Adrian Weiss hat im letzten Jahr sein viertes Solo-Album „Dangerous Discipline“ veröffentlicht. Adrian Weiss, der sonst Gitarrist bei GLORYFUL ist, hat in letzter Zeit ‚auf vielen Hochzeiten getanzt‘: Er hat sein Solo-Album veröffentlicht und mit seiner neuen Band SubOrbital das Album „Planetary Disruption“ herausgebracht. Außerdem stand er mit WARRANT beim Ruhrpott Metal Meeting auf der Bühne. Bei diesem Auftritt konnte er nach Ansicht meines Kollegen Chipsy „auf ganzer Linie überzeugen“.

Überzeugend ist ja auch „Dangerous Discipline“. Härter als die Vorgängeralben aber dennoch mit der Melodie als Mittelpunkt der Stücke. Das Album ist eine Kombination aus Melodien, kraftvollen Riffs und Rhythmen. Adrian wird dabei fundiert und facettenreich durch Marcel Willnat am Bass und Sabir Salkic an den Drums unterstützt. Auf diese Weise sind instrumentale Songs zwischen ‚hard and heavy‘ und einprägsamen Melodien entstanden.

Und jetzt gibt es ein Video zum Titel „Night Flight To The Sun“. Auf seinem Album „Dangerous Discipline“ hat Adrian Weiss ja nicht nur ausgehend von einer rockigen Basis Ausflüge in Jazz, Fusion und natürlich auch Metal gemacht, sondern insgesamt 10 Gitarrenkolleginnen und -kollegen gewinnen können. Dadurch gibt es weitere ‚Hinhörer‘ in Form abwechslungsreicher Soli.

Bei „Night Flight to the Sun” werden diese von Alexandra Zerner und Benjamin Schippritt geliefert

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Release – Show mit Andi the Wicked als special guest

Eigentlich sollte die Release-Show zusammen mit dem Release des Albums stattfinden. Das war aber zum damaligen Zeitpunkt nicht möglich. Aber jetzt gibt es einen neuen Termin: am Mittwoch, den 1. Februar 2023 um 19.00 Uhr im Pitcher in Düsseldorf.

Der Eintritt ist frei. Also wer Zeit und ein Faible für Instrumentalmusik hat, sollte sich dieses Ereignis auf keinen Fall entgehen lassen

Zumal mit Andi the Wicked  ein Gitarrist als special guest dabei ist. Auch er hat mit „Sexually Transmitted Mojo“ ein neues Album am Start. Ebenfalls instrumental. Andi the Wicked ist sonst u.a. bei STEELPREACHER für die coolen Soli zuständig. Und so ist es nicht verwunderlich, dass sich ein straight and heavy Metal auch bei  „Sexually Transmitteld Mojo“ wie ein roter Faden durch das Album zieht. Hinzu kommen Hard Rock, Blues und auch klassische Elemente, die Andi nutzt, um ganz unterschiedliche Geschichten zu erzählen.

Dies verspricht ein abwechslungsreicher rockiger Abend zu werden!

Und zur Überbrückung der Wartezeit auf die Release – Show das Video zu „Night Flight To The Sun“

SubOrbital ist eine neu gegründete Death Metal Band aus NRW, die durch die Bank mit sehr erfahrenen Musikern besetzt ist. Am Mikro steht Mark Friedrichs, der normalerweise bei Selfdevoured aus Wuppertal sein Unwesen treibt. An den Drums finden wir Adriano Ricci, sonst bei Night in Gales und Grind Inc am trommeln. An der Gitarre Jens Basten, ebenfalls Night in Gales und Gloryful. Und zu guter letzt noch Adrian Weiss an der zweiten Gitarre, der wiederum ebenfalls bei Gloryful spielt, aber auch durch seine Adrian Weiss Band bekannt ist. Wer gut aufgepasst hat, wird den Bassisten vermissen. Ich denke mal, da wird in Zukunft noch jemand das Lineup komplettieren.

Planetary Disruption

Anhand der Auswahl der Musiker kann man schon erkennen, dass in diesem Projekt eine Menge Potential und Qualität steckt. Die Band steht für Death Metal der alten Schule und wer seine Freude an den frühen Scheiben von Morbid Angel oder Pestilence hat, der wird hier die volle Packung bekommen! Fetteste Death Metal Riffs gepaart mit der brachialen Stimme von Friedrichs, die durchaus an Patrick Mameli erinnert…das ist eine Kombination, die wirklich Spaß macht. Planetary Disruption wird der Erstling heißen und noch in diesem Herbst auf den Markt kommen. Das sehr geile Cover zeigt schon ein wenig, wo es hin geht…Cosmic Death Metal ist die genaue Bezeichnung der Spielart.

Vorbestellen könnt ihr die CD ab sofort hier KLICK! Es gibt auch ein preislich sehr faires Bundle mit Shirt für 25,99!

Erste Single

Und damit das ganze hier nicht zu trocken wird, gibt es auch direkt eine Kostprobe. Denn am 29.09.2022 um 16 Uhr wird der Titeltrack „Planetary Disruption“ der Weltöffentlichkeit vorgestellt. Unter Vertrag stehen die Jungs bei War Anthem Records. Ein erster Livegig fürs kommende Jahr steht ebenfalls schon fest…es wird aufs Party.San 2023 gehen!

In eigener Sache

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„Dangerous Discipline“ ist das vierte Solo-Album von Adrian Weiss, der seine Gitarre sonst bei GLORYFUL ins Spiel bringt.

Von THOUGHT SPHERE, FORCES AT WORK über GLORYFUL und die ADRIAN WEISS BAND bis hin zu seinem aktuellen Death-Metal-Projekt SubOrbital ist Adrian Weiss musikalisch breit aufgestellt.

So verwundert es nicht, dass das neue Album „Dangerous Discipline“ auf rockender Basis auch Ausflüge in Metal, Jazz und Fusion macht.

Mittelpunkt der Stücke ist jedoch jeweils die Melodie, auf die Adrian Weiss ausgehend von Riffs und Leads immer wieder zurückkommt. Die Kombination von kraftvollen Riffs, Melodien und Harmonien lässt instrumentale Songs entstehen, die zusammen ein ausgewogenes Album zwischen ‚hard and heavy‘ und einprägsamen Melodien ergeben.

Die Bandbreite der Möglichkeiten hat Adrian Weiss auf diesem Album noch erheblich erweitert, indem er zwei Gitarristinnen und acht Gitarristen gewinnen konnte, die abwechslungsreiche Soli beitragen.  

Dangerous Discipline: „Be dangerous – but disciplined”

Der Opener „Dangerous Discipline“ ist gut gewählt, weil er wie eine Vorschau bereits die Elemente beinhaltet, die auch in den weiteren Stücken verwendet werden: Riffs bereiten temporeiche Passagen vor, aus denen eine Melodie entsteht. Die rockigen Riffs wechseln sich ab mit entspannteren Parts, die in metallische Klänge und Rhythmen übergehen.

Dieses Stück hatte Adrian bereits für das Vorgängeralbum „Criminal Records“ vorgesehen. Damals war er aber noch nicht zufrieden damit. Gut, dass er den Song nicht in der Versenkung verschwinden ließ.

Kein Pakt mit dem Teufel sondern mit Dee Dammers

„Hand Me My Brass“ ist ein rockiger Song, dessen Riffs von Dee Dammers‘ Song „Deal With The Devil“ (vom Album „Bubbly Joyride To Utopia“) inspiriert sind. Adrian ist keinen Pakt mit dem Teufel, sondern mit Dee Dammers eingegangen, der ein feines Solo beiträgt.

„Night Flight To The Sun” gefällt mir durch die Art, wie sich aus den Riffs und Leads die Melodie entwickelt. Die grundlegenden Anteile stammen von Marcel Willnat, der auf dem Album den Bass spielt. Auf dessen Riffs hat Adrian den Song aufgebaut, zu dem die Tschechin Alexandra Zerner sowie Benjamin Schippritt Soli beitragen.

„Straight By The Crook“ ist ein rundherum tolles Stück, bei dem Stillhalten schwer fällt: temporeich und dabei dicht arrangiert, mit interessanten Rhythmen, eingängigen Melodien und fetten Riffs. Drumming und Bass liefern ein gutes Fundament dafür.

„Withdrawn Into The Dimness“ ist ein langsames, sanftes Stück, das zum Träumen einlädt. Da Adrian es zum Andenken an seinen Vater geschrieben hat, bekommt diese träumerische Sanftheit zugleich etwas Liebevolles.  

Aus der nachdenklichen, ruhigen Stimmung geht es mit dem nächsten Stück energetisch und dynamisch in die andere Richtung. „Face Melting Phenomenon“ ist ein kraftvolles, dynamisches Stück, mit tollen Riffs und einer spannenden Melodie. Außerdem werden die Elemente, an denen man Adrian Weiss‘ Gitarrenspiel erkennen kann, deutlich: schnelles, virtuoses Spiel und sein weicher Wah-Sound. Diesem groovenden Stück fügt der Kanadier Nick Johnston ein virtuoses Solo hinzu.

Soli statt Podcast

Die Riffs für „Anger Management“ hatte Adrian Weiss urprünglich für FORCES AT WORK geschrieben. Fabian Ratsak und Justin Hombach, die sich sonst in ihrem Podcast „Let’s talk Guitar“ mit anderen Musikern über Belastung im Musikbuisness oder die Kunst der Improvisation unterhalten, lassen hier die Gitarren sprechen.

Und während Fabian Ratsak sein Solo eher ruhig entwickelt, wird Justin Hombach seinem Ruf als Shredder durchaus gerecht.

„Sunny Beach Party“ übermittelt mit einer rockigen Grundstruktur und einer eingängigen Melodie die Leichtigkeit eines Spätsommerabends. Dazu spielerische Leads, die die Solopassagen von Patrick Sperling und Martin Miller miteinander verbinden.

Aus einem eher verträumten Beginn mit klarem Gitarrenspiel entwickelt sich „The Grand Illusion“ zu einer Power-Ballade, der man so nicht anhört, dass sie mit der Beschreibung beängstigender Filmsequenzen zu tun hat.

Mit „More Is More“ findet das Album seinen Abschluss. Durch die Kombination der zugrundeliegenden Riffs und Akkordfolgen, aus denen Adrian, Thorsten Praest und Yasi Hofer feine Soli herausspielen, hier noch einmal ein härterer Song, der das Album auf dem Energielevel enden lässt, auf dem es begonnen hat.

Fazit: Leckerer Kuchen mit vielen Sahnehäubchen…

„Dangerous Discipline“ ist einerseits melodiöser andererseits aber auch härter als die Vorgängeralben. Dazu tragen die entsprechenden Riffs und Rhythmen bei, die wiederum durch Marcel Willnat am Bass und Sabir Salkic an den Drums unterstützt und facettenreich ergänzt werden.

Adrian Weiss hat seinen Sound weiterentwickelt. Die Art, wie er die Melodien anlegt und wie sie sich aus den Riffs entwickeln, ist noch deutlicher geworden. Es gibt natürlich auch temporeiche Shreddpassagen, die aber eher Ausschmückung als Selbstzweck sind. Oder wie Adrian es im Interview ausdrückte: sie sind die Sahne auf dem Kuchen.

