Interview mit Lindy-Fay Hella
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Interview with Lindy-Fay Hella (Lindy-Fay Hella & Dei Farne, WARDRUNA)
(die deutsche Übersetzung findet ihr unter dem Original)
![Lindy-Fay Hella](https://metal-heads.de/wp-content/uploads/2024/06/DSC09780-1-800x1200.jpg)
Hey Lindy-Fay, It is very nice that you are taking the time to answer a few questions for me. In March this year, you released your third album, “Islet.” As I prepared for the interview, I immediately had many questions. I am always interested in how someone came to music, and which influences (people, other musicians, experiences) contributed to that journey. And specifically in your case, what role singing/your voice plays.
Thank you very much Birgit for your interest in my musical projects and the latest album, Islet, created with Dei Farne.
The press release for “Islet” mentions, among others: for fans of Depeche Mode, Chelsea Wolfe, Kælan Mikla, Einstürzende Neubauten, Eivør, Ivar Bjørnson & Einar Selvik. This is a broad spectrum, ranging from electronic music to gothic, synthpunk, and folk in a broader sense. How would you describe your music (especially concerning the new album)?
Where does it stand in this spectrum?
I would like to use the words from some of our listeners who says Islet is a melancholic album. It certainly is, but not without a glimpse of light here and there.
Roy Ole Førland and I wanted to keep the kind of coldness and the feeling of being alone on this album. We created the music together by sending ideas to each other, mainly during the Corona times. „Islet“ is synth and vocal-based, since these are our main instruments and what we solidly used when creating. Drums (additional to the programmed ones), Nyckelharpa and Hurdy Gurdy have been added later, to get some kind of warmth and humanity to some of the songs. It is difficult for me to say where it stands on the spectrum, but maybe like dark, melodic synth and vocal-based music?
Walking in Circles to Boney M.
You started making music at an early age. I read that you grew up in a household with a lot of music and initially played a Hammond organ. What are the first ‚musical‘ moments that you would say shaped you or that you particularly remember?
I still remember when I was walking in circles around the heater that stood in the middle of the living room in my Father’s house, listening to music. It was in the late 70s and it was kind of a dance I guess, while keeping warm at the same time. The house was not isolated back then, you know. Boney M was one of my favourites and I still remember the pure joy when a song that I liked came out of the speakers. What got me into synths though, was Depeche Mode. I was sitting in a car, on a very boring road and suddenly „A question of time“ was on the cassette player. I was totally mesmerised to a degree that I can remember what part of the road we were at when the song came on. It was at a place called Isdalstø.
So Depeche Mode impressed you and sparked your enthusiasm for electronic music.
How do you feel when you listen to these songs today (if you still do)?
I am still listening to them, but mainly the earliest albums, with my favourite “ Black Celebration“ included. I am feeling that I am listening to something Avant Garde and something very unique.
Then the music of Depeche Mode and the impression that this is something unique was the reason why you wanted to play synthesiser? What fascinated you about the synthesizer that it still plays an important role today?
Yes, that is true. I also listened a lot to Vangelis and Jean Michelle Jarre though. It still plays an important role for me. I think it has to do with the many possibilities synths have, but also the fact that you can get a very precise, industrial sound and deep bases that are unique for this instrument.
„You have to sing!“
![Lindy-Fay Hella](https://metal-heads.de/wp-content/uploads/2024/06/DSC09899-1-800x1200.jpg)
Your cousin Ingolf Hella Torgersen is said to be responsible for getting you to start singing.How or with what did he convince you?
It was actually Ingolf who has done some of the Drums on prior albums and my cousin, Roy Thomassen, who is to blame for my singing. He is like my older brother and I spent a lot of time with him when growing up. I was very shy when I was little and only played the piano, and never sang. He simply said: „You have to sing Lindy-Fay, one day you will travel the world and sing, I just know it!“ So, he played music to me with some of the great singers from the 50s-60s, Brenda Lee and Connie Francis among others and continued to do so, until I finally sang. The feeling of „speaking out“ was tremendous and I am happy that my cousin Roy did not give up on me.
The voice then increasingly became a means of expression/an instrument for you. What does the voice enable you to express that cannot be achieved with the synthesizer?
With the voice, you can deliberately use the resonance of your own body, to manipulate the sound. However, synths have been an inspiration for me vocally as well. On certain synths, there are filters you can use, to change the sound itself, how sharp or dulled you want it, the attack, sustain and release. All this you can do with the voice as well, except from the extreme low and high sounds.
During your studies, you sang in a punk band. You also had classical singing lessons and learned different singing techniques. Which experiences that you made during this time still play a role for you today?
Oh yes, it still does. My teacher, Benedicte Sjøvold, who I still visit from time to time, is excellent. She is one of the teachers at the Grieg Academy in Bergen. Although I was learning classical singing at that time I started with her, she was and is very alternative and accepted my different look at things. I do take with me the exercises of the voice, that are more classical, but for most part sing in another way.
ULLAN GENSER
You then sang in the duo ULLAN GENSER with Arne Sandvoll. Here, electronic music was already an important element. Why didn’t you continue with the project? I couldn’t find an album, but two cool videos.
Ullan Gensa is still existing, it is just that Arne and I are very much the same when it comes to making music. We both make a lot of things but are not tidy individuals. So, all the songs where I also play synth and harmonium are lying unfinished here and there on different computers. We plan to gather it up, mixed and mastered at one point though, especially after I was stopped by a guy outside a record shop a while ago, asking me „Are you not the one from ULLAN GENSA? Please, you guys have to release that stuff!“ He had been to one if our few concerts in Bergen at the beginning of 2000. ULLAN GENSA is also the reason why Arne and I are in WARDRUNA. Einar was in the audience back then too.
Since the early 2000s, you have been part of WARDRUNA. Here, you not only sing but also contribute to the melodies you sing. Why was it later important for you to release your own album? Were these ideas you had had for a long time that were just ‚ripe‘ to be realized at that time?
It is only because I finally felt the urge to release something since I needed to climb out of my comfort zone. I have always participated in different musical projects, so in a way, it was just the first time presenting something under my own name, the „Seafarer“ album. It was supposed to be an acapella, but I changed my mind. Some of the songs you can hear on Soundcloud in its raw state though, before going into studio with Herbrand Larsen.
„Seafarer“ and „Hildring
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In “Seafarer,” released in 2019, I like the interplay and also the contrast between the electronic elements and your ‚organic‘ voice. And the longing and a kind of curiosity expressed in the songs. What longings found their expression here? Or did other aspects play a role for you? Where did the inspiration for the music and lyrics come from?
I have to be honest and say that the final push that made me make and release this album, was the suicide of my dear friend, Thomas Dakota. I was absolutely devastated, and the song „Seafarer“ is written to him. The whole album is in memory of him. Still, there are moments when I take a break in whatever I am doing at the moment, sending thoughts of “ wherever you are in the Universe dear Thomas Dakota, I wish you all the best. You are beautiful and will forever be loved!“
This is a sad and at the same time touching story. I will now listen to the album differently. Then, in 2021, “Hildring” followed. In my review, I wrote that the album seems to be a constant search for the unknown and is full of curiosity about what nature, the past, dreams, and the universe have to offer.
Did I understand that correctly? Do these aspects play a role? Are you a curious person?
You understood it perfectly and yes, I am a very curious person. The world has so much to it. More than it is possible to understand and that’s what makes it irresistible to me. I always want to see what is behind the hill or at the end of the Ocean. And a dream of mine would be to enter a Spaceship, travel through the Galaxies, and just look at stuff.
This year, “Islet” was released. I find it to be a very melancholic album. Melancholy has also played a role in the previous albums. But in “Islet,” it seems to be combined with loneliness, longing, and loss. “Slowly the Light Dies Out” sounds to me not only of loneliness but also of isolation. What does this song mean to you?
Haha, yes! You also find it melancholic, that’s just perfect! We have heard that from several of our listeners. The lyrics for „Slowly the light dies out“ is written by my cousin on „Islet“ for this song.
Fairy Tales
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Have the lyrics been there first and then the music? Or is it that you have the music and then ’search‘ for lyrics?
Yes, I always have the melody before the words come. When making the melody for “Slowly the Light Dies Out” I was thinking of the story “ Little Match Girl “ by H.C Andersen. It is one of my favourite fairy tales and the only one that makes me cry every time I read it. Roy’s words fitted perfectly to.this state of mind and when telling him what the song was actually about, he said; “ But, that was my Mother’s favourite story as well.“ My beloved aunt, Kari, died some years ago, so it warmed my heart to hear that we shared the same favourite fairytale.
Overall, you have been ’sparing‘ with words on the album. Where do the other lyrics come from? What inspired you? What role do words play in your music/in connection with the music? To me, they have given shape to the emotions you express with the music on “Islet.”
A lot of time is usually used to get the right words for the album. I like to find simple and few words, since I feel that then it can grow different kinds of stories out from those words, depending on the listeners. Those words have to be just right though. I usually do long walks, just observing things, but also take inspiration from meeting with people and so on. And of course, the unknown, the mystery of the Universe. The impressions from a journey for example. It can take months before stories take shape in my mind.
In all your albums, your voice is the mediator, the connecting element between ideas, between rhythm and melody, between music and words. And at the same time, a distinctive, defining element. What particularly impresses me is not only the range and variability in which you use your voice but also the intensity and breadth. Sometimes your voice is very intimate, and then again it fills the space and sounds as if you are trying to bring something distant into focus. Does classical singing and the different singing techniques and forms help you with this?
Classical technique and training has helped to preserve and stretch the voice I think, but it is actually the freedom of totally breaking free from the Classical that has personally given me the most. I discovered by listening to Tribal music around the world, that the sound is more „direct“ almost like an extension of your speaking voice. Sometimes almost shouting, but not quite. In classical singing, this is not accepted, but to me the „tribal“ sound felt much more natural in my body. I appreciate all kinds and styles of voice production though.
Are traditions important to you?
It is important to keep traditions and treasure them, but also to be open to new impulses
Breathing, sound of voice and singing
There are melodies on “Islet” that sound folkloric not only through the instruments used. E.g., Nyckelharpa played by John Stenersen). For me, part of the tension in the songs lies in the combination of folk elements and electronic components. How much has folklore – be it stories or music – influenced or even shaped you?
I have a huge love for Folklore. This morning, for example, I was reading one of the lesser-known Norwegian Fairy Tales, collected by Asbjørnsen and Moe, a couple of 100 years ago. I’m also a huge fan of the Brothers Grimm and when I stay for a longer time in other places in the world, I ask people I meet if there are any traditional stories, about Ghosts and so on connected to the area. And food. To taste traditional food when travelling is something I always do. My grandfather was a great storyteller and whenever I joined him through the forest and out in the fishing boats, he told stories along the way about Trolls, Huldra, Draugen, Nøkken, the Fox, Ravens Tor and Odin, all kinds of things he could come up with. It has been and still is, a huge inspiration.
What I particularly noticed about “Islet” is how organic the breathing and voice sound. It is as if one is standing right next to you while you are singing. The singing and the lyrics sound dense and compact, bringing them very close to the listener. Was it important to you that the voice sounds so direct, ‚unfiltered‘?
Yes, that was important to both Roy Ole and I and that’s why we chose to work with producer Iver Sandøy again. He is a huge advocate for the raw aspect in both music and voice and we are certain that he will never polish the sound to get it „pretty and easier for the ear.“ Rugged, windswept and chilly, like the west coast of Norway on an Autumn day, is what we went for.
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It is called Lindy-Fay Hella & Dei Farne. In the photos for “Islet,” you are only seen with Roy Ole Førland. Are the other musicians only “guests”?
We are a duo basically. Roy Ole Førland and I. However, we do have with us guests and this time it was Iver Sandøy as producer added synths, Sondre Veland for drums and percussion, John Stenersen played Nyckelharpa, Hurdy Gurdy and Jørgen Træen who added synths and was sidekick producer on a couple of the songs, and Roy Thomassen who wrote the lyrics on „Slowly the Light dies out“ and has co-written lyrics on “The Fluttering Sail”.
Where does the name “Dei Farne” come from?
„Dei Farne“ means in our dialect “ those who have gone/ travelled”. It is kind of an “Umbrella name”, to make sure whoever is our guest on an album or live, gets included under „Dei Farne.“
It is Roy Ole and I that are working together for most of the time though and for that reason and since guests are different, it is natural only to have the photos of us.
Shows in Denmark and at Midgardsblot
And finally: what’s next? Will you play concerts, or go on tour?
We will have a few selected shows this year, soon in Denmark, then Midgardsblot here in Norway. There will be some other locations most likely, before Yule, which will be revealed soon.
Thank you very much for the interview and have a great time at Midgardsblot!
You can read the review of “Islet” here tomorrow.
Inteview mit Lindy-Fay Hella (Lindy-Fay Hella & Dei Farne, WARDRUNA)
Hey Lindy-Fay, ich freue mich, dass du dir die Zeit nimmst, mir ein paar Fragen zu beantworten.Im März dieses Jahres hast du dein drittes Album „Islet“ veröffentlicht. Während ich mich auf das Interview vorbereitete, kamen mir sofort viele Fragen in den Sinn.Ich bin immer daran interessiert, wie jemand zur Musik gekommen ist und welche Einflüsse zu diesem Weg beigetragen haben.
![Lindy-Fay Hella](https://metal-heads.de/wp-content/uploads/2024/06/DSC09780-1-800x1200.jpg)
Vielen Dank, Birgit, für dein Interesse an meinen musikalischen Projekten und dem neuesten Album, „Islet“ das gemeinsam mit Dei Farne entstanden ist.
Die Pressemitteilung zu „Islet“ erwähnt unter anderem: für Fans von Depeche Mode, Chelsea Wolfe, Kælan Mikla, Einstürzende Neubauten, Eivør, Ivar Bjørnson & Einar Selvik. Das ist ein breites Spektrum, das von elektronischer Musik über Gothic, Synthpunk und Folk im weiteren Sinne reicht. Wie würdest du deine Musik beschreiben? Wo steht sie in diesem Spektrum?
Ich würde gerne die Worte einiger unserer Zuhörer verwenden, die sagen, dass „Islet“ ein melancholisches Album ist. Das ist es sicherlich, aber nicht ohne einen Hauch von Licht hier und da.
Roy Ole Førland und ich wollten auf diesem Album eine Art Kälte und das Gefühl des Alleinseins bewahren. Wir haben die Musik hauptsächlich während der Corona-Zeit zusammen kreiert, indem wir uns Ideen hin- und herschickten. „Islet“ basiert auf Synthesizern und Gesang, da dies unsere Hauptinstrumente sind und wir sie intensiv genutzt haben. Später wurden Schlagzeug – zusätzlich zu den bereits programmierten – Nyckelharpa und Drehleier hinzugefügt, um einigen Songs eine Art Wärme und Menschlichkeit zu verleihen. Es fällt mir schwer zu sagen, wo siw Musik in diesem Spektrum steht, aber vielleicht ist es dunkle, melodische Synth- und gesangsbasierte Musik?
Du hast schon in jungen Jahren begonnen, Musik zu machen. Ich habe gelesen, dass du in einem Haushalt mit viel Musik aufgewachsen bist und zunächst eine Hammond-Orgel gespielt hast. Was sind die ersten „musikalischen“ Momente, die dich geprägt haben oder an die du dich besonders erinnerst?
Zu Boney M. im Kreis gelaufen
Ich erinnere mich noch daran, wie ich im Wohnzimmer meines Vaters um den Heizkörper herumlief, Musik hörte und dabei tanzte, während ich mich gleichzeitig warm hielt. Es war Ende der 70er Jahre und das Haus war nicht gut isoliert. Boney M war einer meiner Favoriten und ich erinnere mich noch an die pure Freude, wenn ein Lied, das ich mochte, aus den Lautsprechern kam.
Was mich jedoch zu Synthesizern gebracht hat, war Depeche Mode. Ich saß in einem Auto, auf einer sehr langweiligen Straße, und plötzlich lief „A Question of Time“. Ich war so fasziniert, dass ich mich noch daran erinnern kann, an welchem Teil der Straße wir waren, als das Lied begann. Es war an einem Ort namens Isdalstø.
Also haben dich Depeche Mode beeindruckt und deine Begeisterung für elektronische Musik geweckt. Wie fühlst du dich, wenn du diese Lieder heute hörst (wenn du es noch tust)?
Ich höre sie immer noch, aber hauptsächlich die frühesten Alben, inklusive meines Favoriten „Black Celebration“. Ich habe das Gefühl, dass ich etwas Avantgardistisches und sehr Einzigartiges höre.
Dann war die Musik von Depeche Mode und der Eindruck, dass es etwas Einzigartiges ist, der Grund, warum du Synthesizer spielen wolltest? Was faszinierte dich am Synthesizer, dass er auch heute noch eine wichtige Rolle spielt?
Ja, das stimmt. Ich habe jedoch auch viel Vangelis und Jean Michel Jarre gehört. Synthesizer spielen immer noch eine wichtige Rolle für mich. Ich denke, es hat mit den vielen Möglichkeiten zu tun, die Synthesizer bieten, aber auch mit der Tatsache, dass man einen sehr präzisen, industriellen Klang und tiefe Bässe erzeugen kann, die für dieses Instrument einzigartig sind.
„Du musst singen!“
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Dein Cousin Ingolf Hella Torgersen soll dafür verantwortlich sein, dass du angefangen hast zu singen. Wie oder womit hat er dich überzeugt?
Tatsächlich sind Ingolf, der übrigens bei früheren Alben einige der Schlagzeuge gespielt hat, und mein Cousin Roy Thomassen dafür verantwortlich, dass ich singe. Er ist wie ein älterer Bruder für mich und ich verbrachte viel Zeit mit ihm, als ich aufwuchs. Ich war sehr schüchtern, als ich klein war, und spielte nur Klavier und sang nie. Er sagte einfach: „Du musst singen, Lindy-Fay! Eines Tages wirst du um die Welt reisen und singen, das weiß ich einfach!“ Also spielte er mir Musik von einigen der großartigen Sängerinnen der 50er-60er Jahre vor, Brenda Lee und Connie Francis unter anderem, und tat dies weiter, bis ich endlich sang. Das Gefühl, „die Stimme zu erheben“, war enorm, und ich bin froh, dass mein Cousin Roy nicht aufgegeben hat.
Die Stimme wurde dann zunehmend ein Ausdrucksmittel, ein Instrument für dich. Was ermöglicht dir die Stimme, das mit dem Synthesizer nicht erreicht werden kann?
Mit der Stimme kann man bewusst die Resonanz des eigenen Körpers nutzen, um den Klang zu manipulieren. Synthesizer waren jedoch auch eine Inspiration für mich beim Gesang. Bei bestimmten Synthesizern gibt es Filter, mit denen man den Klang selbst verändern kann, wie scharf oder gedämpft man ihn haben möchte, den Anschlag, das Sustain und das Release. All dies kann man auch mit der Stimme tun, außer mit den extrem tiefen und hohen Klängen.
Während deines Studiums hast du in einer Punkband gesungen. Du hattest auch klassischen Gesangsunterricht und hast verschiedene Gesangstechniken gelernt. Welche Erfahrungen, die du während dieser Zeit gemacht hast, spielen heute noch eine Rolle für dich?
Oh ja, das tut es immer noch. Meine Lehrerin, Benedicte Sjøvold, die ich immer noch von Zeit zu Zeit besuche, ist ausgezeichnet. Sie ist eine der Lehrerinnen an der Grieg-Akademie in Bergen. Obwohl ich damals bei ihr klassischen Gesang lernte, war und ist sie sehr alternativ und akzeptierte meinen anderen Blick auf die Dinge. Ich nehme die Übungen für die Stimme mit, die mehr klassisch orientiert sind, aber größtenteils singe ich auf eine andere Weise.
ULLAN GENSER
Du hast dann im Duo ULLAN GENSER mit Arne Sandvoll gesungen. Hier war elektronische Musik schon ein wichtiges Element. Warum hast du das Projekt nicht weitergeführt? Ich konnte kein Album finden, aber zwei coole Videos.
ULLAN GENSA existiert immer noch. Arne und ich uns sehr ähnlich, wenn es darum geht, Musik zu machen. Wir machen beide viele Dinge, sind aber keine ordentlichen Menschen. Also liegen all die Songs, bei denen ich auch Synthesizer und Harmonium spiele, unfertig hier und da auf verschiedenen Computern. Wir planen, sie irgendwann zusammenzutragen, abzumischen und zu mastern, besonders nachdem mich vor einiger Zeit ein Typ vor einem Plattenladen angesprochen hat und sagte: „Bist du nicht die von ULLAN GENSA? Bitte, ihr müsst das Zeug veröffentlichen!“ Er war bei einem unserer wenigen Konzerte in Bergen Anfang der 2000er Jahre.
