. Perhaps MÚR will give such experimental moments even more space in the future. They have the potential for appropriate songwriting. And since Kári Haraldson also has a fabulous singing voice, he could use it more often. The contrast to his sharp and powerful growls would increase the variety and dynamics even further.

“Múr” is an exciting and interesting album with lots of details, cinematic passages and angry outbursts. The power of the sound is impressive and makes the playful and experimental elements stand out even more clearly.

A few days ago I had the pleasure of seeing MÚR live in Cologne. More about that tomorrow!

But first, “Heimsslit”.

MÚR sind eine Band aus Island. Am 22. November 2024 veröffentlichen sie ihr selbstbetiteltes Debütalbum „Múr“ via Century Media Records.

2022 haben sie die Wacken Metal Battle in Island gewonnen und belegten im internationalen Finale bei Wacken Open Air den vierten Platz.

MÚR verbinden atmosphärische und in gewisser Weise apokalyptische Klanglandschaften, die von Naturgewalten inspiriert sind, mit rohen Strukturen zu einem facettenreichen Sound, in den neben jazzigen und elektronischen Klängen Elemente aus weiteren Genres einfließen. So ist eine faszinierende Mischung aus Post-Rock und progressiver Musik entstanden. Neben Gitarren, Bass und Schlagzeug nutzen sie Synthesizer und Keytar.

Mauer aus Klang und Emotionen

MÚR heißt Mauer – also kann man sich vorstellen, dass ihr Sound aus vielen Steinen zusammengesetzt ist. Sie selbst beschreiben ihre Musik als „eine Mauer aus Klang und Emotionen“, der Interpretationsspielräume bietet.

Ich bin mir nicht sicher, ob es unsere Aufgabe ist, sie vollständig zu definieren, da die Leute aus dem Erleben ganz unterschiedliche Dinge mitzunehmen scheinen, je nachdem, wer sie sind und was sie an Musik mögen.

Kári Haraldson (MÚR)

Frontman Kári Haraldson sagt dazu: „Ich bin mir nicht sicher, ob es unsere Aufgabe ist, sie vollständig zu definieren, da die Leute aus dem Erleben ganz unterschiedliche Dinge mitzunehmen scheinen, je nachdem, wer sie sind und was sie an Musik mögen.“

Ihr Video zu „Heimsslit“ macht das deutlich: Die Musik ist dicht und dunkel, intensiv mit eindringlichen Vocals und unerbittlichen Rhythmen. Der Text handelt von Elend und Zerstörung. „Heimsslit“ kann mit „Weltuntergang“ übersetzt werden oder auch wortwörtlich mit „die Welt,die zerreißt“. Das Video zeigt verstörende Bilder, die von verschiedenen Mythen inspiriert zu sein scheinen.

MÚR sagen über „Heimsslit“, dass es zu einer Vision einer Welt  inspiriert, die aus den Nähten platzt.“ Es geht ihnen  aber nicht einfach um dystopische Gedanken zur physischen Welt, sondern dass auch im eigenen Denken, etwas auseinanderfällt.

Von den Anfängen über die Wacken Metal Battle bis zum Debüt-Album

Alle Musiker von MÚR haben sehr früh begonnen, ein Instrument zu spielen.
Kári Haraldson hat bereits mit fünf Jahren Schlagzeugunterricht bekommen und als Teenager mit dem Komponieren begonnen. 2021 schreib er die Musik zu dem Film „Harmur“ und 2024 zur Fernsehserie „Gestir“. Jetzt ist nicht nur für die Vocals zuständig, sondern auch für Synthesizer und Keytar.
Árni Jökull Guðbjartsson steuert seine Energie und Erfahrungen als Drummer in Punk- und Hardcore-Bands. Er war nicht von Anfang an dabei, sondern nahm den Platz von Sigurður Jakobsson ein, der nach dem Wacken Metal Battle die Band aus persönlichen Gründen verließ.
Bassist Ívar Klausen, der zunächst Jazz-Gitarre studierte, hat mit seiner Band DÓPAMÍN bereits mehrere Platten veröffentlicht.

Die beiden Gitarristen Hilmir Árnason und Jón Ísak Ragnarsson lernten Gitarre bei Þráinn Árni Baldvinsson (Gitarrist von SKÁLMÖLD), der wohl auch einen großen Anteil daran hatte, dass MÚR entstanden ist, da er Kári, Hilmir und Ívar miteinander bekannt machte.

Es haben sich also Musiker mit unterschiedlichem Hintergrund zusammengetan, um genreübergreifenden Metal mit progressiven Anteilen zu spielen und dabei Wert auf Klang und Emotionen zu legen.

Release und Tour

Am 22. November 2024 erscheint ihr Album „Múr“ und dann gehen sie auf Tour und spielen auch Shows in Deutschland:

27.11.2024│Köln (Luxor)
28.11.2024│Aschaffenburg (Colos-Saal
04.12.2024│Münschen (Backstage Halle)
10.12.2024│Berlin (Lido)

Zu den Songs „Heimsslit“, „Frelsari“ und „Holskefla“ gibt es bereits Videos.

Und hier ist „Heimsslit“: