20 Jahre Bandgeschichte und ein frisches Album namens The Phantom Void verlangen nach einem Rahmen, der mehr ist als Club und mehr als Halle. Also: Lichtburg. Roter Teppich vor der Tür, ein Hauch Premierenfeeling. Passt.

Der Saal ist bis auf ein paar versprengte Plätze voll. Über 1200 Leute, und trotzdem diese eigentümliche Ruhe, die nur bei Konzerten entsteht, bei denen alle wirklich zuhören wollen. Kein Dauergequatsche, kein Biergegröle, eher kollektives Abtauchen.

Das Set kommt in zwei Akten. Erst das komplette neue Album am Stück. Kein Stückwerk, keine Singles, sondern einmal durch den Klangfilm. Danach ein Ritt durch die Diskografie, sauber verteilt, fast jedes Album bekommt seinen Moment. Und genau hier passiert das, was Long Distance Calling live so stark macht: Die Leute verschwinden in diesen Soundflächen. Licht und Musik greifen ineinander, alles wirkt durchkomponiert, ohne steril zu werden.

Zwischen den Songs: Stille. Wirklich Stille. Stecknadel-tauglich. Und dann – zack – Applaus, der umso lauter zurückkommt. Das ist kein höfliches Klatschen, das ist ehrlicher Respekt.

Große Ansagen gibt es wie immer nicht. Muss auch nicht. Gitarrist Florian Füntmann übernimmt das Nötigste und sagt Danke. 20 Jahre Band – und das funktioniert nur, weil die Leute immer wieder auftauchen. Klassischer Satz, klar. Aber hier wirkt er nicht wie Pflichtprogramm, sondern wie echte Einsicht. Dieses „Ohne euch gäb’s das alles nicht“ kauft man ihnen ab. Herzzeichen inklusive.

Sound? Glasklar. Fast schon unverschämt sauber. Wie eine sehr, sehr gute Anlage – nur mit Druck im Bauch. Keine Matschwand, keine Experimente, die schiefgehen. Das sitzt.

Nach gut zweieinhalb Stunden ist Schluss. Kein künstliches In-die-Länge-Ziehen, kein nerviges Zugaben-Theater. Draußen in der Lobby geht’s weiter: Merch, die neue Platte schon vor Release greifbar, und, fast schon oldschool, die Band sitzt da und schreibt Autogramme. Keine Barriere, kein „bitte Abstand halten“. Einfach nahbar.

Unterm Strich: starker Abend in einer Location, die genau für solche Shows gebaut scheint. Wer auf diese Band steht und hier fehlt, verpasst nicht nur ein Konzert, sondern ein ziemlich rundes Gesamterlebnis.

Set 1, „The Phantom Void“:

Mare
The Spiral
A Secret Place
Nocturnal
The Phantom Void
Shattered
Sinister Companion
The Very Last Day

Set 2:

Into the Black Wide Open
Immunity
Old Love
Ductus
Black Paper Planes
Skydivers
Out There
Eraser
—
Metulsky Curse Revisited

Fotos

LONG DISTANCE CALLING veröffentlichen am 10. April 2026 via earMUSIC das neue Studioalbum „The Phantom Void”. Einen Vorgeschmack auf „The Phantom Void“ bietet die Post-Rock-Band aus Münster bereits mit dem Video zu dem Stück „A Secret Place“.

Es markiert den Auftakt zu einem außergewöhnlichen audiovisuellen Projekt. „The Phantom Void“ soll ein in sich geschlossenes Konzept haben: auch wenn es vollständig instrumental bleibt, soll dennoch eine eindringliche Geschichte erzählt werden, in der sich massive Soundwände mit feinen Details, treibenden Grooves und einer dramaturgischen Entwicklung verbinden.
Das Video zu „A Secret Place” greift die zentralen Themen von „The Phantom Void“ auf: Albträume, Wiederholungen und das Gefühl einer unsichtbaren Bedrohung.

LONG DISTANCE CALLING schreiben dazu:

„Nach zwei Alben mit ernsten und zeitgenössischen Konzepten schlagen wir ein neues Kapitel auf: Wir tauchen ein in die düstere und verstörende Welt des menschlichen Geistes und wagen uns dabei in neue musikalische Gefilde – zurück zu unseren Metal-Wurzeln und zugleich offen für neue Facetten und Klangwelten.„

20-jähriges Bühnenjubiläum mit spezieller Show

Bereits im vergangenen Herbst kündigten LONG DISTANCE CALLING an, dass es anlässlich ihres 20-jährigen Bühnenjubiläums eine besondere Show geben wird. Diese soll am 8. April 2026 in Essen in der Lichtburg stattfinden.

Die Lichtburg ist ein historisches Kino, in dessen Saal, der der größte Kinosaal Deutschlands ist, spielten LONG DISTANCE CALLING im Februar 2024 eine Show. Mit rund 1200 Zuhörern war es die größte Headliner-Show der Band. Wie bereits bei den vorangegangenen Seat & Sounds – Konzerten, konnten die Zuhörer die Musik genießen, während sie in den Kinosesseln saßen. Auch in musikalischer Hinsicht war es eine besondere Show, da der Sound durch Streicher und Bläser erweitert wurde. „Live at Lichtburg“ wurde am 05.12.2025 veröffentlicht.

„The Phantom Void“ in verschiedenen Formaten

Das Album erscheint in mehreren Formaten:
1LP Black Gatefold Heavyweight 180g,
1LP Pearl Flip / Dawn Gatefold Heavyweight 140g,
1LP Glow In The Dark Gatefold Heavyweight 180g sowie als
CD Digisleeve mit Booklet.
Außerdem ist die Erstauflage aller Formate mit einem geprägten Logo und fluoreszierenden Highlights versehen.

Tracklisting CD / Vinyl:
1. Mare
2. The Spiral
3. A Secret Place
4. Nocturnal
5. Phantom Void
6. Shattered
7. Sinister Companion

Einmal mehr bekommt ihr hier bei metal-heads.de einen Überblick über anstehende Releases in Form eines gemischten Newsbeitrags. Die Musikszene für die etwas härtere Gangart ist vielschichtig und produktiv. Hier also neues Material. Als erstes blicken wir auf ein Debütalbum. Am 29.05.2026 kommt das Release „Voices unheard“ in den Handel. Es stammt von den vier Herren von JAYLER. Einen der 11 enthaltenen Songs gibt es schon heute. Hier kommt „Down below“. Und dann haben wir noch die Daten der Tour als Supportact für DEEP PURPLE:

05.10.2026 – Stadthalle, Wien (A) 
16.10.2026 – Hallenstadion, Zürich (CH) 
31.10.2026 – Qi Arena, Leipzig
01.11.2026 – Sporthalle, Hamburg
03.11.2026 – Westfalenhalle, Dortmund
04.11.2026 – Uber Arena, Berlin
06.11.2026 – Festhalle, Frankfurt
07.11.2026 – Arena, Nürnberg

SHINEDOWN sind schon sooo lange im Geschäft. Die Band hat ebenso für den 29.05.2026 das Release-Datum für das kommende Studioalbum festgelegt. „EI8HT“ heißt die Langrille und man wird krasse 18 (!!) Stücke auf die Scheibe packen. Wir teilen euch ein paar Tourdaten mit und dann kommt das Lyric-Video zur Single „Safe and sound“:

04.11.2026 – Tilburg, 013 (NL)

11.11.2026 – Berlin, Columbiahalle

12.11.2026 – Düsseldorf, Mitsubishi Electric Hall

Wenn eine bekannte Band einen Abgang bzw. einen Wechsel am Mikrofon verkündet, dann sorgt das für Aufregung. So ist es auch bei den schwedischen Metallern von ARCH ENEMY. Das Ausscheiden von Alissa White-Gluz hat hohe Wellen geschlagen. Jetzt kommt mit einem Paukenschlag die neue Single „To the last breath“ und damit stellt man die neue Stimme der Band vor. Es ist Lauren Hart – wie gefällt euch der Gesang?