Es ist ein Instrumentalalbum, bei dem die Gitarre nicht den Gesang ‚ersetzen‘ soll, sondern mit der Melodie spielt.
Wer aber doch noch Text braucht, kann das Booklet nutzen, das ebenso Interessantes über das Album bzw. die einzelnen Stücke enthält, wie das Interview, in dem Adrian Fragen über das Album und die Entwicklung dorthin beantwortet.

…und g(r)ooßartigen Illustrationen

Ein weiterer Grund, sich das Album als CD zuzulegen ist das großartige Cover. Da kommen die kreativen Ideen von Björn Gooßes von KILLUSTRATIONS mit dem Spaß, den Adrian anscheinend an witzigen Bildern hat zusammen. Herausgekommen sind Bilder mit rotem Fleece-Morgenmantel und goldenen Hanteln mit Vinyl als Scheiben – einfach g(r)ooßartig!

Am 1. Oktober 2022 veröffentlicht Adrian Weiss (GLORYFUL) sein inzwischen viertes Solo-Album. Wie die Vorgänger „Big Time“ (2011), „Easy Game“ (2014) und „Criminal Record“ (2016) ist auch „Dangerous Discipline“ wieder ein Instrumental Album.

Instrumental, abwechslungsreich und ‚metallischer‘ ist das Album geworden. Die Frage, ob es daran liegt, dass er mit GLORYFUL zwei Alben samt Tour absolviert und es eine Album-Produktion mit seinem Death-Metal-Projekt SUBORBITAL geben hat, oder es sich aus den vorangegangenen Alben entwickelt hat, hat Adrian Weiss im folgenden Interview beantwortet.

Außerdem haben wir uns über „Songbaustellen“, Entwicklung eines Songs, Individualität, weshalb aus Adrian kein Violinist geworden ist, er nicht unbedingt die Hydra von Steve Vai spielen muss und welche Rolle die Band- und die Gastmusiker gespielt haben.

„Be dangerous, but disciplined!” und ein cooles Cover

Beim Titel „Dangerous Discipline“ und einem Cover mit Hanteln war mein erster Gedanke: hat er schlechte Erfahrungen im Sportstudio gemacht?  Wie bist du auf den Titel gekommen?

Der Albumtitel ist inspiriert durch die Äußerung eines bekannten Psychologen, der sich zur über die Jahrtausende in zahlreichen Kulturen übermittelte Krieger-/ Kämpfermoral äußerte, im Sinne von „Be dangerous, but disciplined!“. Das hat sich dann irgendwie bei mir festgesetzt. Und als ich mit Björn Gooßes (Killustrations) später über mögliche Albumtitel brainstormte, war meine abgeänderte und substansivierte Fassung des zitierten Spruchs schnell einer seiner Favorites. Die Idee der goldenen Hanteln mit Vinyl als Scheiben war natürlich seine Idee.

„Dangerous Discipline“ ist ja kein Konzeptalbum. Gibt es (für dich) so etwas wie einen roten Faden? (Ist so etwas wie ein roter Faden irgendwie relevant?)

Jedenfalls nicht bewußt. Ich arbeite an jedem Song als Einzeltrack bis er reif ist. Das mache ich dann mit so vielen Songs, bis ich meine, dass ich genug für ein Album fertig habe. Ich versuche schon, auf eine gewisse Ausgewogenheit der Art der Tracks innerhalb eines Albums zu achten, damit es rund wird. 

Kannst du das ein wenig erklären?

Beispielsweise fiel mir während des Songwritings von der letzten Scheibe „Criminal Record“ auf, dass das Album eher ruhig und entspannt wird, so dass ich bewusst gegen Ende der Materialsammlung noch 2 härtere, fetzigere Tracks („Bird Hair Day“ und „Completely Cut Loose“) schrieb. Letzteren zusammen mit JEN MAJURA, welche die Riffs und Sogstruktur lieferte.

Die Songbaustelle

Den Titelsong des aktuellen Albums gab es ja schon, als du „Criminal Record“ veröffentlicht hast. Du hattest damals den Eindruck, dass er noch nicht ‚fertig‘ war. Was hatte gefehlt/was hast du verändert, so dass er jetzt sogar Titelsong geworden ist?

Das ist eine sehr gute und interessante Frage! Der Song, der am Ende „Dangerous Discipline“ wurde,  war im Prinzip eine Song-Baustelle, die nach „Criminal Record“ übrig geblieben war. Die einzelnen Parts waren teilweise schon brauchbar, aber in der Gesamtheit noch unausgegoren. An diese Baustelle wagte ich mich dann erst am Ende, als fast alle anderen Stücke fertig waren. Eine alte Baustelle zu überarbeiten ist manchmal schwieriger als was ganz Neues zu machen, das ist ja bei der Gebäudesanierung manchmal ähnlich.

Welche Wände hast du dann eingerissen und was ist stehengeblieben? Was hat eventuell nur einen ‚neuen Anstrich‘ bekommen?

Die ruhigeren/ jazzigen Parts habe ich im Wesentlichen so gelassen und nur leicht überarbeitet, während ich die rockigen/ härteren Stellen komplett neu aufgenommen habe, sogar neue Melodien geschrieben habe, z. B. das erste Hauptthema. Die beiden entspannten Melodiepassagen sind tatsächlich die ‚restaurierten‘ Originalrecordings, die ich schon 2015 aufgenommen hatte.
In der aktuellen Songfassung sind u. a. die Brücken zwischen Entspannung und Spannung/ Heaviness, die ich als musikalische Darstellung von Danger und Discipline verstehe, endlich zu meiner Zufriedenheit konstruiert.
Ähnlich war es übrigens auch bei dem Track „The Grand Illusion“.

Vom Fließen in der Entwicklung und fortschreitendem Alter

Es ist dein viertes Solo-Album. Es wird als ein Album angekündigt, das wieder deutlicher in Richtung Metal geht. Hat das damit zu tun, dass du seit „Criminal Record“ mit GLORYFUL zwei Alben samt Tour gespielt und dann noch ein Album mit dem Death-Metal-Projekt SUBORBITAL eingespielt hast? Warst du ‚im Fluss‘ oder hat es abgefärbt? Oder ist es schlicht die Weiterentwicklung dessen, was du auf den Vorgängeralben bereits genutzt hast?
Oder anders gefragt: Welche Entwicklung siehst du in den Alben?

Dass das Album wieder härter wurde, hat sich einfach so aus dem Fluss ergeben und war nicht bewußt geplant, hat mich aber selbst bei der Gesamtbetrachtung des Albums am Ende beim Mix gewissermaßen überrascht, da ich eigentlich dachte, dass ich mit fortschreitendem Alter eher entspannter Schreiben würde, was aber offensichtlich nicht der Fall ist. Ob es mit mit meinen anderen Bandaktivitäten was zu tun hat, weiß ich nicht.
Was ich an Entwicklung sehe: ich glaube, ich komme von Album zu Album mehr auf den Punkt – mit dem, was ich durch die Melodien in den Arrangements ausdrücken will.

Insgesamt ist das Album meinem Empfinden nach noch melodischer geworden. Ist das eventuell ein besserer Einstieg für Metalfans, die sonst nicht so viel/keine Instrumentalmusik hören?

Danke. Ja, ich denke schon. Die Hauptangst, die ‚normalen‘  Metalhörer vor Instrumentalmusik oft haben, ist durch instrumentale Selbstdarstellung intellektuell überfordert/ gelangweilt zu werden. Wenn man Zuhörer durch packende Melodien mitreißen kann, hat man gewonnen, ob mit Gesang oder nicht.

Wah-wah- Einsatz oder: Woran erkennt man einen Instrumentalmusiker wieder?

Sänger erkennt man an ihrer Stimme. Wenn sich ein Instrumentalmusiker von anderen unterscheiden will, muss er dazu andere Merkmale und Elemente nutzen. Abgesehen von wiedererkennbaren Songs. (Ich hoffe, du hast eine Idee, worauf ich hinauswill.)

Welche Rolle spielt dabei die Spieltechnik? Gibt es etwas, woran man dich sofort erkennt? Ich denke z.B. an deine Slap Technik.

Das ist schwer zu sagen. Die Slap-Geschichte habe ich ja nur auf den letzten beiden Alben „Criminal Record“ und „Easy Game“ ein paar Mal gemacht, und würde es nicht als wesentliches Stilmittel meiner Musik/ meines Gitarrenspiels betrachten. Da sehe ich eher meinen Ton, die Art meiner Melodieführung und evtl. z. B. die Art des Wah-wah-Einsatzes als wesentliches Merkmal, oder z. B. die Kombination von Legatospiel und schnellen Pickingläufen in Solopassagen.

Ich habe eingangs gesagt, dass ich den Eindruck habe, dass das Album noch mehr mit der Melodie arbeitet. Welche Rolle spielt die Melodie für dich? Drückt sie eher die Idee des Songs aus als Riffs oder Rhythmen? Oder gibst du ihr mehr Raum, da sie dir die Möglichkeit zu einem virtuosen Spiel gibt?

Sehr gute Fragen mal wieder. Ich sehe die Melodie schon meist als das Wesentliche meiner Musik. Melodien funktionieren aber nur wirklich gut, wenn Sie durch starke Rhythmik und Harmonie getragen werden. Also in meinem Falle durch gute Drumbeats, Bass und oft auch Riffs/ Rhythmusgitarren. Manchmal ist das Riff an sich aber auch interessant und steht für sich allein. Und manche Riffs funktionieren hervorragend sowohl für sich als auch als Basis für eine darauf basierende Melodie. Das alles zu entdecken und auszuloten, finde ich sehr spannend.

Welche Rolle hat dann das „virtuose Spiel“, das ja auch bei Gitarristen immer wieder thematisiert wird?

Das „virtuose Spielen“ ist dann im Grunde noch die Sahne, die oben drauf kommt. Aber der Kuchen muss schon ohne Sahne schmecken, sonst hilft die Sahne auch nicht weiter.

Warum sich immer auch ein Blick ins Booklet lohnt

Wie ist es bei dir mit dem Verhältnis von Idee, Umsetzung und Titel des Songs? Sind da zuerst die musikalischen Anteile, die eine Idee/ein Thema/einen Rahmen vorgeben, die du dann weiter ausarbeitest? Sind es Situationen, die du erlebt hast, zu denen du einen Song schreibst?

Als erstes habe ich eine Melodie- oder auch Riffidee. Dann baue ich zur Melodie dir Rhythmik oder zum Riff eine Melodie bzw. arbeite es zu einem Riff-/ Melodiearrangement aus.

Wie kommen die Songtitel zustande?

Parallel dazu Pflege ich einen Songtitelpool, in dem ich potentielle Songtitel, oft basierend auf Sprichwörtern, Redewendungen oder Zitaten, die mir gefallen. In der Regel erst wenn dann alle Stücke fertig produziert sind, entscheide ich, welcher Track wie heißt. Dabei achte ich schon darauf, dass die Titel halbwegs zu den Stücken passen.

Kannst du dir vorstellen, Songs konkret für einen Titel zu schreiben?

Stücke nach vorgegebenen Titeln zu schreiben, halte ich aber auch für spannend. Bei einem Konzeptalbum mit vorgegebener Story etwa müsste man dann so arbeiten.

Darüber, worum es in den Songs geht (welche Geschichten, Situationen, Gedanken o.Ä. Anlass, Idee zum Song waren), erfährt man bisher wenig. Findest du, dass es nicht wichtig für den Hörer ist? Oder dass dann der Fokus von der Musik weggeht?

Die intellektuelle Dimension der Titel ist ja nicht immer sehr tief. Oft sind es einfache, manchmal verballhornte Redewendungen, die für sich selbst sprechen, und m. E. keiner weiteren Erläuterung bedürfen (z. B. „Straight by the Crook“, „Hand me my Brass“) und da, wo ich es für nötig halte, führe ich es im Booklet dann auch aus, z. B. „The Grand Illusion“. Manche Titel entspringen meinem Arbeitsalltag, z. B. „Anger Management“. Letztendlich müssen die Stücke aber für sich selbst „sprechen“ und ohne artikulierten Überbau funktionieren.

Ein Blick auf die Anfänge – und weshalb es nicht die Geige geworden ist

Ich weiß gar nicht, ob wir uns darüber schon einmal unterhalten haben: Wie bist du eigentlich zur Gitarre gekommen? Wie ist es dazu gekommen, dass du die Gitarre entdeckt – oder sie dich gefunden hat? Hattest du Unterricht?

Ich habe etwa im Alter von 6-16 Jahren klassischen Geigenunterricht gehabt, da meinen Eltern an einer klassischen Musikausbildung gelegen war. In der Zeit habe ich aber nur wenig geübt und auch keine echte Leidenschaft dafür entwickelt, dennoch aber eine Menge gelernt natürlich. Ich kam dann über meine Kindheitsfreunde und einige Schlüsselerlebnisse in früher Jugend zum Rock und Metal, und traf schließlich mit 15/ 16 Jahren die Entscheidung, dass die Gitarre meine Zukunft werden würde.
Ich übte auch sehr viel und voller Überzeugung, wobei Einiges an Fingerfertigkeit schon von der Violine vorhanden war, denn es fiel mir nicht schwer, auf die Gitarre schnell Fortschritte zu machen.
Unterricht auf der Gitarre hatte ich praktisch nicht, abgesehen von einer Stunde im Jahre 1994.

Von der klassischen Geige zu THOUGHT SPHERE und FORCES AT WORK

Dann scheint der Geigenunterricht ja keine verlorene Zeit gewesen zu sein. Ab 1996 hast du bei den Prog-Metal-Bands THOUGHT SPHERE und FORCES AT WORK gespielt, wobei mehrere Alben entstanden sind.

THOUGHT SPHERE ist aus einem Bandprojekt entstanden, dass es schon seit Ende 1994 gab.  FORCES AT WORK entstand aus einem weiteren Bandprojekt, welches 2000 startete. Die Bands haben sich auch, was die Mitglieder angeht, gewissermaßen überschnitten. THOUGHT SPHERE existierte bis 2002, FORCES AT WORK bis 2014. Mit beiden Bands habe ich insgesamt 8 Alben und EPs veröffentlicht.

An welche Alben oder Songs erinnerst du dich gerne?

Die besten Songs bzw. Alben sind für mich von THOUGHT SPHERE vor allem das vierte und letzte Album „Eos“. Und daraus insbesondere die Tracks „Each Passing Moment“, „Shrine of the Saint“ und „Seventh Raven“. Aber auch die beiden Alben „Eden’s Shore“ und „Vague Horizons“ haben einige gelungene Songs. Und bei FORCES AT WORK  denke ich an das Album „Straight“ und die Songs „Mindslavery“ und „Keep Marchin“.

Welche Bedeutung hat die Zeit mit diesen Bands für dich?

Insgesamt war es eine intensive und sehr kreative Zeit mit den beiden Bands. Wir waren jung, haben viel Zeit im Proberaum und auch im Studio verbracht, uns musikalisch echt ausgetobt und auch Einiges an Konzerten gespielt.

Der Guitar Fight Club

2010 und 2011 warst du Vizemeister beim Guitar Fight Club. Was ist das/was ist die Intention der Veranstaltung und was hat sie für dich bedeutet?

Der Guitar Fight Club war eine Art Festival/ Musikmesse mit Livebands, Workshops etc., in dessen Mittelpunkt eine Art Improvisationswettbewerb stand. Für den Wettbewerb konnte man sich durch Einsendung von zu vorgegebenen Backingtracks eingespielten Gitarrensoli bewerben. Bei der live-Show dann traten die acht von einer Jury ausgewählten Teilnehmer mit einer vom Veranstalter zusammengestellten Begleitband im K.O.-System 1zu1 gegeneinander an. Ich bin damals 2x ins Finale gekommen, habe den Pokal aber nie geholt.

Und da hattest du schon Ideen zu „Big Time“ im Kopf? Hattest du dich zu diesem Zeitpunkt bereits eher als Solist gesehen?

Mit dem ersten Soloalbum hatte ich schon vor der Guitar Fight Club Zeit begonnen, es wurde aber erst 2011 fertig. 2012 war ich dann beim GFC auch nochmal dabei, aber habe es dann nicht mehr ins Finale geschafft. Ich habe damals auf der eigenen Musikmesse des GFC einige Solokonzerte gemacht, das waren meine ersten Soloauftritte überhaupt. Und 2009 war ich mit dem GFC auf der My Music Expo in Dresden und habe dort drei Tage lang Sologigs für den GFC-Stand gespielt, was für mich damals sehr gute und spannende Erfahrungen waren. Die Zeit hat mich schon zusätzlich motiviert, meine Solo-Sache auf live voranzutreiben.

Um aber deine Frage zu beantworten: Ich habe mich immer sowohl als Solist als auch als Bandmitglied betrachtet.

Von Signature- und ungewöhnlichen Gitarren

Dann bist du 2014 bei GLORYFUL eingestiegen. Wie ist es dazu gekommen?

Ich wurde von Sänger Johnny LaBomba zunächst als Aushilfe angeheuert. Er hatte mich auf Facebook gefunden. Das war 2013. Ich habe dann 7 Gigs als Aushilfsgitarrist absolviert, bis mir dann die reguläre Bandmitgliedschaft angeboten wurde, nachdem klar wurde, dass der damalige Gitarrist Vito Pappotto aufgrund anderer Bandverpflichtungen zu wenig Zeit für GLORYFUL hatte.

Wenn ich es richtig im Blick habe, hast du auf deinen Alben dieselbe Gitarre gespielt. Warum gerade diese Gitarre? Was für eine Gitarre ist es und welche Möglichkeiten bietet sie dir?

Seit dem zweiten Album „Easy Game“ verwende ich unter anderem meine Signature-Gitarre, die Orthos Big Time von TS Customs. Es ist eine 6-seitige E-Gitarre, die einfach super klingt!
Timo Schramm von TS Customs kenne ich seit dem ersten GFC 2009, wo er mich „entdeckt“ hat, mit mir ins Gespräch kam, und dann einige Jahre später mit dem Bau der Gitarre begann. Die Orthos bietet eine ungewöhnliche Tiefe und Schönheit im Klang, die ich zunächst einmal erst entdecken musste. Sie hat mir sehr dabei geholfen, meinen Ton zu entwickeln.

Steve Vai hat auf seinem letzten Album „Inviolate“ eine ganz spezielle Gitarre gespielt. Würde dich dieses oder ein vergleichbares Instrument auch reizen? Wenn ja, warum – und ebenfalls: wenn nein, warum nicht?

Ehrlich gesagt reizen mich besonders außergewöhnlich aussehende bzw. gestimmte Instrumente zunächst einmal wenig, da ein ‚normales‘ Instrument schon genügend Optionen bietet, und der Musiker am Ende immer noch nach sich klingt und weniger nach dem Instrument. Von daher: nein.

Vergleiche, Einflüsse und Destillation …

Das war eine klare Antwort bezüglich des Instrumentes. Und wie ist es eigentlich, immer wieder mit Steve Vai oder Joe Satriani verglichen oder an ihnen ‚gemessen‘ zu werden?

Naja, also Satriani und Vai sind die einzigen beiden Instrumental-E-Gitarristen, die auch unter ‚normalen‘ Musikhörern ohne besonderem Interesse an der Instrumentalszene bekannt sind. Die beiden kennt einfach jeder, also wird man natürlich immer mit denen verglichen. Und ich habe die beiden ja selbst auch ohne Ende gehört, von daher hatten sie sicherlich auch einen großen Einfluss auf mich.
Jedenfalls ist das für mich völlig normal, mit denen verglichen zu werden. Und wenn Leuten meine Musik dann auch nach dem Vergleich noch gefällt, freue ich mich natürlich.

In welcher Hinsicht hat ihre Musik, ihre Art zu spielen dich beeinflusst? Was machst du anders als sie?

Ich denke, dass ich den Einsatz des Wah-Pedals von den beiden z. T. abgehört habe, allerdings auch bei John Petrucci, und evtentuell auch den Einsatz von Legato- und Tappingorgien. Ansonsten würde ich sagen, dass meine Musik härter und weniger poppig ist als Satriani und weniger experimentell/ abgefahren ist als Steve Vai. Ich habe mir quasi das, was mir an deren Musik gefällt, herausdestilliert. Ich denke, ich bin aber auch von vielen anderen Gitarristen beeinflusst.

… und die Relevanz einer Diktier-App

Auf dem Album sind verschiedene Musikstile zu hören. Hörst du Musik, um dich inspirieren zu lassen/Inspirationen zu erhalten oder kommen die Ideen auf anderen Wegen zu dir? Oder kommt das ‚automatisch‘, wenn du Musik hörst? Nach dem Motto: das klingt interessant oder das gefällt mir und würde auch in mein Stück passen? Ich denke hier z.B. an „Hand Me My Brass“.

Sowohl als auch. Ich lasse mich gerne von der Musik Anderer Inspirieren. Wenn mir etwas gut gefällt, denke ich oft, „sowas in der Art will ich auch mal machen!“. Oft ist es aber so, dass ich aus dem Nichts heraus plötzlich Melodien im Kopf habe, die ich dann irgendwie festhalte, und dann später verwende. Manche Sachen nehme ich erstmal durch Einsingen in die Diktier-App am Handy auf, um die Idee schonmal festzuhalten.

Um noch einmal auf das Album zurückzukommen: Hast du ein Lieblingsstück? Und was macht es dazu?

Schwer, sich da festzulegen. Ich denke, ich würde mich aber für den Titeltrack entscheiden. Der Song hat alle Facetten, die ich bediene, über Hard Rock bis Thrash-Metal zum entspannten Fusion – organisch in einem Track vereint.

„Face Melting Phenomenon“ ist aber auch gut geworden oder auch „Withdrawn into the Dimness“, der meinem 2021 verstorbenen Vater gewidmet ist.

Es konnten sich Martin Miller, Dee Dammers, Alexandra Zerner, Benjamin Schippritt, Nick Johnston, Thorsten Praest, Patrick Sperling, Justin Hombach, Fabian Ratsak, Yasi Hofer austoben

Du hast bisher auf allen Alben Gastmusiker. Diesmal ist die Liste sogar ziemlich lang. Haben die Auftrittsbeschränkungen usw. unter den Corona-Bedingungen dazu beigetragen, dass so viele Musiker Zeit und Spaß daran hatten, etwas zu deinem Album beizutragen? Ist es auch eine Möglichkeit, euch gegenseitig zu unterstützen/bekannter zu machen?

Ich denke, deine formulierten Annahmen sind alle richtig. Außerdem empfinde ich es immer musikalisch immer sehr interessant, Gastmusiker zu featuren, weil die meist auch eine ganz neue „Farbe“ in den jeweiligen Song hineinbringen.

Die Ideen für die Songs, die grundlegende Struktur, Riffs, Leads usw. stammen ja von dir. Welche Möglichkeiten/wieviel Freiheit hat ein Gastmusiker dann für sein Solo?

Der Gastsolist erhält immer als Referenz den bisher aufgenommenen Track, mit der Maßgabe, wo das Gastsolo hin soll. Durch die vorgelegte Aufnahme, das ‚Playback‘, ist der harmonische Rahmen ja dann schon festgelegt. Innerhalb dessen kann sich der Gastmusiker dann ‚austoben‘. Nur in wenigen Fällen ist es erforderlich, dass ich dann später noch nachbessern lasse.

Release-Show und andere Pläne

Mit Dee Dammers (U.D.O./Dirkschneider, DIRTY D’SIRE) hätte es 2020 gemeinsame Instrumental-Gigs geben sollen, die aus bekannten Gründen nicht stattfinden konnten. Gibt es neue Pläne dafür?

Bisher nicht. Ist ja ohnehin noch nicht sehr leicht Konzerte zu planen, und Dee ist im Herbst mit U.D.O. nun auch schon sehr verplant. Aber irgendwann wird da was passieren, denke ich.

Neben den Gastmusikern hast du ja Marcel Willnat (Bass) und diesmal Sabir Salkic (Drums) dabei. „Dangerous Discipline“ wird aber als Solo-Album vorgestellt. Du hast die meisten Songs ja mit programmierten Drums entwickelt. Die echten Drums und der Bass kamen erst später dazu. Welche Möglichkeiten der Gestaltung hatten Marcel und Sabir letztendlich? Ich finde, dass sie durchaus einen eigenen Anteil haben und ihr wie eine Band klingt und Drums und Bass nicht nur der  Hintergrund sind, vor dem du als Solist ‚brillierst‘.

Ja, ich lasse denen schon innerhalb der von mir vorgegebenen Struktur gewisse Freiheiten der Interpretation, an manchen Stellen mehr und an manchen weniger. Bei „Withdrawn into the Dimness“ hat Marcel ja mit seinem Bass auch schon maßgeblich die Songkomposition mitgestaltet und bereichert, und die Ideen des Drummers empfinde ich auch eigentlich immer als Bereicherung. Meist mache ich mir zu den Drum-Arrangements nur rudimentär Gedanken, und überlasse Vieles an Details dann dem Drummer selbst.

Aber wie gesagt, um als Solist zu „brillieren“, wie du es ausdrückst, musst du von der Basis getragen werden – und die muss erstmal stehen.
Für meine Leute an Bass und Schlagzeug bin ich jedenfalls sehr dankbar, an Sabir vor allem, weil er kurzfristig für meinen eigentlichen Drummer Lars Zehner einsprang. 

Wann und wo wirst du mit deiner Band live zu erleben sein?

Bisher ist eine Album-Release-Show geplant für Freitag den 30.09.2022 im Pitcher in Düsseldorf. Meine Band GLORYFUL wird an dem Abend ebenfalls spielen, es wird also eine Doppel-Show für mich.

Also das sollte man sich wirklich nicht entgehen lassen! Gibt es zum Abschluss noch etwas, das du unseren Lesern mit auf den Weg geben willst?

Das Album kann man als CD oder Download (auf adrianweiss.bandcamp.com vor)bestellen. Dort sind auch die älteren Alben erhältlich. Die nächste Single mit Video erscheint am 11.09.22, das Album wird dann am 1.10.22 veröffentlicht.

Danke, Birgit und Metal Heads für das Interesse!

Gitarrenvirtuose Adrian Weiss hat sein viertes Solo Album fertig gestellt. Es hört auf den Namen Dangerous Discipline und wird am 01. Oktober 2022 auf den Markt kommen. Der Gitarrist der Bands Gloryful und SubOrbital ist für ausgefeilte Riffs bekannt. Wie immer ist das ganze rein instrumental gehalten.

Es gibt bereits eine Video zum Titeltrack, welches ich euch nicht vorenthalten möchte. Auffällig sind, natürlich neben den Gitarrenriffs, auch die fetten Basslines. Satter Rock- bzw. Metalsound wird immer wieder von ruhigeren Parts unterbrochen, die fast schon ein wenig funky klingen. Macht euch selbst mal ein Bild…ich finde, dass klingt richtig satt produziert.

Artwork

Für das Artwork zeichnet sich mal wieder Björn Gooßes verantwortlich. Der in der Szene sehr umtriebige Sänger von The Very End und Harkon ist künstlerisch unter dem Namen Killustrations unterwegs. Dabei gestaltet er nicht nur Artworks für diverse Bands, er bringt seine Kunst auch in größerem Format unter die Leute. Er ist zusammen mit Jan Meininghaus und Thomas Ewerhard auch Mitglied bei dem Projekt Painted in Blood , welches Heavy Metal Artwork auf Festivals wie dem Wacken ausstellt und präsentiert.

Vorbestellung

Ihr könnt das Album in Adrians Bandcamp Shop auf CD oder digital vorbestellen KLICK. Ganz besonders erwähnen möchte ich die 5. Position im Bandcamp Shop. Da bekommt ihr alle 4 Releases auf CD für knapp 40 Euronen.

Das Turock in Essen haut mal wieder so richtig einen raus. Dieses Jahr feiern sie nicht nur das Turock Open Air mit uns allen. Dieses Jahr gibt es auch noch das Turock Sommerfest! Wir haben alle relevanten Infos für euch zusammen getragen.

Fakten, Fakten, Fakten

Termin: 23.07.2022

Ab 14 Uhr könnt ihr euch mit kühlen Getränken im Biergarten erfrischen. Dazu gibt es eine Cocktailbar, einen Food Truck und einen Jägermeisterstand. Für musikalische Untermalung sorgt der freundliche Open Air DJ.

Ab 19 Uhr gibt es dann in den Räumlichkeiten des Turock ganze 3 Bands zu sehen…und das völlig kostenfrei! Mehr dazu im nächsten Abschnitt.

Ab 23 Uhr steigt im Turock dann die Crossing-all-over-Party mit den besten Lieder aus dem Freitags und Samstags Programm des Turock.

Und jetzt kommt der Hammer. Es gibt 0,4l Krombacher für 3 Euro, 0,4l Guinness für 4 Euro und keinerlei Mindestverzehr bei 0 Euro Eintritt! Ich glaube, fairer geht es gar nicht mehr.

Die Bands

Den Anfang macht die Death-Core Kapelle Call of Charon, die inzwischen nicht nur im Ruhrpott wohlbekannt sind. Die Bühne wird beben, keine Frage.

Danach folgen mit Gloryful die nächsten local heroes, die euch Power Metal feinster Güte vor den Latz knallen werden. Ich durfte die Jungs bereits im Turock live bewundern, zusammen mit Brainstorm und Mob Rules. Link zum Beitrag, KLICK.
Schnallt euch an, das geht ab!

Der krönende Abschluss sind dann die Altmeister von Pyracanda aus Koblenz. Neu formiert gibt es Power/Speed/Thrash Metal und vielleicht auch das ein oder andere Lied von früher zu hören?!

Abschließende Worte

Bitte erscheint zahlreich und trinkt das ein oder andere Bier. Die komplette Veranstaltung drinnen wie draußen ist kostenlos. Wir alle wollen doch, dass es derartige Events auch in Zukunft noch gibt. Und das ist eben nur möglich, wenn wir alle den Arsch hoch kriegen und uns vor die Tür bewegen

Link zur Veranstaltung auf Facebook KLICK

Anfang des Monats gab es hier das erste Interview, mit dem ich eine Reihe begonnen habe, in der ich Interviews mit Schlagzeugern führen werde, die auf die eine oder andere Weise mein Interesse geweckt haben.
Heute ist Hartmut Stoof an der Reihe – Drummer bei GLORYFUL, die im letzten Jahr ihr viertes Studioalbum „Cult of Sedna“ herausgebracht haben. Doch heute geht es nur ums Drumming: Vorbilder, Üben, Stil und darum, was Drumming mit Tischtennis zu tun hat. Ja, da gibt es eine Verbindung – zumindest bei Hartmut. Aber lest selbst:

Wann hast du mit dem Schlagzeugspielen angefangen? Und wie bist du überhaupt darauf gekommen, Schlagzeug zu spielen?

Mit zwölf Jahren bin ich zufällig zum Schlagzeugspielen gekommen. Ich war mit einem Freund zum Tischtennistraining verabredet. Er war damals Gitarrist seiner Abi-Band und hatte von der Probe am Vortag noch das Equipment stehen. Zu dem Zeitpunkt wollte ich eigentlich Bass lernen, aber er fragte mich, ob ich mich nicht mal ans Schlagzeug setzen wolle. Ich fand sofort Gefallen daran, auch wenn es klang, als ob jemand die Treppe herunterfällt und so wurde das Tischtennis-Systemtraining häufiger durch Musiksessions ersetzt. Meine alleinerziehende Mutter war von meinem Vorhaben Schlagzeug zu lernen wenig begeistert – zu teuer und zu laut für ein Mehrfamilienhaus.

Hast du direkt Unterricht genommen?

Zu der Zeit gab es YouTube ja noch nicht. Mein Freund Hilmar zeigte mir erste Kniffe, wie beispielsweise Double Strokes. Der spätere Drummer seiner Abi-Band wies mich auf Paradiddles hin – das sind unterschiedliche Rechts-Links-Kombinationen.    
Unterricht an einer Musikschule hatte ich nie, daher ist meine Stockhaltung evtl. nicht nach Lehrbuch.

Das scheint deinem Spiel aber nicht zu schaden. Wo hast du denn eigentlich geübt, wenn das zuhause eigentlich zu laut war?

Geübt habe ich zu Beginn nur bei den Treffen mit Hilmar, wenn wir die Musik höher priorisierten als das Tischtennistraining. Wochen später, als sich herauskristallisierte, dass ich daran immer mehr Gefallen fand, kaufte ich mir Stöcke und ein Hartgummidämpfungspad, das man sonst auf die Snare legt, um leise zu spielen. Das legte ich auf die Sitzfläche meines Schreibtischstuhls und begann so zuhause meinen Bruder, meine Mutter und unsere Nachbarn zu tyrannisieren.

Dann ergab sich eine andere Möglichkeit: ich konnte mein Schlagzeug in meiner Schule abstellen und dort nach Herzenslust die Felle verdreschen. Später hatte ich Proberäume in örtlich nahgelegenen Jugendzentren, die es heute leider fast gar nicht mehr gibt.  

Vorbilder und der eigene Stil

Gab es damals ein Vorbild/einen Drummer, der dich beeindruckt hat? Was hat dich beeindruckt?

Als ich anfing, zählten für mich musikalisch nur komplette Bands und keine Musiker oder Individualkünstler. Erst später taten sich für mich Szenegrößen hervor, wie beispielsweise Dave Lombardo (damals SLAYER) oder Mike Portnoy (damals DREAM THEATER).  

1995 kaufte sich mein Bruder „The Gallery“ von DARK TRANQUILLITY. Das Album liebe ich heute noch wegen seiner Kompositionen und dramatischen Stimmung. Mir gefielen die Akzentuierungen und Fill-Ins ihres Schlagzeugers Anders Jivarp, die ich auch (syn-)kopierte.
Ein weiterer Schlagzeuger, der mir damals aufgefallen war, ist Marc Zonder, damals Schlagzeuger von FATES WARNING. Dieser Drummer hat Groove, Feeling und für damalige Verhältnisse unkonventionelle Ideen – faszinierend.      

Wann hast du das erste Mal mit anderen zusammen gespielt/in einer Band gespielt? Wie ist es dann weitergegangen?

Erste Banderfahrungen hatte ich 1996. Ehrlich gesagt, weiß ich gar nicht mehr, wie der Kontakt initial entstand, jedoch schloss ich mich einer bereits bestehenden Band namens HELL’S PARADISE an. Wir hatten in den ca. vier Jahren gemeinsamer Bandgeschichte und Freundschaft zahlreiche regionale Auftritte, aber auch nie darüber hinaus. Mit Hilmar – du erinnerst dich – dem Initiator meiner Drum-Story und Bassist Manuel hatte ich von 1996 bis 1997 die Band CABBAGE PATSCH SNACK TIME DOLLS. Wir nahmen eine Demo-Kassette mit 10 (!) Tracks auf.Die Band löste sich jedoch nach dem ersten Konzert auf.
2001 wurde ich einer Band vermittelt, die später zumindest überregional bekannter war – SYMBIONTIC. 2002 gab es ein Demo und zwei Jahre später das Album „Vaya“. In den zehn Jahren Bandgeschichte gab es außerdem zahlreiche Auftritte.

Zwischendurch gab es immer mal kleinere Projekte, bei denen ich mitgewirkt habe. 2006 half ich bei der Metalcore-Band DEADSOIL aus und beschlagnahmte danach den Drumthrone bis zur Auflösung 2009. Dort lernte ich übrigens Jens Basten von NIGHT IN GALES kennen.

2011/12 sprang ich dann als Stammersatz bei ihnen ein. Ja, und dann kam die Anfrage, bei GLORYFUL zu spielen, bei denen ich seit 2012 die Felle bearbeite.

Detailverliebt mit eingebranntem Dauergrinsen

Wie hast du deinen eigenen Stil entwickelt?

Daraus ergibt sich für mich primär die Frage, ob ich überhaupt einen eigenen Stil habe?
In vielen Dingen bin ich sehr detailverliebt, was sich auch musikalisch widerspiegelt. Selbstredend habe ich meine Bausteine, wie auch jeder andere Künstler nach bestimmten Mustern arbeitet und dennoch versuche ich bestimmte musikalische Punkte hervorzuheben und Energiefluss, Spannung und Dramaturgie zu fördern á la „der Rhythmus, bei dem man mit muss“ (lacht).

In der Beschreibung von massacre-records steht: „Drummer Hartmut Stoof trommelt mit seinem Doublebass-Gewitter alles in Grund und Boden.“
Was sagst du dazu? Wie weit bzw. in welcher Hinsicht trifft das zu?

Man darf sowas nicht überbewerten. Es handelt sich hierbei ja um eine Verkaufspromotion, ähnlich eines Werbeslogans. Sowas steht und fällt auch immer mit der jeweiligen Relation. In puncto Geschwindigkeit, Ausdauer und Härte gibt’s bei weitem sehr viele andere erwähnenswerte Drummer.                               

Wie würdest du denn dein Drumming beschreiben? Woran kann man erkennen, dass du am Schlagzeug sitzt?

Ich denke nicht, dass ich – also musikalisch gesehen – so etwas wie ein Wiedererkennungsmerkmal habe. Aber das sollen andere beurteilen. Optisch allerdings glaube ich das schon, da wahrscheinlich kein anderer das eingebrannte Dauergrinsen beim Spielen hat. (lacht)

Auch ein Drummer mag Hooklines und schöne Melodien

Wenn du Musik hörst/in Konzerte gehst – achtest du da besonders auf das Drumming? Wie muss das sein, damit es dir gefällt?

Wenn ich mir bewusst eine Band ansehe, achte ich auf die markanten Stellen. Das können Hooklines der Gitarren, ein grooviger Takt und auch eine schöne Gitarren- oder Gesangsmelodie sein. Ansonsten bin ich wie jeder andere auch: der Entertainmentfaktor überwiegt. Beim Hören verhält es sich ähnlich. Ich mag jedoch knackige Slappings vom Bass oder auch schöne Bassharmonien und natürlich auch treibende Parts und schöne Gesangsmelodien, die man mitträllern kann.

Du spielst mit hohem körperlichem Einsatz. Über welche körperlichen oder motorischen Kompetenzen/Fähigkeiten muss ein Drummer verfügen? Hältst du dich in einer besonderen Weise fit? 

Drumming erfordert zu Beginn viel Übung. Gerade die Koordination und vor allem der Anschlag und die Tightness, also bewusste Anschlagsdynamiken und konstant das jeweilige Tempo spielen zu können, sind große Herausforderungen. Meiner bescheiden Meinung nach, benötigt man aber keine überdurchschnittlich hohe körperliche Fitness. Vieles ist Fleiß und Disziplin. Falls der Spaßfaktor entsprechend hoch ist, sind das dann echte Selbstläufer.
Regelmäßig proben sollte man dennoch, zumindest um einen gewissen Status Quo zu halten. Jedes neu erlernte Wissen erfordert dann zusätzliche Zeit und Übung.
In meinem Fall trainiere ich mindestens zweimal die Woche Tischtennis, fahre mit dem Rad zur Arbeit und bin saisonaler Jogger, was meinen Grad an Bewegung und meine Physis aufrecht hält.   

Felle und Bälle – zum Auspowern und als Balsam für die Seele

Du bist ja nicht nur ein aktiver sondern auch ein erfolgreicher Sportler. Ist das für das Schlagzeugspielen von Vorteil? Gibt es Gemeinsamkeiten im Hinblick auf Koordination und Konzentration?

Sport oder gezielte Bewegung schadet letztlich niemandem, wenn‘s nicht gerade Extremsport ist. Antworte ich einem Orthopäden auf seine Frage, ob ich Sport mache, mit: „Tischtennis“, werde ich spöttisch belächelt und er erwidert: „Nee nee, ich meinte Sport.“

Tischtennis erfordert für den Zeitraum eines Ballwechsels enorme Konzentration und Körperspannung, zusätzlich fördert und steigert die Geschwindigkeit des Sports das Reaktionsvermögen. Das hilft generell in stressigen Situationen einen kühlen und lösungsorientierten Kopf zu bewahren und hilft zeitgerecht zu improvisieren falls nötig.

Dein Verein hat im letzten Jahr über dich geschrieben, dass das Schlagzeugspielen für dich eine Leidenschaft ist, wie auch das Tischtennisspiel. Und in gewisser Weise ist das Tischtennisspiel ja auch – wie du eingangs erzählt hast – dafür verantwortlich, dass du überhaupt mit dem Schlagzeug angefangen hast.

Das eine hat bei mir das andere irgendwo bedingt. Hätte ich damals nicht mit Hilmar trainiert, wäre die Konstellation des Übens am Schlagzeug wahrscheinlich nie entstanden. Sowohl Drumming als auch Tischtennis sind seither nicht mehr aus meinem Leben wegzudenken. Beides trägt essenziell dazu bei, dass ich im Alltag ausgeglichen bin. Salopp formuliert: entweder verdresche ich Felle oder Bälle; das bietet einige Kompensationsmöglichkeiten (lacht).

Aber ist das Schlagzeugspielen eine Leidenschaft für dich? Wie wäre es, wenn du nicht mehr spielen könntest? Was ist für dich das Wichtigste am und beim Schlagzeugspielen?

Auf eine der beiden Aktivitäten zu verzichten bräche mir mein Herz und brächte mich um den Verstand.

Beides bietet die Möglichkeit soziale Kontakte aufrecht zu halten/ zu pflegen, den Kopf auszuschalten und sich auszupowern ist sowieso Balsam für die Seele. 

Musikalische Ideen und physische Grenzen

Um noch einmal auf das Schlagzeugspielen an sich zurückzukommen: Nicko McBrain hat mal gesagt, dass er tendenziell schneller spielt, wenn er müde ist. Ist es bei dir auch (tages)formabhängig, wie schnell du spielst?

Bei mir bemerke ich da eher das Gegenteil. Wenn ich müde bin, spiele ich in der Regel unkonzentriert und habe, je nach Rhythmus, ein ungewolltes „laid-back feeling“.
Tagesformabhängigkeiten sind menschlich. Wir können nicht jedes Mal auf Knopfdruck dieselbe Leistung abrufen. Und klar wirkt es sich aus, wenn ich mental nicht bei der Sache bin, vorher wenig gegessen oder getrunken habe oder mich nicht ordentlich aufgewärmt habe. 

Wie oft übst du eigentlich? Und wie sieht das dann aus? Hast du einen bestimmten Ablauf?

Ich übe mittlerweile weniger als einmal wöchentlich, was auch mir zu wenig ist. Je nach Auslastung, Laune und Zeit. Die Übungen sind nicht stringent einem Muster folgend.
Das sind zum Teil Unabhängigkeitsübungen, Timing und Kondition. Oft spiele ich Songs unterschiedlicher Interpreten und Musikstile mit und improvisiere darüber. Das fördert meine Kreativität. 

Über dein hohes Tempo beim Spielen haben wir ja schon gesprochen.
Bist du durch das Üben schneller geworden? Ergibt sich das Tempo durch die Struktur der Songs?

Schon sehr früh wollte ich schneller spielen können. Die damaligen Möglichkeiten und Limits waren aber deutlich unter den heutigen. In den frühen 90ern galten im Metal-Genre Gene Hoglan (Dark Angel),  Dave Lombardo (Slayer) und der jüngst verstorbene Sean Reinert (Cynic, Death) als Maß der Dinge.
Heute ist die Anzahl schneller und fähiger Metaldrummer überwältigend.

An seine physischen Grenzen stößt man aber oft zunächst durch eine Idee. Man hört einen neuen Song, hat eine initiale Idee, was man dazu spielen kann. Wenn es dann an der Umsetzung hapert, übt man solange, bis die Idee umgesetzt ist.

Double-Bass-Dauerfeuer versus Spannungsbogen

Bobby Rondinelli (BLACK SABBATH) hat mal gesagt, dass es besser sei, keine Double-Bass zu spielen als sie zu viel einzusetzen. Wie siehst du das? Welche Rolle spielt das Double-Bass-Spiel für dich oder dein Drumming?

Ich sehe es ähnlich. Doublebass ist lediglich ein Stilmittel und sollte auch genauso eingesetzt werden. Wenn Doublebass als dreiminütiges Dauerfeuer abgeschossen wird, gibt es keinerlei Spannungsbögen. Ähnlich verhält es sich beim Einsatz von Blastbeats im Death – und Black Metal. Die Abwechslung macht’s. 

Braucht man eigentlich unbedingt zwei Bass-Drums und/oder viele Toms, um druckvoll zu spielen?

Wenn alle Kessel mikrofoniert werden, ist der Aufwand, die beiden tonal aufeinander abzustimmen ziemlich hoch. Das kann mitunter zeitaufwendig und nervig werden. Viele Schlagzeuger haben zwar ein Doublebass-Set stehen, spielen aber nur eine Bassdrum per Doppelfußmaschine. Mit zweien sieht das eben protziger aus.
Und manchmal muss man sich als Drummer auch den örtlichen Gegebenheiten anpassen. Im Gegensatz zu den Saiteninstrumentalisten, die immer auf ihrem eigenen Equipment spielen, muss sich ein Schlagzeuger oft den individuellen Set-Ups stellen, die ihn erwarten.
Die Größe des Equipments spielt nur bei der Vielfalt der Klänge eine Rolle. Druckvolles Spiel hingegen geht letztlich auch mit sehr wenigen Kesseln und Becken. 

Ein neues Drumset

Im letzten Jahr hast du dir ein neues Drumset zusammengestellt. Wieso wolltest oder brauchtest du ein neues?

Der Grundgedanke ergab sich aus einem Live-Set. Zuvor hatte ich mir im Bedarfsfall über den Drumdealer meines Vertrauens ein Standard-Set (Kesselsatz mit dazugehörigen Stativen) für geringes Geld geliehen. Als dieser die Pforten schloss, musste eine Lösung her. Mein altes Schlagzeug, mit dem ich immer zufrieden war, hatte zu dem Zeitpunkt 19 Jahre auf dem Buckel. Ich habe mir dann überlegt, dieses Set live einzusetzen und mir ein neues Drumset für den Proberaum und Studiosessions zuzulegen. 

Was hast du verändert bzw. nach welchen Kriterien hast du dein neues Set zusammengestellt?

Das neue Setup hat sich etwas gewandelt. Die Anzahl und Auswahl der Becken hat sich im Wesentlichen nicht verändert. Der Kauf beinhaltete jedoch einen neuen Kesselsatz, den ich um eine 18 Zoll-Floortom ausgedehnt habe und ein neues Rack mit neuen Stativen für die Becken.
Im Proberaum habe ich gerne den identischen Aufbau zum Studio, da ich dort die Feinheiten und klanglichen Akzente üben kann, die dann auch auf dem Tonträger zu hören sein sollen.

Ist dein Studio-Drumset anders als das, das du auf Tour benutzt?

Live spiele ich ein abgespecktes Set. Kleinere Akzentbecken kommen in den meisten Clubs durch die sporadische Mikrofonierung sowieso nicht adäquat rüber, daher belasse ich es beim „Standard“: zwei Crashes, zwei Chinas, Ride und Hi-Hat. Einzig von mir vorgegebene Prämisse sind zwei zentrale Hängetoms oberhalb der Bassdrum, um Tomläufe improvisationsfrei umsetzen zu können. 

GLORYFUL

Du bist seit der Gründung von GLORYFUL mit dabei. Wie kam es zur Gründung der Band?

Das ist so nicht ganz korrekt. Die Gründung der Band basiert auf Jens und Johnny, die zusammen das Demo „Sedna’s Revenge“ schusterten und veröffentlichten. Die beiden lernten sich zufällig kennen. Irgendwann fiel dann der fast schon stereotype Satz, der immer irgendwann kommt, wenn Musiker sich treffen und wissen, was der andere so drauf hat:  „Wir müssen was zusammen machen!“ Das war der Beginn von Gloryful. Die beiden schusterten das Demo „Sedna’s Revenge“ zusammen, das viele positive Rezensionen erhielt. Klar, dass sie die Musik auch auf die Bühne bringen wollten. Dazu suchten sie Mitstreiter.

Welchen Anteil hat dein Tuning auf den Sound von GLORYFUL? Was macht deiner Ansicht nach den Sound von GLORYFUL aus?

Die Frage kann von Außenstehenden eigentlich besser beantwortet werden als von einer involvierten Person.
Meines Erachtens ist Johnnys Stimme unser Aushängeschild mit dem größten Wiedererkennungswert. Offene Münder hingegen hinterlassen eher Adrians Soli, die mir auch jedes Mal ein breites Grinsen ins Gesicht treiben.
Rezensenten heben ansonsten auch immer wieder unsere zweistimmigen Gitarrenmelodien hervor. Das ist nicht unbedingt unser Trademark, da es unzählige andere Bands vor uns – und auch jetzt noch genauso als Stilmittel einsetzen.
Ich sehe mich und mein Drumset oder meinen Sound da eher in einer untergeordneten Rolle.

Gibt es einen GLORYFUL-Song, den du besonders gerne spielst?

Mh, das ist schwierig. Alle Songs haben tolle Passagen, die ich gerne spiele und auch höre. Ich kann eher sagen, dass es Songs gibt, die mir im Studio sehr viel Spaß bereitet haben, die es aber bisher noch nicht auf die Bühne geschafft haben. Also z.B. „McGuerkin On The Bridge“, „El Mare, E Libertad“, „Siren‘s Song”, “Desert Stranger “ oder auch “My Sacrifice”.

 Abwechslung macht das Leben aus

„Desert Stranger“ würde ich – ebenso wie „Siren’s Song“ gerne mal live hören.
Spielst du zurzeit eigentlich noch in anderen Bands?

Nee, ich habe mich „zur Ruhe gesetzt“ (lacht). Bis einschl. 2016 waren NEORIZE, wo auch Gloryful-Bassist Danij Perl spielt, aktiv. Nachdem wir uns bei der Ausrichtung des zweiten Albums nicht einigen konnten, verlief das Ganze im Sand, obwohl wir die Songs unseres Debüts „We The 99“ und  die gemeinsame Zeit immer noch feiern.

Du hast im letzten Jahr bei einer Tour von NIGHT IN GALES ausgeholfen. Wie ist es für dich, einen anderen Stil zu spielen? Magst du die Abwechslung? Ist das eine Inspiration für dich?

Abwechslung macht meiner Meinung nach das Leben aus. Alltag und Routine müssen durchbrochen werden. Daher finde ich solche Stilausflüge beflügelnd. Schon 2011/12 habe ich bei Night In Gales ausgeholfen. Da lag es nahe, dass mich Jens auch für die jüngste Minitour ins Boot holte.

Gibst du eigentlich auch Unterricht?

2019 hatte ich tatsächlich meinen bisher einzigen Schüler. Das war auch für mich eine Herausforderung. Konzepte erstellen, Methodik weitergeben, motivieren und somit konstruktive Kritik üben und geduldig auf Fortschritte warten.

Gibt es etwas, dass du Leuten, die sich überlegen, mit dem Schlagezugspiel zu beginnen oder gerade damit angefangen haben, mit auf den Weg geben willst?

Habt Spaß an dem, was Ihr macht, dann fällt Euch das Üben erheblich leichter.
Anfangs besteht der Eigenanteil der Musik aus Profilierung. Mit der Zeit kommt die Erkenntnis, dass die Musik selbst die Profilierung ist.

So, das war’s für heute. Herzlichen Dank für deine ausführlichen Antworten!

Vielen Dank Birgit für das tolle Interview!

Der Weihnachtsmann war da, das Jahr neigt sich unweigerlich dem Ende zu…und Geburtstag hab ich auch noch *hust* Es ist an der Zeit, ein wenig zurück zu blicken, auf die Highlights 2019. Das selbe hab ich bereits 2018 getan. Wer nochmal nachlesen möchte, was mir damals besonders gefallen hat KLICK.

Spotify Highlights

Auch in diesem Jahr hab ich mir von Spotify wieder eine kleine Auswertung erstellen lassen. Wer das für seinen Premium Account ebenfalls tun will, der klicke einfach hier KLICK. 57.633 Minuten Musik hab ich mir also aufs Ohr gegeben. Das sind gute 960 Stunden bzw. 40 Tage ununterbrochen Musik. Davon gingen über 46 Stunden an meine diesjährige Top Band….nämlich Astillian aus den USA. Hätte ich jetzt selbst nicht gedacht, aber das Album ist auch einfach gut. Direkt darauf folgen Deserted Fear, Downfall of Gaia, Krigsgrav und Swallow the Sun. Man sieht, dieses Jahr mochte ich es musikalisch besonders doomig, düster und wie immer…sehr melodisch

Lieblingssongs

Meine Lieblingssongs im Jahr 2019 werden ganz klar von „The Black Lodge“ von der Band In Mourning angeführt. Da gab es auch gar keinen Zweifel bei mir. Das spannende ist, das ich von dem restlichen Album „Shrouded Divine“ aus dem Jahre 2008 gar nicht so begeistert bin. Aber dieses eine Lied ist einfach ein Kracher und vereint eine ganze Menge an Elementen, die für mich Melodic Death Metal ausmachen. Alleine schon diese extrem tiefen Growls, gepaart mit grandiosen Melodien. Das Lied muß man ganz hören. Nur mal eben 30sec anspielen gilt hier nicht Einfach der Hammer, aber hört selbst.

Darauf folgt „As our Bones Break to the Dance“ von den absolut grandiosen Downfall of Gaia. Ein fantastischer Song, den die Band leider nicht live spielt (zumindest auf den beiden Gigs, auf denen ich anwesend war), warum auch immer. Hier ein richtig schönes Drum Playthrough Video mit Michael Kadnar, der mit mindestens der selben Intensität auch live spielt. Absolut sehenswert, da kriegt man direkt wieder Bock auf ein Konzert

https://youtu.be/am6vlxeCIGc

Mit „Shieldwall“ folgt das erste Lied von meiner Top Band 2019, Astillian. Für mich ganz easy der beste Song auf dem Album, dicht gefolgt von „Shrouded in the Wild“. Atmosphärisch, tolle Growls, geile Melodien…da lacht das Melo Death Herz.

Und auch in meiner Reihenfolge der meist gehörten Songs 2019, folgt „Shrouded in the Wild“ auf „Shieldwall“. Bei dem Lied braucht man sicher etwas länger, um rein zu kommen…aber wenn es dich erst mal hat, besticht einfach die Stimmung, die aufgebaut wird.

Auf Platz 5 folgt endlich ein Krigsgrav Song…ich bin ehrlich gesagt überrascht, das es nicht mehrere von Krigsgrav in die Top5 geschafft haben. Liegt vermutlich daran, das ich alle 3 Alben, die auf Spotify verfügbar sind, zu ziemlich gleichen Anteilen gehört habe. Einfach grandiose Musik, in meinen Ohren. „As the Color Fades from the Earth“ ist dann logischerweise auch einer meiner Lieblingssongs. Ein atmosphärischer 15 Minuten Klopper. Und jedesmal, wenn bei Minute 1:55 der knurrende Gesang einsetzt, krieg ich ne Gänsehaut.

Meine Album Highlights 2019

Ein paar Alben habe ich in 2019 natürlich auch gehört. Hier nochmal auf die Schnelle ein paar Reviews von Alben, die für mich heraus gestochen sind. Eigentlich wollte ich ne Top5 machen, aber ich hab dieses Jahr so viel gute Musik für mich entdeckt, dass ich mal auf etwas mehr erhöht hab. Es sind auch ältere Sachen dabei. Mir ging es nicht darum, aufs Erscheinungsjahr 2019 zu begrenzen.

1. Downfall of Gaia – Ethic of Radical Finitude / KLICK
2. Brutus – Nest / KLICK
3. Dödsrit – Spirit Crusher / KLICK
4. Krigsgrav – Leave no Path to Follow / KLICK
5. Astillian – Waves at Dusk / KLICK
6. Gloryful – Cult of Sedna / KLICK
7. Swallow the Sun – When a Shadow is Forced into the Light / KLICK
8. Insomnium – Heart like a Grave / KLICK
9. Blackslash – Lightning Strikes Again / KLICK
10. Deserted Fear – Drowned by Humanity / KLICK
11. In Mourning – Garden of Storms (ööh…hab ich noch gar kein Review zu geschrieben, *hust*)

Konzert Highlights 2019

Ich war dieses Jahr leider weniger für Metal-Heads.de auf Konzerten, als ich gewollt hätte. Aber ein paar Highlights hat es gegeben. Brainstorm, Gloryful und Mob Rules zusammen im Turock war eins davon. Vorab hatte ich wenig erwartet und gerade Brainstorm klangen mir auf den Alben auch zu glatt…aber live war das absolut super. Dann war natürlich Rammstein Live in Gelsenkirchen ziemlich geil. Ich hab eigentlich noch nie erlebt, das die Massen in so einer großen Halle geschlossen so eine Stimmung machen. Rauf bis auf den Oberrang. Und die Band hat amtlich geliefert, das kann man nicht anders sagen. Downfall of Gaia in Tilburg war auch ein mega Erlebnis genau so wie Machine Head mit ihrer „25 years Burn my Eyes“ Tour, die ich ebenfalls in Tilburg gesehen habe. Zum Jahresabschluß gab es dann noch Sacred Reich im Turock, und Cage zusammen mit Gloryful im Dschungel-Club Moers. Ach ja, bei Amon Amarth, Hypocrisy und Arch Enemy war ich ja auch noch und habe euch einen kleinen Erfahrungsbericht mitgebracht.

Festivals 2019

Zuerst natürlich uns Haus und Hof Festival, das Rage Against Racism….auch dieses Jahr habe ich tolle Leute kennen gelernt. Grüße vor allem an Fabian und Philipp von Necrotted, über die ich mich besonders gefreut habe…und sie haben „Hunt down the Crown“ gespielt, es war sehr geil. Destruction und Vader haben ebenfalls ordentlich Stimmung produziert und das Festival gut gefüllt.
Natürlich war auch das Wacken Open Air 2019 richtig geil. Vor allem die Auftritte von Downfall of Gaia und Nailed to Obscurity hatten es in sich. Und auch die beiden Bands, mit denen ich vor Ort sein durfte (Gloryful und Night in Gales), haben amtlich geliefert. Ein tolles Erlebnis, was ihr hier nochmal nachlesen könnt KLICK. Ihr findet die Berichte zu den weiteren Tagen dann unten unter dem verlinkten Artikel.
Leider konnte ich urlaubsbedingt dieses Jahr nicht auf dem Dong Open Air sein und auch mit Nord und Turock Open Air hat es leider wieder nicht geklappt.

Aussicht 2020

Zuerst freue ich mich auf das neue Night in Gales Album, das 2020 erscheinen wird. Und dann hoffe ich, dass ich mehr Konzerte bzw. Festivals besuchen kann…vor allem das Dong Open Air wäre mir wieder ein Anliegen, ist einfach geil da oben auf dem Berg. Und es steht sogar das 20 jährige Jubiläum ins Haus, wenn ich mich nicht irre. Ansonsten würde ich gern zusätzlich ein großes Festival besuchen, wenn es familiär irgendwie hin haut. Downfall of Gaia sind im März Pflicht und auch Nailed to Obscurity würde ich gern live irgendwo sehen. Mal schauen, was das Jahr so bringt…ich hab schon Bock

Irgendwann im Jahr 2017 war die amerikanische Powermetal Kapelle Cage auf einem Europa Trip. Dann kam das eine zum anderen und durch ein paar Kontakte landeten sie schließlich für einen Gig im kleinen aber feinen Dschungel-Club in Moers. 2019 sollte das ähnlich ablaufen. Cage waren wieder in Europa und (eher nicht) zufällig auch wieder in Moers zu Gast. Es wurde noch ein Opener gesucht und durch ein paar weitere Zufälle hieß es dann am 03.12.2019 „Cage und Gloryful Live im Dschungel“.

Cage Live

Für einen Dienstagabend war der Club gut gefüllt und die Stimmung war von Anfang an gelöst. Gespräche hier, Bier dort…alles lief, im wahrsten Sinne des Wortes. Ich würde jetzt mal auf ca. 70-90 Metal Fans tippen, aber nagelt mich nicht drauf fest. Sowas ist immer schwer abzuschätzen. Wie das Schicksal es manchmal so will, steckte ein fröhlicher Gloryful Musikant im Verkehr fest (oder so ähnlich) und so wurde der Headliner zum Opener. Cage waren sich dafür selbstredend nicht zu Schade und enterten gegen 20.15 Uhr die Bühne. Da Powermetal nicht mein Genre ist, kannte ich die Kombo nur vom Namen nach. Das sollte sich aber glücklicherweise gleich ändern.

Husten, Schnupfen, Heiterkeit

Sänger Sean hatte an dem Abend sichtlich Probleme mit Husten bzw. einer Erkältung. Das merkte man aber weder an der Stimme noch an seiner Performance. So stand eine Art Reinkarnation von Rob Halford auf der Bühne und gab hohe Töne zum besten. Die begleitenden Musiker an ihren Instrumenten ebenfalls über jeden Zweifel erhaben. Vor allem Gitarrist Casey fiel mir auf, der voller Hingabe seine Riffs und Soli zum besten gab. Später hatten wir noch ein anregendes Gespräch an der Theke, ein richtig netter Kerl. Auch der Drummer gab ordentlich Vollgas. Insgesamt herrschte eine geile Atmosphäre im kleinen Dschungel. Und auch über den Sound konnte man sich wahrlich nicht beschweren. Rob, der Mischer von Gloryful, mal wieder mit einer ausgezeichneten Leistung. Die Band hatte Spaß, die Zuschauer hatten Spaß und so kann man insgesamt nur von einem gelungenen Auftritt sprechen. Hoffentlich sehen wir Cage im Dschungel in Zukunft wieder.

Gloryful Live

Kurz vorab…leider habe ich von Gloryful nur ein paar Handybilder, da unser Fotograf Chipsy los musste und ich keine Kamera dabei hatte.

Die Lokalmatadore waren, pünktlich zum Headliner Slot, in vollem Glanze und mit kompletter Mannstärke anwesend. Dazu hatten sie auch einiges an Fans gezogen. So stand einer erfolgreichen Fortsetzung des Abends nichts im Wege. Und was soll ich sagen…Gloryful sind halt Gloryful. Die liefern immer. Sänger Johnny ist einfach eine Rampensau, egal ob bei Ansprachen, Witzchen oder natürlich in seinen Songs. Das aktuelle Album „Cult of Sedna“ lädt aber auch förmlich zum feiern ein. Klassischer Heavy Metal, gepaart mit Thrash Elementen und den Gitarrensoli von Meister Adrian Weiss…Fan Herz, was willst Du mehr? Aber auch die älteren Scheiben sind durch die Bank eine Empfehlung, denn Hits finden sich auf jedem Album mehr als genug. So hat man auch nur zufriedene Gesichter gesehen, inkl. das von Wirt Stephan, dem beide Auftritte sichtlich Spaß bereitet haben.

Fazit

11,50 Euro Eintritt (im VVK) für 2 klasse Bands ist geschenkt. Dazu kaltes Köpi vom Fass, eine tolle Location in Moers, gut aufgelegte Musiker, mit denen man jederzeit ins Gespräch kommen konnte. Mehr geht nicht. So waren 5 Leute aus der Metal-Heads Redaktion nach dem Abend sehr zufrieden und haben gerne den Eintritt entrichtet. Hoffentlich war das, neben den ganzen Cover-Bands, nicht das letzte Metal Konzert im Dschungel-Club. Ich hätte da noch so ein paar Ideen aus der Umgebung…Jaded Heart aus Duisburg fand ich z.B. live auch großartig, oder Formosa aus Essen. Vielleicht finden ja auch solche Bands mal ihren Weg in den Dschungel. 

Da wir ja besonders gern über Bands berichten, die sich nicht in den Top10 der Metal Charts wieder finden, habe ich mir mal Christopher geschnappt, der bei Abaddon die Felle verprügelt. Und bei wem es jetzt klingelt…vielleicht hattest Du ja mein Review zu „The Wayfarer“ gelesen KLICK.

MH: Hi Christopher, vielen Dank, das Du dir die Zeit für ein paar Fragen nimmst. Bitte stell eure Band Abaddon doch mal kurz vor.

CL: Hey Frank, gerne doch! Wir sind Abaddon aus der Rockmetropole Wesel am Niederrhein. Die Band existiert bereits seit über 20 Jahren mit bewegter Biografie und einigen Besetzungswechseln. In unserer heutigen Form spielen wir seit ca. 2009 zusammen und bestehen aus:

Lead vocals and symphonic arrangements: Darius Widera (ex- Nebular Moon, Project Entropy)

Guitars and backing vocals: Marek Widera (Project Entropy)

Drums and backing vocals: Christopher Lankes (ex- In Chasm, Shockgnosis)

Guitars and backing vocals: Thorsten Stoltenow (Someone`s Missing)

Bass and backing vocals: Steffen Schmitz

Stilistisch bewegen wir uns wohl irgendwo außerhalb der Schubladen zwischen Melo-Death und einigen Symphonic Einflüssen. Frag mich jetzt nicht nach Helden oder anderen Bands, die uns früher beeinflusst haben – da muss ich (schon allein aus Altersgründen) passen, hehe.

The Seeker’s Vow

MH: In diesen Tagen erscheint, nach etwas „längerer Schaffensphase“, euer neues Album The Seeker’s Vow. Geplant ist vorerst nur ein Release über Streaming Plattformen. Soll das Album zum späteren Zeitpunkt auch noch gepresst werden oder was sind eure Pläne?

CL: Ohja, da ist tatsächlich wieder sehr viel Zeit seit unserem letzten Album The Wayfarer vergangen. Wir sind da wohl tatsächlich nicht die Schnellsten unter der Sonne. Die Songs sind über einen relativ langen Zeitraum entstanden. Trotzdem tragen alle die gleiche Grundstimmung in sich, die sich durch das gesamte Album zieht. Während der Produktion haben wir uns dann dazu entschieden, die Songs zunächst nur via Streaming Plattformen zu verbreiten. Bei uns im Studio lagern noch so viele Kartons mit Alben und EPs, dass ich damit schon die Proberaum Wand fliesen wollte. Gerade für kleinere Bands wie uns, bietet Streaming heutzutage die Möglichkeit, seine Musik unkompliziert, schnell und kostengünstig einem viel größeren Publikum zu präsentieren, als wir das mit CDs könnten. Momentan sind wir einfach glücklich, dass das Ding endlich veröffentlicht wird. Klar – es wäre auch toll nach der ganzen Arbeit, Schweiß und Herzblut das fertige Produkt in den Händen halten zu können. Darum will ich auch nicht ausschließen, dass wir zum kommenden Jahr The Seeker’s Vow als CD herausbringen werden. Ich hab da selbst Bock drauf und ein bisschen Platz für weitere Kisten mit CDs finden wir im Studio mit Sicherheit.

Jens Basten

MH: Jens Basten (Night in Gales und Gloryful) hat auch was zu eurer neuen Scheibe beigetragen. In welchem Umfang war er denn beteiligt und wie kam es dazu?

CL: Jens hat für den Song „Settling the Void“ ein Gitarrensolo eingespielt. Die Idee dazu kam spontan, erst während der Recordings. Auch auf unserem letzten Album The Wayfarer war er ebenfalls schon mit einem Solo auf „Abaddon“ vertreten. Auf den ersten Gloryful Alben sind bei den Groupshouts die engelsgleichen Stimmen von Marek, Darius und mir zu hören. Jens ist ein absolut großartiger Gitarrist und noch besserer Freund von Abaddon seit vielen Jahren. Durch unsere Zusammenarbeit im Studio für Gloryful und Night in Gales tauchen wir immer mal wieder gegenseitig auf unseren Alben auf und pflegen das auch gerne. Quasi hat das jetzt schon fast Tradition und wir waren sehr glücklich, dass er auch dieses Mal wieder amtlich abgeliefert hat.

Sängerin oder keine Sängerin?

MH: Euer letztes Werk „The Wayfarer“ war ja zum Teil im Symphonic Metal Bereich angeordnet und es war auch einiges an weiblichem Gesang zu finden. Eure damalige Sängerin ist ja glaube ich kein Mitglied der Band mehr. Soll es auf dem Posten bald einen Ersatz geben?

CL: Wer die Bandgeschichte von Abaddon von Beginn an verfolgt (und die ist lang!), der weiß, dass die Wurzeln ursprünglich absolut im Symphonic Metal Bereich lagen. Viel Orchester, viel Pathos und Bombast. Das war cool und hat vor 20 Jahren auch in die Zeit gepasst. Mit den Jahren hat sich da jedoch viel verändert. Der Stil hat sich grundsätzlich durch den Besetzungswechsel in 2010 gewandelt, als beide Posten an der Gitarre und mit mir am Schlagzeug neu besetzt wurden. Seitdem gibt’s etwas mehr auf die Fresse und weniger Bombast Nach dem Ausstieg unserer damaligen Sängerin ist es dann noch einmal klarer in eine Richtung weg vom Symphonic geworden. Ich will jetzt nicht kategorisch ausschließen, dass es in Zukunft auch mal weiblichen Gesang auf einem Song geben wird. Das wird jedoch die Ausnahme bleiben. Einzelne Key- und Orchesterparts  werden wir auch auf den kommenden Werken einsetzen, jedoch wesentlich reduzierter als in den Gründungsjahren.  Für die Zukunft wird es daher eher keine neue feste Dame am Mikrofon geben. Abaddon 2020 bleibt eine reine Boygroup.

Der Furz in der Lederhose

MH: Eure letzte Platte habt ihr noch komplett im eigenen Studio aufgenommen. Wie ist es dieses Mal abgelaufen?

CL: Wie du ja vorhin schon festgestellt hast, gehört Abaddon nicht gerade zu den effektivsten Bands. Das liegt zum einen daran, dass wir uns immer wieder sehr viel Zeit mit dem Songwriting nehmen und die Vorproduktion der Songs im eigenen Studio (Synesthesy Studios Wesel) gemacht haben. Einerseits ist es ein absoluter Luxus und toll auf das Studio zurückgreifen zu können und sich mit viel Zeit und Ruhe der Vorproduktion zu widmen – andererseits zieht es sich dadurch bei uns wie ein Furz durch ´ne Lederhose. Fluch und Segen. Unser letztes Album The Wayfarer haben wir komplett in Eigenregie aufgenommen und selbst gemischt. Das war ein Prozess von über 2 Jahren und am Ende hatten wir die Songs schon satt gehört, bevor auch nur eine CD gepresst war. Irgendwie schade. Beim aktuellen Album wollten wir das unbedingt vermeiden. Daher haben wir uns schon frühzeitig dafür entschieden, die fertigen Aufnahmen in die Hände von Mr. Dan Swanö zu legen. Das war wohl die beste Entscheidung, die wir treffen konnten. Ab dem ersten Kontakt hatten wir mit Dan schon ein gutes Gefühl und wussten, dass es das richtige ist. Das Ergebnis ist absolut großartig und fett geworden. Auch für die Covergestaltung haben wir uns an einen Profi gewandt und Björn Gooßes von Killustrations mit dem Entwurf des Frontcovers beauftragt.

Das Songwriting

MH: Euer Sänger Darius wohnt in England. Wie funktioniert da die Zusammenarbeit über diese Distanz?

CL: Well, mittlerweile haben wir uns mit der Situation ganz gut eingegroovt. Da auch unser Gitarrist Marek in diesem Herbst aus beruflichen Gründen mit seiner Familie nach Frankfurt gezogen ist, findet der Songwriting Prozess bei uns fast ausschließlich vor dem eigenen Rechner  daheim statt. Wir tauschen Ideen und Projekte aus, fügen hinzu und testen die Rohfassungen der Songs dann alle 2-3 Monate im Proberaum unter Gefechtsbedingungen aus. Wir haben damit den für uns besten Weg gefunden, auch über die Distanz die Band aktiv zu halten. Ich bin mir ziemlich sicher, dass das heutzutage bei sehr vielen Band(-projekten) der normale Weg ist. Dank der Technik, der Möglichkeit zum fast synchronen Austausch von Daten, ist es auch wesentlich einfacher geworden, miteinander arbeiten zu können. Du kennst das ja auch, Frank. Oder sitzt du etwa gerade in einem Lounge-Sessel einer Redaktion und hältst einen Notizblock in der Hand?!

MH: Wie sieht denn unter diesen Umständen die Zukunft für Abaddon aus? Wollt ihr eure Livepräsenz wieder etwas ausbauen oder wohin wird die Reise gehen?

CL: Abaddon ist mehr als nur die Band, die Musik veröffentlicht. Uns 5 Jungs verbindet über die Jahre eine tiefe Freundschaft und die Leidenschaft zur Musik. Das will keiner von uns aufgeben, weswegen wir – auch mit etwas erschwerten Bedingungen – weiter Musik schreiben und veröffentlichen werden. Wahrscheinlich werden die Abstände zwischen den Releases ähnlich weit auseinander liegen, wie bisher…aber was soll‘s. Scheiß drauf. Die Reise geht in jedem Fall weiter und wir arbeiten parallel bereits an neuem Material für das Album 2025 (bitte nicht so lang…)

Live wird man uns weiterhin regelmäßig auf Konzerten direkt vor unserer Haus-…ääh -Studiotür am Krachgarten in Wesel finden (Der Krachgarten auf Facebook) Dort spielen wir einmal im Jahr beim Open Air und schieben die Amps quasi eben aus dem Proberaum auf die Bühne. Der kürzeste Anfahrtsweg, den du dir denken kannst. Spaß beiseite – es wäre schön, noch ein paar Gigs im Jahr auf den Kalender zu schreiben. Das müssen wir jedoch leider tatsächlich von der räumlichen und zeitlichen Verfügbarkeit der Jungs abhängig machen. Ein bisschen was sollte für 2020 aber gehen.

Shockgnosis

MH: Du bist seit diesem Jahr festes Bandmitglied bei Shockgnosis (Interview mit Shockgnosis). Wie kam es zu der Zusammenarbeit und wie kriegst Du 2 Bands und Job unter einen Hut?

CL: Der Kontakt zum Shockgnosis Mastermind (sorry Kai!) kam über einen gemeinsamen Bekannten. Kai war im Grunde nur auf der Suche nach einem Studio oder Proberaum um für die kommende Shockgnosis Platte mit Sängern zu experimentieren. Wir haben uns im Studio getroffen und nach 3 Stunden intensiven Quatschens über Bands, persönliche Ziele und Bock auf Liveaktivität waren wir beiden uns dann einig, dass wir das Projekt Shockgnosis zusammen unbedingt auf die Bühne bringen möchten. Wie gerade schon erwähnt, bin ich durch Abaddon und den Studiobetrieb zurzeit nicht zu stark eingespannt und habe einfach definitiv Bock auf die Musik. Geprobt wird ebenfalls in Wesel im gleichen Studio, was die Sache für uns alle relativ einfach macht. Ich bin also entweder das eine Wochenende mit Abaddon oder das darauffolgende Wochenende mit Shockgnosis im Proberaum. Dazwischen bin ich selbstständig im Garten- und Landschaftsbau, was meine Zeit unter der Woche ziemlich ausfüllt. In zeitliche Nöte bringt mich zurzeit aber weniger mein Job oder die Musik, sondern viel mehr die Geburt meines Sohnes im September diesen Jahres Das ist gerade natürlich das wichtigste Projekt in meinem Leben und ich möchte die Zeit so sehr es nur geht zu dritt genießen. Dafür schiebe ich natürlich auch alles andere gerne mal beiseite. Meine wunderbare Frau räumt mir aber wirklich sehr viel Zeit für die Musik ein. Danke, Nadja!

Danke für das nette Interview

MH: Das letzte Wort hat bei uns der Gast und Du darfst gerne noch was loswerden. Nochmals vielen Dank für deine Zeit

CL: Vielen Dank fürs Lesen! Wen ich jetzt noch nicht erreichen oder überzeugen konnte: Zieht euch einfach Abaddon (KLICK) und Shockgnosis (KLICK) bei Spotify rein und gebt uns n ehrliches Feedback. Keine falsche Scheu, wir können es verkraften. Danke für das Interview, Frank!