ULLAN GENSA ist auch der Grund, warum Arne und ich bei WARDRUNA sind. Einar war damals auch im Publikum.
Seit den frühen 2000ern bist du Teil von WARDRUNA. Hier singst du nicht nur, sondern trägst auch zu den Melodien bei, die du singst. Warum war es dir später wichtig, dein eigenes Album zu veröffentlichen? Waren das Ideen, die du schon lange hattest und die einfach „reif“ waren, um verwirklicht zu werden?
Weil ich schließlich den Drang verspürte, etwas zu veröffentlichen, da ich aus meiner Komfortzone herauskommen musste. Ich habe immer an verschiedenen musikalischen Projekten teilgenommen. Das Album „Seafarer“ war das erste Mal, dass ich etwas unter meinem eigenen Namen präsentierte. Es sollte eigentlich ein A-cappella-Album werden, aber ich änderte meine Meinung. Einige der Songs kann man in ihrem Rohzustand auf Soundcloud hören, bevor sie im Studio mit Herbrand Larsen aufgenommen wurden.
„Seafarer“ und „Hildring“
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In „Seafarer“, das 2019 veröffentlicht wurde, gefällt mir das Zusammenspiel und auch der Kontrast zwischen den elektronischen Elementen und deiner „organischen“ Stimme. Und die Sehnsucht und eine Art von Neugier, die in den Liedern zum Ausdruck kommen. Welche Sehnsüchte fanden hier ihren Ausdruck? Oder spielten andere Aspekte eine Rolle für dich? Woher kam die Inspiration für die Musik und die Texte?
Ich muss ehrlich sein und sagen, dass der letzte Anstoß, der mich dazu brachte, dieses Album zu machen und zu veröffentlichen, der Suizid meines lieben Freundes Thomas Dakota war. Ich war absolut am Boden zerstört, und der Song „Seafarer“ ist ihm gewidmet. Das ganze Album ist ihm gewidmet. Es gibt immer noch Momente, in denen ich bei dem, ws ich gerade mache, eine Pause einlege und den Gedanken losschicke: „Wo immer du im Universum bist, lieber Thomas Dakota, ich wünsche dir alles Gute. Du bist wunderbar und wirst für immer geliebt!“
Das ist eine traurige und zugleich berührende Geschichte. Ich werde das Album jetzt anders hören. Dann folgte 2021 „Hildring“. In meiner Rezension habe ich geschrieben, dass das Album wie eine ständige Suche nach dem Unbekannten erscheint und voller Neugier ist, was die Natur, die Vergangenheit, Träume und das Universum zu bieten haben. Habe ich das richtig verstanden? Spielen diese Aspekte eine Rolle? Bist du ein neugieriger Mensch?
Du hast es perfekt verstanden und ja, ich bin ein sehr neugieriger Mensch. Die Welt hat so viel zu bieten. Mehr, als man verstehen kann, und das macht sie für mich unwiderstehlich. Ich möchte immer sehen, was sich hinter dem Hügel oder am Ende des Ozeans befindet. Und ein Traum von mir wäre es, in ein Raumschiff zu steigen, durch die Galaxien zu reisen und einfach Dinge anzusehen.
In diesem Jahr wurde „Islet“ veröffentlicht. Ich finde, das es ein sehr melancholisches Album ist. Melancholie spielte auch in den vorherigen Alben eine Rolle. Aber in „Islet“ scheint sie mit Einsamkeit, Sehnsucht und Verlust kombiniert zu sein. „Slowly the Light Dies Out“ klingt für mich nicht nur nach Einsamkeit, sondern auch nach Isolation. Was bedeutet dir dieser Song?
Haha, ja! Auch du findest es melancholisch, das ist einfach perfekt! Das haben wir von mehreren unserer Zuhörer gehört. Der Text für „Slowly the Light Dies Out“ wurden von meinem Cousin für dieses Lied auf „Islet“ geschrieben.
MÄRCHEN
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Waren die Texte für „Islet“ zuerst da und dann die Musik? Oder ist es so, dass du die Musik hast und dann nach Texten „suchst“?
Ja, ich habe immer die Melodie, bevor die Worte kommen. Als ich die Melodie für „Slowly the Light Dies Out“ machte, dachte ich an die Geschichte „Das kleine Mädchen mit den Schwefelhölzern“ von H.C. Andersen. Es ist eines meiner Lieblingsmärchen und das einzige, das mich jedes Mal zum Weinen bringt, wenn ich es lese. Roys Worte passten perfekt zu diesem Gemütszustand und als ich ihm erzählte, worum es in dem Lied eigentlich ging, sagte er: „Aber das war auch die Lieblingsgeschichte meiner Mutter.“ Meine geliebte Tante Kari ist vor einigen Jahren gestorben, also erwärmte es mein Herz zu hören, dass wir dieselbe Lieblingsgeschichte teilten.
Insgesamt warst du auf dem Album „sparsam“ mit den Worten . Woher kommen die anderen Texte? Was hat dich inspiriert? Welche Rolle spielen Worte im Zusammenhang mit der Musik? Für mich haben sie den Emotionen, die du mit der Musik auf „Islet“ ausdrückst, eine Form gegeben.
Ich verwende viel Zeit darauf, die richtigen Worte für das Album zu finden. Ich mag es, einfache und wenige Worte zu finden, da ich das Gefühl habe, dass dann verschiedene Geschichten aus diesen Worten entstehen können, je nachdem, was der Zuhörer daraus macht. Diese Worte müssen jedoch genau richtig sein. Ich mache normalerweise lange Spaziergänge, beobachte Dinge, lasse mich aber auch von Begegnungen mit Menschen inspirieren und so weiter. Und natürlich das Unbekannte, das Geheimnis des Universums. Die Eindrücke von einer Reise zum Beispiel. Es kann Monate dauern, bis die Geschichten in meinem Kopf Gestalt annehmen.
In all deinen Alben ist deine Stimme das verbindende Element zwischen verschiedenen Ideen, zwischen Rhythmus und Melodie, zwischen Musik und Worten. Und gleichzeitig ein unverwechselbares, prägendes Element. Was mich besonders beeindruckt, ist nicht nur die Bandbreite und Variabilität, mit der du deine Stimme einsetzt, sondern auch die Intensität und Weite. Manchmal ist deine Stimme sehr intim, und dann wieder füllt sie den Raum und klingt, als ob du versuchst, etwas Entferntes in den Fokus zu rücken. Hilft dir dabei der klassische Gesang und die verschiedenen Gesangstechniken und -formen?
Klassische Technik und Training haben geholfen, die Stimme aufzubauen und zu erweitern, denke ich. Aber es ist eigentlich die Freiheit, sich völlig vom Klassischen zu lösen, die mir persönlich am meisten gegeben hat. Ich entdeckte, indem ich traditionelle Musik aus der ganzen Welt hörte, dass der Klang „direkter“ ist, fast wie eine Erweiterung der Sprechstimme. Manchmal ist es fast ein Schreien, aber nicht ganz. Im klassischen Gesang wird das nicht akzeptiert, aber für mich fühlte sich der „Triabalklang“ viel natürlicher in meinem Körper an. Ich schätze jedoch alle Arten und Stile der Stimmerzeugung.
Sind Traditionen wichtig für dich?
Es ist wichtig, Traditionen zu bewahren und zu schätzen, aber auch offen für neue Impulse zu sein.
Atmung, Stimmklang und Gesang
Es gibt Melodien auf „Islet“, die nicht nur durch die verwendeten Instrumente (z.B. die Nyckelharpa gespielt von John Stenersen) folkloristisch klingen. Für mich liegt ein Teil der Spannung der Songs in der Kombination von Folkelementen und elektronischen Komponenten. Wie sehr hat dich Folklore – sei es ihre Geschichten oder Musik – beeinflusst oder sogar geprägt?
Ich liebe Folklore. Heute Morgen zum Beispiel habe ich eines der weniger bekannten norwegischen Märchen gelesen, die Asbjørnsen und Moe vor ein paar hundert Jahren gesammelt haben. Ich bin auch ein großer Fan der Brüder Grimm. Und wenn ich längere Zeit an anderen Orten der Welt bleibe, frage ich die Leute, die ich treffe, ob es traditionelle Geschichten über Geister und so weiter aus dieser Gegend gibt. Und so ist es auch mit dem Essen. Wenn ich unterwegs bin, probiere ich immer das einheimische Essen.
Mein Großvater war ein großartiger Geschichtenerzähler und wann immer ich ihn durch den Wald oder beim Fischen begleitete, erzählte er unterwegs Geschichten über Trolle, Huldra, Draugen, Nøkken, den Fuchs, die Raben, Tor und Odin, alle möglichen Dinge, die ihm einfielen. Es war und ist eine große Inspiration.
Mir ist bei „Islet“ besonders aufgefallen, wie organisch die Atmung und die Stimme klingen. Es ist, als ob man direkt neben dir steht, während du singst. Der Gesang und die Texte klingen dicht und kompakt und kommen dem Zuhörer sehr nahe. War es dir wichtig, dass die Stimme so direkt, „ungefiltert“ klingt?
Ja, das war sowohl Roy Ole als auch mir wichtig, und deshalb haben wir uns wieder für den Produzenten Iver Sandøy entschieden. Er ist ein großer Verfechter des rohen Aspekts sowohl in der Musik als auch im Gesang und wir sind uns sicher, dass er den Klang niemals polieren wird, um ihn „schön und leichter fürs Ohr“ zu machen. Rau, windgepeitscht und kühl, wie die Westküste Norwegens an einem Herbsttag. Das war unser Ziel.
![Lindy-Fay Hella & Dei Farne](https://metal-heads.de/wp-content/uploads/2024/06/DSC08420-1200x1200.jpg)
Es heißt ‚Lindy-Fay Hella & Dei Farne‘. Auf den Fotos zu „Islet“ sieht man nur dich mit Roy Ole Førland. Sind die anderen Musiker nur „Gäste“?
Wir sind im Grunde ein Duo. Roy Ole Førland und ich. Wir haben jedoch Gäste dabei, und dieses Mal waren es Iver Sandøy als Produzent, der auch Synthesizer spielte, Sondre Veland mit Schlagzeug und Percussion, John Stenersen spielte Nyckelharpa und Drehleier und Jørgen Træen Synthesizer. Er war auch bei ein paar Songs Co-Produzent. Und dannnoch Roy Thomassen, der die Texte zu „Slowly the Light Dies Out“ geschrieben hat und bei „The Fluttering Sail“ am Text mitgearbeitet hat.
Woher kommt der Name „Dei Farne“?
„Dei Farne“ bedeutet in unserem Dialekt „diejenigen, die gegangen oder gefahren sind“. Es ist eine Art „Überbegriff“, um sicherzustellen, dass jeder, der auf einem Album oder live unser Gast ist, unter „Dei Farne“ einbezogen wird. Es sind jedoch Roy Ole und ich, die die meiste Zeit zusammenarbeiten. Deshalb und weil es verschiedene Gäste sind, ist es natürlich, dass nur wir auf den Fotos sind.
Shows in Dänemark und beim Midgardsblot-Festival
Und noch eine Frage zum Schluss: Was steht als nächstes an? Werdet ihr Konzerte spielen oder auf Tour gehen?
Wir werden dieses Jahr ein paar ausgewählte Shows haben. Demnächst in Dänemark, dann auf dem Midgardsblot-Festival hier in Norwegen. Es wird höchstwahrscheinlich vor Weihnachten noch einige andere Auftritte geben, die bald bekannt gegeben werden.
Vielen Dank für das Interview und eine großartige Zeit auf dem Midgardsblot!
Morgen könnt ihr hier noch die Rezension zu „Islet“ lesen.
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Bildquellen
- Bergen, Norway.Lindy-Fey Hella & Farne during the shooting of the music video of new album ‚Islet‘.: ByNorse Music
- Bergen, Norway.Lindy-Fey Hella & Farne during the shooting of the music video of new album ‚Islet‘.: ByNorse Music
- lindy fay hella & dei farne hildring cover: Gordeon Music
- Bergen, Norway.Lindy-Fey Hella and Roy Ole Forland during the shooting of the music video ‚Islet‘.: ByNorse Music
- lindy fay hella interview: ByNorse Music
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