Die Band wird im Sommer ein paar kleine Venues ansteuern…hier sind die Termine:

19.07.26 – Berlin – Bi Nuu
02.08.26 – Köln – Club Volta
09.08.26 – Utrecht – Tivoli Pandora (NL)

ARCH ENEMY, JAYLER, SHINEDOWN & mehr

Die vier Herren von LONG DISTANCE CALLING begeben sich auf die Zielgeraden hinsichtlich der Veröffentlichung ihres neuen Studioalbums „The phantom void“. Am 10.04.2026 erscheint die Langrille über earMUSIC und einen der sieben enthaltenen Tracks servieren wir euch jetzt schon vorab mit dem dazugehörigen Video – hier kommt „A secret place“:

Eigentlich ist ja Nashville eher für Country Musik bekannt aber CHAMBER zeigen uns, dass durchaus auch die Metalcore-Szene dort einen Platz hat. Das dritte Album der Band erscheint am 27.03.2026 und von der mit „this is goodbye…“ betitelten Scheibe gibt es jetzt als einen Song des enthaltenen Dutzend die Single „Violins“:

Aus Indien stammen die Technical Death Metaller von VIRODH. Das Quartett wird Anfang März das neue Release „Harvest of desolation“ mit acht Songs darauf unter die Leute bringen. Um euch musikalisch auf das neue Material einzustimmen, gibt es jetzt den folgenden Track für eure Ohren – hier kommt „Dissolution of karma“:

Das war heftig. Da habt ihr euch zum Ausgleich eine Portion Symphonic Metal verdient. Hier kommt die erste Single von MYSTFALL aus dem zweiten für den 20.03.2026 zur Veröffentlichung anvisierten Album „Embers of a dying world“. „Whispers in the tempest“ ist eines der zehn auf dem Silberling verewigten Stücke – Musik ab:

Kommen wir zum Ende zu einer Ladung Progressive Metal von VANDERLUST. Die Band hat für den 17.04.2026 das Release ihres Konzeptalbums „Humanity 2.0 – the human farm“ in der Pipeline. Einen der 11 enthaltenen Songs gibt es schon jetzt als Auskopplung vorab – hier kommt „The human farm“:

Am 05.Dezenber 2025 werden LONG DISTANCE CALLING das Album „Live at Lichtburg“ veröffentlichen.

Die Aufnahmen für dieses Album stammen vom ausverkauften Konzert im historischen Kino „Lichtburg“ in Essen. Vor 1200 Fans spielten LONG DISTANCE CALLING im Februar 2024 ihr bis dahin größtes Headliner-Konzert.

„Live at Lichtburg“ ist aber nicht nur deshalb etwas Spezielles, sondern weil es neben der CD auch eine Blu-Ray mit einem Film des Konzertes geben wird.

Das Album beinhaltet Stücke aus der gesamten Diskografie. Der Schwerpunkt liegt aber bei den Alben „Eraser“ (2022) und „Avoid The Light“ (2009).

 „Hazard“

Mit „Hazard“ präsentieren LONG DISTANCE CALLING die dritte Auskopplung aus dem kommenden Livealbum. Das Stück stammt vom Album „How Do We Want To Live” (2020).

Vorher sind bereits „Kamilah” (vom Album „Eraser“) und „Out There“ (vom Album „Boundless“) veröffentlicht worden.

„Hazard“ ist eines der Stücke, das die Möglichkeiten von LONG DISTANCE CALLING, zugleich atmosphärisch dichte und dabei spannende Musik zu spielen, zeigt. Das Stück ist durchzogen von diesem für LONG DISTANCE CALLING charakteristischen Sound. In der Live-Version kommen das Zusammenspiel von Saiteninstrumenten und Synthesizerstrukturen, sowie den Rhythmen von Bass und Schlagzeug, die sich wie ein roter Faden hindurchziehen, noch mehr zur Geltung.

Erster Eindruck von der Live-Atmosphäre

Das Video dazu zeigt sowohl die Konzentration, die dieses präzise Zusammenspiel ermöglicht, als auch die Atmosphäre des Konzertes. Die Liveversionen verstärkt die cineastischen Momente, hebt die Strukturen des Stücks noch klarer hervor und erhöht die Spannung.

Das Konzert in der „Lichtburg“ war erneut ein „Seat & Sound“ Konzert. Bereits das im November 2019 erschienene Live-Album „Stummfilm“ bot den Zuhörern mit dieser Form ein ungewöhnliches Konzerterlebnis. Auf der Tour zum 10. Jubiläum des Albums „Avoid The Light“ konnten sich die Zuhörer in bestuhlten Veranstaltungsorten entspannt zurücklehnen und die Musik genießen.
Die „Lichtburg“ bietet dem Konzert eine großartige Bühne mit tollen Lichteffekten und einer richtig guten Akustik.

Nach diesen drei Auskopplungen kann man sich auf den 05.Dezember und das komplette Album freuen, bei dem einige Stücke durch Arrangements mit Bläsern und Streichern neu interpretiert wurden.
Und dann heißt es: einen bequemen Platz suchen, Musik an und genießen.

Die Setlist findet ihr unter dem Video von „Hazard“.

Das Album erscheint via earMusic in mehreren Formaten:
2LP Gatefold Heavyweight 180g + Blu-ray sowie CD + Blu-ray Digipak,

Tracklisting CD / Vinyl:
Side A:
01. Enter: Death Box
02. Blades
03. Kamilah
04. Giants Leaving
05. Hazard
 
Side B:
06. Immunity
07. 500 Years
08. Eraser
 
Side C:
09. Apparitions
10. Black Paper Planes
 
Side D:
11. Out There
12. Metulsky Curse Revisited

Tracklist Blu-ray:
01. Enter: Death Box
02. Blades
03. Kamilah
04. Giants Leaving
05. Hazard
06. Immunity
07. 500 Years
08. Eraser
09. Apparitions
10. Black Paper Planes
11. 359
12. Sundown Highway
13. Out There
14. Metulsky Curse Revisited

Endlich ist es soweit: LONG DISTANCE CALLING machen sich auf den Weg, um ihr neues Album „Eraser“ zu präsentieren. Die Tour beginnt am 15. Februar 2023 in London und führt die Band über die Niederlande, Frankreich und die Schweiz auch an neun Locations in Deutschland.

Und die Support Acts sind: 1. PIL & BUE …

PIL & BUE (Pfeil und Bogen) das sind Petter Carlsen (Vocals, Gitarre) und Gøran Johansen (Drums). Obwohl nur zu zweit, entfalten sie dennoch einen gewaltigen und kraftvollen Hard Rock Sound. Am 24. Februar 2023 veröffentlichen die Norweger ihr viertes Album mit dem Titel „Special Agents“. Also gerade rechtzeitig für die Tour mit LONG DISTANCE CALLING.

Für langjährige Fans von LDC ist Petter Carlsen kein Unbekannter. Hat er doch – nachdem Martin Fischer sich aus der Band zurückgezogen hat – auf dem 2016er Album „Trips“ etwa die Hälfte der Songs gesungen.

„Eraser“

Ja, LONG DISTANCE CALLING waren nicht immer rein instrumental. Bis zum Album „Boundless“ (2018) haben sie mit verschiedenen Sängern zusammengearbeitet. Dann sind sie zu ihrer ursprünglichen Absicht, die Musik für sich sprechen zu lassen, zurückgekehrt.

Das aktuelle Album „Eraser“ lässt durch die Musik Bilder zu den Songtiteln entstehen. Es geht um vom Aussterben bedrohte Tiere, deren Erscheinen und Verhalten sie in der Musik ausgedrückt haben. (Mehr dazu HIER)

… und 2. Jonathan Hultén

Jonathan Hultén (ex-TRIBULATION-Gitarrist) ist seit einiger Zeit solo unterwegs. Er hat sich dabei als vielseitig und durchaus eigensinnig gezeigt. Im Auftreten umgeben von Rätselhaftem und Experimentellem, Poetik und Verletzlichkeit.

Im Dezember 2022 erschien sein Album „Forest Sessions“. Dafür hat er Songs der EP „The Dark Night Of The Soul“ und vom Album „Chants From Another Place“ neu aufgenommen – oder zutreffender: neu interpretiert.

Den Weg, der er dabei gegangen ist, ist schon ungewöhnlich. An verschiedenen Locations in der Umgebung von Stockholm hat er innerhalb weniger Stunden acht Videos aufgenommen. Das Erleben der Natur war der Ausgangspunkt für die Neuinterpretation. Für „Forest Sessions“ hat er eine ruhige, nachdenkliche, zum Träumen und die-Welt-um-sich-herum-Vergessen einladende Musik geschaffen.

Die Tour

PIL & BUE aus Norwegen sind bei allen Shows der Tour dabei. Und Jonathan Hultén ergänzt bei den Shows im März das Paket.

Das versprichen ein großartig klangvolle Events zu werden.

Hier die Termine in Deutschland:

17.02.23│ Trier (Mergener Hof)
14.03.23│ Frankfurt (Batschkapp)
15.03.23│ Köln (Kantine)
16.03.23│ Bielefeld (Forum)
17.03.23│ Hannover (Musikzentrum)
18.03.23│ Hamburg (Grünspan)
19.03.23│ Berlin (Frannz)
21.03.23│ Leipzig (UT Connewitz)
22.03.23│ München (Backstage)

Zunächst geht es um zwei Gitarristen und ihre Instrumentalalben. Vor dem Release wird immer wieder die Frage gestellt, ob hier ‚nur die Spieltechniken‘ im Vordergrund stehen, mit denen die Gitarristen zeigen, was sie können.

Klar zeigen Andi the Wicked und Adrian Weiss auch, was sie spieltechnisch drauf haben. Aber nicht als Selbstzweck, sondern als Zugabe oder wenn man so will: als Verzierung. Beiden haben Alben mit einem spannenden Aufbau, tollen Melodien und Riffs sowie etlichen Überraschungen herausgebracht. Alben nicht nur für Fans von Instrumentalmusik sondern auch für Fans von metal-basierter, abwechslungsreicher und kraftvoll-verspielter Gitarrenmusik.

Straight and wicked instrumental metal: „Sexually Transmitted Mojo” von Andi the Wicked

Andi The Wicked – das ist Andreas Dötsch, der, wenn er sich nicht gerade mit seiner eigenen Musik beschäftigt, bei STEELPREACHER für coole Soli zuständig ist. Mit seinem im März 2022 erschienen Album „Sexually Transmitted Mojo“ zeigt er, dass eine virtuos gespielte Gitarre genauso gut Geschichten erzählen kann, wie der Gesang.

Wie oben schon geschrieben, ist es ein Album, bei dem der Heavy Metal die Grundstruktur bildet und sich wie ein roter Faden durch alle Stücke zieht. Aber auch Blues, Hard Rock und klassisch gespielte Musik sind mit dabei. Es gibt also ganz unterschiedliche Geschichten zu hören und vieles zu entdecken.

Ein abwechslungsreiches Album mit einem richtig fetten Sound

Was unter dem Titel „Sexually Transmitted Mojo“ zu verstehen ist, darf sich jeder selbst ausmalen. Ob der Hinweis, dass der Besuch beim Urologen etwas damit zu tun hat, dann eher an „sexually transmitted“ denken lässt oder an „Mojos“ im eigenen Leben, ist dem Hörer überlassen. (Mehr dazu im Interview)

Klar ist jedenfalls: die Verbindung aus harten Riffs und melodischen Parts machen nicht nur im Titelsong den besonderen Reiz des Albums aus. Es gibt ausgearbeitete Strukturen mit feinen Melodien, rockige und metallische Riffs, Tempiwechsel und gut arrangiertes Power-Drumming. Gut getan hat dem Ganzen auch, dass Andi diesmal mit Jan Hinz einen ‚echten‘ Drummer dabeihatte. Herausgekommen ist ein abwechslungsreiches Album mit einem richtig fetten Sound. 

„Be dangerous but disciplined” – Dangerous Discipline von Adrian Weiss

„Dangerous Discipline“ ist das vierte Solo-Album von Adrian Weiss. Als Gitarrist von  THOUGHT SPERE, FORCES AT WORK über GLORYFUL und die ADRIAN WEISS BAND bis hin zu seinem aktuellen Death-Metal-Projekt SubOrbital ist Adrian Weiss insgesamt musikalisch breit aufgestellt.

„Dangerous Discipline“ ist – wie bereits erwähnt – ein Instrumentalalbum. Die Grundstruktur bilden die Melodien, auf die Adrian Weiss immer wieder zurückkommt. Auf einer rockenden Basis macht er nicht nur Ausflüge in Jazz und Fusion, sondern integriert auch Metal – Riffs und Leads.

Mit Sahnehäubchen

Das Album hat noch einige Überraschungen zu bieten. Denn Adrian Weiss hat die Bandbreite stilistischer Elemente noch auf andere Weise erweitert. Er konnte zehn Gitarristenkollegen und -kolleginnen gewinnen, die abwechslungsreiche Soli beigetragen haben. (u.A. Dee Dammers, Martin Miller und Yasi Hofer). Außerdem sind Marcel Willnat (Bass) und Ex-FORCES AT WORK – Drummer Sabir Salkic mit dabei, die die Stücke mit ihren Anteilen facettenreich ergänzen.

Mit „Dangerous Discipline“ hat Adrian Weiss seinen Sound noch einmal weiterentwickelt. Wie sich die Melodien aus den Riffs heraus entwickeln, ist noch klarer und eigenständiger geworden.

Es gibt natürlich auch temporeiche Shredpassagen, die aber eher Ausschmückung als Selbstzweck sind. Oder wie Adrian es im Interview ausdrückte: sie sind die Sahne auf dem Kuchen.

Die Menschheit und vom Aussterben bedrohte Tiere: „Eraser“ von LONG DISTANCE CALLING

Auch LONG DISTANCE CALLING kommen ohne Gesang aus und schaffen es, sich einem wichtigen Thema unserer Zeit eindringlich und dennoch ohne moralischen Zeigefinger zu nähern. Mit „Eraser“ haben sie sich damit auseinandergesetzt, wie der Mensch das Verhältnis zu anderen Lebewesen beeinflusst und bestimmt.

Auf ihrem vorangegangenen Studioalbum „How Do We Want To Live“ haben sie sich mit dem technischen Fortschritt, dem Verhältnis von Mensch und Maschine, der Auswirkung auf die persönliche Freiheit sowie mit humanistischen Grundwerten beschäftigt. Daher war es durchaus konsequent, den Blickwinkel auf weitere Aspekte des (Zusammen-) Lebens zu erweitern.

„Eraser“ ist das achte Album von LONG DISTANCE CALLING. Ideengebend für das Album war eine Dokumentation über einen Grönlandwal, der wahrscheinlich schon 500 Jahre alt ist. So entwickelten LONG DISTANCE CALLING basierend auf einer Liste von vom Aussterben bedrohter Tiere ein Konzept, in dem jedes der ausgewählten Tiere ein eigenes Lied erhalten hat.
Das titelgebende Stück „Eraser“ handelt vom Menschen, der seine Umwelt und langfristig auch sich selbst zerstört.

Soundtrack zum Kopfkino

Insgesamt ist das Album härter und progressiver als die Vorgänger. Und gleichzeitig musikalisch ideenreich, vielseitig und handwerklich wie immer großartig. Eines der Merkmale der Musik von LONG DISTANCE CALLING ist das Prinzip der Wiederholung, das den Stücken eine Struktur gibt, in der Detailarbeit möglich ist und zur Geltung kommt. Detailarbeit lag hier z.B. darin, ihre kompositorischen und instrumentellen Möglichkeiten zu nutzen, um den Tieren in einer Weise ‚eine Stimme zu geben‘, die Bilder zu diesen Tieren entstehen lassen, die zumindest mit meinen Bildern von ihnen übereinstimmen.

Teilweise hätte ich mir mehr Dissonanz oder Reibung gewünscht, um die Dringlichkeit eines Umdenkens zu unterstreichen. Andererseits gefällt mir, dass die Lieder auch von der Hoffnung darauf, dass die Menschheit zu Veränderung in der Lage ist, durchzogen sind.

Kurz und gut: es ist ein hörenswertes und interessantes Album.

BLACK SPACE RIDERS: „We Have Been Here before”

Dieses Album war für mich die Neuentdeckung des Jahres. Ja, ich habe die BLACK SPACE RIDERS tatsächlich nicht gekannt, obwohl sie in diesem Jahr ihr mit „We Have Been Here Before“ bereits ihr siebtes Album herausbringen. (Dank an Jan Hoffman von LONG DISTACE CALLING, der mich auf sie aufmerksam gemacht hat.)

Das Album der Band aus Münster beinhaltet 15 Songs, in denen sie auf einer spacigen Basis eine enorme Bandbreite an Klängen, Melodien und Rhythmen entfalten. Genregrenzen gibt es für sie nicht. Und so ist Hard Rock und Psychedelisches dabei, ist die Musik mal mächtig, mal zart.

„We Have Been Here before“ ist eine Reise durch Raum und Zeit. Insgesamt 15 Songs in 84 Minuten, bei denen sie mit einer enormen Bandbreite an Klängen und Rhythmen einen großartigen Rahmen für die Melodien und Texte geschaffen haben

Thematisch beschäftigt sich das Album mit den vielen Schleifen, die das Leben zieht. Mit Zyklen, die sich nicht nur auf persönlicher, sondern auch gesellschaftlicher Ebene vollziehen – und auch übergreifend, kosmisch.

„AAAAAAAAAAARRRRRRGGGH“ – das Leben eben

Als ich das Album zum ersten Mal gehört habe, hatte ich mir den Song „AAAAAAAAAAARRRRRRGGGH“ ausgewählt. Und damit war ich schon mittendrin im Album. Nach und nach öffnen sich psychedelische Räume mit verträumten, melancholischen Klängen, feinen Melodien, wummerndem Bass und flirrenden Gitarren und interessanten Texten.
Ja, richtig: hier wird gesungen. Dafür stehen den BLACK SPACE RIDERS zwei Sänger zur Verfügung, die weitere Gestaltungsmöglichkeiten genutzt haben.

Mir haben insbesondere die Texte von „Trapped in an endless loop“, „Beautiful“, „A whisper“ und „Worlds collide dans ma tête” gefallen. Einerseits wird hier die Schwere des Lebens in sich scheinbar endlos wiederholenden Schleifen deutlich, dann eine ‚offensiv-punkig-oppositionelle‘ Haltung, aber auch so etwas wie Hoffnung darauf, eine andere Sichtweise oder sogar einen Ausweg zu finden.

Damit ist dieses Album doch genau richtig für den Ausklang des Jahres, in dem oft noch einmal Rückschau gehalten wird. Ich hoffe, es gab für euch nicht so viele sich endlos wiederholende Schleifen, sondern neue Erfahrungen, interessante Momente und Ideen für die kommende Zeit. In diesem Sinne: Kopfhörer auf und reinhören!

Mehr Infos und noch mehr Musik gibt es hier:
Andi the Wicked
Adrian Weiss
LONG DISTANCE CALLING
BLACK SPACE RIDERS

LONG DISTANCE CALLING haben am 26. August 2022 das Album „Eraser” veröffentlicht. Um über die Musik hinaus auf Hintergründe und Intention zu schauen, habe ich mich mit Jan Hoffmann (Bass) unterhalten. Und auch darüber, weshalb ein Konzeptalbum viel Arbeit macht und in welcher Verantwortung sie sich als Band und als Personen für die Zukunft unseres Planeten und seiner Bewohner sehen.

300jähriger Grönlandwal als Album-Initiator

Hallo Jan, wir wollen uns ja heute über euer neues Album unterhalten. Wenn ich es richtig mitbekommen habe, hattet ihr mit dem Songwriting begonnen, als Janosch (Drums) eine Dokumentation über einen 300 Jahre alten Grönlandhai gesehen hatte. Dies soll ja auch der Auslöser für das Album gewesen sein. War das tatsächlich so, dass aufgrund der Doku die Idee für das Album entstand?

Genau so war es. Ich glaube, wir hatten gerade erst mit dem Songwriting begonnen und hatten ein oder zwei Riffs.
Es war ziemlich schnell, nachdem wir die „Ghost“-EP veröffentlicht hatten. Es war in der Tat so, dass Janosch mich sofort, nachdem er die Doku gesehen hatte, anrief und wir rumgesponnen haben. Dann kam sehr schnell diese Idee. Und dann stand das Konzept.

Das Konzept war also: wir suchen nach weiteren Tierarten, die vom Aussterben bedroht sind und machen dazu ein Album?

Genau. Die Doku war sozusagen der Startschuss. Daraufhin haben wir eine Liste erstellt, die wir im Verlauf noch mit Greenpeace abgestimmt und ergänzt haben.

Nach welchen Kriterien habt ihr eure Liste zusammengestellt? Denn es gibt ja noch mehr vom Aussterben bedrohte Tiere als die, die ihr auf dem Album berücksichtigt habt.

Wir haben darauf geachtet, dass es unterschiedliche Tiere sind, damit die Songs eine gewisse Abwechslung haben.  Dabei haben wir verschiedene Lebensräume beachtet und dass die Tiere unterschiedlich aussehen.  Und wir haben die Kontraste sehr groß gewählt. Ein Gorilla sollte eben anders klingen als eine Biene.

Soundtrack zum Kopfkino

War es schwierig, euch darauf zu einigen, wie ihr die Tiere musikalisch umsetzt? Oder hattet ihr etwa die gleichen Vorstellungen?

Es war überraschend einfach. Wir haben uns überlegt, wie das Tier aussieht, wie es sich bewegt, in welchem Lebensraum es lebt und wie das dann klingt. Dann sind wir relativ schnell auf einen Nenner gekommen.
Wir haben teilweise auch versucht, uns eine Geschichte zu überlegen so wie bei den Videosongs. Weil es einfacher ist, wenn man beim Songwriting schon eine kleine Dramaturgie hat.

Hast du da ein Beispiel?

Ja, bei dem „Kamilah“ – Song haben wir uns vorgestellt, dass der Gorilla zunächst durch den Wald läuft. Daher klingt der Anfang beschwingter. Wenn der Mensch in den Lebensraum eintritt und ihn kaputtmacht, kippt es ins Aggressive um.
Hauptsache ist, dass ein Bild im Kopf entsteht, das man beim Hören des Songs auch mit dem Tier assoziieren kann.
Daher klingen die starken Tiere auch sehr mächtig. So eine kleine Biene klingt daher anders und das Faultier noch einmal ganz anders. Und „Sloth“ ist auch mit Abstand der langsamste Song, den wir jemals gemacht haben.
Demzufolge haben wir sehr darauf geachtet, dass das so soundtrackmäßig ist und zu dem einzelnen Tier passt.

Dark Jazziges Pink Floyd Saxophon und das Faultier

Ist euch da entgegengekommen, dass ihr breit gefächert seid, was eure musikalischen Ansätze angeht? Dass über Rock, Metal, Funk viele Musikstile dabei sind?

Auf jeden Fall. Wir sind halt sehr offen für verschiedene Ansätze. Der leichteste Weg z.B. bei dem Faultier wäre gewesen, einen Doom-Metal-Song zu machen. Aber das war uns zu langweilig. Also machen wir etwas, was wir noch nicht gemacht haben. Das machen wir ja gerne mal. Und dann kam sehr schnell das Saxophon auf.
Das Saxophon ist ja eines der Instrumente, bei dem es extrem darauf ankommt, wie es gespielt wird. So ein schnelles Saxophon kann superschnell nerven. Aber ein langsames getragenes wie im Dark Jazz ist ja sehr majestätisch und ruhig. Das hat da einfach sehr gut gepasst. Außerdem mögen wir alle Pink Floyd ganz gerne.

Dann habt ihr mit Jørgen Munkeby (SHINING) auch einen Interpreten aus dieser Richtung gefunden, der das dann entsprechend umsetzen konnte.

Ja, und es gab nur eine winzige Korrektur, weil ein Part ein bisschen zu lang war. Ansonsten ist es der first take, den er uns geschickt hat. Jørgen war extrem am Start und hat super abgeliefert. Am Anfang waren wir uns noch ein bisschen unsicher, wieviel Saxophon das in dem Song werden sollte. Es ist letztlich doch relativ viel geworden.

Das finde ich auch. Mir hat es sehr gefallen. Und es war eine Überraschung.

Ja, ist mal was anderes.

Auf einmal doch wieder hart

Euch fällt ja immer noch mal was Neues ein, wie sich gezeigt hat. 

Ja und das lockert die Platte auch auf. Wir hatten zwischenzeitlich schon Befürchtungen – obwohl das nicht das passende Wort ist. Aber uns ist irgendwann aufgefallen, dass das alles auf einmal ganz schön hart war. Das war nicht unbedingt so geplant. Das hat sich so ergeben. So wie bei der „Boundless“. Da wurde auch irgendwann klar, dass das eine ziemlich ‚metal-ige‘ Platte wird.

Und das Saxophon sollte da einen anderen Aspekt einbringen?

Ja, wir haben uns gedacht: das ist vielleicht ganz gut, wenn da in der Mitte so ein kleiner Ruhepol ist. Um das Ganze ein wenig aufzulockern und auch der Diversität und Abwechslung halber innerhalb der Platte. Also eine Verschnaufpause.

Wart ihr alle am Songwriting beteiligt oder hast du das überwiegend zusammen mit Janosch gemacht?

Wir haben die Liste zusammen gemacht, und haben alle Songs zusammen im Proberaum entwickelt.

Du hast irgendwo gesagt, dass es sich als günstig herausgestellt hat, ein Konzept zu haben. Hat sich das hier auch wieder gezeigt? Hat es die Arbeit und die Zusammenarbeit erleichtert?

Total. Auf der anderen Seite ist es dann natürlich auch viel mehr Arbeit. Das kommt auch noch dazu. Ich habe auch mal gesagt: Da ist ‚mehr Fleisch am Knochen‘, wenn man ein Konzept hat, weil man etwas hat, worüber man auch reden kann. Und etwas, worüber sich die Leute informieren können.
Es ist halt ein Überthema und damit noch ein zusätzliches Level neben der Musik. Das ist total spannend. Dann hat man in Interviews, so wie jetzt gerade, auch mehr zu erzählen, als nur zu sagen: ja, wir haben 8 neue Songs. Das macht schon viel aus, außerdem – und das ist der Hauptgrund – ist es uns einfach ein Anliegen.

Die Verantwortung der Scharniergeneration

In welcher Hinsicht?

Wir sind mittlerweile alle Väter. Da verändert man sich schon mit der Zeit. Und man macht sich andere Gedanken über den Planeten. Es ist uns aber auch wichtig zu betonen, dass das nicht mit erhobenem Zeigefinger passiert. Denn wir sind ja selbst ein Teil des Problems. Es geht einfach nur darum, eine gewisse Wahrnehmung für das Thema zu schaffen und dafür auch unsere Reichweite zu nutzen.

Wie seht ihr da eure Rolle? Einmal abgesehen vom Generationenaspekt, den du gerade angesprochen hast. Janosch hatte in einem Interview gesagt, dass ihr die ältere Generation, der ältere Part seid.
Aus meiner Sicht sind wir eher der mittlere Part. Nicht die ganz Alten, aber auch nicht mehr der jungen Generation zugehörig. Wie versteht ihr eure Aufgabe aus dieser Position, aus der Elternrolle heraus und eventuell speziell als Band mit Reichweite?

Ich denke schon, dass man eine Verantwortung hat, wenn man eine Reichweite hat. Und man sollte sich deshalb überlegen, was man postet und was man sagt.

Daher wollten wir das gerne nutzen, weil es sonst einfach eine verschenkte Möglichkeit ist.

Dann möchte ich noch auf den ersten Teil deiner Frage zurückkommen: ich sehe es wie du. Wir sind eher die Scharniergeneration. Wir sind die mittlere Generation, die es von der Generation davor gelernt hat, sich falsch zu verhalten,

Was meinst du damit, dass wir gelernt haben, uns falsch zu verhalten?

Unsere Elterngeneration (die davor eher weniger) ist die Generation, die ordentlich Raubbau betrieben hat und wir haben es auch getan, es so gelernt. Und wir sind jetzt in der Verantwortung, das Verhalten zu verändern und es an die nächste Generation, an unsere Kinder weiterzugeben. Die aber schon ganz anders darüber denken. Über Energie, Energieverschwendung, Fleischkonsum. Für sie ist es schon selbstverständlicher als es für uns war.
Wir sind eine Generation, die in einem Prozess ist, die es falsch gelernt hat aber noch nicht zu alt ist, um noch was zu ändern. Also die Ausrede zählt nicht. Und da kann jeder selber vor seiner Haustür was machen. Und wenn ganz viele Leute ein bisschen was ändern, ist das schon eine ganze Menge.

Keine negativen Rückmeldungen – das spricht für die Fans

Reicht das denn, diese Summe von Einzelhandlungen?

Es in erster Linie auch um Politik, da entsprechende Gesetze gemacht werden müssen. Das sind ja Sachen, die der einzelne nicht leisten kann. Aber nichtsdestotrotz kann jeder einzelne schon was leisten, indem er sich fragt: was brauche ich wirklich? Wie ernähre ich mich? Niemand muss perfekt sein, aber wenn man seine Gewohnheiten überdenkt, kann man schon relativ viel bewirken, denke ich.

Und einfach bewusster zu leben und zu überlegen: ist das jetzt notwendig oder nicht.

Habt ihr von eurem Publikum entsprechende Rückmeldungen bekommen? Ihr habt viel Vorarbeit geleistet, als ihr das Album promotet und vorgestellt habt. Und jetzt, da es raus ist: wie sind die Rückmeldungen? Wird das so verstanden, wie ihr es euch vorgestellt habt?

Ja tatsächlich. Was mich auch sehr wundert. Natürlich wird es auch Leuten nicht so gepasst haben, aber die haben dann nichts gesagt. Was mich erstaunt ist, dass wir keinerlei negative Rückmeldungen zu dem Thema bekommen haben. Denn normalerweise gibt es ja, egal was man macht, irgendwelche Hater und Trolle und Leute, die das dann nicht gut finden und es abwehren. Und das gab es komischerweise gar nicht. Das hat mich total überrascht, weil ich im Vorfeld fest damit gerechnet habe, dass es Leute geben wird, die das ablehnen. Vielleicht spricht das für unsere Fans, da wäre schön.
Gerade eine Zusammenarbeit mit Greenpeace ist ja für bestimmte Menschen eine Steilvorlage für negative Kommentare. Aber da kam wirklich gar nichts.

Earth Black Box – der „Eraser”-Opener …

Wie kam es zu dieser Zusammenarbeit? Hattet ihr vorher schon Kontakte? Oder seid ihr privat engagiert?

Wir hatten vor ein paar Jahren Kontakt mit ihnen wegen eines T-Shirt Designs. Zu „The Very Last Day“ (2019) haben wir ein T-Shirt gemacht und die Erlöse an Greenpeace gespendet. Das war der erste Kontakt. Und als das Konzept für „Eraser“ um die Ecke kam, sind wir wieder in Kontakt mit ihnen getreten. Denn das war eine logische Anlaufstelle. Sie haben uns mit Infos und Material versorgt und unsere Sachen geteilt. Und wir haben deren Sachen wie Petitionen usw. geteilt. Sie haben noch eine Homepage für uns gebaut, auf der sich Leute informieren können. Das war eine coole Zusammenarbeit.

Du hast gerade gesagt, dass ihr auch Möglichkeiten geschaffen habt, dass die Leute sich informieren können. Ist das auch ein Grund, weshalb ihr den ersten Song der Earth Black Box gewidmet habt?

Das ist eine zusätzliche Ebene. Auch hierzu gab es wieder eine Doku, in der es um die Black Box in Tasmanien geht. Das hat super ins Konzept gepasst. Die Black Box zeichnet Daten auf: Wetterdaten, social media Daten, Klimadaten so dass damit dokumentiert wird, was hier gerade passiert. Und damit, wenn alles den Bach runtergeht, zukünftige Generationen nachvollziehen können, wie, wann und warum das passiert ist. Und das war ein schöner Aufhänger das als Intro zu benutzen, um in das Thema einzusteigen. Die Black Box findet sich symbolisiert auch auf dem Cover in der Hand wieder. Was auch wieder ein zusätzliches Level ist.

… und andere Symbole

Was symbolisiert die Hand in diesem Fall?

Sie soll symbolisieren, dass wir es immer noch selbst in der Hand haben. Wie man an den Knochen sieht, ist es schon sehr spät. Aber wir haben es noch selbst in der Hand. Die Hand ist daher ein sehr wirkungsvolles Symbol.

War das auch euer Grundgedanke beim Schreiben der Songs? Dass die Menschheit es noch in der Hand hat? Ich habe an manchen Stellen des Albums gedacht, dass es versöhnlich klingt, an denen ich mir mehr Reibung, mehr Dissonanzen usw. habe vorstellen können.

Die Platte ist für unsere Verhältnisse schon relativ hart. Aber es stimmt schon: dieser Gedanke scheint immer durch. Aber es ist auch der Schönheit der Lebewesen geschuldet. 
Es bringt auch nichts, zu negativ zu sein und den Kopf in den Sand zu stecken. Das Einzige, das jetzt hilft ist, dass man handelt. Daher ist da immer so ein gewisser Hoffnungsschimmer. Und das symbolisiert ja auch das „Eraser“ – Video mit dem Strick am Ende, wenn noch einmal zurückgespult wird: es ist sehr sehr spät. Es ist nicht fünf vor zwölf, sondern fünf nach zwölf. Aber man kann immer noch was tun. Der Schaden ist da, aber es geht darum, weiteren Schaden zu verhindern. Und das funktioniert nur mit Handeln und das so schnell wie möglich. Deshalb ist ein Fünkchen Hoffnung sogar von Nöten.

“It’s time up. Let’s act now” (Abspann „Eraser“ – Video)

Das war auch mein Eindruck, dass es trotz des Themas nicht deprimiert ist. Und was du gerade gesagt hast: dass die Lieder ja auch die Schönheit der Tiere betonen sollen, ist ein schöner Gedanke, ein Hinweis, worum es geht. Und dass man sich noch mal Gedanken darüber macht, was man da kaputt macht.

Ja genau, das ist der Punkt.

Ich möchte noch einmal auf etwas zurückkommen, was du vorhin gesagt hast: dass ein Konzept hilfreich ist, aber auch viel Arbeit macht. Inwiefern macht es mehr Arbeit?

Wenn wir so etwas machen, dann versuchen wir, es richtig zu machen. So dass alles, was wir machen, zusammenpasst: Cover, Artwork, Fotos, Videos, der Pressetext.
Daher muss man sich vorher informieren, damit man weiß, wovon man spricht. Und das erfordert viel Zeit und Arbeit, macht aber auch Spaß. Und dass man versucht, es allumfassend und ganzheitlich umzusetzen. Deshalb haben wir uns auch an einem bitterkalten Tag in eine Autowerkstatt gestellt und uns mit Öl übergießen lassen und Fotos gemacht, an denen man mit dem Auge hängenbleibt, bei denen man nicht sofort weiterblättert. Dann mussten für die Videos Bildrechte geklärt werden usw.. Das war alles viel Arbeit, die dazukam. Aber das finde ich wichtig., Ein Konzeptalbum bringt nichts, wenn man das so halb macht. Das muss man gnadenlos an allen Fronten durchziehen.

Und da ist dann wieder einfachen einen Rahmen zu haben, innerhalb dessen man sich bewegen kann.

Genau. Es hilft, es ist gleichzeitig mehr Arbeit, schafft aber auch mehr Wert.

Beim Album ist auch die Tüte mit Blumensamen dabei. Wessen Idee war das?

Die Idee hatten wir zusammen mit unserer Plattenfirma. Wir hatten überlegt, was man noch der Box beilegen kann, was nicht so ein Standardkram ist und was zum Thema passt. Die Samen sind ein Symbol dafür, dass jeder eine Kleinigkeit selbst tun kann mit wenig Aufwand, in dem er z.B. eine Blumenwiese anlegt.

Die kommende Tour: ohne Sitze aber mit Schwitzen

Ihr geht ab Februar auf Tour. Bleibt ihr da unter euch oder nehmt ihr die Ensemblemusiker auch mit?

Das wird nicht passieren. Wir überlegen, ob wir einen Support mitnehmen. Aber es wird im nächsten Jahr irgendwann eine Special-Veranstaltung geben, bei der auch die anderen Instrumente mit dabei sein werden. Das mit den Extra-Musikern haben wir auf dem Schirm und werden wir auch irgendwann auf die Bühne bringen.
Die Tour jetzt wird eine normale Rock-Tour werden ohne Sitze aber mit Schwitzen und allem Drum und Dran.

Wenn ihr für eine Tour ein Set zusammenstellt: habt ihr eine Idee davon, welche Songs live funktionieren werden? Könnt ihr aus euren bisherigen Erfahrungen schöpfen oder geht es nach dem Motto: wir probieren es einfach?

Ja, genau, es ist letzteres. Das ist superschwierig. Man weiß das nie, bevor man die Songs wirklich live gespielt hat. Wir haben „Giants Leaving“ auf den Festivals im Sommer gespielt, der kam super an. Der macht auch Bock zu spielen. Er ist wohl einer der einfachsten Songs, die wir je hatten. Das könnte so ein Live-Classic werden. Bei den anderen Songs müssen wir noch sehen, wie es während der Proben ist. Wir werden einige von den neuen spielen, aber welche ist noch unklar. „Kamilah“ wird dabei sein, „Eraser“ und die Biene [„Blood Honey“] kam bis jetzt sehr gut an, obwohl der Song so lang ist.

Best of LDC in einem Song

Hast du einen Lieblingssong vom Album? Und weshalb?

Ich habe drei: nur einen zu nennen ist nahezu unmöglich, da ich sie alle mag. Aber wenn ich welche hervorheben müsste, dann „Kamilah“, weil der so alles, was wir bisher gemacht haben, vereint. Wie ein Best of in einem Song. „Giants leaving“ weil der so knackig ist und so uplifting, eine euphorische Stimmung hat und gleichzeitig melancholisch ist. Also eine ganz eigenartige Mischung, die ich gerne mag. Und dann „Sloth“. Dass Faultier ist einer meiner Lieblingssongs.

Gibt es noch etwas, das du unseren Lesern mit auf den Weg geben möchtest?

Mich würde freuen, wenn sich jeder mal ein bisschen Gedanken über das Thema macht. Sich im besten Falle informiert und überlegt, was er bereit ist, bei sich zu ändern. Also die Wichtigkeit der Situation zu erkennen. Denn es sollte langsam so jedem klar werden, dass wir Verursacher und Teil des Problems zugleich sind. Und dass wir als einzige Spezies Verantwortung haben und gleichzeitig auch die Möglichkeit, etwas zu verändern .

Wir sind Opfer und Täter in einem. Das soll aber nicht wie mit erhobenem Zeigefinger rüberkommen. Aber als Appell, dass jeder für sich selbst beantwortet: was kann ich machen, um etwas zu verbessern?

Vielen Dank für das Gespräch und alles Gute weiterhin fürs Album und die auch für die kommende Tour! (Mehr Infos dazu dort und demnächst hier!)

LONG DISTANCE CALLING haben sich auf ihrem letzten Studio-Album „How Do We Want To Live” mit dem Verhältnis von Mensch und Maschine, dem technologischen Fortschritt und der persönlichen Freiheit beschäftigt.

Und so scheint es nur konsequent, dass sie sich nach der Auseinandersetzung mit humanistischen Grundwerten auch damit beschäftigen, wie der Mensch das Verhältnis zu anderen Lebewesen bestimmt und beeinflusst.

„Eraser“: die Menschheit und vom Aussterben bedrohte Tiere

„Eraser“ ist das achte Album von LONG DISTANCE CALLING. Ideengebend für das Album war eine Dokumentation über einen Grönlandhai, der wahrscheinlich schon 500 Jahre alt ist. So entwickelten LONG DISTANCE CALLING basierend auf einer Liste von vom Aussterben bedrohter Tiere ein Konzept, in dem jedes der ausgewählten Tiere ein eigenes Lied erhalten hat.

Während auf dem Vorgängeralbum stimmig zum Thema Synthesizer und andere technische Elemente umfassend zum Einsatz kamen, haben sie bei „Eraser“ darauf verzichtet. Keine Samples, dafür Violine, Cello, Trompete, Posaune und Saxophon.

Der Opener ist kurz, nur 1:17 lang. Er ist wie ein Hinweis  auf die „Black Box“, die in Tasmanien vergraben wurde. Auf ihr sind die Gründe für die Zerstörung der Umwelt aufgezeichnet. Als Warnung für kommende Generationen.

Die folgenden Lieder sind jeweils einem vom Aussterben bedrohten Tier gewidmet. Los geht es mit „Blades“ (Nashorn), das kraftvoll und rockend beginnt. Ein gut gewählter Einstieg, mit interessanten Schlagzeugpassagen und energischen Riffs. Überraschend das abrupte Ende.

Deutliche Mahnung ohne Worte

„Kamilah“ ist geprägt durch mächtige und kraftvolle Riffs. Das Lied findet einen eher melancholischen Abschluss Kamilah ist ein weiblicher Gorilla aus dem Zoo von San Diego. Sie ist der erste Gorilla, dessen Erbgut vollständig aufgeschlüsselt wurde, um besser zu verstehen, wann sich der Mensch im Laufe der Evolution von den Primaten getrennt hat.

„500 Years“ ist ein großartiger Song. Die anklagende und doch schöne Melodie wird von einer schluchzenden Gitarre gespielt. Im Mittelteil überwiegen dynamische Riffs. Zwischendurch immer wieder Reibungspunkte, die Trauer, Ärger und Verzweiflung andeuten.

„Sloth“ baut sich so bedächtig auf, wie sich das Faultier, dem das Lied gewidmet ist, dem gängigen Bild nach bewegt. Dabei ist „Sloth“ das Lied mit der größten Überraschung. Denn ein Saxophon hätte ich nicht direkt mit  der Musik von LONG DISTANCE CALLING in Verbindung gebracht. Und kein geringerer als der Jazz- und Metalmusiker Jørgen Munkeby (SHINING, JAGA JAZZIST) verleiht der ruhigen und düsteren Saxophonmelodie Energie und Intensität.

Dem Albatros bleibt nicht viel Zeit

„Giants Leaving“ ist dem Albatros gewidmet. Ein antreibendes Motiv zu Beginn, ein durchgängig temporeiches Lied, das leider schon nach 3:28 zuende ist (ich glaube, es ist eines der kürzesten Stücke, die LDC je geschrieben haben.) Der Albatros hätte gerne noch ein paar Runden fliegen dürfen.

Der Biene gehört „Blood Honey“, das progressivste und auch längste Stück des Albums. Die Länge macht es möglich, das Lied langsam aufzubauen und viele überraschende rhythmische und melodiöse Ideen unterzubringen. So gibt es im Mittelteil eine fast schon zarte Perkussion-Passage. Und ansonsten ein Zusammenspiel von Bass und Gitarre, das dem Lied die Spannung gibt.

„Landless King“ ist das Lied des Tigers. Beginnend mit wabernden Klängen, dann zunehmend rockig und dynamisch mit feinen Leads. Energiereich und drängend endet der Song.

Der titelgebende Abschluss „Eraser“ handelt vom Menschen, der seine Umwelt und langfristig auch sich selbst zerstört.
Das Stück beginnt mit schrägen, fast dissonanten Klängen, die von den Streichern aufgegriffen werden. Diese Reibung und das drängende Tempo wirken atemlos. Es gibt einen Punkt, an dem so etwas wie Erschöpfung und Entmutigung durchklingen. Doch am Ende klingt es versöhnlich, hoffnungsvoll.

Mahnung, Hoffnung und Aufforderung zum Umdenken

Auch ohne Worte ist es LONG DISTANCE CALLING mit „Eraser“ gelungen, die Dringlichkeit der Änderung des Verhaltens der Menschen zu vermitteln.

Das Konzept, Stücke zu schreiben über die Tiere, die vom Aussterben bedroht sind, hat ihnen den Rahmen geboten, ihre kompositorischen Möglichkeiten zu nutzen, um diesen Tieren eine Stimme zu geben. Dabei stimmt die musikalische Gestaltung im Wesentlichen mit den Bildern, die ich zu diesen Tieren habe, überein.

Die Musik ist nachdenklich, drängend, anklagend. Aber das Album ist kein Abgesang auf eine Welt, die vom Menschen zerstört wird, sondern Mahnung und Aufforderung zum Umdenken. Dabei ist sie zum Ende hin immer wieder hoffnungsvoll.

An einigen Stellen hätte ich mir mehr Reibung und Dissonanzen gewünscht, um die Dringlichkeit des Umdenkens und Handelns zu verdeutlichen. Auf der anderen Seite ist es gut, dass die Hoffnung darauf, dass die Menschheit zu Einsicht und Veränderung in der Lage ist, Raum in der Musik gefunden hat.

„The Antidot to Fast Food Music”

Insgesamt ist das Album härter und progressiver als die Vorgänger. „Eraser“ ist musikalisch ideenreich und vielseitig. Und handwerklich wie immer großartig. Eines der Merkmale der Musik von LDC ist das Prinzip der Wiederholung, das den Stücken eine Struktur gibt, die Detailarbeit zulässt. Auch „Eraser“ wartet mit besonderen Details auf, die überraschen

Außerdem setzen die akustischen Instrumente Akzente und geben z.B. den Riffs einen weiteren Klang. Der Verzicht auf Samples jeglicher Art, war sicher eine Herausforderung, der sich LDC erfolgreich gestellt haben.

Die Qualität der Komposition besteht für mich auch darin, dass alle Instrumente gleichberechtigt sowohl die Basis schaffen als auch gestalterische Details einbringen. Der Mix unterstreicht dies bei „Eraser“ noch.

Also kurz und knapp: es ist ein großartiges Album.

Heute starten LONG DISTANCE CALLING mit einer Tour, die sie von Hamburg über Berlin nach Köln führt. Elf Termine sind es insgesamt, an denen sie ihr letztes Album „How Do We Want To Live“ präsentieren.

„Eraser“ – von LONG DISTANCE CALLING 

Mit der Tour und auch mit einer ersten Single „Kamilah“ vom kommendne Album verkürzen LONG DISTANCE CALLING uns die Wartezeit bis zum 26. August 2022.

Für die Veröffentlichung von „Kamilah“ haben sich LONG DISTANCE CALLING den Earth Day 2022 am 22. April 2022 ausgesucht. Denn in jedem Song des Albums „Eraser“ geht es um eine vom Aussterben bedrohten Tierart.

Der jetzt veröffentlichte Song „Kamilah“ soll das Konzept des Albums bekannt machen.

„Kamilah“ ist ein weiblicher Gorilla aus dem Zoo von San Diego. Sie ist der erste Gorilla, dessen Erbgut vollständig aufgeschlüsselt wurde. Dies soll helfen zu verstehen, wann sich der Mensch auf seinem evolutionären Weg von den Primaten getrennt hat. Und auch, was den Menschen vom Affen unterscheidet.

Wilderei sowie die Zerstörung ihrer Lebensräume (z.B. durch Rodung, Straßenbau, Bergbau) haben dazu geführt, dass ihr Lebensraum – und damit ihre Lebensmöglichkeiten – immer kleiner wird und sie daher vom Aussterben bedroht sind.  

Humanistische Grundwerte, Zerstörung und Aussterben

LONG DISTANCE CALLING haben sich auf ihrem letzten Studio-Album „How Do We Want To Live” mit dem Verhältnis von Mensch und Maschine, dem technologischen Fortschritt und der persönlichen Freiheit beschäftigt.

So scheint es nur konsequent, dass sie sich nach der Auseinandersetzung mit humanistischen Grundwerten auch damit auseinandersetzen, wie der Mensch das Verhältnis zu anderen Lebewesen bestimmt und beeinflusst.

Progressiver Instrumentalrock und ein animiertes Musikvideo

„Kamilah“ wird durch ein von Costin Chioreanu gestaltetes animiertes Video visualisiert. Bunt und fast schon psychedelisch erzählt es die Geschichte einer Zerstörung. Es berührt ohne Worte, ebenso wie die Musik, die melancholisch, aber rockig mit metallischen Elementen ist.

Die Tracklist verrät zunächst nicht, um welche Tiere es geht, gibt aber durchaus Hinweise:

1. Enter: Death Box 
2. Blades 
3. Kamilah 
4. 500 Years 
5. Sloth 
6. Giants Leaving 
7. Blood Honey 
8. Landless King 
9. Eraser

Das Album wird es CD sowie 2LP (180/gatefold) in verschiedenen Farben geben.

Tourtermine

Und hier noch die Termine der Tour

04.05.22 │ Hamburg (Kleine Elbphilharmonie) ausverkauft
05.05.22 │ Dresden (Tante-Ju)  neue Venue!
10.05.22 │ Hannover (Pavillon)
11.05.22 │ Mannheim (Capitol)
12.05.22 │ Stuttgart (Liederhalle, Mozart-Saal)
13.05.22 │ Leipzig (Peterskirche)
14.05.22 │ Berlin (Passionskirche)
15.05.22 │ Frankfurt (myticket Jahrhunderthalle Club)
16.05.22 │ München (Backstage Werk) neue Venue!
18.05.22 │ Bochum (Christuskirche)
19.05.22 │ Köln (Theater Am Tanzbrunnen)

Mit „Ghost“ haben LONG DISTANCE CALLING sowohl ihrer Experimentierfreude freien Lauf gelassen als auch handwerkliches Können gezeigt. Dadurch ist diese Jam – EP vielschichtig, spannend und ein wenig verrückt geworden.

Mensch, Maschine und persönliche Freiheit

Im Sommer 2020 konnten sie mit dem Album „How Do We Want To Live“ Platz 7 der deutschen Albumcharts erreichen. Ein Ergebnis, das für ein Instrumentalalbum eher ungewöhnlich ist.

„How Do We Want To Live” beschäftigt sich mit dem Verhältnis von Mensch und Maschine. Und darum, ob und wie persönliche Freiheit mit technologischem Fortschritt vereinbart werden kann. Dabei wird die grundsätzliche Frage danach, wieviel Technik und Maschinen der Mensch in sein Leben lassen sollte, nicht beantwortet. Der Denkanstoß und die Offenheit der Frage werden durch die Musik noch unterstützt. Und der Verzicht auf Worte, die ja immer konnotiert sind, lässt eigenen Gedanken viel Raum.

„Nighthawk“ Re -Release als Vinyl

Am 23. July 2021 wird es die Jam – EP „Nighthawk“ auf Vinyl geben. Hier könnt ihr unter vier Farben wählen.

Dazu die Band:

Wir freuen uns Euch nach 7 Jahren noch einmal 4 wundervolle farbige Vinylvarianten unserer NIGHTHAWK EP präsentieren zu können, wir sind sehr happy mit dem Ergebnis und hoffen, damit dem Ein oder Anderen eine Freude zu machen. LOVE LDC

„Nighthawk“ ist erstmals 2014 erschienen. Die EP zunächst im Rahmen einer Crowdfunding – Aktion. Auch damals haben LONG DISTANCE CALLING  innerhalb weniger Tage sieben Stücke aufgenommen. Schon hier haben sie gezeigt, dass sie aus dem Jammen heraus auf den Punkt kommen können. Das, was LDC ausmacht, ist hier zu hören: dichte und fette Riffs, aus denen sich großartige Klänge entwickeln. Dynamische Rhythmen und verzweigte Gitarrenarbeit, rockige Strukturen und psychedelische Passagen. Auf „Nighthawk“ ist Martin Fischer mit dabei, der an den Keys für flirrende Muster im Klangteppich sorgt.

Experimentierfreude und Atmosphäre

Für die, die eventuell bereits alle Alben haben, wird die EP eine bereichernde Ergänzung sein. Denn man kann hier einiges mehr über die Musik der Band erfahren. LDC

Und Vinyl – Liebhaber werden ihre Freude an der Gestaltung der EP haben.
Hier das Stück „NH 0549“:

LONG DISTANCE CALLING – live:

Ja, LDC sind bereits im July 2021 wieder live unterwegs.

Summer Escape Shows 2021

18.07.21 │Frankfurt, Batschkapp Sommergarten
25.07.21 │Trier, Arena Open Air Sommer – Kulturlust 21
07.08.21 │Dortmund, Junkyard Sommerbühne
20.08.21 │Köln, Freideck Kantine Open Air
21.08.21 │München, Backstage Kultursommer In Der Stadt
22.08.21 │Aarau (ch), Kiff

Seats & Sound Tour Pt. II – 2021 – How Do We Want To Live?

29.11.21 │Köln, Theater Am Tanzbrunnen
30.11.21 │Hamburg, Kleine Elbphilharmonie
01.12.21 │Berlin, Passionskirche
02.12.21 │Dresden, Lukaskirche
03.12.21 │Leipzig, Peterskirche
04.12.21 │München, St. Matthäus
05.12.21 │Frankfurt am Main, Jahrhunderthalle Club
06.12.21 │Mannheim, Capitol
07.12.21 │Stuttgart, Mozartsaal
08.12.21 │Hannover, Pavillon
09.12.21 │Bochum, Christuskirche